Text & Bilder: Boris Marberg for BFW

Für das 20-jährige Jubiläum der Marke greift der polnische Designer konsequent auf seine Wurzeln und die Tradition der Marke zurück.  Wie eine poetische Liebeserklärung  aus grober, architektonischer Strenge und ungezähmter Zerbrechlichkeit legte sich die Jubiläumskollektion „KICK OFF“ von Mariusz Przybylski über Berlin Mitte. Für das  20-jährigen Bestehen der Marke entfesselte der polnische Designer eine textile Symphonie, die die klassische Männergarderobe nicht nur dekonstruierte, sondern sie regelrecht tanzend aus ihren starren Mustern hob.

Die Schau spinnt einen gekonnten Bogen über das gesamte Wirken des Designers in den letzten zwei Jahrzehnten. Przybylski stellt eine modern Männlichkeit einer lässig eleganten und jugendlichen weiblichen Sprache bei seinen Damenlooks gegenüber. Bunte Kreationen wechseln sich mit klassischen schwarzen Looks ab und er zeigt eine ausgewogene stimmige Kollektion, die viel mit Dekonstruktion und asymmetrischen Konstruktionen und Silhouetten spielt. Hier wird klassische Herrenmode zeitgenössisch interpretiert und spielerisch Eleganz vermittelt. Kontrastiert wird Schwarz und Rot bei den Looks. Diese beiden Farben ziehen sich mehrheitlich durch die Kollektion und bilden das visuelle Grundgerüst, welches der Designer geschickt mit weiteren Akzenten aufpeppt. Dabei geht die Sexiness nicht verloren. Diese Sexiness und das konzeptionelle Grundgerüst passen sehr gut zu der Kooperation mit den polnischen TV Format „Project Runway“ (TVN), denn deren zukünftige Modellelite will ja repräsentativ präsentiert werden und dem Publikum Highlights auf dem TV präsentieren.

Prägend für die Designhistorie von Przybylski ist also der dekonstruktivistische Ansatz, ein spannungsgeladenes Spiel mit Texturen und Identitäten. Hier werden gegensätzliche Welten kreiert, indem schwere Textilien direkt auf fließenden, transparenten Chiffon treffen. Dieses bewusste Freilegen und Verhüllen von Haut nutzt den menschlichen Körper selbst als architektonisches Element. So entsteht eine avantgardistische Ästhetik, die klassische Eleganz in ein progressives, skulpturales Kunstwerk verwandelt.

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Tati, Anne Bernecker, Palmwine Icecream, Sofia Hermens Fernandez

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Ein wenig Nostalgie, etwas Mädchenleben und Ruhe versus Action prägten die Präsentationen am dritten Tag von RAUM.Berlin. Neu auf der Bildfläche waren gleich drei der vier Design-Labels und, wie bereits hier gewohnt, die Bespielung des jeweils reservierten Raumes war sehr unterschiedlich geprägt. Und je nach scheinbarer Abgrenzung und Performance-Intention mischen sich die Besucher in die Installationen, oder hielten sich eher respektvoll an den Rändern des Raumes auf. Ersteres fand man bei Tatjana Haupts Label Tati vor, letzteres bei Kusi Kubis Palmwine Icecream und irgendwie hatte das auch mit der Qualtität der Exponate zu tun.

Das Menschengewusel bei der Tati-Installation mit diversen Aktivitäten und Handyshootern, Tänzerinnen und Demofiguren mittendrin, einem DJ-Desk mit Djane und Sängerin, versuchte etwas von Mädchen-Lifestyle zu erzeugen oder aufleben zu lassen – untereinander und mit Publikum kommunizierend im Sinne eines Communitygedankens. Diverse geliebte Beschäftigungen von Teenagerinnen tauchen auf und natürlich sieht man Herzchen und All You Need Is Love Embleme, die das Ambiente emotional aufladen. Entsprechend war auch der Focus der präsentierten Kleidung auf Teeniegeschmack gerichtet und die war als Strickwear gefertigt und mit diversen modischen Apercus ausgestattet. Zwangsläufig liegt dahinter als Leitidee die hingebungsvolle handwerkliche Beschäftigung, die hier quasi lifestylemäßig demonstriert wird.
Eine Stunde Mädchen-gute-Laune mit fast allem, was dazu gehört – in einer Installation, die dabei mutig in die Vollen ging.

Tati:

Ganz im Gegensatz dazu erschien die Präsentation von Palmwine Icecream. Mit der etwas uninspirierten Präsentation gelang die intensive Dichte der afrikanischen Atmosphäre eher nicht, die herumstehenden Gestalten im großen Raum konnten die wunderbare Wärme, die dem Design innewohnt und wie sie auf den Schauen der letzten beiden Saisons erlebbar wurde, hier nicht erzeugen. Natürlich war auch hier die Kleidung von edlem Geschmack und hochwertiger Verarbeitung gekennzeichnet, aber schon die spärliche Auswahl war nicht wirklich spannend. Mit ein paar zusätzlich verstreuten Objekten, Äste, Steine, Sträuße, wurde das Arrangement auch nicht dichter, das Gesamtbild blieb trotzdem etwas verloren. Selbst die gelegentliche Bewegung einer Figur im Raum oder ein Lächeln eines Models löste die fast nüchterne Stille kaum.

Palmwine Icecream:

Ebenfalls auf eine eher ruhige Präsentation mit Figuren und Models gemischt setzte Anne Bernecker. Ihr Atelier verfolgt eine Kombination aus Wiederverwertung, Handarbeit und ästhetischer Nostalgie. Diese Kombination fand man auf der Fashionweek auch bei anderen Labels (z.B. Buzigahill) und man kann das, nach einer langen Periode experimenteller Individualisierung und schräger Konzepte, als Hoffnungsschimmer ansehen. Gleichwohl sind die Outfits in Sachen souveräner Geschmack noch ausbaufähig und die Idee, dass handwerklich hübsch und liebevoll gefertigte Elemente nur appliziert werden brauchen oder stilistische Kontrastierungen angenehm verlebendigen, ist für ein elegantes Gesamterscheinungsbild noch nicht ganz überzeugend. Auch hier führt die Lust am handwerklichen Tun noch nicht zwangsläufig zu einem edlen Erscheinungsbild. Aber der ideelle Ansatz hat wohltuende Wirkung und die Art der Vorführung entspricht dem.

Anne Bernecker:

Sofia Hermens Fernandez hat ihre Kollektion wie ein Tableau auf dem Boden ausgelegt, auf einer langen Bahn, wo auch ein Model sich „bekleidend“ dazulegt. Am Ende ein Spiegel und daneben ein Stuhl mit flüchtig übergeworfenem Kleid. Wir kennen die junge Designerin als Finalistin des 40. Festivals in Hyères mit ihrer Kollektion Semiotics of Girlhood, wo sie Eleganz mit romantischer Verspieltheit verbindet. Sie hat in Antwerpen Fine Arts studiert und kandidiert am Institut Francais de la Mode an der Sorbonne als Doctor of Philosophy. Auch sie beschäftigt sich mit der Ästhetik von Mädchen-Bildern, entwickelt aber diese Ansätze weiterführend auf recht hohem Niveau. Und auch in ihrer Installation geht es um Mädchengefühle, allerdings nicht als Teil einer Community oder eines Lifestyles, sondern in der eher introvertierten Beschäftigung mit sich selbst, bei der Kleidung einen Ausdruck der Selbstsuche und -findung repräsentiert. Nunmehr aus Sicht einer erwachsenen Designerin in subtiler Reflexion.

Sofia Hermens Fernandez:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Für ihre Kollektion Outer Space war die Location namentlich schon ein passender Ort und die zugleich nostalgische und futuristische Themenidee eine vorzügliche Gestaltungsvorlage, die von Körperpanzer, über Kitsch und Disco bis zu mondkratermäßigen Oberflächen alles erlaubt – was man dann auch sah.

Einen konzeptionellen Themenansatz gibt es bei Marina Hoermanseder immer, aber schon ihr grundsätzliches Konzept für eine Schau ist stets bemerkenswert. Ihre Fantasie reicht weit über reines Modemachen hinaus und so ist die Laufstegschau stets eingebettet in große Raumdeko und Bühnennischen, was die Einstimmung auf die Kollektion verstärkt und schon eine Demonstration ist, wie visionär und gedanklich verspielt sie mit ihren eigenen Themen umgeht, inclusive origineller Showeröffnung. Aber dabei geht es nicht nur um Gestaltungsliebe. Sie sorgt für dekorativ ausgestaltete Räume vor dem Eventraum, damit sich „ihr“ Publikum dort schon vor der Veranstaltung versammeln kann, Eis essen, Limonade oder Sekt trinken, kleine Extras vernaschen und vor allem kommunizieren kann. Üblicherweise erscheint das Publikum auch sehr illuster, exentisch gekleidet und geschminkt und bildet eine Gemeinschaft von Voyeuren und Exhibitionisten, wo man sich gerne aufhält, weil Sehspass und kreative Gestaltung Teil des Miteinanders sind. Dass die Designerin sich über Jahre ein solches Publikum in großem Stil aufgebaut hat, liegt nicht nur an dem Willen, sich pfiffig über Instagram etc. zu vermarkten, sondern korrespondiert mit dem Verständnis, mit dem sie ihre Mode schafft. Damit einher geht allerdings auch eine Strategie des Exklusiven, wie sie großen Labels auch zu eigen ist.

