Text und Bilder*: Gerhard Paproth

Paris ist in den Ferien. Und während die Pariser Urlaub machen, fluten unzählige junge Fashionistas die ganze Stadt. Das setzt der nachhaltigen Verjüngungskur des Stadtbildes und -lebens noch einmal eine zusätzliche attraktive Note hinzu, auch wenn man ahnungslos bleibt, was die alle während der Fashionweek die ganze Zeit treiben. Immerhin findet man Fanmassen draußen vor den Locations der großen Fashionshows und die unzähligen, trotzdem meist spärlich besuchten Pop Up Shops kleinerer Modelabels versuchen in der Innenstadt, von diesem Publikum zu profitieren, ein Mysterium bleibt das trotzdem.

„Irgendwie dabeisein“ ist vielleicht eine nachvollziehbare Antwort, die vielen Einkaufstaschen richten die Vermutungen immerhin aufs Konsumieren – die Fashionweek als große Shoppingtour in Paris. Denn selbst für bekannte Influencerinnen und für internationale Presse ist der Zugang zu den Schauen meistens ausgeschlossen und bleibt wenigen VIPs vorbehalten, die ausgesucht eingeladen – und auch dafür bezahlt – werden. Akkreditierungsversuche, das gehört zum arroganten Exclusiv-Nimbus dazu, werden gar nicht erst beachtet oder beantwortet und im persönlichen Gespräch auch gedemütigt. Frankreich liebt das so (und die vielen unbezahlten PR-Praktikantinnen erleben ihre ersten – und auch letzten – Macht- und Hochgefühle im Business). Das war schon immer so und ist Teil der großen Show in dieser Stadt.

Aber die Pariser Fashionweek hat ausserhalb seiner Youtube-Dokus auch demokratische Einrichtungen, bei denen es um die Mode selbst geht und nicht ums Dabeisein, dazu gehört die Modefachmesse Tranoï, wo die international innovativen kleineren Labels sich positionieren und Mode weniger über Image als über pfiffige und zeitgeistige Gestaltung präsentieren und letztlich auch marktfähig machen. Für die aufgeregten Fashionistas weniger, aber für uns ist das allemal die spannendere Perspektive, denn der Hype um Exclusivität und ihre Auftrittsspielchen sind mitnichten das, was zeitgenössische Mode ästhetisch attraktiv macht. Er verhindert den Blick auf die multinationalen Strömungen, auf individuelle Konzepte, auf Eigenwilligkeiten und Trouvaillen. Die kann man hier auf der Messe entdecken, wenn man sich nicht mit dem begnügt, was man da draußen im Show-Publikum zu sehen und zu goutieren bekommt.
Insofern ist die „Tranoï“ eine relativ demokratische Institution im offiziellen Gefüge, spannend und sehr zeitgeistig allemal. Und, erinnern wir uns, auch Namilia entdeckten wir erstmalig in der Popup-Minimesse Dach Showroom (Paris FW SS2020), da waren sie noch Avantgarde.

Diese Saison hat die Modefachmesse Tranoï das offene Konzept zugunsten einer vorangelegten Wegstrecke erneuert, das vereinfacht die Orientierung allerdings nur wenig, wenn man entdeckt, zurückkommt, spontan erkundet. Aber länder- oder kontinentmäßige Gruppierungen sind geblieben und sehr aufschlußreich im System. Neben Kleidung nehmen Accessoires einen großen Stellenwert ein, auch dafür ist die ruhige Betrachtung gegenüber den schnellen Schauen ein echter Gewinn.

Mit all den vielen spezifischen Auskünften der Designer selbst zu den Kollektionen verbleibt mit dem Besuch unterm Strich eine großartige Vielfalt, unaufgeregt aber hochklassig und einfallsreich, deren moderner Zeitgeist allemal realistischer und universaler daher kommt, als ein paar erkämpfte Schauenbesuche. Und die Messe ist groß, das Angebot unendlich – wir zeigen darum wie immer ein paar subjektiv zusammengestellte Beispiele, unkommentiert.

AANRO studio, Ungarn:

ACHI, Ukraine:

ARTAVAZD PARIS, USA:

ANTÙRA, Italien:

CONNADE,Südafrika:

GABRIELE FRANTZEN, Frankreich:

GREVI, Italien:

GUGUBYGUGU, Südafrica:

HESTER VAN EEGHEN, Niederlande:

JLYNCH, Brasilien:

KATA SZEGEDI, Ungarn:

KIRIKO SATO, Frankreich:

LATE FOR WORK, Marokko:

MADISO, Vereinigte Arabische Emirate (Dubai):

MIA PERU, Peru:

MILONA, Frankreich:

NALEBE, Nigeria:

STUDIO NAMNYAK, Kenia:

SARAH MAJ, Marocco:

SENORITA, Großbritannien:

SUSANNE BOMMER, Deutschland:

THE FOUR, Ungarn:

THEA MIKA, Deutschland:

VALTADOROS, Griechenland:

VIVYINROSA, Italien:

ZILLA, Italien:

*Das Vorschaubild ist das offizielle Plakat der Veranstaltung

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Highlight der Seoul-Schau in Paris war DOUCAN, das südkoreanische Label von Chung Hoon, Choi. Farbintensiv und -kontrastierend mit Rot, Blau, Schwarz und Weiß (Farben der koreanischen Nationalflagge) stellte der in Europa noch kaum bekannte Designer seine neue Kollektion „Seoul Night, Light“ vor. Arbeiten mit höchstem Anspruch und reifer Gestaltungskraft, lebendig, delikat und sehr elegant. Wir berichteten schon von der digitalen Schau während der Pandemie von der Seoul Fashionweek 2021 und auch von der ss2022, wo Doucan begeisternde Vorstellungen lieferte und diese Kollektion steht dem in nichts nach.

Das Modelabel Doucan ist in Südkorea auf den Fashionweek-Veranstaltungen längst ein Favorit, weil es auf hohem Niveau asiatischen Stil, elegante Gestaltung und stimmige Verbindung von kultureller Tradition und modernem Geschmack verbindet.  Chung Hoon Choi hat sein Studium am Studio Bercot in Frankreich abgeschlossen und für Modemarken wie Kenzo, Chanel, Givenchy und viele andere gearbeitet. Sein eigenes Label Doucan wurde 2011 in Korea eingeführt.

Ein essentieller Teil des Modedesigns von Doucan ist weitergeführte Tradition von Farbholzschnitt-Motiven und Tuschezeichnungen aus der asiatischen Kultur in Form von Prints, die mit den Silhouetten und der Gestaltungsarchitektur harmonisch verschmolzen werden. Seine Kollektionen zeigen einen großen Variantenreichtum von scheinbar einfach bis hin zu sehr komplex und sind von großer, delikater Eleganz geprägt. Grundlegend für alle ist eine Art Grafik-Look, der sich in der Gestaltung der gedruckten Muster genauso deutlich ausdrückt wie in den Schnitten, bei denen sich die Elemente meist deutlich kontrastierend absetzen. Und da sowohl die Muster (oft abgeleitet aus Kimonoprints) als auch die Schnittarchitektur sehr komplex angelegt sind, ergibt sich oft eine sehr differenzierte Gestaltung der Kleidung am Körper. Bei vielen Teilen gibt es sehr viel zu betrachten, einerseits sind die Prints sehr komplex erdacht und gemacht, andererseits prägen die Schnitte nicht nur deutlich zeichnende Silhouetten sondern auch mit architektonischen Gliederungen in sich pointierte, ungewöhnliche Konstruktionen. Die sind stets harmonisch, weil meist achsensymmetrisch, was auch und besonders bei den Prints eine Systematik in die Komplexität bringt.

Neu an den grafischen Mustern ist die an Batik erinnernde Anmutung, ohne dass sich hippiemäßige Assoziationen einstellen, dafür wirkt das verspielt-Aleatorische dieser Technik hier zu kontrolliert. Chung Hoon Choi bringt die aufgeregten Prints in systematische Ordnungen, meist achsial, vertikal oder horizontal orientiert. Dabei entwickeln die harten Kontraste der grafischen Motive eine kraftvolle Präsenz (wie man das von japanischer Grafik kennt), intensiv und zugleich formal gebändigt. Das alles führt zu einem ausgewogenen und zugleich sehr lebhaften Ganzen, bei gleichzeitiger Akzentuierung kontrastierender Teile und pfiffiger Gestaltung im Detail.
Der Designer nutzt alle verfügbaren Kontrastierungen der gestalterischen Mittel, hart und weich, spitz und abgerundet, groß- und kleinteilig, offen und geschlossen, quasi immer findet man in einem Outfit diese Gegensätzlichkeit gleichzeitig, das macht – im klassisch ästhetischen Sinn – spannend und ausgewogen.

Und das Design, dem ursprünglich die Fläche zugrunde liegt, wird nun auch als skulpturale Erscheinung gedacht und gebaut.

Alles zusammen genommen ist stets eine auf die weibliche Figur gerichtete Konstruktion, die jede Plattitüde ausschließt. Die Leidenschaft des Designers für geometrischen Aufbau evoziert in seinem klaren Gestaltungsdenken die asiatische Grundlage ästhetischer Intensität. Diese Souveränität im Knowhow und Gespür und ihre Verbindung mit westlicher Designgeschichte ist, man merkt es schon, aus unserer Sicht ungewohntes, sehr hohes, künstlerisches Gestaltungsniveau, Modedesign mit klassischem Können modern gemacht. Und auch handwerklich ganz im ursprünglichen Sinne Haute Couture.

Zu dieser Kollektion „Seoul Night, Light“ gibt DOUCAN – Après La Mousson noch ein paar Auskünfte: „Seoul ist eine Stadt der Nacht. Die Nächte in Seoul sind immer voller Energie und hell mit Licht. Die Ducan-Kollektion 2022FW wurde von der Dunkelheit der Nacht in Seoul und dem Licht inspiriert, das die Nacht auf großartige und schöne Weise erhellt. Die lineare Struktur von Seoul und die dynamischen Straßen dazwischen werden in einer experimentellen Silhouette mit einer kühnen Mischung aus Kurven und geraden Linien verkörpert, und die verschiedenen Lichter der Nacht von Seoul werden in farbenfroh glänzendem Stoff rekonstruiert. Die Kollektion ist dunkel aber hell, stark aber weich, mit einer einzigartigen statischen und dynamischen Sensibilität, als ob Nacht und Licht koexistieren.“

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der Labelname WNDERKAMMER der Designerin Shin Hye Young bezieht sich auf die Räume des Barock, die Objekte und Kunstwerke in ihrer unterschiedlichen Herkunft und Bestimmung präsentierten (ursprünglich Kuriositätenkabinette). Sammlungen verschiedenster, ungewöhnlicher Gegenstände und Bilder, die in der Kombination der Verschiedenheiten bzw. Unzusammengehörigkeiten stetes Erstaunen auslösten und auch gerne exzentrische Anschauungsweisen vorführten. (Sich ein Panoptikum anzulegen und Gäste damit zu unterhalten war im barocken Bürgertum der Niederlande große Mode.)
Das Designerteam hat dieses Konzept als Gestaltungscredo übernommen mit dem gleichzeitigen Ziel, dies in seinen Kollektionen jeweils in eine zusammenhängende Linie zu überführen, also das Disperate stilistisch zu einen. Formal geschieht dies durch minimalistische Silhouetten, organische Materialien und saubere Details, die vorgefundene Besonderheiten auch konkurrierend in Spannungsfelder bringen.

Soweit ist das ein schwieriges Konzept, Auseinanderstrebendes zu vereinen – quasi eine Objekt- Material und Mustercollage, die aber auch zu einem Ergebnis von Vielfalt, Nebeneinander von Attraktionen und Anwandlungen von Extraordinärem führt, dessen neugierige Betrachtung Spass macht. Letzteres ist ja nicht immer der Anspruch (noch aktueller) konstuktivistischer Modegestaltung, die oft aus der Schichtung der Widersprüchlichkeiten eher einen widerständigen Reiz ziehen will.

Die häufige Betonung des Bauchfreien in der Kollektion addiert den Frauenkörper als zusätzlichen Reiz hinzu, ohne eigentlicher Sexyness zu viel Bedeutung beizumessen, wie das schlichte, eher zurückgenommene Make-Up das auch widerspiegelt. Man kann damit durchaus den Eindruck haben, dass sich die Gestaltung um eine recht zeitgemäße Sicht auf weibliches Selbstverständnis dreht, der Generation der Mittzwanziger bis Mittdreißiger, die mutig ihre Individualitäten und Betrachtungsmodi expressiv und zugleich spielerisch herausstellen will.

