Text: Boris Marberg

Artikelbilder: HDK, Cover Boris Marberg

Am vergangenen Samstag fand im Kunsthaus Baselland die aktuelle Präsentation und Performance der Graduierten des Jahres 2026 im Studiengang Doing Fashion statt. Ein guter Anknüpfungspunkt, sich mit dem Studiengang und der Ausrichtung der HGK in Bezug auf Modedesign zu beschäftigen.

Unsere Sichtweise auf Mode und den entsprechenden industriellen Komplex unterliegt seit Jahren einer Polarisierung, die von Fast Fashion und einer zunehmend (un-)social-media-bedingten Beschleunigung geprägt ist. Die individuelle Orientierung wird für die jüngere Generation zu einer existenziellen Herausforderung. Die Beschleunigung, der zeitgenössische Akzelerationismus, ist zwar nicht abrupt vom Himmel gefallen, wütet aber aktuell kulturell wie noch nie und frisst schonungslos, gewinnmaximierend, die Ressourcen. Berge an überproduzierter Kleidung häufen sich an und stellen Fragen nach Alternativen in den Raum, denen man sich auch in Basel annimmt.

Bereits 2011 fand eine tiefgreifende Umgestaltung und Neuausrichtung des Studiengangs statt. Unter der Leitung von Jörg Wiesel, der aus der Theaterwissenschaft und Literaturwissenschaft kommt, wurde ein Bachelor of Arts (BA) in Mode-Design konzipiert, der Mode nicht nur als fertiges Produkt fokussiert, sondern Mode als Prozess und soziale Handlung versteht. Während früher in Basel klassisch Modedesign gelehrt wurde, mit allen Aspekten der Gestaltung und der technisch-handwerklichen Umsetzung, geht es an der HGK nun darum, an einer gesellschaftlichen Schnittstelle anzusetzen. Die Studierenden setzen sich mit Themen wie Gender, Nachhaltigkeit, digitalen Räumen und sozialer Gerechtigkeit auseinander. Früher lag das Hauptgewicht auf dem Erlernen von Schnitttechnik, Materialkunde und der Fertigung physischer Kleidungsstücke für einen klassischen Markt. Heute beschäftigt man sich damit, Mode gesellschaftskritisch zu hinterfragen, wie sie wirkt, und welche gesellschaftliche und kulturelle Funktion sie hat. Konsequent findet für die Absolventen nicht eine klassische Modenschau statt, sondern eine Live-Performance und Installation bilden das Format für die Vermittlung.

Das erarbeitete Wissen und die gefundenen Prozesse sollen eine Basis bilden, um die erworbenen Fähigkeiten als Impulse in einem dann folgenden weiteren Designwerdegang einzubinden und mit einer kritisch reflektierten Sichtweise neue Impulse nachhaltig in die Branche zu vermitteln.

In den vergangenen Jahren hat diesen Werdegang unter anderem der junge, prämierte Designer Rafael Kouto durchlaufen, der 2014 seinen Bachelor in Basel machte, um dann seinen Master in Amsterdam zu absolvieren. Er steht für radikales Upcycling, Open Source in der Mode durch demokratisierte Wissensvermittlung und Bildung in der Schweiz.

Die aktuelle Performance wurde von den Studierenden zusammen mit Nils Amadeus Lange, Dozent für Performance und Präsentation an der HGK, konzipiert und umgesetzt. Im Kunsthaus Baselland wurden dann einzelne Fragmente der im Rahmen der Abschlussarbeiten konzipierten Performances gezeigt.

Bada Mirjam Kunzi

Hannah Maywald

Jerômé Spiria

Noemi Sophia Henkel

Sofiia Schmanskaya

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Text & Bilder: Boris Marberg

In Zusammenarbeit mit der FWTM* stellte der Freiburger Einzelhandel mit weiteren Kooperationspartnern erstmals über mehrere Tage hinweg ein Programm auf die Beine, um im Bereich Mode eine Präsentationsplattform für den Einzelhandel zu schaffen – die Freiburg Fashion Days.

(Bildimpressionen von den Modeschauen am Ende des Artikels)

Bereits seit vielen Jahren sind die meisten Innenstädte mit einem gravierenden Strukturwandel konfrontiert, ein Phänomen, das nicht nur Deutschland betrifft. Der inhabergestützte Einzelhandel in seiner ursprünglichen Vielfalt und Individualität blutet aus und wird zusehends durch große Ketten mit ihren einheitlichen Sortimenten und deren monotonen äußeren Erscheinungsbildern ersetzt. Traditionell prägte vorher in vielen Innenstädten eine bunte Vielfalt an Modegeschäften das kaufmännische Leben. Neben den kleinen, inhabergeführten Boutiquen sind in den vergangenen Jahren auch die größeren Häuser zusehends unter Druck gekommen und insbesondere die im Sortiment weit aufgestellten klassischen Kaufhäuser sind nun in der Existenzkrise. Die letzten Jahre der Pandemie, der Online-Handel, andere Präferenzen beim jungen Publikum und die aktuelle Kriegssituation mit dem einhergehenden Kostendruck setzt zusehends dem Handel zu und zwingt in Bezug auf die Attraktivität und Vitalität der Innenstädte zum Handeln.

In Freiburg hat man sich deshalb dazu entscheiden, den Handel zu vernetzen und im Rahmen der „Fashion Days“ mit einer Vielzahl von Veranstaltungen und Angeboten die Attraktivität des lokalen Handels herauszustellen, und damit in der Zeit vom 14. bis 17. September Kundschaft in die Innenstadt zu locken und den Modegeschäften neue Impulse und Möglichkeiten anbieten.

Freiburg wird nachgesagt, es sei nicht gerade eine Stadt, deren Bevölkerung sich an zeitgenössischen Strömungen in der Mode orientiert beziehungsweise sich mit solchen identifizieren kann. Vielmehr sei der typische „Freiburger Look“ funktional, pragmatisch der Landschaft und Natur entsprechend sportlich auf Freizeit ausgelegt, oder würde die klassischen Bedürfnisse des beruflichen Alltags bedienen. Es ist mühsam dies zu widerlegen oder verifizieren zu wollen, letztlich trifft diese Pauschalisierung wohl auf fast alle Städte in Deutschland zu, die nicht zu den Metropolen gehören. Der deutsche Einzelweg in Sachen Mode ist wie er ist und vielfach beschrieben und auch der Handel mit Mode in den Städten ist wie er ist und mit diesen Problemfeldern konfrontiert – es gilt das Beste draus zu machen, was an Potential vor Ort vorhanden ist. Zaubern kann niemand.

Entsprechend ist die Veranstaltungsreihe auf die Endkunden ausgerichtet und der Handel präsentiert aus dem aktuellen Sortiment heraus. Ein regionaler Bezug wird durch die Vorstellung einer Handvoll Labels aus der Region hergestellt. In den jeweilig teilnehmend Geschäften finden kleine Veranstaltungen statt und an zentraler Stelle hat man im ehemaligen Damenmodenhaus Kaiser einen Raum, in welchem „Pop-UP Stores“ präsentieren und verkaufen. In diesem ehemaligen, renommierten Modehaus finden auch Modenschauen statt – klassische Kaufhausschauen, wie man sie aus der Zeit bis in die 1980er aus den Kaufhäusern vielleicht noch kennt – also ein Format, an das sich ältere Semester noch erinnern. Ebenso sind Modeschauen gleicher Art unter freiem Himmel am Münster und im Colombi-Park vorgesehen.

Ausgehend davon, was ein vitales Stadtleben ausmacht, stellt sich die Frage, welche Kundenklientel mit welchem modischen Selbstverständnis angesprochen werden soll und welche Geschaftsklientel wünscht man sich aus der Perspektive der Stadt als Anbieter für eine kulturellen Plattform anschaulicher Lebensentwürfe? In welche Richtung erwartet man hier Impulse für eine lebendiges und kulturell reichhaltiges, vielschichtiges städtisches Leben? Mode(-design) als Kulturgut findet sich nicht eigenständig oder als Annex im Kulturkonzept der Stadt Freiburg, das verwundert nicht, denn auch andere Städte mit ausgeprägter, schöpferischer Modeszene tun sich hier immer noch schwer, wenn sie im Komplex Mode aktiv werden wollen. Mode wird landläufig als alltägliche Begleiterscheinung gesehen, selten als kulturell-soziales Thema, fast nie als eigene Sparte von Kunst. Konsequent verharrt man deshalb auf dem kommerziellen Ansatz und bespielt dieses Terrain mit den entspechenden Werkzeugen.