Hoermanseder ist eine sehr fleißige Designerin, die gerade das große Mainstream-Club-Publikum zu erreichen sucht. Entsprechend sind die geschmacklichen Aspekte ausgerichtet, wesentlich glamourös, blinky, kitschfarbig, auffällig. Sie gibt quasi den gehobenen Discogeschmack vor. Gleichzeitig bedient sie durchgehend auch ihr Ur-Image, also das charakteristische geformte Leder, die Gurte mit rechteckigen Schnallen überall und in jeder Ausprägung und die Panzer, die sie ursprünglich einmal aus ortopädischem Arsenal abgeleitet hatte. Die unzähligen Varianten sichern den Wiedererkennungswert, den auch ihre Fans stets suchen und goutieren, auch wenn diese Outfits Bewegungsprobleme mit sich bringen.

In dieser Kollektion geht es also um um interplanetare Reisen, Anschauungen zu Wüstenplaneten und auch um die nostalgisch marginalisierende, klassische Verkitschung von Weltraumfahrt, wie sie schon in den 1960er Jahren, besonders in USA, gang und gäbe war. Passend zur Schau ist natürlich auch ein Soundtrack, der der diese, schon durch viele Filme geprägte, Vorstellungswelt begleitet und akzentuiert: eine energiegeladenen Mischung aus Pop und Eurodance und Anleihen aus der Star-Wars-Filmmusik. Überhaupt waren die Vorlagen der Science-Fiction-Filmindustrie massgeblich an der Ideenfindung beteiligt, deutlicher als die modernen Sci-Fi-Videospiele, die ja auch entsprechende Kleidung, Monturen und Körperpanzer erfinden.

Handwerklich ist Marina Hoermanseder dem hochwertigen Ethos ebenfalls treu geblieben, was auch das ganze Bling-Bling aufwertet. Sie ist damit eine der wenigen Designerinnen, denen der Spagat zwischen Club-Pop und Couture überzeugend gelingt.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter und Gerhard Paproth (iPhone)

PLATTE ist immer wieder gut für ungewöhnliche Veranstaltungen. Schon der deutliche Touch der unprofessionellen Organisation vor Ort hat stets seinen eigenen Charme und eigenwillige Abläufe. Das ist ein Teil der Platte-Community, die bleibt geduldig und gut gelaunt, auch bei unnötig langen Wartezeiten.

Der vorgelagerte Garten plus gefüllte Ostmost-Kühlschränke machte das möglich. Für die Schau für die neue Kollektion von Taskin Goec war ein geschätzt 70 m2 großer Raum vorgesehen, zuerst eine Schau für geladene Gäste und Pressefotografen, später eine für größeres Publikum. Im ersten Durchgang musste unser Fotograf von draußen aus dem Garten durch das Fenster fotografieren und natürlich war der Raum übervoll.

Aber es bedurfte eigentlich gar keiner Fotografen, denn es gab keine Models und keine Kollektionskleidung und keinen Runway, wie als solcher angekündigt. Stattdessen einen laufsteglangen LED-Screen, der eine Art „Catwalkfilm“ präsentierte.  In etwa zwei Meter Abstand konnte man außer den laufenden Models auch Ausschnitte und Positionen in höchster Auflösung betrachten, die die äußerst raffinierten Oberflächen der Kleidung brilliant demonstrierten und die die Betrachtung mit Filmschnitt und Focus vorgaben. Dieser Präsentationsansatz ist letztlich die Verlängerung des Taskin-Modedesign-Universums.

Denn Studio Taskin „ist das Atelier von Taskin Goec, einer in Berlin ansässigen Mixed-Reality-Designerin, die die Prinzipien traditioneller Handwerkskunst in die digitale Welt überträgt. Dabei „ist KI in diesem Prozess keine Abkürzung. Sie ist ein kreativer Mitgestalter.“ (Presseankündigung) Das erlaubt nicht nur die Entwürfe äußerst faszinierender, haptisch attraktiv erscheinender Oberflächen und ungewöhnlichen Materialumganges sondern auch die Entwicklung eines aufgefächerten Erscheinungsuniversums, mit eigenen Repräsentanten und einer ganz eigenen Art, sich zu kleiden. Was die digitale KI an vielen Gestaltungsvorschlägen bei dieser Arbeit vorschlägt, wird dann kuratiert, verfeinert und in digitalen Formaten zum Leben erweckt. Oft zu Fantasy. Soweit das eine Vorstufe der Realisierung ist, ist das durchaus beeindruckend. Sehr gerne möchte man nun die physische Ausführung sehen – und vielleicht sogar begehren, doch es bleibt für den Besucher offen, ob es die überhaupt gibt oder geben kann.

Insofern stellt diese Veranstaltung der Modewoche eher nicht vor, wie Modedesigner uns in der betreffenden Saison ausstatten wollen sondern mit welchen digitalen Mitteln sich Modevisionen entwerfen lassen und gibt uns eine Vorstellung davon, wie brilliant und glaubwürdig diese Verfahren vorgehen können. Und sie zeigt auch, wie man auf diesem Wege einen stilistischen Kosmos kreiieren kann, der Zeitgeist spiegelt, vorschlägt oder sogar vorwegnimmt. Der Schritt in die authentische Realität ist dann vielleicht nur noch ein kleiner, aber um den ging es hier erst einmal nicht.

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Elodie Carstensen, Lennart Bohle, PLNGNS, N. v. Hirschhausen

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine dritte Version der Vorstellung einer Kollektion, neben dem Catwalk und der statischen Präsentation, ist die installative Performance. An vier Tagen stellen je vier Designer ihre Arbeit in diesem Format vor, eines, das viel Freiräume kreativen Auftritts ermöglicht. Besonders sinnvoll daran ist, dass man – wie auch in der Werbung – Umgebung, Situatives und eine Lifestylevorstellung seinen Kreationen zuordnen kann und dass man hier auch eine Stufe von Bewegung und Betrachtungsruhe im Ambiente wählen kann.

Für das Publikum bedeutet die offene Kreativität in diesem Format allerdings auch eine Verpflichtung dazu, was voraussetzt, dass die Designerin überhaupt auch eine überzeugende Lifestylevorstellung (oder eine Ideologie) mit ihren Produktionen verbindet, und das ist eben nicht so selbstverständlich. Und bei der Entscheidung für eine Variante ist auch schnell klar, dass Lebendigkeit stets ein Mittel ist, Publikum anzuziehen. Die vier Präsentationen waren in einem fixierten Rundgang aneinander gereiht, und mit der lebendigen Performance von Elodie Carstensen als erste Station staute sich hier schnell das Publikum und versperrte den weiteren Weg – schon beim ersten Presserundgang mit etwa 150 Teilnehmern.

In einem rechteckigen, langgestreckten Wasserbassin, zentimeterhoch gefüllt, führten acht weibliche Modelle eine ruhig gehaltene Tanzperformance auf, wobei sie mit ihren weißen, vorwiegend sommerlich-locker gestalteten Kleider sich in unterschiedlichen Konstellationen verteilten oder gruppierten, gekonnt chreografiert und mit viel weiblichem Charme. Der interdisziplinäre Ansatz korrespondiert auch mit Carstensens Hintergrund, denn sie begann 2012 im Theater zu arbeiten, bevor sie Modedesign an der Kunsthochschule Berlin Weißensee studierte und dort 2021 abschloss. Ihre Modearbeit verbindet sie mit diversen Erinnerungen an ihre Kindheit beziehungsweise einem emotionalen Bezug dazu, der dann, in Abstraktionen wie hier, zu recht poetischen Erscheinungsbildern führt. Zugleich aber will Carstensen auch auf traumatische Erinnerungen anspielen, wie der Titel einer vorangegangenen Performance, „Absence of Promised Safety“, auch deutlich machte.

Elodie Carstensen:

Lennart Bohle ist ein Modedesigner aus Pforzheim. Für den gelernten Schneider spielt traditionelle Handwerkskunst eine wesentliche Rolle, gestalterisch liebt er skulpturale Silhouetten und digitale Experimente. Er sucht Verbindung von Tradition und Zukunftstechnik. Die Innovation implementiert er in in ein künstlerisches Gestaltungsverständnis und darum ist ein Lifestyleambiente für die Präsentation nicht so naheliegend, sondern eher eine Exponat-Besichtigung wie in einer Galerie oder klassischen Ausstellung, bei der man die skulpturale Kunst von nah oder fern, (fast) rundum begehen und betrachten kann und sich die Addition zu einem Prospekt fügt.

Lennart Bohle:

Das Label PLNGNS erschien im August 2021, seit 2024 berichten wir von ihm. Im Zentrum stand da die Demonstration, wie man aus Teilen alter Schuhe fast ohne CO2-Fußabdruck neue Schuhe herstellen kann, mehr noch: ganze Kleidungsstücke mit attraktivem Erscheinungsbild. „Alte Turnschuhe müssen nicht als Müll verbrannt werden. Wir zeigen, dass es einen anderen Ausweg gibt“, sagt Mitya Hontarenko, Gründerin von PLN-GNS. „Und es kann auch stylisch und cool sein“. Mittlerweile hat PLNGNS die gestalterische Palette vergrößert, ohne Einschränkungen bei der ambitionierten Nachhaltigkeit zu machen. Die Turnschuhverwandlung als Nachhaltigkeitsprodukt mündet nun in vielseitigen stylischen Angeboten und Sommerfreizeit als assoziiertes Ambiente repräsentiert das als Beispiel für lebensnahe, launige Alltagsästhetik.