Der Pressenotiz zufolge fühlte sich Shin Hye Young von dem Poeten Yoon Dong-joo („On the Street“) inspiriert: „Ein Poet, der nicht mit Stil geizt, mit dickem Wollmantelkragen und in die Tasche gesteckten Händen. Er geht in einer verschneiten Winternacht mit dem vom Mondlicht erzeugten Schatten als Freund spazieren.“ Auch daraus kann sich eine sehr eigene, reiche und weibliche Vorstellung entwickeln.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die zweite Show bei Tranoï bestritt das Label LIE von Chung Chung Lee, das sich auf Maskulin-Feminin-Dualität bei Woman’s-Wear konzentriert. Weniger mit asiatischem Nimbus als mit internationaler Prägung sind die bisherigen Erfolge der Marke auch breiter. Diese Kollektion ist von Après-Ski-Lifestyle inspiriert, quasi als Aneignung oder gefilterte Reflexion eines westlichen Kulturbildes.

Après-Ski wird als eine Form von europäischem Lifstyle verstanden, im Sinne von Party, Nach-Ski-Erholung und Naturverbundenheit. Schnitte, grafische und durchlaufende Muster und Silhouetten sind aus Archivbildern abgeleitet und dazu – in Zusammenarbeit mit dem Parfümhaus 21G entwickelt – sogar ein Geruch sollen die Wälder in den Alpen evozieren und für jedermann/jede Frau ein eigenes, imaginiertes Après-Ski-Feeling bereit halten.

Darüber hinaus soll erwähnt werden, dass LIE diese nachhaltige Kollektion mit Upcycling und ökofreundlichen Materialien und Techniken (mit Yuri Neon) hergestellt hat, um gerade diese schöne Natur dauerhaft zu erhalten.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Teilnehmende Designer der Seoul Fashionweek waren von der Trade Show Tranoï eingeladen, vier von ihnen konnten darüber hinaus eine Laufstegschau präsentieren. Eine gute Wahl, denn auch nach unserer Beobachtung ist die Fashionweek Seoul auf hohem und spannendem Level und viele Protagonisten können es locker mit dem aufnehmen, was die als Stars gefeierten Designer in Paris oder New York vorführen. Umso mehr, wenn die Fundamente traditionell asiatischer Ästhetik nicht an amerikanische Beliebigkeiten verraten werden, kommen geschmacklich sehr subtile Modernismen auf den Laufsteg, die auch über viele Saisons hinweg tragfähig sind.

Das Label EENK der Designerin Lee Hyernee steht den endlosen Zyklen schneller  Wechsel ebenfalls entgegen und versteht sich eher als „Collectables“. Dabei folgt originellerweise die Inspiration zu jeder saisonalen Kollektion dem nachfolgenden Buchstaben des ABCs und versucht dabei, die Basics mit zeitgemäßen Anschauungen zu verknüpfen. Diese Saison ist das V Ausgangspunkt und soll für Vintage stehen. Die daraus abgeleitete Idee ist der Bezug auf kraftvolle Eleganz in Kombination mit majestätischer Glamour der 80er Jahre des Vogue-Magazins. Der EENK-Stil benutzt die Schnitte und Farben sowie noch härtere Schwarz-Weiß-Kontraste, grobe Strickware, „denim on denim“, traditionelle Jacquart-Muster und, bei Männern,  Juwelenknöpfe, illusionäre Farben für Dreiteiler und Military-Kleidung. Und gleichzeitig schimmert ein Touch Disco-Charme mit durch.

Der unbelastete Mix verschiedener Strömungen und Ideen jener Epoche schafft gleichwohl völlig neue Bilder, eigentlich fließen tatsächlich nur inspirierende Elemente ein, frei neu kombiniert, ohne das ganze Styling der Ära neu herauf beschwören zu wollen. Das sah, wenn wir uns erinnern, ganz anders aus und vertrat auch eine andere Ideologie.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Fashionweek Paris aw 22/23 hat Glück: sonniges Wetter, weniger kalt als hier und momentan weniger Einschränkungen durch die Pandemie. Die großen Häuser plakatieren wieder die Stadt zu. Und die Medien freuen sich über ein schöneres Thema. Die Pariser Trade Show Tranoï (Women) fand nun wieder in größerem Ausmaß statt – wenn auch nicht so umfangreich wie vor der Pandemie. Aber attraktiver konzipiert. Schöne Orte hatte sich die Messe schon immer ausgesucht, dieses Mal war die frühere Pariser Börse, das Palais Brongniart, ein besonders schönes Ambiente und die Gesamtpräsentation besonders ansprechend gegliedert. Über eine weite Etage erstreckte sich die Ausstellung, in ihrer Mitte vorwiegend Accessoires und Schmuck, in angrenzenden Räumlichkeiten Sonderpräsentationen von Seoul/Korea und Italien.

Der Krieg in der Ukraine hat, soweit wir mitbekommen haben, die Pariser Modewoche nur sehr wenig beeinflusst, hier bei Tranoï war immerhin der Stand von Litkovskaya (Ukraine) sehr auffällig dekoriert. Die Designerin konnte ihre Kollektion nicht mitbringen und stellte sie in Form abrufbarar QR-Codes aus. Anschaulicher waren die Wandflächen mit angepinnten Fotos aus ihrer Heimat, in diesem Umfeld drehten sich durchaus viele Gespräche um die Situation und auch weiterreichend an den Ständen aus den Nachbarstaaten wie zum Beispiel Georgien.

Litkovskaya

Der allgemeine Trend zu nachhaltigen Produkten, besonders das Material betreffend, wird in fast allen Stand-Gesprächen unterstrichen und spezifisch erklärt, die ästhetische Innovationsfreude berührt das hier aber wenig. Viel manuelle Arbeit, nicht nur bei der Kleidung sondern besonders bei den reich vertretenen Accessoires führt dementsprechend auch zu pfiffigen und eleganten Ideen. Materialien und Oberflächen bei der Kleidung zeigten einen Trend zu weichen, mollig-flauschigen Stoffen, bei gleichzeitiger Abkehr von schlicht-neutral reduzierten Schnitten. Und bei den Accessoires zu reliefierten bzw. aufgetragenen Oberflächen und ausgefalleneren Formgebungen.

Die besonders thematisierten Bereiche Italien und Südkorea stellten nur wenig Ländercharakteristisches heraus, leider. Sogar bei unserem Favoriten Doucan war der asiatische Touch weniger ausgeprägt als es bei seinen Fashionschauen in Seoul anmutete. Aber an einigen Ständen auf der Messe war der kulturelle Herkunftsort dann doch erspürbar, so zum Beispiel die Herstellung der Kollektion der Rara Avis Gruppe im Iran.

Die Tranoï-Messe hatte dieses Jahr sogar eine größere Laufsteg-Schau im Programm (wir werden später berichten), und zwar mit den Designern aus Seoul. Eigentlich eine gute Erweiterung im Rahmen der Fashionweek, gerade weil der ambitionierte Ansatz sich neben den üblichen Pariser Starrummel stellt; die ausgeprägte Ignoranz und Arroganz, die wir sonst bei Pressestellen von Fashionschauen in Paris kennen, hat aber leider auch hier die Arbeit des Presseteams ergriffen, was schon im Vorfeld die Sympathie für die Veranstaltung beeinträchtigt. Insofern hat die sonst vorbildliche Arbeit von Tranoï noch erheblichen Verbesserungsbedarf, mussten wir leider feststellen.

Über Hundert Designer stellten dieses Mal aus, wir stellen in frei-subjektiver Zusammenstellung nur einige interessante Spotlights heraus, es waren zu viele, um alle vorzustellen und zu kommentieren.

Accessoires

PIPATCHARA:

COCHAINS:

ZMAI:

ALPO GUANTI:

ALEX DE PASE:

Kleidung

DAVID TLALE:

LOUISE MARCAUD:

NARGES TAFI:

CHATSMA:

RARA AVIS:

CELINE KWAN:

SUSANA BETTENCOURT:

GUIDO VERA:

Sonderbereich Italien

SARTORIA 74:

CHIARA PERROT:

ARTIGIANO DEL GUANTO:

MAISON APNOEA:

Sonderbereich Seoul

BMUET(TE):

BONBOM:

EENK:

BEYOND CLOSET:

WNDERKAMMER:

DOUCAN:

C-ZANNE:

SEOKWOON-YOON:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Der große Effekt ist in Paris eher ausgeblieben, obwohl die Modewelt darauf spekulierte, mit authentischen Liveshows wieder in dem Mittelpunkt zu rücken. Die Einbußen in diesem Sinne waren ja beträchtlich gewesen, mit den pandemiebedingten Reiseverboten, reduzierter Publikumsbesetzung bei Liveshows und weniger spektakulären Digitalpräsentationen der letzten Saisons. Ersteres hatte besonders die asiatischen Labels betroffen, die aber jetzt noch nicht in voller Präsenz wieder in die Modehauptstadt angereist sind. Immerhin waren die Starts großer Labels wie zum Beispiel Dior (Grazia Chiuri) farbenfroh ausgerichtet, mit Rückgriffen auf sonniges Italien der 60er und lockerer Freiheit der Frauenmode. Ähnlich bei Yves Saint Laurent mit einem Rekurs auf die Ära Paloma Picasso. Dieser Esprit konnte die Szene schon etwas auffrischen, aber echt Neues kam nach unserer Beobachtung ansonsten nicht spektakulär daher.
Im Gegenteil, statt der üblichen Sternstunden auf den Laufstegen wurde sogar die Newcomerin mit den tiefgelegten Ansprüchen, Marine Serre, zum Beispiel in Le Monde besonders herausgestellt, mit einem Konzept um einfaches Kochen und Essen herum, simpel und anspruchslos, stattdessen ökobewußt überfrachtet.

Etwas interessanter erschien uns das Stöbern auf der Trade Show Tranoï Paris Women’s September 2021, die aber diese Saison auch noch sehr geschrumpft daher kam, zwei Räume im Palais de Tokyo statt wie früher zwei ganze Gebäude. Zehn Labels wurden von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode beigesteuert, etwa 50 waren insgesamt präsent. Die eigene Präsentation der Fédération entfiel mit dem Zusammenschluss der beiden Newcomerformate dieses Jahr.

Ein paar neue Labels fielen uns besonders auf, die hier noch keine Erwähnung fanden. Besonders KARIMA, ein griechisches Label von Kalliopi Karavassili, das sich auf reine Handarbeitsstücke spezialisiert, aus edlen Materialien wie Seide aus Soufli. Jedes Einzelstück ist ein kreatives Unikat, alle feiern elegante Sexyness und komplizierte Knüpftechniken – verbunden mit einem Hauch von Folklore. Wenn die Sachen über andere Kleidung getragen werden, also eher ohne den starken sexy Impact, teilt sich das kreative und handwerklich raffinierte Konzept noch immer mit.

Überraschend sexy tritt auch die Kollektion von IHAB JIRYIS auf, wenn man bedenkt, dass der Designer in  Nord-Palästina arbeitet. Seine elegante Kollektion mit avantgardistischem Touch wurde letztes Jahr bereits auf der Arab Fashionweek gefeiert. Mit diversen Abschlüssen im Modedesign blickt er auf eine sehr fundierte Ausbildung zurück und focussiert sich auf Abendmode und exquisite Couture-Kleider.

LEAFY Natural Couture ist ein Label, das sich seit 2008 mit einem sozialen Projekt in Brasilien verbindet. Die Teile der Kollektion werden von Müttern, die in kleinen Fischerdörfern in Südbrasilien leben, sorgfältig aus handgesponnenem Seidengarn handgefertigt und mit organischen Pigmenten (wie Matekraut, Eukalyptusfasern, Kaffee und Urucum) gefärbt – damit soll die Kultur der traditionellen Handwebtechniken gefördert und bewahrt werden. In Verbindung mit sehr kreativem und zeitgenössischem Design ist diese Kollektion von bestechender Schönheit.

Bei der steten Recherche nach neuen Technologien und Kunsthandwerk ist die Designerin des Labels ARMINE OHANYAN PARIS auf den Künstler Kiichiro Ogawa gestoßen und hat mit ihm ein fantastisches Projekt (Collection No Season III – Edition limitée) für Hosen, Shirts Jacken und Mänteln kreiert, dazu Kleider: dynamische Grafik auf strenge Schnitte beziehungsweise Silhouetten in Beige wachsen zu einer tollen Kollektion zusammen. Außerdem ein Segment (hier nicht gezeigt) bestehend aus grauen und taubenblauen Stücken ähnlicher Formen, aus denen aber Reihen aus Rechtecken herausgestanzt sind. Insbesondere der erste Teil besticht durch seinen Kontrast der freien Bewegung und der streng beherrschten und reduzierten Form und der Farben Beige mit Schwarz in der eindeutig japanischen Charakteristik.