Dabei ist Mode schon immer viel mehr, ein Spiegel der Gesellschaft und der Milieuzughörigkeit. Sie drückt (bewusst, oder unbewusst) eine Haltung, eine Gesinnung und ein Lebensgefühl aus – und natürlich noch viel mehr.

Konkret besteht, wie oben erwähnt, neben der Vielzahl der Veranstaltungen der einzelnen Geschäfte der Freiburger Innenstadt noch im ehemaligen Damenmodenhaus Kaiser ein vielgestaltiger Pop-Up Store. Dabei hat man als Kooperationspartner das Unternehmen FAEX (Fashion Exchange) mit im Boot. Damit wird jungen Modeschaffenden eine Plattform angeboten, wie bei einer Musiktournee in mehreren Städten bei einheitlichem Konzept ihre Mode zu präsentieren und zu verkaufen. Nach dem Aufenthalt in Freiburg wird das Programm von FAEX im Anschluss vom 20. bis 24. September in Heilbronn präsentiert werden, mit zahlreiche Modelabels aus Berlin und Polen neben ein paar wenigen aus Baden-Württemberg.

* Freiburg Wirtschaft Touristik und Messe GmbH & Co. KG

Impressionen von einer der Modeschauen im Colombi-Park

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Der große Effekt ist in Paris eher ausgeblieben, obwohl die Modewelt darauf spekulierte, mit authentischen Liveshows wieder in dem Mittelpunkt zu rücken. Die Einbußen in diesem Sinne waren ja beträchtlich gewesen, mit den pandemiebedingten Reiseverboten, reduzierter Publikumsbesetzung bei Liveshows und weniger spektakulären Digitalpräsentationen der letzten Saisons. Ersteres hatte besonders die asiatischen Labels betroffen, die aber jetzt noch nicht in voller Präsenz wieder in die Modehauptstadt angereist sind. Immerhin waren die Starts großer Labels wie zum Beispiel Dior (Grazia Chiuri) farbenfroh ausgerichtet, mit Rückgriffen auf sonniges Italien der 60er und lockerer Freiheit der Frauenmode. Ähnlich bei Yves Saint Laurent mit einem Rekurs auf die Ära Paloma Picasso. Dieser Esprit konnte die Szene schon etwas auffrischen, aber echt Neues kam nach unserer Beobachtung ansonsten nicht spektakulär daher.
Im Gegenteil, statt der üblichen Sternstunden auf den Laufstegen wurde sogar die Newcomerin mit den tiefgelegten Ansprüchen, Marine Serre, zum Beispiel in Le Monde besonders herausgestellt, mit einem Konzept um einfaches Kochen und Essen herum, simpel und anspruchslos, stattdessen ökobewußt überfrachtet.

Etwas interessanter erschien uns das Stöbern auf der Trade Show Tranoï Paris Women’s September 2021, die aber diese Saison auch noch sehr geschrumpft daher kam, zwei Räume im Palais de Tokyo statt wie früher zwei ganze Gebäude. Zehn Labels wurden von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode beigesteuert, etwa 50 waren insgesamt präsent. Die eigene Präsentation der Fédération entfiel mit dem Zusammenschluss der beiden Newcomerformate dieses Jahr.

Ein paar neue Labels fielen uns besonders auf, die hier noch keine Erwähnung fanden. Besonders KARIMA, ein griechisches Label von Kalliopi Karavassili, das sich auf reine Handarbeitsstücke spezialisiert, aus edlen Materialien wie Seide aus Soufli. Jedes Einzelstück ist ein kreatives Unikat, alle feiern elegante Sexyness und komplizierte Knüpftechniken – verbunden mit einem Hauch von Folklore. Wenn die Sachen über andere Kleidung getragen werden, also eher ohne den starken sexy Impact, teilt sich das kreative und handwerklich raffinierte Konzept noch immer mit.

Überraschend sexy tritt auch die Kollektion von IHAB JIRYIS auf, wenn man bedenkt, dass der Designer in  Nord-Palästina arbeitet. Seine elegante Kollektion mit avantgardistischem Touch wurde letztes Jahr bereits auf der Arab Fashionweek gefeiert. Mit diversen Abschlüssen im Modedesign blickt er auf eine sehr fundierte Ausbildung zurück und focussiert sich auf Abendmode und exquisite Couture-Kleider.

LEAFY Natural Couture ist ein Label, das sich seit 2008 mit einem sozialen Projekt in Brasilien verbindet. Die Teile der Kollektion werden von Müttern, die in kleinen Fischerdörfern in Südbrasilien leben, sorgfältig aus handgesponnenem Seidengarn handgefertigt und mit organischen Pigmenten (wie Matekraut, Eukalyptusfasern, Kaffee und Urucum) gefärbt – damit soll die Kultur der traditionellen Handwebtechniken gefördert und bewahrt werden. In Verbindung mit sehr kreativem und zeitgenössischem Design ist diese Kollektion von bestechender Schönheit.

Bei der steten Recherche nach neuen Technologien und Kunsthandwerk ist die Designerin des Labels ARMINE OHANYAN PARIS auf den Künstler Kiichiro Ogawa gestoßen und hat mit ihm ein fantastisches Projekt (Collection No Season III – Edition limitée) für Hosen, Shirts Jacken und Mänteln kreiert, dazu Kleider: dynamische Grafik auf strenge Schnitte beziehungsweise Silhouetten in Beige wachsen zu einer tollen Kollektion zusammen. Außerdem ein Segment (hier nicht gezeigt) bestehend aus grauen und taubenblauen Stücken ähnlicher Formen, aus denen aber Reihen aus Rechtecken herausgestanzt sind. Insbesondere der erste Teil besticht durch seinen Kontrast der freien Bewegung und der streng beherrschten und reduzierten Form und der Farben Beige mit Schwarz in der eindeutig japanischen Charakteristik.

Das Label ZILLA aus Bolzano, Italien, entwirft knittrige oder flauschige Taschen von eigenartig elegantem Reiz. Die Oberflächen sind oft auffällig, leuchtend, manchmal sogar irisierend. Besonders die Futter sind so ausgelegt, um das Auffinden der Inhalte zu erleichtern. Die Designerin Sylvia Pichler liebt pragmatische Anliegen für die Nutzung, Verwandelbarkeit und haptische Qualität. Laminiertes Leder oder Nylon sind häufig genutzte Materialien. Einige weitere kleine Accessoires wie eine Handytasche, ein Schlüsselanhänger, ein Schlüsseletikett und ein Hut wurden dieser Saison hinzugefügt, um die Kollektion zu vervollständigen.

Der Abschnitt „Designer Collection“ präsentiert je ein Stück der von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode („designed by Alkeon“) ausgewählten Designer:

AVEC LE VENT:

THE STOLEN GARMENT:

ENFIN:

INGOROKVA:

OQLIQ:

TATA CHRISTIANE:

Für den März des kommenden Jahres hoffen wir dann wieder auf ein breiter gefächertes Angebot der Trade-Show, die – das ist der Vorteil zu den gebotenen Laufstegschauen – mehr Geheimtipps vereinigt, als das sensationsheischende Hauptprogramm. Wenn auch nicht so exclusiv und so exquisit und für uns bildmäßig nicht so exzellent.

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Text: Gerhard Paproth

Ein geradliniger Blick auf die Fashionweek Berlin AW2021 ist (noch) nicht möglich aber aus dem Vorfeld gerade darum sehr spannend:
– Geschäftsmäßig ist ein großer Teil zur Messe nach Frankfurt gegangen, das focussiert vorteilhafterweise den Blick auf Inhalte und Ausdrucksformen.
Wenn man die Vorankündigungen, die die Neuausrichtung propagieren,  interpretiert,
– konzentriert sich die Gesamtidee inhaltlich nun auf zukunftsträchtige Materialien, soziologische Themen und neue Wege der Herstellungen (sowie Gespräche und Diskussionen darüber, die einen großen Teil des Programms ausmachen).
– Ästhetisch dagegen bleibt alles noch unklar, zu mindestens im werbenden Vorfeld. Ästhetische Raffinesse und Geschmack scheinen, wenn man sie mal isoliert betrachten darf, keine eigene Rolle mehr zu spielen, sondern die Erscheinungsbilder folgen verstärkt ideologischen Vorstellungen – über das was man sieht, soll eine gesellschaftliche Positionierung vermittelt werden.

