Text und Interview: Gerhard Paproth
Bilder: Schau Andreas Hofrichter, Backstage Gerhard Paproth

Christoph Rumpf gewann Ende April den „Prix Première Vision“ beim renommierten Nachwuchswettbewerb in Hyères, Frankreich, und im Zuge dessen hat der Sponsor Mercedes Benz ihn zu einer Schau auf der Fashionweek in Berlin eingeladen. Das ist, wie Rumpf auch im Gespräch würdigt, eine tolle Möglichkeit, als Nachwuchsdesigner seine Arbeit einem breiten Publikum vorzustellen.

Man muss sich aber auch die konkreten Umstände vor Augen führen: Christoph Rumpf ist noch Student und die vorgestellten Arbeiten repräsentieren darum nicht den Start ins Modebusiness. Vielmehr wird eine Designposition deutlich, die auf Unabhängigkeit beruht und – daher ja auch der Preis – den Anspruch eines gestalterischen Ideals in sich trägt, der auf großes Interesse und Beifall stößt. Umso deutlicher tritt diese Position hervor, als sie sich auf Mythen, Fantasie und Träume stützt, die mit dem Übergang in die professionelle Welt in der Regel normalerweise komplett abzulegen ist. Für das Publikum gehen damit aber die ebenso gehegten Sehnsüchte verloren, die, das zeigte der große Beifall am Ende dieser Schau, in Zukunft vielleicht doch eine Chance bekommen könnten. Wir sprachen mit Christoph Rumpf darüber und inwiefern institutionelle Nachwuchsförderung Wege bereitet.

modaCYCLE: Wir interessieren uns sehr für Nachwuchsförderung in der Mode. Gibt es solche in Österreich?

Christoph Rumpf: Ja, neben diversen Einrichtungen und Stipendien an der Uni gibt es einige Sachen. Aber Österreich ist ja auch klein und es gibt nicht so viele Designer.

modaCYCLE: Immerhin kommen nicht wenige Designer hier nach Deutschland, und die sagen, die Chancen bzw. Möglichkeiten sich zu etablieren seien in Österreich noch nicht so ausgeprägt.

Christoph Rumpf: Nun, das kann man vielleicht nicht vergleichen. Österreich hat ja nicht dieselbe Modeinfrastruktur wie die sehr großen Städte in Deutschland oder Frankreich.

modaCYCLE:Wie finden Sie die Nachwuchsförderung in Frankreich, wo man zum Beispiel in die ganz großen Betriebe hinein-gelotst wird und die Infrastrukturen nutzen kann. Sie haben auf diesem Wege doch schon den Schmuck für Chanel gemacht.

Christoph Rumpf: Nein, das ist noch nicht so weit, aber ich mache die Ausstattungen für Petit Bateau und ich finde nicht, dass man da „hinein-gelotst“ wird. Ich muss mich da jetzt noch nicht entscheiden. Wenn man da ein Angebot bekommt, kann man das überdenken. Für mich ist das momentan zum Beispiel keine Option mitten im Studium, aber nächstes Jahr, wenn ich das abgeschlossen habe, schon eher.

modaCYCLE: Ach, das müssen Sie deswegen generell ausschlagen?

Christoph Rumpf: Momentan ist das nicht so gut. Ich bin im letzten Studienjahr und will erst in Ruhe meinen Abschluss im September machen.

modaCYCLE: Und gibt es dann noch andere Möglichkeiten, Zugang zu etablierten Marken zu bekommen?

Christoph Rumpf: Ja, zum Beispiel gibt es noch eine Möglichkeit von Hermès, verbunden mit einem Preisgeld, auch für andere, die auf dem Festival (Hyères) vertreten waren. Das muss nicht sofort sein.

modaCYCLE: Also konkret hat sich noch nichts ergeben, nach dem Preis in Hyères, außer dem entsprechenden Preisgeld?

Christoph Rumpf: Nun, es ist schon fantastisch mit Mercedes Benz zu arbeiten, zum Beispiel jetzt hier, wo man die Schau machen kann und das ganze Makeup und so professionell ohne Eigenaufwand ausgerichtet wird.
Letztlich kann man sowieso nicht viel mehr machen, als was im Zuge des Preises der „Première Vision“ von Chanel eingerichtet ist. Ich bin außerdem, wie gesagt, ja auch noch im Studium.

modaCYCLE: Sie haben in unserem vorhergehenden Gespräch erzählt, dass Ihre Ideen aus dem Fantasy-Umfeld, aus Märchen stammen. Das ist ja ein ganz anderer Bereich als wenn man jetzt in die Fashionszene gehen will, die sich im Prinzip industrialisiert. Wie stellen Sie sich das mit Ihren Sachen vor, ist das nicht problematisch?

Christoph Rumpf: Nicht unproblematisch. Wenn man den Leuten das präsentiert, ist das eine Seite der Angelegenheit: meine Sachen, das sind alles extreme Silhouetten, und auch die Produktion ist kompliziert. Aber mit dem sogenannten Bad Stock kann man keine größere Menge produzieren (Rumpf meint hier seine recycelnde Verwendung von gefundenen Textilien, z.B. vom Flohmarkt etc.), da müsste ich am Anfang des gesamten Prozesses schon anders vorgehen.

modaCYCLE: Bei solchen Beispielen wie Brokatstoffen dürfte das doch nicht so einfach sein?

Christoph Rumpf: Einfach nicht, aber auch dafür finden sich Wege. Wenn ich dann ein eigenes Studio haben werde, will ich mich auch nicht so positionieren, dass ich jährlich 80 oder 90 Kollektionsentwürfe liefern muss. Ich wollte noch nie „Chanel werden“. Ich suche eine Nische mit kleiner Produktion, das geht ja auch und ich kenne gute Beispiele von Designern, die damit durchaus ein befriedigendes Auskommen haben.

backstage:

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Die Kollektionen von Sophie Oemus sind stets eine Mischung von klassischem, eher bodenständigem Design und klug erkannten, relevanten Zeitgeistaspekten. Wie wir schon letzte Saison bemerkten, ist ihre Lust auf Mode für Mädchen außerdem ein besonderes Merkmal, denn das, was sie für Kinder und Heranwachsende entwickelt, bezieht sehr deutlich die Wunschpalette der betroffenen Zielgruppe mit bemerkenswert viel Gespür ein. Dieses Mal liefen erwachsene Models und Kindermodels in beliebigen Folgen über den Laufsteg, diese Aufhebung der Generations-Trennung kann man sicher als programmatisch verstehen, zeigt aber auch sinnfällig, dass viele Stilmittel letztlich übertragbar sind ohne den Anspruch der Zielgruppengerechtheit verlassen zu müssen. Und – das noch am Rande bemerkt – es macht auch Spass zu sehen, wie der „Modelnachwuchs“ lässig und trotzdem stolz und selbstbewusst „seine“ Modesachen vorführt.

Die Frauenkollektion korrespondierte mit einem angedeuteten Selbstverständnis, das vielseitige gesellschaftliche Rollen vergegenwärtigte, von Freizeit über Büro bis zur Rolle der jungen Mutter, wofür sogar Kinderwagen über den Laufsteg geschoben wurden. Alles also auch mit einem Hauch moderner Pragmatik, ohne den Sinn für Weiblichkeit zurückzustellen. Leder (beliebtes Maisonnoée-Material), dieses Mal mit gestanzten Mustern an den Säumen, entspricht dem urbanen Touch, gepaart mit sportiven Streifen, T-Shirts, Kapuzen oder Ansteckobjekten bzw. verhaltenen Streetwaerelementen. Unterstrichen wird das von kraftvollen Electrosounds und -rhythmen. Außerdem steht da noch eine romantische Note im Raum, in der Projektion sehen wir Frühlingsgras in seichtem Wind und der Kollektionstitel „Douceur“ ist darüber hinaus ein Statement für sich.

All das nimmt man aber nicht widersprüchlich wahr, das vorgeführte Panorama der vielen Aspekte behält eine überzeugende Stimmigkeit. Insofern ist das so verstandene Frauenbild durchaus an der Realität orientiert und naheliegend. Erwähnenswert bleibt noch die Farbpalette, sonniges Gelb, Schwarz, Braun und Oliv sind prägnant vertreten, aber eher nicht an modischen Trends orientiert. Das betrifft auch die Schnitte, die achten auf Bequemlichkeit, es gibt wieder Plissée und die Lederkleider fallen schlicht und glatt, ihre Anbindung an Konventionellem und zeitgemäßen Gouts wird dabei nicht aufgegeben.
Unterm Strich eine Kollektion „für die moderne Frau“, aber nicht im abgegriffenen spießigen Sinne, sondern lebendig, realistisch und erlebbar positiv.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der neuen Kollektion postuliert die Designerin lautstark zeitgenössische feministische Aussagen, die über den Kontext der MeToo – Debatte hinausgehen. Neben der eigentlichen Kollektion wurden drei Oberteile präsentiert, welche mit einem entsprecenden Hashtag versehen waren. Über die Funktion des Hashtags in der Mode als Ausdruck und Platzhalter haben wir uns schon bei der Kollektion von Damur ausgelassen. Während dort die Determinierung, der Inhalt denjenigen überlassen bleibt, welche diese Mode tragen, geht Ruétz einen anderen Weg. Mit Aussagen wie,

#My Pussy My Choise

#Let’s Led Not Follow

#Riots Not Diets (neu Aufgelegt mit #)

#Race Human

#Kiss My Ass

greift sie Themenkomplexe auf wie sexuelle Selbstbestimmung, Führungsanspruch, Widerstand gegen die Adaption von Schönheitsidealen. Die Designerin will aufrufen, Menschenrechtsfragen zu diskutieren und Geschlechterstereotypen zu hinterfragen. Wer im Künstlerischen Diskurse aufgreift und die Rezipierenden aufruft, provoziert auch oft Ablehnung und Fragen. Gerade im Modedesign, welches immer auch einen stark funktionellen Bezug zur Produktanwendung hat, werden politische Aussagen oft weder gewürdigt, noch wird ihnen zugesprochen glaubwürdig zu sein. Vielfach steht heutzutage in einer „Sex sells“ Wahrnehmung und Werbedoktrin gar im Raum, dass lediglich die Provokation als Marketing-Instrument dient.