PLNGNS:

Natascha von Hirschhausen ist seit langem schon mit eigenem Label aktiv und verfolgt konsequent die Idee von Nachhaltigkeit mit dem „no waste“-Prinzip: alle Schnitte sind so angelegt, dass vom Stoff möglichst nichts übrig bleibt und selbst Reste noch geschickt in die Gestaltung eingebaut werden. Handwerklich erfordert das einige Pfiffigkeit und auch eine gewisse Flexibilität im künstlerischen Gestaltungsprozess. Dabei geht sie von eher schlichten, klaren und beherrschbaren Ausgangsentwürfen aus, was auch ihre stilistische Prägung erkennbar macht. In ihrer Installation läßt sie handwerkliche Arbeit ihres Ateliers sichtbar werden, indem Mitarbeiter probieren und experimentell Entstehungsprozesse miterlebbar machen.

Natascha von Hirschhausen:

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Text & Bilder: Boris Marberg

In Zürich zeigten sechs Absolventen der F+F Schule für Kunst und Design ihre „Capsule Collection“ von je fünf exemplarischen Kreationen am Campus der Hochschule.

Die F+F Schule für Kunst und Design in Zürich ist die größte unabhängige Kunst- und Gestaltungsschule der Schweiz und eine von derzeit vier anerkannten Institutionen in welchen junge Kreative sich beruflich für die Modebranche ausbilden lassen können. Seit ihrer Gründung Anfang der 1970er Jahre steht die Institution für avantgardistische, progressive Ansätze und bietet praxisnahe Ausbildungen. F+F steht hierbei für Form und Farbe, in Anlehnung an den legendären Vorkurs des Bauhauses gleichen Namens.

Alle sechs Designerinnen und Designer zeigten grundsolides Handwerk und konzeptionell durchdachte Ansätze und Umsetzungen.

Annika Javet hat ihre Kreationen unter den Namen „Women of glass“ gestellt. Die Namensgebung nimmt Bezug auf weibliche Perspektiven und Fragilität. Experimentiert wird mit raumgreifenden Silhouetten, warmen Farbklängen und pointierten Details, welche die Looks fantasievoll abrunden. Die Looks sind wie architektonische Skulpturen  geformt. Bereits der erste Look schlägt prägend auf – Dekonstruktion, Schnürung um die Taille. Das markanteste Element dieses Looks ist aber die Kopfbedeckung aus ausgefranstem, rosa Jeansstoff. Sie ist wie ein kleines Haus oder ein Turm geformt. In die Struktur sind kleine Fenster eingearbeitet, in denen bunte Objekte oder Spielzeuge (wie kleine Figuren oder Perlen) platziert sind. Bei einer anderen Kreation wird ein weißes Brustblatt mit einem modellierten Gesicht gezeigt, welches rückenfrei und nur mit perlierten Schnürchen am Oberkörper gehalten wird; eine große Kappe als Kopfbedeckung mit Blütenblättern greift zudem ikonisch in den Raum.

Einen anderen Ansatz verfolgt Juan Adami mit seinen Entwürfen, welche er mit „OUT$IDE PARADEPLATZ“ betitelt hat. Das ist ganz greifbar und lokal verankert. Er orientiert sich an Streetstyle-Fotografie und dem jungen, urbanen Treiben an Orten, die spannungsgeladen sind. Der Zürcher Paradeplatz steht für Luxusmeile und Banker. Drumherum positionieren sich Gegenpole, kokettieren und rebellieren. Lederjacke, Schichtungen, Denim, Hoodie und eine comicbunte Hose stehen neben einem Oversize-Mantel, der mit einer feinen Kette zusammengehalten wird. Das schafft Kontraste.

Die Designerin Ganna Starykh setzt sich mit ihrem kulturellen Erbe und ihrer heimischen Mythologie auseinander. Ihre Kollektion nennt sie „Shadows of Forgotten Ancestors“ (ukr. Тіні забутих предків) – eine Anspielung auf ein Werk klassischer ukrainischer Literatur des literarischen Impressionismus und Modernismus von Mychajlo Kozjubynskyj. Dies ist ein Drama um Liebe und Fehde, dessen Verfilmung durch Sergei Paradschanow im Jahr 1965 als Protest gegen die russische Unterdrückung jener Zeit eingeordnet wird. Die kleine Kollektion wird mit einem völlig verhüllten Look eröffnet, der stilistisch an Darstellungen von Wassernymphen (Rusalky) sowie an Marena, die Göttin des Winters und des Todes, anknüpft. Die weiteren Looks bauen folkloristisch und mythisch geprägt auf dieser Interpretation auf und generieren starke Silhouetten mit reichhaltiger Ornamentik. Immer wieder findet sich feiner, silberfarbener Drahtschmuck, der an Talismane erinnert. Dies gipfelt in einer Kopfbedeckung mit einem Tierschädel – Macht und Schutz statt Verletzlichkeit. Dieser Look wirkt wie die Manifestation einer Herrscherin oder Jägerin jener Mythologie.

Maryam Silvia El Dabboussi beschäftigt sich in ihrer Kollektion „Sehnsucht nach Heimat“ mit persönlichen Erfahrungen mit Migration. Sozialwissenschaftlich stehen die Begriffe „Migration“ und „Migrationshintergrund“ verstärkt in der Kritik, da diese nur Teilaspekte sehr komplexer sozialer Strukturen und Realitäten vereinfachen und pauschalisierend zusammenfassen. Auf den Punkt gebracht stellt sich die Frage nach der Perspektive und der kulturellen Homogenisierung, wenn alles in einen Topf geworfen wird, was sich um diesen Themenkomplex dreht. Das bezieht sich insbesondere in der Mode auf die Fragestellungen von Verschmelzung und kultureller Aneignung. El Dabboussi wirft modisch Schlagworte in den Raum, die sie als Parolen in der Kunstform des Taggings auf der Kleidung platziert – „Safety First“ und „Middle East“ sind da zu finden – und zwar auf Looks, die weitestgehend auf skulpturalem Layering basieren und weit ausladende A-Silhouetten herausbilden. Besonders sticht ein sehr minimalistischer Look heraus, der gerade nicht auf das Stilmittel der Scribbles und Edding-Inschriften zurückgreift. Dieser ist als ein weiter, glockenförmig ausgestellter Mantel aus einem semitransparenten, milchig-weißen Material, ähnlich einem Regenponcho, konzeptioniert. Das Model trägt darunter (nur schemenhaft erkennbar) ein schlichtes, enganliegendes, tiefdunkles (schwarzes oder dunkelblaues) Kleid oder eine entsprechende Top-Hosen-Kombination. Dies lässt sich der Tradition der konzeptuellen und dekonstruktivistischen Mode zuordnen. Das Design will nicht primär „schön“ oder kommerziell sein, sondern eine intellektuelle bzw. gesellschaftskritische Aussage transportieren. Genau dieser radikale, konzeptgetriebene Ansatz ist das Markenzeichen von Abschluss-Shows führender europäischer Kunsthochschulen, bei denen Studierende dazu inspiriert werden, die Grenzen von Tragbarkeit und Ästhetik komplett aufzubrechen.

Bei der Kollektion manifest 5: perturbatones von Daniel Frank wird eine komplett anderes Konzept umgesetzt. In seinen Entwürfen setzt er sich mit Ängsten, Spannung und Verletzlichkeit auseinander und versucht diese emotionalen Innenwelten modisch zum Ausdruck zu bringen. Die männlich gelesenen Looks spielen mit oversized Silhouetten die geduckt oder eingesunken sind, und mit überlangen Ärmeln, welche die Hände verdecken. In der Modepsychologie symbolisiert das Verbergen der Hände oft den Entzug von Handlungsfähigkeit, Schutzsuche oder das Gefühl der Ohnmacht gegenüber inneren Ängsten. Auch hier finden sich bei fast allen Looks ausgeprägte Schichtungen um den Körper abzugrenzen. Vieles wirkt asymmetrisch und unvollständig, auf der Suche und noch nicht völlig in der Welt angekommen, aber schon sehr präsent. In der Gesamtbetrachtung sind die Looks von Daniel Frank durch Tragbarkeit und eine kommerzielle Ausrichtung gelungen umgesetzt.

Annika Javet – Women of glass

Juan Adami – OUT$IDE Paradeplatz

Ganna Starykh – Shadows of Forgotten Ancestors

Maryam Silvia El Dabboussi – Sehnsucht nach Heimat

Daniel Frank – manifest 5: perturbatones

Arwen Aylin Andenmatten – DIVA

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Viel Streetware und Experimente

Text & Bilder: Boris Marberg

Während am ersten Tag der Mulhouse Fashion Week vorwiegend repräsentative und verspielte Damen-Abendmode im Fokus stand, bot man am zweiten Veranstaltungstag weiteren jungen regionalen und nationalen Modeschaffenden ein Forum für avantgardistische Entwürfe und zeigte auch Streetwear.

Die gebotene Bandbreite an Tragbarkeit und politischer Positionierung war sehr weit gefasst und pendelte zwischen Upcycling-Patchwork und traditioneller Handwerkskunst. Gezeigt haben folgend Marken: 2hugetitss, KFFASHION, Enjoy Studio, Vinca Schiffmann, NG4, Minteh, Agau Studio, Campredonde, Ostuff.

