Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Fruché ist nun das dritte afrikanische Label (Nigeria), das sich auf der Berliner Fashionweek positioniert. Außer den Nachhaltigkeitsansprüchen und Bezügen zu heimischen Handwerstraditionen verbindet die Drei aber wenig. Aus der häuslichen Tradition heraus ist der Selfmadegründer der Marke Fruché, Frank Aghuno, zur Mode gekommen. In dieser Kollektion sucht er nun mit leichten Verschiebungen der optischen Wahrnehmung Eigentliches zu betonen. Daher auch der Kollektionsname „Kleg“, der unter anderem auch für X-Beine und Unperfektes steht. Das Eigentliche meint das ursprüngliche, auch körperliche Selbstverständnis der afrikanischen Frau und Aghuno möchte es modisch wiederbeleben und in die Moderne einverleiben.

Die genannten Verschiebungen im optischen Sinne führt der erste Teil der Kollektion vor, was mit dem Karoprint (Gingham) besonders gut geht, da hier das geradlinige Ordnungsprinzip des Musters duch Schnitte, Layering und Drapierungen in gegenläufige Richtungen besonders gut in Bewegungen gebracht werden kann. Daraus entstehen zugleich abwechslungsreiche Silhouetten, alles gerät in Bewegung und in eine schwungvoll organisierte innere und äußere Lebendigkeit. Mit den parallelen Streifenmustern entsteht der gleiche Effekt, der durch helle Farbigkeiten aufgefrischt wird.
Abgeleitet sind die Drapierungen auch aus der afrikanischen Kleidungs-Historie, wo Stoffbahnen kunstvoll geschwungen den Körper bedecken oder teilbedecken.

Der zweite Teil der Kollektion lebt von groß aufgetragenen, figürlichen Applikationen, die auf Seide und Funtua-Baumwolle gemalt sind (Künstler: Fredrick Aghuno alias Dricky Stickman, Franks Bruder). Lebendige Kollektive von aufgemalten Gestalten in ruhenden oder verrenkten Haltungen breiten sich über Teile der Kleidung aus und geraten beim Tragen und Fortschreiten in tanzende und verwirrende Bewegung.

Aber wirklich aufregend wird das Konzept lebendiger Erscheinungsbilder dann im dritten Teil der Schau, die jetzt auch noch akustische Effekte in der Bewegung produziert. Nun spielen Materialien eine besondere Rolle, der Natur entommen, hauptsächlich Holz und Muscheln, erdige Naturfarben wie braun und Beige dominieren dem entsprechend. Ein skulptural geschnitzter weiblicher Holzpanzer ist einleitend das materielle Statement zum Thema Gestalt, die natürliche Unregelmäßigkeiten und Eigenheit des menschlichen Körpers widerspiegeln soll. Das wird danach zunehmend aufgelöst in lose, aneinandergereihte Bänder. Der laute Sound, den die als Ketten zu einem großen Gefüge gereihten Holz-Muscheln beim Gehen erzeugen, ist großartig. Daneben auch Kleider mit Bastapplikationen auf fester gewebtem (Aso Oke) oder dünnerem Textil, die selbst bei etwas strengeren Schnitten die Bewegung unterstreichen. Aber die Teile mit den Holz- und Muschelketten (Chimes) sind der Clou, der schon in der visuellen Konzeption ziemlich sexy daherkommt. Aufwändige Handarbeit und witzige Gestaltungslust prägen diese Outfits, und auch hier sind folkloristisch tradierte afrikanische Stilismen mit westlich-modernen Gestaltungsverfahren harmonisch und einfallsreich verbunden.
Das hebt die afrikanische Mode auf eine neue Ebene mit eigener Kulturidentität und inspiriert die europäische durch ein eigenes Körperbewusstsein im Bekleiden.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Name der Kollektion verweist auf den zentralen Hof des antiken römischen Hauses, der Licht und Regenwasser in den Kern des Gebäudes bringt. Aber konkreter bezieht sie sich auf das Hotel, einerseits auf die dafür typische Location der Schau, andererseits auf Johann Ehrhardts Lebensabschnitt als Kellner im Park Inn – mit den Uniformen und den Arbeitsabläufen. Die Kollektion will, ganz Berlinerisch, auch ein soziales Statement mitliefern.

Entsprechend umfasst sie verschiedene Arbeitspositionen (Concierge, Page etc.) und typische Gestalten im Hotelgetriebe – konkreter gesagt  verweist sie auf entsprechende Uniformen beziehungsweise Arbeitskleidungen und auf vom Status inspirierte Outfits. Sowie auch auf Gästetypen, allerdings eher angelehnt an die 1930er Jahre als an die Gegenwart. 28 Protagonisten wurden gezeigt. Der Ort im Hotel war allerdings nicht das Atrium oder der Garten des Adlon, sondern der prächtige Festsaal, mit Ausblick aufs Brandenburger Tor.

Gefühlsmäßig soll der Charakter der Kleidung eine stille Entfremdung von Menschen spiegeln, deren Wege sich täglich oder zufällig  kreuzen, ohne sich jemals konkret zu treffen. Entsprechend bleibt lebhafte Farbigkeit, die wir ja auch mit Hotelbetriebsamkeit assoziieren, außen vor, Grautöne beherrschen das Gesamtbild und die übliche Geradlinigkeit von Uniformen und von Gesellschaftskleidung wird gebrochen durch schräge oder kurvige, assymetrische Schnitte, die, wie bei Haderlump üblich, dem Prinzip der Dekonstruktion folgen und gleichzeitig eine gewisse Strenge oder Ernsthaftigkeit ausdrücken. Die Linienführungen werden mit verschiedenen Mitteln akzentuiert, besonders auffällig mit Knopfreihen, mit und ohne Funktion, die auch bei Uniformen eine große Rolle spielen, sich hier aber neu verselbständigen. Das Übereinanderschlagen von Abschnitten der Kleidung, ein Prinzip des Dekonstruktivismus in der Mode, suggeriert auch stark ihren Verpackungscharakter, Gesamtverhüllung vom Kragen bis zum Hosensaum dominiert die Erscheinungsbilder.

Häufigstes Accessoire ist ein Schlüssel, irgendwo appliziert und sicherlich als symbolischer Verweis auf Statusfunktionen gemeint, außerdem gehören schmale, manchmal lose Gürtel, aus den Fugen geratene Stiefel und diverse Handtaschen als „Handgepäck“ dazu. Die verwendeten Textilien wirken nicht selten eher rau und fest als geschmeidig und die bei Haderlump üblichen ästhetischen Bezüge zur „Fashion-Moderne“, also ihre aktuellen Standards, werden auch über diese Kollektion hinweg durchdekliniert.

Insgesamt ist die Herangehensweise mit sozialkritischer Implikation, mit dem Verfahren der Dekonstruktion, der inhaltlichen Aufladung und insbesondere einer gewissen Grundtristesse mit derben Zügen eine deutliche Positionierung als Berliner Label. Sie folgt einer eigenen Modetradition der letzten zwanzig Jahre in dieser Stadt und sichert sich die Stellung des gewissermassen Repräsentativen dieser Bewegung. Auch die Weiterentwicklung im Sinne einer durchschimmernden Eleganz, die diese Kollektion erkennen läßt, folgt strikt der konzeptuell gesetzten Linie. Die, das muss man allerdings auch feststellen, sich nicht mehr zwingend auf Clubkultur und symbolisches Berghain stützt, sondern nunmehr eine davon unabhängige Szenerie im Auge hat. So gesehen ist Haderlump vielleicht auch Berliner Avantgarde. Und insoweit die Berliner Fashionweek einen eigenen Nimbus in der internationalen Mode beansprucht, hat sie mit Haderlump quasi ihren stiltypischen Repräsentanten, der stets The State of the Art vorführt.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Der Flughafen Tempelhof schwankt architektonisch zwischen monumentaler Macht und technischer Moderne. Heute symbolisiert das Areal keine staatliche Kontrolle mehr, sondern dient durch urbane Transformation als Bühne für subversive Subkulturen, Avantgarde und kommerzielles Storytelling. Ruben Jai nutzt diese neue Bedeutung gezielt als Kulisse für seine Modenschau, um eine urbane Geschichte zu erzählen.

Streetwear hat sich längst von einer urbanen Subkultur-Nische der 1980er und 90er Jahre zu einem der dominantesten globalen Phänomene der modernen Modeindustrie entwickelt. Heute ist Streetwear weit mehr als nur bequeme Alltagskleidung – sie fungiert als visuelle Sprache und als dynamisches Spannungsfeld zwischen kollektiver Identität und persönlicher Selbstdarstellung.

Ruben Jai will seine neueste Kollektion als Abschluss einer urbanen Trilogie verstanden wissen. Dabei geht es ihm um die Abgrenzung von etablierten Lesarten von Streetwear, um die modische und kulturelle Emanzipation und eine autonome Souveränität des Individuums. Aus soziologischer Sicht spiegelt Streetwear ein faszinierendes Paradoxon wider – das simultane Bedürfnis nach Zugehörigkeit (Konformismus) und Abgrenzung (Individualität).

Streetstyle und urbane Kultur können demnach niemals rein individuell sein, weil ihre modische Ausdrucksform auf dieser Paradoxie beruht. Um als rebellisches oder subkulturelles Statement überhaupt lesbar zu sein, muss sich das Individuum den ästhetischen Codes und der Uniformierung eines Kollektivs unterwerfen; die vermeintliche modische Freiheit ist somit kein Akt isolierter Individualität, sondern eine visuelle Beitrittserklärung zu einer schützenden Gemeinschaft.

Die Paradoxie zwischen kollektiver Uniformierung und individueller Freiheit spiegelt sich in der Kollektion „Raw Territory“ von sample030 auf gestalterischer Ebene wider. Ruben Jai nutzt spezifische technische und stilistische Mittel, um das soziologische Konzept der kollektiven Raumbesetzung („Occupation“) in tragbare Mode zu übersetzen, und erzielt damit eine kalkulierte optische Wirkung. Die Kollektion widerlegt das Klischee einer düsteren, schweren Streetwear-Uniform und offenbart stattdessen eine hochgradig diverse, sommerliche Designsprache. Ruben Jai kontrastiert matte Leder- und Deadstock-Textilien mit leichten und fließenden Stoffen, die im Kontrast zur monumentalen Kulisse des Flughafens Tempelhof eine unerwartete Leichtigkeit erzeugen. Stilistisch bricht die Kollektion die harte Architektur durch asymmetrische Schnitte, dekonstruierte Drapierungen und eine lebendige Farbpalette auf, die neben Schwarz und Off-White durch gezielte Akzente in Türkis, intensivem Rot und Pastelltönen dominiert wird.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder Boris Marberg für BFW

Das Trommeln mit Nachhaltigkeit gehört zum angesagten Ton der Berliner Fashionweek, noch immer, obwohl die eigentlich schon zur Selbstverständlichkeit geworden ist und in ihren vielseitigen Facetten allen Designern und Labels zu eigen ist. Mit Marie-Louise Müller als Vertreterin von „Slow Fashion“ kommt nun noch eine weitere, junge Protagonistin hinzu.

