Bilder und Text: Gerhard Paproth

Auf der zwölften Positions stellt das neue Kuratorenduo Diandra Donecker und Dao Tran zwanzig Designer und Designerinnen für den Bereich Fashion vor. Manche sind wie zuvor wieder dabei aber spannende Neuentdeckungen gibt es auch und die Schnittstellen von angewandter Kunst und freier Kunst zeigen sich dabei scheinbar noch evidenter und vielseitiger als bisher, umso mehr, als auch in der freien Kunst auffällig viele Modebezüge eine wichtige Rolle spielen. Im Gefüge der Kunstmessen erscheint die Positions wie eine Entdeckermesse, denn auffälliger als anderswo wird sie nicht nur von Fachpublikum frequentiert sondern auch von sehr diversen Interessierten, nicht zuletzt weil die Positions sich noch im Zusammenhang mit der Berliner Art Week aufstellt. Diese etwas populärere Zielgruppenorientierung setzt weniger auf große Namen sondern eher auf künstlerische Trends und auch in der Fashionabteilung wird das deutlich. Und gerade hier, bei der Mode, zeigt sich, dass die Berliner Kulturszene doch eigen und zugleich herausragend ist.

Die Vielseitigkeit im künstlerischen Ansatz der Modedesigner ist bemerkenswert und offenbart sich nicht mehr nur als quasi erweiterte Installationsgestaltung einer Modeposition sondern dezidierter in den inhaltlichen Ansätzen – mehr oder weniger offen oder gezielt. Und nicht nur die geläufigen zeitrelevanten Themen (Umwelt etc.) kommen zum Zuge sondern auch rein künstlerische Ansätze stellen textiles Gestalten in neue beziehungsweise deutlichere Zusammenhänge, die über Mode hinausgehen. Das entspricht letztlich auch einem allgemeinen Trend der Gegenwart, wo Mode mit Kunstausstellungen zusammen geht und wo Kunsthandwerk und bildende Kunst näher zusammen rücken. Dem jungen Publikum kommt dieses Kulturverständnis sehr entgegen, denn das entspricht seiner Vorstellung eines kreativen Lebensumfeldes mehr als elitäre Abgrenzungen von Gebieten.

Erfreulich ist auch die Beobachtung, dass das Berlinspezifische sich nicht auf einen subkulturellen Kern berufen muss, sondern im Anspruch mittlerweile weit darüber hinaus ein kreatives Selbstverständnis entwickelt. Renommierte Repräsentantinnen wie Claudia Skoda und Esther Perbandt haben das zwar schon längst vorgeführt, aber die neuen beschreiten den gleichen Weg in ihrem Selbstverständnis. Und dieser Anspruch läßt die flüchtige Insta-Kultur hinter sich. Selbst Labels wie Haderlump, die sich eher dem modischen Zeitgeist verschrieben haben, versuchen, einen essentiellen Kern herauszustellen oder wie Danny Reinke die verzaubert-romantisch verklärte Märchen- und Naturwelt seiner eher pragmatischen Mode als ideelle Basis des Schaffens zuzuspitzen. Interessant sind auch Bezüge zur Kunst- und Kulturgeschichte wie auf gotische Altäre (Elodie Carstensen) und, besonders faszinierend mit Stillleben erarbeitet, das Thema Les liaisons dangereuses von Laclos bei Plaid-á-Porter. Auf die Faszination eleganter und schillernder Zweckverfremdung von Schneidermaterial verweist Maximilian Gedra, Krankenhaus-SM thematisiert äußerst witzig Lilian Brade und die Gestaltaffinität zu Autodesign als ästhetische Spezifik überträgt Selva Huygens in Kleidung. Besonders erwähnenswert sind die groß angebrachten, aufschlussreichen Texte zu den Designern und Designerinnen und zu ihren jeweiligen Arbeiten. Die sind sorgfältig kuratiert und kommen besonders dem kunstaffinen Publikum zugute, das damit anspruchsvoll an das Thema aktuelles Modedesign herangeführt wird.

Stets zeigt sich, dass die Modedesigner ihr Selbstverständnis am liebsten im künstlerisch-kreativen Tun verorten, was bekanntlich schwierig ist, weil Mode als angewandte Kunst eben kommerziell funktionieren muss. Bei der Herausforderung dieser Kunstmesse kann und muss diese Selbstreferenz zu einer überzeugenden Demonstration herausgearbeitet werden. Und das fällt natürlich den ganz jungen noch leichter als den bereits etablierten. Spannend bleibt dann auch die Frage, inwieweit ein künstlerischer Ansatz in der Mode in ein kommerzielles Gefüge überführt wird oder werden kann. Im umgekehrten Sinne hatte die Kunstgeschichte nie ein Problem damit, Mode war immer ein Teil ihrer Bildwelten. Und wie man hier in der freien Gegenwartskunst beobachten kann, ist sie gerade besonders präsent (siehe Bildbeispiele unten): Cranach-Modelle tragen Chanel-Bikinis (Ieva Il Tnere), Modestickerei überdeckt das Porträt (Idowu Oluwaseun) und Glasbläserei assoziiert textile Skulptur (Maria Bang Espersen) – nur zum Beispiel.

Alexander Gigl:

Cbui:

Claudia Skoda:

Cruba:

Danny Reinke:

Elodie Carstensen:

Esther Perbandt:

Fiona Bennett:

Format: :

Haderlump Atelier Berlin:

Karen Jessen:

Lilian Brade:

Maximilian Gedra:

Nadine Aurin:

Plaid-À-Porter:

Raufaser:

Selva Huygens:

Vanessa Baernthol:

Yannic Pretzlaff:

Modebezogene Kunst aus den Galerien der Positions 2025:

Carolina Bazo:

Carole Feuerman:

Henry James:

Idowu Oluwaseun:

Ieva Il Tnere:

Jonathan Esperester:

Maria Bang Espersen:

Norman Gebauer:

Sarah Geppert:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Positions Art Fair feierte dieses Jahr ihr 10. Jubiläum und das vierte Mal ist die „Fashion Positions“ angeschlossen. Anfänglich wurden die Modedesigner eingeladen, weil so viele Formate wegen Corona Shutdowns hatten, mittlerweile hat das Miteinander zu einer sehr spannenden Präsentation der künstlerischen Sicht von Modedesignern und -designerinnen gefunden.

Nicht zuletzt dank einer sehr ambitionierten Kuratierung von Esther Perbandt und Fiona Bennett dieses Jahr. Besonders die Vorzeigedesignerin Berlins, Esther Perbandt, erweist sich dafür als sehr kompetent, denn sie agiert selbst schon immer sehr gern in allen künstlerischen Gefilden der exzentrischen Stadt und erprobt die eigene Gestaltungslust stets auch jenseits der kommerziellen Interessen.
21 Modedesigner und -designerinnen waren eingeladen, ihre kunstaffinen Statements zu präsentieren und dabei die nachvollziehbaren Berührungspunkte mit freiem Kunstschaffen aufzudecken. Sehr viele Positionen wurden gut herausgearbeitet und auch durch jeweils einführende Texte interessant kommentiert (allerdings nur englisch).

Die Schnittstellen zwischen jungem Modedesign und freier Kunst finden sich auf sehr verschiedenen Ebenen und in unterschiedlichen Perspektiven, sei es da, wo die Lebensrealität das gestalterische Schaffen thematisiert (zum Beispiel Krieg bei Dzhus) oder auch da, wo Gestaltungsprozesse und innere Strukturen in der Bildenden Kunst, Architektur oder visuellen Medien dazu inspirieren, das eigene Vorgehen in der kreativen Textilgestaltung darauf zu beziehen (zum Beispiel Brachmann). Darüber hinaus gibt es viele weitere Schnittstellen, oft gerade da, wo Mode nicht nur eine ästhetische Aussage treffen will, sondern auch eine Aussage im Sinne des Zeitgeistes anstrebt, also sich als Botschafterin gesellschaftlicher Ideen versteht (zum Beispiel Jenny Haas).

Gesellschaftlich Position beziehen

Angesichts der vielfältigen Problemlagen unserer Gegenwart sieht sich Mode heute bemüßigt, auch mit Aussagen Positionen zu beziehen. Das hat mit gesellschaftlicher Kritik an dem schnellen und unökologischen Modegeschäft angefangen und reicht heute über Nachhaltigkeitsverpflichtungen und inzwischen auch Genderfragen weit hinaus. Gesellschaftliche Positionierungen werden via Mode auf den Konsumenten projiziert und umgekehrt wird von ihm auch offensichtlicher Positionierungswille erwartet. Entsprechende Slogans auf T-Shirts gedruckt machten den Anfang, inzwischen ist die ganze (junge) Modeindustrie mehr und mehr darauf ausgerichtet.

Die Frage, warum nun die Modeindustrie sich in gesellschaftspolitische Debatten einmischt, kann auch damit beantwortet werden, dass schon die Mode-Studiengänge glauben, gesellschaftskritischer Stellungnahme im Studium großen Raum einrichten zu müssen. Und natürlich setzt dies sich in der zeitgemäßen Forderung fort, alles gesellschaftliche Tun auch moralisch und soziokulturell zu positionieren – eben auch in der Modegestaltung.
Damit wird Modemachen gewissermassen politisiert: Die gesuchte Zeitgeistigkeit kreativen Modegestaltens wird nicht mehr nur über rein ästhetische Idealismen formuliert, sondern zunehmend mit kommentierenden, konkreten Begriffen bzw. Schlagworten leicht verständlich aufgefüllt (oder sogar ersetzt). Damur ist ein gutes Beispiel dafür. Das kann auch der mitgelieferte Begriff „nachhaltig“ sein. Ob so allerdings Mode tatsächlich mit Sinnstiftung oder Bedeutung aufgefüllt wird, was ihrem eigentlichen Wesen ja widerspricht, bleibt vorerst dahingestellt. Zunächst ist es wohl eher eine Verschiebung der Codes, eine (ersehnte) Transzendenz der Erscheinungsbilder ergibt sich daraus eben nur scheinbar. Aber genau die soll Mode in die Nähe von Kunst rücken.

Die Infragestellung ästhetischer Relevanz

Reines Art pour Art hat im Kontext der jungen Modeszene eigentlich nicht mehr viel zu suchen und insofern beschleunigt das natürlich auch die abnehmende Relevanz ästhetischer Maßstäbe im Sinne dessen, ob etwas einfach nur hinreißend aussieht, besonders elegant daherkommt oder vielleicht ein pfiffiger Streich in Sachen Sexyness ist. Solche Kriterien sind mehr oder weniger außer Kraft gesetzt beziehungsweise dürfen oft nur noch am Rande der Chicness der Schlagworte ihre Wirkung hinzufügen.

Aber das  Problem der Aufgabenverortung im gesellschaftlichen Leben stellt sich nicht allein in der Mode, die vorher vorwiegend sinnlich mit Geschmacksargumenten arbeiten musste.  Auch die Bildende Kunst riskiert es, teilweise die Bedeutung ästhetischer Wahrnehmung einzubüßen, wenn sie beispielsweise Themen wie soziale Ungerechtigkeit, Feminismus, Krieg, Klima- und Naturkatastrophen als Spiegel gegenwärtiger Lebensrealitäten und der heutigen Zeit zugrunde legt oder über den Schöpfungsprozess stülpt. Kurz: es geht in der jungen Mode (und oft in der Kunst) momentan nicht darum, die Welt schöner zu machen, sondern besser. Inwieweit diese Art Chic erfolgversprechend ist, bleibt abzuwarten. Jedenfalls ist es in der Zusammenschau eine neue und bemerkenswerte Schnittstelle, wenn auch nicht die einzige.

Digitalisierung und andere Schnittstellen

Gleichzeitig spielt die durchdringende Digitalisierung eine nicht zu unterschätzende Rolle in allen künstlerischen Bereichen, sowohl in angewandten Verfahrensprozessen als auch als Thema. Blicke auf die Zukunft und digitale Innovationen tauchen als Faszinosum und Experimentierfeld auf und auch hier – zumindestens in der Mode – müssen ästhetische Belange erst einmal zurückstehen. Immerhin sind die Erwartungen ästhetischer Erfahrung an Bildende Kunst dabei noch vergleichsweise hoch gesteckt.

Andere Schnittstellen, wie zum Beispiel das Skulpturale oder auch die Zeichnung, folgen ganz klassischen Gestaltungsmotivationen. Das sind oft sehr spannende Auseinandersetzungen, sinnlich, prozessual und manchmal nur auf rein formaler Ebene. In Sachen Konnotation verhält es sich umgekehrt: Symbolische Aussagemomente der Bildenden Kunst werden leicht als (scheinbar ausreichende) künstlerische Aussagemittel für sich genommen und damit oft von Designern abflachend mißverstanden und inflationär eingesetzt, um Sinnstiftung zu demonstrieren. Man findet leider mehrere Beispiele dafür in der Ausstellung.

Fragwürdiges Kunstverständnis

Was die Nutzung medialer Präsentation betrifft, droht die Vergleichbarkeit zwischen Kunst und Mode ebenso schnell fragwürdig zu werden. Die reine Übernahme eines künstlerischen Mediums macht die Darstellung noch nicht zu Kunst. War die Installation einst ein Medium der Bildenden Kunst – mit der Einführung des realen Raumes -, gilt sie hier per se als künstlerisch. Es bleibt aber durchaus offen, ob eine Installation mit Modeelementen, Fotos und symbolischen Objekten schon eine kunstidentische Darstellung ist. Diese Unterstellung erweist sich an vielen Stellen als besonders problematisch.

Es ist ein großer Verdienst der Kuratorinnen, eine breitere Palette abzubilden, als diese kritisch beschriebenen Aspekte – wie die nachfolgenden Erkundungen im Einzelnen deutlich machen. Leider zeigt das kleine Begleitheft zur Positions die Komplexität der künstlerischen Modepositionierungen nicht sehr kompetent auf. Hier gibt es statt der Allgemeinplätze noch Ergänzungsbedarf bei den künftigen Fashion Positions. Ein sympathisches Interview mit Danny Reinke ist da wenig stellvertretend für den inhaltlichen beziehungsweise künstlerischen Anspruch der Sektion, der ja durchaus vielschichtig ist und mit vielen tollen Beispielen auch überzeugt.

Die ausstellenden Modedesigner

BRACHMANN: Zeichnungen von den Capsule Collections „Cube“ and „Skins„.

Die Designerin Jennifer Brachmann hat außer Mode auch Architektur studiert und ist dem Bereich nach wie vor sehr verbunden. Sie sieht ihr Modedesign als gleichberechtigte Kunstform wie Architektur, Industriedesign oder Malerei ganz im Sinne der Bauhausphilosophie und entsprechend legt sie ihre Gestaltungskunst an und aus. Nicht die Trennung der Eigenheiten sondern den Zusammenhang mit den anderen Fachbereichen will sie aufdecken und so sind die aktuellen Zeichnungen mit der Durchdringung von Mode und Architektur grundlegendes Statement ihres Verständnisses und auch ihres gestalterischen Vorgehens. Sie sieht Architektur und Kleidung als jeweils eine Haut des Menschen, in der er lebt und die ihre Gestaltung ihm zueignet.

Bauhaus-Minimalismus prägt noch immer ihr Credo und die Grundlage ihrer puristischen Eleganz.

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KAREN JESSEN: „Liquid Bloom 2023„. Installation, Skulptur, tragbare Kleidung, neu erfundene Häkeltischdecke.

Handwerkskunst prägt die Arbeit der Designerin grundlegend und die Lust an skulpturaler Kreation führt sie ebenso in abstrakte Dimensionen wie Bildhauerei. Dabei entwickeln die subtilen Material-Gespinste in ihrer Leichtigkeit bewegte und anmutige Formen, die sowohl wie digitale Träumereien sich in und durch den Raum bewegen als auch (als tragbare Kleidung) den menschlichen Körper umschmeicheln können.
Karen Jessens Mode besteht aus Upcycling, hier verwandelte Tischdecken-Elemente.