So verstanden trägt Mode, zu mindestens aus Berliner Perspektive, nicht mehr zur allgemeinen Geschmacksbildung und öffentlich ästhetischer Lust bei, sondern folgt entschieden der gesellschaftlichen Strömung, die weltanschauliche Perspektiven fordert. Damit definiert sich „Berliner Mode“ (oder vielleicht überhaupt deutsche) in einer deutlichen Abgrenzung zu Paris, Mailand oder London. Und entwickelt ein eigenes, neues Bild, insbesondere zu Luxus, das die Tradition radikal über den Haufen wirft.
Und auch ein oft ersehnter Anschluss an Berlins erfolgreiche 1920er Epoche wird konsequent negiert.

– Formal, der Corona-Pandemie geschuldet, verlegt sich jede Präsentation ins digitale Netz, vorzugsweise via Instagram. Infolge dessen entsteht vielfach ein komplexer denkendes Format, das die klassischen Presseinfos eher überspringt um sich direkt ans Publikum zu wenden. Für uns bedeutet dies, dass wir keine eigenen Fotos mehr machen können und auf Vorgaben angewiesen sind. Das ist nicht nur für die Dokumentation selbst wichtig, der wir mit eigenen Bildern bisher eine eigene Prägung verleihen konnten, stattdessen müssen wir die redaktionellen Inhalte nun mit „Vorgaben“ illustrieren, beziehungsweise mit Links und vorwiegend Screenshots. Wir betrachten diese neuen Abhängigkeiten mit Sorge, wenn auch mit Verständnis, in der Hoffnung, dass das eine vorübergehende Lösung ist.
Denn gerade wenn Inhalte mit weltanschaulichen Prämissen verknüpft sind, ist eine Vorgabestrategie der Bildbeispiele nicht unproblematisch für freie Medien.

Aber auch allgemein wird man kritisch darüber nachdenken müssen, inwieweit die Verlegung der authentischen Mode-Erscheinungsbilder ins Digital-Mediale künftig Sinn machen kann. Mode wird am Körper getragen, dies ist Teil der Auffassung von Real-Modeschauen und Präsentationen per begehbarer Installation etc., und sie wird wesentlich im Lebensumfeld erlebt. Und letztlich nicht im abstrahierend werbenden Webseitenkontext. Mode versteht sich als Teil des Lebenskontexts und nicht als künstlich animiertes Ideal.
Insofern kann man sich digitale Modepräsentation kaum als dauerhaften Ersatz für die lebendige Anschauung vorstellen, es sei denn, man hat seine Erlebniswelt ohnehin schon grundsätzlich in Kategorien der Onlinebestellung ausgerichtet.

Es bleibt also abzuwarten, ob die soziologische Leitidee für Modegestaltung sich langfristig als grundlegendes Prinzip wird durchsetzen können, das wird der modebewusste Mensch in der realen Welt entscheiden. Und auch, ob die mediale Vermittlung an den potentiellen Konsumenten per Digitalkonzept im Internet eine ausreichende Vorlage ist.
Für die Ausnahme der Pandemie-Zeit ist letzteres überzeugend, wenn es aber einen prinzipiellen Wandel einläuten soll, darf man gespannt sein. Begrüßenswert ist jedenfalls, dass Berlin sich eine eigene Position in der Modewelt erarbeitet, das hat seiner Fashionweek bisher in vielerlei Hinsicht gefehlt. Und mit der Ausrichtung auf klimafreundlichen Wandel ist der gewissermaßen revolutionäre Zug im Selbstverständnis auch richtig. Doch wenn attraktive Schönheit, Lust und Freude auf der Strecke bleiben, wird’s mit allgemeiner Akzeptanz und der internationalen Konkurrenz schwierig.

Und noch etwas fällt im Vorfeld auf: Die Auflistungen der beteiligten Designer. Das Programm, zum Beispiel des Berliner Salons, zeigt eine Mixtur hauptsächlich aus längst etablierten Labels und einigen neuen Namen. Die etablierten dürften letztlich ein gewisses Kontinuum im angekündigten Wandel ausmachen, da sind ästhetische Kriterien noch zentral und klimafreundliches Tun ein selbstverständlicher Teil der täglichen Arbeit, ohne sich damit besonders hervortun zu wollen. Ob die neuen Namen das ideelle Konzept radikaler nach außen kehren, wird sich zeigen. Sonst bleibt es nämlich wie zuvor, wo hauptsächlich in der Neo.Fashion.-Abteilung mit den Hochschularbeiten die konzeptionellen Veranschaulichungen im Sinne der angekündigten Programmatik vorgeführt werden.

Bildquellen:

Vorschaubild: Gerhard Paproth zu „Starstyling – Fashion Positions 2020“,
alle anderen: Screenshots von den Veranstalterseiten im Internet

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Text & Bilder: Boris Marberg

Unter dem Namen Ahoi Ahoi firmiert ein in Basel ansässiges Konzeptgeschäft von Josina Schiff, welches sich auf Produkte aus der Schweiz und von ausgewählten internationalen Projekten spezialisiert hat.

Bei Ahoi Ahoi finden sich inspirierende Kleinigkeiten – vielfach Wohn-Accessoires, Mode & Lifestyle. Aus dem Stammsitz in Kleinbasel heraus hat sich die Möglichkeit eines Pop-Up-Shops in der Innenstadt im „ThisIsYours Bisto und Store“ ergeben und wir seit dem 3. Oktober bis zum 31. Oktober 2020 auch für die Ausstellung „Stills“ mit den beiden jungen Künstlerinnen Linda Briem und Isabel Jakob genutzt.

Kombiniert wird die Ausstellung der beiden Künstlerinnen mit einer Präsentation der beiden nachhaltigen Mode-Marken „pinqponq“ und „EKN“.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Über die Fasnachtstage hat es mich aus persönlichen Gründen in die Steiermark verschlagen und per Zufall bin ich auf den jungen Designer Manuel Essl gestoßen, der in der Münzgrabenstrasse sein Atelier und Verkaufsraum betreibt. Der liebevoll eingerichtet Showroom lädt zum Verweilen und Stöbern ein. Hier konnte ich den Designer treffen, der am Kolleg für Mode und Design an der Modeschule Graz seinen bodenständigen Zugang zum Handwerk fand.

In den letzten Jahren ist eine Reihe von Kleinkollektionen mit modularem Charakter entstanden, die thematisch konsistent sind. Manuel Essl hatte schon mehrfach die Gelegenheit seine Kreationen mit Fördermitteln international zu präsentieren.

Ein Ausflug nach Seoul zur Seoul Fashion Week, als auch die Auszeichnung als bester Jungdesigner bei der Fürstenfeld Fashion Week zeigen, dass sein Talent und sein Enthusiasmus gesehen und gewürdigt werden.

Essl produziert seit 2015 seine Kreationen von Hand im eigenen Atelier und spricht ein Publikum an, welches Wert auf regionalen Ursprung der Kleidung ebenso legt, wie auf individuelle Ausdrucksmöglichkeit. In seinen Kollektionen verarbeite er visuell bisher unterschiedliche Themen und postuliert grafische Statements. Vom Thema Meer bis hin zur kosmologischen Deutung und Darstellung der Welt im Universum finden sich vielerlei Anknüpfungspunkte. Immer wieder finden sich Blumen und Florales in den Looks. Die Formgebung ist klassisch in den Silhouetten – feminin – von Edel bis Streetwear. Dabei rundet er seine Linie mit Basics ebenso wie mit passende Taschen und weiteren Accessoires ab. Gerade die kleinen Auflagen und die individuelle Produktion unterstreichen die Wertigkeit ebenso wie die Exklusivität mit jungem Charme und Verspieltheit.