Das Label ZILLA aus Bolzano, Italien, entwirft knittrige oder flauschige Taschen von eigenartig elegantem Reiz. Die Oberflächen sind oft auffällig, leuchtend, manchmal sogar irisierend. Besonders die Futter sind so ausgelegt, um das Auffinden der Inhalte zu erleichtern. Die Designerin Sylvia Pichler liebt pragmatische Anliegen für die Nutzung, Verwandelbarkeit und haptische Qualität. Laminiertes Leder oder Nylon sind häufig genutzte Materialien. Einige weitere kleine Accessoires wie eine Handytasche, ein Schlüsselanhänger, ein Schlüsseletikett und ein Hut wurden dieser Saison hinzugefügt, um die Kollektion zu vervollständigen.

Der Abschnitt „Designer Collection“ präsentiert je ein Stück der von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode („designed by Alkeon“) ausgewählten Designer:

AVEC LE VENT:

THE STOLEN GARMENT:

ENFIN:

INGOROKVA:

OQLIQ:

TATA CHRISTIANE:

Für den März des kommenden Jahres hoffen wir dann wieder auf ein breiter gefächertes Angebot der Trade-Show, die – das ist der Vorteil zu den gebotenen Laufstegschauen – mehr Geheimtipps vereinigt, als das sensationsheischende Hauptprogramm. Wenn auch nicht so exclusiv und so exquisit und für uns bildmäßig nicht so exzellent.

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Erschienen bei Matthes & Seitz, Berlin 2021

Text & Artikelbild: Boris Marberg

Im Umfeld der Pariser Modeszene hat die Anthropologin Giulia Mensitieri treffsicher und reflektiert die Modeindustrie unter die Lupe genommen. Dabei analysiert sie die Mechanismen der neoliberalen, kapitalistischen Denkweise mit ihren Ambivalenzen und wie sich diese in der Modeindustrie zeigen.

Das Buch ging aus Mensitieris Dissertation in den Fächern Sozialantropologie und Ethnologie bei Michel Agier und Jonathan Friedman hervor, erschien 2018 auf Französisch und liegt nun in einer Übersetzung ins Deutsche von Lena Müller vor.

Der Autorin gelingt es ihre persönlichen Erfahrungen in der Branche und die Erfahrungen ihrer Protagonisten auf anschauliche Weise lebhaft und nachvollziehbar darzustellen. Gleichzeitig bringt sie diese Erfahrungen in einen größeren Kontext. Dabei steht die Ambivalenz der Beziehungsgeflechte und das Wertesystem in der Modeindustrie im Vordergrund. Immer wieder arbeitet Giulia Mensitieri heraus, dass es Verhaftungen ideeller Art sind, die zu Abhängigkeiten, Zwängen und schlussendlich durchgängig zu einem Heer an prekär in der Branche arbeitenden Menschen führt. Das System „Mode“ bleibt dadurch am Laufen.  Das perfide System von (Selbst-)Ausbeutung und Realitätsverlust verschiebt hierdurch den materiellen Erfolg hin zu den Konzernen. Motor dieser Entwicklung ist der Traum kreativ dabei zu sein und an einer Welt teilzuhaben, die eine Verheißung von Wohlstand und Prestige verspricht.

Dabei betrachtet die Autorin unterschiedliche Bereich der Mode. Sie beschäftigt sich mit der Haute Couture, der High-Fashion und den jeweiligen Differenzierungen im Luxussegment. Sie analysiert diese Industrie aus verschiedenen Blickwinkeln, zum Beispiel betrachtet sie die Näherinnen in den Ateliers der großen Häuser in Paris und kleiner Modehäuser, deren Belegschaften quasi nur aus unbezahlten Praktikanten bestehen. Daneben schaut sie Fotografen und Stylistinnen über die Schulter, die zwischen Luxushotel und Sozialwohnung pendeln. Neben diesen Personen stehen Modelle, welche ihre Schulden bei ihren Agenturen abarbeiten. Auf der anderen Seite skizziert sie die anonymen Kundinnen, deren einziger Lebensinhalt der Konsum und das Ausgeben von Geld ist, welches Ihre Ehemänner beispielsweise in der Finanzindustrie erwirtschaftet haben.

Immer wieder stellt Giulia Mensitieri klar, dass ihre Kritik sich gegen die ungebändigten Mechanismen des neoliberalen Kapitalismus richtet. Diese Mechanismen äussern sich ihrer Meinung nach in einem Weltbild des Sich-selbst-Aufopferns für eine vage Chance auf Luxus und Prestige. Hieran scheitern schlussendlich die meisten ihrer Protagonisten. Mensitieri arbeitet dabei konsequent viele Teilaspekte heraus, u.a. dass zu viele Modedesigner an den Hochschulen ausgebildet werden und der Markt diese Absolventen nicht in dieser Anzahl benötigt.

Einige wesentliche aktuelle Aspekte der Modeindustrie werden nur am Rande aufgegriffen. So werden die Mechanismen und die Dynamik der Fast-und Ultrafast Fashion des Volumenmarktes nur gestreift. Gerade dieses Segment hat grosse Auswirkungen auf die Umwelt und die sozialen Verwerfungen in der Produktion der Bekleidung. Ebenso kann das Buch noch nicht analysieren, in welcher Art die digitalen Medien und sozialen Netzwerke die Wahrnehmung von Luxus-Leitbildern und Luxuszwängen entfremden und Realitätswahrnehmungen verschieben (der Influencer). Alles ist beschleunigt und katalysiert. Hier bringt das Buch Gedanken ins Rollen, die weiterentwickelt werden müssten, um die Gesamtproblematik der Modeindustrie als Traumwelt und Traumfabrik aktuell zu verstehen. Das Werk der Autorin ist auf jeden Fall sehr empfehlenswert und schärft den Blick auf die Mechanismen dieser Industrie sowie auf das Leid, welches sich hinter den Kulissen findet.

(redigiert 27.5.)

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die vom Berliner Senat geförderte Showroom-Veranstaltung DACH zu den Fashionweeks verteilt sich, noch real, in der Fashionweeksaison auf mehrere große Städte, angesichts der Tatsache, dass Reisen zu Pandemiezeiten ja problematisch bis unmöglich ist. Die Showzeiten sind entsprechend versetzt, aber dennoch reisen nicht alle teilnehmenden Kollektionen in alle fünf Städte, leider, die Label-Präsenzen sind verschieden gemischt.

Die per Jury zusammengestellte Gruppe, die diese Saison insgesamt vertreten ist, besteht aus #Damur, Aline Celi, Esther Perbandt, Franzius Hänska, Johanna Gauder, Marcel Ostertag, Perlensau, Schmiede Bosslau und Starstyling. Angeschlossen aus Österreich (AFA Agency) sind Florian Jewelry, Güç, Margaret and Hermione, Miyagi, Modus Vivendi, Scotria und aus der Schweiz (Mode Suisse) Luca Xavier Tanner, Yvy.

Paris wurde nach Berlin verlegt und die Teilnehmerzahl auf neun reduziert. Parallel zum realen Ort präsentiert sich der DACH Showroom auch im Internet, aber leider funktioniert da nicht alles.

Was man normalerweise bei der Großauswahl in Paris sieht, hat auch nur immer einige wenige Highlights, der Rest oszilliert meist im Mittelmäßigen, vorsichtiger formuliert im stark kommerziell Ausgerichteten. Jetzt, wo nun also der Showroom in Berlin (statt Paris) auf vergleichsweise wenig Designer zusammengezogen wurde, merkt man diese Verhältnisse schon deutlicher, umso mehr, als einige Fashion-Highlights wie Esther Perbandt stattdessen in Tokyo zeigen. Kurz, für lokale Einkäufer sicherlich eine durchaus attraktive Auswahl, für die Suche nach innovativer Gestaltung eher wenig spannend. Der Schwerpunkt liegt ohnehin mehr auf nachhaltigen Konzepten.

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Im Zentrum des Showrooms zeigt Damur eine große Kollektion und, wie immer, hat Shih-Shun (Damur) Huang der Gegenwart wieder das Aktuellste abgeschaut, was er so direkt wie es geht umgehend in Kleidungsgestaltung umwandelt. Und im Handumdrehen in Taiwan produzieren läßt. Lieferzeit: ein paar Tage. Und was ist das Aktuellste für uns? Richtig, Pandemie mit Masken, betrifft jeden! Wenn Mode ihrem ursprünglichen Anspruch folgt, so dicht und pointiert up to date zu sein wie möglich, dann ist das bei Damur der Fall. Nach seiner Philosophie ist kein aktuelles Thema unverwertbar für Mode. Schlagkräftige Begrifflichkeiten dürfen auch nicht fehlen: Schon auf der SS21 Taipei Fashion Week zeigte er im Oktober 2020 diese, seine achte Kollektion mit dem Titel “008 Epidemic-Free Fashion Era” in Kollaboration mit der Kalifornischen Marke Brothers Marshall. „Pandemie-sichere Travelwear“, wie immer in plakativem Design, unkomplizierten Unisex-Schnitten und jetzt aus dünnem Maskenstoff, der mit zusätzlicher Beschichtung wasserfest gemacht wurde. Reinigung: nur mit kaltem Wasser abwischen. Damurs Überzieher der Gegenwart zeigen, was angesagt ist in diesen Zeiten (und dass man damit voll dabei ist).

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Die Bademode von Margaret and Hermione ist vom Erscheinungsbild her wenig ungewöhnlich oder attraktiv, eher betont neutral. Aber das Material ist ungewöhnlich, statt aus Polyamid bestehen die Teile aus recycleten Fischernetzen: „Nach langer Recherche bin ich auf die Fischernetze gestoßen und fand das eine sehr schöne Geschichte: aus dem Meer zurück in das Meer“. Ein gutes Beispiel für Produktphilosophie, die den Geist der Dinge und die ideologische Haltung über den Gestaltungsauftrag stellt: „Man sollte nichts machen, was einfach nur schön oder gefällig ist.“

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Auch die Produkte des Berliner Taschenlabels HÄNSKA sind von Nachhaltigkeit geprägt, besonders der Baumwollschulranzen fällt auf. Hier ist aber Design des praktischen Nutzens mindestens gleichwertiger Anspruch, wenn auch nicht Chic und Eleganz verpflichtet, sondern eher zurückhaltend.

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Arbeitskleidung als Mode zu kreieren ist das Anliegen von Luca Xavier Tanner (Schweiz). In Assoziation mit Beuys und vielleicht auch Jonathan Meese ansprechend entwickelt er pragmatische Unisex-Kleidung für Künstler: Die „Teile der Kollektion sollten auch in der Lage sein, einen kreativen Menschen bei seiner täglichen Arbeit zu begleiten. Die Funktionen einer Utility-Jacke werden aufgegriffen und in die Kollektion integriert. Teile sollten den Träger bei seiner Arbeit unterstützen – nicht behindern. Viel Bewegungsfreiheit ermöglicht auch das Arbeiten auf dem Boden …“ teilt der Pressetext mit. Auch hier steht der pragmatische Anspruch für das ästhetische Konzept, immerhin bekommen manche Strukturmuster ein reizvolles Eigenleben. Wenn Bildende Künstler als ein Marktsegment für Mode erkannt werden oder als Protagonisten, gibt das jedenfalls zu denken.

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Das Wiener Strickwaren-Label Modus Vivendi bietet im eigenen Atelier (hand-)gefertigte Kleidung, teils mit eleganter Note, teils sehr lässig im Design, teils als bewusst plumpe Homewear.

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Der deutsche König der begleitenden Botschaften in der Mode, Marcel Ostertag, kann auch in dieser aktuellen Kollektion nicht gerade mit gutem Geschmack oder ausgefeiltem Stil punkten. Einige weniger auffällige Mäntel aber sind durchaus gelungen im Schnitt und gehen als lässig und für sich stimmig noch durch. Immerhin legt der Modemacher Wert auf nachhaltige Produktion, hochwertige Materialien und faire Produktionsbedingungen. Dies, und dass Ostertag seit Beginn der Berliner Fashionweek dabei ist, mag Kriterium für die Jury gewesen sein, ihn hier als repräsentativ auszuwählen. Seinen Kollektionen hat man eine gewisse Classe aber nie angesehen, so auch nicht dieser.

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Sogar das Wiener Unterwäsche-Label Miyagi setzt in erster Linie auf Nachhaltigkeit. Less-Waste ist der Begriff, der hier fällt. Die Wäsche ist weich und komfortabel. Gestalterisch schwanken die Teile eigentümlich zwischen Sexyness (Highwaist-Panties und Cut-Out Bras) und eher biederer Häkelapplikation sowie groben Formen.

