Défilé für den Prix Ateliers Matières und für den Preisträger 2024 Dolev Elron

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Speziell für den Prix L’Atelier des Matières entwerfen die zehn Kandidaten des Modewettbewerbes ein zusätzliches Outfit. Wie man angesichts der diesjährigen Preisvergabe (im Wert von 10.000 Euro) erkennen kann, geht es nicht zwingend um alternative nachhaltige Materialien allein sondern kann auch auf die Aura um das jeweilige Material zielen, das symbolisch besetzt sein kann wie in diesem Beispiel Leder für Bikerjacken.

Wie bereits berichtet, geht es in den aktuellen Modeentwürfen der Wettbewerber um Geschlechterzuordnungen und ästhetische Zuschreibungen. Auch bei dem Wettbewerb um den Prix Ateliers Matières finden sich diese Leitinteressen wieder. Gewonnen hat den Preis Layla Al Tawaya mit einem ungewöhnlichen Kostüm für Männer mit (Biker-)Jacke und Rock. Dabei ist die Jacke wie weicher Stoff verspielt gerafft und ein Kragen ist aus weichem Tüll angesetzt, während der Rock wie ein Tütü aus Leder gefertigt ist, indem unten ein sehr breiter Saum aus Rüschen angesetzt ist.  So ist die Jacke weich und fließend, während das Tütü eine schwerere, eckige Form annimmt. Zusammengenommen sollen diese Umkehrungen von Materialien und Silhouetten dazu anregen, traditionelle Geschlechterkonstruktionen in Frage zu stellen, und schlagen, quasi als modephilosophischen Gedanken, eine neue Perspektive auf die Grenzen oder vielleicht auf neue Aussichten des Männer-Stylings vor.

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Nicht ganz so philosophisch geriert sich die Schau von Dolev Elron, dem Hauptpreisträger des Vorjahres. Üblicherweise soll die Folgeschau zeigen, inwieweit der Preisträger nun mit professionellen Möglichkeiten und Anbindungen den Ansatz über das Jahr weiterentwickelt hat und vielleicht auch auf den realen Markt hin ausrichten konnte. Das gelingt, trotz der idealen Arbeitskonstellation, den gekürten Jungstars allerdings nicht immer, zumindestens nicht immer überzeugend. Manche ziehen es vor, ihre Ausbildung erst abzuschließen (Christoph Rumpf) oder ihre Materialexperimente frei fortzusetzen (Vanessa Schindler), andere schaffen umgehend den Erfolgs-Sprung in die Industrie (Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh). Dolev Elron hatte im letzten Jahr seine Kollektion aus Modifikationen von klassischen Kleidungsformen mit dem Pc durch Verzerrung und Verflüssigung mit Photoshop erzielt und damit nicht nur originelle Verschiebungen erreicht sondern auch weicher fließende Formen, darunter besonders eine bogenförmige. Dieses Verfahren hat er nun weiter genutzt aber, soweit wir erkennen können, wenig konstruktiv ausgebaut. Wir sehen mehr oder weniger in elf Outfits ähnliche Varianten des Gesehenen mit Jeansjacken, -Hosen und Mänteln, lediglich eine schiefe Herrenunterhose fügt sich als Gag in die gezeigte neue Kollektion. In dezentem Grau in Kombination mit einem Blouson soll sie nun in der alltäglichen Öffentlichkeit erscheinen – immerhin ein innovativer Gedanke für Herrenkleidung (mit langen Versionen kennen wir das allerdings schon). Aber vielleicht haben wir unterschätzend übersehen, dass auch damit ein Zeichen für die Relativität geschlechtlicher Fixierungen in der Mode gesetzt werden soll.

Défilé für den Prix Ateliers Matières:

NOAH ALMONTE:

LAYLA AL TAWAYA (Prix Ateliers Matières):

LUCAS EMILIO BRUNNER:

IDALIINA FRIMAN:

XINYI HE:

SOFIA HERMENS FERNANDEZ:

ADRIEN MICHEL:

DENNIS SANDERS:

VANESSA SCHREINER:

YOUSSEF ZOGHEIB:

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Défilé Dolev Elron, Grand Prix de la Mode der Jury 2024

mit Unterstützung von Le19m:

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Défilé für den Grand Prix du Jury Première Vision, Prix du public, Prix le19M des métiers d’art, Prix Supima

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Das Défilé der Wettbewerber für Mode ist das Highlight des Festivals und da statt zwei nur noch eines stattfand, waren die Sitzplätze begehrter als ohnehin schon immer. Abgesehen vom Verzicht auf die künstlerische Ausgestaltung der Riesenscheune und gefühlt weniger Shuttlebussen zur abgelegenen Location  wurde an der Veranstaltung selbst offenbar weiter nicht gespart – das wäre auch eine erhebliche Beschädigung des Formates gewesen. Denn mit diesem Format wird hier der Stand des ganz jungen Modedesigns treffender als irgendwo anders vorgeführt. Und das immerhin mit internationaler Beteiligung.

Auffällig war, dass der Gendermix mehrfach so prägnant daherkam, dass die Zielgruppen Hommes-Femmes-Unisex für das Erscheinungsbild der Models manchmal nur eine geringe Rolle spielten und dass dies gerade bei den Kollektionen Hommes schon im Konzept selbst revolutionär angelegt war (besonders bei Layla Al Tawaya). Für junge Modemacherinnen ist das ein reizvolles kreatives Experiment, in dessen Folge das Rollenbild für Männer mit Mode total über den Haufen geworfen wird. Bei Noah Almonte ist das – in Umkehrung –  eher schon in der Tradition von Männerspezifika (Kravatten, Hemden, strenge Linien etc.) in Übertragung auf Frauen; das mutet zwar nicht mehr ganz so neu an, wird aber durchaus neu getestet. Und Dennis Sanders liefert mit dem Kollektionstitel „The Standard Man“ schon einen ironischen Hinweis auf die gestalterischen Klischees.
Die ästhetischen Formulierungen und das Konzept von Sexyness stehen damit ebenso auf dem Prüfstand und zur Disposition wie auch Körperbezüge und zum Beispiel romantisierende oder verspielte Einschläge (Muster bei Dennis Sanders) oder klassische Schnittzuordnungen (zum Beispiel Xinyi He).

Bei den Schnittführungen wird vieles durchgespielt und getestet, was die üblichen Konstellationen zu verlassen sucht. Auch das ist nicht unbedingt ein neues Anliegen, aber der oft puristische Ansatz dabei sorgt dann doch für ungewohnte Wahrnehmungseffekte. Die Versuche, die Gewohnheiten, Proportionen und Formales neu zu denken und auszuprobieren sind mutig, denn sie erfordern gleichzeitig, eine alternative Ästhetik überzeugend herauszuarbeiten.

Nicht mehr im Mittelpunkt stehen die lange durchgespielten architektonischen Schichtungen, die Dekonstruktionen und Kombinationen um der Irritation willen. Auch Applikationen und stilerweiternde Accesoires spielen kaum noch eine Rolle, stattdessen kommt die Reduktion auf die Leitidee oft zu ganz puristischem Ausdruck. Bei Vanessa Schreiner tritt, neben der eher unauffälligen Materialerprobung, der Versuch in den Vordergrund, die ungewöhnlichen Kombinationen der Teile oder Materialien nicht mehr zu Irritationen zu führen sondern, im Gegenteil, die Verschiedenheiten zu harmonisieren oder den neuen Materialien durch geschickte Formgebung eine eigene Schönheit abzugewinnen.

So scheint es, unterm Strich, dass die aktuelle Richtung der jungen Modedesigner und -designerinnen weniger von dem Willen geprägt ist, Tabubrüche spektakulär zu präsentieren sondern von dem Interesse, ästhetische Formulierungen dafür zu suchen. Ob das nun einer Konstellation der vorauswählenden Jury zu verdanken ist oder tatsächlich als ideelle Strömung zu verstehen ist, weiß man natürlich nicht. Aber erfahrungsgemäß repräsentiert Hyères durchaus den aktuellen Stand der Dinge (und die professionellen Jurys auch).

NOAH ALMONTE – Replicants (Prix Supima)
Collection femme
Schweiz

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LAYLA AL TAWAYA – Perfected Perfecto
Collection homme
Polen – Palestina

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LUCAS EMILIO BRUNNER – À Bout de Souffle (Grand Prix du Jury Mode)
Collection unisexe
Schweiz – Chile

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IDALIINA FRIMAN – Lotta
Collection femme
Finnland

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XINYI HE – I Can Fly
Collection femme
China

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SOFIA HERMENS FERNANDEZ – Semiotics of Girlhood
Collection femme
Deutschland – Spanien

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ADRIEN MICHEL – Outdoors Encounters (Prix le19M des Métiers d’art)
Collection homme
Frankreich

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DENNIS SANDERS – The Standard Man
Collection homme
Deutschland

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VANESSA SCHREINER – used to be
Collection femme
Österreich

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YOUSSEF ZOGHEIB – Gravesend (Prix du public de la ville d’Hyères)
Collection homme
Libanon

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Während die Fotografieausstellung deutlich profitierte, war der Ortswechsel für den 10. Wettbewerb der Accessoires nicht wirklich vorteilhaft, es war noch enger und gedrängter als ohnehin schon immer, das Publikum kam nur knapp aneinander vorbei und der Betrachterabstand war zwingend knapp, was nicht allen Exponaten zugute kam und auch Gespräche mit den anwesenden Designern führten zu Blockaden. In einer langgestreckten Box inmitten des schlauchartigen Raumes konnten die Designer in individuell zugeschnittenen, regalartigen Aussparungen ihre eingereichten Beispiele unterbringen und die Entwürfe für den Prix Hermès in speziell aufgebrachten Rahmen einfügen. Bei aller Beengtheit war aber das Ausstellungsmobiliar wieder liebevoll erdacht und gemacht, wenn auch die Typografie der Beschriftung gelegentlich bis ans Unleserliche für die Kollektionstitel reichte. Und die gewohnten Infoblätter fielen dieses Jahr den allgemeinen Einsparungen zum Opfer, auch auf der Infoseite des Festivals im Netz ist leider wenig zu finden.