Im Rückblick der Kollektionen von Ruétz, hat sich über viele Jahre gezeigt, dass die Designerin in der Vergangenheit immer wieder persönliche Ansichten und Anschauungen aufgegriffen, und in die Looks eingearbeitet hatte – Beispielsweise (Flock-)Drucke von Chakren in den Innenfuttern früher Kollektionen. Insofern kann man der Designerin einen reflektierte Entwicklungsdrang zuschreiben, auch wenn die letzten Kollektionen in diesem Bereich nicht mehr so klar und deutlich wahrgenommen wurden (zuletzt unter anderem mit den Stichworten „Make Love Great Again“ und „Race – Human“ mit der Kollektion Sommer 2019) – praktisch mit 100% Bio-Baumwolle als günstige T-Shirts zu erwerben – Zweitlinie youknowyouwantit.

In der technischen Betrachtung ist die neue Kollektion bunt, aber in den Farben doch recht zart geblieben. Lediglich die viele Neon-Lautstärke bei den Flächen, mit welcher auch die Kollegin Marina Hoermanseder vorgeprescht ist), unterstreicht die Kernaussagen. Daneben finden sich viel Apricot und klassische Farb-Drei-Klänge. Die Muster haben fast durchgängig einen psychodelischen Bezug im Sinne der 1960er und 1970er. Auffällig sind dagegen die Oberflächenstrukturen, die teilweise sehr künstlich wirken und nach reinstem Plastik aussehen – was ohne Nachfragen in Kontrast zu dem Anspruch steht, nachhaltige Materialien zu verwenden – und diese Looks wirken unförmig und abgepackt. Gerade hier zeigt sich auch, dass Rebekka Ruétz mutig mit üppigen Volumen spielt. Auch dies unterstreicht den verpackten Charakter, der in einer gewissen Weise eine deutliche Distanz der die Kleider tragenden Person, zu ihrer Umwelt einnimmt. Distanz schaffen, kann bewirken, einen anderen Standpunkt einzunehmen oder zu finden – aus beiden Perspektiven – also auch anders gesehen zu werden. Ruétz wurde schon oft diese Tendenz, in den Kollektionen auf den ersten Blick etwas sprunghaft zu sein, nachgesagt. Ob dies auch hier der Fall ist kann aber schlussendlich angesichts des Aussagewillens der Kollektion, vorerst außer Acht gelassen werden.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Bei Sommerkollektionen, die man in großer Hitze präsentiert bekommt, verkehrt sich das Drückende ins Leichte, wenn man so etwas Luftiges vor die Augen geführt bekommt wie bei Lana Müller. Dieser Zauber ist bekanntlich ihre entscheidende Fähigkeit.

Zarte Rosé- und Nudetöne bestimmen diese Kollektion, die besonders gut mit blasser Haut korrespondiert und wieder sehr delikat angelegt ist. Auch wenn gelegentlich kräftiges Pink da deutlich aus dem chromatischen Rahmen fällt, so tragen die Stücke doch stets ihren unverwechselbaren Duktus des Zarten, aber auch sehr Lebhaften. Dabei sehen wir großblumige Muster aufgebracht, elegant platziert und mit etwas kräftigeren Pastelltönen frische Lebendigkeit evozierend (besonders das letzte Kleid ist dafür ein hinreißendes Beispiel). Die feinen, dünnen Stoffe sind beweglich und locker verspielt am Körper. Im Prinzip sind die Schnitte körperbetont – oft recht eng bis zum Oberschenkel oder Knie, darunter weit ausfallend bis hin zur Schleppe – darum sind die Sachen wesentlich schon für schlanke Frauen konzipiert. Der Umgang mit dem grazilen Frauenkörper ist allerdings bezaubernd schön.

Insgesamt scheint durch die gesamte Kollektion ein asiatischer Touch durch, der in den sehr pfiffigen Frisuren dann noch als sehr deutlicher Akzent herausgestellt wird. Dieser Bezug ist eigentlich auch sinnfällig für die Lana Müller Ästhetik, gerade japanische Kunst hat eine starke Kraft in dem Schwebezustand des Gegenwärtigen.

Kleiner Wermutstropfen im ästhetischen Zauber sind die nudefarbenen Unterlegungen der vielen Transparenzen, einerseits „moralisch“ wohl eine konsequente Entscheidung fürs Kommerziell-Praktische, andererseits haben wir im Publikum Frauen mit Lana-Müller-Kleidern gesehen, die da durchaus konsequenter auftraten. Hier wären etwas elegantere Lösungen in der Kollektion der Subtilitäten wünschenswert gewesen.

Und dennoch, die Kollektion ist ein Beispiel für moderne Anmut – so gesehen sind Botticellis Grazien die inspirierenden Geister über dem Laufsteg der Gegenwart.

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Text: Boris Marberg
Bilder: Andreas Hofrichter

Damur versteht sich als Berliner Modelabel. Konsequent fand dementsprechend im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin auch die erste Schau des Designers Shih-Shun Huang statt, der mit seinem Label auch Mitglied des „Facion Council Germany“ ist. Im vergangen Winter hatten wir noch das „Atelier“ von Damur in Berlin besucht um den Designer, sein Label und seine Design-Philosophie kennenzulernen und vorstellen zu können.

Der Designer eröffnete mit einem persönlichen Statement seine Schau und nutzte die Gelegenheit, seinen Dank an all jene zum Ausdruck zu bringen, die sein kreatives Wirken in Berlin und diese erste Schau ermöglicht hatten. Shih-Shun Huang versteht seine Mode und Mode im Allgemeinen als Kommunikationsform. Die Bekleidung könne eine Vokabular für die Teilhabe sein – also auszudrücken man „gehöre dazu“. Symbolisch und symptomatisch steht hierfür der Hashtag. Die Wirkung und Funktion eines Hashtags ist es, ein Bezugssystem zu generieren und auch eine lexikalische Verschlagwortung zur Verfügung zu stellen. Das Doppelkreuz ist eine universelle, über Sprachbarrieren hinweg wirkende Markierungsmethode. Der dem # folgende Begriff bedarf indes der Determinierung in einem konkreten Diskurs. Bei Damur ist die dargestellte Teilhabe ein modisches Statement aufzugreifen und sich partizipativ anzueignen. Diese Saison bilden die Konstruktionen der Kleidung selbst den eigentlichen gestalterischen Rahmen – der Hashtag kommt jetzt zwar immer wieder vor, ist aber in der konkreten Umsetzung doch recht dezent in der Kollektion eingestreut.

Die Bekleidung von Damur lebt bei dieser Kollektion weitestgehend von starken Kontrastbildungen. Dies bezieht sich sowohl auf die Flächen, Schwarz und Weiß, wie auch Volumen in den Silhouetten oder Größenverhältnissen. Erst das letzte Drittel der vorgestellten Kreationen entwickelt eine Farbigkeit und spielt mit Ornamentik und Applikationen. Hier lockern bunte Fransen, fast leuchtende reflektierende Flächen die formale Strenge auf. Die Konstruktionen wirken überwiegend wie frisch aus dem CAD (Computer aided design), aus dem Rechner direkt in die Laser-Schneidemaschine übertragen und umgesetzt. Eine haptische Erfahrung, welche sich bereits im Schaffensprozess im Umgang mit dem Material anlegt, nimmt man diesen Kleidern nicht wirklich ab.

Das Steife in den formalen Entwürfen kann dennoch als konsequent in der Konzeption überzeugen. Diese Strenge vermittelt Sicherheit oder befriedigt scheinbar ein Bedürfnis nach Sicherheit, wie auch Teilhabe – wenn sie ostentativ und programmatisch postuliert wird – ein (soziales) Sicherheitsgefühl vermitteln kann. Die Individualität wird domestiziert und formiert sich programmatisch in der Form und der Determinierung der Zugehörigkeit des Individuums, welches sich per getragener Kleidung in ein Deutungssystem einklinkt und Teil dessen Wirkungswelt wird. Der #Hashtag kann damit auch alleine stehen und verschlagwortet so gesehen die Leere, die als Gefühl zeitgenössisch und epochenprägend sich breit macht: #__

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Nach wie vor ist die Arbeit von Lou de Bètoly (früher Teil von Augustin Teboul) von handwerklichem Vergnügen geprägt, insbesondere durch solche Applikationen, aber auch von Häkel-, Klöppel- und anderen Techniken für textile Flächen, die mit der aktuellen Kollektion aber eher klein ausfallen. Und nach wie vor steht das Spielerische im Zentrum, auch in den Kombinationen und, jetzt gegenüber dem reinen Schwarz (oder Weiß), auch von Lust auf Farbe. Alles, außer den Schuhen ist selfmade und das zumeist wenige am Körper versteht sich eher als gestalteter Akzent für die Haut und Figurfläche – und vielleicht für sich selbst.

Böse formuliert ist es handwerklich und besonders experimentell anspruchsvoller Fummel. Es macht dennoch Spass, das zu sehen, denn es ist liebevoll und gekonnt gemacht. Einige weitere, eher konventionelle Kleidungsstücke, Kleider, Hosenanzüge etc. finden sich ebenfalls in der  Kollektion, aber die passen nicht so überzeugend in das gefühlte Gesamtkonzept und mögen einem Zugeständnis an die notwendige Kommerzialisierung geschuldet sein. Sie haben für sich genommen nicht viel Überzeugungskraft.

Die Neuausrichtung gegenüber der früheren Arbeit mit Auguistin Teboul hat eigentlich nur die bestechend kreative handwerkliche Ausrichtung erhalten und den erotischen Touch ausgebaut, alles weitere ist anders. Besonders der Wegfall der Charakteristika, die man mit Gothic und Punk verband, nimmt den neuen Sachen einen gewissen Spirit, der doch sehr typisch war. Das Üppige der Ausstattung ist nun auch eher verloren, aber das Spärliche ist gediegen differenziert und gewinnt den erwähnten Anteil an Sexyness. Auch den französischen Touch meint man stärker zu spüren.