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Text & Bilder: Boris Marberg

In der Tiefgarage des Basler Casinos präsentierten die Absolventen des Studienganges Modedesign ihre Abschlusskreationen am 9. März. Insgesamt zeigten 21 Designer jeweils eine Reihe von Kreationen. Die gesamte Veranstaltung und Schau stand unter dem Motto „Player“, was wohl dem Veranstaltungsort geschuldet war und als größerer Rahmen gedacht war.

Manchmal erweist es sich als vorteilhaft, wenn man sich Eindrücken, die man gewonnen hat erst wieder mit einem gewissen zeitlichen und räumlichen abstand zuwendet. Nun sind es schon einige Wochen, dass die Schau in Basel einen guten Aufhänger geboten hat, sich aus einem anderen Blickwinkel Mode zu nähern und eine spezifische Fragestellung in den Raum zu stellen – Wie fühlt sich Mode an? Die Frage mag angesichts dessen, dass landläufig Mode meist als etwas visuell Erfahrbares und Gegenständliches wahrgenommen wird, irritieren. Würde der visuelle Standpunkt doch in erster Linie in dem Raums stellen, wie wird Mode gesehen, gezeigt und welche Metaebene wird dem Zeigen zugesprochen. Farben, Formen, Muster und das ganze gestalterische Spektrum bis hin zu Flächen-Rhythmen und Volumen sind im fachlichen Diskurs über Mode sehr präsent. Kurz denkt  man an Wasili Kandinskys Grundwerke der Bauhausschule.

Weitergehend stellt sich hieran dann die Frage, wer nimmt wahr und welchem Kontext entspringt diese Wahrnehmung. Was will ich mit Mode zeigen, was sehe ich in Mode, mit der ich konfrontiert bin? In welchem sozio-ökonomischen Kontext spielt sich dieser visuelle Dialog ab? Über dieses Feld an Fragestellungen gibt es sowohl in der Populärliteratur (bis hin zu den einschlägigen Zeitschriften für Endkonsumenten), als auch in der wissenschaftlichen Literatur mannigfaltige Quellen und Abhandlungen. Anders sieht es aus, wenn man sich der Fragestellung, wie sich Mode anfühlt, aus anderen Sinnesfeldern annähert. Wenn hier von „fühlen“ im Folgenden geschrieben wird, dann ist dieser Begriff zum einen im Sinne von Emotion in der Definition und Abgrenzung zu einem Gefühl nach Aman Virani (Gefühle, 1. Auflage 2007, ISBN 978-3-940-77311-1) zu sehen, also eine komplexen emotionalen Mischlage. Diese Emotionalität, welche wir hier im Kontext von Mode betrachten, steht auch in einem engen körperlichen Zusammenhang. Mode erfordert Körperlichkeit. Wenn man dies als Narrativ anerkennt, zeigt sich schnell, dass unsere heutige weitgehend visualisierte Methodik einen Diskurs über Mode zu führen nur ein Bruchteil dessen aufgreifen kann, was Emotionalität und Mode verbinden kann.

Widmen wir uns also exemplarisch einem einzelnen (körperlichen) Aspekt, dem Material und wie sich dieses Material in der Mode anfühlt und wie es zu den gestalterischen Mitteln steht. Es ist eine Unterscheid, ob eine Skizze von einer Kreation betrachtet wird, oder reale Textilien an der Schneiderpuppe, am „Körper“ zum Beispiel durch Drapierung entsteht. Den Stoff in den Fingern zu haben, seine Eigenschaften zu spüren, ist von anderer Qualität, als eine deskriptive, visuelle Darstellung dessen zu haben, was dann im Endprodukt verarbeitet wird. Seide, Viskose, oder Elastan, das sind andere Sinneswahrnehmungen, als Denim, Wolle oder Polyester. Was sofort einleuchtet, spielt aber offenkundig in der visualisierten Welt eine andere Rolle, als wenn man eine Kreation direkt trägt. Wolle fühlt sich anders an, als Denim – sowohl auf der eigenen nackten Haut, also auch wenn man den Stoff zwischen die Finger bekommt. Die Bewegungsfreiheit, die Dehnbarkeit, das Absorptionsvermögen von Feuchtigkeit, wie auch kühlend und wärmend sind alles Aspekte, die sich direkt auf die Emotionalität über Körperlichkeit und körperliche Sensorik auswirken. Dies ist scharf davon zu trennen, welche Emotionalität die Mode-Kreation auslöst im soziologischen Sinnen und im sozialen Umfeld. Wird eine Kreation getragen um Status zu vermitteln, zu provozieren, um abzugrenzen ein entsprechendes Lebensgefühl zum Ausdruck zu bringen? Auch das hat mit Fühlen zu tun und mit Emotionalität, ist aber meist zwangsläufig wieder visuell ausgerichtet und mit der Funktion von Mode im sozialen Kontext verbunden (für die vertiefte Auseinandersetzung mit diesen Fragestellungen und Designtheorien sei verweisen auf Barbara Schmelzer-Ziringer, Mode Design Theorie, 2015, ISBN 978-3-8252-4403-3). Wie fühlt sich also die junge Mode, die in Basel präsentiert wurde an? Von dem Gesehenen und gezeigten kann nur anhand von eigenen Erfahrungen abgeleitet werden, solange die Kreaturen nicht in die Hand genommen werden, auf der eigenen Haut getragen werden. Hier haben die Modelle die auf einer Modenschau die Kreationen präsentieren dem zuschauenden Publikum natürlich etwas voraus. Hier zeigt sich auch die Grenze dessen, was eine Schau bieten kann, was aber auch jegliche rein visuelle Präsentation von Mode, sei es in einer Schau, in einem gedruckten Magazin, selbst in einer digitalen virtuellen Realität an Grenzen hat. Mode sollte sich gut anfühlen, wir sollten uns in Mode gut fühlen und sie sollte auch unseren emotionalen Grundbedürfnissen auf funktional gerecht werden – wärmen, bedecken, schützen. Hier könnte man natürlich den Begriff Funktionsbekleidung ins Spiel bringen um eine thematische Abgrenzung zu Mode zu generieren. Dies würde aber auch zwangsweise dazu führen, dass Mode aufgeteilt werden muss in die Felder Mode-Design, also dem Funktionellen verpflichtet und Kostümbildnerei, dem darstellend Gestalterischen. Gerade bei letzterem spielt das Fühlen dessen was man wie trägt im körperlichen Sinne wohl keine Rolle mehr. Hier steht im ausschließlichen Fokus, wie Mode beim Rezipienten, dessen der mit dem Kostüm und dem darin verkörpertem Ideeninhalt konfrontierten emotional bewirkt wird. Der Funktionsbegriff ist hier ein ganz anderer als im Design.

Zurück zu der konkreten Schau und Veranstaltung. An obigen Überlegungen orientiert, waren die gezeigten Entwürfe weitestgehend kein Mode-Design und auch keine Funktionsbekleidung. Vielmehr hat sich hier gezeigt, dass auf eine auf Außenwahrnehmung abzielende Gestaltung gesetzt wurde und nahezu alle Protagonisten vielmehr Kostümbildnerei betrieben haben, als sich mit Mode-Design auseinander gesetzt zu haben. Das mag legitim sein, auch eine gewissen Charme haben und eine Verspieltheit zu Tage bringen, aber wohl bei den meisten Menschen eher abschreckend wirken.

Lisa Preissle

Désirèe Müller

Bianca Luna Franzoni

Larissa Keller

Stefanie Herbstrith

Laura Müller

Duska Brunetti

Diana Chudoba

Yves Meier

Lida Noba

Myriam Misson

Kerstin Nemeth

Barbara Stutz

Jana Čolić

Victoria Waltisperg

Kira Melanie Lareida Avila

Chioma Adeyemi Blaser

Eva-Maria Schmid

Julia Lorenza Mir Toorchi

Gloria Regotz

Janine Reitmann

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Atmosphärisch betrachtet ist das Festival de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode Ende April in Hyères an der Französischen Côte d’Azur immer ein Highlight. Der Ort nennt sich selbst Hyères les Palmiers – palmen- und blumengesäumte Wege und Strassen, Orangen- und Magnolienbäume auf den Bürgersteigen sowie unzählige kleine, gepflegte Parkoasen berechtigen allemal dazu. Und oben, über der Stadt am Hang, in der großen Villa Noailles, findet vier Tage lang das besagte Festival statt, das seinen Focus auf die Nachwuchsförderung in den drei Bereichen Mode, Fotografie und Modeaccessoires gerichtet hat.