Den Start am Samstag macht das Label mit dem irritierenden Namen 2hugetitss. Der spielt aber gestalterisch eher keine Rolle, es handelt sich vielmehr um ein Streetwear-Label, das sich eigentlich auf urbane Accessoires, insbesondere Kappen, spezialisiert hat und diese primär über soziale Netzwerke vermarktet. Die Marke will so eine junge, digital affine Zielgruppe ansprechen, die von aktueller Internet- und Popkultur geprägt ist. Hier nun legt das Label eine Kleidungskollektion vor. Die gezeigten Looks, die oft aus Binden-Wicklungen bestehen, zielen auf einen Ausdruck von wild und crazy, propagieren Befreiung wovon auch immer („free as 2hugetitss“) und scheuen dabei auch vor überzeichnenden, kostümbildnerischen Zusätzen nicht zurück.

KFFASHION, das Label der brasilianischen Designerin Kamila Ferreira, kommt aus Paris. In ihrer Mode verarbeitet die Designerin starken Verbindung zu ihren südamerikanischen Wurzeln und ihren Erfahrungen mit den kulturellen Unterschieden zwischen Brasilien und Frankreich. Dabei bringt sie sommerliche und verspielte Looks überwiegend für Damen auf den Laufsteg, die fröhliche Lebendigkeit mit kräftigen Farben, figurbetonten Silhouetten und Temperament zusammenbringt.

Das jungen Schweizer Label ENJOY Studio aus Lausanne steht für eine kreative, urbane Generation mit einem Blick für Details, die in fast durchgängig schwarzen Streetwear-Looks daherkommt. Es wird mit Volumen bei den Silhouetten gespielt und Kleidung als Werkzeug der Abgrenzung und Anonymität in Szene gesetzt, die durch Brüche und Details aufgelockert ist. Die darüber hinaus gehende Vorstellung sei,  nicht um jeden Preis das Spektakuläre zu suchen, sondern Stücke zu kreieren, die durch Präzision überzeugen.

Einen konzeptionell ähnlichen Ansatz verfolgt die Designerin Vinca Schiffmann aus Straßburg mit ihrem Label Solyless, welches schon seit 2014 besteht. Glänzende Materialien, perfektionierte Passformen und Volumen, welche an die mutigen Silhouetten und Attitude der 1980er Jahre erinnern, zeichnen die Kollektion aus. Die Stücke sollen alltagstauglich bleiben aber auch für spektakuläre Auftritte beim Abendanlass geeignet sein.

Hinter dem Streetwear-Label NG4 steht der Belgier Noah Godfroid, der eine kleine Kollektion starker Herrenlooks auf den Laufsteg gebracht hat. Das Label ist seit drei Jahren am Start und richtet sich an Menschen, die Luxus im Streetwear-Bereich suchen. Harte Konturen, welche weit in den Raum greifen, prägen die Ästhetik von Godfroid, der es außerdem geschickt schafft, verschiedene Materialien zu kombinieren.

Minteh ist ein junges französisches Streetwear-Label aus Grenoble, das einen urbanen Western-Look („Style Cowboy“) forciert. Die Kollektionen umfassen moderne Streetwear mit spezifischen, popkulturell angehauchten Cowboy-Motiven. In Mulhouse war das Label mit einer der umfangreichsten Kollektionen am Start.

Die Kreative hinter dem 2024 gegründeten Label Agau Studio ist die Designerin Axelle Gaudel, ursprünglich aus Besançon, die  zwischen Paris und Straßburg pendelt. Sie hat zuerst Modedesign in Straßburg studiert und vertieft dies gerade in Paris  am Institut Français de la Mode. Die junge Designerin richtet ihre Kreationen weitgehend auf handwerklich solide Umsetzungen aus und experimentiert mit bereits vorgegebenen Materialien. Sie greift auf Secondhand zurück und upcycled was sie spannend findet, oder sie nutzt Restbestände, die als Überbleibsel von kommerzieller Produktion zur Verfügung stehen. So entstehen weite Roben und Kleider, die sakral wirken oder Herrenmäntel, die mit Volumen spielen und bewusst unfertig daherkommen – Kleidungsstücke, die auf der einen Seite verspielt wirken und auf der anderen zeigen, dass der Entstehungsprozess im Vordergrund steht.

Mit dem Team von Jérémy Champredonde und dem gleichnamigen Label wurde dem Publikum in Mulhouse eine facettenreiche Inszenierung aus dem Bereich Kostümbildnerei präsentiert. Hier hat die Gestaltung sich kreativ im Phantastischen ausgelebt, was auch an zeitgenössische Filmkunst im Serienformat erinnert. Neben Kostümen bietet das seit 2024 bestehende Label auch eine Prêt-à-porter-Linie an, die für den Alltag ausgerichtet ist.

Abgeschlossen wurde der zweite Tag und damit auch die zweite Mulhouse Fashion Week durch eine umfassende Präsentation des Labels Ostuff, 2023 gegründet und aus Paris stammend. Seine Designsprache kommt postapokalyptisch daher und experimentiert mit düsteren futuristischen Welten, in denen das Funktionelle die tragende Rolle des menschlichen Seins spielen solle.
Insgesamt entfaltet sich auf dieser Mulhouse Fashion Week eine sehr breite Palette mit Gestaltungspositionen der Gegenwart, von romantischen femininen Ideenwelten über Crazyness bis hin zur Dystopien.

2hugetitss

KFFASHION

Enjoy Studio

Vinca Schiffmann

NG4

Minteh

Agau Studio

Campredonde

Ostuff

Referenzen:

• KFFASHION – https://www.instagram.com/kffashionshop/
• Enjoy Studio – https://www.instagram.com/enjoy.studio.off/
• Vinca – https://www.instagram.com/vincaschiffmann/
• NG4 – https://www.instagram.com/noahgod4/
• Minteh – https://www.instagram.com/mintehworld/
• 2Huge – https://www.instagram.com/2hugetitss/
• AGAU Studio – https://www.instagram.com/agaustudio/
• Campredonde – https://www.instagram.com/champredonde/
• OSTUFF – https://www.instagram.com/ostufff/

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Regionale Formate für die Präsentation kleiner Marken

Text & Bilder: Boris Marberg

Am ersten Mai Wochenende fand zum zweiten Mal die Mulhouse Fashionweek statt. Sie positioniert sich als regionale Plattform für kreative Modeschöper in der Region des Dreiländerecks mit dem Anspruch, eine ambitionierte Mischung aus regionaler Identitätsstiftung und innovativem Showcase zu sein.

Dabei setzt der Initiator Hicham Bensoussi mit seinem Team auf ein „Boutique-Event“ für interessierte Personen und will eine Kommunikationsplattform für junge Marken aus der Region oder mit Bezug zur Region etablieren. Neben den klassischen B2B Modewochen, die sich an Fachpublikum wenden, haben sich inzwischen unterschiedlichste Konzepte kleiner Modeveranstaltungen herausgebildet, die sich an Endkunden und Fachpublikum richten und teilweise unter die Rubrik Stadtmarketing fallen, oder reine Unterhaltungsformate darstellen. Als solches ist diese Schau zu verstehen, vergleichbar der Fashion Open Air auf dem Berliner Alexanderplatz, über die wir letztes Jahr berichteten.

Für die zweite Auflage konnte man das Musée National de l’Automobile, welches aktuell die weltgrößte Automobilsammlung beherbergt, als Veranstaltungsort gewinnen. So war man in der Lage in einem ansprechenden Rahmen knapp 30 Kreativen die Möglichkeit zu bieten, einen Blick auf individuelle Mode unterschiedlichster Ausrichtung zu werfen. In je zwei großen Modenschauen wurde dem Publikum sehr unterschiedliche Mode geszeigt. Showrooms für den Verkauf standen leider für diese Saison noch nicht zur Verfügung, wie man es von der einen Steinwurf entfernten Blickfang in Basel kennt, auf welcher rund 120 unabhängige Designlabels aus ganz Europa handgefertigte Unikate und Kleinserien präsentieren.

Mit unter anderem den Marken Maji Couture, The experiment, BK Créations Couture, Neda, EVE 00, Lunhelios und Feminelle wurden sehr unterschiedliche modische Ansätze und Marken präsentiert, die aber allesamt doch in den beiden Modeschauen gut zueinander gepasst haben, da die Leitideen des Modedesigns auf ähnlichen Voraussetzungen beruhten. Zu den jeweiligen Marken:

Maji Couture hat algerische Wurzeln und steht unter der Leitung von Designerin Maji Ali und ihrer Tochter. Die Kollektion zeichnet sich durch Einflüsse moderner französischer Eleganz und algerischer Handwerkskunst aus. Karakou-Jacken und die aufwändig gestalteten traditionellen Kaftane zeichnen sich durch schwere Samtstoffe, luxuriöse Seide und extrem aufwendige Gold- und Silberstickereien aus. Die Jäckchen werden mit lockeren Seroual-Hosen kombiniert. Massive Halsketten, Armreifen und Stirnschmuck aus Gold oder Silber dürfen bei dem Prunk nicht fehlen.

The Experiment – Benjamine Sibler – die junge französische Designerin hat sich mit dem Upcycling von Jeanswear beschäftigt und trennt vorhandene Stoffe und Kleiderstücke auf, um diese jeweils zum Beispiel mit Kettengliedern und Ösen neu zu strukturieren, um Flächenkontraste und Brüche in den Silhouetten spannend zu gestalten. Dabei entstehen Jeansmäntel, -hosen, -kleider und Jeanstaschen, die sich einem Post-Punk-Denim-Stil annähern, der durch eine kühle, introspektive Ästhetik geprägt ist.