Dahinter steht ein Kozept von kalkuliertem nächtlichen Chaos (das auch die Visagistik zu betimmen scheint), dessen Bestandteile in experimentellem Prozess ohne Leitmotiv entstehen und zusammengetragen werden. Mit einem Arbeitspartner fügt Lou de Betoly daraus durchaus in sich stimmige Konstruktionen, ohne dass geradlinige Schlüssigkeiten dahinter stehen. Die Planung des Ungeplanten behält so den Charakter des improvisierten Arrangements, der wohl auch angestrebt ist und irgendwie die Vorstellung von nächtlichem Schwebezustand, luxuriösem Partyvergnügen, Auflösung und erotischen Kräften enthält.

In der Schau funktionierte diese Grundidee aber nicht immer. So verhindert z.B. ein Magermodell im knappen Outfit aufkeimendes erotisches Flair (das Strumpfkonzept sowieso) und akzentuiert ausschließlich das Fluidum des Kränklichen.

Mit dem klug und mutig ausgesuchten, experimentellen und spannenden Soundtrack wird dennoch der etwas wilde, leicht chaotische, offene und sehr experimentierfreudige Anspruch des Ganzen ins Auditive übertragen und vergewissert die Richtung der Interpretation. Und die Modelle laufen jetzt sehr dynamisch schnell über den Laufsteg, wo früher ausschließlich ruhige Liveinstallationen angesagt waren. „Schnell durch …“ lästert da ein Kollege, den die Schau ratlos zurückläßt.

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Text: Boris Marberg

Bilder:
Schau – Andreas Hofrichter
Messe – Boris Marberg

Mit der Messe NEONYT, die diesen Sommer zum zweiten Mal  die bisherigen Veranstaltungen zu nachhaltiger Mode in Berlin zusammengefasst hat, entsteht ein Schwerpunkt, der mittelfristig in Berlin zum wesentlichen Fundament der Modewoche werden kann. Der Schrumpfungs- und Bereinigungsprozess, den die verschiedenen Formate und Veranstaltungskonzepte in Berlin durchgemacht haben und der auch noch immer in Transformation ist, findet damit die aktuelle Chance in noch nicht gesehener Klarheit. Neben der Messe an sich im Kraftwerk an der Köpenicker Straße, wurde nachhaltige Mode auch am zentralen Ort, dem eWerk, in einer kuratierten Schau präsentiert. Dabei bewährt sich das Konzept, die Vielzahl der Labels als Fundus zu verstehen und hieraus Looks zu kreieren, die mit Leichtigkeit das Klischee – welches sich hartnäckig hält – zu überwinden, ökologische Mode könne nicht den Charme und den Chique bieten, wie konventionelle Mode.

Ja – diesem Thema haben wir uns in den letzten Jahren immer wieder widmen müssen, und es wird Zeit, einen Haken hinter den nachhaltigen Anspruch setzen zu können. Der Diskurs ist aber zu komplex und ähnlich wie in der Politik muss man noch hoffen, dass von den konventionellen Produzenten vielleicht die Rufe gehört und die Bedürfnisse aufgegriffen werden, gelingen will das allerdings noch nicht wirklich.

Es besteht zwar das Interesse, Verantwortung zu übernehmen und Konzepte für eine nachhaltigere Wirtschaft umzusetzen, die ganz klaren Forderungen, die von der jungen Generation auf die Straße getragen werden, werden allerdings noch immer nicht ernst genug genommen. Der Widerspruch ist aber auch systemimmanent. Bedarf und Bedürfnis wollen bedient werden und neue Kleidung soll auch konsumiert werden – mit möglichst gutem Gewissen. Gleichzeitig will Innovation sich äußern, sichtbar werden in neuen Produkten. Aus diesem Dilemma zu entkommen ist nur über noch radikalere Wege möglich, als nachhaltig zu produzieren. Denn es würde nachhaltigen Konsum verlangen, bis hin zum Konsumverzicht.

Vielleicht ist auch aus diesem Gedanken heraus zu verstehen, dass die zugehörige Schau im eWerk sehr Denim-lastig war. Jeans lässt sich extrem nachhaltig produzieren, unter der Akzeptanz der Langlebigkeit des Materials und unter der Voraussetzung der Wiederaufbereitung der Rohstoffe. Das individuelle Verantwortungsgefühl der Konsumenten anzusprechen und dennoch im Wirtschaftssystem in der bisherigen Form eingebunden zu sein ist mehr als eine Gradwanderung. In Bezug auf Jeansware konnten sich Interessierte auf der Messe gut bei MUD Jeans informieren.

Wieder auf die eigentliche Modenschau kommend, bleiben ein paar Punkte ganz augenscheinlich. Zum Beispiel können nachhaltige Accessoires, insbesondere Taschen und Schuhe gestalterisch mittlerweile durch ansprechende Materialien nicht nur mit Konventionellem mithalten, sondern übertreffen diese bereits. Neue Produktionsmethoden für Fasern und Aufbereitung über Recycling sind da nur ein paar Punkte. Heutzutage ist die Behauptung schlicht nicht mehr nachvollziehbar, dass nachhaltige Materialien nicht die gleichen kreativen Spielräume bieten würden, wie konventionelle Fasern oder Farben – blass und Beige als einzige Alternative war gestern. Bunt, laut und kontrastreich, sogar Transparenz ist nicht nur möglich, sondern kann im geschmackvollen Arrangement auch überzeugen:

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Der Hype wird perfekt und aufwändig gefüttert, diese Fähigkeit hat Marina Hoermanseder mit ihren Showveranstaltungen mittlerweile optimal kultiviert. Alle Liebhaber des Labels und seines Nimbus‘ kommen reichlich auf ihre Kosten, denn nicht nur der Laufsteg ist attraktiv gestaltet, sondern unzählige Nebenbereiche mit ambitionierten Schmackhaftigkeiten und Getränkevarianten sind stilsicher und attraktiv zu einem großen Loungebereich hinzugefügt. Sehen und gesehen werden ist die Maxime, der alle frönen sollen und können und es ist selbstredend, dass genügend schöne Frauen mit Hoermansederkleidung dabei sind: Für allseitige Vergegenwärtigung des Lifestyle-Labels in großzügigem Kontext ist gesorgt. Und sogar nach der Veranstaltung tragen die leuchtenden, prall gefüllten Goodie-Bags den Impact ins urbane Berliner Umfeld. Wir sind Hoermanseder.

Drei Gestalten zum Auftakt der Schau machen klar: Es geht um (auf dieser Fashionweek auch schon mehrfach zu sehende) Neonfarbigkeit, deren Charakteristik bekanntlich ihre Signalwirkung ist. Neon repräsentiert nicht wie in den 80ern ein Kennzeichen für äußerster Coolness (da entstand der Begriff „cool“, in Bars und Clubs gehörte kaltes Neonlicht), sondern versteht sich jetzt, auf Kleidung angewendet, als Mittel zur maximalen Leuchtkraft. „Achtung, ich bin!“ Müßig, eine Philosophie- oder Psychologieabhandlung daraus abzuleiten.

Im Laufe der Schau traten dann vorwiegend schimmernde und glitzernde Kunststoffe dazu, und das auf durchaus geschmackvolle und stilsichere Weise. Wie gewohnt hat die Designerin noch immer atemberaubende Varianten ihrer steifen Ledercorsagen gefunden und die bekannten Lederriemen in neue Erscheinungskonzepte transferiert, sogar aus der Anfangszeit kamen orthopädische Konstruktionen wieder zu Ehren. Glitzerndes Orange oder ein paar Formmodifikationen machten aus dem Bekannten – und Bewährten – etwas Neues. Auch andere Insignien ihrer vorausgegangenen Kollektionen, wie zum Beispiel die K. u. K.-Sahnetorten-Stilistik, tauchten wieder auf und machten klar, dass diese Sachen keineswegs zum alten Eisen gehören sollen. Aber dennoch hat diese Kollektion jetzt konsequent Abschied genommen von den mädchenhaften Verspieltheiten mit applizierten Blümchen früherer Saisons. Schleifen und übermäßig gebauschte Raffungen erinnern zwar noch an diese Neigung, aber diese Stilismen sind jetzt einer anderen Idee nachgeordnet. Als Edel-Disco könnte man den neuen Gout verstehen, wobei die Veredelung außerordentlich gekonnt, ideenreich und mit vielen Raffinessen vorgeführt wird. Dafür werden die geeigneten Kleidungsstücke nicht nur mittels Textilwahl, Glimmer und Farbigkeit in eine neue Sphäre transferiert, auch elegante Abend- und Cocktailgarderobe erhält so eine neue Prägung der Auffälligkeit und des Glanzes, sogar wenn die Grundfarbigkeiten noch eher verhalten bleiben.

Nicht selten kann man aber auch den sogenannten Asia-Kitsch damit assoziieren, der ja auch hemmungslos Glimmer und Bonbonfarben feiert.

Auch wenn in der Gesamtkollektion noch ein paar unterschiedliche Orientierungen aufschienen, so ist sie doch geschlossener, einheitlicher und in ihrer Konsequenz überzeugender, als die vorhergegangenen. In den letzten Kollektionen tauchte das starke Interesse Marina Hoermanseders an Discoclubkultur schon mehrfach und deutlich auf, war aber simpler in der ästhetischen Formulierung. Die jetzige Schau definiert ihre Zielgruppe entschiedener und ist hinsichtlich der Geschmackssicherheit vielen vorangegangenen Experimenten überlegen. Schon das rechtfertigt den Erfolg, den diese Schau hatte.

Zugegeben, Disco- bzw. Clubkultur ist in der Regel eine eskapistische und soziologisch flache, das hat schon bei ihrer Entstehung in den 70er Jahren zu extremen Polarisierungen in der Jugendkultur geführt. Der übersteigerte Glanz in dieser unbedarften Parallelwelt erntete konsequente Verachtung außerhalb, „Disco-Sucker“ war die Bezeichnung, die ich seinerzeit in Los Angeles dazu hörte, und weltbildmäßig war die Verachtung nicht ungerechtfertigt, auch wenn damals „Saturday Night Fever“ mit John Travolta ein Welterfolg wurde und die Disco-Manie gesellschaftsfähig machte. Angesichts der Hoermanseder-Show kommen einem solche Kontroversen wieder in den Sinn: viel PVC und Kunststoffe tauchen auf, und wenn sie es nicht sind, erscheinen sie immerhin so. Selbst dem Naturmaterial Leder hat die Designerin einen künstlichen Touch verpasst. Angesichts der Fridays for Future – Bewegung und dem weltweiten Desaster mit Plastikmüll und -recycling ist das modische Feiern einer Kunststoffästhetik durchaus ein problematischer Aspekt. Und damit rückt diese Art Clubkultur, auch in seiner verfeinerten, pfiffigen und geschmackvollen Prägung, wieder in einen Diskussionskontext, der mindestens polarisiert.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Sein Gespür fürs Elegante gehört zu den wesentlichen Eigenschaften, die dem Wahlberliner eine besondere Position im Kontext der deutschsprachigen Jungdesigner verschafften und für Aufmerksamkeit sorgten. Mit viel Spannung wird daher seinen Kollektionen auf der Berliner Fashionweek entgegen gesehen, wo er regelmäßig mit unterschiedlichen Protegierungen zu sehen ist. Über die Jahre hat sich dabei seine gestalterische Herangehensweise modifiziert, von eher unabhängiger High-Class zu nunmehr trendorientierten Ansätzen, die den Verkauf an ein breiteres Publikum anvisieren, ohne sich dabei verbiegen zu müssen.