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Rudolf, ebenfalls aus Wien, stellt “langlebige Stücke aus natürlichen Materialien her, die in Wien immer pflanzengefärbt werden.“ Also auch dieses Label stellt wesentlich heraus, „in punkto Ökologie, Nachhaltigkeit und sozialer Verantwortung neue Wege zu gehen.“ Gestalterisch sind die breiten Streifen auf den sehr schlicht geschnittenen Teilen allerdings durchaus attraktiv und kontrastreich, wenn auch in den farbigen Varianten eher gedeckt und zurückgenommen.

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Schmiede Bosslau ist ein Schmucklabel, das so heißt, weil der Werkstattvorläfer vor 7 Generationen eine Schmiede war. Dies zu wissen erklärt die teilweise rustikalen Rückgriffe des Designs parallel zur handwerklichen Faszination der Schmuckdesignerin für japanisches Kunsthandwerk. Handgemachte Maschinen, handgemachter Schmuck und Rohstoffe wie faires, recyceltes Silber, Gold und Messing sind auch hier eine nachhaltige Ausgangsbasis, mit der Susann Bosslau „einen bewussteren Lebensstil inspirieren“ möchte, der den Schwerpunkt auf die Bewertung perfekt unvollkommener Details, Qualität, Tradition und Handwerkskunst legt. Es gelingt ihr (teilweise), dieses Anliegen in eine ästhetische Qualität zu überführen, die über Öko-Touch hinausreicht. Dies, muss man einschränkend hinzu fügen, betrifft aber leider nicht alle Schmuckstücke: die kindischen Smiley-Herzchen wirken eher wie ein Verrat an dieser eigentlich anspruchsvollen Zielvorstellung.

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Aline Celi sucht sich auch in Paris einen Namen zu machen, dabei bedient sie allerdings eher konventionelle Geschmacksorientierungen. Dennoch gelingen ihr stets ein paar auffällige Akzente und sehr weibliche, akzentuierende Schnittentscheidungen, Musterapercus und kleine, kesse Wagnisse, die etwas herausstechen. Vorteilhaft ist, dass viele ihrer Entwürfe auch weniger schlanke Größen berücksichtigen und da auch funktionieren. Das abgebildete Kleid und andere sahen wir allerdings schon vor einem Jahr in ihrer Kollektion  – insofern gibt es da wohl nichts Neues für die Saison aw2021 zu berichten.

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Unterm Strich bleibt festzustellen, dass fast alle teilnehmenden Designer des DACH-Showrooms in Berlin Nachhaltigkeit (oder Weltbilder) als entscheidendes Wesensmerkmal für ihre Kollektion herausstellen. Die modische Gestaltung tritt hauptsächlich in den Dienst dieser Prämisse und es gelingt deswegen noch immer nicht, nachhaltige Mode aus dem Nimbus des „Alternativen“ zu befreien. Dabei belegt der Blick auf die Pariser Fashionweek sehr wohl, dass die Labels mittlerweile fast alle umgedacht haben oder zumindest im entsprechenden Wandel sind, ohne dafür den übergreifenden ästhetischen Anspruch aufzugeben.
Man kann vermuten, dass die hier gezeigten Labels den lokalen oder nationalen Raum nicht werden überwinden können und darauf setzen müssen, dass ihren Kunden die Demonstration ideologischer Ausrichtung wichtiger ist, als eine geschmacksgeprägte Umwelt mit optischer Attraktivität und der Freude daran.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Vorschaubilder der Netzvideos

Hier nun die letzte Playliste der offiziellen Schauen zur digitalen Pariser Fashionweek aw2021. In dieser nun ziemlich vollständigen Übersichtsfassung wird deutlich, wie wichtig und wie etabliert die Gesamtveranstaltung ist, wie Alteingesessene und Neue Labels sich vermischen und auch modekonzeptuell ergänzen.

Besonders spannend empfinden wir dabei neben den modischen Orientierungen und Innovationen die medialen – also filmischen – Entscheidungen, denn auch hier ist die Spannweite sehr groß. Das betrifft einerseits die Qualität der Machart, die nicht nur vom Budget abhängt sondern auch wesentlich vom kreativen und aufgeschlossenen Esprit der betreffenden Labels und kreativen Leitungen. Der geschlagene Bogen von Marine Serre bis Louis Vuitton repräsentiert durchaus The State Of The Art.

Es sind, das überrascht aber nicht wirklich, oft die großen Modehäuser, die eben nicht auf Haustradition in der Präsentation setzen, sondern mit kreativ erdachten Filmchen noch Maßstäbe setzen, weit über die Modevorlagen hinaus. Sie greifen sich nämlich schnell die jungen Kreativen aus dem Nachwuchsmarkt und übergeben ihnen Chancen und Verantwortung. Ganz französisch ist das nicht, insofern ist hier die Mode in Frankreich unternehmensphilosophisch in einer Vorreiterposition. Dennoch setzt die Philosophie der französischen Modehäuser noch auf Exklusivität des Luxus bei den Schauen. Diese fällt nun weitgehend weg und der Verlust des Ausschlussverfahrens im Onlineauftritt macht den Blick der Brancheninsider, letztlich auch aller Interessierten frei und erlaubt endlich eine objektive Gesamtsicht. Das ist durchaus ein Gewinn. Ob der gewünschte Exklusivitätsnimbus damit insgesamt leidet, ist noch offen. Vielleicht sind nunmehr neue Standards gesetzt, wenn die realen Schauen zurückkehren, auch wenn viele bereits vorher ihre Schauen nachträglich im Netz gezeigt haben.

Interessant ist die Beobachtung, inwieweit ideologische Trends (also Nachhaltigkeitskonzepte) ihren Platz dabei finden – gerade aus deutscher Perspektive. Man muss vielleicht einsehen, dass weltanschauliche Unternehmensphilosophie sich schwer als überzeugende Triebfeder fürs Gestalterische einspannen läßt, so wichtig wie die Nachhaltigkeitsstrategie auch ist. Die Präsentationen zeigen nun vielmehr, dass es klüger scheint, moralische Kategorien da herauszuhalten und eben nicht gerade damit prahlen zu wollen. Wenn Labels darauf setzen, dass sich in diesem Sinn „anständige“ Verfahren und Entscheidungsgrundlagen auch so herumsprechen, dürfte das für ein besseres Image sorgen, als das Vor-sich-hertragen ökologischer Grundüberzeugungen. Darüber werden einige deutsche Labels noch nachdenken müssen, wenn sie z.B. in Frankreich mitspielen wollen. Ein gutes Beispiel dafür sind vielleicht Lisi Herrebrugh und Rushemy Botter: Gestartet mit einer ökologisch geprägten Kollektion in Hyères, die allerdings auch sehr viel Lebensfreude, Buntheit, Witz und Naivität ausstrahlte, arbeiten sie nun, nur kurze Zeit später, verantwortlich für Nina Ricci. Und stellen eine Kollektion vor, die sicherlich die ökologischen Grundhaltungen der frisch gebackenen Direktoren nicht über Bord wirft, sondern nach außen den Ideenreichtum und die Schrägheit der Gestaltungsästhetik sprechen lässt, im Kontext des entsprechenden Niveaus des Hauses. (Näheres wissen wir allerdings nicht – wir werden bei nächster Gelegenheit das Paar dazu befragen.)

Einige grundlegende Darstellungsmodelle haben wir bei den vielen Filmchen gefunden:
1. Befindlichkeiten, die hauptsächlich in Filmstimmungen übersetzt werden (z.B. TAAK).
2. Verortungen im aktuellen gesellschaftlichen Kontext, die auch mit stereotypen Zeichensystemen formuliert werden (z.B. Sankuanz).
3. Launige Erlebnisclips, mit vielen schnellen Schnitten, Abwechslungsreichtum, erzählerischen Situationsschnipseln und gut gelaunten Protagonisten (z.B. Thebe Magugu).
4. Die Tradition des Hauses geht mit der Zeit. Edle Locations und Ausstattungen werten die gezeigte Mode à priori auf, egal ob und welchen Kontrast sie dazu liefert (z.B. Dior). Das Zielpublikum ist zweifellos wohlhabend.
5. Ein Einblick in den Prozess des Modemachens, der nicht selten ideologische Anteile transportiert und handwerklich gemachte Qualität herausstellt. Meistens ist das eine Art Klammer für die Präsentation der Kollektion (z.B. Xuly Bët).
6. Die abgefilmte Cat-Walk-Schau (z.B. Anrealage), die im Wesentlichen dem klassischen Schauen-Format verhaftet bleibt, sich aber oft ungewöhnliche Locations sucht (z.B. Miu Miu) oder kleine Freiheiten.
7. Aus Fotos wird eine musikalisch getaktete Bilderschau montiert (z.B. Agnès b.).

Natürlich gibt es da Mischungen, doch für junge Marken ist es besonders schwer, sich geeignet zu positionieren und natürlich auch, in der Folge, passendes Personal zu finden (Filmemacher, Choreografen etc.), das die leitende Grundhaltung pointiert umsetzen kann. Hinzu tritt die Kompetenz, über der beschränkten Modegestaltung zu stehen und medial umfassender zu denken – also nicht innerhalb des modischen Tellerrandes zu verharren. Das Problem der Designer spürt man in einigen Videos noch heraus (besonders deutlich, wie bereits erwähnt, bei Marine Serre). Herangehen 6., also eine Modeschau abzufilmen, ist natürlich immer eine bescheidene, doch geeignete Ausweichmöglichkeit. Dreh plus Postproduktion kostet Geld, sicherlich, muss aber nicht extrem aufwändig werden. Das Beispiel Rebekka Ruétz‚ zeigt, dass der Mut am Spass, kreative Prägnanz und die Fähigkeit, mit begrenzten Mitteln etwas auf die Beine zu stellen, die eigentlich spannendste Variante für Jungdesigner ist, denn sie repräsentiert, mit überschaubaren Mitteln, noch Bodenständigkeit. Und damit das Versprechen, dass der Abstand zur eigenen Gegenwart möglichst gering ist. Bei Marine Serre erscheint dasselbe Konzept allerdings gescheitert.

Hier die Videos zur Pariser Fashionweek von Montag bis Mittwoch:

Montag, 8. März:

Lanvin – If I Was A Rich Girl… Feat. Eve

https://www.youtube.com/watch?v=e9p9Q1qhr0Y

(3:20) Film director: Helmi

Schiaparelli – Ready-to-Wear Fall/Winter 2021 by Daniel Roseberry

(4:19) Film directed by: Christophe Tiphaine

Agnès b. – hiver 2021

(1:31) keine Angaben

Giambattista Valli – Fall-Winter 2021/2022 Show

(9:58) video art Giambattista Valli

Christian Dior – Disturbing Beauty

https://www.youtube.com/watch?v=j1gn8SoZOFA&t=1s

(10:57) Concept film: Maria Grazia Chiuri

Akris – Fall/Winter 2021 Film

(6:40) directed by Anton Corbijn

Xuly Bët – FW21/22 Film

(4:37) Video director: Alexandre Parizet

Anrealage – Ground

(11:08) Movie Film Director: Tomoyuki Kujirai

Shiatzy Chen 夏姿‧陳 – Time

(10:59) Video: Ordynari People

Mossi – Paris Fashion Week FW21

(7:53) keine Angaben

Balmain – Above & Beyond

(10:53) Directed by Valentin Petit

DIENSTAG, 9. März

Chanel – The Fall-Winter 2021/22 Ready-to-Wear Show

(10:40) Filmdirected by Inez & Vinoodh

Valentin Yudashkin – Fall 2021 Ready-to-Wear

(11:25) keine Angaben

Ann Demeulemeester – Fall/Winter 2021-2022

(10:56) Director: Willy Vanderperre

Paco Rabanne – Womenswear Fall/Winter 2021

(2:56) keine Angaben

TAKAHIROMIYASHITA TheSoloist.