Gleichwohl und selbstverständlich waren die Exponate der Wettbewerber exquisit wie immer, exzentrisch und edel zugleich. Taschen, Schuhe, Kopfbedeckungen, Brillen und Schmuck sowie ganze Körperpanzer und Helme aus oft ungewöhnlichen Materialien demonstrierten ungezügelte Fantasie und rückten das Schaffen nicht selten in die Nähe von skulpturaler Kunst. Der junge Zeitgeist liebt Vermummung, die Anmutung alternativen Materials, bizarre Gestalt und manchmal auch romantisierenden Kitsch, alles konnte man hier irgendwie wiederfinden. Vor zwei Jahren war Frankreich gar nicht vertreten, jetzt ist es das sehr dominant.

Der Grand Prix der Accessoires-Jury vergibt ein Gemeinschaftsprojekt mit den Métiers d’art im Wert von bis zu 20.000 Euro.

Für die Einreichungen für den Hermès-Preis waren dieses Mal Handschuhe gefordert, da balancieren die Gestaltungen zwischen Exzentrik und Klassik, das ist stets eine sehr besondere Herausforderung, wo auch die Styling-Individualität schwer zu akzentuieren ist. Dieser Preis von 20.000 Euro ist natürlich sehr begehrt. Er definiert sich für die Gestaltung als „Verbundenheit, Kühnheit und Innovation, Hebel der Kreativität. Freiheit der Schöpfung, Forschung. Dauerhaftem Einsatz feinster Materialien, exzellentem Know-how, innovativer Handwerkskunst und damit, dass die Ästhetik der Funktion die Einzigartigkeit der Funktion prägt.“

Außerdem gibt es noch einen Preis des Sponsors der Lederbranche ADC (Au-Delà du Cuir) in Form einer Teilnahme an ihrem Laureate/ADC-Programm sowie der Möglichkeit, seine Kreationen im ADC-Showroom auszustellen.

ANTOINE ET JULIEN BLANCHARD – Jeannine
Accessoires de mode
Frankreich

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ALYSSA CARTAUT – The Cushion Issue (Prix du public de la ville d’Hyères)
Chaussures
Frankreich

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ALIX CAUMONT – Metatypes
Accessoires de mode
Frankreich

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AMAURY DARRAS – Essences (Grand Prix du Jury Accessoires)
Accessoires de mode
Frankreich

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TASKIN GOEC – Rover Glam Vi
Lunettes
Deutschland

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COLINE GROS – Phronimidac
Bijoux
Schweiz

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KAYS MASOOD – All the Hope in the World
Bijoux
Syrien

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FLORENTIN MATHON – Silent remains
Chaussures
Frankreich

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LUISA OLIVERA LÓPEZ – Qastia (Prix Hermès des accessoires de mode)
Bijoux
Honduras

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JULIEN SIMAR – STANT
Sacs et Lunettes
Frankreich

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist ein wesentlicher Aspekt des Wettbewerbs der jungen Designer und Designerinnen, ihre Arbeit dem interessierten Publikum selbst anhand ihrer Kollektion vorzustellen und zu erklären.  Man kann die Beispiele von Nahem betrachten, befühlen und besprechen, hier wird quasi die Brücke geschlagen zwischen dem Anliegen der jungen Gestalter und dem interessierten Publikum, sei es den Profis oder den Konsumenten. Das ist eine wichtige Einrichtung des Festivals, identifikationsstiftend und erkenntnisgerichtet zugleich, der Ort, wo die Nähe zur Kunst und Kreativität auch grundlegend kulturstiftend ist. Bevor sie dann der Exklusivität und dem luxuriösen Showbusiness geopfert wird: schon im Folgejahr bekommt der Gewinner des Wettbewerbs eine offizielle Schau in der Pariser Fashionweek gesponsert, und da ist es dann vorbei mit der Bodenhaftung des kreativen Tuns. Dieser Veranstaltungsteil ist darum sehr beliebt beim interessierten Publikum und bei den Profis, die hier kaufen, Kontakte knüpfen und Qualitäten begutachten – entsprechend voll ist die auf gedrängtem Raum stattfindende Präsentation immer. Mit dem Ortswechsel dieses Jahr hat sich daran nichts geändert, aber der kann schon auch als Zeichen eines veränderten Focus‘ des Festivals verstanden werden.

Der ehemalige Swimmingpool ganz oben in der Villa, mit Bodenplatten abgedeckt, war die vergangenen Jahre stets der Ort, wo ein bekannter Modedesigner bzw. ein großes Modelabel sich in Form von einer Rückschau, einer aufwändigen künstlerischen Installation oder eines elaborierten luxus-handwerklichen Statements präsentieren durfte. Das gab dem Festival jeweils einen Touch des Hochwertigen und zugleich Künstlerischen im schnellen Modegetriebe, einen Ankerpunkt des kulturellen Selbstverständnisses, das über allem stehen sollte und das das Klassische mit dem Modernen schlüssig verknüpfte. Symbolisch verstanden: die (französische) Hochkultur on the Top. Währenddessen präsentierten die Wettbewerbsaspiranten ihre jungen, zukunftsweisenden Entwürfe in einem großen Zelt neben der Villa, bevor sie sie auf dem Laufsteg am Abend dem breiten Publikum vorführten. Dieses Jahr, im Zuge der Neuausrichtung des Festivals, zeigen sie ihre Kollektionen und erklären und diskutieren sie ihre Arbeit und ihre gedanklichen Leitbilder nun hier oben.

Und wie stets, sind die gestalterischen Ansätze so verschieden wie nur irgendwas, einheitliche Standpunkte sind, jenseits der inzwischen selbstverständlichen Nachhaltigkeit, kaum zu finden. Witzige Originalität, romantisierende Nostalgie und pragmatischer Streetstyle beziehungsweise casual Businesslook stehen gleichberechtigt nebeneinander und demonstrieren eine Pluralität, die unseren freien Zeitgeist in alle Richtungen auslotet. Dabei bildet, beispielsweise im Gegensatz zur Berliner Blase, die ästhetische Grundlage von Modegestaltung noch immer den leitenden Focus und nicht die Bedeutung oder Botschaften mit ihren symbolischen Codes, ganz ohne zwanghafte Ausrichtungen. Auch nationale Orientierungen sind höchstens schwach ausgebildet und spielen im Kontext nur inspirative Rollen. Hochwertige Schneiderkunst wird vorausgesetzt – da ist das gute Handwerk der französischen Haute Coutre noch immer ein entscheidendes Kriterium und wird bei den Jurys durch nichts anderes abgelöst.

Wir stellen die zentralen Exponate der Wettbewerber hier vor, denn sie wirken anders als auf dem Laufsteg, die Schau zeigen wir dann eigenständig. Und wie jedes Jahr präsentieren, nebenan, auch die Preisträger des Vorjahres ihre neuen Kreationen.

NOAH ALMONTE – Replicants (Prix Supima)
Collection femme
Schweiz

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LAYLA AL TAWAYA – Perfected Perfecto (Prix L’Atelier des Matières)
Collection homme
Polen – Palestina

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LUCAS EMILIO BRUNNER – À Bout de Souffle (Grand Prix du Jury Mode)
Collection unisexe
Schweiz – Chile

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IDALIINA FRIMAN – Lotta
Collection femme
Finnland

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XINYI HE – I Can Fly
Collection femme
China

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SOFIA HERMENS FERNANDEZ – Semiotics of Girlhood
Collection femme
Deutschland – Spanien

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ADRIEN MICHEL – Outdoors Encounters (Prix le19M des Métiers d’art)
Collection homme
Frankreich

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DENNIS SANDERS – The Standard Man
Collection hommeDeutschland

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VANESSA SCHREINER – used to be
Collection femme
Österreich

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YOUSSEF ZOGHEIB – Gravesend (Prix du public de la ville d’Hyères)
Collection homme
Libanon

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Hier sieht man die jüngsten Trends, die aktuellen Bewegungen in  der internationalen Mode und die interessantesten Neuerkundungen in Material und Schneiderhandwerk. Und, in der Erweiterung, kreative Erfindungen zu Modeaccessoires sowie Positionen der jungen Fotografie. Zum 40. Male wurde das Festival de la Mode in der Villa Noailles nun ausgerichtet und, wie man diesjährigen Medienberichten schon im Vorfeld entnehmen konnte, infolge von Finanzierungsproblemen in recht kontrollierter Ausgabe. Alle, sowohl die Organisatoren als auch das schon bei der Eröffnung begeisterte Publikum wollen diese Veranstaltung erhalten, denn sie hat sich, unter der Leitung von Jean-Pierre Blanc, zu einem unverzichtbaren Event der Modewelt etabliert: sie liefert nicht nur die neuen Trends und Ideen, sondern der Industrie den besten Nachwuchs. Entsprechend vielfältig ist das Publikum von Studenten, Professoren, Modemanagern und jungen Designern, Presse und Neugierigen von fern und aus der Umgebung. Hier treffen und bilden sich wichtige Netzwerke der Branche und spätestens hier wird gegenwärtige Modephilosophie festgeschrieben. Die Qualität, die Strahlkraft und die Langlebigkeit dieses Festivals sind sein wesentlicher Erfolg im professionellen Sinne, weswegen auch viele und besonders renommierte Sponsoren sich gerne beteiligen (institutionelle Partner und das Kulturministerium sowie privaten Sponsoren, darunter Chanel, Le 19M, LVMH, Hermès, Supima, Kering, American Vintage und Première Vision).