Locker fallende Sommerkleider aus eleganten Stoffen dominieren die Kollektion aw 2019 einerseits und gestalterisch Streifenmuster in allen möglichen Ausprägungen andererseits. Die Streifen gehen aus von den Gurten, wie man sie in haptisch ausgeprägter Weise von Marina Hoermanseder kennt und als modischen Print bei vielen anderen Designern wiederfindet. Tomaszewski gewinnt diesen mit variierenden Ordnungssystemen eine breite Palette der Möglichkeiten ab, vom grafisch spielerischen Farbenmix bis zu assoziiertem Korbgeflecht, von Prints bis zu Webtechniken, von abenteuerlichen Wildheiten bis zu streng-klassischen Karos.

Auch der Formenkanon ist breit angesetzt, seine wunderbaren Mäntel behalten auch im experimentellen Umgang stets eine große Classe, viele Kleider hingegen nähern sich in ihrer gezielt reduzierten Lässigkeit nicht selten einem eher schlichten Alltagsanspruch an. Die gepflegte Kunst der Reduktion hat schon bei der Vorbildbewegung bauhaus sowohl zu großen Würfen als auch zu eher banalen Gestaltungsqualitäten geführt, einen ähnlichen Effekt glaubten wir auch bei dieser Kollektion wiederzufinden. Früher wußte Tomaszewski schwächende Wirkungen der Vereinfachung mit großzügigen und mutigen Gesten kraftvoll zu etwas Aufregendem zu drehen, diese Fähigkeit nutzt er nun deutlich seltener, zumindestens zurückgenommener.

Er gehörte schon früh zu den Designern, die mit architektonischen Schichtungen, verwegenen Kombinationen und von der Mode oft unterschätzten Materialien (z.B. Strick) und Verarbeitungen unerwartete und tolle Effekte vorführte, jetzt sind diese jungen Verwegenheiten auf ein nicht mehr überraschendes Maß zurück genommen. Die Zeichenhaftigkeit mit den Streifenexperimenten bestimmt stärker den Wiedererkennungswert als der grundsätzliche Stil und die Integration gängiger Gestaltungstrends (Bänder, Schichtungen, Dissonanzen, stellenweise aufgedröselte Textilien u.v.m.) spielen eine auffällig deutliche Rolle bei den Erscheinungsbildern.

Damit ist der geschmackssichere Dawid Tomaszewki nun offenbar ebenso im Mainstream der gehobenen Klasse angekommen, wie wir das schon bei seinem Landsmann Guido Maria Kretschmer beobachten konnten, der ja mit seinen Haut-Gout-Kollektionen ebenfalls lange Star der Berliner Fashionweek war, bis der Mainstream seinen edlen Luxus eingedampft hat. Unterm Strich verlangt der Geschäftssinn dem Gestaltungsniveau einige Abstriche ab, das ist natürlich nichts Neues. Umso mehr freut man sich, wenn der Luxus des guten Geschmacks und des eleganten Experiments in einer sich anpassenden Kollektion aufscheint. Tolle Accessoires, farblich subtil gedämpfte Großpailetten, kongeniales Schuhwerk, elegante Kostüme und Mäntel zeigen das Können von Dawid Tomaszewski. Das, muss man bei aller Einschränkung zugeben, sind bei seiner Kollektion aw2019 nach wie vor erhebende Akzente und ein ästhetischer Lichtblick im hiesigen Fashion-Trend, der Geschmacksfragen eher ablehnend gegenübersteht. Der modische Balanceakt, das ist klar, ist schwierig zu bewerkstelligen.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Der Gedanke war richtig und die konsequente Umsetzung hervorragend gelungen. Nachhaltige bzw. ökologische Kleidung als optisch attraktiv und modisch gekonnt einem anspruchsvollen Publikum im Kontext von Modedesign auf der Höhe der Zeit vorzustellen ist der rettende Leitgedanke, den die Nachfolge der Green Fashionshow erkannt hat. Wir sind jedenfalls in den letzten Saisons nicht mehr mit Spannung zu den Green-Schauen gegangen, denn die anfänglichen Hoffnungen, hier gleichwertige künstlerische Ausdrucksformen zu finden wie bei anderen Schauen hatten sich längst aufgelöst. Die engagierten Sachen sahen gestalterisch anspruchslos aus, letztlich nach „öko“.

Und die jetzige Entscheidung, das inhaltlich Korrekte optisch und gestalterisch attraktiv in die Konkurrenz zu schicken und damit eine kompetente Person (Claudia Hofmann, Gründungs- und Vorstandsmitglied des Fashion Council Germany) leitend zu beauftragen, erwies sich als goldrichtig. Der Auftrag glich dem eines Kunstkurators, der eine ungewöhnliche Idee mit kaum bekannten Exponaten in ein spannendes, erfolgreiches Ausstellungskonzept verwandeln soll. Eine Ausstellung, die mit neuer Perspektive und Beleuchtung ohne pädagogischen Zeigefinger vorgefertigte Haltungen in der Allgemeinheit beiseite räumt.

Und genau so hat Claudia Hofmann das angepackt und erfolgreich auf die Beine gestellt. Der entscheidende Gedanke war, nicht spezielle Macher oder Macharten zu thematisieren, sondern Erscheinungsbilder zu einem überzeugenden ästhetischen Gefüge zusammenzubringen. Also ein Konzept, das – auf der Basis nachhaltiger Machart – modisch anspruchsvoll daherkommt. Editorial-Show nennt man das im Insider-Sprech, wobei der Begriff Editorial in der Mode meist eine gebundene Fotostrecke bezeichnet. Claudia Hofmann im Interview mit Vogue: „… Eine Editorial-Show ist dem echten Leben näher – man richtet sich nicht nach einem Mono-Brand-Look, sondern zeigt Styling-Möglichkeiten.“ Aus 40 nachhaltig arbeitenden, nationalen und internationalen Marken suchte Claudia Hofmann die Teile zusammen, aus deren Mix in den Looks sie dann so etwas Ähnliches wie eine Kollektion stylte (und mit einem informativen Beiheft „fashioncredits“ auf jedem Zuschauerplatz – wie ein kleiner Kunstkatalog zu einer Ausstellung – ergänzte, den man auch im Internet abrufen kann). Das kam ziemlich geradlinig und deswegen überzeugend daher. Also nichts, was da besonders auf Öko machte oder den faden Jutebeutel-Geschmack repräsentierte.

Diese Schau hat die bisherigen Green-Shows beerdigt, ohne beim inhaltlichen Anspruch Zugeständnisse machen zu müssen. Sie hat auch neue Maßstäbe gesetzt, dahingehend, dass modernes Erscheinungsbild nicht im Widerspruch zu nachhaltigem Bewußtsein steht. Sie demonstriert eine neue Perspektive der Zukunftsträchtigkeit von Sustainable Innovation, wie die Verantwortliche das nennt. Im Gespräch betont Claudia Hofmann natürlich auch, dass diese Initiative ein Teil der großen Präsentation ist, „die Kern-Veranstaltung der Messe drumherum, die all die Marken ausführlich zeigt“. Mit der Namensänderung von Green Showroom zu Neonyt versuchen die Macher sich neu und genauer zu positionieren als „Hub für Future Fashion und Sustainable Innovation“, also quasi als eine zentrale Netzwerkstation nachhaltiger Mode, die von der Frankfurter Messe unterhalten wird. Diese attraktive Schau verankert nun den ideellen Maßstab im allgemeinen Gefüge.

Auch die PR gibt sich einen neuen Duktus, sie versucht Frische, Aufklärung und Anspruch zeitgemäß zu formulieren und möglichst viel Publikum anzusprechen. Ein bisschen übertrieben, wie wir fanden, die Mailbox quoll geradezu über mit den täglichen Lieferungen, dass man bald schon nicht mehr draufguckte, aber die neue Power blieb spürbar. Und natürlich war die Schau-Veranstaltung voll besetzt, der große Beifall ein verdientes Kompliment.

Fashioncredits: http://www.thefashioncredits.com/

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Was Lena Hoschek vielen anderen zeitgenössischen Modedesignern voraus hat, ist ihr enorm breites Potential an Schnitten, dessen Vielfalt immer wieder verblüfft. Ganz gleich, was für eine Leitthematik sie für eine Kollektion ersinnt, der Variantenreichtum wird damit groß und abwechslungsreich. Mehr als irgendwelche modischen Trendkennzeichen, die durchaus auch einfließen können (wie das angesagte Karomuster), erschließt sie zu ihren Kollektions-Themen mit viel Recherche stets ein breites Gestaltungsfeld der Spezifika, aus dem sie dann ihre eigenen Kreationen herausfiltert.

Ein dritter Aspekt ihrer Mode ist die Liebe zum Frauenkörper, die sie immer deutlich macht, die mit ihren Schnitten korrespondiert und die wohl auch in entscheidender Konsequenz ihr Schaffen motiviert. Eine Weile schickte sie ja auch kurvige Modelle auf den Laufsteg, das war ungewöhnlich und hinreißend, davon ist leider nicht mehr viel übrig geblieben. Die Zielgruppe ist allgemeiner geworden, auch in der Altersstruktur.