BK Créations Couture reihte sich in Mulhouse in die Präsentationen von individueller, schmucker Damenabendmode ein, die Aufsehen erregen will und den Charakter der Trägerin unterstreichen soll. Auch hier steht die Handwerkskunst im Vordergrund. Hinter dem Label steht Brigitte Khedimellah aus Saint-Louis, sie bezeichnet sich als autodidaktische Designerin. Jedes Outfit wird als Einzelstück gedacht, als eine eigene Präsenz. Dazu greift die Designerin auf bereits bestehende Kleider zurück, die dekonstruiert, auseinandergenommen werden und in einem Upcycling-Prozess zu neuem Leben erweckt werden. Ihr Ziel ist dabei eine viktorianischen Ästhetik aufzugreifen und mit zeitgenössischen Einflüssen zu Steampunk-Elementen und einem Hauch industrieller Poesie zu führen.

Mit ähnlicher Ausrichtung präsentierte auch die  Marke Neda reichlich verzierte Abendmode für Damen, die auf Repräsentation und Prunk setzen. Neda Porphyrozei hat eine Dependenz in Basel, hat aber ihre Wurzeln in Serbien. Dort konnte die Designerin auch schon im Rahmen der Serbischen Fashion Week ihre Kreationen präsentieren.

Ebenfalls auf eine elegante Ausrichtung, aber mit Einfluss von Streetwear, zielt die junge französische Designerin Eve 00, die bei Paris mit ihrem Label angesiedelt ist. Statt den Familiennamen im Label zu tragen setzt man auf „00“, was für 00.00 Uhr steht und einen Startpunkt symbolisieren soll. Eve hat Modedesign an der Atelier Chardon Savard studiert. Diese zählt zu den renommiertesten Mode- und Designschulen Frankreichs und ist bekannt für eine Ausbildung, die stark auf kreative Entwicklung, handwerkliche Praxis und individuelle Ausdruckskraft setzt. Den Kern der kleinen gezeigten Kollektion bilden, lange Mäntel über Overalls und Hosenkombinationen – schwere Materialien kontrastieren mit leichter Transparenz bei Schichtungen – auch Upcycling kommt zur Anwendung.

Lunhelios, die Marke der Designerin Aygun Samedova setzt ebenfalls auf repräsentative, elegante und individuell ausdrucksstarke Damen-Abendmode, basierend auf traditioneller Handlesekunst und hochwertigem Material. Ein besonderer Augenmerk wird auf die schmucken Accessoires gelegt, die mit zum Beispiel Perlenschleiern einzelne Looks markant ergänzen. Geschickt entsteht ein Hauch von Anlehnung an die Mode der 1920er und 1930er Jahre mit futuristischem Einfluss.

Designer:

Maji Couture:

The experiment:

BK Créations Couture:

Neda:

EVE OO:

Lunhelios:

Feminelles:

Referenzen:

• Maji Couture – https://www.instagram.com/maji_couture_france_algerie/
• The experiment – https://www.instagram.com/_the_experiment/
• BK Créations Couture – https://www.instagram.com/bk_creations_couture/
• Neda – https://www.instagram.com/porphyrozei/
• EVE 00 – https://www.instagram.com/eve00.fr/
• Lunhelios https://www.instagram.com/lunhelios.as/
• Feminelles ­ https://www.instagram.com/feminelles_vm/

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Text: Boris Marberg

Artikelbilder: HDK, Cover Boris Marberg

Am vergangenen Samstag fand im Kunsthaus Baselland die aktuelle Präsentation und Performance der Graduierten des Jahres 2026 im Studiengang Doing Fashion statt. Ein guter Anknüpfungspunkt, sich mit dem Studiengang und der Ausrichtung der HGK in Bezug auf Modedesign zu beschäftigen.

Unsere Sichtweise auf Mode und den entsprechenden industriellen Komplex unterliegt seit Jahren einer Polarisierung, die von Fast Fashion und einer zunehmend (un-)social-media-bedingten Beschleunigung geprägt ist. Die individuelle Orientierung wird für die jüngere Generation zu einer existenziellen Herausforderung. Die Beschleunigung, der zeitgenössische Akzelerationismus, ist zwar nicht abrupt vom Himmel gefallen, wütet aber aktuell kulturell wie noch nie und frisst schonungslos, gewinnmaximierend, die Ressourcen. Berge an überproduzierter Kleidung häufen sich an und stellen Fragen nach Alternativen in den Raum, denen man sich auch in Basel annimmt.

Bereits 2011 fand eine tiefgreifende Umgestaltung und Neuausrichtung des Studiengangs statt. Unter der Leitung von Jörg Wiesel, der aus der Theaterwissenschaft und Literaturwissenschaft kommt, wurde ein Bachelor of Arts (BA) in Mode-Design konzipiert, der Mode nicht nur als fertiges Produkt fokussiert, sondern Mode als Prozess und soziale Handlung versteht. Während früher in Basel klassisch Modedesign gelehrt wurde, mit allen Aspekten der Gestaltung und der technisch-handwerklichen Umsetzung, geht es an der HGK nun darum, an einer gesellschaftlichen Schnittstelle anzusetzen. Die Studierenden setzen sich mit Themen wie Gender, Nachhaltigkeit, digitalen Räumen und sozialer Gerechtigkeit auseinander. Früher lag das Hauptgewicht auf dem Erlernen von Schnitttechnik, Materialkunde und der Fertigung physischer Kleidungsstücke für einen klassischen Markt. Heute beschäftigt man sich damit, Mode gesellschaftskritisch zu hinterfragen, wie sie wirkt, und welche gesellschaftliche und kulturelle Funktion sie hat. Konsequent findet für die Absolventen nicht eine klassische Modenschau statt, sondern eine Live-Performance und Installation bilden das Format für die Vermittlung.

Das erarbeitete Wissen und die gefundenen Prozesse sollen eine Basis bilden, um die erworbenen Fähigkeiten als Impulse in einem dann folgenden weiteren Designwerdegang einzubinden und mit einer kritisch reflektierten Sichtweise neue Impulse nachhaltig in die Branche zu vermitteln.

In den vergangenen Jahren hat diesen Werdegang unter anderem der junge, prämierte Designer Rafael Kouto durchlaufen, der 2014 seinen Bachelor in Basel machte, um dann seinen Master in Amsterdam zu absolvieren. Er steht für radikales Upcycling, Open Source in der Mode durch demokratisierte Wissensvermittlung und Bildung in der Schweiz.

Die aktuelle Performance wurde von den Studierenden zusammen mit Nils Amadeus Lange, Dozent für Performance und Präsentation an der HGK, konzipiert und umgesetzt. Im Kunsthaus Baselland wurden dann einzelne Fragmente der im Rahmen der Abschlussarbeiten konzipierten Performances gezeigt.

Bada Mirjam Kunzi

Hannah Maywald

Jerômé Spiria

Noemi Sophia Henkel

Sofiia Schmanskaya

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Text und Bilder*: Gerhard Paproth

Paris ist in den Ferien. Und während die Pariser Urlaub machen, fluten unzählige junge Fashionistas die ganze Stadt. Das setzt der nachhaltigen Verjüngungskur des Stadtbildes und -lebens noch einmal eine zusätzliche attraktive Note hinzu, auch wenn man ahnungslos bleibt, was die alle während der Fashionweek die ganze Zeit treiben. Immerhin findet man Fanmassen draußen vor den Locations der großen Fashionshows und die unzähligen, trotzdem meist spärlich besuchten Pop Up Shops kleinerer Modelabels versuchen in der Innenstadt, von diesem Publikum zu profitieren, ein Mysterium bleibt das trotzdem.

„Irgendwie dabeisein“ ist vielleicht eine nachvollziehbare Antwort, die vielen Einkaufstaschen richten die Vermutungen immerhin aufs Konsumieren – die Fashionweek als große Shoppingtour in Paris. Denn selbst für bekannte Influencerinnen und für internationale Presse ist der Zugang zu den Schauen meistens ausgeschlossen und bleibt wenigen VIPs vorbehalten, die ausgesucht eingeladen – und auch dafür bezahlt – werden. Akkreditierungsversuche, das gehört zum arroganten Exclusiv-Nimbus dazu, werden gar nicht erst beachtet oder beantwortet und im persönlichen Gespräch auch gedemütigt. Frankreich liebt das so (und die vielen unbezahlten PR-Praktikantinnen erleben ihre ersten – und auch letzten – Macht- und Hochgefühle im Business). Das war schon immer so und ist Teil der großen Show in dieser Stadt.

Aber die Pariser Fashionweek hat ausserhalb seiner Youtube-Dokus auch demokratische Einrichtungen, bei denen es um die Mode selbst geht und nicht ums Dabeisein, dazu gehört die Modefachmesse Tranoï, wo die international innovativen kleineren Labels sich positionieren und Mode weniger über Image als über pfiffige und zeitgeistige Gestaltung präsentieren und letztlich auch marktfähig machen. Für die aufgeregten Fashionistas weniger, aber für uns ist das allemal die spannendere Perspektive, denn der Hype um Exclusivität und ihre Auftrittsspielchen sind mitnichten das, was zeitgenössische Mode ästhetisch attraktiv macht. Er verhindert den Blick auf die multinationalen Strömungen, auf individuelle Konzepte, auf Eigenwilligkeiten und Trouvaillen. Die kann man hier auf der Messe entdecken, wenn man sich nicht mit dem begnügt, was man da draußen im Show-Publikum zu sehen und zu goutieren bekommt.
Insofern ist die „Tranoï“ eine relativ demokratische Institution im offiziellen Gefüge, spannend und sehr zeitgeistig allemal. Und, erinnern wir uns, auch Namilia entdeckten wir erstmalig in der Popup-Minimesse Dach Showroom (Paris FW SS2020), da waren sie noch Avantgarde.