Eine große Jubiläumsfeier blieb aus, denn das Festival war Anfang des Jahres formal schwer unter Beschuß geraten: eine Rüge des französischen Kulturministeriums im April kritisierte das bisherige Management scharf und medienwirksam, denn nicht nur die Alleinherrschaft des Festivalgründers Jean-Pierre Blanc wurde den Mitstreitern zunehmend unerträglich sondern auch der Umgang mit den Geldern häufte hohe Schulden auf (Schuldenstand von 3,8 Millionen Euro). Die diesjährige Ausgabe fand demzufolge in einem verkürzten Format statt und soll als Übergang zu einer möglichen Neuausrichtung verstanden werden. Verantwortlich für diese Neuausrichtung ist nun Hugo Lucchino, der im August zum Generaldirektor des Kunstzentrums Villa Noailles ernannt wurde.

Auffällig dafür ist die „Verkürzung des Formats“, die in jeder Hinsicht spürbar wurde. Allgemein gesehen fehlt das großzügige, liebevolle und leichte Flair im Ganzen; im Konkreten wird der Zeitraum von vier auf drei Tage verkürzt, es gibt nur noch eine große Modenschauveranstaltung und die Räumlichkeiten wurden verdichtet. Keine Extrabühnen und Podiumsveranstaltungen mehr, keine künstlerischen Installationen, Darbietungen und Sonderausstellungen mehr, Eintrittsgelder werden nun erhoben und diverse Partys am Rande wurden gestrichen, sogar die berühmte Aftershowparty für die Wettbewerber und Preisträger. Das große Verwöhnprogramm für Jurymitglieder und VIPs wurde auch zurück gefahren und sehr schnell fiel sogar der wichtige Shuttleservice aus, zwar nicht für die VIPs (da Mercedes-gesponsert) aber für alle anderen Besucher (die Villa Noailles, Festivalort, liegt hoch auf dem Berg und ist nur mit PKW, Taxi oder fast einstündigem Fußmarsch zu erreichen). Schon damit spürte man die Einschränkung sehr unangenehm.

Aber auch wenn man als Besucher einsichtig ist und auf viele Annehmlichkeiten zu verzichten bereit ist, bleiben doch auch Beschränkungen, die man als schädlich wahrnehmen kann. Wir empfanden besonders die räumliche Verknappung als kontraproduktiv, was umso unverständlicher war, als die großzügige Villa ja in städtischem Besitz ist und keine parallelen Veranstaltungen dort stattfanden. Diese räumliche Verdichtung führte nicht zu sachlicher Focussierung sondern zu einem unangemessenem Mix der Aspekte sogar zwischen den drei Festivalabteilungen. Die wurden jetzt sogar noch um einen irritierend großzügig angelegten Fotobuchbereich erweitert.
Darüber hinaus wurde die Dokumentation mit Film und Bild schwierig, umso mehr als sich das Publikum oft drängen mußte. Gleichwohl war da – zumindestens gefühlt – weniger Publikum insgesamt als sonst.

Aber, auch das muss man konstatieren, vieles Gute ist geblieben und machte den Besuch lohnenswert. Allem voran natürlich das Wetter, ein Oktober wie sonniger Hochsommer, eine wunderschöne Stadt, grün, blühend und mit Palmen überall, das Mittelmeer im Blick und die schöne Villa Noailles selbst (wir berichteten das mehrfach). Der spezielle Shop mit seinen exzentrischen Angeboten. Auch der Kern der Veranstaltung blieb weitgehend unangetastet, nämlich die Künstler- bzw. Designerwettbewerbe, hier gab es keine Abstriche und die Qualität schien dieses Jahr sogar noch besser als letztes Jahr, das mag aber eine subjektive Einschätzung sein und ist dann wohl auch zufällig. Die Jurys, muss man dazu sagen, sind jetzt rein von Modeprofis besetzt, über weitere Veränderungen im Verfahren oder programmatischen Verständnis wissen wir aber nichts. Aus dieser Perspektive ist, soweit man das jetzt einschätzen kann, die bisherige Leitidee des Festivals auch der substantielle Teil der Neuausrichtung und damit bliebe der attraktive Kern (und Sinn) der Veranstaltung erhalten. Ob allerdings in der Verkürzung und vor allem der Verknappung auch die große Strahlkraft erhalten bleibt, hängt auch von der Publikumstreue ab, das mit einem weniger leichten, stark versachlichterem Format leben muss.

Impressionen:

eine der früher genutzten Freiflächen:

Bühne mit Projektionswand:

und früher mit Liegestühlen genutzte Relaxfläche:

Wandgestaltungen innen:

Fotoausstellung:

im Shop:

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Défilés für Prix L’Atelier des Matières und Igor Dieryck

Text & Bilder: Gerhard Paproth

Für den Prix L’Atelier des Matières entwerfen die zehn Kandidaten des Modewettbewerbes ein zusätzliches Outfit zu ihrer Kollektion. Der Preis zeichnet einen davon aus für seine Kreation aus „ruhenden“ (bei Produktionen übrig gebliebenen) und recycelten Materialien mit einer Auswahl an entsprechendem Material für nachfolgende Arbeit im Wert von 10.000 Euro. Die Ergebnisse werden in einer eigenen Schau vorgestellt und zeigen nicht selten so etwas wie jeweils eine Quintessenz des Gestaltungs- und Herstellungsprinzips.

Der Gewinner des Preises ist Romain Bichot (auch Prix le19M des Métiers D’Art), ebenfalls Belgier wie Igor Dieryck, der letztes Jahr gleich drei Preise gewann. Das überrascht etwas, denn Belgien ist eigentlich kein Land, in dem Mode eine herausragende Rolle im internationalen und auch nicht im nationalen Kontext spielt. Andererseits kennen wir durchaus renommierte Namen aus Belgien: Ann Demeulemeester, Dries Van Noten, Kris Van Assche, Glenn Martens, Raf Simons, Julien Dossena und Martin Margiela, der auch auf dem Festival anwesend war.
Mit einer abschließenden Schau von Igor Dieryck wird seine seit letztem Jahr erarbeitete Kollektion gezeigt.

Die beiden jungen Designer versuchen, das belgische Modeverständnis im Vergleich zu anderen Modegetrieben zu erklären. Es fängt damit an, dass die Modeschöpfung sich nicht als Teil der trendigen alljährlichen Veränderungen sieht, die international vorgeführt werden. Vielmehr suchen die Schulen und die Designer aus dem Zeitgeist ihres Umfelds Kreationen und Konzepte zu entwickeln, wobei besonderen Wert auf Grundverständnis von Kleidung und ihre Herstellung gelegt wird.

Romain Bichot: „Wir lernen drei Berufe in einem. In der Schule La Cambre werden wir auf eine etwas extreme Art und Weise ausgebildet, aber vor allem sind wir sehr gut in der Technik und in der Herstellung eines Kleidungsstücks geschult. Wir entwickeln ein ausgeprägtes Gespür für Kleidungsregeln. Ich glaube, das ist es, was uns stark macht, denn wir wissen, wie man an einem echten Kleidungsstück und gleichzeitig an einem echten Konzept arbeitet. Wir machen ein Bekleidungskonzept, es sieht nie nur wie ein Konzept oder nur wie ein Kleidungsstück aus.“*)

Igor Dieryck: „Belgische Schulen funktionieren ganz anders als die meisten anderen Schulen. In Antwerpen besteht das Ziel darin, dass der Schöpfer sich selbst entdeckt und die Botschaft versteht, die er vermitteln möchte. Der Arbeitsaufwand ist unglaublich, aber meiner Meinung nach notwendig, um sich in diesem intensiven Umfeld weiterzuentwickeln. Dank seiner Isolation von den Modewochen stellt Belgien eine Blase dar, in der wir uns selbst entdecken, unsere persönliche Identität finden und gleichzeitig die Kleidung respektieren können“.*) Seine neue, hier gezeigte Kollektion „Ad Fundum“ widmet er dem belgischen Ritual der Studententaufe (Bier griffbereit). Betont bodenständig.