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CRUBA: „Trash on Snow„, 2023. Videoinstallation. Holz, Papier, Bio Zellulose.

Mira von der Osten überführt den Modeprint auf Stoff in eine mediale Vision, wo aufprojizierte, bewegte und wechselnde Elemente die Oberfläche zu träumerischem Leben verwandeln. Chaotisch auftauchende und verschwindende Trash- und Körper-Fragmente („auf schwarzem Schnee“) suggerieren kreative Erscheinungsverwandlungen auf und in der Oberfläche des Textils.

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DAMUR: „77 lucky charms for 77 people„. Schuhe, Pflanzen, Textilien.

Shih-Sun Huang liegt neben der inclusiven Einebnung von sexuellen, kulturellen und auch modespezifischen Unterschieden die weitestgehende Gleichstellung von Allem am Herzen – insofern sind auch Kunst und Mode für ihn keine verschiedenen Aktionsfelder. Ästhetische Kategorien hält er für längst überholte Perspektiven:  ideele Statements prägen als Symbole die Essenz aller Erscheinungen. Der Formulierung dieser Wahrnehmung gilt sein gestalterisches Interesse, auch in der Mode. In seiner Installation stehen die Schuhe als Träger des öffentlich Erlebten am Tage und die Zimmerpflanzen für  häusliches Leben, alles fügt sich irgendwie zu einem offenen Tableau des (Er-)Lebens.

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DANNY REINKE x MANUELA KARIN KRAUT: „Lustgarden“ 2023.

Danny Reinke entnimmt gelegentlich aus der Bildenden Kunst Motivelemente für seine Musterprints. Größere Nähe zu Gegenwartskunst hatte seine Kollektionsschau auf der Fashionweek ss23 Berlin: Hier gab er der Künstlerin Manuela Karin Knaut kooperative Gelegenheit für eine Live-Performance, wo sie ein Recycling-Brautkleid auf dem Laufsteg bemalte. Die Installation verweist aber auch auf den starken Naturbezug, mit dem seine Modekollektionen entstehen.

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DEAD WHITE MEN’S CLOTHES: „DWMC No. 267 – No. 287„, 2023. Installation.

Jojo Gronostay hat Ghanaesische Wurzeln und lebt und arbeitet in Wien. Sein Label ist ein Kunstprojekt und Modemarke zugleich und beschäftigt sich mit den Mechanismen interkulturellen, -ökonomischen und -politischen Austausches. Indem er ausrangierte Kleidung aus dem Westen auf Ghanaesischen Märkten aufkauft, neu manipuliert und auf dem westlichen Modemarkt verkauft, kehrt er das Dominanzgefüge um.
Die Videoinstallation zeigt ein Fußballspiel, aufgenommen in seiner Heimat Accra und die Tricots der Spieler sind mit Überdrucken hin- und hermanipulierte Spielkleidung europäischer Clubs. Die Wechselbeziehung von Kleidung als Ausdruck einer Machtkonstellation dominanter Kultur zu einer aneignenden wird hier im politisch-künstlerischen Sinne hinterfragt und neu formuliert.

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DZHUS: „Thesaurus„, Collection 2023.

Irina Dzhus ist Ukrainerin und ging mit Kriegsausbruch in den Westen. Der Krieg hat in der Selbstreflexion eine Neubewertung tradierter Selbstverständlichkeiten ausgelöst und die Grundlagen der Modegestaltung neu und ganz anders positioniert. Nicht nur die inzwischen berühmte Multifunktionalität ihrer Kleidungsstücke rückt ihre Arbeit in den Bereich Konzept-Art, sondern auch die skulpturale und manchmal quasi dialektische Ästhetik sowie das Referentielle der Materialien.

Thematisch geht es Dzhus auch um Gender-Dresscodes, die sie auflösen und durch einen egal-archetypischen ersetzen will; dem folgt auch die ästhetische Klarheit, welche auch die originellen und verspielt-witzigen Einfälle dominiert.

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ESTHER PERBANDT: „curse and blessing„, 2-teilige Installation mit künstlichem Haar und Schuhen auf Holzblock.

Die fragile Kopfputzkonstruktion aus schwarzem Kunsthaar schwebt frei in der Höhe und die mit goldenen Nägeln auf einem schweren Holzblock befestigten Schuhe drücken auf den Boden. Der freie Raum dazwischen steht für die Lücke zwischen Utopie und Realität. Perbandt versteht sich als visionäre Performerin und Künstlerin, wobei ihre Mode, die sie oft in installativen Arrangements präsentiert (zuletzt auf der Fashinweek Berlin ss 2024), als ein Teil der ästhetischen Konstrukte verstanden werden soll.

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FADE OUT LABEL: „You Wear What You Are„, 2023. Upcycled Jeans, Macro Pailletten aus Tomatendosen, Wegwerfmaterialien

Das Victoria&Albert Museum beschreibt in einer Publikation Andrea Bonfinis Label als die innovativste  Patchwork-Marke der Gegenwartsmode und seine Arbeiten finden sich auch in diversen Kunstgalerien. Die rein abstrahierende Präsentation der mosaikförmlich zusammengefügten Denim-Stofffelder entwickelt eine selbständige formalästhetische Qualität, die auf Kleidungsstücke übertragen wird, so dass quasi getragene Kunst daraus wird. Hinzu tritt die Eigenschaft des gelebten und symbolischen Charakters (Rock-Rebellion) des Jeansstoffes, die die Objekte auflädt.

Inspiriert ist die Arbeit von der Dada-Künstlerin Elsa von Freytag Loringhoven (1874-1924) , die unter anderem Wegwerfkunst als Bekleidung entwarf.

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FIONA BENNETT: „Two Souls. One Hat„. 2023. Filz, Stroh, Seide, Papier.
Tales of a Travelling Milliner, Chapter 3, Justine Lauefer.

Die Hutmacherin Fiona Bennett versteht ihre Kopfbedeckungen auch als symbolische Objekte (Stichwort „unter einen Hut bringen“) und in dieser interaktiven Installation sollen sich zwei Menschen unter einem Hut verbinden. Gemeinsam mit Justine Lauefer, Fotografin, entwickelt Bennett Visualisierungen von Begegnungen, bei denen Kopfbedeckungen dann die Rolle eines „Storytelling“ einnehmen. Mit der symbolischen Funktion von Kleidung und der interaktiven Präsentation in diesem Sinne repräsentiert der Sinn von Mode aus dieser Sicht eine übergeordnete, quasiphilosophische Ebene. Mit den dadaähnlichen Fotocollagen werden weitere Bezüge zu Kunst angedeutet.

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THE OTHER GODS: „Gaia – an Ode to Earth’s Spirit„. 2022/23. Leinen Wolle, Baumwolle, Pailetten.

Einen mobilen Tempel als Ode an Mutter Erde und Natur, mit Aura und Evokation höheren Bewußtseins, haben die Textilkünstler Lena Voutta und Thoas Lindner gefertigt. Das handwerkliche Gebilde aus textilem Baumaterial, das eher behausende Kleidung assoziiert, und sein archetypisches Raumkonstrukt verbinden hier im spirituellen Leitmotiv Mode und Kunst.

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ISABELLA RUDZKI

Isabella Rudzki gehört zu den wenigen Kunstschaffenden, die sich gerne in allen medialen Ausdrucksformen bewegen und Mode und Schmuck gehören wie selbstverständlich auch dazu. Der Mensch und sein Körper stehen im Zentrum der Ideen, die physische Nonkonformität des Individuums und die Sensibilität der Mensch-Welt-Beziehungen sind Gegenstand ihrer umfassenden Auseinandersetzungen. Dem Körper, als Behausung von Geist und Seele verstehend, sind Normen, Gleichberechtigung, Lebensumstände, soziale Beziehungen und zeitgenössische Bilder davon inhärent – nicht zuletzt die existenziellen Grundlagen und Erfahrungen der Gegenwart. Mythen  aus der Vergangenheit interessieren Rudzki auch, denn die kreisten schon um dasselbe.

Mode und Schmuck für den Körper können als eine Facette, sich mit der Wesenheit Mensch zu beschäftigen, verstanden werden und dann liegt hier die Schnittstelle mit Bildender Kunst in demselben Leitinteresse.

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JENNY HAAS: „Be Lilith Not Eve„. 2023. Materialmix.

Jenny Haas‚ Label gibt es seit diesem Jahr und sie sieht sich damit inhaltlich sozialen Fragen und besonders dem Feminismus stark verpflichtet. Gleichzeitig testet sie die Grenzen zwischen künstlerischer Botschaft und tragbarer Mode und diese Installation mit Elementen ihrer Master-Kollektion will davon Zeugnis ablegen. Mit einer etwas eigen ausgelegten Vorstellung vom Lilithmythos aus der talmudischen Überlieferung (Adams erste Frau, geheimnisvoll, verführerisch und zugleich unheildrohend), führt die Jungdesignerin in einer erzählerischen, ideell geprägten Material-, Objekt- und Bildcollage mit symbolischem Brautkleid angesagte Slogans („be xxx!“, „My dress is not a Yes!“) vor, die Frauen aufrufen sollen, ihr Selbstbild vom Patriarchat zu befreien und emanzipiert neu zu bestimmen. Damit liegt frau ja immer richtig. Die kreative Vielseitigkeit gestalterischer und handwerklicher Darstellungsformen kann hier als junger, künstlerischer Impuls verstanden werden.

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Vera KOCHUBEY: „Magicians Dream„. 2023, Installation.

Im Kontrast zum Grau ihres Heimatlandes (geboren in der UdSSR) findet Vera Kochubey eine künstlerische Alternative mit farbenfrohen, lebensbejahenden Motiven, die der Pop-Art der 80er Jahre entspringen und bei ihr als Gemälde oder Prints sowohl auf Leinwand als auch auf Kleidung  und Objekten erscheinen. Camp in Reinform und wie er Spass macht und ähnlich wie man ihn zum Beispiel auch bei dem Berliner Künstler Kiddy Citny findet.

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LAURA OBST: „A Game of Dualities“. 2023, Steinpaste, Bauschaum, Karton, Lack.

Mit ihren Modeentwürfen (Material ist vorzugsweise gebrauchtes Leder) sucht die junge Master-Aspirantin von der Kunsthochschule Berlin Weißensse ihre Verbundenheit mit der Natur auszudrücken. Die Rauheit und Strukturen von Stein und die Grandiosität von Bergen sind besonders kraftvolle Motive, die sowohl die Oberflächen wie die skulpturalen Formen ihrer Darstellungen beziehungsweise Entwürfe prägen und die als gestalterisches Kraftfeld sowohl für sich stehen als auch in bildhauerisch geprägter, abstrakt-modischer Stoffkonstruktion formuliert werden.

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PUGNAT: „Unstrickbar & Pieces – autumn/winter 23/24„, 2023. Zeichnung auf Papier, handgestricktes Kaschmir.

Antja Pugnat entwickelt beim Stricken genau wie beim Zeichnen Gebilde, die während des Tuns entstehen. Ab einem bestimmten Punkt notiert sie die experimentellen Stichkombinationen ähnlich wie ein Komponist seine entstehende Musik.
Den Prozess des Zeichnens und den des Strickens versteht sie als gleich.

Gleichwohl geht die Zeichnung mit ihren gestischen Möglichkeiten und ihrer frei-autonomen Linie über die Grenzen einer gestrickten Konstruktion hinaus. Die hier gezeigte Arbeit bezeichnet Pugnat entsprechend als „unstrickbare“ Entwürfe.

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SIRÉE SOLAN: „Asphyxia„, 2020. Gips, Alginat, Stoff, Schaufensterfigur.

Die Installation illustriert Darstellungen aus Dantes „Göttlicher Komödie“. Mode, Theater und Skulptur werden hier medial verknüpft, um ein künstlerisches Idealwerk der italienischen Frührenaissance zu versinnbildlichen und in die Moderne zu transferieren. Die Kleidung erhebt sich aus den rettungsuchenden Händen des höllischen Infernos und wird zu einem skulpturalen Gebilde (Vergil), das über sich hinaus wächst und damit eine höhere Authenzität erreicht. Die Kleidungsentwürfe transzendieren die kulturelle Erfahrung und das Erleben ihres Lebenswegs, wie die Designerin selbst erklärt.

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STEFAN UHR: „Babiosch Bojka – Uhraufführung“ 2023. Installation. Organisches Popeline auf Leinwand, Holz, Bügel, Bluse, Kleid, bestickter Holzrahmen.

Stefan Uhr studierte Kunstgeschichte vor Modedesign, das repräsentiert seine vielseitigen künstlerischen Interessen – Popkultur, Mode, moderne Kunst. Babiosch Bojka (schlesisch) bezeichnet laut Ausstellungstext „das Märchen über den femininen Mann“. Uhr reflektiert damit Genderproblematiken und indem er seine Kleiderentwürfe von geschlechtsspezifischen Models befreit, stellt er sie nicht nur frei, sondern heftet sie auf eine Leinwand, um die ästhetische Aura an sich zu zeigen, ohne geschlechtlichen Bezug. Doch damit nicht genug, das Weitere ist viel spannender.

Uhr beläßt die Präsentation nicht nur als „Kunstbild“ sondern formt das aufgeheftete Objekt prägnant neu und gestaltet die Untergrundfläche wie das aufgetragene, abstrakte Blusenmuster. Dekoration und Malerisches kommen damit zur Deckungsgleichheit, das ist der eine Aspekt, der andere stellt den skulpturalen Reiz des (plastisch ausgeformten) Kleidungsobjektes gegenüber der Fläche heraus. Es erscheint wie ein Wahrnehmungsspiel zwischen Malerei, Plastik und Modekleidung.

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THE HUMAN TOUCH (Juliet Seger): „Installation„. 2023. Textilfarbe auf Baumwolle, Polyesterfaden, synthetische Knöpfe, Metallbügel, Nägel und Nadeln, Nähmaschine, Hohlblöcke, Digitaldruck auf Karton.

Die Labelgründerin Juliet Seger beschäftigt sich mit menschlicher Arbeit bei der Herstellung von Kleidung und dem aktuellen Einfluss, den der digitale Wandel moderner Industrie auf die Produktion hat. Sie versteht Nähtechnologie als eine soziale Technologie, die den „Human Touch“ vermittelt. Mit „Paint-Sewing“, also „malendes Nähen“, bei dem die in Farbe getauchten Finger beim Arbeiten Spuren auf dem Objekt hinterlassen (und auch auf der Maschine), macht sie das Handwerkliche sichtbar und  drei der Hemdfragmente an der Wand zeigen dies, bei dem vierten, weißen, bleiben die Fingerspuren (ohne Farbe) unsichtbar.  Ähnlichkeiten der drei Erscheinungsbilder kennzeichnen die Massenproduktion. Die komplette Fertigstellung eines Hemdes ist nur von Hand möglich, ein Exemplar wird auch gezeigt.

Das scheinbar Aleatorische der Farbspuren verselbständigt sich zu einer ästhetischen Anmutung, die nur durch den handwerklichen Prozess entstehen kann und denselben damit gewissermaßen adelt. Erst die Kenntnis dieses demonstrativen Verfahrens enthüllt die didaktische Botschaft dahinter.

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INGRATO: „Babel: The Lockdown Collection„. 2023. Wolle, Metall, Steine, Video.

Sebastián Plaza Kutzbach alias Ingrato ist ein Textilartist aus Chile, der sich von der Aussagekraft symbolischer Darstellung angezogen fühlt. Die Installation zeigt Elemente seiner während des Lockdowns gezeigten Babylon Fashion Show: ein mit dem Jokerkartenmotiv versehener Sweater auf einem Metallgerüst, drei gestrickte Teufelsmasken sowie ein Videoscreen dazwischen, auf dem die Show gezeigt wird. Während der Lockdown allgemein eher für Chaos, Gefangenschaft und Entwurzelung steht, sieht Ingrato diesen unter dem Aspekt „Babylon“ ins Positive gewendet, nämlich als Fähigkeit zu Inspiration, Anpassung und Improvisation – also als Essenz kreativen und künstlerischen Tuns.