Diese Saison hat die Modefachmesse Tranoï das offene Konzept zugunsten einer vorangelegten Wegstrecke erneuert, das vereinfacht die Orientierung allerdings nur wenig, wenn man entdeckt, zurückkommt, spontan erkundet. Aber länder- oder kontinentmäßige Gruppierungen sind geblieben und sehr aufschlußreich im System. Neben Kleidung nehmen Accessoires einen großen Stellenwert ein, auch dafür ist die ruhige Betrachtung gegenüber den schnellen Schauen ein echter Gewinn.

Mit all den vielen spezifischen Auskünften der Designer selbst zu den Kollektionen verbleibt mit dem Besuch unterm Strich eine großartige Vielfalt, unaufgeregt aber hochklassig und einfallsreich, deren moderner Zeitgeist allemal realistischer und universaler daher kommt, als ein paar erkämpfte Schauenbesuche. Und die Messe ist groß, das Angebot unendlich – wir zeigen darum wie immer ein paar subjektiv zusammengestellte Beispiele, unkommentiert.

AANRO studio, Ungarn:

ACHI, Ukraine:

ARTAVAZD PARIS, USA:

ANTÙRA, Italien:

CONNADE,Südafrika:

GABRIELE FRANTZEN, Frankreich:

GREVI, Italien:

GUGUBYGUGU, Südafrica:

HESTER VAN EEGHEN, Niederlande:

JLYNCH, Brasilien:

KATA SZEGEDI, Ungarn:

KIRIKO SATO, Frankreich:

LATE FOR WORK, Marokko:

MADISO, Vereinigte Arabische Emirate (Dubai):

MIA PERU, Peru:

MILONA, Frankreich:

NALEBE, Nigeria:

STUDIO NAMNYAK, Kenia:

SARAH MAJ, Marocco:

SENORITA, Großbritannien:

SUSANNE BOMMER, Deutschland:

THE FOUR, Ungarn:

THEA MIKA, Deutschland:

VALTADOROS, Griechenland:

VIVYINROSA, Italien:

ZILLA, Italien:

*Das Vorschaubild ist das offizielle Plakat der Veranstaltung

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

In der Feuerle Collection – einem düsteren „Kunsttempel“ – wurde die erste Kollektion des Labels Unvain um den Gründer und Creative Director Robert Friedrichs präsentiert. Die brutale Betonästhetik des Weltkriegsbunkers erweist sich als kongenialer Ort für die Designästhetik von Unvain, die in der Berliner Club- und Subkultur verwurzelt ist, welche ebenfalls eine Affinität zu solchen Orten hat. Die minimalistische und konstruktivistische Gestaltung der Kleidung fügt sich so, mit einer fast kultischen Inszenierung, in den brutalistisch definierten Raum.

Fern vom Tageslicht und bei spärlicher Ausleuchtung wirkt die Schau kathedral, was durch Accessoires der Modelle, die Thuribula (schwenkbare Rauchgefäße) über den Laufsteg trugen, verstärkt wurde. Damit platzierten sie eine eigens für die Schau (in Zusammenarbeit mit RYOKO Berlin) entwickelte Duftinstallation. Man assoziiert mit dieser Inszenierung eine Messe für das antike Göttliche der Mode – vielleicht sogar mit Athene, die als Schutzpatron in der Webkunst und des Spinnens gilt. Bei der stilistisch auf Formgebung und Konstruktion ausgerichteten Kollektion von Unvain wäre das immerhin passend, mit einer Suche nach Schönheit jenseits von Glamour und Hochglanz.

Bei aller Härte der Formgebung leben die Looks, denn sie sind mit gezielten Akzentuierungen versehen und sie spielen mit harten Übergängen von unterschiedlichen Materialien oder Nuancierungen in der Hell-Dunkel-Farbgebung. Die Formen zeigen jeweils klare Kanten, grenzen ab und sind kompositorisch durchdacht arrangiert. Für die Wirkung spielt es dabei keine Rolle, ob harte, abgrenzende Materialien zum Einsatz kommen oder mit Transparenz und dem Durchscheinen bis auf die Haut gespielt wird. So kann ein transparenter Damenlook mit applizierten Posamentenborten, die an Zirkus-Uniformjacken erinnern, gleichrangig neben einem Herren-Look mit einer weißen Uniformjacke, ebenfalls mit solchen Posamentenborten, stehen. Die ist wiederum mit einer Used-Demin-Hose kombiniert.

Insgesamt vermittelt die Kollektion eine eher düstere, raue Note, die auch durch die weißen Teile und die wenigen spielerischen Applikationen nur bedingt aufgefrischt wird: hier lebt Brutalismus in mode-designter Perfektion. Verbunden wird diese formale Gestaltung mit einer gewissen Note von „benutzt und befleckt“, wenn Jeans manuell bearbeitet und verschlissen sind oder Flecken appliziert wurden. Das unterstreicht einerseits das Rohe und löst andererseits die formale Strenge, die zu Sterilität neigen könnte, geschickt auf.

2020 hat der Designer Robert Friedrichs das Label Unvain in Berlin gegründet und fügt damit dem Modeimage der Stadt eine ausgeprägte Note hinzu, die sich entsprechend aus dem Geist der Subkultur ableitet. Seine erste Kollektion auf der Fashionweek versucht die charakteristische Rauheit mit Raffinesse und Sinnlichkeit zu veredeln und die Anknüpfung an die Architekturästhetik des Brutalismus modisch neu zu beleben.

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4. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the runway end. Am letzten Tag der Fashionweek wohl auch im RAUM.Berlin. Nachdem zwölf Designer an diesem Ort mit diesen Leitfragen ihre Kollektion mit experimentellem Format vorgestellt haben, wird deutlich, dass hier ein gutes alternatives Format kreiert wurde, das viele von ihnen optimal und kreativ zu nutzen wussten. Zu den spektakulären gehörte auch Karin Brettmeisters Ritual Unions mit einem tableau vivant, das wirklich Spass machte, sowohl den Darstellern als auch dem Publikum. Ein Bankett, angerichtet für Frauen, die in den edlen Dessous beziehungsweise Brautkleidern des Labels erscheinen. Ähnlich wie Bildwelten (und Lifestyle-Fantasien) von Ellen von Unwerth und von Agent Provocateur entwirft Ritual Unions hier eine lebendige Anschauung ihrer modernen, alternativen Braut- und Couture-Kleider, die fast übergangslos aus edlen Dessous erwachsen und genau an dieser Schnittstelle Individualität, Einstellung und Selbstdarstellung ansteuern. Schwerpunktmäßig ist die Kollektion an Frauen gerichtet, aber nicht ausschließlich, und sie feiert den vergnügten Eros der Weiblichkeit, der in der Produktion stets individuell ausgelegt wird. Das tableau vivant (lebendes Bild) war im ausgehenden 19. Jahrhundert groß in Mode und es dürfte, wenn es kreativ angelegt ist, durchaus als Leitformat für die RAUM.Berlin-Präsentationen attraktive Wiederauferstehung feiern. Wenn es gut war, war es allerdings auch sehr aufwändig, aber auf heute bezogen und verglichen mit schlicht inszenierten Runwayshows kann das die bessere Entscheidung für Modedesigner sein.  Das verbundene Lebensgefühl lässt sich besser szenisch evozieren und im Vergleich zum oft eigentümlichen Schauen-Großaufwand der großen Luxusmarken auch überschaubar finanzieren.

Letztlich hat jedes teilnehmende Label eine eigene Idee zur Konstellation einer Installation entwickelt, die zum jeweiligen Selbstverständnis des Modemachens passt, mal erscheint das dann spektakulär, mal weniger. Das ist nicht nur eine Frage, wie man jenseits der Mode auch kreativ denken und konzipieren kann. Es erfordert zuerst eine bewußte, eher konkrete Lifestyle-Philosophie für die eigene Mode, die eine fantasievollere, anschaulichere Lebenswelt im Kopf des Designers voraussetzt, als viele sich das gemeinhin vergegenwärtigen. Diesen Abstraktionsschritt haben früher Werbeagenturen mit Werbespots und Werbebildern übernommen. Hier macht das das Label selber.

Und, das ist wohl ein weiterer Vorteil, mehr Publikum kann dichter an den assoziierten Lifestyle herangeführt werden, als auf einer Catwalkschau.

Die exzentrischen und auch futuristisch anmutenden Kollektionen von Maximilian Gedra verstehen sich als skulpturale Kunstwerke und sollen auch wie solche erscheinen. Sie sind eher selbstbezogen und darum als monolithische Positionierungen jeweils für sich gestellt. Man erwandert diese Arbeiten wie Kunst im Museum von Piece zu Piece, jedes eine selbstbezogene Inszenierung für sich, die höchstens mit Licht und bizarren Accessoires (vorwiegend Headpieces) intensiviert wird.

Das Label Sveasøn von Svea und Shirin aus Hamburg gibt sich dagegen vergnügt, kommunikativ und gestalterisch bodenständiger. Die Figuren bevölkern entsprechend locker verteilt den Raum, abwechslungsreich, muster- und farbenfroh. Zusammen ergibt sich für die Mode ein großer Mix aus Materialien, Gestaltcollagen, Mustern, fantasievollen Bildzeichen und auch kleinen Scherzen, der gute Laune suggeriert. Diverse handgetöpferte und bunte Objekte dazwischen verweisen auf unprätentiöses „Gestalten mit den eigenen Händen“ und ergänzen die Vorstellung von einem bunt-fröhlichen Leben.