PRIX DE L’ATELIER DES MATIÈRES

Romain Bichot, Belgien
*Prix L’atelier des matières:

Dolev Elron, Israel:

Fabian Kis-Juhasz, Ungarn:

Logan Monroe Goff, USA:

Tal Maslavi, Israel:

Lilian Navarro, Frankreich:

Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich:

Kenshiro Suzuki, Japan:

Gaëlle Lang Halloo, Frankreich:

July Mouly-Pommerol, Frankreich:

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SHOW PREISTRÄGER GRAND PRIX, HYÈRES 38, 2023

Igor Dieryck:

*) Zitat aus Harpers Bazaar, Sahrah Renard: https://www.harpersbazaar.fr/mode/nicolas-di-felice-anthony-vaccarello-romain-bichot-belges-et-hyeres-histoire-d-art-et-d-amour_3761, 15.10.24

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Défilé für den Grand Prix du Jury Première Vision, Prix du public, Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz, Prix le19M des métiers d’art

Text & Bilder: Gerhard Paproth

Im Gegensatz zum Showroom, wo man die Designerexperimente näher betrachtet, manchmal unter dem Gesichtspunkt der Herstellung und des innovativen Anliegens, also eher leicht konzeptbefangen, ist die Modenschau auf dem Laufsteg etwas befreit davon und der ästhetische Blick aufs Ganze dominiert die Wahrnehmung im Scheinwerferlicht. Das heißt, die gestalterische Entwurfskompetenz wird letztlich vorgeführt und neben dem gelegentlichen Wow-Effekt schleicht sich manchmal auch der Gedanke ein, wie man sich die Kleidungs-Gestalten im Alltag vorstellen könnte – und sei es auch nur für einen in der nahen Zukunft liegenden Moment.

Dies ist sicher nicht die umfassende Sicht der Juryteilnehmer, die heutzutage gerade Nachhaltigkeit und einfallsreichen Umgang damit zuvorderst erkennen und prämieren müssen, zu recht. Doch der Außenstehende läßt sich erst einmal von der Originalität des Erscheinungsbildes verführen, Produktionsvorteile und ethische Ausgangshaltungen geraten in den Hintergrund. Die Folge ist, dass der Publikumspreis oft ganz anders begründet ist, als die professionell beschlossenen. Das fällt erst dann zusammen, wenn das Gesamtkonzept einen hohen Grad an Souveränität in allem erreicht.

Die Schauen auf dem Festival sind in ästhetischer Experimentierfreude ähnlich dem, was man bei Modeschulabschluß-Präsentationen sieht, nämlich mehr exotisch als exquisit, mehr mit avantgardistischem Geist behaftet als man bei den großen Schauen in Paris oder anderswo findet.  Darin liegt für uns jedenfalls der ganz besondere Reiz. Hier werden erstmalig neue Mixe erprobt, neue Architekturen und neue Farbkombinationen erfunden, textile Verrücktheiten herausgestellt, Klassisches wird neu gesehen oder gebrochen und Umformungen bekannter Alltagserfahrung vorgeführt. In dieser Hinsicht kann die aktuelle Ausgabe der zehn Preisanwärter  auch wieder gut bestehen, das Panoptikum mutiger Konzepte, die schon hinsichtlich professioneller Verarbeitung und stimmiger Gestaltungskompetenz vorausgewählt sind, ist reich und hält viele Überraschungen bereit.

Was dabei zunehmend auf der Strecke bleibt, ist der Haut-Gout und nicht selten auch Eleganz, wovon wir immerhin dank der Modeschauen großer Häuser noch etwas verwöhnt sind, obwohl auch da in Grenzgängen Eigentümlichkeiten mutige Geschmackserweiterungen etablieren wollen. Mit hinzutretender Hinwendung zu Streetwear, wie zum Beispiel bei dem Wettbewerbssieger Dolev Elron, wird diese Schwelle von vornherein niedriger angelegt, und wenn man dann noch die amerikanische Alltagsgeschmackskultur der Streetwear als leitende Perspektive nimmt, ist die Abwendung von einer herkömmlich gepflegten, eleganten Kleidungsästhetik sinnfällig einprogrammiert. Das wird auch bei diesem Défilé sichtbar und letztlich ist das ja auch schon in den Ausbildungen der Modeschulen so angelegt. Dann sind solche Kollektionen wie die von Romain Bichot, Fabian Kis-Juhasz oder gerade July Mouly-Pommerol, die eher in Zwischenbereichen oszillieren, von besonderer Faszination.

Das Publikum vor Ort feiert beide Aspekte, denn es ist anders zusammengesetzt als die exclusive Klientel bei Schauen großer Häuser. Sehr kritisch ist es trotzdem – sei es aus Erfahrung oder sei es dank Schulung. Auch das ist eine Besonderheit, die das Festival in Hyères den übrigen großen Modeereignissen und -wochen voraus hat.

Romain Bichot, Belgien, Call me if you get lost
Prix le19M des métiers d’art:

Dolev Elron, Israel, Casual Turbulence
Grand prix du Jury Première Vision:

Fabian Kis-Juhasz, Ungarn, Navel Gazing:

Logan Monroe Goff, USA, Asphalt Cowboy
Prix de la collection éco-responsable Mercedes Benz:

Tal Maslavi, Israel, Sugar Rush:

Mention speciale du jury:

Lilian Navarro, Frankreich, Cargo Culte:

Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich, Last Tour:

Kenshiro Suzuki, Japan, Promenades Projekt:

Gaëlle Lang Halloo, Frankreich, Abseits
Prix du public de la ville d’Hyères:

July Mouly-Pommerol, Frankreich, Métamorphose

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Vielleicht trügt der erste Eindruck, aber in den Kollektionen der Wettbewerber steckt dieses Jahr weniger Exentrik als sonst. Viele gedeckte Farben und häufige Anlehnung an alltägliche Kleidungserscheinungen, die nun neu aufbereitet werden, zeigen Perspektiven neuer Gestaltungsoptionen. Dass dabei die Verpflichtung, sich mit neuen Materialien oder mit Upcycling auseinandersetzen zu müssen, eine nicht unwesentliche Rolle spielt, ist einerseits selbstverständlich geworden.
Trotzdem muss man diese Herausforderung aber immer mitdenken, denn besondere Material- und Oberflächenwirkungen bieten völlig neue Ansätze. Beispielhaft arbeitet damit der Amerikaner Logan Monroe Goff: technische Elemente und stoffliche Innovationen transformiert er hin und her auch innerhalb einzelner Kleidungsstücke, klebt sie sogar auf den Körper, bis ein verrückter Anschauungsmix dabei herauskommt – dies alles zusätzlich inspiriert von der Ästhetik der Motorradkleidung. Er gewann damit den Nachhaltigkeitspreis von Mercedes-Benz.

Ähnlich verhält es sich mit dem Entwurfsprozess, der sehr oft via Computer erfolgt, was besonders bei dem Hauptgewinner des Wettbewerbes, Dolev Elron, zum gestalterischen Thema und Experiment geworden ist („Casual turbulence“). Die formale Verzerrung aus klassischen Bildverarbeitungsprorammen, hier „ein gutes altes Photoshop-Programm“, hat er genutzt, um Formen und Linien neu zu konzipieren und das dann auch mit klassischem Denim in ein überzeugendes Resultat umgesetzt. Aber auch Gurte zum Beispiel geraten damit spielerisch in eigene Bewegungen. Inwieweit dieser Ansatz nur für sich ein originelles Ergebnis hervorbringt oder ob damit grundlegende Gestaltungsbasics neu angelegt oder verstanden werden, bleibt soweit dahingestellt. Bisher hat die versuchte Verzerrung und Dekonstruktion bekannter Grundgestalten der Mode nur von der Irritation profitiert aber noch keinen neuen Kanon geschaffen – immerhin aber eine neue Freiheit. Elron gewann den Hauptpreis der Jury der Première Vision.

Der Belgier Romain Bichot gewann zwei Preise (der „Prix 19M des Métiers d‘Art“ und „Prix L‘Atelier des Matières“) mit seiner Kollektion Call me if you get lost, dank seiner Fähigkeit, ungewöhnliche Alltagsbeobachtungen, beziehungsweise Elemente daraus, zum Gestaltungsthema zu machen und damit optisch zu experimentieren, bis eine tragbare Kleidungsversion daraus wird oder ein Accessoire. Das betrifft auch das gewählte Material, das gezeigte Abendkleid besteht aus einer Autoabdeckungsfolie, viele Schlüsselanhänger werden zu einer Halskette oder die Idee einer Reifenhülle mutiert zu einer Tasche. Oder eine alte, pinkfarbene Matratze mit Federn besetzt, wird, um den Körper gewickelt, zum kleinen Cocktailkleid. Als fantasievolles und assoziatives Vorgehen ist das vielleicht nicht ganz neu, hier gelingt es aber, das Endprodukt daraus sehr stimmig und schlüssig zu vollenden, also ohne den gewohnten Basteleffekt, der sich normalerweise dann einstellt oder zumindestens mitschwingt. Seine Auskunft „am meisten mag ich den Aufbau und die technischen Aspekte“ verweist eben genau darauf, dass die Ernsthaftigkeit der Realisierung den entscheidenden Anteil für die Umsetzung einer schrägen Idee hat.