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VICTORIA ROST: „Object Oriented„. Kollektion 2022. Neue Wolle, Schaum.

Die Modedesignerin beschäftigt sich mit reinen Formen und der Frage, ab wann diese als Kleidung tragbar sind. Also der Unterscheidung von (Skulptur-)Objekt und Kleidung. Welchen Effekt hat die Auflösung der entsprechenden Grenzen? Mit neuen Formen, Funktionen und Volumen werden Kleidung neue Parameter der Wahrnehmung zugeteilt, die sich eher auf der Ebene des Künstlerisch-Abstrakten vollzieht und Fashiondesign ästhetisch neu und rein formalistisch befragt.

Dies rettet 100 Jahre alte Basisüberlegungen in die Gegenwart, denn es knüpft an Oskar Schlemmers ähnlich gedachtes Bauhausballett an, auch die Modeabteilung des bauhauses und die russischen Konstruktivisten der 1920er Jahre konzipierten Modeentwürfe vergleichbar.

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Das Konzept von Victoria Rost und der Bezug zum Beispiel zu den russischen Konstruktivisten (z.B. Ljubow Popowa und Warwara Stepanowa) zeigt auch, dass Mode und Kunst nicht zum ersten Mal Schnittstellen ausloten und nutzen. Der Gedanke hat seitdem unter anderen mit Yves Saint Laurent, Jil Sander oder Stella McCartney eine Fortsetzung gefunden, zumindestens in den formalen Zugriffen. Und auch Überlegungen zu funktionalen und industriellen Perspektiven sind nicht ganz neu, wenn auch diese früher eher industrie-fortschrittlich ausgerichtet waren, was heute zu Recht ganz gegensätzlich infrage gestellt wird. Gesellschaftlich revolutionär waren sie immerhin auch, schon insofern, als die Identität von Kunst und Design behauptet und gelebt wurde, sogar als soziales Konstrukt (welches dann allerdings im Gang der Geschichte scheiterte). Dieser Ansatz liegt vielen Designern offenbar wieder sehr am Herzen.

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Aus der Sektion Positions, umgekehrte Bezugnahmen

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Liegestuhl-Installation des Veranstalters (interaktiv):

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Er war einmal eine strahlende Sonne über der Berliner Fashionweek, die stand für potentiellen Nachwuchs, für mögliche Strahlkraft deutschen und Berliner Modedesigns und gewissermassen auch für einen gewissen Stolz darauf. Der Berliner Salon, die einst wesentlich von Vogue ins Leben gerufene Veranstaltung mit viel Eleganz und repräsentativem Drumherum, vegetiert nun im Dämmerlicht in der groben Betonkonstruktion des Kraftwerkes vor sich hin und scheint als Randunterhaltung der wenigen verbliebenen Schauen nun ein kümmerliches, mühselig erhaltenes Dasein zu fristen. Eher schwaches Akzentlicht wird den Exponaten noch gegönnt, die, immerhin, noch mit genauso viel Liebe, Ambition und Attraktivität von ihren Designern aufgebaut wurden wie schon immer. Sogar noch mit kleinen Extras. Die Qualität der Sachen ist nach wie vor bemerkenswert und es ist auch gut, dass stets neue Designer dazu kommen – und gelegentlich auch für Gespräche vor Ort sind. Das ist vom alten Konzept geblieben. Aber zum alten Konzept gehörte auch viel Platz, ein eleganter, würdiger Rahmen und eine großzügige Beleuchtung. Helle, angenehme Atmosphäre mit üppigen Blumensträußen und auch reichlich Tageslicht. Alle Designer waren immer anwesend. Das bietet dieses Format, das für Nachwuchsförderung eine super Idee war, nun nicht mehr, das Durchhaltevermögen ist schon seit einigen Saisons auf ein Minimum geschrumpft und die Ambition des Glamours mit Niveau wird zunehmend tiefer beerdigt.

Immerhin, wer sich eine Übersicht verschaffen will, was gegenwärtig sich tut im gehobenen Segment des deutschen Modedesigns, wurde noch gut bedient – jenseits des Präsentationskonzeptes ist die Organisation mit kompetenter Auswahl noch funktionstüchtig. Aber die Zeiten des Kronprizenpalais‘ sind vorbei, sowas will wohl auch der Senat in Sachen Mode nicht mehr finanzieren, überhaupt Glamoureuses nicht, und damit ist ein wichtiges Fördermittel der guten Sache genommen: die strahlend helle Sonne der Eleganz und der optimistischen Stimmung ist gesunken, faktisch und symbolisch, der leuchtende Ort im Zentrum gegen einen dunklen Keller eingetauscht, bunte Blumensträuße gegen fade Kätzchenzweige, das Licht ist gedimmt und die öffentliche Werbung versiegt.

Das ist echt so schade – und zugleich eine beschämende Positionierung guten deutschen Modedesigns.

AYEDE:

KAREN JESSEN:

DAWID TOMASZEWSKI:

AVENIR:

STUDIO 163:

RIANNA & NINA::

MAXIMOVA:

2020 UNTAINTED:

STIEBICH & RIETH:

HANNIBAL:

LALA BERLIN:

ANTONIA ZANDER:

JULIA LEIFERT:

FIONA BENNETT:

SUS BERLIN:

ODEEH:

LML STUDIO:

OFFT:

CARLA-RENÉE LOOSE:

SMINFINITY:

SOCIÉTÉ ANGÉLIQUE:

DETLEV DIEHM:

HORROR VACUI:

ESTHER PERBANDT:

RENÉ STORCK:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Highlight der Seoul-Schau in Paris war DOUCAN, das südkoreanische Label von Chung Hoon, Choi. Farbintensiv und -kontrastierend mit Rot, Blau, Schwarz und Weiß (Farben der koreanischen Nationalflagge) stellte der in Europa noch kaum bekannte Designer seine neue Kollektion „Seoul Night, Light“ vor. Arbeiten mit höchstem Anspruch und reifer Gestaltungskraft, lebendig, delikat und sehr elegant. Wir berichteten schon von der digitalen Schau während der Pandemie von der Seoul Fashionweek 2021 und auch von der ss2022, wo Doucan begeisternde Vorstellungen lieferte und diese Kollektion steht dem in nichts nach.

Das Modelabel Doucan ist in Südkorea auf den Fashionweek-Veranstaltungen längst ein Favorit, weil es auf hohem Niveau asiatischen Stil, elegante Gestaltung und stimmige Verbindung von kultureller Tradition und modernem Geschmack verbindet.  Chung Hoon Choi hat sein Studium am Studio Bercot in Frankreich abgeschlossen und für Modemarken wie Kenzo, Chanel, Givenchy und viele andere gearbeitet. Sein eigenes Label Doucan wurde 2011 in Korea eingeführt.

Ein essentieller Teil des Modedesigns von Doucan ist weitergeführte Tradition von Farbholzschnitt-Motiven und Tuschezeichnungen aus der asiatischen Kultur in Form von Prints, die mit den Silhouetten und der Gestaltungsarchitektur harmonisch verschmolzen werden. Seine Kollektionen zeigen einen großen Variantenreichtum von scheinbar einfach bis hin zu sehr komplex und sind von großer, delikater Eleganz geprägt. Grundlegend für alle ist eine Art Grafik-Look, der sich in der Gestaltung der gedruckten Muster genauso deutlich ausdrückt wie in den Schnitten, bei denen sich die Elemente meist deutlich kontrastierend absetzen. Und da sowohl die Muster (oft abgeleitet aus Kimonoprints) als auch die Schnittarchitektur sehr komplex angelegt sind, ergibt sich oft eine sehr differenzierte Gestaltung der Kleidung am Körper. Bei vielen Teilen gibt es sehr viel zu betrachten, einerseits sind die Prints sehr komplex erdacht und gemacht, andererseits prägen die Schnitte nicht nur deutlich zeichnende Silhouetten sondern auch mit architektonischen Gliederungen in sich pointierte, ungewöhnliche Konstruktionen. Die sind stets harmonisch, weil meist achsensymmetrisch, was auch und besonders bei den Prints eine Systematik in die Komplexität bringt.

Neu an den grafischen Mustern ist die an Batik erinnernde Anmutung, ohne dass sich hippiemäßige Assoziationen einstellen, dafür wirkt das verspielt-Aleatorische dieser Technik hier zu kontrolliert. Chung Hoon Choi bringt die aufgeregten Prints in systematische Ordnungen, meist achsial, vertikal oder horizontal orientiert. Dabei entwickeln die harten Kontraste der grafischen Motive eine kraftvolle Präsenz (wie man das von japanischer Grafik kennt), intensiv und zugleich formal gebändigt. Das alles führt zu einem ausgewogenen und zugleich sehr lebhaften Ganzen, bei gleichzeitiger Akzentuierung kontrastierender Teile und pfiffiger Gestaltung im Detail.
Der Designer nutzt alle verfügbaren Kontrastierungen der gestalterischen Mittel, hart und weich, spitz und abgerundet, groß- und kleinteilig, offen und geschlossen, quasi immer findet man in einem Outfit diese Gegensätzlichkeit gleichzeitig, das macht – im klassisch ästhetischen Sinn – spannend und ausgewogen.

Und das Design, dem ursprünglich die Fläche zugrunde liegt, wird nun auch als skulpturale Erscheinung gedacht und gebaut.

Alles zusammen genommen ist stets eine auf die weibliche Figur gerichtete Konstruktion, die jede Plattitüde ausschließt. Die Leidenschaft des Designers für geometrischen Aufbau evoziert in seinem klaren Gestaltungsdenken die asiatische Grundlage ästhetischer Intensität. Diese Souveränität im Knowhow und Gespür und ihre Verbindung mit westlicher Designgeschichte ist, man merkt es schon, aus unserer Sicht ungewohntes, sehr hohes, künstlerisches Gestaltungsniveau, Modedesign mit klassischem Können modern gemacht. Und auch handwerklich ganz im ursprünglichen Sinne Haute Couture.

Zu dieser Kollektion „Seoul Night, Light“ gibt DOUCAN – Après La Mousson noch ein paar Auskünfte: „Seoul ist eine Stadt der Nacht. Die Nächte in Seoul sind immer voller Energie und hell mit Licht. Die Ducan-Kollektion 2022FW wurde von der Dunkelheit der Nacht in Seoul und dem Licht inspiriert, das die Nacht auf großartige und schöne Weise erhellt. Die lineare Struktur von Seoul und die dynamischen Straßen dazwischen werden in einer experimentellen Silhouette mit einer kühnen Mischung aus Kurven und geraden Linien verkörpert, und die verschiedenen Lichter der Nacht von Seoul werden in farbenfroh glänzendem Stoff rekonstruiert. Die Kollektion ist dunkel aber hell, stark aber weich, mit einer einzigartigen statischen und dynamischen Sensibilität, als ob Nacht und Licht koexistieren.“

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der Labelname WNDERKAMMER der Designerin Shin Hye Young bezieht sich auf die Räume des Barock, die Objekte und Kunstwerke in ihrer unterschiedlichen Herkunft und Bestimmung präsentierten (ursprünglich Kuriositätenkabinette). Sammlungen verschiedenster, ungewöhnlicher Gegenstände und Bilder, die in der Kombination der Verschiedenheiten bzw. Unzusammengehörigkeiten stetes Erstaunen auslösten und auch gerne exzentrische Anschauungsweisen vorführten. (Sich ein Panoptikum anzulegen und Gäste damit zu unterhalten war im barocken Bürgertum der Niederlande große Mode.)
Das Designerteam hat dieses Konzept als Gestaltungscredo übernommen mit dem gleichzeitigen Ziel, dies in seinen Kollektionen jeweils in eine zusammenhängende Linie zu überführen, also das Disperate stilistisch zu einen. Formal geschieht dies durch minimalistische Silhouetten, organische Materialien und saubere Details, die vorgefundene Besonderheiten auch konkurrierend in Spannungsfelder bringen.

Soweit ist das ein schwieriges Konzept, Auseinanderstrebendes zu vereinen – quasi eine Objekt- Material und Mustercollage, die aber auch zu einem Ergebnis von Vielfalt, Nebeneinander von Attraktionen und Anwandlungen von Extraordinärem führt, dessen neugierige Betrachtung Spass macht. Letzteres ist ja nicht immer der Anspruch (noch aktueller) konstuktivistischer Modegestaltung, die oft aus der Schichtung der Widersprüchlichkeiten eher einen widerständigen Reiz ziehen will.

Die häufige Betonung des Bauchfreien in der Kollektion addiert den Frauenkörper als zusätzlichen Reiz hinzu, ohne eigentlicher Sexyness zu viel Bedeutung beizumessen, wie das schlichte, eher zurückgenommene Make-Up das auch widerspiegelt. Man kann damit durchaus den Eindruck haben, dass sich die Gestaltung um eine recht zeitgemäße Sicht auf weibliches Selbstverständnis dreht, der Generation der Mittzwanziger bis Mittdreißiger, die mutig ihre Individualitäten und Betrachtungsmodi expressiv und zugleich spielerisch herausstellen will.

Der Pressenotiz zufolge fühlte sich Shin Hye Young von dem Poeten Yoon Dong-joo („On the Street“) inspiriert: „Ein Poet, der nicht mit Stil geizt, mit dickem Wollmantelkragen und in die Tasche gesteckten Händen. Er geht in einer verschneiten Winternacht mit dem vom Mondlicht erzeugten Schatten als Freund spazieren.“ Auch daraus kann sich eine sehr eigene, reiche und weibliche Vorstellung entwickeln.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die zweite Show bei Tranoï bestritt das Label LIE von Chung Chung Lee, das sich auf Maskulin-Feminin-Dualität bei Woman’s-Wear konzentriert. Weniger mit asiatischem Nimbus als mit internationaler Prägung sind die bisherigen Erfolge der Marke auch breiter. Diese Kollektion ist von Après-Ski-Lifestyle inspiriert, quasi als Aneignung oder gefilterte Reflexion eines westlichen Kulturbildes.

Après-Ski wird als eine Form von europäischem Lifstyle verstanden, im Sinne von Party, Nach-Ski-Erholung und Naturverbundenheit. Schnitte, grafische und durchlaufende Muster und Silhouetten sind aus Archivbildern abgeleitet und dazu – in Zusammenarbeit mit dem Parfümhaus 21G entwickelt – sogar ein Geruch sollen die Wälder in den Alpen evozieren und für jedermann/jede Frau ein eigenes, imaginiertes Après-Ski-Feeling bereit halten.

Darüber hinaus soll erwähnt werden, dass LIE diese nachhaltige Kollektion mit Upcycling und ökofreundlichen Materialien und Techniken (mit Yuri Neon) hergestellt hat, um gerade diese schöne Natur dauerhaft zu erhalten.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Teilnehmende Designer der Seoul Fashionweek waren von der Trade Show Tranoï eingeladen, vier von ihnen konnten darüber hinaus eine Laufstegschau präsentieren. Eine gute Wahl, denn auch nach unserer Beobachtung ist die Fashionweek Seoul auf hohem und spannendem Level und viele Protagonisten können es locker mit dem aufnehmen, was die als Stars gefeierten Designer in Paris oder New York vorführen. Umso mehr, wenn die Fundamente traditionell asiatischer Ästhetik nicht an amerikanische Beliebigkeiten verraten werden, kommen geschmacklich sehr subtile Modernismen auf den Laufsteg, die auch über viele Saisons hinweg tragfähig sind.