Hyéres April 2018:

Neben den Fotoausstellungen, Showrooms und Präsentationen gibt es die großen Défilés der Wettbewerber, Performances, Installationen, Filme, Konzerte, Atelier-Workshops, Künstler- und Branchengespräche, Empfänge, Parties und anderes mehr, man kann trotz der vier Tage gar nicht überall sein. Um der Diversität der Präsentationen gerecht zu werden, berichten wir dieses Jahr mit mehreren Artikeln etwa über die kommenden zwei Wochen hinweg.

Plakat:

Showroom:

Ausstellung „Life Still“:

Ausstellung ANDRÉ LEMARIÈ – „Les Univers de Lemarié“:

Ausstellung Kamo for HAIDER ACKERMANN „A Vanishing Act“:

Ausstellung Fotografie (Fashion-Retro) RICHARD AVEDON:

Das diesjährige Festival hatte einen selbsterkorenen Star im Programm, nämlich Vanessa Schindler, die letztjährige Preisträgerin des Grand Prix und des Prix Publique, sie war dieses Jahr mit einer eigenen Laufstegschau, einem Film und einer Installation sowie einem Showroom vertreten und ihre Ergebnisse der Zusammenarbeit mit „Petit Bateau“ konnte man im Shop betrachten. Die Angestellten und Helfer des Festivals waren mit der betreffenden maritimen Kollektion bekleidet und die Festivaltasche war auch von ihr gestaltet. Wir werden einen eigenen Artikel mit dem Interview der gut gelaunten und sympathischen Schweizer Designerin demnächst hier präsentieren.

aus Installation „Uréthane“, VANESSA SCHINDLER & MARINE GIRAUDO (CH):

im Shop -VANESSA SCHINDLER (CH, Kollektion für „Petit Bateau“ 2018):

Das Publikum ist vorwiegend jung und französisch, das Niveau ist leicht gehoben und trotzdem locker. Auf den vielen verschiedenen Terrassen der Villa entspannt man gut im Liegestuhl oder im Gespräch. Die Presse tritt eher unauffällig auf, internationale Branchenvertreter geben sich erst im Gespräch zu erkennen und VIPs trifft man erst in den Künstlergesprächen – die Boulevardpresse ist nicht zugegen. Aufregung wie in Berlin oder anderen Städten verspürt man nicht. Ab und zu fallen auch mal junge, selbstgefällig-vorlaute Architektenfrauen aus Deutschland auf, aber wenn sie mit Kind und Kegel die Terrasse verlassen haben, wird das Ambiente wieder inspirierend, ruhig und stilvoll. Zudem gibt es viele Nischen des Rückzuges, wo man recht ungestört die schöne Atmosphäre genießen, Infomaterial studieren oder schreiben kann. Eine Terrasse ist den Akteuren vorbehalten, besonders hier knüpfen die Künstler Kontakte untereinander und tauschen Erfahrungen aus. Auch das ist dem Festival ein wichtiges Anliegen.

VILLA NOAILLES, Terrassen und Orte:

Wichtig ist die Kommunikation, besonders der Künstler mit Interessenten. Sie knüpfen vor allem in den Ausstellungen und Showrooms viele Kontakte, die auch lange nach der Veranstaltung ihr Netzwerk auf- und ausbauen. Schon von daher ist die Teilnahme am Wettbewerb für die jeweils nominierten Zehn ein unschätzbarer Gewinn für den professionellen Einstieg in die Branche. Erhalten bleiben dem Festival auch viele vorjährige Teilnehmer, die ihre mittlerweile weiterentwickelte Arbeit vorstellen dürfen, Ex-Gewinner können so ihre frische Reputation festigen. Zu recht, wie man fast immer feststellen muss. Und auch im Shop kann man nun die professionell gefertigten Stücke sehen und erwerben.

im Shop -MARINE SERRE (F, Prix Chloé 2017):

im Shop – BLESS (D):

VILLA NOAILLES, Entrée:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Côtes d’Azur, Sonne, Vollfrühling, blühende Gärten, Palmen, Blick aufs Mittelmeer, eine große Villa – das ist schon eine Konstellation, die beste Laune garantiert. Ideal auch für eine ambitionierte Modeveranstaltung, nämlich das Festival de Mode et de Photographie in Hyères, Südfrankreich.

Das Festival jährt sich mittlerweile zum 32. Mal und ist neben den großen Pariser Mode-Veranstaltungen die wichtigste in Frankreich.

Die Villa Noailles und das Festival

Die Villa Noailles aus den 20er Jahren war stets ein Ort der Gegenwartskultur, ihre Besitzer Charles und Marie-Laure Noailles verstanden sich als Mäzene, ja sogar als Teil der kreativen Bewegungen ihrer Zeit und stellten in diesem Sinne ihr Haus als Plattform der künstlerischen Avantgarde zur Verfügung. Picasso, Cocteau, die Surrealisten und viele andere Kulturschaffende gingen hier ein und aus und auch heute noch ist der Ort geschätzt – zum Beispiel Karl Lagerfeld hat ein liebevolles Büchlein darüber gemacht. Am Puls der Zeit ist das Engagement des Hauses geblieben, rund ums Jahr gibt es Kulturprogramm, mit dem Festival de Mode et de Photographie konzentrieren sich die Macher auf junge Mode und auch auf Fotografie sowie Schnittstellen zwischen Kunst-Design-Mode-Fotografie-Film. Mit Wettbewerben suchen sie spannende, anspruchsvolle, neue Designer und Konzepte, unterstützt werden sie von großen Marken wie Chanel, Swarowski oder Chloé. Sie suchen renommierte Designer, Fotografen und Profis aus der Modeindustrie zu gewinnen, um ein ausgedehntes Programm rund um aktuelle Trends in der Modebranche zu präsentieren: Ausstellungen, Podiumsdiskussionen, Ateliers/Workshops und Parties an allen vier Festivaltagen (27. April – 1. Mai) bieten zeitgenössische Reflexe für ein neugieriges, anspruchsvolles und auch professionelles Publikum. Ergänzende Highlights sind die Modeschauen junger Designer mit Ergebnissen mehrerer anspruchsvoller Wettbewerbe im Vorlauf zur Prämierung (z.B. Grand Prix du Jury Première Vision und Prix Cloé).

Aufgang zum Konferenzraum

Atelier Couture (Maison Lesage)

Podiumsgesprach mit Fotograf Tim Walker

Défilé der Wettbewerber

Schwerpunkt Ausstellungen

Auch die Hauptpreisträger der vergangenen Jahre werden in einer größeren Ausstellung „Formers“ präsentiert, zum Teil mit neu entstandenen Kollektionen, die aus den Support-Preisen entstanden sind. Interessante Künstler an den medialen Schnittstellen bekommen eigene Räume für Installationen. Spezielle Ausstellungen gibt es auch für besondere Gäste – dieses Jahr Schiaparelli und der Fotograf Tim Walker – und die Fashionweek Paris sendet „Best-Ofs“ aus den großen Häusern.

Eingang Showroom Formers

Ausstellung Vendula Knopova (ZIVIJO)

Im Showroom der Wettbewerber Fashion

Ausstellung Wettbewerber Accessoires de Mode

Ausstellung Photographie

Ausstellung Tim Walker

Showroom Fashionweek Paris

Ausstellung Schiaparelli

Entspannt genießen

Insgesamt ist das Programmkonzept anspruchsvoll und innovativ, ambitioniert und perfekt aufbereitet. Zusätzlich bieten die Gartenanlagen Entspannung, im Liegestuhl kann man kleine Konzerte oder Filme auf großen Bildschirmen sehen, herumspazieren und immer wieder die grandiose Aussicht und das wundervolle Wetter genießen. Vier Tage sind nicht zu lang für das umfassende Programm und wir werden daher in mehreren Teilen darüber berichten.