Und es gelingt Lena Hoschek, alle Ingredenzien ihrer Couture auf den Frauenkörper zu beziehen, ob Karomuster, Latzröcke, hinzugefügte Hosenträger oder Herrenwesten, das macht ihre Kollektionen eigentlich immer sexy. Angesichts der vielen Bestrebungen, Mode gendergerecht anzulegen, also eher geschlechterneutralisierend, und gegenüber den unzähligen Versuchen, dekonstruktivistisch körperferne Architekturen aufzubauen, besetzt Lena Hoschek bewusst und leidenschaftlich eine entgegengesetzte, klassische Position, geradezu anachronistisch. Ihr Image als 50s/60s-Liebhaberin ist äußerlich vielleicht eine Rechtfertigung für die Retro-Haltung. Aber sie findet und bedient ein Publikum, das mit dem banal-praktischen Streetwear-Konzept nichts anfangen kann und trotzdem eine zeitgenössische Frische und Sexyness für sich sucht. Auch und gerade im Alltag.

Allerdings stimmt ebenso, dass das Maß an bürgerlicher Angepasstheit oft nicht mehr zu übersehen ist. In ihrer frühen und wohl auch besten Phase brachte Lena Hoschek sogar eigene Modelle mit, die mit Sexyness à la Ellen von Unwerth offensiv den Laufsteg aufmischten und ein völlig begeistertes Publikum in Partystimmung zurückließen. Damit war die Österreicherin sogar in Berlin einzigartig, denn lokale Modelle sind fad. Das ist längst vorbei, aber von der Essenz dessen ist noch immer ein ausdrucksstarker Funke zurückgeblieben, der selbst dem spießigsten Rock eine besondere, weiblich-selbstbewußte Seele verleiht.

Und eben auch darin liegt eine Stärke der Designerin: sie formuliert Bekanntes spannend, Biederes sexy und längst Vergessenes neu und überraschend. Westernschuhe, -hüte, Schlips, Jeans, Schlägermütze – allem gibt sie einen neuen Dreh. Außer Gürtel, Halstuch und Hut braucht sie auch nicht mehr die vielen verspielten Accessoires, um die nostalgischen Verknüpfungen herzustellen, im Umgang mit ihren Themen wird sie sowieso freier und souveräner. Den Westernlook – das Thema dieser Kollektion – hat sie natürlich gut recherchiert und gewinnt daraus erfrischende Ableitungen, ohne männlichen Implikationen Platz zu lassen. Und wer sich ein wenig auskennt z. B. im betreffenden Filmgenre, weiß, dass das Frauenbild im Western eben gar nicht immer von Unterlegenheit geprägt war sondern oft von Powerfrauen (Petroleummiezen, Bad Girls, Female Bunch u.v.m.), die den Drive bestimmten. Und die durften eben nicht nur sexy sein, sondern zogen – neben der Chuzpe – daraus das Mehr der Überlegenheit.

Insofern relativiert sich die oft geäußerte Kritik an Lena-Hoschek-Mode, eher bieder zu sein, in einem wichtigen Punkt: kraftvolle Weiblichkeit, ohne aufgesetzt daherzukommen, kennzeichnet noch immer das Wesen ihres Gestaltens und darüber hinaus findet sie unglaublich viele Gestaltungsvarianten, die ihre Schauen zeitgenössisch und reizvoll machen. Der Spass der Designerin an den Ideen (und Vorlagen) überträgt sich fast durchgehend mit dem, was als Kollektion dabei herauskommt – auch das gehört zum Vergnügen an ihrem Gestaltungskönnen.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

„Come as you are“ war der Titel der Kollektion von Rebekka Ruétz und der Start der Schau mit großformatigem Leoprint auf Orange rückt den gedachten Besucher mit optischer Wucht gleich ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Weitere optisch offensive Effekte gesellen sich dann in der weiteren Schau hinzu, besonders Silber, Glitzer und Glimmer sind hervorstechende Merkmale der Kollektion, die auf diese Weise dem sonstigen Streetwear- und Prêt-à-Porter-Konzept neben der Auffälligkeit auch einen futuristischen Aspekt auf den Weg gibt. Aber das ist nur eine flüchtige Assoziation. Die silbernen Flächen auf kräftigen Kunststoffen erinnern zwar sehr an Gestaltungen der 70er und 80er Jahre, das verblasst aber in der Kombinationen mit klassischen Mustern und Textilien, zum Beispiel Folkloreornamente, Kleinkariertes, Op-Art und viele Varianten mehr. Dieser unerschöpfliche Fundus des Bekannten (inklusive für manche Generationen despektierlich Vergessenenes wie z.B. Spießer-Opas weiße Sport-Socken) als Kontrast-Arrangement evoziert geradezu das Unmögliche und hält zugleich auch provokativ das Unerträgliche bereit, soweit klassische Geschmacksästhetiken innere Maßstäbe bilden und die Erscheinungen noch konnotativ bzw. als gesellschaftliche Zeichen besetzt sind.

Aber das sind sie ja allgemein eher nicht mehr beziehungsweise sollen es nicht mehr sein – jedenfalls nicht ernsthaft. Modegeschichte ist ein Kessel Buntes. Der Spaß am Vorgefundenen, die Hemmungslosigkeit der Wiederentdeckung und die Verwendung im kontrastierenden Patchwork räumt mit Verbindlichkeiten auf, schafft Besonderes und ist nun selbst Zeichen der Gegenwart. Die überraschenden, unvereinbaren Gegensätze bestimmen Rebekka Ruétz‘ Kollektion noch prägnanter als in den vorangegangenen Saisons. Es wird nicht nur Vorgefundenes scheinbar beliebig verknüpft sondern Widersprüchliches gesucht.

Verbunden bleibt die Designerin nach wie vor der sprachlichen Parole. Die Verkürzung von Inhalten auf Schlagworte, wie bei Hashtags, suggeriert spezifische Haltung, auch wenn das eigentlich verkürzter Populismus ist. Auf Bänder geprintet erscheinen sie nun bei fast allen Teilen – zwei modische Aperçus zusammengefasst.

Man kann die provokativen Auftritte der Protagonisten mit Rebekka Ruétz-Mode durchaus als einen emanzipierenden Akt zeitgenössischen Kampfes mit dem Herkömmlichen verstehen. Die Befreiung von Hemmungen durch die Konnotationen der Textilien und Muster und von gewohnten Kontexten schafft ein wunderbares, freies Feld der Möglichkeiten. Die Schnitte, die sich ebenfalls von ästhetischen Normen verabschieden, lehnen sich zwar noch gefühlsmäßig an sensuale Wahrnehmungsmuster an, wagen innerhalb derer aber auch neue Experimente. Auf dem Terrain agiert Rebekka Ruétz.

Gezieltes Interesse hat die junge Modedesignerin nach wie vor an Streetwear, denn damit wird das Statement der persönlichen Positionierung öffentlich gesetzt. Und mit ihren Entwürfen liegt sie sicher ganz vorn mit dem, was man als jugendliche Haltung in den öffentlichen Raum tragen kann. Offensiv, respektlos, impulsiv und laut. Diese Charakteristika sind in der Geschichte der Jugendkultur zwar nichts Neues, haben letztlich aber auch immer schon Spaß gemacht. Sie haben auch immer neue Gestaltungsformen gefunden (rückblickend nicht selten scheußlich, siehe oben) und konnten damit manchmal auch Innovationen anstoßen. Welches nachhaltige Potential zu zukunftsträchtigen Perspektiven bei Rebekka Ruétz‘ Kollektionen enthalten sind, wird abzuwarten bleiben – gegenwärtig geht es um den Spaß.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Die Hoermanseder-Schau war die als spannendste erwartete dieser Saison und sie hat, auf ihre Weise, die Erwartungen auch eingelöst. Gleichwohl wirft das, wenn dies nun der Gipfel jungen deutschen Modedesigns sein soll, viele Fragen auf. Auch unabhängig davon, dass das angebotene Schauenpanorama diese Saison eher klein war.

Eine Frage davon wäre, inwieweit die vorgestellte Mixtur aus vielen Gestaltungsansätzen einen Maßstab repräsentieren soll. Drei Hauptlinien glaubten wir ausmachen zu können, Club(Disco)-Glamour mit den poppig bunten, betont sexy angelegten Sachen, Streetwear mit den betont lässig und laut auftretenden Gestaltungen und das Experimental-Exotische mit den Korsagen und Lederriemen. Vieles davon mit ungewöhnlichen Materialien (z.B. Plüsch), Zutaten (z.B. Westernelemente) und Stilismen (z.B. Popart) angereichert und alles quasi gleichzeitig in den Raum gestellt. Ein Feuerwerk vielfältiger Ideen und Orientierungen, insofern sehr unterhaltsam, aber auch ein Verlust an Konzentration und Leitinteresse.

Nun ist Marina Hoermanseder schon ausbildungsmäßig auch Geschäftsfrau (Betriebswirtin), man kann davon ausgehen, dass sie für ihr junges Label Marktplätze sucht, die chancenreich sind und sich bewusst dort platziert, wo das mitgebrachte Image und ihre kreativen Entwürfe am Puls der Zeit auch funktionieren können. Ein Tanz auf verschiedenen geschmacklichen Hochzeiten, der eine klare Positionierung letztlich unmöglich macht. Und daran ändert auch die häufige Verwendung des Label(d.h. Designer)namens als Aufprint oder der Brand-Code „Gurt“ nichts, das sind nur noch äußere Klammern.

Die Aktivität auf banalen Alltagsterrains ist außerdem schwierig. Streetwear und Tanzclubszene sind eher nicht von gutem Geschmack geprägt – die Gestaltungsniederungen als Modeschöpfer hier zu umschiffen ist kein leichtes Unterfangen. Die FAZ beobachtet das sehr prägnant („… zeigt schon das Publikum, dass es von sexy bis vulgär nur ein kleiner Schnitt ist“) und diplomatisch. Marina Hoermanseder hat die Geschmacksakzente immerhin auf höheres Niveau gebracht, manchmal kann man allerdings auch darüber streiten.