Das Label EENK der Designerin Lee Hyernee steht den endlosen Zyklen schneller  Wechsel ebenfalls entgegen und versteht sich eher als „Collectables“. Dabei folgt originellerweise die Inspiration zu jeder saisonalen Kollektion dem nachfolgenden Buchstaben des ABCs und versucht dabei, die Basics mit zeitgemäßen Anschauungen zu verknüpfen. Diese Saison ist das V Ausgangspunkt und soll für Vintage stehen. Die daraus abgeleitete Idee ist der Bezug auf kraftvolle Eleganz in Kombination mit majestätischer Glamour der 80er Jahre des Vogue-Magazins. Der EENK-Stil benutzt die Schnitte und Farben sowie noch härtere Schwarz-Weiß-Kontraste, grobe Strickware, „denim on denim“, traditionelle Jacquart-Muster und, bei Männern,  Juwelenknöpfe, illusionäre Farben für Dreiteiler und Military-Kleidung. Und gleichzeitig schimmert ein Touch Disco-Charme mit durch.

Der unbelastete Mix verschiedener Strömungen und Ideen jener Epoche schafft gleichwohl völlig neue Bilder, eigentlich fließen tatsächlich nur inspirierende Elemente ein, frei neu kombiniert, ohne das ganze Styling der Ära neu herauf beschwören zu wollen. Das sah, wenn wir uns erinnern, ganz anders aus und vertrat auch eine andere Ideologie.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Fashionweek Paris aw 22/23 hat Glück: sonniges Wetter, weniger kalt als hier und momentan weniger Einschränkungen durch die Pandemie. Die großen Häuser plakatieren wieder die Stadt zu. Und die Medien freuen sich über ein schöneres Thema. Die Pariser Trade Show Tranoï (Women) fand nun wieder in größerem Ausmaß statt – wenn auch nicht so umfangreich wie vor der Pandemie. Aber attraktiver konzipiert. Schöne Orte hatte sich die Messe schon immer ausgesucht, dieses Mal war die frühere Pariser Börse, das Palais Brongniart, ein besonders schönes Ambiente und die Gesamtpräsentation besonders ansprechend gegliedert. Über eine weite Etage erstreckte sich die Ausstellung, in ihrer Mitte vorwiegend Accessoires und Schmuck, in angrenzenden Räumlichkeiten Sonderpräsentationen von Seoul/Korea und Italien.

Der Krieg in der Ukraine hat, soweit wir mitbekommen haben, die Pariser Modewoche nur sehr wenig beeinflusst, hier bei Tranoï war immerhin der Stand von Litkovskaya (Ukraine) sehr auffällig dekoriert. Die Designerin konnte ihre Kollektion nicht mitbringen und stellte sie in Form abrufbarar QR-Codes aus. Anschaulicher waren die Wandflächen mit angepinnten Fotos aus ihrer Heimat, in diesem Umfeld drehten sich durchaus viele Gespräche um die Situation und auch weiterreichend an den Ständen aus den Nachbarstaaten wie zum Beispiel Georgien.

Litkovskaya

Der allgemeine Trend zu nachhaltigen Produkten, besonders das Material betreffend, wird in fast allen Stand-Gesprächen unterstrichen und spezifisch erklärt, die ästhetische Innovationsfreude berührt das hier aber wenig. Viel manuelle Arbeit, nicht nur bei der Kleidung sondern besonders bei den reich vertretenen Accessoires führt dementsprechend auch zu pfiffigen und eleganten Ideen. Materialien und Oberflächen bei der Kleidung zeigten einen Trend zu weichen, mollig-flauschigen Stoffen, bei gleichzeitiger Abkehr von schlicht-neutral reduzierten Schnitten. Und bei den Accessoires zu reliefierten bzw. aufgetragenen Oberflächen und ausgefalleneren Formgebungen.

Die besonders thematisierten Bereiche Italien und Südkorea stellten nur wenig Ländercharakteristisches heraus, leider. Sogar bei unserem Favoriten Doucan war der asiatische Touch weniger ausgeprägt als es bei seinen Fashionschauen in Seoul anmutete. Aber an einigen Ständen auf der Messe war der kulturelle Herkunftsort dann doch erspürbar, so zum Beispiel die Herstellung der Kollektion der Rara Avis Gruppe im Iran.

Die Tranoï-Messe hatte dieses Jahr sogar eine größere Laufsteg-Schau im Programm (wir werden später berichten), und zwar mit den Designern aus Seoul. Eigentlich eine gute Erweiterung im Rahmen der Fashionweek, gerade weil der ambitionierte Ansatz sich neben den üblichen Pariser Starrummel stellt; die ausgeprägte Ignoranz und Arroganz, die wir sonst bei Pressestellen von Fashionschauen in Paris kennen, hat aber leider auch hier die Arbeit des Presseteams ergriffen, was schon im Vorfeld die Sympathie für die Veranstaltung beeinträchtigt. Insofern hat die sonst vorbildliche Arbeit von Tranoï noch erheblichen Verbesserungsbedarf, mussten wir leider feststellen.

Über Hundert Designer stellten dieses Mal aus, wir stellen in frei-subjektiver Zusammenstellung nur einige interessante Spotlights heraus, es waren zu viele, um alle vorzustellen und zu kommentieren.

Accessoires

PIPATCHARA:

COCHAINS:

ZMAI:

ALPO GUANTI:

ALEX DE PASE:

Kleidung

DAVID TLALE:

LOUISE MARCAUD:

NARGES TAFI:

CHATSMA:

RARA AVIS:

CELINE KWAN:

SUSANA BETTENCOURT:

GUIDO VERA:

Sonderbereich Italien

SARTORIA 74:

CHIARA PERROT:

ARTIGIANO DEL GUANTO:

MAISON APNOEA:

Sonderbereich Seoul

BMUET(TE):

BONBOM:

EENK:

BEYOND CLOSET:

WNDERKAMMER:

DOUCAN:

C-ZANNE:

SEOKWOON-YOON:

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Screenshots aus Videos

Wir haben die Seoul Fashionweek für uns entdeckt, denn sie hat, was viele andere Fashionweeks eher weniger zeigen: nämlich eine deutliche nationale Komponente, die sich auf den Kulturraum bezieht. Das will weniger heißen, sie hätte das internationale Format nicht, sondern vielmehr, dass sie solches deswegen hat, weil sie inspirierende Eigenheiten zeigt, die unabhängig vom internationalen Mainstream eine solide Eigenkraft aufweisen. Korea beziehungsweise Asien ist für eine Anreise aus Berlin speziell für die Fashionweek weit, aus dieser Sicht ist die ursprünglich pandemiebedingte, komplette digitale Übertragung („digital Runway“) ein Segen der zeitnahen Vergegenwärtigung, selbst wenn man alle Einschränkungen gegenüber einer besuchten Liveshow bedauern muss.

Das heißt, es gibt viel zu entdecken, bei den dort gestandenen Designern und Designerinnen wie auch bei neu hinzu gekommenen. Im Gegensatz zur letzten Saison sind viele verschiedene Locations als Drehorte ausgesucht, nach wie vor aber repräsentieren die Locations zumeist historische Stätten (Tempel), die einen starken Kontrast zum zeitgemäßen Gestalten darstellen, sich aber dennoch auch als einen gewollten positiven Bezug zum ästhetischen Grundverständnis verstehen lassen.

Das gesamte Programm findet man hier: https://www.seoulfashionweek.org/schedule/
und die Videoübersicht hier: https://www.youtube.com/c/SFW_official/featured

Tipp 1: GREEDILOUS – P.Y.H.

Immer wieder beeindruckend der schier unendliche Einfallsreichtum der Muster und Oberflächenprints. Farbenfroh und gerne auch mal schrill. Es sind eigentlich mehrere Schauen in einer.

Tipp 2: PART OF UNIVERSE: Traditionelle Schnitte neu und cool interpretiert. In der letzten Saison bezog sich die Kollektion von Park Chungae sehr auf die Kultur der schnellen Influencer-Generation, jetzt faszinieren vielseitige ästhetische Crossovers.

Tipp 3: DOUCAN. fantastisch – unser Favorit!

Tipp 4: GRAPHISTE MAN.G – Repenetration. Die alles überdeckenden Schriften, Krickelkrakel und wilden Muster-Kombinationen sind akzentuierten Text- und Bilder-Botschaften gewichen und der Focus liegt jetzt deutlich bei sorgfältigeren Schnitt- und Arrangementkonzepten. Das ist ein Zugewinn in der Entwicklung, aber die Aufregung ist jetzt reduzierter, das Verrückte etwas gebändigt. Spannend anders ist es aber noch immer.

Tipp 5: CAHIERS – gelingt eine Kombination von zeitgemäßer Romantik mit Schleifen und Rüschen und gleichzeitig einer – manchmal komplexen – Architektur mit geometrischer Strenge. Zurückgenommene Weiß-, Beige- und Brauntöne und blasse Farben ergänzen das eher luftige Flair.

Achtung: Wenn die Links nicht mehr funktionieren, wurden die Beiträge von den Verantwortlichen nach Erscheinen dieses Artikels aus dem Netz entfernt oder verlegt. Wir bedauern das – aber Mode ist oft vergänglich …

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Der große Effekt ist in Paris eher ausgeblieben, obwohl die Modewelt darauf spekulierte, mit authentischen Liveshows wieder in dem Mittelpunkt zu rücken. Die Einbußen in diesem Sinne waren ja beträchtlich gewesen, mit den pandemiebedingten Reiseverboten, reduzierter Publikumsbesetzung bei Liveshows und weniger spektakulären Digitalpräsentationen der letzten Saisons. Ersteres hatte besonders die asiatischen Labels betroffen, die aber jetzt noch nicht in voller Präsenz wieder in die Modehauptstadt angereist sind. Immerhin waren die Starts großer Labels wie zum Beispiel Dior (Grazia Chiuri) farbenfroh ausgerichtet, mit Rückgriffen auf sonniges Italien der 60er und lockerer Freiheit der Frauenmode. Ähnlich bei Yves Saint Laurent mit einem Rekurs auf die Ära Paloma Picasso. Dieser Esprit konnte die Szene schon etwas auffrischen, aber echt Neues kam nach unserer Beobachtung ansonsten nicht spektakulär daher.
Im Gegenteil, statt der üblichen Sternstunden auf den Laufstegen wurde sogar die Newcomerin mit den tiefgelegten Ansprüchen, Marine Serre, zum Beispiel in Le Monde besonders herausgestellt, mit einem Konzept um einfaches Kochen und Essen herum, simpel und anspruchslos, stattdessen ökobewußt überfrachtet.

Etwas interessanter erschien uns das Stöbern auf der Trade Show Tranoï Paris Women’s September 2021, die aber diese Saison auch noch sehr geschrumpft daher kam, zwei Räume im Palais de Tokyo statt wie früher zwei ganze Gebäude. Zehn Labels wurden von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode beigesteuert, etwa 50 waren insgesamt präsent. Die eigene Präsentation der Fédération entfiel mit dem Zusammenschluss der beiden Newcomerformate dieses Jahr.

Ein paar neue Labels fielen uns besonders auf, die hier noch keine Erwähnung fanden. Besonders KARIMA, ein griechisches Label von Kalliopi Karavassili, das sich auf reine Handarbeitsstücke spezialisiert, aus edlen Materialien wie Seide aus Soufli. Jedes Einzelstück ist ein kreatives Unikat, alle feiern elegante Sexyness und komplizierte Knüpftechniken – verbunden mit einem Hauch von Folklore. Wenn die Sachen über andere Kleidung getragen werden, also eher ohne den starken sexy Impact, teilt sich das kreative und handwerklich raffinierte Konzept noch immer mit.

Überraschend sexy tritt auch die Kollektion von IHAB JIRYIS auf, wenn man bedenkt, dass der Designer in  Nord-Palästina arbeitet. Seine elegante Kollektion mit avantgardistischem Touch wurde letztes Jahr bereits auf der Arab Fashionweek gefeiert. Mit diversen Abschlüssen im Modedesign blickt er auf eine sehr fundierte Ausbildung zurück und focussiert sich auf Abendmode und exquisite Couture-Kleider.

LEAFY Natural Couture ist ein Label, das sich seit 2008 mit einem sozialen Projekt in Brasilien verbindet. Die Teile der Kollektion werden von Müttern, die in kleinen Fischerdörfern in Südbrasilien leben, sorgfältig aus handgesponnenem Seidengarn handgefertigt und mit organischen Pigmenten (wie Matekraut, Eukalyptusfasern, Kaffee und Urucum) gefärbt – damit soll die Kultur der traditionellen Handwebtechniken gefördert und bewahrt werden. In Verbindung mit sehr kreativem und zeitgenössischem Design ist diese Kollektion von bestechender Schönheit.

Bei der steten Recherche nach neuen Technologien und Kunsthandwerk ist die Designerin des Labels ARMINE OHANYAN PARIS auf den Künstler Kiichiro Ogawa gestoßen und hat mit ihm ein fantastisches Projekt (Collection No Season III – Edition limitée) für Hosen, Shirts Jacken und Mänteln kreiert, dazu Kleider: dynamische Grafik auf strenge Schnitte beziehungsweise Silhouetten in Beige wachsen zu einer tollen Kollektion zusammen. Außerdem ein Segment (hier nicht gezeigt) bestehend aus grauen und taubenblauen Stücken ähnlicher Formen, aus denen aber Reihen aus Rechtecken herausgestanzt sind. Insbesondere der erste Teil besticht durch seinen Kontrast der freien Bewegung und der streng beherrschten und reduzierten Form und der Farben Beige mit Schwarz in der eindeutig japanischen Charakteristik.

Das Label ZILLA aus Bolzano, Italien, entwirft knittrige oder flauschige Taschen von eigenartig elegantem Reiz. Die Oberflächen sind oft auffällig, leuchtend, manchmal sogar irisierend. Besonders die Futter sind so ausgelegt, um das Auffinden der Inhalte zu erleichtern. Die Designerin Sylvia Pichler liebt pragmatische Anliegen für die Nutzung, Verwandelbarkeit und haptische Qualität. Laminiertes Leder oder Nylon sind häufig genutzte Materialien. Einige weitere kleine Accessoires wie eine Handytasche, ein Schlüsselanhänger, ein Schlüsseletikett und ein Hut wurden dieser Saison hinzugefügt, um die Kollektion zu vervollständigen.

Der Abschnitt „Designer Collection“ präsentiert je ein Stück der von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode („designed by Alkeon“) ausgewählten Designer:

AVEC LE VENT:

THE STOLEN GARMENT:

ENFIN:

INGOROKVA:

OQLIQ:

TATA CHRISTIANE:

Für den März des kommenden Jahres hoffen wir dann wieder auf ein breiter gefächertes Angebot der Trade-Show, die – das ist der Vorteil zu den gebotenen Laufstegschauen – mehr Geheimtipps vereinigt, als das sensationsheischende Hauptprogramm. Wenn auch nicht so exclusiv und so exquisit und für uns bildmäßig nicht so exzellent.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine eigene Abteilung auf der wohl relevantesten Kunstmesse Berlins für Modedesigner ist, wie auch schon im letzten Jahr gestartet, ein einladendes Entgegenkommen der POSITIONS. Verschmolzen sind die Abteilungen noch nicht ganz und die Mode fügt einen eigenen Titel (Fashion Positions) hinzu – es ist gut, dass da noch nicht alles in einen Topf geworfen wird. Aber trotz allgemein verschiedenen Bereichen sind im Raum die Übergänge dazwischen fließend und die Modeleute wollen das offensichtlich auch so verstanden wissen.

Auf den ersten Blick scheint das auch einleuchtend, denn Modedesigner entwerfen auch Künstlerisches und arbeiten auch in künstlerischen Prozessen. Wenn dann das Künstlerische als Print auf Kleidung aufgebracht wird, bleibt das Ergebnis Kunst? Wenn erkennbar modegestalterische Verfahren zweckfrei (also ohne Kleidung) zu großen Bildern gelangen, gehören die dann in eine Kunstausstellung? Und wenn eine Modeschöpferin mit einem Künstler interagiert, wechseln sie damit ihre Standorte? Alle ausgestellten Arbeiten der Modedesigner referieren auf solche Bezugnahmen auf unterschiedliche Weisen und rücken ihre Arbeit damit durchaus sinnvoll in die Nähe der Kunst auf der Kunstmesse, offenkundig übergriffig ist die Selbstpositionierung noch nicht. Aber der Kunst- oder Modeinteressierte muss an dieser Stelle sein Definitionsbild überprüfen oder auch korrigieren und mit der Auflösung des Kunstbegriffes und möglicher Definitionen dazu wird der Horizont nun noch flauer.