Experimentalfilme Mode, Tanz, Photographie

Konzert mit ala.ni

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die diesjährige Leistungsschau des Studiengangs zum Modedesign in Basel wurde unter den Begriff
LOOK THERAPY gestellt. In einer komplex konzipierten Performance zeigten die Studenten am 18. März ihre finalen Kreationen.
In einem industriellen Hallenbau fand die diesjährige Schau des Institut Mode-Design der Hochschule für Gestaltung und Kunst, genauer zugehörig zur Fachhochschule Nordwestschweiz statt. Der Begriff Modenschau greift aber wie auch in den vergangenen Jahren etwas kurz, auch wenn mit dem Schlagwort, oder Anglizismus „Look“ die visuelle Wahrnehmung oder auch Darstellung titulierend war. Weiße Linien, in stringent formellem Muster teilten den Raum neben drei bühnenartigen Plattformen, die deutlich erhöht waren. Eine weitere Trennung zwischen Publikumsraum und Bühne fand nicht statt, wurde aber durch Personen, welche wie „Eisbrecher“ sich auf diesen Linien durch das im gesamten Hallenbereich verteilten Publikum fragmentiert, um Laufwege für die Modelle durch das Publikum zu schaffen. Von oben betrachtet hätte die Installation grafisch sicher wie eine Konzeptstudie von Kandinsky zu seinem Klassiker „Punkt und Linie zu Fläche“ gewirkt.

Die vorgefundene Gesamtkonzeption hat es wohl auch bewusst dem Publikum erschwert, einen distanzierteren Gesamtblick auf die Entwürfe und das Geschehen zu bekommen. Vielmehr bleibt der „Look“ auf die Mode, also der Blick ebenfalls fragmentiert in der Wahrnehmung.
Einige der Studentinnen und Studenten, haben dann diese Aspekte schön in ihren Kreationen wiederfinden lassen, diese geradezu den Betrachtern angeboten. Neben der Einbettung in diesen groben konzeptionellen Rahmen, blieben aber viele Abschlussarbeiten sehr konträr und individuell losgelöst. Vergleiche zwischen den jeweiligen Studierenden verbieten sich aber eigentlich, da die Unterschiede und Ausrichtungen zu groß sind und Anlehnungen an bestehende Kollektionen anderer Designer sich nicht für Kritik eignen.
Einige auffällige und interessante Konzepte sollten aber genannt werden. Da war zum Beispiel Félicie Pythoud mit schönen massiven Silhouetten und vertikalen Brüchen, oder Timon Imveldt mit interessanten Interpretationen zeitgenössischer Männermode, während Barbara Muff oder Karin Meier weibliche Aspekte ansprechend aufgegriffen haben.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Einen Tag vor Beginn der Berliner Fashionweek eröffnete Dawid Tomaszewski einen Popup-Store, und zwar nicht in Mitte, sondern ganz unkonventionell in Berlin Charlottenburg, Goethestrasse 59. In diesem Viertel wohnt und arbeitet der Designer schon seit langem, da ist der Store so etwas wie ein Heimspiel. Schlicht aber geschmackvoll, konzentriert auf das Eigentliche, nämlich die ausgestellte Kleidung, spielt sich diese Location nicht besonders großtuerisch auf. Pop-Up-Store halt.

Und es lohnt sich durchaus hierher zu kommen, denn die Sachen von Tomaszewski sind bekanntlich stets von Eleganz und sicherem Geschmack geprägt, das Aufwändige ist logischerweise etwas zurückgenommen im hier angebotenen Prêt-à porter, aber doch immer stilistisch überzeugend. Und, kleine Überraschung, zu wirklich moderaten Preisen.

Hauptsächlich findet man das, was der Designer bevorzugt macht, Mäntel, Kleider, Hosen und Tops und natürlich Tücher in großer Zahl, die er ja auch selbst gerne trägt.

Erfreulich ist auch, dass Dawid Tomaszewski sich entschlossen hat, wieder auf dem Laufsteg zu zeigen, erfahrungsgemäß gehören seine Schauen zum geschmackvollsten, die die Fashionweek zu bieten hat. Donnerstag um 20 Uhr im Kaufhaus Jandorf, darauf kann man sich freuen und der Store ist eine schöne Einstimmung dafür.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Modedesign an der Fachhochschule Nordwestschweiz firmiert gerade unter der Bezeichnung – INSTITUTE OF FASHION DESIGN BASEL – ACADEMY OF ART AND DESIGN. Die in Basel vorgestellte Graduiertenschau wurde entsprechend mit „some wear totally else – Graduate Show 2016” tituliert.

Zugegebenermaßen fällt der Einstieg in die Gesamtbetrachtung der Veranstaltung reichlich schwer. Hierzu ziehen wir die folgende Selbstbeschreibung heran – Zitat: “Das Institut Mode-Design zeichnet seine Philosophie mit einem eigenen Titel aus: Doing Fashion. Doing Fashion heisst, sich zu involvieren und verantwortungsbewusst an der Gestaltung von Gegenwart und Zukunft teilzuhaben. Das Institut Mode-Design Basel begreift Bildung als Investition in die Zukunft und Kultur/Kunst/Design als unverzichtbares Sprachrohr zur Welt, um kritisch die Gegenwart zu hinterfragen. Doing Fashion ermutigt junge Talente, sich kühn vom konventionellen Modeverständnis, von dessen Schönheitsbegriff und Körperbildern zu lösen. Das Entwickeln einer eigenen Gestaltungssprache als Modedesigner steht im Zentrum der Wissensvermittlung.“

Was ist also „doing fashion“ im allgemeinen Kontext des aktuellen wissenschaftlichen Diskurses darüber, was Modedesign ist (welche Definitionen hierfür herangezogen werden können) und worin zeigt sich gerade bei den vorgestellten Kreationen und Ansätzen der entsprechende Beitrag?

Bei der Definition von Design wird gerne auf die Funktion zurückgegriffen, die ein „Produkt“ erfüllen soll, technisch, als auch kulturell – sozial-gesellschaftlich und zunehmend in einer ökonomischen Betrachtung. Es wäre etwas vermessen, davon auszugehen, dass Modedesign tatsächlich in der Lage wäre maßgeblich ein Gestaltungswerkzeug für Gegenwart und Zukunft zu sein. Diese Aufgabe kommt wenn überhaupt der Kunst als Reflektion zu, nicht aber Design als Projektionsfläche und Wiederhall gesellschaftlicher Entwicklungen. Als (übersetzt) Akademie für Kunst und Design, ist die Betrachtung des in Basel im Gesamtkonzept gezeigten, allemal wert.

Entsprechend fällt eine große konzeptionelle Ambivalenz auf. Musikalisch wird in machen Begleitmusiken zu den einzelnen „Kollektionen“ auf Englisch Konsumkritik geäußert. Dem steht der Anspruch gegenüber, ein Produkt zu entwickeln und schlussendlich auch am Markt zu platzieren.  Wenn also negativ auf (Mode-)Konsum gezeigt wird, und auf der anderen Seite Produkte entwickelt werden, wäre es schlussendlich konsequenter, entweder das Kind gleich Kunst zu nennen, oder von dem Unterfangen in dieser Art Abstand zu nehmen. Der Schau an sich gelingt es nicht den Widerspruch aufzulösen. Modedesign wurde per Definition nicht wirklich präsentiert.

Zudem ist das Konzept der Schau wohl auch nicht darauf ausgelegt gewesen, die eigentlichen Entwürfe einem Publikum näher zu bringen. Vielmehr ist der Eindruck entstanden, dass die Schau eine (künstlerische) „Performance“ darstellen sollte. In sehr beengtem Raum, kunterbuntem Licht, und Unmengen an Nebel war von einem Großteil der Entwürfe nicht viel zu sehen. Von den restlichen Kreationen konnte das Publikum zudem oft nur die Rückseite sehen.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Laurèl ist eine der „Stammmarken“, die auf der Fashion Week in Berlin präsentieren. Oft wird der Stil als Persönlichkeit unterstreichend und klassisch feminin beschrieben. Die Marke ist insbesondere im deutschsprachigen Einzelhandel sehr präsent und im höherwertigen Volumenmarkt angesiedelt. Elisabeth Schwaiger schafft mit ihrem Design-Team jährlich zwei Kollektionen, die den klassischen Saisons zuzuordnen sind. Auch für den kommenden Herbst und Winter 2016 sind die Volumen und Silhouetten klar und figurbetont angelegt. In der Kollektion finden sich viele freie Kombinationen aus Hosen, Tops die mit Mänteln kombiniert werden. Röcke finden sich kaum, wohingegen im Bereich Abendmode einige Kleider angesiedelt sind und somit die Palette von alltagstauglichen Looks hin bis zu festlichen Anlässen etwas zu bieten hat. Farblich dominieren die herbstlichen Nuancen die wenn mit entsättigtem Rot durchbrochen werden. Bei den Drucken wird auf konventionelle „Animal-Prints“ gesetzt, die bei vielen Schlüssen-Kreationen zu finden sind. Im Ergebnis ist und bleibt die Kollektion konventionell tragbar und Klientelorientiert.