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Rosa Marga Dahl als Creative Director und Jacob Langemeyer als Co-Designer haben mit ihrer im Wedding gezeigten neuen Kollektion bewusste Spannung zwischen Sichtbarkeit und Introversion thematisch umgesetzt. Der Anknüpfungspunkt für die öffentliche Sichtbarkeit sei dabei die Jagd von Paparazzi auf Prominente gewesen, deren Leben von der Boulevardpresse dem Publikum zum Fraß vorgeworfen wurde. Als Reaktion würde man stilistische Anlehnungen bei strenger, schützender viktorianischer Trauerkleidung aufgreifen. In diesem Sinne kann die Kollektion als Kommentar zur ständigen Beobachtung in einer Welt, die auch von sozialen Medien und Überwachung geprägt ist, verstanden werden.

Als ideeller Akzent wurden bei mehreren Looks kleine Monitore in die Kleidung eingearbeitet, zum Beispiel seitlich an der Schulter beim ersten Herrenlook, einer kurzen Herrenjacke mit schwarzem Stehkragen. Schultern und Taille werden durch die Schnittführung betont. An der linken Schulter ist seitlich ein kleiner Videomonitor eingebaut, wohl im Sinne der oben erwähnten Beobachtung gemeint. Auf diesem  Bildschirm lief eine surrealistische Videosequenz, welche in Zusammenarbeit mit dem Künstler Michael Dahl entstanden ist. Bei den meisten Looks gingen diese Monitore allerdings im klassischen Format der Modenschau als Details und Implementierungen unter – man hat sie schlicht nicht wahrgenommen.

Ein weiterer wichtiger Aspekt der Kollektion ist der Fokus auf Textur und Haptik. Durch die Zusammenarbeit mit handwerklichen Manufakturen und die Verwendung von antikem Leinen, Kaschmir und Leder steht Stofflichkeit im Vordergrund und die technischen Komponenten treten so in den Hintergrund. Eine etwas raue Anmutung ist angestrebt, was auch mit gedeckten Farbgebungen unterstrichen wird. Durch Fransen, Schichtungen und feine Details werden verhaltene Raumbezüge hergestellt.
Auffällig und im Gegensatz dazu, immer wieder – diese Saison nicht nur bei SF1OG – Gummihandschuhe, glatt, klinisch, schützend und distanzierend.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Einen kleinen Entwicklungssprung führt die neue Kollektion von Kasia Kucharska vor und stellt den sympathisch lockeren Frauentyp vor. Eine sehr unernste Prägung von De- und Neukonstruktion, die von Frische und Lässigkeit geprägt ist, ohne auf Stilbewußtsein und Einheitlichkeit zu verzichten.

Helle und klare Farben, wie Weiß, Himmelblau und Rosa erscheinen oft und geben allen Konstruktionen einen leichten Charakter, das scheinbar Lose der zusammengefügten Elemente versinnbildlicht dasselbe in den Konstruktionen, die sich vieler geschickter Mittel bedienen. Die übergroßen, sich frei bewegenden Stulpen an Armen oder Beinen vermitteln Großzügigkeit mit einer gewissen Vehemenz im Auftritt und in Bewegung – auch dies eine unernste, aber wirkungsvolle Übertreibung. Hemden finden in allen Bestandteilen überraschend neue Verwendungen. Überhaupt wirkt nichts zwingend festgefügt und als dauerhaft bestimmt, stattdessen entsteht durch die Raffungen, Zusammensetzungen und formal scheinbar Unvollendetem eine ebenso scheinbare, improvisierte Flüchtigkeit. Hinzu treten an einigen Stellen übertriebene Schichtungen neben Freigelassenem. Auch lustige Späße werden hinzu gefügt wie die überlang herumbaumelnden Strapsbänder, symbolische natürlich nur, aus dem Kunststoff-Gewebe, das wir schon in den vorausgegangenen Kollektionen gesehen haben und das auch anderweitig innovative, neue Verwendung gefunden hat.

Das alles macht großen Spass und ist einfach gut gemacht. Sogar die großen, kitschig-kindlichen Tiermotive auf Brust und Bauch sind Statements der Unbekümmertheit wie auch das verbaute Teddybärfell und vor allem der (täuschende) Eindruck, dass das alles nicht so richtig hält. Letztlich steht, wie eingangs erwähnt, dahinter die Proklamation eines lockeren, sehr weiblichen und noch etwas mädchenhaften Frauentyps, der Spass an momentanen Erscheinungsbildern inklusive diversen Übertreibungen hat, Ordnung als erste Lebensregel zutiefst verachtet und Vergnügen am Launigen und pfiffig Improvisierten vorzieht. Und etwas vom Kindlichen wird auch noch herüber gerettet.

Spass am flüchtigen Jetzt und Freiheit im Auftritt sind eine gute Option unserer Gegenwart und die sollte man – wenn man so jung ist wie diese Zielgruppe – hemmungslos und launig ergreifen. Diese Option kann man sogar zum charakterisierenden Stil erheben und das bietet Kasia Kucharska mit dieser wundervollen, kreativen Kollektion an.

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Text & Bilder. Boris Marberg for BFC

Mit der neuen Kollektion „ROOM-FOR-PLAY“ geht Andrej Gronau spielerisch mit unterschiedlichsten stilistischen Ansätzen in einen kreativen Dialog und mischt auf spannende Weise modische Kleidungskonzepte und archetypische Einzelteile. Das macht Laune, und auch mit etwas Abstand betrachtet finden sich Ansätze, die auf den ersten Blick nicht offensichtlich sind und erfrischen.

Er eröffnet sich mit dieser Kollektion einen weiterentwickelten Ansatz, sich mit Konstruktion und Gestaltung auseinanderzusetzen und seine Ideen zum Ausdruck zu bringen. Geschickt werden die Bezüge der einzelnen Stücke der Kollektion herausgearbeitet und dargestellt. So kommt es zu schönen Kontrastpaaren, etwa einer kurzen Damen-Couture-Jacke mit einer A-Silhouette in goldenem, griffig strukturiertem Brokat mit hellblauem Kragen und einem passenden Herrenlook mit goldener Short und fluffigem hellblauen Herrenpullover.

Solche Paarbildungen, mit verbundenen Details, sei es durch Material, Farbe oder Konstruktion, bilden den Kern der Kollektion, welche durch (Bowling-)Taschen bei Damen wie Herren ergänzt werden. Auch individuelle Stiefel mit handtellergroßen, sternförmigen Ausstanzungen bilden solch ein Paar und werden durch Sternchenanhängern bei den Taschen wieder thematisch aufgegriffen.

Der Designer scheut sich nicht, sehr mutig mit kontrastierenden Materialien zu experimentieren. Neben Brokat, Jacquard und Strick finden sich auch Textilien wieder, die aus dem Bereich der Heimtextilien kommen und eher bei warmen Stoffdecken verortet werden oder an die Taktilität von Plüschtieren erinnern.

Konzeptionell sind die 18 vorgestellten Looks eine konsequente und funktionierende Weiterentwicklung der bereits im Sommer sehr viel Anklang findenden Kollektion, welche sich mit Karo als flächenprägendem Element auseinandergesetzt hat.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Gottseidank gibt es sie noch, die gestaltungsverliebten Traumtänzer in Zeiten grauer Niedergeschlagenheit und zeitgeistiger Dekonstruktion. Thomas Hanisch ist ein solcher, der, nach vielen Jahren Schauen-Pause nun diesen Gestaltungsansatz über die Zeiten rettet und dabei alle pragmatischen Ansprüche an Modedesign aussen vor läßt, soweit sie die Fantasie bremsen.

Hanisch ist auch nicht an Begrenzungen durch zeitgenössische Strömungen interessiert, vielmehr ist er aufgeschlossen für alle Stilismen von Art Deco, Jugendstil über Gothic bis hin zu Futurismen. Das spiegelt sich auch in der Begleitmusik, die von Carl Orff am Anfang über viele komplexe und intelligente Technorhythmen bis zu Camille Saint-Saëns Karneval der Tiere reichte. Er hat seine exzentrische Formensprache seit 2013 sehr kreativ ausgebaut und denkt seine jeweiligen Erscheinungsbilder sehr individuell und in allen Bestandteilen komplett, alle Varianten von Schmuck, Frisuren und Makeup und sogar auffälliger Fingerschmuck sind gerne genutzte und wichtige Optionen. Die damit anspruchsvoll ausgefeilte Gesamtgestaltung ist stets als Unikat konzipert und die Fantasie reicht für eine große Vielfalt der Erscheinungsbilder. Besonderes Interesse richtet er neben der skulpturalen Form auf Materialien, also Texturen und Oberflächenspezifika. Er spielt darüber hinaus mit durchscheinender Spitze und dicken Materialien, die aber auch immer delikat wirken.