Am besten ist es wahrscheinlich, man sieht das Problem sportlich, denn in den meisten Fällen sehen die ausstellenden Modedesigner das auch so und die Künstler beziehungsweise Galeristen äußern sich in der Regel generös oder partnerschaftlich, wenn man mal nachfragt. Erstens spielt ja auch der Konkurrenzgedanke hier keine Rolle und zweitens weiß auch jeder, dass das künstlerische Niveau auf dieser Kunstmesse ein sehr breites Spektrum hat. So gesehen sind die künstlerischen Ambitionen der Modedesigner sehr erfrischend oder ihre Verweise auf zentrale Inspirationen überraschend.

In diesem Sinne ergänzen wir unseren optischen Parcours mit einigen Randbemerkungen, Gedanken und Zitaten. Die meisten Designer präsentierten schon Arbeiten auf der letztjährigen POSITIONS, grundsätzliches ist darum nicht neu.

Julia Bajanova – Elevated Politics: Ihre neue Kollektion transferiert weibliche Symbole wie Schuhe in die Materialität von zarten, transparenten Dessous, eine Mischung aus surrealer und sozialkritischer Betrachtung, gestalterisch freier Reflexion sinnlicher und politischer Implikationen. Die Pragmatik von Modedesign wird ad absurdum geführt.

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Damur – How many Pants do you have?: Das Label hat auf seiner grüne Schautafel mit der roten Schrift die Illustration ausgetauscht und ein aktuelles Schauobjekt (zum Thema Upcycling) dazu gestellt. Seine Referenz zu Kunst ist einfach: Da aus seiner Sicht Ästhetik in unserer Zeit kein Gestalt-Kriterium mehr ist, ist ein Gedanke oder ein visulles Konzept dieselbe Basis und Essenz für Kunst und für Design.

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Schmitd – Moiré Duvets: Die Oberfläche von Moiré-Stoffen verändert sich dauernd im Flusse von Bewegung – des Materials oder des Betrachters. Sogar im Sinne dreidimensionaler Tiefeneffekte. Für die Modedesignerin eine Analogie zu Träumen und Oszillation des Geistes, was die Pragmatik von Kleidung ersetzt durch abstrahierte Fantasien, die das Material und seine funktionale Form verlassen.

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Lou de Bètoly arbeitet schon lange sehr frei. Es spielt für sie kaum eine Rolle, ob sie ihre spielerischen Gestaltungsexperimente und Textilen als Kleidungsstück macht oder als ein Bild für die Wand. Das Anliegen, der Leitgedanke sind identisch.

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Claudia Skoda: Die Modeschöpferin hat ihre Arbeit seit den 80er Jahren schon immer im Kontext der künstlerischen Szene Berlins angelegt, sowohl was die Bedeutung als auch was die Gestaltung betrifft. Sie zählte zum künstlerischen Personal wenn es um Festivals und medienübergreifende Performances ging und inszenierte ihre Modearbeit auch meist in dem entsprechenden geistigen Kontext und Stil. Sie verstand ihre Modegestaltung selbst als Kunst. Es war quasi revolutionär, dass Mode Teil der Punk und New-Wave-Bewegung war, wenn auch auf andere Weise als Vivienne Westwood, die ja nur die radikalen Outfits für die Punk-Bewegung kreierte.

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Atelier Elle Pé – Luisa Pflüger & Alessandro Ametta: Luisa Pflüger macht Schmuck aus Bambus, der in ihrem Garten wächst. Eher schwer wirken die manchmal opulent wirkenden Objekte, sind faktisch aber ganz leicht. Neben diesem Narrativ ergibt sich die Verbindung zu Kunst aus der Arbeit im selben Atelier mit dem Fotografen Alessandro Ametta, von dessen Farbambientes und ästhetischen Konzepten sie sich zu Ideen und Umsetzungen inspirieren läßt.

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Blaucraut: Die Nähe zu Kunst erschließt sich bei der Blaucraut-Präsentation nicht zwangsläufig, auch wenn die formale Gestalt etwas bizarr oder frei-abstrakt daher kommt. Aber diese Kombination, die den praktischen Zweck verläßt, macht es vielleicht schon aus.

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Brachmann & Axl Jansen – Mies van der Rohe Haus Berlin: Schon seit geraumer Zeit arbeitet Brachmann projektartig an Architekturmonumenten der Moderne und versucht, deren stilistische und konzeptuelle Merkmale auf Kleidungsgestaltung zu übertragen. Und damit auch die entsprechende Leitidee. Sie arbeitet dann auch mit gleichgesinnten Fotografen (bzw. Videomacher) zusammen, auf deren Fotos (Filmen) die formstilisierten Ergebnisse, zum Teil auf wiederum neue Ebene gehoben, zu einem schlüssigen Ganzen zusammengebracht werden.

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CRUBA – Bónding: Die Arbeiten von Cruba sind nicht selten Ergebnisse weitreichender Gedankenspiele, die sich aber nur schwer „zurückverstehen“ lassen. Die hier gezeigten Arbeiten beziehen sich laut Infotext auf die Monte-Verita-Bewegung, eine kleine Reformergruppe aus dem Beginn des 20. Jahrhunderts. Das Zusammenspiel von Kleidung und Tanzbewegung symbolisiert für die Designerin eine ganzheitliche, naturverbundene Kooperation, in diesem Sinne gestaltet sie die Silhouetten. So verstanden sind die Sachen weniger aufs Tragen hin konzipiert sondern eine an Kleidung angelehnte Visualisierung einer Weltanschauung.

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Equipe Berlin ist ein Zusammenschluss von vier Berliner Modelabels mit nachhaltigem Ansatz und Verfechtung traditioneller Handwerkskunst. Abgesehen von der stilistisch formalisierten Präsentation ist uns die Brücke zu künstlerischem Denken und Handeln nicht ganz klar geworden.

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Fiona Bennett – Mix vor Grafik: Es heißt, ihre Hüte seien inspiriert von vielen Besuchen in Künstlerateliers. Wie im letzten Jahr präsentiert sie eine Auswahl ihrer Hüte vor einer riesigen Grafik, so dass die optische Verknüpfung eine Verlängerung in den Bildraum hinein oder umgekehrt aus dem Bildraum heraus ergibt.

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Laura Gerte: Upcycling aus Stoffresten mit reizvollen Mustern und wertigen Stoffen, oft Seide. Ein Schicht von unzähligen Smileys darüber gedruckt ist dann das verbindende Netz – und Signal für gute Laune. Der Bezug zu Kunst bleibt noch offen, so lange einem keine sarkastischen Gedanken ins Hirn schießen.

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Esther Perbandt – Stadt: Der Beitrag der rennomierten Berliner Designerin versucht sich dieses Jahr in reiner Kunst. Ein Triptychon zum Thema Stadt, das von rechts nach links zu lesen ist – als Fläche, bebaute Fläche und untergegangene Stadtzivilisation. Es ist wohl ein Auftragswerk, das die Idee der Nähe zwischen Modeschöpfung und Kunst hier ganz gut auf den Punkt bringt – nicht zuletzt auch durch die textilen Materialien als Ausdrucksmittel.

***

Starstyling – process of a look book shoot: Schon im letzten Jahr erschien das Label mit einer gewissen Verweigerungshaltung („Kunst – Mode – Scheisse“) und Komplexität des Erscheinungsbildes. Sowie einer seltsamen Aktion. Die leicht anarchistisch daherkommende Präsentation spiegelt auch schon den Produktionsprozess, der möglichst frei von stilistischen Bindungen, ästhetischen Grenzen und linearen Konzepten funktioniert. Kreativität um ihrer selbst willen, spontane Ideen und Experimente prägen das Tun und die Ergebnisse, große Vielfalt in allem und lockerer Umgang mit den Herausforderungen. Dass das Gestaltungspaar und seine Freunde das alles auch nicht sonderlich ernst nehmen (der ironische Labelname spricht ja schon Bände) ist durchaus eine ungewöhnliche Position im ansonsten recht kämpferischen Modebusiness.

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Steinrohner: Ein Paar, zwei Gestalter. Die künstlerischen Grafiken des Mannes überträgt die Frau auf Kleidungsstücke. Die Frage, ob Kunst (beziehungsweise Textildesign) damit auf- oder abgewertet wird, stellt sich für das Label wohl nicht, die Dialektik ist gelöst. Der Betrachter sieht mit der Synthese immerhin schöne Mode.

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Veronika Wildgruber & Mark Pillai: Ein Zusammenschluss zwischen Brillendesign und Modefotografie – eins adelt das andere.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Wie stets ist das Programm des Berliner Salons gut ausgesucht und bildet letztlich sehr viel besser ab, was gehobenes Design deutscher Modemacher hervorbringen, als das sonstige Fashionweek-Programm. Der Ort ist allerdings suboptimal dafür, die raue Schale des Kraftwerks kann mit dem schönen Kronprinzenpalais nicht konkurrieren.

Und letztlich sollte man auch nicht vergessen, dass die Auswahl zwar kompetent ist, aber eigentlich auch noch genug Subjektivität enthält, die dann auch die Frage aufbringt, wo eigentlich die allgemeine Leitlinie der Berliner Fashionweek auszumachen ist. Eine solche hat sich auch nach über zehn Jahren immer noch nicht etabliert und dieses Jahr tritt das noch auffäliger zu Tage als sonst, wo immerhin ein großes Programm einen in Atem halten konnte. Das war sehr spärlich dieses Jahr und wohl auch hauptsächlich nur ein paar Designern zu verdanken, die durchhalten wollten. Es gelingt der kreativen Stadt Berlin nicht, eine charakteristische Modeveranstaltung auf die Beine zu stellen, einen kompetenten Kopf fürs Programmatische zu finden, eine gute und zuverlässige PR-Organisation einzurichten und vor allem das zu finden und herauszustellen, was ein Alleinstellungsmerkmal für Berliner Modekultur ist und sein kann. Erst dann würde die Fashionweek aus Berlin international von Bedeutung. Und das wäre eigentlich nicht schwer, denn internationale Neugier und Interesse sind ja durchaus vorhanden.
Und es kämen auch die Designer nach Berlin zurück, die anderswo hin gegangen sind, um zu zeigen.

Um auf den Berliner Salon zurück zu kommen, hier sieht man doch ein großes Spektrum, auch wenn die Auswahl nicht etwas charakteristisch Berlinerisches im Focus hat. Wir zeigen hier alle, die vertreten waren und man merkt bei der Durchsicht schnell: Da ist doch eigentlich mehr, warum ist dieunddie nicht da und warum kommt derundder nicht in Betracht? Und das, obwohl der Berliner Salon im Untergang der Berliner Fashionweek die letzte Bastion zu sein scheint. Und er als gutes Format für Förderung gedacht ist.

Eigentlich braucht Berlin die Fashionweek nicht wie sie daher kommt, Berlin ist nicht eigentlich eine Modestadt und das Interesse der Berliner Bevölkerung kleiner als beschränkt. Die Fashionweek wurde der Stadt übergestülpt, ohne das zu erkennen und anfangs machte sie sich sogar mit den Platzierungen im Zentrum und unverfrorenen Straßensperrungen sofort unbeliebt. Aber Berlin ist kulturell breit aufgestellt und verfügt über ein einzigartiges Potential an Subkultur, und wenn man das als Ganzes sieht, ist eben Modegestaltung durchaus auch ein Teil davon, der etwas zu bieten hat und eine geeignete Präsentation verdient. Messen und High-Class Catwalks sind jedenfalls nicht die passende Antwort. So bleibt künftig abzuwarten, ob die Szene noch ein eigenes Format findet, das kompetente Unterstützung durch kenntnisreiche Macher und städtische Finanzierung bekommt.

Paris, Mailand, London, New York, Seoul etc.: Da ließen sich die städtischen Kulturdezernate ihre gut ausgebauten Modewochen nicht nehmen. Das sind wichtige Stützen des kulturellen Überbaus und es wird Zeit, dass Berlin da einen sachgerechten Beitrag auf die Beine stellt. Öko und Gender wird nicht reichen. Das kommt von selbst. Die vielen Ankündigungen und Podiumsdiskussionen zu Öko-Fashion und nachhaltiger Modeproduktion sind keine solide Basis für ein ungewöhnliches und sehenswertes Programm. Das ist Begleitprogramm. Wer zur Mode geht, will in erster Linie gucken und staunen. Bei aller Ehrenhaftigkeit der ideologischen Haltung reicht das nicht und es darf nicht übersehen werden, dass Berliner Modemacher mehr drauf haben als das. Ganz sicher.

Im Vorfeld war diese Ausgabe der Berliner Fashionweek schlecht organisiert, Infos sickerten nur langsam durch, Anfragen wurden oft nicht oder unzureichend beantwortet. Alles auf die letzte Minute. Darüber beklagten wir uns schon. Und das, obwohl das Programm schon klein und überschaubar ausfiel – alles ist geschrumpft. Im Ablauf funktionierte alles gut, besonders das Personal war erstmals sehr freundlich und hilfsbereit. Aber diese kleine und angenehme Verbesserung wird nicht reichen um künftig im größeren Kontext eine repräsentative Rolle zu spielen.

***

DER BERLINER SALON

Working Title:

William Fan:

Werkstatt München:

Stiebich & Rieth:

Vickermann & Stoya. Horizn:

Société Angelique:

Sminfinity:

René Storck:

Rianna & Nina:

Esther Perbandt:

PB 0110:

OFTT:

LML Studio:

Lutz Morris:

Odeeh:

Konrad:

Lara Krude:

Lala Berlin:

Vladimir Karaleev:

Karen Jessen:

Hannibal:

Julia Leifert:

Dawid Tomaszewski:

Diehm & Bespoke:

Antonia Zander:

Ayede:

Bergauer Handschuhe:

Alexander von Bronewski:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Der Dschungel ist ein Ort unserer Sehnsucht und zu Orten der Sehnsucht hat Isabel Vollrath auch gerne ein inspirerendes Verhältnis. So wie sie mit ihrer Venedig-Kollektion 2019 schon einen klassischen Sehnsuchtsort zum Bekleidungsthema gemacht hat, so tut sie es mit ihrer aktuellen  Kollektion Tiger & Venus ebenso. „Verlorenes Paradies“ nennt sie diesen Ort Dschungel, der damit eher fiktiv ist als real, eine Utopie, wie sie selbst schreibt, und die ist natürlich romantisch.

Sie kam auf dieses Thema, solche Geschichten sind ja immer reizvoll, durch einen zugelaufenen Kater („Diego“) im Winter, der ihr ständiger Gast im Atelier wurde und mit dem sie eine leicht exotische Freundschaft entwickelte und andererseits inspiriert durch Tiermotive ihrer Freundin und häufigen Arbeitspartnerin Almut Warttinger, Textildesignerin, mit der sie den thematischen Plan entwickelte: „Ich wollte ein Universum schaffen – für Diego, die Tierwelt, die Natur, die Freundschaft – die Liebe. Ich griff zum Hörer und die Reise begann. Mit zarten Pinselstrichen und digitalem „Fine-Tuning“ entwickelte Almut meinen exklusiven, erträumt- utopischen Tropenwald, den ich anschließend in komplexen Druckrapporten auf ausschließlich nachhaltige Materialien drucken ließ… Im Rausch der Farben und Tiermotive versank ich monatelang in eine andere Welt, schuf einen Look nach dem anderen und ließ den Dschungel weiter, weiter, immer weiter wachsen. …“

Isabel Vollrath liebt das Spiel mit Volumenexperimenten und damit ist eine  Liaison zwischen Gestaltung auf der Fläche und in der plastischen Form ein kongeniales Unterfangen, wenn die beiden Arbeitspartner dieselbe Leitidee verfolgen, zumindestens im Modedesign. Das experimentelle Spiel verfolgt sie auch bei dieser Kollektion, wir sehen „verspielte Ärmelpartien, raffinierte Fältelungen, bodenlange Couture, aber auch Mäntel, kurze Jacken und Hosen für’s Büro“, viel Grün natürlich mit ergänzenden und kontrastierenden Farben (Schwarz, Rot), Tiermotive, Blattwerk und gegengesetzten einfarbigen Teilen. Und immer wieder Schleifen und Bänder in verschiedenen Varianten, fast ein Markenzeichen, verblieben aus romantischen Perioden, mit denen man stets noch zusätzliche Akzente setzen kann. Auch jeweils als Signum über dem Fußknöchel.