An dem Reigen beteiligt war sie schon bei der Positions ’25 und beim Berliner Salon, mit dieser Schau im offiziellen Programm tritt sie mit einer Kollektion namens Escapist Gardens nun stärker in den Vordergrund. Besonders auffällig an den Arbeiten sind viele raffinierte Strickexperimente, auf sehr unterschiedliche Weise dekorativ konzipiert und auf meist klassische Schnitte beziehungsweise Silhouetten angewendet. Themengerecht oft floral assoziierend wird die Gesamtgestalt wie ein großes Relief angelegt, Blüten werden aber auch kombiniert mit herkömmlichen Kleidern, die dann oft mit entsprechenden Applikationen versehen sind. Dazu kommen gelegentlich mal lustige Einfälle, wie zum Beispiel das „Schlauchkleid“ aus Gartenschlauch oder ein mit Strohüten besetztes weißes Kleid. Solche humorigen Einlagen tun dem Ganzen gut, denn das mit Ernsthaftigkeit besetzte Thema Slow Fashion als Aufforderung, das Konsumdenken zurückzustellen, fördert eben auch manchmal eine stereotype Alternativ-Klassifizierung im Sinne von dröge.

Dem entzieht sich Marie-Louise Müller mit einfallsreichen und eben auch manchmal launigen Erscheinungsbildern und mit verschiedenen Herangehensweisen, die Strick- und Häkelwear aus dem Klischee in lebendige Wirkung überführen. Dass Strick mit wärmenden Wirkungen assoziiert wird, unterläuft die Designerin mit viel Offenheit im Gewebe, mehr noch aber mit vergnügt-sommerlichen Lockerheiten und oft auch mit erfrischender Farbgebung. Oder sie löst es mit offenen Häkelstrukturen. Außerdem werden übliche sommerliche Textilien wie Seide und Leinen mit gestrickten oder gehäkelten Applikationen – Blüten, Tierchen – oder mit Bast – Bastrockassoziation – optisch aufgepeppt. Sogar ein Männeroutfit erscheint so und lässt offen, ob das eine ironische oder einfach nur eine spritzige Idee ist.

In diesem Esprit steckt die eigentliche Qualität der Kollektion, jenseits des handwerklichen Aufwands, seiner Raffinessen und eines konventionellen Dauerhaftigkeits- und pragmatischen Tragbarkeitsprinzips, nämlich in der lustvollen Vergnügtheit, die die Sachen ausstrahlen. Und gute Laune in das Prinzip Slow Fashion aus Strick und Häkel zu verankern, fügt dem modepolitischen Anliegen noch einen wichtigen Sympathieanteil hinzu.

Die Wahl der Location und die Offenheit in Sonne und Grün auf den zwei Top-Terrassen des Lobe Baus war ebenfalls sympathisch (wenn auch kurz duch ein Gewitter bedroht), was schon von vornherein gute Stimmung im Publikum auslöste. Hut ab für diesen Einstand!

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg für BFW

Konsequenter als bisher hat das Designerdou Cristian Huygens und Natalia Golubenko von Selva Huygens seine Schau thematisch geordnet und damit seine futuristischen Perspektiven gestalterisch kanalisiert. In drei Abschnitten, The Dream, The Collision und Rekonstruktion werden Visionen angesprochen, angefangen von dem modischen Futurismus der 60er Jahre, über eine materielle Anschauung mit Autoteilen bis hin zu realistisch geprägten Vorstellungen aus der Gegenwart heraus.

Die uns bisher gegenwärtige Verwendung von Autoteilen als panzerartig interpretierte Elemente bei Selva Huygens (ehemals Selva) war jetzt auf den mittleren Abschnitt beschränkt, mehr als sonst wurden andere (Design-)Objekte jetzt recyclingmäßig uminterpretiert, zum Beispiel Taschen, Schuhe, Polsterbezüge, um mit der noch erkennbaren Gestalt, dem Material, der Oberflächenstruktur und dem assoziativen Transfer Staunen auszulösen, Faszination am Visionären des Kreativen zu evozieren. Die thematische Ordnung hilft dabei nicht nur dem Betrachter, futuristische Konzepte klarer zu erkennen, sondern wohl auch dem Designerteam, seine visionären Perspektiven kontrollierter zu richten, zu klären und die Outfits homogener zu gestalten. Die bewußte Reflexion des eigenen Schaffensprozesses ist ein wichtiger Schritt in der Orientierung dessen was man da macht, er verhindert die Beliebigkeit, deren Reiz sich schnell erschöpft und sichert die Kontrolle über die Richtung, die man verfolgt. Schließlich verhindert sie ja nicht das schier unerschöpfliche Arsenal der Verfügbarkeit physischen Materials und verrückter Ideen.

Der gedankliche Transformationsprozess des Vorgefundenen in Kleidung ist die eine Herausforderung, die großen Spass macht, die andere ist die handwerkliche Verwandlung, die eine optische Ästhetik, Tragbarkeit und solide Verarbeitung einschließt. Hier kommt ein großer Anteil pragmatischer Zugeständnisse in Spiel, denn die fertigen Stücke sollen dann ja auch reale Mode werden, in der sich der künstlerische Entstehungsprozess einerseits deutlich spiegelt und die andererseits der alltäglichen Realität auch gerecht werden kann. Beides so maximal wie möglich ausgeprägt. Das soll besonders im letzten Abschnitt der Schau deutlich herausgestellt werden aber auch in den anderen wird dieser Anspruch erkennbarer, als bei den Performances und Präsentationen, wo das Label stärker auf die Faszination des exzentrisch-kreativen Ansatzes abhebt und seine künstlerische Positionierung herausstellt.

Diese Positionierung im Modekontext ist dem Label mit seiner Schau sehr überzeugend gelungen und schon im Erscheinungsbild des Publikums zeichnet sich eine umrissene Fanschaft ab.
Gewissermassen betritt Selva Huygens nun die Pfade, die einst Marina Hoermanseder oder Namilia beschritten haben und deren Entwicklung ebenfalls dank großer Selbstkontrolle und der Findung entsprechender Auftritts- und Präsentationsformate sinnvoll weiter geführt wurde. Und natürlich gehören auch Entscheidungen dazu, welche Publikumsspezifik angesprochen und ausgebaut werden soll.

Das Präsentationsformat zeigte sich hier schon als ein wesentlicher Faktor. Die Wahl der Location im Café-Restaurant Weltwirtschaft im Haus der Kulturen der Welt erwies sich aus Sicht des Publikums als wirklich suboptimal, auch wenn das Herabschreiten der Models die Treppe hinunter ein vorteilhafter Effekt war. Die Beleuchtung der drei parallelen Laufstegabschnitte – Tageslicht, gesteuertes Kunstlicht, vorwiegende Dunkelheit – war für die Schau sehr kontraproduktiv, zum Beispiel dahingehend, dass ich als Journalist im dunklen Bereich platziert wurde, wo man fast nichts erkennen konnte und die Fotografen im mittleren Bereich mit ständig wechselnden Lichtverhältnissen zu kämpfen hatten. Auch die Organisation der Veranstaltung forderte den Besuchern maximale Geduld ab. Geradezu genial dagegen war das Konzept, im Anschluss an die Schau etwas Verbleib anzuregen, die Models mit der Kollektion bekleidet unters Publikum zu mischen und damit einen authentischen Kontakt zwischen Publikum und der exzentrischen Mode herzustellen, nicht nur visuell sondern auch kommunikativ.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

WITH[out]WASTE ist leitendes Programm des Labels Impari, das seine Kollektion damit in den Reigen der Versionen modischer Nachhaltigkeit stellt und darauf verweist, dass der Schlüssel zu modernem Modeverständnis in der ideologischen Sinnhaftigkeit steckt.

Dafür entwickelt das Berliner Atelier innovative Materialien aus recycelten Kunststoffen und baut neue Wertschöpfungsketten auf. Aber auch sonst sind die Grundlagen des gestalterischen Schaffens explizit gesellschaftspolitisch ausgerichtet, also non-binär beziehungsweise unisex, multiethnisch und so weiter. Soweit den auffindbaren Verlautbarungen folgend, versteht sich IMPARI allgemein als eine Marke, die bewusstes Leben, Individualität, Liebe und Achtsamkeit fördern will. Das klingt nach modernistischem Meinungsethos. Die Gründerin Jana Heinemann  unterstreicht diese Positionierung auf ihrer Webseite: „Das Wichtigste ist, dass ich einen neuen Blick auf Nachhaltigkeit in der Modeszene setzen möchte“ und dass in ihrem Designprozess „Vielfalt und Nachhaltigkeit als Schlüssel meines Labels“ zu verstehen sei.

Zur ästhetischen Positionierung findet man weniger Konkretes: „Die Handschrift meiner Designs zeichnen sich durch selbst erstellte Drucke in Kombination mit den unterschiedlichsten Materialien und Farben aus.“ Es geht um frische Farben, Vielseitigkeit des Materials, den Ausdruck von Lebensfreude, Individualität und gesellschaftliche Verbundenheit, hauptsächlich auf ein positives Erleben des nachhaltigen Anspruchs. Entsprechend vage und vielseitig sind die vorgeführten ästhetischen Stilmittel, in der Couture finden sich Varianten vom Kastigen bis zum Geschwungenen, vom Geschichteten zum Simplen, in der Farbgebung vom Bunten zum Monochromen, vom Zarten oder Gebrochenen zum kräftigen Reinfarbigen, vielseitig Gemixtes und einfach Belassenes – alles kreativ und launig angelegt aber ästhetisch eher ungefähr und ein wenig beliebig. Das schließt durchaus diverse Raffinessen ein, man sieht sehr pfiffige Raffungen und Fältelungen, dynamische Architekturen, gelungene Farbabstimmungen und auch formal ungewöhnliche Kombinationen. Zudem findet recyceltes PET interessante Gestaltungsanwendungen.