(12:54) keine Angaben

Jarel Zhang – Autom/Winter Collection

(4:39) Film Production: Suhang Jiang

Miu Miu – Brave Hearts

(10:05) keine Angaben

MITTWOCH, 10. März

Kenneth Ize – Fall-Winter 2021

(2:03) directed: Joshua Woods

Louis Vuitton – Women’s Fall-Winter 2021 (im Louvre)

(6:35) keine Angabe

Stand 10.3.2021 15:15

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Screenshots/Vorschaubilder der Netzvideos

Wir setzen die Übersicht der offiziellen Schauen zur digitalen Pariser Fashionweek fort, unkommentiert, jedoch auf Leserwunsch wieder als direkte Links. Hier die Videos zur Pariser Fashionweek von Samstag und Sonntag:

Samstag, 6. März:

Maison Rabih Kayrouz – PARAMOUR

(5:13) Head operator: Matteo Verzini

Kristina Fidelskaya : Fall Winter 21

(7:28) keine Angaben

Victoria / Tomas: COZYRISTIC

(3m21s) Director Boris Feldman

Ester Manas : SOROR

https://www.youtube.com/watch?v=c1lkRqIBvDI

(6:45) Creative Direction: Creative Direction ESTER MANAS BALTHAZAR DELEPIERRE

Altuzarra : Fall Winter 2012

(4:06) Cinematograph by Christopher Davis

Vivienne Westwood : Mayfair Lady AW 21/22

(8:59) Filmed by David Jenewein

Hermès : Women’s Fall Winter 2021 Collection
A Live Performance in three acts

https://www.youtube.com/watch?v=JRlwClEL2y4

(25:18) Video Concepter Étienne Guiol

Elie Saab : Ready-To-Wear Autumn Winter 2021

(10:50) Artistic Director: Neiman Azzi

Anton Belinskiy: Fall-Winter 2021 Collection

(5:25) Director: Anastasia Babenko

Mazarine : Women’s Fall-Winter 2021

(5:31) Art Direction: Hélène Timsit

Lecourt Mansion x Dian & Lediouck – Gourmandise

(2:49) Directed by Marc Ippon de Ronda & Nicola Lecourt Mansion

CALVINLUO: Womenswear Fall/Winter 2021 10.0 the Collection

keine Angaben

ROKH: Omniverse

https://www.youtube.com/watch?v=MvXDRGZe2RE

(14:18) keine Angaben

SONNTAG

Jil Sander: Fall/Winter 2021 Women’s Collection

documented by Stephen Kidd

Dice Kayek: Who Killed Philippe Stone

(8:00) A Film by Marie Schuller

Alexis Mabille : Evening RTW Fall-Winter 2021-2022

Video: Nicolas Menu

Sadaels: „Paraiso“

(9:42) Directed by: Hernan Corera

Thom Browne: women’s & men’s fall 2021 collection

(10:13) director: carissa gallo

Zadig&Voltaire: FW21 SHOW

(7:52) keine Angaben

Jitrois: Fall Winter 2021 – 2022 collection | Digital vision

(4:29) Directed by Celine Rey

Ninamounah: Seduce Me

(7:05) Direction: Florian Joahn

Each x Other: Made for Each Other

(2:00) keine Angaben

WOS: Fall/Winter 2021

(2:55) Video by Christina Abdeeva

Mashama : Calla in The Swamp

(2:21) Director 47 Jasper

Givenchy: FW21 Show

(12:45) keine Angaben

Stand 8.3.2021, 19:56

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Vorschaubilder der Netzvideos

Wir setzen die Übersicht der offiziellen Schauen zur digitalen Pariser Fashionweek fort, unkommentiert jedoch auf Leserwunsch soweit möglich als direkte Links. Hier die Videos von Donnerstag 4. und Freitag 5. März:

Donnerstag:

beautiful people – Side-C Vol.6 DOUBLE-END

https://youtu.be/0tFEl9WjmGc

(6m00s) Creative Director: Hidenori Kumakiri

Véronique Leroy: Fall Winter 21

https://youtu.be/9JgYk3pOF20

directed by Laetitia Hotte

Victoria / Tomas: Autumn/Winter 21-22 Collection

https://www.youtube.com/watch?v=Hq34HUHuwiE

(3m21s) Director Boris Feldman

Maison Mai: Fireworks, Split and Reconstruction

(2m51) Creative Director: Shi Yihong

Gauchere: Fall Winter 2012

(4m21s) Creative Director: Marie Christine Statz

Barbara Bui: Fall/Winter 2021

(2m34) Creative Director: Ecoute Chérie

Àcheval: Sara

(2m20s) A film by Sebastián Faena

Boyarovskaya: FW21

https://www.youtube.com/watch?v=ulzoq4v_i-M&t=2s

(2m04s) Video Plamena Karaliyska

Uma Wang: A Subconscious Museum

(3m30s) Director: Orange@Ojo Studios

Rick Owens: Getsemane FW21 Womens

(17m52s) Production La Mode en images + Know How Productions (Venice)

Enfants Riches Déprimés: XEROPITTURA

(12m44s) directed by Henri Alexander Levy

Coperni

z. Zt. nicht online

(…) by …

FREITAG

Alexandre Vautier

https://galleries.launchmetrics.com/p/fhcm-production/showrooms/60411a835b7c8900083e3e90
Fotodemonstration

Leonard: Beyond Midnight

(2m49) Creative Director: Georg Iux

LOEWE: Fall Winter 2021 Women’s collection walkthrough with Jonathan Anderson

Creative director Jonathan Anderson

Issey Miyake: As The Way It Comes To Be

https://www.isseymiyake.com/en/news/7468

(6m12s)Director Cinematographer Mikiya Takimoto

Christian Wijnants: Fall Winter 2021

Christian Wijnants

Nina Ricci: Fall Winter 2021

(4m10s) Creative direction Lisi Herrebrugh and Rushemy Botter

Germanier: AW 21

(2m09) Directed by: Alexandre Haefeli

Ellery Fall 21 digital défilé

(3m30) directed by Nora Baldenweg & Clement Lesnoff-Rocard

Andrew GN: Hope and Glory

(5m20s) keine Angaben

Lutz Huelle: Fall/Winter 2021

(5m52s) keine Angaben

Yohji Yamamoto: A/W21-22 Video Log

https://www.youtube.com/watch?v=hwTotCDeNf0&t=2s

(22m19s) Photographed, filmed and directed by TAKAY

Isabel Marant: Fall Winter 2021

(2m56s) Video by Simon Cahn

Stand 5.3.2021, 21:21

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Screenshots/Vorschaubilder der Netzvideos

Am zweiten Tag der Pariser Fashionweek wird deutlich, dass die Selbstorganisation der Labels nun in eine andere Dimension gelangt ist, denn die Livepräsentation, die bisher außer von der Modegestaltung maßgeblich von der Location der Schau abhängig war, gilt es jetzt in auch in filmische Sprache zu übersetzen, Artdirektoren von außen spielen nun eine nicht unwesentliche Rolle für den Erscheinungsstil. Manche Designer tun sich offensichtlich schwer damit, manche finden kongeniale Lösungen und dritte wiederum spinnen hinzugefügte Geschichten und Träume als Überbau für die Kollektion. Die früheren Lifestyle-Konzepte werden oft durch individuelle geistige Räume ersetzt, gelegentlich werden aber auch Prozesse des Machens zum Thema, in denen sich Betrachter imaginär beteiligen können, wo man „ganz dicht dabei“ ist. Das sind Dimensionen, die jetzt weniger freiwillig ins Auge gefasst werden, wie einige Häuser das schon zuvor praktiziert haben, sondern als Forderung auszufüllen sind und neue Erwartungen beim Publikum wecken. Es ist die dritte Saison, in der die Labels sich damit konkurrierend positionieren müssen und es wird nicht leichter.

Die Länge der Filmchen – zum Beispiel wenn die Kollektion reichhaltig ist – kann schnell zu Übermüdung führen, schnelle Schnitte die Wahrnehmung verkürzen und manche, im Film vielleicht tolle Einstellung, macht im Clip keinen oder sogar eher kontraproduktiven Sinn. Die Balance zwischen visueller Spielerei und sachgerechter, aber attraktiver Demonstration ist für die Filmemacher oft schwer zu halten und nicht immer werden die filmischen Konzepte den modischen Finessen gerecht. Umgekehrt tauchen Perlen auf, die mit kongenialen Ideen und sehr sachbezogenen Pointierungen das Spezifische der Kollektion und der Marke herausarbeiten, ohne betulich zu werden.
Aus dieser Sicht wäre es jetzt verführerisch, mit Kommentierungen auf das filmkünstlerische Format abzuheben, dann käme aber der eigentliche Zweck der Sache, nämlich die Modegestaltung, zu kurz.

Wir erlauben uns nachfolgend eine unkommentierte Auflistung der gezeigten Vorführungen und Videoclips zu geben, nicht nur, weil die Menge und mögliche Auswahlkriterien plötzlich deutlich ins Licht rücken, sondern hauptsächlich weil das Zusammensuchen der Beiträge auf youtube etc. mühselig werden kann. Lediglich zum ersten Beitrag am Dienstag erlauben wir uns ein paar Bemerkungen, denn er demonstriert diverse Probleme, die sich mit dem Format ergeben können, besonders für noch nicht wirklich etablierte Newcomer:

Der Dienstag (2.3.2021) startet eigentlich mit

Marine Serre – CORE Muses Tribes Family
https://www.youtube.com/watch?v=Q1OutFZFTyg&t=2s (2m18)
Macher: keine Angaben

laut Bezeichnung ein Trailer, dem dann aber nicht Weiteres folgt, außer einem Hinweis (im Programm) auf ein später gesendetes Interview. Zur Präsentation doch ein paar Anmerkungen:
Mit Marine Serres Einstand in Hyères vor 4 Jahren erschien noch das Versprechen leicht exotischer Ausrichtung des Gestaltungskonzeptes, goldener Stoff mit schwarzen Mondsicheln waren ihr eingeführtes Erkennungsmerkmal, auf hautengen Hosen und Tops und mit coolen Schuhen. Gleichwohl überzeugte uns der Auftritt dort noch nicht wirklich, trotz Ökobewußtsein (Re- und Upcycling) und nachfolgend auch nicht mit institutioneller Förderung ihrer Arbeit. Die 28jährige ist nun regelmäßig auf den großen Pariser Fashionweeks vertreten und auch gut und mit großem Selbstbewusstsein ins Business eingestiegen. Sie hat darüber hinaus Bodysuits mit dem Moon-Print für Beyoncé und ihre Tänzerinnen geschaffen. Alles sehr vielversprechend.
Die Präsentationen der Kollektionen dagegen drehen sich nun aber keineswegs um exotische Fantasien, sondern um Lifestyle in Familie, Partnerschaft und bürgerlichem Leben im Mittelstand mit seinen kleinen Ausflügen und Freuden.
Der Spaß am Upcycling ist ehrenhaft, aber für ein tolles Konzept im Getriebe großer Konkurrenten nicht viel wert. Die Kleidung selbst zeigt zwar etwas ungewöhnlich collagierte, aber letztlich doch eher biedere Gestaltung, besonders in den Schnitten, auch wenn die gelegentlich hauteng sind. Das Mustermerkmal zieht sich durch verschiedene Printvarianten und erweitert sich gelegentlich um weitere astrologische Insignien, die Pfiffigkeit des Einsatzes bleibt aber begrenzt. Es liegt vielleicht nahe, dass es mit diesem Lifestylekonzept recht schwierig ist, etwas faszinierend Attraktives auf die Beine zu stellen, besonders, wenn die Designerin sich als Teil dessen versteht, aber anspruchsvoller meistern ließe sich diese Herausforderung durchaus.
Der Trailer zeigt, neben diversen häuslichen Vergnügungen, auch noch die Freude der Designerin an verschiedenen Materialien und Mustern, die der Wiederaufbereitung harren, Hinweise auf die aktuelle Kollektion sind nur wenige zu finden. Ein Gespräch mit der Designerin ein paar Stunden später soll Einblick verschaffen. That’s it.