Die Lust, die Grenze dessen zu erweitern, was Mode kann und darf, führt stets zu exzentrischen Statements, nicht umsonst sind Lady Gaga und Company begeisterte Kunden, mit jedem Erscheinungsbild ist ein beeindruckender Auftritt und große Betrachtungsfreude garantiert. In der Schau wird die auch mit der sehr langsamen Bewegung der Modelle in großen Abständen ausführlich ermöglicht. Das feiert jedes Outfit angemessen und stellt gleichzeitig die gewohnt hochdynamische Rennerei über Laufstege infrage. Praktisch gesehen gibt das reduzierte Tempo auch Kontrolle über die sehr langen, bodenverbundenen Kleider zurück und bremst die gewohnte Flüchtigkeit der Handywahrnehmung zwingend aus. Wahrnehmung in Ruhe und ausführlich.

Natürlich denkt der Betrachter auch an eine Übertragung in die Realität, und damit sieht es nicht so aus, als ob die vielen exzentrischen Auswüchse in den gegenwärtig erlebten Alltag transportiert werden könnten, wie es in den Zwanziger Jahren des vorigen Jahrhunderts tatsächlich möglich war, zumindestens für Abendveranstaltungen und Film, Exotica, die Wahrnehmungsgewohnheiten prägten und das eine oder andere alltagskomptibel machten. Oder wie in den 80ern, wo auch viele Verrücktheiten in die allgemeine Kultur eindringen konnten. Heute bleiben solche Bizarrerien etwas abseitiger Luxus, leider, aber Haute Couture ist eben wunderbar, wie auch diese Kollektion.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Das Berliner Label Heroin Kids von Christian Kaiser und Corinna Engel präsentierte passend in einem typischen Berliner Club. Wer in den 1990er Jahren seine Jugend verbracht hat, wird bei dem subversiven Hauch von Grunge schmunzeln und sich freuen, dass es diese Lebensart zwischen Provokation, Wildheit und sexueller Selbstbestimmung in einer durchkommerzialisierten Gesellschaft mit einem durchdringenden Instagram-Lifestyle als Gegenentwurf noch gibt. Wenn nicht in Berlin, wo sonst wäre sie so authentisch? Im Kern wird hier eine Sehnsucht nach Authentizität in einer Welt, die von Perfektionismus, Selbstoptimierung und digitaler Inszenierung geprägt ist, gezeigt. Menschen, die sich hiermit identifizieren, wenden sich bewusst von Hochglanzästhetik ab und suchen das Ungefilterte, das Unfertige, das Echte. Und das Eigene. Dysfunktionales Verhalten zeigt sich in Aussagen wie: „Ich mache nicht mehr alles mit“, was weniger aggressiv, dafür umso konsequenter wirkt.

Das Unperfekte wird zum Stilmittel, und die Kleidung wirkt bewusst unfertig mit übergroßen Schnitten – nicht, weil man „lässig wirken“ will, sondern weil das Unpolierte als ehrlich empfunden wird und etwas darstellt, wozu man persönlich steht.

Die Entwürfe sind geprägt von applizierten Flächen mit Statement-Skizzen auf Tops bis hin zum Katzenbild, schimmernd metallischen Jacken, auch bauchfrei, und vielen schweren Stiefeln. Die Stoffe sind manuell bearbeitet, durchlöchert, oft asymmetrisch konzipiert. Es wird mit Transparenz gespielt und viel Haut gezeigt, bei einem wilden Materialmix. Das kommt greifbar und echt daher.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Es ist ein Feuerwerk der Lebensfreude, was sogar die ansonsten eher unberührte Riege der dokumentierenden Fotografen begeistert hat. Die Kollektion von Orange Culture kommt diese Saison fast ungebrochen farbenfroh und optimistisch daher, nachdem Adebayo Oke-Lawals vorausgehende Schau in Berlin noch von traurigen Privatereignissen beeinflusst war.

Wenn man Pressetexte liest, ist man geneigt, die Interpretation in die vorgegebene Richtung zu lenken („In seinen neuesten Entwürfen beschäftigt sich der Designer mit Themen wie Nostalgie, Kindheit und Orten (wie Hinterhöfen), die uns im Laufe der Jahre prägen.“ – daher der Titel) aber in diesem Falle scheint es doch auszureichen, seiner Begeisterung für Lebensoptimismus zu frönen, dafür muss man sich ja nicht zwingend in nostalgische Erinnerungen zurückbeamen. Unsere Zeiten brauchen optimistische Zukunftsmusik und diese Kollektion von Orange Culture kann man auch so herum verstehen. Umso mehr, als unsere Klischeevorstellungen klassischer afrikanischer Stoffe besetzt sind mit selbstverständlicher Buntheit, mit Wärme und mit positiv leuchtender Lebensfreude, aus einem stets sonnigen Land der vielfältigen Muster und Erscheinungsbilder. Diese Kollektion setzt auf zeitgemäße Weise diese tradierten Vorstellungen fort und transportiert eine Menge Inspiration, um die Stimmung der Modebilder der Gegenwart aufzuhellen. Dabei kommt die Kollektion mitnichten folkloristisch daher, vielmehr assimiliert und reflektiert der ursprünglich afrikanische Ansatz die westlichen Modeströmungen in souveräner Weise und führt auch gekonnt afrikanisches Kunsthandwerk mit westlichen Herstellungsweisen und Modevorstellungen zusammen, zu einer globalen Perspektive also, die in afrikanischer Kreativität verwurzelt ist. Diese ungebrochene, stimmige Einheit ist wunderbar gelungen: Mehr noch als hier sieht man in Frankreich viele Schauen mit afrikanisch stämmigen Designern, die in Paris ihre Ausbildung gemacht haben. Und da zeigt sich oft, dass eine ausgewogene, selbstverständliche Verknüpfung der Kulturen eben nicht oft homogen und überzeugend gelingt – es bleibt eher bei Beeinflussungen.

Hier auf der Berliner Fashionweek hat bereits das Label Palmwine Icecream aus Ghana mit Life Moodboard und Muse einen wichtigen und gefeierten afrikanischen Akzent gesetzt, Orange Culture (Lagos, Nigeria) ergänzt diesen Ansatz nun auf eigene Weise, mit ebenso viel Feeling und ebenso erfolgreich.

Im Prinzip ist die ästhetische und handwerkliche Verschmelzung zweier Kulturen also die hohe Kunst dieses Labels, dazu gehören des Weiteren die skulpturalen Schnitte, lebendigen Farbpaletten und sozialbewussten Erzählungen. Der praktische Fokus liegt bei dieser Kollektion auf spezifischen Handwerkskünsten und besonderen Texturen, was sich insbesondere in den zahlreichen Ton-in-Ton-Looks, Makramee- und Häkelkleidern, handgefärbten Stoffen, bunten Drucken, Fransenpullovern, handgefalteten Schlaghosen und gewebten Accessoires zeigt. Sehr komplexe, aufwändige Entwurfs- und Herstellungsweisen, die dann allerdings auch zum Begriff Luxusmode führen, womit der angestrebte Impact dann leider wieder geschmälert wird. Aber für eine überzeugende Modenschau spielt das ja eher keine Rolle.

Und im Grunde ist es auch müßig, über den nostalgisch-persönlichen Background des Designers, über die kunsthandwerklichen Spezifika der Herstellung und über kulturelle Herkunft des einen oder anderen Elements zu sinnieren – die emotionale Begeisterung der reinen Anschauung ist Kennzeichen genug, dass hier eine Sehnsucht eingelöst wird, die eigentlich ganz unspezifisch in uns wohnt. Das dürfte die ganz große Qualität dieser Kollektion sein.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Es sind die Berge an Müll aus Altkleider, welche der Designerin Jana Heinemann ein wichtiges Anliegen sind und programmatisch für die nachhaltige Ausrichtung ihres modeschöpfenden Wirkens prägen. Nachhaltigkeit ist bei den in Berlin präsentierenden Modemachern mittlerweile Pflichtprogramm und sollte nicht nur bei den individuell Kreativen selbstverständlich sein. Bei Impari wird das Upcycling lokal im Atelier in Berlin produziert und die neue Kollektion ist sowohl auf Damen-, wie auch Herrenlooks ausgerichtet.

Angesichts der Kollektion erscheint es zunächst schwierig, die gestalterische Leitlinie zu umreißen. Auffällig ist jedoch, dass sie sehr vielfältig angelegt ist und ganz unterschiedliche Ideen innerhalb eines Outfits entwickelt. Dabei folgt die Designerin der Lust auf Komplexität in Schnitt, Formgebung und Zusammenfügungen, sie findet dafür jeweils neue und eigene Wege. Inspiriert wird sie dabei nicht selten von den Vorgaben des Vorgefundenen, die dann einen Prozess der experimentellen Wandlung durchlaufen und mit diversen Zutaten oder Materialbearbeitung ein neues Leben finden.

Eröffnet wird die Schau mit einem geschichteten, hellen Glockenkleid welches durch geschickte Schichtungen ein dynamisches Volumen entfaltet, nach oben hin abgeschlossen durch ein häkelartiges Dekolleté als Applikation. Vielfach fallen die Looks durch solche Ornamentik auf – Fransen, Krägen, Bordüren, Patchwork mit Colour-Blocking. Da zottelt so Einiges an den Kleidern, oder es bleibt ganz simpel, fast nüchtern mit nur drei an der Schulter platzieren Köpfen bei einem Herren Langarm-Crewneck um diesen zu öffnen. Die Methoden der Neugestaltung sind individuell und völlig unterschiedlich. Es führt darum zu weit, bei jedem Outfit eine typische Konstellation ausfindig machen zu wollen, letztlich ist das Gemeinsame, was man bezeichnen könnte, genau das, was Redesign in der Mode erfordert: Kreativität und Geschmack, um aus Vorgefundenem jeweils etwas ganz Neues zu entwickeln.

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1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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