Eine weitere Frage wäre, inwieweit die Kollektion eine Entwicklung nach vorne (und nicht nur in die Breite) aufzeigt. Die Radlerhosen (ganz am Anfang vorgeführt), 80er-Jahre-Disco, Western, Plüsch und Popart als großer, unbeschwerter und vor allem lauter Mix von allem Möglichen – ist das alles, was die nahe Zukunft ausmachen wird? Ist überhaupt Unbeschwertheit die nahe Zukunft gesellschaftlicher Befindlichkeit oder ist sie die Formulierung einer eskapistischen Sehnsucht, die uns betört und fängt? Diesen Leitgedanken bediente Marina Hoermanseder übrigens schon in der Schau vergangenen Sommer sehr konsequent. Er erinnert gelegentlich auch an die adoleszente Sehnsucht „Zurück zur Kindheit“ mit Barbiepink und Plüschteddy, einer Nostalgie, der junge Erwachsene heute unverblümter frönen als je zuvor.

„Anything goes“ als Berliner Motto ist sicher eine Befreiung von einschränkenden, überkommenen Ansprüchen und Verfahrensregeln und Marina Hoermanseder tut auch gut daran, sich als Zugezogene mit der Stadt und dieser Philosophie zu identifizieren, weil sie das innovative Potential und die Lebensart zu schätzen gelernt hat. Doch dieses Motto, naheliegende und ungewöhnliche Möglichkeiten improvisierend zu nutzen, ist in der Regel eher eine Initialzündung für neue Wege, die ihre Protagonisten dann aber nicht weiter erfolgreich fortsetzen. Abgesehen von wenigen Berliner Künstlern (z.B. Einstürzende Neubauten) haben nicht viele aus ihrer Innovation etwas Nachhaltiges geschaffen. So etwas wie einen Berliner Stil gibt es letztlich nicht und auch kaum renommierte Künstler, die das Berliner Anything Goes als Leitidee verkörpern – abgesehen von der Institution Berghain vielleicht. Im Übertragenen bleibt darum fragwürdig, ob das Hoermanseder-Konzept genug Substanz hat, sich weiterhin herausragend zu artikulieren.

Dabei war der Start mit den untragbaren BDSM/Orthopädie-Corsagen durchaus ein guter Ansatz, den Marina Hoermanseder – eher spielerisch – auf die eine und andere Weise noch geschickt weitergeführt hat. Und auch bei dieser Schau waren das die beeindruckenden Teile, obwohl sich dabei schon Wiederholungen fanden. Der Mut zum praktisch Untragbaren gebiert Faszinierendes und schafft ein Alleinstellungsmerkmal, aber es ist eben schwer, das in ein kommerzielles Projekt zu verwandeln. Der Riemenrock mit dem flexiblen Stoff im Hinterteil ist ein Kompromissversuch, der aber nur aus pragmatischer Sicht wirklich überzeugt. Das Ausweichen in andere Bereiche ist eher die einfachere Lösung.

Der vorwiegend hinreißende Gestaltungscharme, das Launige und die Darstellungskraft von Marina Hoermanseder verhindern gottseidank meistens ein Abdriften ihrer Entwürfe in alltägliche Gestaltungsbanalitäten. Deswegen war auch diese Schau als Erlebnisevent überhaupt nicht enttäuschend und löste viel Begeisterung aus. Und letztlich fanden ja auch die meisten „ihre“ Marina Hörmanseder in der Schau wieder. Aber als Kollektion, die einen avantgardistischen Leitgedanken in sich führt, ist diese keineswegs zu verstehen. Es gibt kein kompaktes, schlüssiges Konzept mehr, der künstlerische Leitgedanke ist wohl der kommerziellen Notwendigkeit geopfert. Es ist nicht mehr rund als Ganzes.

Man täte der Designerin Unrecht, die entstandenen Fragen als Vorwurf an sie zu richten und ihr mit dem schönen Erfolg die Verantwortung zu geben, Flagschiff des deutschen Modedesigns sein zu müssen (diesen Schuh würde sie sich vermutlich auch nicht anziehen wollen). Aber wenn man die Frage nach neuen deutschbasierten Modemachern stellt, die international eine gewichtige Position besetzen könnten, war diese Schau nicht die Antwort. Es war eine Modeveranstaltung, die Spaß gemacht hat, gute und sehr gute Sachen gezeigt hat und die in ihrer Offenheit gegenüber allen möglichen Gestaltungsaspekten viele optimistische und kreative Aha-Effekte erzeugen konnte. Und es war eine Kollektion, die, das war eben auch entscheidende Absicht, in großen Teilen tragbar war. Ein wenig Exzentrik war die Würze, der Name überall drauf die Identifikation. Genau das begeisterte viele.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Akzentuierend-kontrastierende Streifen, senkrecht, waagerecht oder v-förmig, sind das auffälligste Gestaltungsmittel der Sommerkollektion für 2019 von Maisonnoée. Damit werden die Formen in sich strukturiert und die häufig eingesetzten Transparenzen formal reizvoll gebunden. Gleichzeitig löst die Designerin Sophie Oemus damit auch die eher konventionelle Schlichtheit der Kleidungsfiguren etwas auf, ohne exzentrische Experimente machen zu müssen.

Lockerheit durch die weich fallenden, dünnen und edlen Stoffe kombiniert sie mit diesen breiten Streifen als geometrisch geradlinige Gefüge zu einer reizvollen Gestaltungseinheit, die sich farblich auf Weiß/Beige und Schwarz reduziert (und Silber). Dank der stilistischen Geradlinigkeit sind die Teile auch gut kombinierbar und mit dem konventionellen Grundtypus der Kleider, Tops und Röcke recht alltagstauglich, wenn man von den Transparenzen mal absieht. Die Leichtigkeit macht die Sachen sehr feminin und angenehm sommerlich, die hochwertigen Stoffe, schönen Plissées und sorgfältige Verarbeitung verleihen luxuriöse Eleganz.
Ausserdem sah man wieder tolle Blousons und enge Hosen, meist in schwarz, bekanntes Element der Maisonnoée-Kollektionen, das die selbstbewusste, emanzipierte Sexyness der modernen Frau herausstellt.

Und dann war da noch eine Kinderkollektion („Maisonnoée Kids“). Schon mal ganz abgesehen davon, dass die Kindermodels ihre Sache mit großem Vergnügen und gleichzeitig ernsthafter Hingabe verrichteten, verbreitete das großen Spaß und kam sehr überzeugend daher. Auch hier waren die Outfits locker und teilweise sogar bunt – eine wirklich gekonnte Mischung der oben beschriebenen Eleganz und altersgerechter Gestaltung, und zwar so wie Kinder das mögen und selbst Modernität verstehen. Es war jedenfalls offenkundig, dass sie das mochten, was sie da vorführten (mit einem Touch von launiger Coolness) – und die Erwachsenen auch.

Und dann noch eine Kollektion für Jugendliche, bei der die Designerin genauso deutlich den Bedürfnissen moderner Adoleszenten entsprechen konnte – schwarz, ledrig, tough aber lebendig und bequem. Für die Vorführung hatten sie sich dann auch eine eigene ballettartige Performance ausgedacht, die den Laufsteg gut aufmischte. Neben der Live-Jazz-Gesangsaufführung (Nova Miller, siehe erstes Bild) war diese Einlage eine wirklich gute Idee, die sonst eher eintönigen Catwalks neu zu beleben und den üblichen versteinerten Gesichtern der Modelle etwas Frisches entgegenzusetzen. Mit diesen beiden Sonderkollektionen hat Maisonnoée sehr einfühlsam und anspruchsvoll Marktlücken gefüllt.

Eine Schau also aus drei verschiedenen Segmenten eigener Zielrichtungen, die übergreifend ein Grundanspruch geschmackvoller Eleganz mit durchgehenden Stilmitteln verbindet und die im Einzelnen sehr markt- und generationsgerecht orientiert sind, ohne sich stilistisch verbiegen zu müssen. Es wäre auch schön, wenn das bis zu den Jugendlichen durchdringt, denn eine geschmacklich kultivierte Gestaltungsqualität wäre in europäischen Regionen doch mal eine wirklich nötige Alternative zu den groben US-Rapper-Vorlagen ….

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Sehr locker fallende, dünne und geschmeidige Stoffe sind das wesentliche Gestaltungspotential von Lana Müller, daraus macht sie zarte Verhüllungen in unaufdringlicher Eleganz. Die Leichtigkeit des Stoff-Fallens ist für Lana Müller die Herausforderung einer konsequenten Gestaltung, die nicht nur ihren Stil kennzeichnet, sondern auch für ein weibliches Lebensgefühl steht.

Der Luftigkeit der Kleidung für den Sommer entspricht subtile Farbgebung mit blassen Tönen und offene, sich unterschiedlich bauschende Formen, die wie im Luftzug flatternd den Körper umspielen. Der Effekt wird in dieser Kollektion verstärkt mit Bordüren, Rüschen und Stoffapplikationen, die – teilweise abgelöst – frei wie zugehörige Bänder eigene Bewegung hinzu fügen und etwas entschiedeneren Formen Spielerisches verleihen. Zarte, fein gestreute Blumenmuster beleben den unbeschwerten Charakter von Frühlings- und Sommerduft und romantischen Feelings.

Transparenz ist hier nicht nur eine romantisch erotisierende Note, die den dünnen Stoffen quasi folgerichtig entspricht, sondern evoziert insbesondere ein feminines Freiheitsgefühl der selbstbewussten und zugleich unbeschwerten Frau der Gegenwart. Verhaltene Eleganz und verfeinerter Geschmack dominieren die Freude an der Lockerheit (und Verspieltheit) der Gestaltungen und vermitteln darüber hinaus eine Sexyness, die in ihrer Unkompliziertheit konsequent aus weiblicher Perspektive konzipiert ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Endlich wieder Hüte, habe ich innerlich gerufen, keine Caps und keine Pseudohüte. Es war ein erster Indikator der Schau von Maison Common, dass Eleganz ein Faktor des Gestaltungsanspruches ist, und die Hut-Musterungen geben trotzdem eine sportliche Note dazu, ohne diesen Anspruch zu negieren. Durchgehend in schwarz-weiß/beige assoziierten sie außerdem einen Touch von Chanel, der überhaupt in der gesamten Kollektion als ein internalisierter Geschmacksfaktor durchschimmerte.