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Berlin AE 2016/17

Text: Gerhard Paproth

Fotos: Boris Marberg

Die Teilnahme einer Ausbildungsstätte oder Förderinstitution an der Fashionweek Berlin ist ja im Prinzip keine Innovation, lässt aber zumeist innovative Konzepte einer Schau vermuten. Auch wenn wir nicht wissen, nach welchen Kriterien die jeweilige Schule bzw. Institution ihre Teilnehmer aussucht, reicht schon der Touch des Außergewöhnlichen, die Veranstaltung attraktiv zu machen. Nicht selten liegt schon das Außergewöhnliche in einem anderen Kulturkreis begründet.

In der Praxis wird die Erwartung nicht immer eingelöst. Wenn zum Beispiel afrikanische Designer (African Fashion Day) letztlich aus dem Pariser Modekontext heraus agieren und westlichen Strömungen höchstens kleine afrikanische Akzente hinzufügen, widersetzen sie sich nicht nur möglichen (folkloristischen) Erwartungsklischees, sondern suchen damit marktkonforme Gestaltungspositionen, ein akzeptables Plätzchen im westlichen Getriebe bei deutlich reduziertem (kulturellem) Innovationspotential. Nicht selten ist das auch darauf zurückzuführen, dass die Ausbildungsstätte(n) der Protagonisten schon westlich waren.

Die Schau der Shih Chien University, eine private Hochschule aus Taiwan mit etwa 10000 Studenten, war da – im philosophischen Konzept – durchaus breiter aufgestellt: 21 angehende Designer mit 53 Outfits boten eine differenzierte Palette zwischen Exotik, Futurismus, asiatischen Elementen und westlichen Prägungen. Das Ergebnis der Ausbildungsziele, „independent thinking“ und „professional fashion design skills“ zu verschmelzen war durchweg überzeugend und spannend anzusehen.

Besonders faszinierend sind natürlich die asiatischen Gestaltungsprinzipien und kulturellen Zitate in einem aktuellen Zeitgeist, der, und darin liegt auch das eben nicht folkloristische Anliegen der Vorführung, wirklich innovatives Potential hat. Die Auseinandersetzung mit der eigenen Kulturgeschichte, visionären Perspektiven, kommerziellen Überlegungen und verspielten Experimenten hat ja nicht nur schulischen Charakter, sondern erbringt auch realistische und selbstbewusste Statements der Modeästhetik, die über den Kulturkreis herausreichen können. Vorstellungen, die unsere westlichen Sichtweisen durchaus reizvoll und innovativ befruchten. Und Gestaltungen, die einfach toll aussehen.

Umgekehrt ist es auch interessant, was von hiesigen Strömungen aufgegriffen wird (siehe Beispiel Marina Hoermanseders Lederkorsagen) und mit asiatischer Ästhetik Verbindungen eingeht. Zugegeben, viele formale Experimente kommen einem bekannt vor, aber immer ist in Farben, Formen, Muster oder Applikationen auch ein asiatischer Touch enthalten, der dem Erscheinungsbild ein gewisses Etwas verleiht.

Insofern war diese Schau weniger ein Statement, inwieweit chinesische Gestaltung sich jetzt verwestlicht, sondern viel eher eines dahingehend, dass der eigene, spezifische Kulturkreis dem internationalen Modekontext eine sehr spannende und charakteristische Note hinzuzufügen weiß.

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MB Fashionweek Berlin AW2016/17

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Duo des guten und innovativen Geschmackes Irene Luft und André Märtens gehörten wieder zu den Highlights der Fashionweek. Mit Kombinationen von Schwarz-Rot (und Gold) und ausgefallenen, japanisch anmutenden Haargestecken präsentierten sie dem erwartungsvollen Publikum wieder eine Kollektion in Spitze, Transparenz, Verfeinerungen und innovativen Experimenten, die der modernen, selbstbewussten Frau geschmackliche Veredelung auf den Weg gibt.

Immer körperorientiert und sexy finden die detailverliebten Spielereien mit Spitze, differenzierenden Oberflächen und ungewöhnlichen Mustern gleichzeitig zu klaren, formbewußten Architekturen, die mit dem akzentuierten Hairstyle in unterschiedlich durchgespielten Varianten jeweils noch kongeniale Akzente im japanischen Touch dazu bekommen. Klar und streng auch das einheitliche Make-Up dazu. Accessoires erübrigten sich, lediglich sehr pfiffige Hand“stulpen“ und Handschuhe aus schwarzen Riemengeflechten setzten noch passende Akzente.

Wie immer gelangen Irene Lufts Experimente mit Stoffoberflächen zu erstaunlichen Ergebnissen, besonders fiel die zugleich geschichtete und aufgebrochene Textur eines Kurzmantels und des Haori in Rot auf – ein offenbar kompliziertes Verfahren, das eine eindrucksvolles Spiel der Farbe im Licht erzeugt – das war einfach atemberaubend. Nach wie vor erprobt Irene Luft raffinierte Applikationen auf transparenten, dünnen oder Spitzenstoffen und findet dabei immer wieder verblüffende Möglichkeiten bei dem differenzierten Spiel mit den Ebenen und Oberflächen.

In der Formgebung bleibt Irene Luft den klaren, eher strengen taillen- und silhouettenbetonenden Gestaltungen treu. Die meist ausgestellten Röcke haben verschiedene Längen und deklinieren auch hier ein abwechslungsreiches Programm mit Spitze, Faltungen, Applikationen und Mustern, präzise verarbeitet und immer sinnlich weiblich.

Luxuriöse Schneiderkunst, eleganter Geschmack auf der Höhe der Zeit, Sinnlichkeit und einfallsreich gekonnter Hairstyle – damit glänzen die Münchner Designerin und der Berliner Hair-Artist wie stets absolut souverän.

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Berlin Fashionweek aw 2016/17 im Kronprinzenpalais

Text: Marcello Rubini

Bilder: Boris Marberg

Vielleicht brauchen wir bald gar nichts mehr schreiben über die junge Designerin, denn sie wird von Presse, Insidern und Publikum dermaßen gehyped, dass alles Wesentliche anderswo schon gesagt zu sein scheint.

Aber noch ist Marina Hoermanseder bodenständig, echt und ehrlich im Auftritt, unverfälscht charmant, und sie meistert die manchmal unerwarteten Herausforderungen hinter den Kulissen mit einer Mischung aus viel Kraft, Mut, realistischem Engagement und Herzblut, die der Rolle des ambitionierten und emotiven Upstarts überzeugender (und auch sympathischer) gerecht wird, als der der erfolgsverwöhnten Überfliegerin. Das ist nicht nur offen, sondern lässt auch unvorhergesehene Schwächen und Brüche im Konzept zu, ohne dass der Sympathie Abbruch geleistet würde, wie beim mutig geplanten Showverlauf über zwei Etagen und mehrere Räume hinweg zu erleben war.

Die Hinwendung zu unkompliziert tragbareren Teilen ist nicht ganz einfach, wenn das Markenzeichen fester Corsagen und Riemen-Schnürungen nicht ganz über Bord gehen soll. Das ist sowohl hinsichtlich Funktionalität als auch hinsichtlich der Ästhetik eine echte Herausforderung, denn der Anspruch der Alltagstragbarkeit liegt quasi am anderen Pol der Möglichkeiten angesiedelt. Eine logische Auflösung der unpragmatischen Zwanghaftigkeit hin zu bequemer Lässigkeit scheint kaum vorstellbar.