Ein besonderer Akzent gibt der Kollektion gelegentlich eine interessante Richtung: Die chinesische Tang-suit-Jacke wird neu interpretiert, die zugehörigen Schlaufenverschlüsse und Krägen peppen mehrere Tops reizvoll auf, und es gibt gelegentlich auch Hüte mit chinesischer Prägung neben Schlapphüten und Mützen.

Diese Vielseitigkeit mit diversen Akzenten versteht sich als die eigentliche gestalterische Kompetenz und als Auftrag, Individualität vorzuführen. Und ein aufgeschlossenes, positives Lebensgefühl. Mit dieser Interpretation des Nachhaltigkeitsanspruches geht die Kollektion immerhin schon einen Schritt über das ideologische Primat hinaus. Letzteres immer wieder herauszustellen, sollte sich aber mal erübrigen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Man kann schon sagen, dass der viel zitierte Berlin-Style sich wesentlich auf brutalistische Architektur und raue Subkultur bezieht. Und vielleicht auch, dass ihm innenwohnende Schönheit oder Erotik so kühl ist, wie sie in den 1980er Jahren mal propagiert wurde. Mit Unvain, dem 2020 von Robert Friedrichs gegründeten Label, hat eine Prägung dieser ästhetischen Philosophie die Berliner Bühne betreten, die die Berliner Charakter-Stereotype interpretiert.

Bezogen auf eine eigenständige Positionierung der Berliner Fashionweek im internationalen Kontext mit eigenen Modephilosophien gibt das eine überzeugende Antwort auf die grundsätzliche Standortfrage, deren Antwort immer Argumente ins Feld führen muss, warum Berlin eine Modestadt ist. Das wird in Städten wie zum Beispiel Paris auch respektiert, entsprechende Berliner Designer wie der dekonstruktivistische Lutz Huelle und andere finden auf den dortigen Schauenplänen durchaus einen Platz, wenn auch unter der Voraussetzung, dass eine gewisse Grundeleganz zu erkennen ist und eine stilistische Souveränität, einen Platz als subkulturelles Exotikum. Inwieweit damit Einflüsse auf den allgemeinen Modegeschmack lanciert werden, zum Beispiel in Paris, bliebe zu untersuchen.

Die Ingredienzen dieses Modestils sind bekannt, an erster Stelle Rauheit, bestenfalls mit erotischer Injektion, außerdem etwas düster, abgenutzt bis beschädigt, gelebt und vielleicht etwas schmutzig, irgendwo zwischen Entwurf und Fertigstellung einen eigenen Reiz entwickelnd und mit gegensätzlich aufeinander prallenden Stilmitteln. Das erlaubt eine recht breite Palette an Gestaltungsmöglichkeiten und Unvain gelingt es gut, kontroverse Erscheinungsbilder spannungsvoll auszureizen. Zerschlissene Jeans, abgeriebenes Leder, laberige T-Shirts, karierte Holzfällerhemden, raue Materialien einerseits, erotische Transparenzen und Aussparungen, schmeichelndes Fell und Federn, schimmernde oder feingliedrige Oberflächen und locker fallende Elemente im Gegensatz schaffen Spannung und überraschende Effekte. Auch kantige Architekturen werden geschmeidigen Silhouetten gegenüber gestellt, grobe versus feine und subtile Materialien und Strukturen. Und natürlich werden weibliche gegen männliche Konnotationen in den Outfits dialektisch zusammen gebracht. Sonnenbrillen schaffen die dazu gehörige Unterkühlung und Distanzierung zum Umfeld.

Unvain reizt diese Spannungsfelder gekonnt aus und gewinnt damit auch einen großen Fankreis. Mit seiner gelungenen Demonstration dieses Konzeptkosmos‘ ist sein zweiter Auftritt in Folge ein gelungener Beitrag zur ursprünglichen Selbstbestimmung der Eigenheit der Berliner Fashionweek.

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Ein heißer Sommer in Mitteleuropa. Wochenlange Trockenheit und ein Gewitter zieht auf – ob es sich wohl entlädt? Rebekka Ruétz greift dieses Thema und die emotionale Stimmung solch einer Gewitterentladung auf. „Petrichor“ – der Duft von Regen auf trockener Erde. Wer diesen Geruch und diese Stimmung kennt, ist im Sommer angekommen, und Hitze und Wallungen durchströmen Seele und Körper. Mit ihrer Kollektion greift die Österreicherin modisch dieses Wetterthema auf und setzt es spannend um.

Die immer wärmeren Sommer und Wetterextreme werden zwangsweise auch in der Bekleidungsindustrie thematisiert. Zahlreiche Studien legen dar, dass gerade wir hier in Europa wohl mit am stärksten vom Klimawandel betroffen sein werden. Im europäischen Modedesign, das traditionell stark von den vier ausgeprägten Jahreszeiten geprägt war, lässt sich diese Entwicklung besonders drastisch an der Sommerbekleidung ablesen. Angesichts von südeuropäischen Hitzewellen weit über 40 °C und gleichzeitig unvorhersehbaren Starkregenereignissen in Mitteleuropa durchläuft das Design eine funktionale und ästhetische Metamorphose. Designtheoretisch verändert sich die Silhouette der europäischen Sommermode grundlegend. Anstatt den Körper zu enthüllen, um Abkühlung zu schaffen, setzen immer mehr Designer auf „Schatten- und Lufträume“. Theoretisch verschiebt sich der Fokus der Mode damit weg von der reinen, flüchtigen Statusrepräsentation hin zu einer existenziellen Auseinandersetzung mit Anpassung, Vergänglichkeit und ökologischer Verantwortung. Teilaspekte dieser Entwicklung sieht man auch bei Ruétz, die beide Erscheinungsformen – das Enthüllen wie auch das Abblocken in ihrer neuen Kollektion gekonnt miteinander verbindet und eine entsprechend variantenreiche Palette von Silhouetten und Schichtungen an die Hand gibt.

Die Kollektion besticht durch ein konsequentes Spiel mit geometrischen Konturen, das sich vor allem in extremen Formen äußert. Dabei entsteht eine fast architektonische Mode, bei der wuchtige, tief angesetzte Schultern und kastige, kurz geschnittene Jacken im Kontrast zu stark taillierten, körperformenden, teilweise transparenten und enthüllenden Tops und Korsagen stehen. Diese skulpturale Optik gewinnt ihre Stabilität vor allem durch die Verwendung von veganem Lederersatz. Dieses feste Alternativmaterial besitzt eine beinahe unnachgiebige, matte Textur, die den Entwürfen eine klare, grafische Härte verleiht. Zudem sorgt das Schichten der Kleidung dafür, dass trotz der teilweisen wuchtigen Oberbekleidung immer wieder Haut sichtbar wird, was den Looks eine unerwartete Leichtigkeit und Dynamik verleiht. Ergänzt wird dieses Zusammenspiel durch den gezielten Einsatz von weichem Strick und strukturiertem Gewebe. Die Schichtungen der Kleider funktionieren hier wie ein gestalterischer Filter: Sie brechen die klobige Schärfe der Hauptteile und erzeugen eine fließende Bewegung, die den harten Kontrast zwischen massiver Verhüllung und sensibler Transparenz harmonisiert.

Farblich bleibt die Kollektion, bis auf zwei markante Brüche (Dunkelgrün und Erdrot), sehr eng in der Farbpalette gehalten – Schwarz, Weiß und Beige. Ergänzt wird sie durch organische Allover-Prints, deren Muster stark an Marmorierungen, flüssiges Gestein, abstrakte Landschaften oder Rorschach-Bilder erinnern.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mit einer leuchtenden Kollektion ist Orange Culture wieder auf der Fashionweek Berlin vertreten, die den Titel „Water will carry us“ trägt. Eine Referenz auf Makoko, die historische Hafengemeinde von Lagos, die als Zeichen für Widerstandsfähigkeit, Anpassung und Überleben verstanden wird.

Orange Culture versteht Makoko sowohl als Schauplatz als auch als Symbol. „Water Will Carry Us“ reflektiert demzufolge die Realität von Vertreibung, Neuentwicklung und Überleben und sucht darin gleichzeitig die Schönheit, die in fragilen Systemen weiterhin existiert. Das kreative Gestalten reflektiert auch die Gemeinschaften, die weiterhin Identität, Rituale und Freude in Räumen bewahren, die unter ständigem Druck stehen. Aber das sind gedankliche und vielleicht auch aktivistische Bezüge im Hintergrund, eher genannte Inspirationsquellen, die man in der Gestaltung wiederfinden kann und die für den aufmerksamen Betrachter zunächst höchstens einen losen thematischen Bezug herstellen mögen.

Das Wasser findet sich bei den Outfits einerseits in vielen grafischen Abstraktionen wieder, aufgestickt, gedruckt, eingewoben oder als Textur, gelegentlich auch als grafische Bildmotive aufgedruckt. Damit korrelierend sind die Stoffe weich und fließend, dünn und gelegentlich auch durchscheinend. Das Fluide bestimmt eigentlich die ganze Kollektion, sogar in Farbverwaschungen und letztlich auch in den variantenreichen Schnitten und Schichtungen. Entsprechend locker und bewegt wird auch der Charakter der Kleidung, alles sieht bequem tragbar aus und suggeriert aktives Leben.