Im zweiten Abschnitt der Schau kommen dann noch zwei schwarzweiße Versionen der grafischen Gestaltung hinzu, sehr dicht und ebenfalls üppig, die ist vielleicht der Entstehungszeit im Winter geschuldet und trotzdem eine schöne Variante.

So weit, so prächtig.

In der Rückschau hat Isabel Vollrath nun ihre Fähigkeiten der skulpturalen Schnitte und kurvigen Silhouetten zu souveräner Anwendung geführt und sich trotzdem eine spielerische Facette erhalten, die stets noch pfiffige Variationen hinzufügt. In der Verarbeitung ist sie stets ziemlich perfektionistisch, schon die Rapportsetzung der komplexen Prints ist eine ziemliche Herausforderung, die hier perfekt ausgeführt ist.
Als Designerin auf den Berliner Fashionweeks hat sie sich damit  nicht nur selbst gut etabliert, sondern sie stützt auch das Catwalkprogramm wirksam, dass es in dieser Saison der vielen Ausfälle schon wie ein Rettungsanker erscheint. Ein wirklich schöner, immerhin.

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Gerhard Paproth, Boris Marberg

Wenn ein Label beziehungsweise ein Modedesigner in der Fashionweek zu einem Date in ein Restaurant einlädt, ist das schon fast ein neues Format. Handverlesene Gäste, kaum Presse und ein eher intimes Ambiente rücken eine solche Veranstaltung im Vergleich zu einer großen Modenschau schon fast in einen intimen Charakter, wo der Modedesigner und seine Arbeiten scheinbar dicht am Publikum (sprich Kunden) dran sind.

Die Wahl der Location folgt hier anderen Massgaben, Niveau und Ambiente spielen eine große Rolle und in der Folge auch die angebotenen Speisen und Getränke, die Bedienung, das Licht und letzten Endes sogar der Stadtteil. Das muss imagegerecht geplant sein und so haben wir das auch wahrgenommen.

Die erste Veranstaltung dieser Art zur Berliner Fashionweek SS2021 war schon am vorausgehenden Sonntag, ein Brunch mit #Damur in Kreuzberg. Ein großer, eher etwas nüchterner Saal mit Bühne vor den großen Fenstern, langen Tischreihen, einer Bar und einem Büffet sowie einem Ausgang zum bestuhlten Garten. Eher unauffällig in einer Ecke platziert zwei Kleiderstangen locker gefüllt mit ein paar verschiedenen Outfits der jüngeren Produktion und einem riesigen Eyecatcherkleid aus Patchwork daneben. Alles eher schlicht, nicht unbedingt fotogen das Ganze, aber thematisch nüchtern, denn es geht nicht um Stil sondern um Upcycling. Wie bei Damur üblich, werden die aktuellen Schlagworte der jungen Generation optisch konsequent in eine Modeidee übertragen und variiert, wobei man dann um diese Schlagworte, also hier UPCYCLING, noch geistige Konstrukte bauen kann und darüber reden. Diese Gespräche und Ansprachen wurden dann auch von der Bühne ins Publikum lanciert, kommentiert und ausgeweitet. Zwischendurch wurde auch mal ein Outfit von einem Modell gezeigt, für die Kameras.

Ein typisches Damur-Konzept, ein symbolischer Begriff wird so direkt wie möglich visuell auf Kleidung übertragen und verbal gefüllt und ausgeschmückt. Ästhetische Konzepte haben laut Shih-Shun Huang ohnehin abgedankt und werden heutzutage durch aktuell ideelle ersetzt, was auch direkt auf die Mode zu übertragen sei. Wenn aktuelle Begriffe Mode werden, also zur sprachlichen Formel (Prinzip „Propaganda“), kann man sie auch zur Formel in der Modegestaltung transferieren und das hat dann auch zwingend Erfolg. Das nur scheinbar einfache Verfahren gelingt Huang Damur immer sehr schlüssig. Und in dem Sinne war die Veranstaltung auch ein gelungener Treffer.

Ganz anders positionierte sich die Lana Mueller – Veranstaltung. In einem hochkarätigen Restaurant: ambitioniertes Innendesign, mit runden Tischen, exquisiter Ausstattung, stilbewußtem Personal und eher intimer Beleuchtung. Gutes Essen, hochwertige Getränke (und ein guter Weinhändler als Sponsor) sowie erlesene Gäste, denen man auch das Bewußtsein zu exquisiter Mode ansah. Dazu eine professionelle Animatrice, der immer Text einfiel und die durch den zeitlich etwas gedehnten und damit entspannten Abend führte. So wurden die Pausen zwischen den drei Modevorführungen mit je vier Kleidern unterhaltsam gefüllt und die Designerin im Gespräch zu diesem und jenem vorgestellt. Schöner Aufenthalt, Modenschau und animierte Unterhaltung im Kreis geladener Gleichgesinnter erwiesen sich als stimmiges, imagegerechtes Konzept.

Die vorgeführten Modellkleider stammen aus den letzten 13 Kollektionen von Lana Mueller, jetzt nachhaltig neu produziert, elegant, aber nicht so spannend wie bei den saisonalen Schauen, die wir bisher von ihr sahen.

Die charmanteste Veranstaltung war die „Japanische Nacht“ des Labels Susumu Ai in einer eher winzigen Sake-Bar in der Ludwigkirchstrasse. Mit zurückhaltendem Charme und großer Aufmerksamkeit wurden alle Gäste periodisch in die Nomu Sake Bar (die erst nächste Woche offiziell eröffnet) geführt und mit exotischen Getränken (Kyushu Gimlet – japanischer Gin, Lime, Sakura; Green Planet – japanischer Whisky, Matcha, Vermouth) und exquisiten japanischen Häppchen versorgt.

Die Mode des Labels war wie Kunst an die Wände montiert, vier Beispiele, die den Kunstcharakter durchaus einlösen können. Eine Mischung aus klassisch japanischem und westlichem Styling, aus hochwertigen, nachhaltigen Materialien, extrem sorgfältig verarbeitet und geschmacklich ausgewogen kombiniert – auf seine Weise außerordentlich elegant. Das Designerduo Keiho und Alisa Menkhaus mit seinem kleinen Team ist erst seit letztem Jahr auf den Markt getreten und verkauft zur Zeit per Internetorder aus Berlin.

Keine Übertreibung, klein und delikat, bescheiden aber große Klasse – in jeder Hinsicht korrespondierte auch diese Veranstaltung mit dem Selbstverständnis des Labels.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Wenn es einen Designer gibt, dessen Arbeiten fast immer das schöne Gefühl von Frühling, milder Luft, besonnter Landschaft und blütenbestandenen Wiesen vermitteln, dann ist das wohl Danny Reinke. Genau so ein Bild ist dann in riesig anfangs auch hinter den Laufsteg projiziert und auf allen Besucherplätzen finden sich jeweils die betreffenden Blumen in natura.

Die vorgeführte Kollektion leitet sich konsequent aus diesem Ambiente ab, hell, leicht und mit gelben Blumenprints besetzt. Abgesehen von einigen Sackleinenoutfits enthält das Farbspektrum auch nur Weiß, Grüntöne und Gelbtöne sowie auch Schwarz als Grund, in den locker eingewebte Blätter die Farbschwere lösen.

Laut einer Pressenotiz beschäftigt sich die Kollektion mit Erotik. Nun, da liegen die Welten ja manchmal weit auseinander, subjektiv, in dieser Hinsicht fanden wir die Vorführung nicht ungewöhnlich knisternd. Aber das will nichts heissen und wäre auch kein Scheitern. Die Schnitte sind zumeist eher unprätentiös und zeigen auch viel Haut, aber ohne das gestalterisch herauszustellen, eher natürlich.

Und nichts gleitet in Hippie- oder Country-Style ab, alles ist urban und sehr klar konzipiert. Die romantische Stimmung ist mitnichten überzogen. Genau das ist es, was den Reinke-Style so besonders macht, er verkörpert den Traum der Städterin von freier Gute-Laune-Natur ohne ideologischen Touch eines alternativen Pseudo-Lebensentwurfes und ohne erdig schweren Naturbezug. Leichtigkeit ist die Maxime. Die Frau trägt Frühlingsstimmung in die Stadt, unaufgesetzt und passend.

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Text & Artikelbild: Gerhard Paproth

Erfahrungsgemäß kann man schon im Vorfeld spüren, wo es lang gehen wird mit der jeweils anstehenden Fashionweek Berlin, organisationsmäßig, richtungsmäßig und programmmäßig. Das war sogar bei den letzten digitalen Veranstaltungen so – wo die Bemühung, die Fashionweek am Leben zu erhalten, indem man ihr eine aktuelle, eigene Richtung verordnet, deutlich zu spüren war.

Organisatorisch war aber leider ein (un)übersichtlicher Zugriff auf die Liveübertragungen recht anfängerhaft ins Netz organisiert und das, obwohl Fashionweeks andernorts (z.B. Paris, Mailand etc.) da schon professionellere Planungen und Übersichten im Internet vorführten. Das ist jetzt nicht besser geworden, man hat sogar den Eindruck, es wird alles Planerische noch mehr auf die letzte Sekunde geschoben. Anmeldungen bei der „Leitstelle“ werden nicht beantwortet, zuständige Mitarbeiter antworten nicht, die Organisation bleibt völlig undurchsichtig und, aus Sicht der Presse, höchst unprofessionell. Die Infos sind spärlicher denn je, nichts wird bereit gestellt, niemandem wird geholfen, niemand ist konkret ansprechbar. Zwangsläufig mussten wir uns darum auch vom „offiziellen“ Programm weg bewegen zu parallelen Konzepten, woraus sich aber – leider – noch keine spannende Planung ergibt.

Das Programmatische setzt, so sieht es bislang aus, noch vehementer auf ein ideologisches Konstrukt. Viel Palaver um nachhaltiges Modebewußtsein, wenig Demonstration, wie man sich die Ergebnisse davon vorzustellen hat. Und noch weniger Anschauung, wie die deutsche Modewelt nachhaltige Mode mit überzeugendem Styling und spannenden Protagonisten charakteristisch in den internationalen Kontext bringen will. Dabei erwartet diese internationale Szene gerade von Berlin wichtige und zukunftsträchtige Perspektiven.

Alle Veranstaltungen, die eher parallel zur „offiziellen“ MBFW stattfinden, sind besser aufgestellt. Neo.Fashion.2021 beispielsweise, die große Schau von Absolventen (Graduates) deutscher Modeschulen, liefert ein straightes, gut gegliedertes Programm. Das Programm im Kraftwerk bleibt dagegen bruchstückhaft. Die einzelnen Designer müssen jeweils ihr eigenes Süppchen kochen und je distanzierter sie sich von der offiziellen Schiene offsite organisieren, desto besser tun sie das in der Regel. Aber viele Highlights bleiben ganz weg oder verlegen sich auf einen digitalen Beitrag.

Und um die Verwirrung noch etwas zu steigern, gibt es dann noch das Format „About You“ (Fashion Week Autumn/Winter 21) im Anschluss, vom 11. – 15. September, quasi eine Sofortkauf-Version mit populär orientierter VIP-Präsenz-Masche. Da präsentieren dann, neben Marina Hoermanseder und Guido Maria Kretschmer, deutsche Models, TV- und Schlagerstars ihre Kollektionen. Ob das eine Edel-Version der Fashion Hall wird? Die es allerdings auch noch gibt, verschmolzen mit der Schau im Quartier 206.

Keine optimistischen Perspektiven im Vorfeld also. Und das ist umso gravierender, als die aktuellen Konditionen (Corona, Neuausrichtung der MBFW, Repräsentation ausgewählter Protagonisten, Verteilung live-digital u.v.m.) eine deutliche Linie verlangen. Abgesehen von gendergerechter Nachhaltigkeit als diffuse Leitideen im Diskursiven kann man vorab nichts erwarten und so wird die Berliner Fashionweek sich vermutlich selbst den Todesstoß versetzen, zumindestens was ihre internationale Relevanz betrifft. Und die galt es nach so vielen Jahren immer noch aufzubauen, weil sie sich bislang schon schwer genug tat. Das Hochhalten von einer ethisch sauberen Mode im organisatorischen Chaos ohne die eigentliche Lust an Modegestaltung zu feiern wird voraussichtlich keine interessante Zukunft starten.

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Screenshots aus Videos und je ein Bild von der offiziellen Webseite

Ausgerechnet jetzt, im großen Shutdown, kann man unkompliziert die verschiedenen Fashionweeks international besuchen – im Internet. Wir schauen dieser Tage in die Publikationen der offiziellen Homepage der Seoul Fashionweek (22. – 27. März), und freuen uns über andere Ästhetik, andere Orte und ein anderes modisches Selbstverständnis.

Die Videos sind in der Direktübertragung sowohl auf der offiziellen Seite zu sehen: https://www.seoulfashionweek.org/schedule/, als auch auf youtube: https://www.youtube.com/channel/UCGJ7KF84FFEvkiFqhYaedXQ. 45 Schauen umfasst das offizielle Programm.

Der Weg über die offizielle Fashionweekseite hat den Vorteil, dass man elegant und unaufdringlich mit weiteren Informationen zu dem Label bzw. den betroffenen Designern versorgt wird, in geradlinigem und unaufgemotztem Webdesign, wo schon gestalterisch die Videoschau ein gleichberechtigtes Element im Ganzen ist. Der Nachteil ist, dass die Übertragung oft ruckelt, sie lädt langsam und erfordert Geduld, manche Filme lassen die Tonspur nicht zu und, logisch, man braucht Übersetzungshilfe fürs Geschriebene, wenn man mehr erfahren will. Unsere Links zu den ausgesuchten Schauenvideos führen also zu beiden Quellen und unsere illustrierenden Abbildungen sind wieder Screenshots daraus, sowie einem Beispielbild von der offiziellen Seite, ohne eigene Rechte.

Stilistisch sind die Filmchen sehr sauber und meist eher konservativ angelegt (man hat den Eindruck, viele seien vom selben Regisseur gemacht), die Kleidungsästhetik und kaum der Lifestyle steht im Zentrum und sie wird oft in und mit wundervoller Architektur präsentiert, allein das ist ein optischer Leckerbissen in der Position zwischen Tradition (die fast immer zeichenhaft auftaucht) und anspruchsvoller Moderne ¹). Relativ neu ist die Präsentation in virtuellen Welten ²).

Allerdings ist nicht nur die Machart bei vielen Clips sehr ähnlich – auch die grundlegend ästhetischen Kriterien des Modemachens liegen meistens nicht weit auseinander. Klar, kühl aber nicht inhuman ist eine oft anzutreffende, zentrale Basis. Dies betrifft besonders die Schnitte und Silhouetten. Es ist insgesamt – von Ausnahmen abgesehen – ein Variantenreichtum mit verhaltener Eleganz und eine deutlich spürbare Veredelung der Alltagstauglichkeit. Das betrifft sogar Labels wie z.B. Notknowing, das sich auf trendy Streetculture focussiert und wo die Ästhetik stark vom American Style importiert ist. Auch hier noch spürt man die Verbundenheit mit klassischen Regelwerken und asiatisch präzisem Formgebungsanspruch.
In seiner geometrischen Reduktion findet man den bei Hanacha studio.