Aber die Kollektion kommt keineswegs zurückgenommen-schlicht daher, schon die Farben und Farbkombinationen stehen eher für leuchtende Präsenz, für Frische und Lebendigkeit. Mint und kräftiges Pink bestimmen einen Großteil der Kollektion, als Komplementärkontrast entsprechend intensiv, aber auch Orange, Himmelblau und Schwarz-Weiß-Kontraste hat die Palette, die den Kleidern Lebensfreude und aktive Präsenz vermittelt. Dazu ebenso kräftige Musterungen, gleichmäßig, lebendig oder beides gemixt, sehr präsent aber nie aufdringlich.

Die Schnitte sind feminin, gern auch klassisch, hier schimmerte die Chanel-Assoziation besonders oft durch, was wir aber nicht als kopiert empfanden, sondern als schöne, gediegene Inspiration des sicheren Gestaltens femininer Kleidung. Mit der akzentuierten Farbgebung und der Leuchtkraft ist ohnehin ein eigenständiger Stil gegeben, der außerdem etwas von Galerie-Lafayette-Frische atmet und sich auch deutlich von den anderen Berliner Schauen absetzt, die nicht selten eher romantisch sanft und verhalten erscheinen.

Manchmal assoziierte man auch etwas Retro-Style, 50s, 80s, 60s, 90s – (Orange, Neonleuchten, maritime Versatzstücke, T-Shirt-Aufdrucke etc.), aber das kann auch täuschen, denn letztlich erschien die Kollektion doch meistens eher innovativ mit Kenntnis der klassischen Werte eleganten Gestaltens. Das ist eigentlich eher französisch als deutsch.

Schleifen in allen Variationen gehörten auch dazu, ebenso Bommeln und anderer Schnickschnack, was stets eine verspielte, weibliche Note hinzufügt und auch mit den gelegentlichen Folkloreanspielungen einhergeht. Der Bonboncharakter mancher Erscheinungen, dieses Jahr auch bei anderen Designern angesagt, drängte sich hie und da etwas auf, eher aber im Sinne frischer Mintbonbons und nicht wirklich kitschig; die folkloristischen Anleihen kippen noch nicht ins Spießige. Das leichte, unkomplizierte T-Shirt spielte auch eine Rolle in der Kollektion, bedruckt mit Schlagwörtern, wie es gerade viele machen und mögen, an solchen Stellen erschien uns die Gestaltungskraft etwas unter Wert eingebracht.

Insgesamt ist die stilistische Positionierung von Maison Common eine echte Bereicherung in der jungen deutschen Modeszene, lebensbejahend und klassische Werte nicht verleugnend – wir hoffen sehr, dass das Label auch in den künftigen Fashionweek-Saisons diese Anschauung prägnant vertritt, ohne vorzeitig von Otto oder ähnlichen bürgerlichen Branchen-Vertretern vereinnahmt zu werden.

Vive le Goût Français!

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Engagement von Botschaften in Berlin, Designern ihres Landes einen Ort der Präsentation zu geben, ist sicher eine lobenswerte Entscheidung, denn beide können von solch einer Kultur-Veranstaltung profitieren. Und für die Besucher kann sich darüber hinaus ein sehr angenehmes und ambitioniertes Ambiente – auch dank schöner Räumlichkeiten – auftun. Bei der Liaison zwischen Österreichischer Botschaft und der Designerin Rebekka Ruétz hatte man allerdings den Eindruck, dass es auch umgekehrt geht, die Gesamtgestaltung des Events war in vieler Hinsicht ambivalent angelegt und hinterließ gemischte Gefühle. Das fand seinen konkretesten Ausdruck darin, dass die Medien den ungünstigsten Ort des Defilés durch verschiedene Räume zugewiesen bekamen, den man sich für schöne Fashionpublikationen ausdenken kann.

Mit der Erprobung eines neuen Präsentationsortes ging auch eine neue Ausrichtung gestalterischer Ideen der Designerin einher, wie auch bei vielen anderen Designern (Hoermanseder, Tomaszewski, Luft u.a.) in dieser Saison. Hinwendung zur Streetwear beziehungsweise Streetstyle, Disco und Berliner Start-Up-Kultur prägen die Leitgedanken nicht unwesentlich und führen oft zu seltsamen Blüten. Klar ist, dass das Terrain von vielen Designern noch eher unsicher bespielt wird, aber auch Raum für Experimente aller Art öffnet.

Das kann man bei der aktuellen Kollektion von Rebekka Ruétz ganz gut verfolgen, die ästhetischen Codes werden neu gemischt und mutig aufbereitet. Dabei scheint ihre bekannte elegante Ästhetik nur noch manchmal durch – meist wird sie nun gebrochen. Disco-Glamour nimmt Einzug, schillernde aber sehr steife Kunststoffe kombinieren sich mit weichem Strick oder Pelz, knackige Outdoorjacken mit langen, romantischen Countrykleidern und engen Lederhosen, aggressive Schlagwortprints mit kuscheligen, femininen Pullovern. Ein paar schicke Sachen (im klassischen Sinne) tauchen dabei auch auf, bleiben aber bewusste Ausnahme oder fügen dem Spektrum eine andere Ausrichtung hinzu. Das wichtigste Gestaltungsmittel ist die unerwartete Materialkombination, manchmal so viele wie möglich an einem Outfit, aber auch die bekannten Genrestilmittel gilt es so radikal wie möglich aufzumischen. Mit diesen gezielten Experimenten liegt Rebekka Ruétz konsequent im saisonalen Spektrum und die vorgeführten Beispiele sorgen durchaus für viele Aha-Effekte. Inwieweit damit ein selbständige ästhetische Qualität erreicht wird, die einen überzeugenden Style trägt, fragt sich dabei aber auch – zumindestens wenn man eine geschmackssichere Handschrift erwartet.

In den Details mischen sich die Ansätze ebenfalls. Man merkt hier durchaus liebevollen Umgang mit Zitaten und Codes, modegeschichtlichen Apercus und handwerklichen Besonderheiten. Aber auch in dieser Hinsicht hat man den Eindruck, dass diese Qualitäten dem großen Überraschungsangriff untergeordnet sind und nur der geübte Blick diese angemessen mitrezipiert.

Mit Hard-Rock als Begleitmusik und festem Auftritt der Modelle suggeriert die Präsentation eine toughe Linie, die sich in den Formen nur sehr gemildert wiederfindet – sie spiegelt sich eher in der Radikalität der Kombinationen. Mondäne Kleiderschnitte schrumpfen dabei manchmal nur noch zum gestalterischen Zitat zusammen und werden dem neuen Kontext geopfert. Im Vergleich zu anderen Designern geht Rebekka Ruétz dabei sogar noch einen Schritt weiter: nicht nur, dass die Formgebung für alle Größen und Gestalten offen gehalten wird, sondern sogar für (fast) alle Generationen.

Inwieweit der lautstarke Ruf „Revolution“, den schon Marcel Ostertag zu verkünden suchte, tatsächlich die richtige Interpretation der jungen Start-Up-Generation ist, muss man erst einmal dahingestellt sein lassen, aber das Abenteuerliche der neuen Orientierung spiegelt die Rebekka-Ruétz-Kollektion zweifelsohne wider.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Eine Kollektion von Isabel Vollrath entsteht konsequenter als bei vielen anderen Designern aus einem thematischen Leitgedanken, den sie im wesentlichen künstlerisch aber auch sozialrelevant zu einem Produktkomplex entwickelt. Ihre Gestaltung vollzieht sich in einer skulpturalen Herangehensweise, eine kleidungspragmatische oder botschaftsorientierte Auffassung tritt dagegen zurück. Das Erscheinungsbild entwickelt sich also eher künstlerisch-kreativ anstatt geschmäcklerisch oder aufklärerisch. Dieses Prinzip der Ausgestaltung einer Leitidee (mit Anspruch) ist vielleicht auch der Ausbildung an der Berliner Kunsthochschule Weißensee geschuldet, die künstlerisch akzentuierter arbeitet als viele andere Mode-Ausbildungsstätten.

Damit einher geht der Anspruch der sorgfältigen handwerklichen Ausführung, ohne dabei die Konfektion bereits im Hinterkopf zu haben. Soweit sind alle Kollektionsteile auch Unikate, die wie Einzelbilder (bzw. -skulpturen) zu verstehen sind. Bisher präsentierte Isabel Vollrath ihre Kollektion auch eher ausstellungsmäßig (also in Showrooms), auf Einladung des Berliner Salons machte sie daraus nun ein Défilé, womit der Anspruch der Tragbarkeit stärker herausgestellt wird.

„Water for Elephants“ war das Thema dieser Kollektion, geboren aus sympathisierender Zuneigung, sowohl sozial und tierschutzmäßig engagiert als auch optisch verstanden mit Oberflächenanmutungen, Bild-Prints (ihrer schwedischen Freundin und Textilkünstlerin Sofia Olander) und assoziativen Elementen. Die Kleidungsstücke kommen manchmal komplex und detailreich daher, weil die Designerin aber formal vom menschlichen Körper ausgeht, verselbständigen sie sich nicht ganz. Sie beschäftigt sich mit ungewöhnlichen Lösungen in Details bzw. Abschnitten, reichert an oder öffnet, experimentiert mit den Volumen und spielt (gedeckte) Farbnuancen oder Kontraste aus; Raffungen und Fältelungen sind ihre Spezialität und Bänder – vor allem solche als Schleifen – fungieren dabei als wichtige Gestaltgeber.

Mit diesem Prinzip stattet Isabel Vollrath die Trägerin (momentan nur Frauenkollektion) nicht nur mit Lust an der Form und handwerklicher Pfiffigkeit aus, sondern eben auch mit sozial-idealistischen Zuordnungen. Letztere verbleiben aber unaufdringlich, denn über die Gestaltung verlieren sich die konkreten Ansätze in abstrakten Motiven, wie beispielsweise die recht frei eingesetzten Elefantenprints, so dass die Teile zunächst wie formal-skulpturale Spielereien erscheinen und erst bei etwas ausführlicher Betrachtung sich der thematische Leitgedanke zeigt.