Folgende Videos liefen danach im Programm am Dienstag (in der chronologischen Folge):

Mame Kurogouchi: “Nocturnal Window”
https://www.youtube.com/watch?v=Gs7EulPQHeU&feature=emb_logo – (2m44s)
Director: Yoshiyuki Okuyama

Lourdes New York season 3 collection – Ascension
https://www.youtube.com/watch?v=bZfq99HSf6M&feature=emb_logo – (3m17s)
Andreas Aresti + Team

Situationist – Forbidden Family
https://www.youtube.com/watch?v=LhBHTBBM-0o&feature=emb_logo – (6m21s)
Director: Davit Giorgadze & Salome Potskhverashvili

Dawei
https://www.youtube.com/watch?v=6pW2BVQQ9Lo&t=3s – (2m27s)
Directed by Michelle Du Xuan

Ottolinger
https://www.youtube.com/watch?v=dyDLQ72jlCk&t=1s – (1m45s)
Video Directed by Felix Aaron

Koché – Bird of Paradise
https://www.youtube.com/watch?v=PlSMVUMZdro – (2m43s)

Heliot Emil – Unstable Equilibrium
https://www.youtube.com/watch?v=QhfmOQaB2ks&t=1s (5m11s)
directed by Julius Juul

Thebe Magugu – BANYOLOYI A BOSIGO
https://www.youtube.com/watch?v=54Rb5tg3z5A&t=1s – (12m41s)
directed by Kristin-Lee Molman

Die Beiträge am Mittwoch (2.3.2021):

Auralee – Men’s and Women’s Collection
https://vimeo.com/517141467 – (4m23s)
Film director: Pennacky

NEHERA – AW21 collection
https://www.youtube.com/watch?v=eZ0B5keifxk&t=1s – (5m13s)
Creative Direction & Concept: NEHERA & JANDL

Paul Smith – Showroom
https://galleries.launchmetrics.com/p/fhcm-production/showrooms/603e47dda18d79000875787f
kein Video sondern eine Fotoreihe der Kollektion

The Chloé Autumn-Winter 2021 show
https://www.youtube.com/watch?v=hrdHHdKYSPM&t=2s – (7m13s)
Film Directed by: Alexandre De Betak

Acne Studios – Women’s FW2021
https://www.youtube.com/watch?v=KtZV1YiFwNo&t=1s – (8m20s)
Captured by Casper Sejersen

Dries Van Noten – Fall Winter 2021/2022 | Digital Fashion Show in High Definition. (Widescreen – Exclusive Video
https://www.youtube.com/watch?v=3WUDjdGG86s – (6m23s)
Directed by Casper Sejersen

Courrèges – I can feel your heartbeat
https://www.youtube.com/watch?v=mgldt5t7dcQ&t=2s – (8m43s)
Creative Direction of the Video: Tess Lochanski & Nicholas Di Felice

Patou – Act 3-4, 2021
https://www.youtube.com/watch?v=5oqhc-BVBdg&t=1s – (2m14s)
Director: Marc Hibbert

Di Petsa – I am my own Mother
https://www.youtube.com/watch?v=5cHa_LUXhXE – (9m39s, censored)
Videographer – Editor: Alexandros Papathanasopoulos

Litkowskaya – Poeta Semper Tiro
https://www.youtube.com/watch?v=En46QzvO15I&t=1s – (2m33s)
Creative Director: Sasha Stekolenko

UJOH – FW21 Paris Fashion Week Women
https://www.youtube.com/watch?v=BnvPMgKYruY&t=1s – (4m20)
Creative Director/Producer：Akiyoshi Inomata (KuRoKo)

Anmerkung: Alle Bilder sind Screenshots aus den veröffentlichten Videos und die Rechte natürlich daselbst. Wir haben aus technischen Gründen nicht direkte Links gesetzt sondern die Adressen erreicht man mit Copy-Paste.

The post Paris II – 02/03/märz – Playlist appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth
Bilder: Screenshots aus den Netzvideos

„Aber, um es klar zu sagen, alle Häuser brennen darauf, zu physischen Shows zurückzukehren. Viele Designer sind sehr frustriert“ sagt Pascal Morand, Exekutivpräsident der Fédération de la Haute Couture et de la Mode Paris dem Fashion Network und unterstreicht damit auch unseren Eindruck, dass die Digitalisierung der Modewochen wirklich nur eine vorübergehende Lösung ist beziehungsweise sein kann. Und dass das Besondere fehlt.
Dabei hat sie, das muss man zugestehen, auch positive Nebeneffekte, die man nicht verschweigen sollte. Als berichtende Presse kämpft man in Paris nicht mehr um Zutritt bei herablassend ignoranten Presseagenturen – mit stets hohem Frustrationspotential. Demokratisch und pluralistisch steht die gefilmte Schau nun jedermann umgehend im Netz offen und demonstriert auch, dass die aufgesetzte Exklusivität als vorangestelltes Besuchskriterium ins 19. Jahrhundert Frankreichs gehört und nicht in ein Modeverständnis von heute. Der zweite nennenswerte Effekt ist, dass die Schauen filmisch dichter präsentiert werden können und dass schöpferische Anliegen mit weiteren Mitteln wirkungsvoll unterstrichen werden können. Und zum dritten ist der ökologische Einspareffekt nicht von der Hand zu weisen, wenn unzählige Reisen und Transporte entfallen.

All das reicht unserer Ansicht nach allerdings nicht aus, um Modepräsentation grundsätzlich ins Internet zu verlagern, denn die Mode ist stets Teil unseres authentischen Lebensalltags, soll es sein und muss den ganzen Weg vom Konzept bis zur realen Nutzung auch darin angesiedelt sein. Aber, immerhin, die filmische Aufbereitung verstärkt die Möglichkeit, einen Abglanz vom Realen aufzupolieren und, quasi aus zweiter Hand, jedermann umgehend verfügbar zu machen.

Schon zur Berliner Fashionweek merkten wir an, dass genaue Terminierung in der Woche zweifelhaften Schein mit sich bringt, der dann noch mit dem Begriff „live“ gekrönt wurde, wenn gar nichts mehr daran live war. Und zur Pariser Fashionweek wird mitgeteilt, dass diverse Designer aus unterschiedlichen, nachvollziehbaren Gründen aus dem programmatischen Zeitrahmen ausbrechen – vorher, nachher (Dior, Vuitton, Tom Ford) oder gar nicht (Comme des Garçons und Junya Watanabe sowie Balenciaga, Saint Laurent und McQueen) auftreten. Auch das gibt Anlass, darüber nachzudenken, wie zwingend das Programmatische der Fashionweeks überhaupt sein muss. Verglichen mit der Musikbranche hat ein Festivalcharakter viele Vorzüge, gleichwohl bleiben saisonale Einzelkonzerte attraktiv und wertvoll, auch wenn der konkurrierende oder integrative Aspekt entfällt.

Wir glauben, die erzwungene Netzpräsentation zeigt auf, wie man einerseits das Programm der Schauenkonzeptionen ergänzen kann und andererseits wie der Wegfall des Authentischen spürbar wird. Wenn das ernst genommen und daraufhin gut strukturiert und organisiert wird, kann man durchaus optimistisch in die Zukunft der fortgesetzten, klassischen Modewochen schauen.

In Berlin war das noch unzulänglich erdacht und organisiert, gerade weil die großspurigen Ankündigungen anderes erwarten ließen. Die großen Modehäuser, die in Paris nicht so vordergründig angeberisch daher kommen können, verfolgen auch in der beschränkten Situation komplexere Initiativen und binden kompetente mediale Macher mit ein. Die Fédération fördert Newcomer auch finanziell bei den Videoproduktionen. Das ist eine erfreuliche Feststellung bei der Beobachtung. Ein paar wenige Auftritte der teilnehmenden 92 Häuser seien nachfolgend beispielhaft angeführt (und empfohlen), nach dem ersten Tag und ohne auf die großen Klassiker abzuheben. Weitere ausgesuchte Beispiele werden folgen.

Sankuanz: Show unter dem Eiffelturm am Eröffnungstag der Paris Fashion Week:

https://www.youtube.com/watch?v=_9oftT4W5fc&feature=emb_logo
Modevideo von Feng Liang

Das beeindruckende Modekonzept kommt aus China, unabhängig, offensiv bis aggressiv, sehr eng den Zeitgeist abstrahierend und visualisierend und filmisch schlicht aber gut kalkuliert, effektvoll umgesetzt. Auf, unter und am (fast schwarzen) Eiffelturm in der Nacht demonstriert Kleidung den nächtlichen Großstadtmythos im modernen und auch düsteren Sinne, alle relevanten Aspekte des untergründigen Nachtlebens führt die Kollektion in faszinierenden Facetten zusammen.
Eine sehr eigene Ästhetik, die sich Erscheinungen zum Beispiel aus digitaler Branche, Sci-Fi und Rockerhärte zu einer kämpferischen, selbstbewußten allgemeinen Großstadtposition zusammensetzt und dabei große Vielfalt der Strömungen und Prägungen aufgreift und ziemlich kompromisslos formuliert.

TAAKK aus und in Japan:

https://www.youtube.com/watch?v=Syy14pG550E
Written & Directed by Nagisa Kodama

Eine charmant-verträumte, filmische Reise nach Japan mit einem nachdenklichen jungen Mann führt die ebenfalls asiatische Marke Taakk vor, sehr filmisch angelegt, stimmungsvoll und von einer warmen Kommentatorenstimme und subtiler Musik begleitet. Ganz das Gegenteil zu Sankuanz. Etwas verloren und still aber doch auch einen anderen Aspekt der Generation beschreibend, der eher eine vergeistigte, beseelte und wohl auch romantische Version repräsentiert. Auch hier ist die Großstadt still und eher verloren-verlassen, sie erscheint in diffuser Dämmerung. Der Protagonist, der sich da aufhält, haucht ihr sein Leben ein und vermittelt den unprätentiösen Orten seinen Geist.

Institut Francais de la Mode: Master of Arts Graduate:

https://youtu.be/q9NHiLiXQEc
Produktion des Hauses

Die Paris Fashionweek automne-hiver 2021-2022 protegiert dieses Mal ihre Modeschule mit Vorzeigenimbus, das Institut Francais de la Mode, nicht zuletzt um der ausländischen starken Konkurrenz etwas entgegen zu halten und um die eigene Ausbildung zu fördern. Eine Schau mit seinen Graduierten steht quasi am Anfang der Fashionweek. Sie ist sehenswert, weil die Mischung aus exzentrischen Einfällen und hoher Professionalität in diesem Stadium starke Faszination ausübt. Hier steht allerdings der Zeitgeist der schnellen Filmschnitte dem Genuß der detaillierten, sehr individuellen Konzepte entgegen, es geht alles rasend schnell. Da das Filmchen aber auf youtube bleiben wird, kann man immerhin stoppen und betrachten wann immer es einem beliebt. Angaben zu den beteiligten Graduate – Designern fehlen leider und sind auch auf der Webseite der Schule (https://www.ifmparis.fr/en/) nicht zu finden.

Cecilie Bahnsen: Fall Winter 2021 „The City“:

https://www.youtube.com/watch?v=LcyKKCDBEb8
Direction by Mikkel Stenild

„I was drawn to the beauty of an empty city – with an imposing and industrial feel. In a very natural way, the mood and the storyboards for the film became the inspiration for the colours and mood of the designs.“ Die Gegenwartsbezogenheit überführt die schwedische Designerin nicht nur in die Modeerscheinung und -stimmung, die kombinierten Stricksachen sind auch saisonbezogen und sehen meist warm und kälteschützend aus. Gesteppte Seiden und Ausschnitte, Coupé und Kordeln, Blumen und Falten wurden für diese Saison zu einer Art Montage kombiniert und geschichtet, so dass das Ganze eher additiv ergänzend gedacht ist und nicht verschmelzend. Auch dies mit leichter Exzentrik sehr romantisch geprägt.

Kimhēkim: Collection I HIM (Love Yourself First)

https://www.youtube.com/watch?v=BEGSFafgzAQ
Creative Director : Kiminte Kimhekim

Der koreanische Designer bezieht sich einerseits wieder auf koreanischen Chic, indem er die Hanbok-Ästhetik (koreanische Tracht) wiederbelebt, diese aber überführt in die Sexyness moderner Urbanität. Daneben kommen auch Burka-Interpretationen zum Zuge, die zwar nicht mit Sexyness punkten können, aber durchaus auch Assoziationen zu unserer Corona-Masken-Gegenwart erlauben. Frisch, einfallsreich, handwerklich liebevoll gefertigt und in den Silhouetten mit klassischem Alltags-Chic konzipiert werden die Präsentationen im Filmchen mit einem Schlagzeugsolo vorgeführt, einfach, aber sehr spannend gemacht. Nicht der Lifestyle oder Befindlichkeiten sondern gute Ideen stehen im Mittelpunkt.

Wataru Tominaga: fall winter 2021-2022
https://www.youtube.com/watch?v=rnFucg86Qi4
Art Direction : Yudai Tanaka

Ein vergnügt editiertes Filmchen führt die bunte, manchmal etwas hippieske Mode für Adoleszenten vor. So jung gibt sich auch die collagenhafte Begleitmusik – Überreste der Minimalwavesounds der frühen 80er. Ein bunter Mix diverser Retroerinnerungen, die in eine verspielte Gute-Laune-Ästhetik überführt werden sollen. Das korrespondiert einerseits mit asiatischer, besonders japanischer Jugendhipness und andererseits mit dem Trend der letzten Jahre bei den 10 Hyères-Finalisten, zu denen Watura gehörte und wo Lebensfreude, Unbekümmertheit und Mut zu offensivem Farbenspiel favorisiert werden.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sehr jung, sehr hip und sehr optimistisch präsentieren die Schweden zum vierten Mal in ihrem Kulturzentrum eine recht breit gefächerte Vielfalt der Jahresabsolventen des Beckmans College of Design Stockholm. Dabei scheinen in einigen Kollektionen, subjektiv wahrgenommen, skandinavische Charakteristika durch, manchmal eine Neigung zu romantischer Introspektive, manchmal eine gewisse Bodenständigkeit mit zum Teil sehr schweren Stoffen, sehr kräftigen Schnitten und Kombinationen.