Die exentrisch leicht schillernden, mit detaillierter Handarbeit und sexy Gestalt daherkommenden Kollektionen, wie die von Fabian Kis-Juhasz oder July Mouly-Pommerol gingen dieses Mal leer aus. Das ist eigentlich schade, denn sie vertreten deutlich akzentuierter eine ästhetische Sicht, die sich aus der Haute Couture ableitet und damit so etwas wie den „guten Geschmack“ als Leitlinie repräsentiert. Der aber, so die allgemeine Wahrnehmung, mußte wohl dieses Jahr hinter die kreative Innovation zurücktreten, die sich eher aus dem Alltag speist und damit näher an Streetwear rückt als an High Class Mode. Für eine französische Veranstaltung ist das schon leicht ungewöhnlich.

Romain Bichot, Belgien, Call me if you get lost (Collection Unisexe)
Prix L’atelier des matières und Prix le19M des métiers d’art:

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Dolev Elron, Israel, Casual Turbulence (Collection Homme)
Grand prix du Jury Première Vision:

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Fabian Kis-Juhasz, Ungarn, Navel Gazing (Collection Femme):

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Logan Monroe Goff, USA, Asphalt Cowboy (Collection Homme)
Prix de la collection éco-responsable Mercedes Benz:

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Tal Maslavi, Israel, Sugar Rush (Collection Homme):

Mention speciale du jury:

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Lilian Navarro, Frankreich, Cargo Culte (Collection Femme):

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Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich, Last Tour (Collection Homme):

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Kenshiro Suzuki, Japan, Promenades Projekt (Collection Unisexe):

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Gaëlle Lang Halloo, Frankreich, Abseits (Collection Homme)
Prix du public de la ville d’Hyères:

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July Mouly-Pommerol, Frankreich, Métamorphose (Collection Femme)

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Zusatzpräsentation,

Igor Dieryck, Preisträger des Vorjahres:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Während die Kleidermode der 10 Wettbewerbsfinalisten sich wohl eher auf tragbare Streetwarekonzepte mit etwas Pfiff focussiert hat, erweisen sich die Wettbewerber für Accessoires oft mutiger zu Grenzüberschreitungen und interessanten Experimenten jenseits der Mainstreammanufakturen, abgesehen vielleicht von den „klassischeren“ Arbeiten für den Hermès-Wettbewerb, die dann aber auch diese Differenz deutlich machen.

Offenkundig verstärkt sich der Trend, besonders bei Taschen, den klassischen Formkanon radikal zu verlassen und entweder in skulpturalen, eigenständigen Gestalten zu experimentieren oder, fast noch radikaler, die Aufbewahrung an den Körper anzulegen und das in sehr offener und fantasievoller Weise. Das macht viel Spass anzuschauen und zu rätseln, wie das Objekt denn nun in der Praxis vorzustellen ist und wenn die Designerin oder ein Interessierter das dann vorführend anprobiert (siehe Beispiel Louna Clozel), sieht man, wie faszinierend der Gestaltungsgedanke wirklich ist. Entgegen der ersten Vermutung sind die „Taschen“ nämlich oft auch sehr praktisch gedacht und nicht nur gestalterische Verrücktheiten. Und immer wieder findet man Arbeiten von selbstbewußten Designerinnen, die sich darüber hinaus der erotischen Anspielung widmen, wie zum Beispiel Eunji Oh mit ihrer Kollektion Overweight.

Randbemerkung: Im Vorfeld des Festivals wird ein Modefotograf beauftragt, die Accessoires jeweils mit Model zu fotografieren, dieses Jahr half das für die praxisnahe Anschauung aber nicht besonders, weil die „künstlerisch“-bildnerische Leitidee des Fotografen stärker dominierte als das Thema Accessoire.

Auch beim Schmuck erweisen sich ungewöhnliche Einfälle und Witz in Kombination mit erstklassiger Verarbeitung als attraktives Faszinosum. Camille Cireddus Kollektion Is janas zum Beispiel mit den Fingern und roten Fingernägeln als vergnügter Verweis auf Greifen und die Erotik des roten Nagellacks oder, ganz anders, Maria Nava, die in ihrer vielseitigen Kollektion Spectral Objects zum Beispiel eine Jacke (und eine Kopfbedeckung) vorführt, mit abstehenden Chromstäben darauf, an deren Spitze blütenartige Blättchen angebracht sind, die sich sporadisch und mechanisch-elektrisch schließen und wieder öffnen. Das ist eine hinreißende Idee, wenn der bizarre Schmuck plötzlich auch noch ein Eigenleben demonstriert. Natürlich verfolgen nicht alle Schmuck- und Accessoires-Designer derart funktionsemanzipierende Ambitionen, gleichwohl tun sich damit schon neue Betrachtungsweisen auf, wie man Schmuck auch jenseits des Repräsentativen oder der verarbeitungstechnischen Raffinesse auffassen kann.

Erwähnenswert sind zudem noch die Brillen. Auch hier geht die Formgestaltung weg von klassischen Gestalten, die immer schon diversen Modeströmungen folgen, hin zu exentrischen Ausprägungen wie bei Chiyang Duan (The distorted Objects) und Maria Nava (Spectral Objects). Der Kollektionstitel Blooming of a face von Clara Besnard gibt das Konzept der Brillengestaltung allerdings schon wörtlich vor. Hier ist der Auftrag, besseres Sehen zu ermöglichen, auch schon weitgehend verlassen, die Brille als Gesichtsschmuck wird um ihrer eigenen Gestalt willen getragen und erlaubt sich exzessives Fantasiespiel, zum Teil ohne weitere Funktion. Besnards Halsschmuck, eine Mischung aus Halsband und Kravatte (eine Art Plastron), für den Prix Hermès zeigt daneben auch anderweitige, gezügeltere Fantasie und hat damit, überraschenderweise aber verdient, den 1. Preis gewonnen.

Und wie immer sind auch Designer vertreten, die aus rein praktischen Überlegungen innovative Gegenstände entwickeln und formschön umsetzen, wie die Kollektion für Wanderer und Camper von Lucien Vantey. Oder solche, die interessante Verarbeitungstechniken entwickelt haben, wie Julianne Cortois (Éclats) mit ihren hakeligen Verbindungen bei Schmuck.

Erstaunlicherweise – beziehungsweise zufälligerweise – sind dieses Jahr mehr als die Hälfte der zehn Laureats aus Frankreich. Manchmal waren in den letzten Jahren kaum oder gar keine Franzosen vertreten, sehr zum Leid darüber klagender, patriotischer Modefans; diese Lücke wurde dieses Jahr mehr als befriedigend geschlossen. Dem internationalen Publikum ist das allerdings völlig egal.

Frankreich

Les yeux plus grand que le ventre:

für Prix Hermès:

*

Frankreich

Is janas:

für Prix Hermès:

*

Mention speciale du jury:

Schweiz

Bivouac:

für Prix Hermès:

*

Grand Prix du Jury Accessoires:

China

The distorted Objects:

für Prix Hermès:

*

Prix Hermès des Accessoires de Mode:

Frankreich

Blooming of a face:

für Prix Hermès:

*

Belgien

Overweight

für Prix Hermès:

*

Frankreich

Éclats

für Prix Hermès:

*

Frankreich

Mes yeux pensent toujours mal:

für Prix Hermès:

*

Frankreich-Schweiz

La Vallée:

für Prix Hermès:

*

Prix public de la ville d’Hyères:

Mexiko

Spectral Objects:

für Prix Hermès:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Die vielen unterschiedlich konzipierten Ausstellungen sind das Wesentliche des Festivals Hyères, auch wenn die Wettbewerbe und die abschließende Catwalk-Schau imagemäßig den Ruf bestimmen. Die ausgesuchten Themen, Konzepte und Spezifika und das jeweilige Ausstellungsdesign sind sorgfältig pointiert und jeweils auch originell präsentiert.

In den letzten Jahren wurden allerdings schon einige Ausstellungsformate ausgespart, etwas weniger an der Zahl sind es jetzt und diverse Highlights findet man nicht mehr. Bis dahin gab es zum Beispiel Präsentationen aus den letzten Haute-Couture-Schauen der großen Marken wie Chanel, Chloé oder Swarowski, mit wenigen aber sehr edlen und aus der Nähe höchst beeindruckenden Exponaten, die nun entfallen sind. Auch die atemberaubenden Ausstellungen mit den Métiers d’Art, exquisie Handarbeit der Details für Haute Couture, gibt so nicht mehr. Und letztes Jahr gab es noch eine rasante, große Installation von De Vilmorin, kitschig und campy zwar, aber doch sehr beeindruckend inszeniert.

Dieses Jahr wird der besonders zentrale Ort in der Villa, der Indoor-Pool auf der oberen Etage, eher nüchtern von einer Präsentation des Labels Courrèges besetzt, mit einem kleinen, quasi geschichtlichen Abriß seiner geometrischen Designs (in Neuinterpretationen), die ab den 60er Jahren den futuristischen Touch in der Haute Couture wesentlich prägten und die Mode der 60er und frühen 70er mit symmetrischen Geometrien einflußreich mitbestimmten. Space Design war eines der kennzeichnenden Schlagworte. André Courrèges brachte innovative Technologien und neue Materialien in die Mode, er erfand die Gogo-Boots und auch seine Designerin Mary Quant ist aus den Londoner Swinging Sixties nicht wegzudenken. Wesentlich weiter entwickelt wurde das Konzept vom Label dann aber nicht mehr und tauchte nur noch in Revival-Kontexten wieder auf oder am Rande. Bezugnehmend auf den architektonischen Stil der Villa Noailles von Robert Mallet-Stevens hat der Art Direktor von Courrèges (und Jury-Vorsitzende) Nicolas Di Felice nun eine postmoderne Kollektion von sechzehn Designs, die Courrège-Kreation repräsentieren, vorgestellt, mit nur wenig innovativen Aspekten allerdings, und Szenograf Rémy Brière hat sie im Kreis aufgestellt und mit lautem Rhythmussound ergänzt.