Bezugspunkte, die Modefilme ja gewöhnlich mittransportieren, sind wesentlich Architektur, manchmal auch Natur oder Urbanität. Auffällig oft gibt es einen  Bezug zu Kunst und Museum ³), was sich aber auch damit erklärt, dass das National Museum of Korea mit seiner fantastischen Location für viele der Videos kooperierte. Damit sind ideelle Standorte im Sichtbaren schon wesentlich abgedeckt, nie argumentativ oder übertrieben, gesellschaftliche tauchen eigentlich fast nie auf. Das ist die große Unterscheidung zur hiesigen, westlichen Haltung. Der Kern liegt in der gediegenen Ästhetik.

Sehr viele Labels sind jung, gerade mal ein – drei Jahre alt. Sie kommen kaum revolutionär daher, das Zeitgemäße baut erkennbar auf solide Geschmacks- und Handwerksgrundlagen, nicht auf individuelle Abenteuer oder herausstechende Experimente. Das führt zu einer stets sicheren Eleganz und auch die Zielgruppen unterscheiden sich nur in einem homogenen Kontext.

Westliche Einflüsse sind wichtig, die kommen eher aus New York als aus Paris oder Berlin. Spannend sind sie dann, wenn sie so adaptiert werden, dass sie als ausgewählte Bereicherung oder Inspiration der eigenen Kultursphäre erlebt werden. Beyond Closet interpretiert sogar den klassischen amerikanischen und adretten Look (ironisch) neu. Meistens bleibt die klare Linie dominantes Merkmal und bei allen Extras und Besonderheiten gilt die Maßgabe der Zurücknahme aufs Wesentliche. Farbkontraste, selbst wenn sie stark daher kommen, sind immer sehr subtil ausgelotet.

Quasi parallel dazu gibt es noch eine kleine Blümchen-Glitzer-Pop-Fraktion, jene, die sich dann doch von der Klassik längst verabschiedet hat und dem mehr oder weniger grellen Asia-Pop fröhnt. Gekennzeichnet von Einfallsreichtum, frechem Umgang mit Sexyness und großer Farbenfreude, annähernd beliebigem Mix der Gestaltungen, Materialien, Muster, Schnitte und Zeichen und angstfreiem Umgang mit Kitsch, entwickeln diese Designer Streetwear, die sehr jugendspezifisch ausgerichtet ist und hemmungslose Lebensfreude widerspiegelt ⁴). Eine sehr leichte und launige Hemmungslosigkeit allerdings, die hier im Westen nur schwer gefunden wird.

Natürlich gibt es auch eine Reihe von Designern, die versuchen, sich komplett international zu orientieren.

Neun besondere Prägungen wollen wir empfehlen:

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UL:KIN
Ulkin versteht sich als eine Unisex-Casual-Marke, die auf künstlerischen Kulturen „wie dem Lebensstil und dem Ausdruck von Künstlern“ basiert, die sich also schon etwas spezifischer auf einen sozialen Kontext focussiert, der als „Kunstkultur“ verstanden wird. Kulturhistorische Bezüge (im Nationalmuseum Korea) werden als Auseinandersetzungs- oder Bereicherungspotential gezeigt und dokumentieren die Idee einer gesamtkulturellen Positionierung der Jugend (statt selbstreferenziell, wie meistens hier im Westen).
Das Video ist etwas experimenteller angelegt und die Kleidung setzt zwar auf leicht exzentrischen Touch, ist aber dennoch so konzipiert, dass sie auf natürliche Weise in den Alltag integriert werden kann.
UL:KIN war auch auf der New York Fashion Week letzten Sommer vertreten.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/87/2021FW/UL:KIN

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CARUSO
Das Label gibt es schon seit 1987 und gehört also zu den erfahrenen und längst erfolgreichen Teilnehmern. Dafür ist es auffallend mutig und steht auch offen zu seinen (oft starken) amerikanischen Einflüssen. Gleichwohl ist es weit entfernt davon, sich anzubiedern, denn subtile Eleganz ist auch hier das Maß der Wagnisse und das reicht bis in die Kategorie der Streetwear, die von plumper Hiphop-Ästhetik nichts außer einer gewissen Zeichenhaftigkeit übrig lässt. Selbst Schrilles und Schräges bekommt immer den Touch des erlesenen Geschmacks und kann sich stilistisch auch im Kontext zurückgenommener Eleganz niveauvoll behaupten.
Sogar der modekulturelle Bezug zur eigenen Historie ist pfiffig und behält stimmige Überzeugungskraft.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/27/2021FW/CARUSO

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SAINT MILL
zeigt eine scheinbar romantisch verspieltere Version der strengen Konzeptionalität, aber schon die Silhouetten demonstrieren, dass dies keine Gegenposition ist. Altrosa, Blassgrün, Violett und Schwarz bilden ein begrenzt chromatisches Spektrum und auch die Ausstattung verliert sich nicht in detailliertem Kleinklein, sondern führt verschiedene Varianten einer Leitidee vor, die „strukturelle Schönheit und Kompositionsschönheit“ durchspielt, Flächen und Linien in rhythmische Bewegungen überführt.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/483/2021FW/SAINT_MILL

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PAINTERS
Schon der Name verweist auf ein Designer-Kollektiv (‚Artist Group‘), das sich eher der Kunstszene zugehörig oder verwandt fühlt und kreative und kommerzielle Gestaltung auseinander halten will. Dazu zählen Branchen wie Malerei, Musik, Video, Grafik und Schnitt. Die Schau zur Fashionweek zeigt Varianten aus verschiedenen Kollektionen und keiner stilistischen Linie. Besondere Raffinessen findet man außerdem in den Textilstrukturen und den Schnittarchitekturen, der hohe handwerkliche Anspruch lässt sich auch auf exzentrische Ideen und Sihouetten ein.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/559/2021FW/PAINTERS

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KIMZISU

Eine überzeugende, zeitgemäße und sehr geschmackvolle Synthese westlicher Modekultur mit klassisch asiatischem Gestaltungsstil präsentiert das junge Label KimZisu. Hier ist auch die Videopräsentation eigenwillig gemacht und sie integriert geschickt und unaufgeregt die Codes modernen Lebens.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/580/2021FW/KIMZISU

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GREEDILOUS

Über das Label von Younhee Park berichteten wir bereits aus Paris. Die dynamische und erfolgreiche Designerin ist im permanenten Entwurfs- und Realisierungsmodus mit anhaltend spannenden und vielfältigen, kreativen Ideen. Sie beherrscht eine ungewöhnlich große Gestaltungspalette in Mustern, Codes, Schnitten und Stilen, meist bunt, aber immer mit lebensfrohen, lustbetonten Akzenten. Auch die Show dieser Saison belegt das üppig und eindrucksvoll – es sind eigentlich mehrere Kollektionen.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/73/2021FW/GREEDILOUS

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BY D BY
Seit 2016 gibt es das Label des Designers Buyong Song. Bei seiner Herren-Kollektion sieht man den Brückenschlag zwischen Tradition und Moderne recht beispielhaft, besonders reizvoll deswegen, weil der Einfluss lässig amerikanischer Streetculture dabei nur gering ist. Ausgeprägtes Formenbewußtsein einerseits und innovative Schnitte decken die Spanne zwischen Casualwear und Businesskleidung auf gehobenem Niveau ab, gerade für Männermode ein zumeist schwieriger Balanceakt, der hier überzeugend, mit sicherem Geschmack und ohne viele Mätzchen gelungen ist.
Den Gegenpart dieser Gestaltungsphilosophie bietet dann gleich die nachfolgende Schau von unnorm.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/456/2021FW/BY.D’BY

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DOUCAN

Ein Feuerwerk japanisch anmutender, überbordender Kreativität und gleichzeitig souveräner Geschmackskultur führt das Label von Chunghoon Choi vor („Après La Mousson“). Seine aufgeprinteten, komplexen Grafiken wirken wie künstlerische Ableitungen aus japanischen Mustern, ergänzt durch ebenfalls grafisch raffinierte Schnitte und Linien. Die gut kontrastierende Schau in strenger, farblich zurückgenommener Architekturgeometrie (National Museum of Korea) entwickelt eine sprühende Lebendigkeit mit erfrischender Eleganz und größtem Abwechslungsreichtum. Eine Synthese aus Kunst und Design, Eleganz und Lebensfreude auf höchstem Niveau.
Definitiv unser Favorit!

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/504/2021FW/DOUCAN

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PART OF UNIVERSE

Auch die Influencer-Fashion-Kultur findet eine Repräsentanz im Programm. Lifestyle ist der Ausgangspunkt – Smartphone-Life, Selfiemanie, Clubleben, International Instagram-Youth und Group-Hipness prägen die Gestaltungsbasis von Chungae Park und der zugehörigen Videoproduktion. Kurz, schnell, flüchtig.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/581/2021FW/PART_OF_UNIVERSE

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Am Ende der Fashionweek bleibt besonders die Prägung asiatischer Ästhetik in ihren vielen Varianten haften, eine Faszination, die sicher nicht deckunggleich ist mit dem Interesse der Koreaner. Besondere Aufmerksamkeit haben da zum Beispiel die Label ul:kin, Beyond Closet sowie Doukan, Tibaeg und Setsetset. Die Kooperation des National Museums of Korea erweist sich nicht nur als ästhetisch kluge Ergänzung für die Präsentationen in den Videos sondern sie ist zugleich eine Markierung für den kulturellen Stellenwert der Mode im Land – ein Selbstverständnis, das hierzulande erst im mühevollen Aufbau ist.

¹) z.B. C-ezann E, Cahiers

²) A.Bell

³) Beyond Closet, ul:kin, C-Zann-E, Painters, Big Park, Doukan

⁴) Holy Number 7

Alle Bilder sind von der Webseite des jeweiligen Designers bei der Seoul Fashionweek und die Rechte bei den betreffenden Autoren dort!

Achtung: Wenn die Links nicht mehr funktionieren, wurden die Beiträge von den Verantwortlichen nach Erscheinen dieses Artikels aus dem Netz entfernt oder verlegt. Wir bedauern das – aber Mode ist oft vergänglich …

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die vom Berliner Senat geförderte Showroom-Veranstaltung DACH zu den Fashionweeks verteilt sich, noch real, in der Fashionweeksaison auf mehrere große Städte, angesichts der Tatsache, dass Reisen zu Pandemiezeiten ja problematisch bis unmöglich ist. Die Showzeiten sind entsprechend versetzt, aber dennoch reisen nicht alle teilnehmenden Kollektionen in alle fünf Städte, leider, die Label-Präsenzen sind verschieden gemischt.

Die per Jury zusammengestellte Gruppe, die diese Saison insgesamt vertreten ist, besteht aus #Damur, Aline Celi, Esther Perbandt, Franzius Hänska, Johanna Gauder, Marcel Ostertag, Perlensau, Schmiede Bosslau und Starstyling. Angeschlossen aus Österreich (AFA Agency) sind Florian Jewelry, Güç, Margaret and Hermione, Miyagi, Modus Vivendi, Scotria und aus der Schweiz (Mode Suisse) Luca Xavier Tanner, Yvy.

Paris wurde nach Berlin verlegt und die Teilnehmerzahl auf neun reduziert. Parallel zum realen Ort präsentiert sich der DACH Showroom auch im Internet, aber leider funktioniert da nicht alles.

Was man normalerweise bei der Großauswahl in Paris sieht, hat auch nur immer einige wenige Highlights, der Rest oszilliert meist im Mittelmäßigen, vorsichtiger formuliert im stark kommerziell Ausgerichteten. Jetzt, wo nun also der Showroom in Berlin (statt Paris) auf vergleichsweise wenig Designer zusammengezogen wurde, merkt man diese Verhältnisse schon deutlicher, umso mehr, als einige Fashion-Highlights wie Esther Perbandt stattdessen in Tokyo zeigen. Kurz, für lokale Einkäufer sicherlich eine durchaus attraktive Auswahl, für die Suche nach innovativer Gestaltung eher wenig spannend. Der Schwerpunkt liegt ohnehin mehr auf nachhaltigen Konzepten.

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Im Zentrum des Showrooms zeigt Damur eine große Kollektion und, wie immer, hat Shih-Shun (Damur) Huang der Gegenwart wieder das Aktuellste abgeschaut, was er so direkt wie es geht umgehend in Kleidungsgestaltung umwandelt. Und im Handumdrehen in Taiwan produzieren läßt. Lieferzeit: ein paar Tage. Und was ist das Aktuellste für uns? Richtig, Pandemie mit Masken, betrifft jeden! Wenn Mode ihrem ursprünglichen Anspruch folgt, so dicht und pointiert up to date zu sein wie möglich, dann ist das bei Damur der Fall. Nach seiner Philosophie ist kein aktuelles Thema unverwertbar für Mode. Schlagkräftige Begrifflichkeiten dürfen auch nicht fehlen: Schon auf der SS21 Taipei Fashion Week zeigte er im Oktober 2020 diese, seine achte Kollektion mit dem Titel “008 Epidemic-Free Fashion Era” in Kollaboration mit der Kalifornischen Marke Brothers Marshall. „Pandemie-sichere Travelwear“, wie immer in plakativem Design, unkomplizierten Unisex-Schnitten und jetzt aus dünnem Maskenstoff, der mit zusätzlicher Beschichtung wasserfest gemacht wurde. Reinigung: nur mit kaltem Wasser abwischen. Damurs Überzieher der Gegenwart zeigen, was angesagt ist in diesen Zeiten (und dass man damit voll dabei ist).

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Die Bademode von Margaret and Hermione ist vom Erscheinungsbild her wenig ungewöhnlich oder attraktiv, eher betont neutral. Aber das Material ist ungewöhnlich, statt aus Polyamid bestehen die Teile aus recycleten Fischernetzen: „Nach langer Recherche bin ich auf die Fischernetze gestoßen und fand das eine sehr schöne Geschichte: aus dem Meer zurück in das Meer“. Ein gutes Beispiel für Produktphilosophie, die den Geist der Dinge und die ideologische Haltung über den Gestaltungsauftrag stellt: „Man sollte nichts machen, was einfach nur schön oder gefällig ist.“

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Auch die Produkte des Berliner Taschenlabels HÄNSKA sind von Nachhaltigkeit geprägt, besonders der Baumwollschulranzen fällt auf. Hier ist aber Design des praktischen Nutzens mindestens gleichwertiger Anspruch, wenn auch nicht Chic und Eleganz verpflichtet, sondern eher zurückhaltend.

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Arbeitskleidung als Mode zu kreieren ist das Anliegen von Luca Xavier Tanner (Schweiz). In Assoziation mit Beuys und vielleicht auch Jonathan Meese ansprechend entwickelt er pragmatische Unisex-Kleidung für Künstler: Die „Teile der Kollektion sollten auch in der Lage sein, einen kreativen Menschen bei seiner täglichen Arbeit zu begleiten. Die Funktionen einer Utility-Jacke werden aufgegriffen und in die Kollektion integriert. Teile sollten den Träger bei seiner Arbeit unterstützen – nicht behindern. Viel Bewegungsfreiheit ermöglicht auch das Arbeiten auf dem Boden …“ teilt der Pressetext mit. Auch hier steht der pragmatische Anspruch für das ästhetische Konzept, immerhin bekommen manche Strukturmuster ein reizvolles Eigenleben. Wenn Bildende Künstler als ein Marktsegment für Mode erkannt werden oder als Protagonisten, gibt das jedenfalls zu denken.

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Das Wiener Strickwaren-Label Modus Vivendi bietet im eigenen Atelier (hand-)gefertigte Kleidung, teils mit eleganter Note, teils sehr lässig im Design, teils als bewusst plumpe Homewear.

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Der deutsche König der begleitenden Botschaften in der Mode, Marcel Ostertag, kann auch in dieser aktuellen Kollektion nicht gerade mit gutem Geschmack oder ausgefeiltem Stil punkten. Einige weniger auffällige Mäntel aber sind durchaus gelungen im Schnitt und gehen als lässig und für sich stimmig noch durch. Immerhin legt der Modemacher Wert auf nachhaltige Produktion, hochwertige Materialien und faire Produktionsbedingungen. Dies, und dass Ostertag seit Beginn der Berliner Fashionweek dabei ist, mag Kriterium für die Jury gewesen sein, ihn hier als repräsentativ auszuwählen. Seinen Kollektionen hat man eine gewisse Classe aber nie angesehen, so auch nicht dieser.