Aber das kam einem nur gelegentlich in den Sinn, gerade in Paris, und war als ästhetisches Konzept eher nicht bewusst herausgestellt. Besonders spannend wurden solche Ansätze bei Kollektionen wie der asiatischen von Fo Phan, wo der kulturelle Crossover eine faszinierende Synthese hervorbringt oder bei Sandra Saeidi, deren leichte Exzentrik sich zwischen Blümchen und aufgebauschtem Volumen bewegt.
Überhaupt ist die geschickte Raffung in allen Varianten wohl eine Spezialität der Schule.

Wie so oft, die studentischen Arbeiten waren insgesamt stilistisch inspirierter und damit spannender als kommerziell orientierte Designs. Auch hier machten die experimentellen Vergnügungen mit anspruchsvollem Verarbeitungsniveau Spaß und fütterten die Lust auf Neues. Zugegeben, es sind konzeptuelle Ansätze und erfahrungsgemäß sind die Zukunftsoptionen damit nur begrenzt einschätzbar. Manche ungewöhnlichen Stilpositionen werfen aber immerhin einen lustvolleren, optimistischeren Blick auf eine gedachte Zukunft als die Konzepte Berliner Schulen, die eher eine soziale Haltung (Correctness) programmatisch ausgestalten wollen.

Der Showroom fand sehr viel aufmerksames und sympathisierendes Publikum, was nicht nur dem Charme der Kollektionen zuzuschreiben war, sondern auch dem ihrer Macher und der Liebenswürdigkeit des Gastgebers. Der Präsentation der neun Absolventen (Fo Phan, Jon Allensten, Sofia Isdahl, Sandra Saeidi, Erik Olsson, Adam Swärd, Emma Wåhlin, Felicia Åström, Benedicte Eggesbø) haben sich auch zwei bereits etablierte Marken angeschlossen, Rave Review und Per Götesson.

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Benedicte Eggesbø (Yours Truely):
Die modernen Konstruktionen scheinen eng mit dem Alltagsumfeld der jungen Designerin aus Norwegen verbunden zu sein, darüber hinaus atmet der Style auch etwas Punkattitüde des leicht Abgerissenen. Die verfremdende Kollage von vorgefundenen Kleidungsstücken und Teilen zu einem neuen führt oft zu vergnügten und überraschenden Effekten und trägt zugleich mit der Wiederverwertung zu einem nachhaltigen Anspruch bei.
„Im Gestaltungsprozess bin ich sehr damit beschäftigt, mein Konzept durchzuspielen und zu diskutieren und so Lösungen an unvorhergesehenen Orten zu finden. Ich denke, es ist wichtig, es zu wagen, außerhalb der eigenen Komfortzone zu arbeiten, da dann interessante Dinge passieren.“(Interview Modeskolan STHLM)

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Fo Phan (Clothing in (Intimate) Mourning):
Mit dieser Abschlussarbeit aus diesem Jahr hat der Designer bereits Preise gewonnen, darunter einen vom Swedish Fashion Council. Das Traurige und Dunkle, die Schönheit des Verblassten und eine Hommage an die Trauer ist der gesuchte Ausdruck einerseits, die Verknüpfung der japanischen Ästhetik (in Bezug auf Traditionen des Ortes, wo Fo Phans Verwandten leben) mit ganz zeitgenössischen westlichen Design-Vorstellungen das eigentlich Faszinierende an den Arbeiten. Bilder aus einer Schau sieht man hier.

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Jon Allensten (My Inner Voice):
Nach eigener Auskunft hat Jon Allensten aus den Dresscodes der Geschäftswelt seine Gestaltungskonzept abgeleitet, aus Gesprächen mit befreundeten, erfolgreichen Businessleuten. Dies führte zu der Vorstellung, den Anzug als Schutzhülle zu betrachten und das anschließende Experiment, was optisch passiert, wenn die Schutzhülle aufreißt und eine geplante Karriere verwüstet wird.
Rüschen und florale Muster als grundlegende Gestaltungselemente treten hinzu.

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Sofia Isdahl (Clairvoyance):
„Hellsehen“ als Begriff für die Wahrnehmung über das Gegenwärtige hinaus befrachtet das Design im Vorfeld mit Sinnhaftigkeit. An der Gestalt der Teile der vorgestellten Kollektion ist das wenig nachvollziehbar, immerhin verweisen Tarot-Motive auf das Spiel mit der Vorhersehbarkeit von Zukunft, hier wohl eher der Designerin selbst, und sie waren damit gestalterischer Ausgangspunkt. Im extrovertierten Sinne betrachtet sind die Schnitte dagegen schlicht-elegant und emanzipieren sich angenehm von philosophisch vertrackten Implikationen.

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Adam Swärd (Mada):
Adam Swärd ist ein Trans-Modell mit einer eigenen Modevorstellung und demonstriert seine subtilen Modearbeiten entsprechend oft beispielhaft selbst. Eine kleine und durchaus überzeugende Transgenderkollektion also, die eher einen Leitgedanken beherbergt als eine gestaltungsästhetische Innovation.

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Sandra Saeidi (I Reach to Where the Sun Shines):
Auch Sandra Saeidi ist etwas träumerisch unterwegs mit ihren Entwürfen, gelangt dabei aber durchaus zu gestalterischen Phantasmen mit aufgelösten Oberflächen, flirrenden Farben und sich verselbständigenden Applikationen. Die Neigung zur Exzentrik hat bereits eine selbstbewusste Orientierung gefunden und reicht auch über das Modedesign hinaus zu Schmuck und weiteren spannenden Ergänzungen.

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Erik Olsson (Bojskaut):
Die Männer-Kollektion kommt schwergewichtig und sehr schützend daher. Im Zentrum steht das Leitinteresse an kommunikativer Kraft der Kleidung, die er aus seiner subkulturellen Peergroup ableitet und die er mit deutlich praktischer Funktionalität und Nachhaltigkeit verbindet. Die Nähe zu Arbeitskleidung für harte Männerberufe scheint dabei auf, stets kraftvoll und großzügig. Manche Teile waren so schwer, dass man sie kaum heben konnte.

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Emma Wåhlin (Self8 Love):
Es geht der Designerin um verschiedenen Persönlichkeiten eines Individuums. Wie man sich basierend auf emotionalen Bedingungen, sozialen Codes, Objekten und Kontexten präsentiert: Freiheit, Stärke, Verletzlichkeit und ihre Körperstellen. „Meine Experimente zielen darauf ab, eine freie, starke und verletzliche Liebe zum Ego zu erhellen. Das Recht, sich in der gewünschten Erscheinung darzustellen.“ (Auszüge aus Selbstauskunft)

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Felicia Åström (Distorted Emotions):
Mit integrierten Verknüpfungen von Innen und Aussen, Auflösung der ebenen Oberfläche und geschickten Richtungswechseln sind die Arbeiten dieser Kollektion zugleich sehr experimentell und dennoch tragbar-körperbewusst. Die Varianten dieser Gestaltungsphilosophie sind sehr abwechslungsreich und gleichzeitig auch stiltypisch, sehr haptisch angelegt, emotional und körperlich.

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Rave Review:
Das schwedische Label, das sich den neun Absolventen für den Showroom angeschlossen hat, wurde 2017 von Josephine Bergqvist und Livia Schück gegründet und macht Kleidung aus recycelten Materialien. Der exklusive Herstellungsprozess produziert nur Einzelstücke. In den Erscheinungsbildern steckt eine Menge Hippie- und Raveästhetik, worin sich letztlich auch der Labelname begründet.

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Per Götesson
ist das andere Label, das hier vorgestellt wird. Per Götesson ist gebürtiger Schwede und jetzt in London ansässig. Genderübergreifende Gestaltung ist Teil des Programms, der Designer lässt sich vom Alltag gesehener Trends inspirieren, aus denen er einen schlichten Ansatz für funktionale Mode ableitet.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Annika Klass aus Deutschland macht Strickmode. Für diese Kollektion „An Archive Of The Sunflower“ arbeitete sie mit der Firma Stoll aus Reutlingen zusammen, die für innovative und auch spezialisierte High-Tech-Prozesse in der Textilverarbeitung (resp. Strick) und entsprechend elaborierter Software steht. Mit diesem computerbasierten Verfahren kann man sofort und „on demand“ innerhalb weniger Stunden auch sehr komplizierte Kleidung in beliebiger Stückzahl produzieren – das ist auch fortschrittlich in dem Sinne, dass damit Überproduktion verhindert wird und wenig Abfall entsteht. Ein sehr zukunftsträchtiges Verfahren.

Annika Klass hat sich für diese Kollektion auch mit der Künstlerin Madeleine Mesam zusammengetan, die für die Prints verantwortlich ist. Stilistisch sind die Sachen insofern recht deutsch geprägt als die konstruktivistischen Schnitte und Farb- bzw. Musterkombinationen die Gestaltung bestimmen.

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Pariha ist ein Label der Designerin Parinitha aus Bangalore. Es wurde 2016 gegründet und sucht Verknüpfungen zwischen indischer Tradition und modernen Trends. Der Reiz entsteht dabei weniger aus einer Synthese sondern vielmehr aus Kombinationen in Schnittstilen, Farben und Materialien – und entsprechend heißt die Kollektion auch „Two Halfes“.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Global Fashion Collective (GFC) zeigte zum ersten Mal vier Schauen plus Showcases in Paris, im repräsentablen Palais de la Décoverte (im Westflügel des Grand Palais) im 8. Arrondissement. Neun internationale Labels waren vertreten: Kirsten Ley (Kanada), Annika Klaas und Madeleine Mesam (Deutschland), Ozlana (Australien), Faun Studio (Kanada), Pariha (Indien), EmulEos (USA), Erxi x MrHuaMrsHua (China), Sarah Kosinski (Frankreich), Devotion Designs (Kanada). Der Herstellerverband ist eine Erweiterung der Vancouver Fashion Week und zeigt in halbjährlichem Rhythmus in wechselnden Modestädten der Welt vielversprechende Nachwuchsdesigner, und das bereits in der 34. Saison. Manchmal sind sehr überraschende Designkonzepte vertreten, in der Regel aber marktfähige Gestaltungen. Der Verarbeitungsanspruch ist hoch, ausgesucht wird sowohl Prêt-à-Porter als auch Erleseneres förderungswürdiger Designer. Kurz vor der Paris Fashion Week war das Global Fashion Collective schon auf der New York Fashion Week mit anderen Kollektionen aufgetreten.

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Die Eröffnungsschau „Fractura“ war von Kirsten Ley aus Canada und das war auch optisch die spannendste der Serie. Die Teile waren ungewöhnlich und einfallsreich in den Schnitten und Strukturierungen, die Farbpalette auf Kontraste mit Blau und Gelb bzw. Grün konzentriert. Diverse Materialien, darunter Seide, Chiffon und auch Leder wurden ebenfalls vorsichtig kontrastierend eingesetzt, fließende Stoffe gegen harte Linien und Schnitte. Alle Teile sind, soweit wir erfahren konnten, in Eigenarbeit handgenäht.

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Das Label Faun von Marisa P Clark startete erst 2018, seitdem hat die Kanadierin (London College of Fashion Graduate) schon auf den Fashionweeks in Vancouver, New York und Los Angeles gezeigt. Ihre Kollektion „The Collectors“ verbindet einfache, moderne Silhouetten mit tropischen Mustern. Die Sachen sind sehr weiblich mit einer Note Eigenwilligkeit (z.B. hoch ansetzende Shorts und Röcke), im Wesentlichen aber auch recht konventionell.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Tranoï ist wohl die größte Messe / Showroom-Veranstaltung (Fashion Tradeshow) während der Fashionweek Paris und ist deswegen auch an zwei großen Orten und weiteren kleinen untergebracht. Geordnet ist sie in mehrere Sektionen von Suborganisatoren, die jeweils ca. vier bis acht Designerlabels vertreten, meist an Herkunftsländern orientiert. Das Spektrum ist entsprechend groß und bevor man sich darin verliert tut man gut daran, sich auf bestimmte Interessen zu konzentrieren. Wir fanden, dass „exotische“ Herkunftsländer ein interessanter Focus wäre, deren kulturell bedingte Gestaltungsansätze sich in unseren Breiten wenig Geltung verschaffen können, die aber doch stark inspirierende Kraft haben. So landeten wir in einem Bereich aus Südkorea, wo asiatischer Charme, Kitsch, Farbenfreude und großes Know How in der Couture einen bestimmten Aspekt asiatischen Lifestyles repräsentieren, aber auch allgemein zeitgenössische Lifestyleinteressen. Die Label Greedilous, Vegan Tiger (beide Korea) und Yumi Katsura (Japan) fielen uns besonders ins Auge, wobei Yumi Katsura allerdings eher eine traditionsbewusste Ausprägung repräsentiert.