Die Farbgebung ist eine optische Offensive. Adebayo Okelawal liebt Feuer- und Orangerot und er startet damit seine Schau mit Vehemenz. Schwarz oder großflächiges Weiß findet sich später nur ausnahmsweise und das Schwarz ist in der Sättigung gebrochen. Das leuchtende Rot, kraftvolles Blau und helles Gelb sind durchgehend bewußt betonte Primärkontraste, aber auch andere Farben werden kontrastreich genutzt und spielerisch zum Funkeln gebracht. Mit den häufig glatten Oberflächen wird die Leuchtkraft nicht selten auf die Spitze getrieben und die früher häufiger aufscheinende Farbwärme Afrikas taucht nun eher zurückgenommen hie und da auf. Hier ist die laute, urbane Wirkung betont. Das geradezu krachende Farbenspiel insgesamt sorgt für maximale Präsenz, für europäische Augen geradezu aufdringlich, aber es ist eben unglaublich ausgelassen und suggeriert eine Lebensbejahung, die letztlich wohltuend und stärkend ist. Und alles ist sehr geschmackvoll und gezielt angelegt. Damit setzt Orange Culture wieder ein leuchtendes Statement in die breite Palette der Fashionweek, das der dunklen Berlinstimmung entschieden widerspricht. Und so ist der eingangs beschriebene, engagierte und  polit-philosophische Ausgangspunkt dann doch wirksamer, als man dachte.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Man hat das Gefühl, Bobby Kolade, der Gründer des Labels Buzigahill, hat das Patchwork in der Kleidung noch einmal neu erfunden und es von dem Hippie- und Folkloreimage gänzlich befreit. Er hat das Prinzip des Upcycling zu einer sehr geschmackvollen, eleganten Erscheinung geführt, die zugleich hoch kontrolliert und auch mutig Stoffreste zu Kleidern zusammengeführt hat, die einen Stil evozieren, der alles andere als beliebig und lustig ist.

Nachhaltigkeit als Ausgangspunkt von Designschaffen findet nicht nur sehr verschiedene Ansätze neuer Verfahren für Entwerfen und Produzieren, auch die verschiedenen Ansätze finden mittlerweile individuelle Überlegungen, wie daraus künstlerisch tragfähige Gestaltungsprinzipien entwickelt werden können. Das ist der große Fortschritt, den Modedesign seit der Forderung alternativen Denkens gemacht hat und gerade diese Innovationen, die das junge Modedesign von einer gesellschaftlichen Ideologie, die sich einmal selbst genügte, hin zu einer ästhetischen Kraft führen, sind die spannenden Beobachtungen, die man derzeit machen kann. Mit dem Ansatz des Upcycling geht es darum, das Ausgangsverfahren als solches erkennbar zu belassen und es zugleich zu einer eigenen ästhetischen Sprache mit anspruchsvollem Geschmack zu entwickeln, also nicht nur das Experiment selbst zur Kunst im Design zu erklären.

Bobby Kolade hat sich dieser Herausforderung gestellt, im Verlauf seiner Kollektions-Serie Return to Sender sieht er sich nun in der Situation, nicht nur zornig den Kleidermüllexport in seine Heimat Uganda anzuprangern und symbolisch per Reexport als Mode zu rächen, sondern dies nun mit einem anspruchsvollen Goût aufzuladen. „Buzigahill ist Zero Waste“, erklärt er „beim Upcycling werfen wir niemals Textilien weg. Und diese Kollektion begann damit, dass wir mit den Resten experimentierten.“ Diese Experimente führten die praktische Herausforderung zur ästhetischen. Das heißt, ein sinnlich geprägtes, optisches System zu finden, das aus einem Haufen Stoffmüll Schönheit erwachsen läßt. Der wohl erste Schritt war, die Reduktion des Schnitts auf eine minimalistische, klassische Form zu beschränken und darin ein Patchwork zu integrieren, das einem stimmigen Farb- und Ordnungssystem folgt. Entsprechend hat das Atelier die Reste systematisch und geometrisch zugeschnitten und innerhalb einer gefundenen und gesetzten Systematik zusammengefügt, um jeweils ein großes, harmonisches Ganzes zu erzeugen. Im wohl zweiten Schritt wurden dann auch die minimalistischen Gestaltvorgaben vorsichtig modifiziert und die Teilzuschnitte auch großzügiger angelegt. Damit hat sich das Experimentieren weg vom Zufall hin zur kontrollierten Kreation weiter entwickelt. Es hat den Sinn für Formensprache, für Farb- und Kontrastkombinationen, für Stil- und Textilcollage neu herausgefordert und als zentrales Leitmotiv des Entwerfens festgelegt. Dabei erweist sich die Minimalisierung der Gestalt als Vorteil, indem die Verfeinerung des Ausdrucks besonders wirkungsvoll wird.

Das ist Buzigahill mit dieser Kollektion #13 auf faszinierende Weise und mit ganz unterschiedlichen Gestaltungsversionen gelungen. Und damit unternimmt das Label den Sprung von der großen Fraktion der ideologisch geprägten Nachhaltigkeitsdesigner in die geschmacksgeprägte Couture. Ein wichtiger Schritt, der dem Modedesign wieder im Sinne seiner ursprünglichen Aufgabe gerecht wird, ohne den kritischen Ethos aufzugeben.

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Naomi Tarazi, Krobos, Panos Gotsis, Inlé Studio

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Am vierten Tag der Fashionweek und auch des RAUM.Berlin zeichnen sich Trends zur nächsten Sommersaison ab: Transparenz ist angesagt und auch eine reduzierte Farbpalette – viel Schwarz und Weiß, zumindestens monochrome Ausführungen. Zur Transparenz gehören dann auch diverse Varianten von Spitze, oft eher grob als fein, was gelegentlich, zum Beispiel bei Strickwear, etwas hölzern daher kommen kann. Manchmal denkt man auch, der Ibiza-Style käme zurück. Die geschmackvolle und gleichzeitig sinnliche Lösung, was Frau darunter tragen sollte oder nicht, lassen die Vorführungen entsprechender Outfits meistens offen, manchmal wird mit mehreren Lagen ein opaker Bereich geschaffen, bei den Präsentationen in RAUM.Berlin sind eher mutige Versionen zu sehen, was aber nicht zwangsläufig die Praxis bestimmen wird. Erfahrungsgemäß kann da nämlich mit zurücknehmenden Entscheidungen die gemeinte Sinnlichkeit ins Gegenteil umschlagen.

Die Installationen beziehungsweise Performances waren am letzten Tag sehr ruhig gehalten, annähernd statisch und zum Teil auch nur eine arrangierte Exponatansammlung, mit lebenden Modellen und nüchternen Figuren. Die Idee, situativ ein Dinner zu arrangieren, vielleicht auch nur zu dritt, immer aber nur unter Damen, wiederholte sich nun mehrfach und scheint für eine Live-Installation wohl nahe zu liegen. Am Tisch die hedonistisch Lebenden, darum herum die Kleidung vorführenden Puppen. Nun ja, das ist ja immer auch schön, besonders wenn elegante und zugleich verführerische Kleidung das Ambiente bestimmt. Und manchmal ist dabei die Assoziation des Betrachters mit dem letzten Abendmahl in der dekadenten Moderne nahe liegend – eher noch als die vielleicht gemeinte Hochzeitstafel. Bei Naomi Tarazi geht das einem jedenfalls so.

In ihrem Berliner Atelier fertigt sie vorwiegend skulpturale und zugleich sehr sinnliche Kleidungsstücke für Damen, mit viel Transparenz, subtiler Farbigkeit und stets mit dekorativenen Schwüngen an den Abschlüssen. Damit sind die Silhouetten als leicht, schwungvoll und auch mit zarter Auflösung gezeichnet. Mit diesen leicht beschwingten Outfits sucht die Designerin eine Position zwischen Nachtleben und elegantem Tagesauftritt zu umreißen, die dafür eine wunderbare und prägnante Sinnlichkeit propagiert. Wenn es dann auch so getragen wird.

Naomi Tarazi:

Ursprünglich hat Lukas Krob wohl mit der Konzeption von Kleidung angefangen, die er selbst gerne dauerhaft tragen würde, so verrät seine Webseite, und da er als ausgebildeter Modedesigner selbst näht, entstanden praktische und sehr haltbare Kleidungsstücke. Hier bei RAUM.Berlin stellt er nun eine Damenkollektion vor, die von geometrischer Ästhetik mit dynamischen Formen geprägt ist, vorwiegend schlicht und schwarz, was in dem hellen Whiteroom und dem Gegenlicht gelungen scharfe Akzente setzt und die Flächigkeit der Silhouetten herausstellt. Die dynamischen Schrägen und leichte Rundungen verhindern die plumpe Kompaktheit von geometrischen Architekturen, besonders von Rechtecken, im Gegenteil, mit einfachen Mitteln erzielt das Design eine schlichte und bestimmte Formeleganz, die gelegentlich auch mit Transparenzen luftig daherkommt. Dazu öfter die hohen, offenen Kragen, die die Silhouette nach oben wirkungsvoll ergänzen.
Explizit nennt Lukas Krob die gleichzeitig klaren, strengen und dennoch sinnlichen Architekturideale von Peter Zumthor als vorbildlich und das findet man hier gut wieder. Auch der Start der Entwürfe vollzieht sich, trotz flächiger Geometrien, mit subtilen Handzeichnungen und nicht am Computer, das verhindert eine völlige Versachlichung der Wahrnehmungsempfindung, auch beim Layering.

Das Arrangement im hellen Gegenlicht ist hier ein wirkungsvolles Mittel, das Wesentliche dieses Kollektions-Designs herauszustellen.

Krobos:

Die Schau von Panos Gotsis stellt eine aktuelle Kollektion zusammen, die vorwiegend in Zweiergrüppchen mit Figuren gleichmäßig im Raum verteilt sind, zwischen denen auch lebendige Modelle sich aufhalten. Als Präsentationsformat ist das eher etwas uninspiriert, so soll die Gestaltung jeweils auf sich selbst verweisen. Die sucht, wie stets bei seinen Kreationen, eine Synthese zwischen Fashion und Folklore auf eine eher schlichte und prägnante Weise, die aber doch verschiedene handwerkliche und auch grundsätzliche Erscheinungsbilder vorführt. Hell und sommerlich locker ist das vorwiegend gehalten, mit gleichzeitig eher konventionellen Schnitten und Silhouetten. Allgemeine Trends wie kurze Hosen, verkürzte Hosenlängen überhaupt, locker fallende Blusen und Jacken ohne schnitttechnische Eigenheiten, Verwendung von Spitze als ganzes Kleidungsstück oder appliziert, werden berücksichtigt und stellen so die Outfits in die Gegenwart. Mit der hochwertigen handwerklichen Verarbeitung und unter der Fahne der Nachhaltigkeit rückt sich das Label in das gehobene Segment der Luxusfashion, ohne eine bemerkenswerte oder gar exentrische Idee zu riskieren. Insgesamt entsteht damit der Eindruck einer eher konservativen Positionierung, die dank des leichten Touches von Lässigkeit und zeitgenössischer Üblichkeiten eine aktuelle und gleichzeitig konservative Perspektive auf aufgefrischte Modefolklore besetzt.