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Sogar das Wiener Unterwäsche-Label Miyagi setzt in erster Linie auf Nachhaltigkeit. Less-Waste ist der Begriff, der hier fällt. Die Wäsche ist weich und komfortabel. Gestalterisch schwanken die Teile eigentümlich zwischen Sexyness (Highwaist-Panties und Cut-Out Bras) und eher biederer Häkelapplikation sowie groben Formen.

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Rudolf, ebenfalls aus Wien, stellt “langlebige Stücke aus natürlichen Materialien her, die in Wien immer pflanzengefärbt werden.“ Also auch dieses Label stellt wesentlich heraus, „in punkto Ökologie, Nachhaltigkeit und sozialer Verantwortung neue Wege zu gehen.“ Gestalterisch sind die breiten Streifen auf den sehr schlicht geschnittenen Teilen allerdings durchaus attraktiv und kontrastreich, wenn auch in den farbigen Varianten eher gedeckt und zurückgenommen.

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Schmiede Bosslau ist ein Schmucklabel, das so heißt, weil der Werkstattvorläfer vor 7 Generationen eine Schmiede war. Dies zu wissen erklärt die teilweise rustikalen Rückgriffe des Designs parallel zur handwerklichen Faszination der Schmuckdesignerin für japanisches Kunsthandwerk. Handgemachte Maschinen, handgemachter Schmuck und Rohstoffe wie faires, recyceltes Silber, Gold und Messing sind auch hier eine nachhaltige Ausgangsbasis, mit der Susann Bosslau „einen bewussteren Lebensstil inspirieren“ möchte, der den Schwerpunkt auf die Bewertung perfekt unvollkommener Details, Qualität, Tradition und Handwerkskunst legt. Es gelingt ihr (teilweise), dieses Anliegen in eine ästhetische Qualität zu überführen, die über Öko-Touch hinausreicht. Dies, muss man einschränkend hinzu fügen, betrifft aber leider nicht alle Schmuckstücke: die kindischen Smiley-Herzchen wirken eher wie ein Verrat an dieser eigentlich anspruchsvollen Zielvorstellung.

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Aline Celi sucht sich auch in Paris einen Namen zu machen, dabei bedient sie allerdings eher konventionelle Geschmacksorientierungen. Dennoch gelingen ihr stets ein paar auffällige Akzente und sehr weibliche, akzentuierende Schnittentscheidungen, Musterapercus und kleine, kesse Wagnisse, die etwas herausstechen. Vorteilhaft ist, dass viele ihrer Entwürfe auch weniger schlanke Größen berücksichtigen und da auch funktionieren. Das abgebildete Kleid und andere sahen wir allerdings schon vor einem Jahr in ihrer Kollektion  – insofern gibt es da wohl nichts Neues für die Saison aw2021 zu berichten.

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Unterm Strich bleibt festzustellen, dass fast alle teilnehmenden Designer des DACH-Showrooms in Berlin Nachhaltigkeit (oder Weltbilder) als entscheidendes Wesensmerkmal für ihre Kollektion herausstellen. Die modische Gestaltung tritt hauptsächlich in den Dienst dieser Prämisse und es gelingt deswegen noch immer nicht, nachhaltige Mode aus dem Nimbus des „Alternativen“ zu befreien. Dabei belegt der Blick auf die Pariser Fashionweek sehr wohl, dass die Labels mittlerweile fast alle umgedacht haben oder zumindest im entsprechenden Wandel sind, ohne dafür den übergreifenden ästhetischen Anspruch aufzugeben.
Man kann vermuten, dass die hier gezeigten Labels den lokalen oder nationalen Raum nicht werden überwinden können und darauf setzen müssen, dass ihren Kunden die Demonstration ideologischer Ausrichtung wichtiger ist, als eine geschmacksgeprägte Umwelt mit optischer Attraktivität und der Freude daran.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Vorschaubilder der Netzvideos

Hier nun die letzte Playliste der offiziellen Schauen zur digitalen Pariser Fashionweek aw2021. In dieser nun ziemlich vollständigen Übersichtsfassung wird deutlich, wie wichtig und wie etabliert die Gesamtveranstaltung ist, wie Alteingesessene und Neue Labels sich vermischen und auch modekonzeptuell ergänzen.

Besonders spannend empfinden wir dabei neben den modischen Orientierungen und Innovationen die medialen – also filmischen – Entscheidungen, denn auch hier ist die Spannweite sehr groß. Das betrifft einerseits die Qualität der Machart, die nicht nur vom Budget abhängt sondern auch wesentlich vom kreativen und aufgeschlossenen Esprit der betreffenden Labels und kreativen Leitungen. Der geschlagene Bogen von Marine Serre bis Louis Vuitton repräsentiert durchaus The State Of The Art.

Es sind, das überrascht aber nicht wirklich, oft die großen Modehäuser, die eben nicht auf Haustradition in der Präsentation setzen, sondern mit kreativ erdachten Filmchen noch Maßstäbe setzen, weit über die Modevorlagen hinaus. Sie greifen sich nämlich schnell die jungen Kreativen aus dem Nachwuchsmarkt und übergeben ihnen Chancen und Verantwortung. Ganz französisch ist das nicht, insofern ist hier die Mode in Frankreich unternehmensphilosophisch in einer Vorreiterposition. Dennoch setzt die Philosophie der französischen Modehäuser noch auf Exklusivität des Luxus bei den Schauen. Diese fällt nun weitgehend weg und der Verlust des Ausschlussverfahrens im Onlineauftritt macht den Blick der Brancheninsider, letztlich auch aller Interessierten frei und erlaubt endlich eine objektive Gesamtsicht. Das ist durchaus ein Gewinn. Ob der gewünschte Exklusivitätsnimbus damit insgesamt leidet, ist noch offen. Vielleicht sind nunmehr neue Standards gesetzt, wenn die realen Schauen zurückkehren, auch wenn viele bereits vorher ihre Schauen nachträglich im Netz gezeigt haben.

Interessant ist die Beobachtung, inwieweit ideologische Trends (also Nachhaltigkeitskonzepte) ihren Platz dabei finden – gerade aus deutscher Perspektive. Man muss vielleicht einsehen, dass weltanschauliche Unternehmensphilosophie sich schwer als überzeugende Triebfeder fürs Gestalterische einspannen läßt, so wichtig wie die Nachhaltigkeitsstrategie auch ist. Die Präsentationen zeigen nun vielmehr, dass es klüger scheint, moralische Kategorien da herauszuhalten und eben nicht gerade damit prahlen zu wollen. Wenn Labels darauf setzen, dass sich in diesem Sinn „anständige“ Verfahren und Entscheidungsgrundlagen auch so herumsprechen, dürfte das für ein besseres Image sorgen, als das Vor-sich-hertragen ökologischer Grundüberzeugungen. Darüber werden einige deutsche Labels noch nachdenken müssen, wenn sie z.B. in Frankreich mitspielen wollen. Ein gutes Beispiel dafür sind vielleicht Lisi Herrebrugh und Rushemy Botter: Gestartet mit einer ökologisch geprägten Kollektion in Hyères, die allerdings auch sehr viel Lebensfreude, Buntheit, Witz und Naivität ausstrahlte, arbeiten sie nun, nur kurze Zeit später, verantwortlich für Nina Ricci. Und stellen eine Kollektion vor, die sicherlich die ökologischen Grundhaltungen der frisch gebackenen Direktoren nicht über Bord wirft, sondern nach außen den Ideenreichtum und die Schrägheit der Gestaltungsästhetik sprechen lässt, im Kontext des entsprechenden Niveaus des Hauses. (Näheres wissen wir allerdings nicht – wir werden bei nächster Gelegenheit das Paar dazu befragen.)

Einige grundlegende Darstellungsmodelle haben wir bei den vielen Filmchen gefunden:
1. Befindlichkeiten, die hauptsächlich in Filmstimmungen übersetzt werden (z.B. TAAK).
2. Verortungen im aktuellen gesellschaftlichen Kontext, die auch mit stereotypen Zeichensystemen formuliert werden (z.B. Sankuanz).
3. Launige Erlebnisclips, mit vielen schnellen Schnitten, Abwechslungsreichtum, erzählerischen Situationsschnipseln und gut gelaunten Protagonisten (z.B. Thebe Magugu).
4. Die Tradition des Hauses geht mit der Zeit. Edle Locations und Ausstattungen werten die gezeigte Mode à priori auf, egal ob und welchen Kontrast sie dazu liefert (z.B. Dior). Das Zielpublikum ist zweifellos wohlhabend.
5. Ein Einblick in den Prozess des Modemachens, der nicht selten ideologische Anteile transportiert und handwerklich gemachte Qualität herausstellt. Meistens ist das eine Art Klammer für die Präsentation der Kollektion (z.B. Xuly Bët).
6. Die abgefilmte Cat-Walk-Schau (z.B. Anrealage), die im Wesentlichen dem klassischen Schauen-Format verhaftet bleibt, sich aber oft ungewöhnliche Locations sucht (z.B. Miu Miu) oder kleine Freiheiten.
7. Aus Fotos wird eine musikalisch getaktete Bilderschau montiert (z.B. Agnès b.).

Natürlich gibt es da Mischungen, doch für junge Marken ist es besonders schwer, sich geeignet zu positionieren und natürlich auch, in der Folge, passendes Personal zu finden (Filmemacher, Choreografen etc.), das die leitende Grundhaltung pointiert umsetzen kann. Hinzu tritt die Kompetenz, über der beschränkten Modegestaltung zu stehen und medial umfassender zu denken – also nicht innerhalb des modischen Tellerrandes zu verharren. Das Problem der Designer spürt man in einigen Videos noch heraus (besonders deutlich, wie bereits erwähnt, bei Marine Serre). Herangehen 6., also eine Modeschau abzufilmen, ist natürlich immer eine bescheidene, doch geeignete Ausweichmöglichkeit. Dreh plus Postproduktion kostet Geld, sicherlich, muss aber nicht extrem aufwändig werden. Das Beispiel Rebekka Ruétz‚ zeigt, dass der Mut am Spass, kreative Prägnanz und die Fähigkeit, mit begrenzten Mitteln etwas auf die Beine zu stellen, die eigentlich spannendste Variante für Jungdesigner ist, denn sie repräsentiert, mit überschaubaren Mitteln, noch Bodenständigkeit. Und damit das Versprechen, dass der Abstand zur eigenen Gegenwart möglichst gering ist. Bei Marine Serre erscheint dasselbe Konzept allerdings gescheitert.

Hier die Videos zur Pariser Fashionweek von Montag bis Mittwoch:

Montag, 8. März:

Lanvin – If I Was A Rich Girl… Feat. Eve

https://www.youtube.com/watch?v=e9p9Q1qhr0Y

(3:20) Film director: Helmi

Schiaparelli – Ready-to-Wear Fall/Winter 2021 by Daniel Roseberry

(4:19) Film directed by: Christophe Tiphaine

Agnès b. – hiver 2021

(1:31) keine Angaben

Giambattista Valli – Fall-Winter 2021/2022 Show

(9:58) video art Giambattista Valli

Christian Dior – Disturbing Beauty

https://www.youtube.com/watch?v=j1gn8SoZOFA&t=1s

(10:57) Concept film: Maria Grazia Chiuri

Akris – Fall/Winter 2021 Film

(6:40) directed by Anton Corbijn

Xuly Bët – FW21/22 Film

(4:37) Video director: Alexandre Parizet

Anrealage – Ground

(11:08) Movie Film Director: Tomoyuki Kujirai

Shiatzy Chen 夏姿‧陳 – Time

(10:59) Video: Ordynari People

Mossi – Paris Fashion Week FW21

(7:53) keine Angaben

Balmain – Above & Beyond

(10:53) Directed by Valentin Petit

DIENSTAG, 9. März

Chanel – The Fall-Winter 2021/22 Ready-to-Wear Show

(10:40) Filmdirected by Inez & Vinoodh

Valentin Yudashkin – Fall 2021 Ready-to-Wear

(11:25) keine Angaben

Ann Demeulemeester – Fall/Winter 2021-2022

(10:56) Director: Willy Vanderperre

Paco Rabanne – Womenswear Fall/Winter 2021

(2:56) keine Angaben

TAKAHIROMIYASHITA TheSoloist.

(12:54) keine Angaben

Jarel Zhang – Autom/Winter Collection

(4:39) Film Production: Suhang Jiang

Miu Miu – Brave Hearts

(10:05) keine Angaben

MITTWOCH, 10. März

Kenneth Ize – Fall-Winter 2021

(2:03) directed: Joshua Woods

Louis Vuitton – Women’s Fall-Winter 2021 (im Louvre)

(6:35) keine Angabe

Stand 10.3.2021 15:15

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Screenshots/Vorschaubilder der Netzvideos

Wir setzen die Übersicht der offiziellen Schauen zur digitalen Pariser Fashionweek fort, unkommentiert, jedoch auf Leserwunsch wieder als direkte Links. Hier die Videos zur Pariser Fashionweek von Samstag und Sonntag:

Samstag, 6. März:

Maison Rabih Kayrouz – PARAMOUR

(5:13) Head operator: Matteo Verzini

Kristina Fidelskaya : Fall Winter 21

(7:28) keine Angaben

Victoria / Tomas: COZYRISTIC

(3m21s) Director Boris Feldman

Ester Manas : SOROR

https://www.youtube.com/watch?v=c1lkRqIBvDI

(6:45) Creative Direction: Creative Direction ESTER MANAS BALTHAZAR DELEPIERRE

Altuzarra : Fall Winter 2012

(4:06) Cinematograph by Christopher Davis

Vivienne Westwood : Mayfair Lady AW 21/22

(8:59) Filmed by David Jenewein

Hermès : Women’s Fall Winter 2021 Collection
A Live Performance in three acts

https://www.youtube.com/watch?v=JRlwClEL2y4

(25:18) Video Concepter Étienne Guiol

Elie Saab : Ready-To-Wear Autumn Winter 2021

(10:50) Artistic Director: Neiman Azzi

Anton Belinskiy: Fall-Winter 2021 Collection

(5:25) Director: Anastasia Babenko

Mazarine : Women’s Fall-Winter 2021

(5:31) Art Direction: Hélène Timsit

Lecourt Mansion x Dian & Lediouck – Gourmandise

(2:49) Directed by Marc Ippon de Ronda & Nicola Lecourt Mansion

CALVINLUO: Womenswear Fall/Winter 2021 10.0 the Collection

keine Angaben

ROKH: Omniverse

https://www.youtube.com/watch?v=MvXDRGZe2RE

(14:18) keine Angaben

SONNTAG

Jil Sander: Fall/Winter 2021 Women’s Collection

documented by Stephen Kidd

Dice Kayek: Who Killed Philippe Stone

(8:00) A Film by Marie Schuller

Alexis Mabille : Evening RTW Fall-Winter 2021-2022

Video: Nicolas Menu

Sadaels: „Paraiso“

(9:42) Directed by: Hernan Corera

Thom Browne: women’s & men’s fall 2021 collection

(10:13) director: carissa gallo

Zadig&Voltaire: FW21 SHOW

(7:52) keine Angaben

Jitrois: Fall Winter 2021 – 2022 collection | Digital vision

(4:29) Directed by Celine Rey

Ninamounah: Seduce Me

(7:05) Direction: Florian Joahn

Each x Other: Made for Each Other

(2:00) keine Angaben

WOS: Fall/Winter 2021

(2:55) Video by Christina Abdeeva

Mashama : Calla in The Swamp

(2:21) Director 47 Jasper

Givenchy: FW21 Show

(12:45) keine Angaben

Stand 8.3.2021, 19:56

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