Diese geschickte Verknüpfung von ernsthafter inhaltlicher Leitidee, gestalterischer Experimentierfreude und handwerklich anspruchsvoller Ausführung, mit der Isabel Vollrath ihre Kollektionen kreiert, gibt ihren Arbeiten eine eigenwillige und faszinierende Besonderheit, die gut mit dem künstlerischen Unikatcharakter korrespondiert. Und sichert ihr einen verdienten, individuellen Platz im Reigen erfolgsversprechender Newcomer aus Berlin.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mit dem Nimbus des Berghain würden sich sicherlich viele Modelabels gerne schmücken, doch gottseidank entzieht sich diese Institution bisher konsequent und erfolgreich der Vereinnahmung ihres (Zeitgeist-)Ortes durch PR-orientierte Anbiedermanöver – und in ihrem Interesse kann man sich wünschen, dass das so bleiben wird.

Ein ähnliches Selbstverständnis strahlt der Modeschöpfer Damir Doma aus, bisher hatte er kein Interesse, sich in den Reigen der Berliner Modeszene der Fashionweek einzuklinken und scheint, von dieser Ausnahme abgesehen, das selbstbewusst auch fernerhin eher auszuschließen.

Die Ausnahme mit dieser Schau ist aber schlüssig von beiden Seiten aus betrachtet und darum völlig überzeugend. Die Einladung des „Fashion Council Germany (FCG) in Partnerschaft mit Mercedes-Benz“ zu einer sogenannten „Fashion Hab“, einer Schau, die Designtalenten und bilateralen Austauschprogrammen eine neue Bühne bietet, ist das erste öffentliche Signal, das die Institution vorführt. Und man muss die Veranstaltung darum wohl auch als ein Statement verstehen.

Als erstes fällt auf, dass (merkwürdigerweise) nicht nur das Potential aufstrebender Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum im Blickfeld steht, sondern die Organisation öffnet sich in Kooperation mit anderen Fashion-Councils auch inspirierten und relevanten Positionen auf nichtnationaler Ebene. Der Modeschöpfer Damir Doma repräsentiert eindeutig eine solche Designer-Position, weniger weil er als Kroate aus Bayern im Modeland Italien erfolgreich arbeitet, sondern vielmehr weil seine Mode besonders augenfällig mit der zeitgeistigen Techno-Szene, die sich als avantgardistisch begreift, verwachsen zu sein scheint. Und, insofern die Berghain-Szene diese Zeitgeist-Avantgarde am pointiertesten kultiviert, ist dieser Ort eine kongeniale Stätte, die gemeinsamen Vorstellungen statementartig auf den Punkt zu bringen, wie es dann auch wirklich geschah: Geradezu kongenial wurden bei dieser (ziemlich exklusiven) Veranstaltung Location, Publikum, Musik, dynamisches Lebensgefühl und Erscheinungsbilder zu einem Event zusammengefasst, der wie ein Konzentrat aufleuchtete.

Der erste Gedanke, der einem deswegen durch den Kopf schoss, war der Begriff „Berlin-Style“, den man auf den Berliner Fashion-Schauen stets ausfindig zu machen versucht, der erst hier aber geradezu auf den Punkt gebracht auftrat. Und zwar konsequent und kompromisslos vorgeführt in der rauen Härte, Kraft und Arroganz, in der Unterkühltheit, Emanzipiertheit und anti-ästhetischen Ästhetik der selbstgefälligen Szene. Es war zwar das optische Erscheinungsbild, das bei dieser Veranstaltung akzentuiert wurde, ansonsten war es ein rundum zeitgeistiger Event, der eine homogene Idee erleben ließ.

Diese optische Definition der Erscheinungen am Protagonisten (Mode) lässt sich nicht mit einer Aneinanderreihung gestalterischer Phänomene und Eigenarten erschließen, denn aus ihrer Addition ergibt sich längst nicht das ideelle Gesamtkonzept. Auffallende Beobachtungen wie Gleichzeitiges von Hoch- und Minderwertigem, flaches, festes Schuhwerk, heruntergezogene Regenmützen, dunkle Farbgebung, gewöhnlich-ungewöhnliche Kombinationen mit klassischen Jacken und Mänteln, schräge Schnitte, merkwürdige Architekturen, Hochwasserhosen und (veredelte) Streetwearteile ergeben soweit höchstens eine Reihe stereotypischer Klischees, die aber noch längst nicht das Gesamtfeeling evozieren. (Damir Doma: „Der Berliner Stil? Sieht manchmal nach Penner aus!“)

In der Zeit gesehen ist der optische Kodex über mehrere Jahre gewachsen, im subkulturellen Kontext, mit einem Selbstverständnis, das sich um Strömungen (die man an der Oberfläche der Medien und im modischen Mainstream sieht) nie besonders scherte und das versuchte, emanzipiert davon ein „eigenes Ding“ zu entwickeln. Der Technoszene war diese Attitüde von Anfang an zu eigen, das Berghain-Phänomen ist ja nur die Spitze des Eisberges geworden. Und die Kollektion, die Damir Doma (als modischen Ausdruck) hier zeigt, letztlich wohl auch. (Damir Doma: „Berlin und insbesondere die Halle am Berghain scheint das perfekte Setting für die Ästhetik zu sein, die ich in der vergangene Dekade entwickelt habe: feinfühlig und poetisch aber auch roh, grob und unfertig.“)

In der großen Stimmigkeit aller Zutaten ist dem Fashion Council Germany hier ein sehr überzeugender Einstand gelungen, was eine repräsentative Schau seines Anliegens betrifft, es war konzeptuell wohl der beste Event dieser Fashionweek überhaupt. Der große Wermutstropfen daran kann aber auch nicht übersehen werden, und das ist der Exklusivitäts-Nimbus dieser Veranstaltung (wenig, auserlesenes Publikum, keine PR etc.). Der steht dem Selbstanspruch des Fashion Council soweit eher entgegen und fügt darum dem Image dieser frisch gegründeten Institution zumindestens etwas Problematisches bei. Wir haben aber die Hoffnung, dass in Zukunft dieser Event als ein singuläres Konzept innerer Konsequenz in einer folgenden Reihe ganz anderer Produktionen stehen wird, die dann auch jeweils einem eigenen Prinzip folgen. Wenn das gelingt, wird die künftige Bedeutung des Deutschen Fashion Council – auch auf internationaler Ebene – eine sehr wichtige Bereicherung sein. Insofern legt diese sehr beeindruckende Veranstaltung die Latte schon mal hoch.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mittlerweile weiß man aus der Erfahrung, dass eine Hoermanseder-Schau stets mit starken Überraschungen aufwartet und dass die Designerin keineswegs beabsichtigt, sich auf Gestaltungserfolgen auszuruhen und nur neue Varianten anzubieten. Man kann das Label wie eine rasante Persönlichkeitsentwicklung betrachten, die neugierig, mutig, gegenwartsbezogen und lebendig (auch lebensfroh) sich allen Einflüssen öffnet und etwas Eigenes daraus hervorbringt. Die dabei aber auch bewusst das Risiko des Selbstverlustes im Auge behält und stets den Bezug zu Bewährtem mitlaufen lässt.

Mit der Öffnung der Möglichkeiten in alle Richtungen erzeugt die Modeschöpferin ein kreatives Feuerwerk, an dem man seinen Spaß hat: Ungewöhnliche Dessins und Kombinationen, Experimente mit Streetwear neben eleganten Luxuslinien, offensive Print-Text-Attacken neben verspielten Dekors, Zitate von Military-Camouflage nach Discoglanz und Mädchen-Weiß-Rosa, strenge, geometrische Formen und wilde Richtungsmixe, klare Materialwirkungen und ungewöhnliche Zusammenstellungen – all das in schneller Folge und unter ein gestalterisches Dach gebracht, das nötigt schon viel Respekt ab, weil es glaubwürdig zusammen gegossen ist und einen funkelnden Esprit vorführt.

All diese experimentellen Erkundungen, die im Einzelnen stets spannende Ergebnisse zeugen, sind dann aber auch durchsetzt mit den mittlerweile bekannten Hoermanseder-Codes: Die Gurte und Riemen (z. T. nur noch als Prints oder Steppnähte), das Logo, Schnallen, gekreuzt gelagerte und gestaffelte Streifen, schlichte Blusen und natürlich die festen Corsagen. Es gelingt der Designerin, diese Codes stets spielerisch neu und anders einzubringen und mit Teilen zu verbinden, wo und wie man es nicht erwartet hätte. Damit ist der Erkennungswert der Marke gesichert, diese spielerische Strategie beherrscht Marina Hoermanseder bravourös im Großen wie auch im Detail, sowohl bei Kleidung als auch bei Accessoires. Und sie erschließt sich damit gleichzeitig ein großes Spektrum der Ansätze.

Die sind vielleicht nicht immer gleichermaßen überzeugend, kraftvolle Fussballfanschals und fette Westernschriften zum Beispiel, seltsame Frisuren und Mokassins gehen gelegentlich über den ästhetischen Zitatcharakter hinaus und irritieren. Harte, offensive Kontraste und Statements sind hinzugetreten. Aber die Designerin ist jung und gute, mutige Experimente riskieren immer auch Grenzüberschreitungen. Deutlich lauter ist es bei Marina Hoermanseder geworden, aber das Raue wirkt soweit beherrscht.

Mit den thematischen und ästhetischen Öffnungen geht auch die strategisch-wirtschaftliche einher. Das Label hat kaum Berührungsängste mit unterschiedlichsten Unternehmen und Produkten als potentielle Werbeträger – die ihrerseits auch von dem fashionable Nimbus profitieren wollen –, das Panorama der vereinnehmenden Kontakte von Wolford bis Jägermeister vergrößert sich rasant und steht letztlich ebenfalls für ein aufgeschlossenes Selbstbewusstsein der Marke Hoermanseder.

Diese Entwicklung des Hoermanseder-Designs innerhalb von wenigen Jahren ist zweifellos faszinierend, weniger, weil die Designerin es in der frühen Phase eher langsam und solide angehen wollte, sondern mehr, weil es ihr mühelos gelingt, mit dem von außen an sie herangetragenen Hype Schritt zu halten und ihn sogar noch umgekehrt zum eigenen Vorteil forciert. Solches haben schon viele aufstrebende Stars in allen Branchen versucht, ob das gelingt erweist sich stets, inwieweit der/die Betreffende gut und beachtlich und schnell nachlegen kann. Genau das kann Marina Hoermanseder bislang souverän, wie auch diese Kollektion wieder überzeugend bewiesen hat.

Und dass sie sichtbar Lust und Spaß daran hat, überträgt sich deutlich auf ihr Publikum.

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