Panos Gotsis:

Die Berliner Modedesignerin und Spitzenklöpplerin Melanie Parzenczewski hat das Inlé-Studio gegründet, mit dem Anliegen klassisches beziehungsweise historisches Mode-Kunsthandwerk in eine moderne Gegenwartsästhetik zu überführen, in der sich auch historische Schnitte und Silhouetten angedeutet wiederfinden. Dabei findet man verschiedene Varianten von Retro (19.Jh., 1920er Jahre) bis zu moderner Abstraktion mit angesagten Lose-Bänder-Outfits, wobei Transparenzen (Spitze) stets eine entscheidende Rolle spielen. Auf den Ausstellungsfiguren teilt sich aber die Sexyness des Konzeptes nur wenig mit, insofern wird die Ergänzung der statischen Installation mit drei attraktiven, lebenden Modellen schon überzeugender. Die sitzen, wie ganz oben schon berichtet, wieder an einem gedeckten Tisch, in eher lässigen Posen und führen vor, wie das Modekonzept im Leben vorstellbar ist. Diese Miniperformance, quasi ein werbender Lifestylevorschlag, ist eine geschickte Brücke zwischen Laufsteg und starrer Installation.

Inlé Studio:

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Ein Tag wild sein, bis sich die Emotionen verflüchtigen. Mit der Kollektion „EPHEMERAL“ setzt der Designer Ruben Nowak ein für das Zeitgenössische klassisches Motiv um. Das Wilde, Raue trifft auf seine Grenzen und verwandelt sich in etwas Einfühlsames, Schönes – aber auch Diszipliniertes.

In den Atelier Gardens Berlin konnte das interessierte Publikum in eine minimalistische, durchlässige Welt eintauchen, die extra für diese Schau konzipiert wurde und aus voneinander getrennten immersiven Räumen, die als Plattform für die Präsentation seiner Mode dienten, bestand. Jeweils in einer kreisförmigen Bestuhlung, mit opulentem Blumenschmuck im Zentrum, saß das Publikum, und die Models durchstreiften diese Sphären, zwischen Welten wandernd. Diese Installation wirkt durch die enorme Deckenhöhe und die räumlichen Trennungen durch helltransparente Vorhänge kathedral und erhebend.
Elemente dieser räumlichen Inszenierung finden sich auch in den Grundelementen der Konstruktionen der Kleidung von Nowak wieder. Dabei gehen die meisten Looks von der Grundfläche des Torsos aus, die großflächig und vielfach rechtwinklig markant ausgestattet ist. Diese Fläche dominiert, und von ihr leiten sich die meist klassischen Silhouetten ab; sie thematisieren damit Robustheit und unterstreichen die Schutzfunktion von Streetstyle-Mode. Die Stoffkanten sind oft ausgefranst und nicht gesäumt und wirken deshalb fast schon verwittert. Die Kreationen leben und spiegeln eine eigene Historie wider. Das Vergängliche, Gelebte wird auch durch die Materialwahl unterstrichen. Konsequent verwendet man Restbestände der Textilindustrie und Upcycling. Das passt gut und dynamisch zu der überwiegend warm- und erdfarbig gehaltenen Farbpalette, die durch blaue und schwarze Looks kontrastiert wird.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Mit seiner neuen Kollektion „Island’s Isolation“ schickt uns Andrej Gronau bei Weitem nicht auf eine einsame Insel, um dort modisch zu stranden und dahinzudarben. Vielmehr zeigte er in ansprechendem royalem Ambiente, was an gewiefter Raffinesse handwerklich in ihm steckt und warum er sich modisch doch sehr von dem üblichen Berliner Krach abhebt.

Die neue Kollektion als ein rein intellektuelles Textilexperiment zu interpretieren – welches sich mit Colour-Blocking, Flächenkompositionen und übergroßen Mustern von dem Stereotyp der brachialen, schwarzen Club-Mode-Avantgarde, die üblicherweise mit Berlin assoziiert wird, abgrenzt – würde den Entwürfen von Andrej Gronau nicht gerecht werden und wäre eine sehr verkürzte Sichtweise. Nein, nicht der „dreckige“ Club ist die Bühne, sondern das Schlösschen mit seinem adretten Garten – eine gekonnte Wahl des Veranstaltungsortes: das Schloss Friedrichsfelde.

Präsentiert hat sich das visuell wie folgt: Die Looks bauen auf einer erdigen Grundierung aus Moosgrün, waldigen Nuancen und tiefen Erdtönen auf, und es dominieren die textilen Basisflächen. Diese Naturtöne werden abrupt durch großflächige Blöcke aus saturierten, botanischen Farben und tropischen Floral-Tönen durchbrochen. Kontrastiert wird dies durch harte Akzente und sichtbare Schnitte in den Silhouetten. Mit metallischen Oberflächen in Gold, Silber, Beige und Schwarz werden dazu noch Kontrapunkte gesetzt. Die Kollektion nutzt übergroße, plakative Prints, die wie eigenständige Charaktere auf den Kleidungsstücken platziert sind. Auf den Key-Pieces wie Jacken und Röcken prangen handgezeichnete Katzen und Mäuse. Diese wechseln sich mit Alltagsgegenständen wie Gießkannen sowie grafisch-sachlichen, strengen Pflanzenmotiven ab. Die Siebdruck-Motive auf den Jacken verschwimmen stellenweise zu einem Camouflage-Effekt. Aus der Ferne wirken die Looks wie rein florale Ornamente, beim Herantreten offenbaren sich die detaillierten Tier- und Objektskizzen.

Die Looks sind extrem schichtenreich aufgebaut. Stoffbahnen, Tops und Kleiderteile überlappen, verschmelzen und lösen sich ineinander auf. Feste Schnittgrenzen werden konsequent vermieden. Formelle Handwerklichkeit wird direkt in sportive Übergangsmode für unbeständiges Wetter überführt. Ein Look besteht beispielsweise aus Elementen einer klassischen Business-Attitüde (wie Hemden- oder Jackenfragmenten), die nahtlos in fließende Urlaubs- und Freizeit-Silhouetten übergehen. Die Outfits wirken deshalb unaufgelöst – mal ins Formelle tauchend, mal unaufgeregt leger, informell, fast schon kokettierend. Konsequent ist Gronau auch bei Schuhen und Strümpfen. Hier kommen fast alle Modelle (auch die Herren) mit kniehohen, zehenlosen Strümpfen in Kombination mit sommerlichen Flip-Flops. Das provoziert so manchen Modeprotagonisten und hat gerade deswegen Charme, Witz und auch Charakter.

Sicher, Gronau will sich gemäß seinem offiziellen Presstext zu der Kollektion intellektuell positionieren. Er begreift demnach sein Design als ein fluides, künstliches Ökosystem, in dem Identität und Raum durch graduelle textile Metamorphosen permanent destabilisiert werden. Indem er das kulturtheoretische Modell des kultivierten Gartens als komprimierten Fluchtraum nutzt, bricht er traditionelle Bekleidungskategorien (wie Konfektion versus Freizeitkleidung) auf und inszeniert Kleidung als einen Schauplatz psychologischer Spannungen. Damit hebt er seine Mode deutlich und erfrischend von anderen in Berlin gezeigten Stilrichtungen und Modekonzepten ab. Es dauert sicher seine Zeit, bis das, was er so verspielt und leicht anbietet, auch angenommen wird – es lohnt sich aber allemal.

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Text & Bilder: Boris Marberg for BFW

Für das 20-jährige Jubiläum der Marke greift der polnische Designer konsequent auf seine Wurzeln und die Tradition der Marke zurück.  Wie eine poetische Liebeserklärung  aus grober, architektonischer Strenge und ungezähmter Zerbrechlichkeit legte sich die Jubiläumskollektion „KICK OFF“ von Mariusz Przybylski über Berlin Mitte. Für das  20-jährigen Bestehen der Marke entfesselte der polnische Designer eine textile Symphonie, die die klassische Männergarderobe nicht nur dekonstruierte, sondern sie regelrecht tanzend aus ihren starren Mustern hob.

Die Schau spinnt einen gekonnten Bogen über das gesamte Wirken des Designers in den letzten zwei Jahrzehnten. Przybylski stellt eine modern Männlichkeit einer lässig eleganten und jugendlichen weiblichen Sprache bei seinen Damenlooks gegenüber. Bunte Kreationen wechseln sich mit klassischen schwarzen Looks ab und er zeigt eine ausgewogene stimmige Kollektion, die viel mit Dekonstruktion und asymmetrischen Konstruktionen und Silhouetten spielt. Hier wird klassische Herrenmode zeitgenössisch interpretiert und spielerisch Eleganz vermittelt. Kontrastiert wird Schwarz und Rot bei den Looks. Diese beiden Farben ziehen sich mehrheitlich durch die Kollektion und bilden das visuelle Grundgerüst, welches der Designer geschickt mit weiteren Akzenten aufpeppt. Dabei geht die Sexiness nicht verloren. Diese Sexiness und das konzeptionelle Grundgerüst passen sehr gut zu der Kooperation mit den polnischen TV Format „Project Runway“ (TVN), denn deren zukünftige Modellelite will ja repräsentativ präsentiert werden und dem Publikum Highlights auf dem TV präsentieren.

Prägend für die Designhistorie von Przybylski ist also der dekonstruktivistische Ansatz, ein spannungsgeladenes Spiel mit Texturen und Identitäten. Hier werden gegensätzliche Welten kreiert, indem schwere Textilien direkt auf fließenden, transparenten Chiffon treffen. Dieses bewusste Freilegen und Verhüllen von Haut nutzt den menschlichen Körper selbst als architektonisches Element. So entsteht eine avantgardistische Ästhetik, die klassische Eleganz in ein progressives, skulpturales Kunstwerk verwandelt.

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Tati, Anne Bernecker, Palmwine Icecream, Sofia Hermens Fernandez

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Ein wenig Nostalgie, etwas Mädchenleben und Ruhe versus Action prägten die Präsentationen am dritten Tag von RAUM.Berlin. Neu auf der Bildfläche waren gleich drei der vier Design-Labels und, wie bereits hier gewohnt, die Bespielung des jeweils reservierten Raumes war sehr unterschiedlich geprägt. Und je nach scheinbarer Abgrenzung und Performance-Intention mischen sich die Besucher in die Installationen, oder hielten sich eher respektvoll an den Rändern des Raumes auf. Ersteres fand man bei Tatjana Haupts Label Tati vor, letzteres bei Kusi Kubis Palmwine Icecream und irgendwie hatte das auch mit der Qualtität der Exponate zu tun.