Nicolas Di Felice: Géométrie d’une rencontre – Wenn Courrèges auf Noailles trifft

Achilles Ion Gabriel, Direktor von Camper, Camper Lab und eponymous (Sponsoren) und Präsident der Jury Accessoires, hat eine Art Darkroom inszeniert, also zu dunkel um zu fotografieren, mit raumhohen, dunklen Fotos von dreieckig arrangierten Zwei-Personenkonglomeraten, woraus sich ein riesiges, kaleidoskopartiges Gebilde ergibt, durch das man sich hindurchbewegen kann.

Achilles Ion Gabriel: Title of the Show.

Le19M präsentiert Exponate verschiedener Designer in einem weiteren Ausstellungsraum, jeweils Preisträger der vergangenen Jahre,  darunter Gabrielle Huguenot und Igor Dieryck. Es sind handwerklich elaborierte Werke, die in Zusammenarbeit mit Lesage (le19M) in den letzten Jahren realisiert wurden.

Gabrielle Huguenot: La femme serpent (ein Fuß im Grab, der andere ausrutschend):

Gabrielle Huguenot: Chaos en fleurs (11 Schmuckclippaare, 2024)

Christoph Rumpf: Celibacy (Jacke, Hemd und Hose Kollektion, 2020)

Igor Dieryck: Ad Fundum (2024)

Rukpong Raimaturapong: Light Life, (Hemdenkollektion 2021)

Annelie Schubert: Twinset (Mantelkollektion 2016)

Erwähnenswert ist noch die Außeninstallation von Remi Calmont und Gabriel Figueiredo (De Pino), die dieses Jahr bei einem Stipendium des art center aus Watte entstand. Eine witzige und sehr dekorative Interpretation der grandiosen Aussicht von der Villa Noailles auf die Stadt Hyères und das Mittelmeer.

Rémi Calmont und De Pino: Amuse-Bouche (Sommer 2024)

Die Kunstpräsentationen in den Gängen konnten wir leider nicht eindeutig einem Künstler zuordnen, vermutlich stehen sie im Zusammenhang mit dem Atelier des Matières:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival an der Côte d’Azur ist die Pilgerstätte des Nachwuchdesigns für Mode, hier treffen die Profis, Designschüler,  Absolventen und neugieriges Publikum aufeinander, schließen Kontakte, fachsimpeln und genießen das gemeinsame Interesse in lockeren oder konstruktiven Gesprächen. Hier werden die aktuellen Trends sichtbar und Weichen gestellt.

Das Prinzip des Festivals ist wie jedes Jahr und wie schon oft hier beschrieben, aber es wird zunehmend komplexer: Mehr Sponsoren, 50 dieses Jahr, mehr ausgelobte Preise, dabei allerdings nicht mehr Publikum. In den nächsten Jahren soll das Renomme noch weiter gesteigert werden, obwohl die Veranstaltung ohnehin schon zu den besten gehört, die im Jahr an der Côte d’Azur stattfinden. Es wird nach wie vor von seinem charismatischen Gründer Jean-Pierre Blanc geleitet und ist seit langem die Quelle des Nachwuchses der französischen Modehäuser, deren großzügiges Sponsoring (besonders Chanel und le19M) sich damit bezahlt machen dürfte. Das gilt ebenso für die ausgelobten Preise von Hermès zum Beispiel oder von L’Atelier des Matières und natürlich ist auch La Fédération de la Haute Couture et de la Mode dabei, die dafür sorgt, dass der Gewinner des Hauptpreises eine kostenlose Schau auf der Pariser Fashionweek bekommt. Mit allen ausgeschriebenen Preisen (besonders deren Support-Anteil, siehe unten) haben die Gewinner die allerbesten Startchancen im Business, die man sich denken kann und selbst wer ohne Preis nach Hause fährt, hat wichtige Geschäftskontakte in der Tasche. Die Teilnahme und ein Platz unter den 10 Laureats allein ist schon die erste Stufe auf der sicheren Karriereleiter – wenn man was daraus macht.

Das Festival bietet neben den Mode- (und Foto-) Wettbewerben ein reiches Kulturprogramm mit Ausstellungen, Performances, künstlerische Installationen, Showrooms, Workshops, Lesungen, Konzerten und vielem mehr. In der integrierten Boutique kann man nebst Büchern viele originelle Designobjekte kaufen und auch Kollektionsteile vergangener Wettbewerber.

Zeit und Ort der Veranstaltung sind nach wie vor ideal, im sonnig-warmen Spätsommer und außerhalb der Modewochen gelegen, in der großzügigen Villa Noailles in Hyères les Palmiers, einem sehr gepflegten und grünen, großenteils herrschaftlichem Ort. Die vielen Touristen befinden sich angenehmerweise eher im südlichen, etwas abgetrennten Teil der Stadt, also an der Küste, aber jetzt im Oktober sind das ohnehin nicht mehr so viele und das mediterrane Ambiente entfaltet sich vorwiegend mit seinen Bewohnern im Zentrum auf das angehmste. Der „Einbruch“ des Modepublikums in diesen drei Tagen wirkt mitnichten dominant sondern eher ästhetisch bereichernd und verjüngend.

Impressionen Hyères Oktober 2024

Villa Noailles

Aus der Boutique:

Ateliers, Workshops (hier: Murmuration von le19M, Aristide x Lesage):

Lesung, Debatte (vor und im separaten Zelt):

Mit zunehmender Zahl Sponsoren werden auch mehr spezifische Preise, Kooperationsprojekte oder Materialstiftungen ausgelobt, das sind in diesem Jahr nicht wenige:

Für Mode
1. GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION
– ein Gründungsstipendium in Höhe von 20.000 Euro von Première Vision,
– ein Zuschuss von 20.000 Euro von CHANEL, für ein Gemeinschaftsprojekt mit einem oder mehreren ansässigen Kunsthäusern von 19M, die während der 40. Ausgabe des Festivals im Jahr 2025 ausgestellt werden,
– engagierte Unterstützung durch die L’Alliance du Lin et du Chanvre Européens mit insbesondere einer Materialzuteilung in europäischem Leinen für eine oder mehrere Silhouetten,
– ICICLE lädt den Gewinner zur Schaffung einer Capsule Kollektion ein,
– Madame Figaro, Medienpartnerin, wird für Sichtbarkeit und ein Editorial sorgen.
– Sterling International wird dem Gewinner Mentoring von einem Jahr anbieten, um ihn bei seinem beruflichen Projekt zu unterstützen.
2: PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART
ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro für die Realisierung eines neuen Projekts, das nächstes Jahr gezeigt wird. Beteiligt sind elf Kunsthäuser und die Galerie des 19M mit der Förderung der künstlerischen Berufe Mode und Dekoration.
3: PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES
Materialzuwendung (matières endormies und recycled) im Wert von 10 000 Euros.
4: PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ
Stipendium in unbekannter Höhe
5: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
– Supima Design Lab Paris, offizieller Partner des Hyères Festivals, unterstützt die Finalisten des Modewettbewerbs mit SUPIMA-Gewebe. Finalisten, die Supima-Gewebe verwenden, schaut sich das Supima Design Lab in Paris an.
– Puntoseta bietet den Gewinnern die Herstellung eines Stoffes an.
– Premiere Classe als Gastgeber während der Paris Fashion Week, bietet dort einen Ort für eine Ausstellung im März, außerdem eine Marketingfläche im Oktober und  spezifisches Mentoring für Geschäftsentwicklung.
– Die Werkstatt Aymeric Le Deun, Knopfspezialist und für mit Stoff und Leder bezogene Modeaccessoires, unterstützt mit Herstellung von Knöpfen für ihre Kollektionen.
– CatwalkPictures.com bietet kostenlos Fotos anläßlich ihrer ersten Modenschau in Paris.
– Sterling International bietet Coaching vor dem Festival mit personalisierter Nachbereitung in den Monaten danach.

Für Accessoires
1: GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES
eine Projekts in Zusammenarbeit mit den Métiers d’art, im Rahmen von 20.000 Euro. Die neue Kollektion wird anlässlich des 40. Hyères Festivals im Jahr 2025in der Villa Noailles ausgestellt.
2: PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE
In diesem Jahr wird ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro vergeben für die Kreation eines Accessoires aus Leder, Schmuck oder ein Gürtel (matières dormantes).
3: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“. Camper lädt den Gewinner auf seinen Hauptsitz auf Mallorca ein.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
ADC – Au-Delà du Cuir: Jeder Kandidat wird die Möglichkeit haben sein Projekt während einer Coaching-Sitzung mit dem Inkubator und einigen Preisträgern/ADCs zu thematisieren. Alle nehmen am Laureate/ADC-Programm teil und haben die Möglichkeit, ihre Kreationen im ADC Showroom auszustellen.