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Greedilous ist das Label von Youn Hee Park , eine jungen Designerin mit aufregendem, rebellischem Schaffensgeist und einem breiten Ansatz verschiedener Ideen, Verfahren, Objekte und Materialien. Eine Neigung zu Glamour und Auffälligkeit und zu leicht psychedelischen Erscheinungsbildern (Digitalprints) verbindet sie mit gestalterisch sorgfältiger Systematik und geschmacklich klaren Formulierungen, die letztlich auch ungewöhnliche Kombinationen stimmig erscheinen lassen. Die Bandbreite der Schnitte reicht von Oversized über Hippielook bis hin zu vielen klassischen Anteilen. Der Topf der Motive ist ebenfalls groß, von Drogenästhetik der 70er Jahre über Fiorucci der 80er bis zu strengen Geometrien bringt sie alles geschickt zusammen, der PC als Gestaltungsinstrument macht’s möglich.

Ihre aktuelle Kollektion ss2020 zeigte Greedilous kürzlich auch auf einer Schau auf der Seoul Fashionweek und in Südkorea ist es ein recht angesagtes Modelabel.

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Vegan Tiger aus Seoul ist ein engagiertes Label pro Tierschutz, auch in Korea gibt es einen konkreten „Vegan fashion trend“. Streng genommen unterscheidet sich vegane Mode von umweltfreundlicher Mode, obwohl die Ausdrücke oft synonym verwendet werden. Etwas Veganes folgt möglicherweise nicht unbedingt den Best Practices für die Umwelt oder umgekehrt, aber die beiden gehen oft Hand in Hand. Die pelzfreien Pelzmäntel und seidenfreien Seidenroben sind weich und luxuriös, aber „ohne die Kosten der Brutalität gegen Tiere“.

Die Kollektion von Yoona Yang verzichtet also explizit auf tierische Materialien (z.B. Seide, Daunen und Angora, besonders Tierfell) aber mit dem Anspruch, auf die entsprechenden Looks (Leder, Seide, Wolle sowie Fell) nicht zu verzichten. Ein Teil der Einnahmen fließt in die Kampagnenkosten für „Tiere und Umwelt“. Damit demonstriert der Käufer ein weltanschauliches Statement und das für unsere Anschauung vielleicht etwas kindliche Gespenst als saisonales Kollektionsmotiv versteht die Designerin auch als übertragendes Symbol aus der asiatischen Kultur im Sinne einer lebensphilosophischen Haltung. Ansonsten sind die Schnitte und Erscheinungen eher klassisch. Auch Vegan Tiger ist in Korea bereits ein etabliertes Label im Prêt-á-Porter Segment.

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Yumi Katsura ist in Japan ein Klassiker, sowohl im Bereich der Luxus-Couture als auch in Prêt-à-porter, Men’s Couture und Hochzeitsmode. Exquisite Abendkleider und Haute-Cuture mit komplexer Raffinesse sind ihre eigentliche Domäne, mit der sie seit langem erfolgreich ist und auch im letzten Jahr eine Schau zur ss2019 Haute Couture in Paris hatte.

Mit der aktuellen Kollektion „The Poetry of Suminagashi“ experimentiert Yumi Katsura focussierter mit der Verbindung traditioneller japanischer (Kleidungs)Ästhetik bzw. kunsthandwerklichen Motiven und Techniken (Marmoriertusche, Kalligrafie, Verlaufsfärbung) und zeitgenössischer, internationaler Eleganz.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist bemerkenswert, dass der holländische Modedesigner Irving Vorster auch dieses Jahr die Gelegenheit ergreift, auf der Fashionweek Paris eine Schau anzubieten, die immerhin mit vielen groß und teuer angelegten konkurrieren muss und es ist auch kulturpolitisch richtig, dass in solchem Kontext eine staatliche Institution wie das Institut Néerlandais da Unterstützung gibt. (Irgendwie ist es auch schade, dass man vom Goethe Institut diesbezüglich nichts hört.)

Irving Vorster hat seine Arbeit mittlerweile vorteilhaft weiter entwickelt, er hat die grobe geometrische Grundformulierung seiner Damenkollektion in mancherlei Hinsicht tiefer ausdifferenziert und verfeinert. Das rechtfertigt die Beteiligung am Luxussegment erheblich, denn damit bewegt sich die eher platte Formulierung des Konzeptes hin zu einer detailverliebteren Auseinandersetzung mit ästhetischem Raffinement, zumindestens teilweise. An dem Punkt ist bekanntlich viel Luft nach oben und die Klientel entsprechend verwöhnt, gerade auf dem französischen Parkett.

In den gestalterischen Details und Teilsegmenten der Gesamtgestalt bringt Irvinx mit Contour Noir II auch spielerische Formexperimente an kulminierenden Stellen unter (z.B. im Hals-Schulterbereich). Neben den zusammengefügten Formen tauchen nun auch feine (rote) Linien auf, die geometrischen Streifen verzahnen sich oft besser und wirken nicht mehr so aufgesetzt. Die Farbpalette ist nach wie vor eingeschränkt auf Schwarz, Weiß, Silber und Violett, also unterkühlt, neu sind ein paar vorsichtige Einsprengsel in Rot. Die Direktheit der Flächenarrangements berücksichtigt zunehmend die Weiblichkeit der Gestalt, es bleibt aber unentschieden zwischen eigenständiger Form und Anpassung. Der modehistorische Bezug zu den 60er Jahren emanzipiert sich etwas eigenwilliger vom bereits Bekannten (die schräge Linienführung zum Beispiel kommt a priori dynamischer daher als die orthogonale Geradlinigkeit eines Yves Saint Laurent). Gleichwohl bleibt der konstruktivistische Ansatz durchweg prägend und transferiert die modische Grundidee der Gegenwart in ein gehobenes Segment. Die wilden und experimentell radikalen Ansätze beispielsweise des „Berliner Styles“ sind hier nicht wirklich von Interesse, es wäre aber durchaus spannend, wie man die auf dieser Ebene geschmackssicher kultivieren könnte (denn das Interesse haben die Berliner ja eher nicht). Es wird sich in Zukunft zeigen, wenn Irvinx den eingeschlagenen Weg experimentell bzw. innovativ ausbaut und das Kriterium der Raffinesse dabei die entscheidende Rolle spielt. Sein Grundkonzept gibt das gut her.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Auf der Suche nach jungen, aussagestarken Modedesignern in Paris war das Berliner Label Namilia ein absoluter Flash. Und das, leider, ohne eine eigene Schau. Sie präsentierten ihre Kollektion „Join the Resistance“ stattdessen im DACH-Showroom, der diverse junge Labels aus Deutschland, Österreich und der Schweiz in Paris während der Fashionweek vorstellt.

Nan Li und Emilia Pfohl, die beiden Designer von Namilia, haben bereits eine beachtliche Fangemeinde, nicht zuletzt auch wegen des Umstandes, dass sie bereits auf der New York Fashionweek Schauen hatten, wofür sie auch angemessene Unterstützung im Vorfeld bekamen. Eine Berlinschau können sie sich (noch) nicht leisten, mangels solcher Unterstützung. Dabei arbeiten sie dort und haben dort auch studiert.

Nach ihrem Studium an der UdK zogen beide nach London, machten da einen Masterabschluss und diverse Praktika und fanden von dort aus den Kontakt zur New York Fashionweek. In London selbst gelang der Anschluss in die Modewelt weniger, weshalb sie nach Berlin zurückkehrten.

Aber so erscheint nun die New York-Berlin-Connection als ein prägender Gedanke, der nicht ganz oberflächlich sein muss. Bei dieser Mode wirkt die Achse der Westkultur als pointiertes Lifestyle-Agglomerat, denn in ihr verschmelzen Fantasy, Sex, Futurismus und vor allem Frauenemanzipation zu einem sehr überzeugenden Statement. Und das reduziert sich auch nicht nur auf Zugehörigkeitscodes, sondern vermittelt individuelle, expressionistische Aussagekraft auf sehr hohem und gewagtem Niveau. Dabei sind alle Teile sicher im Geschmack, innovativ in den Gestalten und sehr detailliert in den vielen besonderen Ideen, die alle zueinander passen und auch noch verschiedene Varianten anbieten. Die Verarbeitung der Materialien – zumeist festes Kunststoffgewebe und vermutlich nicht nachhaltig – ist perfekt und liebevoll. Und selbst wenn es bedauerlich sein mag, dass hier der Nachhaltigkeitsanspruch nicht einbezogen ist, so sind doch die vorgeführten Perspektiven auf eine Zukunft und ein gesellschaftliches Selbstverständnis sehr vielen anderen Modemachern um Längen voraus. Schon die herausgearbeitete Interpretation von Frauenemanzipation ist avantgardistisch und stark, ohne dabei die erotische Spezifik über Bord zu werfen – im Gegenteil! – oder sich in Kleinklein zu verlieren. Gendercrossing ist darum eher kein Problem, dem das Duo sich konzentriert widmen müsste, denn es lenkt vom zentralen Gedanken ab.

Die Kultur der PC-Fantasyspiele hat in dieser Hinsicht ohnehin schon längst unsere Gegenwart in Richtung Zukunft verlassen und dabei auch soziopolitisch neue Vorstellungen entwickelt. Aber auf andere Bereiche der Kultur hat sich das bisher nur randständig niedergeschlagen, weder ästhetisch, noch philosophisch. Die Mode von Namilia profitiert sehr vorteilhaft von solchen Vorstellungen und macht es vor. Sie tritt ebenso kosmopolitisch auf wie die Gamerkultur und es gelingt ihr, das Utopistische mit der Gegenwartsrealität zu verknüpfen.

Trotz allen Wettstreits um innovative Gestaltungslösungen der Modekultur der letzten zwei Jahrzehnte, in denen die Standpunkte der Designs eher auseinanderdrifteten als sich verdichteten, gab es unterm Strich nur Lösungen für dezidierte Gruppierungen und keine einheitliche Perspektive im Sinne einer Avantgarde. Die futuristischen Ansätze der 80er Jahre waren längst wieder verworfen (Mugler,  Gauthier & Co. fristen immerhin noch ein angesehenes Dasein im Rummel) und über lange Stecken verstrickten sich die ästhetischen Gestaltungsmodi in dekonstruktivistische und konstruktivistische Verfahren und Samplingmethoden, ohne zu einer wirklichen Linie zu finden – bis heute. Nan Li und Emilia Pfohl, die beiden Designer von Namilia, beteiligen sich nicht an dieser Strömung und schlagen sich auch nicht mit den anti-ästhetischen Statements vieler Berliner Kollegen herum. Ihre Sachen kommen sehr geradlinig und trotzdem differenziert daher. Schon die betont feministische Seite der Entwürfe legt sich durchaus attraktiv und weltanschaulich fest – sie nennen es neue „Religion“: „Eine Religion, die keine sexuellen Tabus kennt. Eine Frauenreligion.“ Patriarchismus und die „Ewige Sünde“ lassen sie hinter sich oder wollen zu mindestens mit der provozierenden Gestaltung das klassische Interaktionsmodell in Frage stellen und durch den Entwurf eines neuen, starken und hedonistischen Selbstbewusstseins ersetzen. Dabei jonglieren die beiden Designer stets bewusst auf der Kante zwischen rebellischer Provokation und utopistischer Vergegenwärtigung und genau das verleiht ihrer Mode diese starke Faszination. Und nicht zu vergessen: Der letztlich spielerische Umgang mit alledem ist wunderbar.

Zugegeben, die gestalterischen Einflüsse sind nicht neu, fast alle Gestaltungsmittel und -konnotationen der Namilia-Kollektion gab es schon, ob in den 80ern, den 00er Jahren, in der Fetischszene, in der Fantasy-Spielewelt, in der Gothicszene, in der Arbeitskleidung und sonstwo. Man erlebt sie hier aber nicht als zitierende Additionen sondern als klug gemachte Synthese, darin liegt ein entscheidender Unterschied, vielleicht sogar der Vorsprung gegenüber den elaborierenden (De)Konstruktivisten. Gleichzeitig legen die Gestalter auch noch wert auf guten Geschmack, der anderswo leichtfertig negiert wird.

Wenn Namilia gesellschaftsfähig wird, sind wir in mehrfacher Hinsicht schon einen guten Schritt weiter. Vorerst reicht es aber schon, wenn der verdiente Erfolg sichtbarer wird.

In Ermangelung besserer Anschauung verweisen wir ausnahmsweise auf die Videodoku der ss19 Schau in New York. Der Soundtrack dazu bestätigt außerdem die radikale Haltung.

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