Das Menschengewusel bei der Tati-Installation mit diversen Aktivitäten und Handyshootern, Tänzerinnen und Demofiguren mittendrin, einem DJ-Desk mit Djane und Sängerin, versuchte etwas von Mädchen-Lifestyle zu erzeugen oder aufleben zu lassen – untereinander und mit Publikum kommunizierend im Sinne eines Communitygedankens. Diverse geliebte Beschäftigungen von Teenagerinnen tauchen auf und natürlich sieht man Herzchen und All You Need Is Love Embleme, die das Ambiente emotional aufladen. Entsprechend war auch der Focus der präsentierten Kleidung auf Teeniegeschmack gerichtet und die war als Strickwear gefertigt und mit diversen modischen Apercus ausgestattet. Zwangsläufig liegt dahinter als Leitidee die hingebungsvolle handwerkliche Beschäftigung, die hier quasi lifestylemäßig demonstriert wird.
Eine Stunde Mädchen-gute-Laune mit fast allem, was dazu gehört – in einer Installation, die dabei mutig in die Vollen ging.

Tati:

Ganz im Gegensatz dazu erschien die Präsentation von Palmwine Icecream. Mit der etwas uninspirierten Präsentation gelang die intensive Dichte der afrikanischen Atmosphäre eher nicht, die herumstehenden Gestalten im großen Raum konnten die wunderbare Wärme, die dem Design innewohnt und wie sie auf den Schauen der letzten beiden Saisons erlebbar wurde, hier nicht erzeugen. Natürlich war auch hier die Kleidung von edlem Geschmack und hochwertiger Verarbeitung gekennzeichnet, aber schon die spärliche Auswahl war nicht wirklich spannend. Mit ein paar zusätzlich verstreuten Objekten, Äste, Steine, Sträuße, wurde das Arrangement auch nicht dichter, das Gesamtbild blieb trotzdem etwas verloren. Selbst die gelegentliche Bewegung einer Figur im Raum oder ein Lächeln eines Models löste die fast nüchterne Stille kaum.

Palmwine Icecream:

Ebenfalls auf eine eher ruhige Präsentation mit Figuren und Models gemischt setzte Anne Bernecker. Ihr Atelier verfolgt eine Kombination aus Wiederverwertung, Handarbeit und ästhetischer Nostalgie. Diese Kombination fand man auf der Fashionweek auch bei anderen Labels (z.B. Buzigahill) und man kann das, nach einer langen Periode experimenteller Individualisierung und schräger Konzepte, als Hoffnungsschimmer ansehen. Gleichwohl sind die Outfits in Sachen souveräner Geschmack noch ausbaufähig und die Idee, dass handwerklich hübsch und liebevoll gefertigte Elemente nur appliziert werden brauchen oder stilistische Kontrastierungen angenehm verlebendigen, ist für ein elegantes Gesamterscheinungsbild noch nicht ganz überzeugend. Auch hier führt die Lust am handwerklichen Tun noch nicht zwangsläufig zu einem edlen Erscheinungsbild. Aber der ideelle Ansatz hat wohltuende Wirkung und die Art der Vorführung entspricht dem.

Anne Bernecker:

Sofia Hermens Fernandez hat ihre Kollektion wie ein Tableau auf dem Boden ausgelegt, auf einer langen Bahn, wo auch ein Model sich „bekleidend“ dazulegt. Am Ende ein Spiegel und daneben ein Stuhl mit flüchtig übergeworfenem Kleid. Wir kennen die junge Designerin als Finalistin des 40. Festivals in Hyères mit ihrer Kollektion Semiotics of Girlhood, wo sie Eleganz mit romantischer Verspieltheit verbindet. Sie hat in Antwerpen Fine Arts studiert und kandidiert am Institut Francais de la Mode an der Sorbonne als Doctor of Philosophy. Auch sie beschäftigt sich mit der Ästhetik von Mädchen-Bildern, entwickelt aber diese Ansätze weiterführend auf recht hohem Niveau. Und auch in ihrer Installation geht es um Mädchengefühle, allerdings nicht als Teil einer Community oder eines Lifestyles, sondern in der eher introvertierten Beschäftigung mit sich selbst, bei der Kleidung einen Ausdruck der Selbstsuche und -findung repräsentiert. Nunmehr aus Sicht einer erwachsenen Designerin in subtiler Reflexion.

Sofia Hermens Fernandez:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Für ihre Kollektion Outer Space war die Location namentlich schon ein passender Ort und die zugleich nostalgische und futuristische Themenidee eine vorzügliche Gestaltungsvorlage, die von Körperpanzer, über Kitsch und Disco bis zu mondkratermäßigen Oberflächen alles erlaubt – was man dann auch sah.

Einen konzeptionellen Themenansatz gibt es bei Marina Hoermanseder immer, aber schon ihr grundsätzliches Konzept für eine Schau ist stets bemerkenswert. Ihre Fantasie reicht weit über reines Modemachen hinaus und so ist die Laufstegschau stets eingebettet in große Raumdeko und Bühnennischen, was die Einstimmung auf die Kollektion verstärkt und schon eine Demonstration ist, wie visionär und gedanklich verspielt sie mit ihren eigenen Themen umgeht, inclusive origineller Showeröffnung. Aber dabei geht es nicht nur um Gestaltungsliebe. Sie sorgt für dekorativ ausgestaltete Räume vor dem Eventraum, damit sich „ihr“ Publikum dort schon vor der Veranstaltung versammeln kann, Eis essen, Limonade oder Sekt trinken, kleine Extras vernaschen und vor allem kommunizieren kann. Üblicherweise erscheint das Publikum auch sehr illuster, exentisch gekleidet und geschminkt und bildet eine Gemeinschaft von Voyeuren und Exhibitionisten, wo man sich gerne aufhält, weil Sehspass und kreative Gestaltung Teil des Miteinanders sind. Dass die Designerin sich über Jahre ein solches Publikum in großem Stil aufgebaut hat, liegt nicht nur an dem Willen, sich pfiffig über Instagram etc. zu vermarkten, sondern korrespondiert mit dem Verständnis, mit dem sie ihre Mode schafft. Damit einher geht allerdings auch eine Strategie des Exklusiven, wie sie großen Labels auch zu eigen ist.

Hoermanseder ist eine sehr fleißige Designerin, die gerade das große Mainstream-Club-Publikum zu erreichen sucht. Entsprechend sind die geschmacklichen Aspekte ausgerichtet, wesentlich glamourös, blinky, kitschfarbig, auffällig. Sie gibt quasi den gehobenen Discogeschmack vor. Kennzeichnend dafür ist ihr eigenes Outfit am Schluß. Gleichzeitig bedient sie durchgehend auch ihr Ur-Image, also das charakteristische geformte Leder, die Gurte mit rechteckigen Schnallen überall und in jeder Ausprägung und die Panzer, die sie ursprünglich einmal aus ortopädischem Arsenal abgeleitet hatte. Die unzähligen Varianten sichern den Wiedererkennungswert, den auch ihre Fans stets suchen und goutieren, auch wenn diese Outfits Bewegungsprobleme mit sich bringen.

In dieser Kollektion geht es also um um interplanetare Reisen, Anschauungen zu Wüstenplaneten und auch um die nostalgisch marginalisierende, klassische Verkitschung von Weltraumfahrt, wie sie schon in den 1960er Jahren, besonders in USA, gang und gäbe war. Passend zur Schau ist natürlich auch ein Soundtrack, der der diese, schon durch viele Filme geprägte, Vorstellungswelt begleitet und akzentuiert: eine energiegeladenen Mischung aus Pop und Eurodance und Anleihen aus der Star-Wars-Filmmusik. Überhaupt waren die Vorlagen der Science-Fiction-Filmindustrie massgeblich an der Ideenfindung beteiligt, deutlicher als die modernen Sci-Fi-Videospiele, die ja auch entsprechende Kleidung, Monturen und Körperpanzer erfinden.

Handwerklich ist Marina Hoermanseder dem hochwertigen Ethos ebenfalls treu geblieben, was auch das ganze Bling-Bling aufwertet. Sie ist damit eine der wenigen Designerinnen, denen der Spagat zwischen Club-Pop und Couture überzeugend gelingt.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter und Gerhard Paproth (iPhone)

PLATTE ist immer wieder gut für ungewöhnliche Veranstaltungen. Schon der deutliche Touch der unprofessionellen Organisation vor Ort hat stets seinen eigenen Charme und eigenwillige Abläufe. Das ist ein Teil der Platte-Community, die bleibt geduldig und gut gelaunt, auch bei unnötig langen Wartezeiten.

Der vorgelagerte Garten plus gefüllte Ostmost-Kühlschränke machte das möglich. Für die Schau für die neue Kollektion von Taskin Goec war ein geschätzt 70 m2 großer Raum vorgesehen, zuerst eine Schau für geladene Gäste und Pressefotografen, später eine für größeres Publikum. Im ersten Durchgang musste unser Fotograf von draußen aus dem Garten durch das Fenster fotografieren und natürlich war der Raum übervoll.

Aber es bedurfte eigentlich gar keiner Fotografen, denn es gab keine Models und keine Kollektionskleidung und keinen Runway, wie als solcher angekündigt. Stattdessen einen laufsteglangen LED-Screen, der eine Art „Catwalkfilm“ präsentierte.  In etwa zwei Meter Abstand konnte man außer den laufenden Models auch Ausschnitte und Positionen in höchster Auflösung betrachten, die die äußerst raffinierten Oberflächen der Kleidung brilliant demonstrierten und die die Betrachtung mit Filmschnitt und Focus vorgaben. Dieser Präsentationsansatz ist letztlich die Verlängerung des Taskin-Modedesign-Universums.

Denn Studio Taskin „ist das Atelier von Taskin Goec, einer in Berlin ansässigen Mixed-Reality-Designerin, die die Prinzipien traditioneller Handwerkskunst in die digitale Welt überträgt“. Dabei „ist KI in diesem Prozess keine Abkürzung. Sie ist ein kreativer Mitgestalter.“ (Presseankündigung) Das erlaubt nicht nur die Entwürfe äußerst faszinierender, haptisch attraktiv erscheinender Oberflächen und ungewöhnlichen Materialumganges sondern auch die Entwicklung eines aufgefächerten Erscheinungsuniversums, mit eigenen Repräsentanten und einer ganz eigenen Art, sich zu kleiden. Was die digitale KI an vielen Gestaltungsvorschlägen bei dieser Arbeit vorschlägt, wird dann kuratiert, verfeinert und in digitalen Formaten zum Leben erweckt. Oft zu Fantasy. Soweit das eine Vorstufe der Realisierung ist, ist das durchaus beeindruckend. Sehr gerne möchte man nun die physische Ausführung sehen – und vielleicht sogar begehren, doch es bleibt für den Besucher offen, ob es die überhaupt gibt oder geben kann.