Abgesehen von Ruhm und Ehre und eventuell Geld sind alle Preise auf Hilfestellung für den Start in eine professionelle Karriere ausgerichtet, dabei gelten besonders die Capsule-Projekte für die großen Häuser als begehrenswert sowie die Teilnahme an der folgenden Fashionweek Paris. Viele ehemalige Preisträger beurteilen die Preisrealisierungen zwar recht unterschiedlich aber nicht wenige von ihnen haben damit den erfolgreichen Einstieg in die große Modemaschinerie Frankreich geschafft. Umgekehrt sichert sich die französische Modeindustrie professionell und zugleich inovativ gestaltende Jungdesigner als konkreten Nachwuchs aus aller Welt – auf dem Festival quasi à la carte.

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Défilés Jenny Hytönen und für  Prix L’Atelier des Matières

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Gewinnen des Preises der Grand Jury bietet die Möglichkeit, ein Projekt mit einem großen Haus auf professionellem Niveau und besten Konditionen zu realisieren und das Ergebnis im Folgejahr zu präsentieren. Jenny Hytönen war Siegerin 2022 und hat sich entschlossen, ihr Konzept der filigran schillernden Oberfläche mit unzähligen Glasperlen fortzusetzen und an verschiedenen, eher schlichten Kleidungsschnitten ornamental oder großflächig als Raster auszuprobieren. Opak und transparent erscheint die Wirkung eines feinen Lüsters nun auf Kleidung, dabei verbleibt der Grundfarbton neutral, meistens schwarz und die Applikationsraster trotz dezenter Variantenwechsel eher gleichförmig. Handwerklich sehr aufwändig, wirkt die Kleidung oft wie ein grafischer Oberflächenschmuck des menschlichen Körpers (als Ganzkörperbezug), reliefartiger und delikater als man das schon mit Pailetten kennt und mit eigenem Lichtspiel. Das klassische Vermeiden von Nacktheit, das sich beim Konzept transparenter Outfits stets als Problem stellt, löst Hytönen mit dunkler, meist simpler Unterwäsche und findet damit noch keine optimierte Lösung im Verhältnis zur Eleganz der Gesamtoberflächen. Aber das ist bekanntlich auch schwierig.

An edelsten kommt darum die ornamentale Applikation auf opakem Grund des ersten Kleides zur Geltung, währen die großflächigen Transparenzen zwar regelmäßig, aber etwas indifferent erscheinen. Das Prinzip denkt, obwohl den Körper umschließend, in der Fläche, und es wäre spannend, sich ein wirklich skulpturaleres Konzept vorzustellen, wie im ersten Kleid schon angedeutet. Und eine ornamentale Fortschreibung der Art-Deco-Modebesätze der 20er Jahre des letzten Jahrhunderts wäre sicher auch eine reizvolle Vision. Die Gurte als ordnendes Prinzip sind ein guter Behelf für die Gesamtstruktur, aber keine dauerhafte Lösung des Anliegens.

Es sind sehr schöne Teile, besonders bei Betrachtung aus nächster Nähe, aber eine offenkundige Modifikation des Konzeptes aus 2022 ist nicht so leicht ersichtlich.

***

Für den Prix L’Atelier des Matières haben die zehn Kandidaten jeweils einen eigenen Entwurf gefertigt, so dass daraus eine eigene Schau gemacht wurde. L’ATELIER DES MATIÈRES ist zum zweiten Mal in Folge Partner des Internationalen Festivals für Mode, Fotografie und Accessoires – Hyères. Der Gewinner erhält eine Auswahl an ruhenden und recycelten Materialien im Wert von 10.000 Euro – das war dieses Mal Petra Fagerstrom. Hinsichtlich des Schwerpunktes Materialien ist noch nicht ganz einleuchtend, warum gerade bei diesem Kleid das entsprechend Besondere zu finden ist.

Tiago Bessa (Portugal):

Igor Dieryck:

Bo Kwon Min:

Norman Mabire-Larguier:

Jung-Eun Lee:

Leevi Ikäheimo:

Petra Fagerstrom:

Fengyuan Dai:

Alec Bizby

Marc Sanz Pey:

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Défilé für den Grand Prix du Jury Première Vision, Prix du public, Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz, Prix le19M

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Hyères Festival, das am Sonntag, dem 15. Oktober, endete, krönte den Belgier Igor Dieryck und die Schwedin Petra Fagerstrom. Zusammen gewannen sie die fünf Preise des Modewettbewerbs mit „Konzept“-Kollektionen, die vermutlich leicht zu verkaufen sind. Unter den anderen Finalisten hätten auch mehrere Schöpfer, die sich entweder gestalterisch faszinierender oder viel stärker für einen ökologisch nachhaltigen Ansatz einsetzen, eine Auszeichnung verdient. Echtes technisches Know-how, das von gründlicher Materialforschung bis hin zu großer handwerklicher Beherrschung reicht, führten zum Beispiel Alec Bizby, Jung Eun Lee und Fengyuan Dai vor. Und die gestalterische Rasanz zum Beispiel von Tiago Bessa oder  Fengyuan Dai wurde dieses Mal weniger gewürdigt, als solche mit Preisen und „Mentions“ die letzten Jahre ausgezeichnet wurden. Außerdem wird eben auch deutlich, dass die Nachhaltigkeit, die in Hyères ja eigentlich mehr als zuvor im Raum stand, am Ende wohl doch nicht alles ist, was attraktive Mode bestimmt. So bleiben die Entscheidungen ein wenig rätselhaft, denn den Preisverleihungen werden keine Argumentation oder wesentliche Aspekte davon hinzugefügt. Klar ist andererseits, dass, wenn zwei oder drei wichtige Preise auf dieselbe Kollektion fallen, darunter auch der Publikumspreis, ein entscheidenden Sympathiefaktor vorhanden war. Sei es das Assoziative der erzählten Story, der Charme der Präsentation oder gestalterischer Nerv.

Am Rande und allgemein zu den Schauen bemerkt: Was bei aller barocken Pracht vieler Erscheinungsbilder auch unmittelbar auffällt, ist der durchweg prollige Gang der Modelle auf dem Laufsteg (außer bei Tiago Bessa). Die watschelnde Fortbewegung ist dem immer breiter und platter werdenden Schuhwerk geschuldet, das keine Bewegungseleganz mehr zuläßt. Das läßt Schlimmes befürchten. Ansonsten konnten wir eigentlich keine nennenswerten ästhetisch prägenden Trends ausmachen, die sich dann irgendwie in den Preisnominierungen spiegeln. Wieder viel Schwarz und materielle Aufrüstung, aber das kann Zufall sein.

Neben dem Preisgeld von 20.000 Euro erhielt Igor Dieryck gleich zwei Kooperationen mit der Abteilung Métiers d’Art von Chanel. In der Zwischenzeit wird Dieryck zwei Capsule-Kollektionen herausbringen, eine mit Galeries Lafayette zum Thema Inklusion und eine weitere mit dem Label Icicle, die im nächsten Frühjahr in die Läden kommt. Eine Förderung, die sich sehen lassen kann.

Igor Dieryck (Belgien): Yessir, Unisex Kollektion:

*Grand Prix du Jury Première Vision
*Prix le19M des Métiers d’Art
*Prix du public  – Ville de Hyères

Petra Fagerstrom (Schweden):

*Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz
*Prix Atelier des matières

Tiago Bessa (Portugal): Damen Kollektion:

Bo Kwon Min (Südkorea): Damenkollektion

Norman Mabire-Larguier (Frankreich): Herrenkollektion

Jung-Eun Lee (Südkorea): You Wear the Most Beautiful Animal in the World, Herrenkollektion:

Leevi Ikäheimo (Finnland): Herrenkollektion:

Fengyuan Dai (Frankreich): Unisexkollektion:

Alec Bizby (Großbritannien): Herrenkollektion:

Marc Sanz Pey (Spanien): Herrenkollektion:

***

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Bilder und Text: Gerhard Paproth *

Man sieht das nicht auf den ersten Blick, aber das diesjährige Festival läutet wohl eine Wende der Generationen ein. Jetzt trifft man auf die Jungdesigner, die in den Anfängen der sozialen Medien geboren wurden, die Gesprächsleitung der Jury war genauso jung und quasi aus dem eigenem Kreis – genauso spontan und manchmal chaotisch sollen die Gespräche gewesen sein. Modegeschichte und ihre Größen waren auf diesem Festival nicht mehr zu sehen und die Grundlagen des Modeverständnisses im Sinne der Nachhaltigkeit mischten das ideelle Gefüge insgesamt neu auf.

Doch die bewährte Organisationsstruktur war gleich und dazu gehört, dass die zehn Kandidaten für die Mode-Preise zwischen den beiden Modeschauen am Freitag und am Samstag für ein paar Stunden ihre Sachen aus der Nähe in einem recht engen Pop-Up-Show-Room (Zelt) der Öffentlichkeit und der Presse vorführen. Das Interesse ist groß und das Gedränge dicht und so wird es schwierig, Fotos zu machen oder gar Gespräche mit den Designern zu führen, obwohl genau das der Sinn der Veranstaltung ist. Andererseits ist die Stimmung blendend, die Tuchfühlung sympathisch und alle Designer sind nicht nur froh, dabei sein zu dürfen, sondern auch optimistisch. Sie alle befinden sich an einem Punkt nach der Ausbildung und vor der Karriere, immer aufgeschlossen und auskunftsbereit, einerseits stolz und selbstbewußt, andererseits gelegentlich etwas befangen: kenntnisreich und interessant aber noch nicht abgeklärt professionell.