Aber Marina Hoermanseder lässt sich da offenbar nicht wirklich irritieren und schafft den Brückenschlag meist recht überzeugend. Sie bringt beides zusammen, ohne dass man das Gefühl hat, dass es eben nicht zusammen ginge. Die bewegungsbequemen Röcke zum Beispiel, gerne weit ausgestellte, kurze A-Form, wie sie sie auch selbst gerne trägt, die sich nach oben noch einmal zum Oberkörper etwas öffnen, lassen sich mit den festen Lederkorsagen durchaus kombinieren (und auch umgekehrt – leichtes Hemdchen mit festem Pencil-Rock), womit sich der gedankliche Widerspruch überzeugend aufzulösen scheint – zumindest teilweise. Das ist durchaus überraschend und auch spannend.

Zunehmender Schwerpunkt der Kollektion sind aber doch locker fallende und bequem aussehende Teile, manchmal noch mit Schnallen hie und da versetzt, oft die Riemenschnürungen noch andeutend, in meistens gedeckten, zurückgenommenen, durchaus herbstlichen Farben, beweglichen Stoffen und rautenförmigen Mustern, die optische Beweglichkeit und auch Rhythmik suggerieren. Die schon in der vorherigen Schau gezeigte Wende vom Zwang zur Lockerheit überwiegt nun und wird natürlich auch marktgerechter.

Unterm Strich ist – aus meiner Sicht – aber gerade die Kombination der Gegensätze sehr reizvoll und gelungen vorgeführt und vermutlich liegt darin nicht nur die Überzeugungskraft dieser Kollektion, sondern auch ein Janusgesicht ihrer Generation verborgen: Der kraftvolle, entschiedene Auftritt einerseits und die lässig-pragmatische Haltung andererseits – austauschbar und kombinierbar.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der in Berlin vorgestellten neuen Kollektion für den Herbst und Winter 2016 durchbricht die Designerin im weiteren Schritt zu den vergangenen Kollektionen ihre eigene Ausrichtung und wird femininer und entfernt sich mehr vom Funktionalismus – ohne dabei aber avantgardistisch, oder experimentell zu werden.

Bereits die Installation auf dem Laufsteg, eine sehr langgezogenes „X“ – im Gegensatz zu der seit einiger Zeit nicht mehr prägenden Sichtbetonwand zeigt auf, dass die Kollektion querer erscheinen soll. Farblich dominieren dunkle, winterliche Töne, die durch helle Streifen in den Oberflächen durchbrochen werden. Zusätzliche finden sich zahlreiche Kleidungsstücke, die mit feinen Strukturen in Vogelsilhouetten aufwarten. Streifen, wie auch die Muster unterstreichen dabei eine vertikale Ausrichtung der Figuren und Konstruktionen. Diese sind für einen strengen Herbst und Winter relativ locker bis hin zu sportlich in den Volumen ausgestattet und bieten viel Bewegungsfreiraum.

Sicher, die feminine – tragbare – und funktionelle Art gibt Dorothee Schumacher nicht auf. Sichtbar ist aber der Anspruch auch ein jüngeres Publikum erreichen zu wollen und können. Die gestandene Geschäftsfrau kann nun auch von der jugendlichen Tochter im gleichen Schick begleitet werden. Bieder war Schumacher noch nie, aber immer auch auf Konvention und Tragbarkeit ausgelegt.

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Fotografin: Victoria Bochkareva

Model: Ida Evdokimova @ Figaro Models

Stylist – Aleksandr Pershin (*), (*)

Makeup and Haare: Sevil Taibova (*)

Alle Kleider und Accessoires: BeModno

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Text: Meike Tietze

Bilder: Andreas Hofrichter

Marcel Ostertag präsentiert seine Herbst-, Winterkollektion AW16 unter dem Namen „RAIN“ auf dem berliner Laufsteg. Der Hauptsitz des Labels liegt (noch) in München, der Designer lässt ausschließlich in Europa produzieren.

Die Kollektion von Marcel Ostertag wurde in der Heeresbäckerei vorgestellt. Die Show und die verbleibende Zeit bis zur Laufstegeröffnung wurden von einer elektronischen Stimme mehrmals angesagt. Die Show wird von der Stimme als „Ring“ dargestellt, was ein Gefühl von Stärke übermittelt. Der Laufsteg teilte sich in mehrere parallel liegende Reihen auf.

Bevor die Show begann, wurde ein Making of Video des Lookbooks an rauer See abgespielt. Hierin wurde Persönlichkeit und Transparenz vermittelt. Transparenz finden wir auch in der modischen Darstellung der Kleidungsstücke im Laufe der Präsentation. An manchen Kleidungsstücken sind die Brust und der Po durchschimmernd.

Die vielfältigen Stoffvariationen sind besonders präsent. Regenmantelartige Kreationen, wollige Schals und oversized Pullover, verfranste Westen, fedrige Jacken, gardinenähnliche Verziehrungen, Lederteile, seidige Blusen. Die Farben sind zum Großteil in den Bereichen rot, grau, beige, schwarz, und babyblau gehalten. Die langen Mäntel mit gemischten Farb- und Mustervariationen sind auffällig. Diese verändern sich von grauen, astartigen Längsstreifen zu komplett rot-getupften Flächen. Diese werden oft durch transparente Stoffe oder Ledereinsätze unterbrochen, jedoch finden wir auch glatte Strukturmuster bei Blusen oder überlangen Kleidern. Die Jackentaschen stehen weit hervor. Schwarze Jacken werden mit aneinandergereihten, goldenen Schnallen versehen. Zu den Outfits kombiniert der Designer ähnlich vielfältig, wie die Mode selbst, High Heels, flache Boots, Stiefeletten und klassische Sneakers. Die Haare der Modele sind wie vom Regen genässt, leicht gewellt.

Die Kollektion wirkt sehr jugendlich und frisch. Die Regenzeit ist zwar noch etwas hin, aber „RAIN“ kann sich getrost in den Regen stellen.

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Text: Meike Tietze

Bilder: Boris Marberg

Eindrucksvolle Inszenierung!

Esther Perbandt stellt ihre AW16 Kollektion auf der Fashion Week in Berlin vor. Das 2004 gegründete Label der Berlinerin wirkt inszeniert wie eine Theatervorstellung! Zu Beginn der Show treten Tänzer auf beiden Seiten des Laufstegs auf, welche sich zu psychedelischer Musik verbiegen. Sie hüllen sich in Tüchern, welgen sich, der Tanzstil wirkt roboterähnlich.

Nach Auftritt des ersten Models wird klar, dass diese Show keine klassische Laufstegnummer sein wird.

Die Modelle laufen mit starren Blicken, verharren meist mehrere Minuten an einem Ort, blicken wie versteinert in das Publikum. Es bleibt viel Raum für Gedanken, Interpretation, Beobachtung. Die Modelle sind speziell, wirken provokant, überheblich, teilweise gelangweilt, verbleiben in ausgefallenen Posen. Die meisten Modelle tragen hart geschnittene Perücken oder Kopfbedeckungen. Die Tänzer bleiben Teil der Show, interagieren laufend mit den Modellen.

Die Farben Schwarz und Weiß bestimmen die Kollektion von Esther Perbandt. Beherrschend sind hierbei schwarze Mäntel, Hosenanzüge und die dazu kombinierten Lackschuhe. Durch Bundfaltenhose, Krawatte, Kellnerweste oder geradlinigen Mänteln wirken die weiblichen Modelle sehr maskulin. Bei knielangen Hemdkleidern oder Röcken scheint versteckter Feminismus durch. Allgemein wirkt die Mode beherrschend, kühl und abgegrenzt. Häufig werden die Oberflächen durch Risse, harte Einschnitte oder durchgezogene Lederbänder unterbrochen. Zu den Accesoires zählen SM artige Armbänder, welche im Gegensatz zu den starken Outfits ein gewisses Ausgeliefertsein darstellen. Vielleicht eine Ausgeliefertheit gegenüber dem Mainstreams? Esther Perbandt grenzt sich klar von gängiger Fashion ab und präsentiert ihre Kollektion in minimalistischem Stil.

Die Show wird klassisch mit dem Auftritt der Designerin beendet, wobei die Modelle zum Großteil trotzdem in ihrer Rolle verbleiben. Eine durchweg gelungene Show mit eindrucksvoller Mode.

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