Insofern stellt diese Veranstaltung der Modewoche eher nicht vor, wie Modedesigner uns in der betreffenden Saison ausstatten wollen sondern mit welchen digitalen Mitteln sich Modevisionen entwerfen lassen und gibt uns eine Vorstellung davon, wie brilliant und glaubwürdig diese Verfahren vorgehen können. Und sie zeigt auch, wie man auf diesem Wege einen stilistischen Kosmos kreiieren kann, der Zeitgeist spiegelt, vorschlägt oder sogar vorwegnimmt. Der Schritt in die authentische Realität ist dann vielleicht nur noch ein kleiner, aber um den ging es hier erst einmal nicht.

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Elodie Carstensen, Lennart Bohle, PLNGNS, N. v. Hirschhausen

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine dritte Version der Vorstellung einer Kollektion, neben dem Catwalk und der statischen Präsentation, ist die installative Performance. An vier Tagen stellen je vier Designer ihre Arbeit in diesem Format vor, eines, das viel Freiräume kreativen Auftritts ermöglicht. Besonders sinnvoll daran ist, dass man – wie auch in der Werbung – Umgebung, Situatives und eine Lifestylevorstellung seinen Kreationen zuordnen kann und dass man hier auch eine Stufe von Bewegung und Betrachtungsruhe im Ambiente wählen kann.

Für das Publikum bedeutet die offene Kreativität in diesem Format allerdings auch eine Verpflichtung dazu, was voraussetzt, dass die Designerin überhaupt auch eine überzeugende Lifestylevorstellung (oder eine Ideologie) mit ihren Produktionen verbindet, und das ist eben nicht so selbstverständlich. Und bei der Entscheidung für eine Variante ist auch schnell klar, dass Lebendigkeit stets ein Mittel ist, Publikum anzuziehen. Die vier Präsentationen waren in einem fixierten Rundgang aneinander gereiht, und mit der lebendigen Performance von Elodie Carstensen als erste Station staute sich hier schnell das Publikum und versperrte den weiteren Weg – schon beim ersten Presserundgang mit etwa 150 Teilnehmern.

In einem rechteckigen, langgestreckten Wasserbassin, zentimeterhoch gefüllt, führten acht weibliche Modelle eine ruhig gehaltene Tanzperformance auf, wobei sie mit ihren weißen, vorwiegend sommerlich-locker gestalteten Kleider sich in unterschiedlichen Konstellationen verteilten oder gruppierten, gekonnt chreografiert und mit viel weiblichem Charme. Der interdisziplinäre Ansatz korrespondiert auch mit Carstensens Hintergrund, denn sie begann 2012 im Theater zu arbeiten, bevor sie Modedesign an der Kunsthochschule Berlin Weißensee studierte und dort 2021 abschloss. Ihre Modearbeit verbindet sie mit diversen Erinnerungen an ihre Kindheit beziehungsweise einem emotionalen Bezug dazu, der dann, in Abstraktionen wie hier, zu recht poetischen Erscheinungsbildern führt. Zugleich aber will Carstensen auch auf traumatische Erinnerungen anspielen, wie der Titel einer vorangegangenen Performance, „Absence of Promised Safety“, auch deutlich machte.

Elodie Carstensen:

Lennart Bohle ist ein Modedesigner aus Pforzheim. Für den gelernten Schneider spielt traditionelle Handwerkskunst eine wesentliche Rolle, gestalterisch liebt er skulpturale Silhouetten und digitale Experimente. Er sucht Verbindung von Tradition und Zukunftstechnik. Die Innovation implementiert er in in ein künstlerisches Gestaltungsverständnis und darum ist ein Lifestyleambiente für die Präsentation nicht so naheliegend, sondern eher eine Exponat-Besichtigung wie in einer Galerie oder klassischen Ausstellung, bei der man die skulpturale Kunst von nah oder fern, (fast) rundum begehen und betrachten kann und sich die Addition zu einem Prospekt fügt.

Lennart Bohle:

Das Label PLNGNS erschien im August 2021, seit 2024 berichten wir von ihm. Im Zentrum stand da die Demonstration, wie man aus Teilen alter Schuhe fast ohne CO2-Fußabdruck neue Schuhe herstellen kann, mehr noch: ganze Kleidungsstücke mit attraktivem Erscheinungsbild. „Alte Turnschuhe müssen nicht als Müll verbrannt werden. Wir zeigen, dass es einen anderen Ausweg gibt“, sagt Mitya Hontarenko, Gründerin von PLN-GNS. „Und es kann auch stylisch und cool sein“. Mittlerweile hat PLNGNS die gestalterische Palette vergrößert, ohne Einschränkungen bei der ambitionierten Nachhaltigkeit zu machen. Die Turnschuhverwandlung als Nachhaltigkeitsprodukt mündet nun in vielseitigen stylischen Angeboten und Sommerfreizeit als assoziiertes Ambiente repräsentiert das als Beispiel für lebensnahe, launige Alltagsästhetik.

PLNGNS:

Natascha von Hirschhausen ist seit langem schon mit eigenem Label aktiv und verfolgt konsequent die Idee von Nachhaltigkeit mit dem „no waste“-Prinzip: alle Schnitte sind so angelegt, dass vom Stoff möglichst nichts übrig bleibt und selbst Reste noch geschickt in die Gestaltung eingebaut werden. Handwerklich erfordert das einige Pfiffigkeit und auch eine gewisse Flexibilität im künstlerischen Gestaltungsprozess. Dabei geht sie von eher schlichten, klaren und beherrschbaren Ausgangsentwürfen aus, was auch ihre stilistische Prägung erkennbar macht. In ihrer Installation läßt sie handwerkliche Arbeit ihres Ateliers sichtbar werden, indem Mitarbeiter probieren und experimentell Entstehungsprozesse miterlebbar machen.

Natascha von Hirschhausen:

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Text & Bilder: Boris Marberg

In Zürich zeigten sechs Absolventen der F+F Schule für Kunst und Design ihre „Capsule Collection“ von je fünf exemplarischen Kreationen am Campus der Hochschule.

Die F+F Schule für Kunst und Design in Zürich ist die größte unabhängige Kunst- und Gestaltungsschule der Schweiz und eine von derzeit vier anerkannten Institutionen in welchen junge Kreative sich beruflich für die Modebranche ausbilden lassen können. Seit ihrer Gründung Anfang der 1970er Jahre steht die Institution für avantgardistische, progressive Ansätze und bietet praxisnahe Ausbildungen. F+F steht hierbei für Form und Farbe, in Anlehnung an den legendären Vorkurs des Bauhauses gleichen Namens.

Alle sechs Designerinnen und Designer zeigten grundsolides Handwerk und konzeptionell durchdachte Ansätze und Umsetzungen.

Annika Javet hat ihre Kreationen unter den Namen „Women of glass“ gestellt. Die Namensgebung nimmt Bezug auf weibliche Perspektiven und Fragilität. Experimentiert wird mit raumgreifenden Silhouetten, warmen Farbklängen und pointierten Details, welche die Looks fantasievoll abrunden. Die Looks sind wie architektonische Skulpturen  geformt. Bereits der erste Look schlägt prägend auf – Dekonstruktion, Schnürung um die Taille. Das markanteste Element dieses Looks ist aber die Kopfbedeckung aus ausgefranstem, rosa Jeansstoff. Sie ist wie ein kleines Haus oder ein Turm geformt. In die Struktur sind kleine Fenster eingearbeitet, in denen bunte Objekte oder Spielzeuge (wie kleine Figuren oder Perlen) platziert sind. Bei einer anderen Kreation wird ein weißes Brustblatt mit einem modellierten Gesicht gezeigt, welches rückenfrei und nur mit perlierten Schnürchen am Oberkörper gehalten wird; eine große Kappe als Kopfbedeckung mit Blütenblättern greift zudem ikonisch in den Raum.

Einen anderen Ansatz verfolgt Juan Adami mit seinen Entwürfen, welche er mit „OUT$IDE PARADEPLATZ“ betitelt hat. Das ist ganz greifbar und lokal verankert. Er orientiert sich an Streetstyle-Fotografie und dem jungen, urbanen Treiben an Orten, die spannungsgeladen sind. Der Zürcher Paradeplatz steht für Luxusmeile und Banker. Drumherum positionieren sich Gegenpole, kokettieren und rebellieren. Lederjacke, Schichtungen, Denim, Hoodie und eine comicbunte Hose stehen neben einem Oversize-Mantel, der mit einer feinen Kette zusammengehalten wird. Das schafft Kontraste.

Die Designerin Ganna Starykh setzt sich mit ihrem kulturellen Erbe und ihrer heimischen Mythologie auseinander. Ihre Kollektion nennt sie „Shadows of Forgotten Ancestors“ (ukr. Тіні забутих предків) – eine Anspielung auf ein Werk klassischer ukrainischer Literatur des literarischen Impressionismus und Modernismus von Mychajlo Kozjubynskyj. Dies ist ein Drama um Liebe und Fehde, dessen Verfilmung durch Sergei Paradschanow im Jahr 1965 als Protest gegen die russische Unterdrückung jener Zeit eingeordnet wird. Die kleine Kollektion wird mit einem völlig verhüllten Look eröffnet, der stilistisch an Darstellungen von Wassernymphen (Rusalky) sowie an Marena, die Göttin des Winters und des Todes, anknüpft. Die weiteren Looks bauen folkloristisch und mythisch geprägt auf dieser Interpretation auf und generieren starke Silhouetten mit reichhaltiger Ornamentik. Immer wieder findet sich feiner, silberfarbener Drahtschmuck, der an Talismane erinnert. Dies gipfelt in einer Kopfbedeckung mit einem Tierschädel – Macht und Schutz statt Verletzlichkeit. Dieser Look wirkt wie die Manifestation einer Herrscherin oder Jägerin jener Mythologie.

Maryam Silvia El Dabboussi beschäftigt sich in ihrer Kollektion „Sehnsucht nach Heimat“ mit persönlichen Erfahrungen mit Migration. Sozialwissenschaftlich stehen die Begriffe „Migration“ und „Migrationshintergrund“ verstärkt in der Kritik, da diese nur Teilaspekte sehr komplexer sozialer Strukturen und Realitäten vereinfachen und pauschalisierend zusammenfassen. Auf den Punkt gebracht stellt sich die Frage nach der Perspektive und der kulturellen Homogenisierung, wenn alles in einen Topf geworfen wird, was sich um diesen Themenkomplex dreht. Das bezieht sich insbesondere in der Mode auf die Fragestellungen von Verschmelzung und kultureller Aneignung. El Dabboussi wirft modisch Schlagworte in den Raum, die sie als Parolen in der Kunstform des Taggings auf der Kleidung platziert – „Safety First“ und „Middle East“ sind da zu finden – und zwar auf Looks, die weitestgehend auf skulpturalem Layering basieren und weit ausladende A-Silhouetten herausbilden. Besonders sticht ein sehr minimalistischer Look heraus, der gerade nicht auf das Stilmittel der Scribbles und Edding-Inschriften zurückgreift. Dieser ist als ein weiter, glockenförmig ausgestellter Mantel aus einem semitransparenten, milchig-weißen Material, ähnlich einem Regenponcho, konzeptioniert. Das Model trägt darunter (nur schemenhaft erkennbar) ein schlichtes, enganliegendes, tiefdunkles (schwarzes oder dunkelblaues) Kleid oder eine entsprechende Top-Hosen-Kombination. Dies lässt sich der Tradition der konzeptuellen und dekonstruktivistischen Mode zuordnen. Das Design will nicht primär „schön“ oder kommerziell sein, sondern eine intellektuelle bzw. gesellschaftskritische Aussage transportieren. Genau dieser radikale, konzeptgetriebene Ansatz ist das Markenzeichen von Abschluss-Shows führender europäischer Kunsthochschulen, bei denen Studierende dazu inspiriert werden, die Grenzen von Tragbarkeit und Ästhetik komplett aufzubrechen.

Bei der Kollektion manifest 5: perturbatones von Daniel Frank wird eine komplett anderes Konzept umgesetzt. In seinen Entwürfen setzt er sich mit Ängsten, Spannung und Verletzlichkeit auseinander und versucht diese emotionalen Innenwelten modisch zum Ausdruck zu bringen. Die männlich gelesenen Looks spielen mit oversized Silhouetten die geduckt oder eingesunken sind, und mit überlangen Ärmeln, welche die Hände verdecken. In der Modepsychologie symbolisiert das Verbergen der Hände oft den Entzug von Handlungsfähigkeit, Schutzsuche oder das Gefühl der Ohnmacht gegenüber inneren Ängsten. Auch hier finden sich bei fast allen Looks ausgeprägte Schichtungen um den Körper abzugrenzen. Vieles wirkt asymmetrisch und unvollständig, auf der Suche und noch nicht völlig in der Welt angekommen, aber schon sehr präsent. In der Gesamtbetrachtung sind die Looks von Daniel Frank durch Tragbarkeit und eine kommerzielle Ausrichtung gelungen umgesetzt.

Annika Javet – Women of glass

Juan Adami – OUT$IDE Paradeplatz

Ganna Starykh – Shadows of Forgotten Ancestors

Maryam Silvia El Dabboussi – Sehnsucht nach Heimat

Daniel Frank – manifest 5: perturbatones

Arwen Aylin Andenmatten – DIVA

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Viel Streetware und Experimente

Text & Bilder: Boris Marberg

Während am ersten Tag der Mulhouse Fashion Week vorwiegend repräsentative und verspielte Damen-Abendmode im Fokus stand, bot man am zweiten Veranstaltungstag weiteren jungen regionalen und nationalen Modeschaffenden ein Forum für avantgardistische Entwürfe und zeigte auch Streetwear.

Die gebotene Bandbreite an Tragbarkeit und politischer Positionierung war sehr weit gefasst und pendelte zwischen Upcycling-Patchwork und traditioneller Handwerkskunst. Gezeigt haben folgend Marken: 2hugetitss, KFFASHION, Enjoy Studio, Vinca Schiffmann, NG4, Minteh, Agau Studio, Campredonde, Ostuff.

Den Start am Samstag macht das Label mit dem irritierenden Namen 2hugetitss. Der spielt aber gestalterisch eher keine Rolle, es handelt sich vielmehr um ein Streetwear-Label, das sich eigentlich auf urbane Accessoires, insbesondere Kappen, spezialisiert hat und diese primär über soziale Netzwerke vermarktet. Die Marke will so eine junge, digital affine Zielgruppe ansprechen, die von aktueller Internet- und Popkultur geprägt ist. Hier nun legt das Label eine Kleidungskollektion vor. Die gezeigten Looks, die oft aus Binden-Wicklungen bestehen, zielen auf einen Ausdruck von wild und crazy, propagieren Befreiung wovon auch immer („free as 2hugetitss“) und scheuen dabei auch vor überzeichnenden, kostümbildnerischen Zusätzen nicht zurück.

KFFASHION, das Label der brasilianischen Designerin Kamila Ferreira, kommt aus Paris. In ihrer Mode verarbeitet die Designerin starken Verbindung zu ihren südamerikanischen Wurzeln und ihren Erfahrungen mit den kulturellen Unterschieden zwischen Brasilien und Frankreich. Dabei bringt sie sommerliche und verspielte Looks überwiegend für Damen auf den Laufsteg, die fröhliche Lebendigkeit mit kräftigen Farben, figurbetonten Silhouetten und Temperament zusammenbringt.

Das jungen Schweizer Label ENJOY Studio aus Lausanne steht für eine kreative, urbane Generation mit einem Blick für Details, die in fast durchgängig schwarzen Streetwear-Looks daherkommt. Es wird mit Volumen bei den Silhouetten gespielt und Kleidung als Werkzeug der Abgrenzung und Anonymität in Szene gesetzt, die durch Brüche und Details aufgelockert ist. Die darüber hinaus gehende Vorstellung sei,  nicht um jeden Preis das Spektakuläre zu suchen, sondern Stücke zu kreieren, die durch Präzision überzeugen.

Einen konzeptionell ähnlichen Ansatz verfolgt die Designerin Vinca Schiffmann aus Straßburg mit ihrem Label Solyless, welches schon seit 2014 besteht. Glänzende Materialien, perfektionierte Passformen und Volumen, welche an die mutigen Silhouetten und Attitude der 1980er Jahre erinnern, zeichnen die Kollektion aus. Die Stücke sollen alltagstauglich bleiben aber auch für spektakuläre Auftritte beim Abendanlass geeignet sein.

Hinter dem Streetwear-Label NG4 steht der Belgier Noah Godfroid, der eine kleine Kollektion starker Herrenlooks auf den Laufsteg gebracht hat. Das Label ist seit drei Jahren am Start und richtet sich an Menschen, die Luxus im Streetwear-Bereich suchen. Harte Konturen, welche weit in den Raum greifen, prägen die Ästhetik von Godfroid, der es außerdem geschickt schafft, verschiedene Materialien zu kombinieren.

Minteh ist ein junges französisches Streetwear-Label aus Grenoble, das einen urbanen Western-Look („Style Cowboy“) forciert. Die Kollektionen umfassen moderne Streetwear mit spezifischen, popkulturell angehauchten Cowboy-Motiven. In Mulhouse war das Label mit einer der umfangreichsten Kollektionen am Start.

Die Kreative hinter dem 2024 gegründeten Label Agau Studio ist die Designerin Axelle Gaudel, ursprünglich aus Besançon, die  zwischen Paris und Straßburg pendelt. Sie hat zuerst Modedesign in Straßburg studiert und vertieft dies gerade in Paris  am Institut Français de la Mode. Die junge Designerin richtet ihre Kreationen weitgehend auf handwerklich solide Umsetzungen aus und experimentiert mit bereits vorgegebenen Materialien. Sie greift auf Secondhand zurück und upcycled was sie spannend findet, oder sie nutzt Restbestände, die als Überbleibsel von kommerzieller Produktion zur Verfügung stehen. So entstehen weite Roben und Kleider, die sakral wirken oder Herrenmäntel, die mit Volumen spielen und bewusst unfertig daherkommen – Kleidungsstücke, die auf der einen Seite verspielt wirken und auf der anderen zeigen, dass der Entstehungsprozess im Vordergrund steht.

Mit dem Team von Jérémy Champredonde und dem gleichnamigen Label wurde dem Publikum in Mulhouse eine facettenreiche Inszenierung aus dem Bereich Kostümbildnerei präsentiert. Hier hat die Gestaltung sich kreativ im Phantastischen ausgelebt, was auch an zeitgenössische Filmkunst im Serienformat erinnert. Neben Kostümen bietet das seit 2024 bestehende Label auch eine Prêt-à-porter-Linie an, die für den Alltag ausgerichtet ist.

Abgeschlossen wurde der zweite Tag und damit auch die zweite Mulhouse Fashion Week durch eine umfassende Präsentation des Labels Ostuff, 2023 gegründet und aus Paris stammend. Seine Designsprache kommt postapokalyptisch daher und experimentiert mit düsteren futuristischen Welten, in denen das Funktionelle die tragende Rolle des menschlichen Seins spielen solle.
Insgesamt entfaltet sich auf dieser Mulhouse Fashion Week eine sehr breite Palette mit Gestaltungspositionen der Gegenwart, von romantischen femininen Ideenwelten über Crazyness bis hin zur Dystopien.

2hugetitss

KFFASHION

Enjoy Studio

Vinca Schiffmann

NG4

Minteh

Agau Studio

Campredonde

Ostuff

Referenzen:

• KFFASHION – https://www.instagram.com/kffashionshop/
• Enjoy Studio – https://www.instagram.com/enjoy.studio.off/
• Vinca – https://www.instagram.com/vincaschiffmann/
• NG4 – https://www.instagram.com/noahgod4/
• Minteh – https://www.instagram.com/mintehworld/
• 2Huge – https://www.instagram.com/2hugetitss/
• AGAU Studio – https://www.instagram.com/agaustudio/
• Campredonde – https://www.instagram.com/champredonde/
• OSTUFF – https://www.instagram.com/ostufff/

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