Die modischen Ansätze sind wie gewohnt sehr verschieden und nicht selten ist es überraschend, aus welcher Ausgangsidee die Teile entstanden sind. So erfährt man zum Beispiel, dass Igor Dieryks Kollektion der Glamour der Grand-Hotel-Ära zugrunde liegt, wobei er die Regeln und Symbolik von Uniformen untersucht und wie diese die Beziehung des Trägers zur Welt verändern, die zwischenmenschliche Distanz, und von „Ebenen von Bedeutung“. Ausgangspunkt sind reale Erfahrungen, denn Dieryck arbeitete jahrelang an der Rezeption eines Hotels, während er gleichzeitig sein Modestudium an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen abschloss. Die Ergebnisse sah man allerdings nur auf der Stange und der Schau am nächsten Tag: Eine Glocke aus einer korsettierten rosa Pagenjacke wurde geöffnet, um eine Hose mit extrem hoher Taille freizulegen, eine surreale „Platten“-Tasche wurde mit einem langen weißen Handschuh verbunden und ein von Streetwear inspirierter, chartreusegrüner Parka wurde neu geformt. Die entstandenen Stufen sind mit Schleifen zierlich zusammengebunden und an der Kapuze, den Schultern und den Ärmeln mit Pailletten im Farbverlauf als Glamourspur übersät.

Vergleichbare Beispiele wie dieses können fast alle Kandidaten erzählen und praktisch würde man viele Stunden und Ruhe und Freiraum brauchen, um alle spannenden Geschichten hinter den Kreationen zu erkunden. Diese Geschichten und ihre anschließenden Experimente bewegen sich in dem Abschnitt zwischen Ausbildung und Berufsengagement und die Ergebnisse, die wir hier sehen, reflektieren noch diesen wunderbaren künstlerischen Freiraum, der mit den erlernten Kompetenzen bestens genutzt wird.

Natürlich wird auch eine Gestaltungsorientierung vorgeführt, die vielversprechend ist, im handwerklichen Sinne, im Gespür für Wirkungen und im Umgang mit Materialien. Und im zeitgeistigen Ausdruck. Darum sind sie hier, dafür werden die Preise ausgelobt, das sucht die Industrie zu vereinnahmen.
Wir fragten Jenny Hytönen, Gewinnerin im letzten Jahr und nun mit ihren seitdem entstandenen Arbeiten in Kooperation mit großen Häusern zu sehen, wie das Jahr der Unterstützung für sie lief. Sie erzählte von einer gewissen Naivität am Anfang und der völlig neuen Arbeitskonstellation danach, vom Erlernen des Profitums, vom Gefühl eines gewissen, sehr schnellen „Erwachsenwerdens“ und einer neuen Vorstellung von der Offenheit, die vor ihr liegt. Allerdings erklärte sie auch, und das belegen die Arbeiten, erst mal so weitermachen zu wollen wie bislang. Das gibt jedenfalls zu denken.

Klar ist: dieses kreative Übergangsstadium ist wohl das faszinierendste.

Igor Dieryck (Belgien): Yessir, Unisex Kollektion:

*Grand Prix du Jury Première Vision
*Prix le19M des Métiers d’Art (Lemarié)
*Prix du public  – Ville de Hyères

Petra Fagerstrom (Schweden): Lesage:

*Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz
*Prix Atelier des matières

Tiago Bessa (Portugal): Damen Kollektion:

Bo Kwon Min (Südkorea): Damenkollektion:

Norman Mabire-Larguier (Frankreich): Herrenkollektion

Jung-Eun Lee (Südkorea): You Wear the Most Beautiful Animal in the World, Herrenkollektion:

Leevi Ikäheimo (Finnland): Herrenkollektion:

Fengyuan Dai (Frankreich): Unisexkollektion:

Alec Bizby (Großbritannien): Herrenkollektion:

Marc Sanz Pey (Spanien): Herrenkollektion:

Jenny Hytönen (Finnland):

*Grand Prix du Jury Première Vision +*Prix du public – Ville de Hyères 2022

• Die beiden oberen Fotos zu Petra Fagerström sind Werbebilder (Postkarten) von der Villa Noailles.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Der Wettbewerb der Designer im Bereich Accessoires war dieses Mal in anderer Konstellation präsentiert, nicht so klar geordnet wie 2022. Die Entwürfe für den großen Preis der Jury, Accessories und den Preis von Hermès wurden vermischt und darum dokumentieren wir die Beiträge auch so in eins. Ungünstig ist das aber deswegen, weil man schon auf Anhieb sieht, dass dann bei jedem Designer die gestalterische Ausrichtung für die beiden Preise doch ganz verschieden ist und jeweils die rote Linie im Konzept oft schwer nachvollziehbar erscheint.

Wie immer sind die Exponate vorwiegend von handwerklicher Intensität und zugleich originellem Konzept geprägt, wobei manchmal das eine das andere bedingt. Besonders herausstechend sind die Entwürfe von Gabrielle Huguenot, Schweiz, die dann auch den Grand Prix de la Jury erhalten hat. Verspielt und widerspenstig zugleich, offensiv im Erscheinungsbild, hochglänzend, kontraststark und komplex im Ausspinnen der Ideen faszinierten die Stücke das Publikum am nachdrücklichsten. Den Publikumspreis bekam allerdings der Franzose Victor Salinier, der besonders durch seine klare, aber formal exentrische Gestaltung besticht. An ihn ging auch der Prix Hermès und zugegebenermassen ist die Idee mit den Pferdesteigbügeln für die Marke schon sehr treffend und verrückt.

Aber auch das totale Gegenteil zu den krachenden Entwürfen von Hugenot war vertreten, die geradezu winzigen Schmuckstücke des Duos Jovien Panné & Marcel Mariotte (ThreadSetting) erfordern nahes Herantreten, um die Kostbarkeit detaillierter Herstellung und Ideen zu erfassen – fast wie unter dem Mikroskop gefertigt. Ähnlich filigran sind die Schmuckstücke bei Thomas Manil (Frankreich) und auch bei ihm ist der Entwurf für Hermès stilistisch ganz anders angelegt.

Christiane Schwambach aus Deutschland entwickelt Handtaschen aus vorgefundenen Materialien und baut die Teile dann so überbordend aus, dass die ursprüngliche Funktion optisch kaum noch erkennbar ist. Das Verspielt-Kreative der endgültigen Gestalt erlaubt sich große Freiheit ohne inhomogen zu werden und wer mit solch einem Stück unterwegs ist, wird von diesem Image auch positiv geprägt sein. Dem gegenüber steht die Schlichtheit ihres Entwurfes für Hermès, hier ist allerdings die originelle Verpackung dafür überzeugender als das Objekt Haarspange.

Handtaschen, die ein geradezu barockes Eigenleben dank der Materialien und ihrer Verarbeitungsweise erreichen, gibt es bei mehreren Wettbewerbern, zum Beispiel bei Lisa Kwoczek (Deutschland) und Mathilde Hiron (Frankreich).

Was Yeonghyeon Kim aus Südkorea aus Leder entwickelt, ist sehr skulptoral angelegt und verläßt die pragmatische Ebene des Alltags konsequent. Realistisch (wenn auch vielleicht nicht praktisch) dagegen ist ihr sehr feiner Entwurf für Hermès, ein sehr eleganter, grafischer Unterarmschmuck über Handschuhe gelegt. Mit Handschuhen für Hermès bewirbt sich auch Xin-Yu Weng aus Taiwan, auch dabei ist eine zweite grafisch angelegte Schicht über Handschuhe gelegt, allerdings als freies Liniengebilde und monochrom. Ihre aus vorgefundenen Schuhen entwickelten neuen Schuhgebilde sprechen ebenfalls eine andere Gestaltungssprache und folgen eher spontanem Witz und überraschenden Ideen.

Surrealistisch und traumhaft ist der halbtransparente Gesichtsschmuck von Ruby Mellish (England), sogenannte Augen Accessoires. Die Augen verselbständigen sich ganz eigenwillig wie unter Drogen wahrgenommen zu eigenartiger Geistererscheinung – Schmuck, der bewußt sich aus banalem Alltag erhebt und ins Traumland führt. Ihre Kappe für Hermès reduziert dieses Anliegen auf eine ornamentale Bestickung und überzeugt als stilistische Ungewöhnlichkeit weniger.

Wie für dies ganze Festival grundlegend, erfährt man von den anwesenden Designern stets den nachhaltigen Anspruch der Arbeit auf die eine oder andere Weise und auch hier ist man eher erfreut, wenn das nicht ausschließlich die Gestaltungserscheinung prägt, sondern eine Selbstverständlichkeit für innovatives Design geworden ist und Kreativität und Schönheit keineswegs begrenzt.

Gabrielle Huguenot, Schweiz: Artificial Flowers Need Water, Still. Schmuck, Schuhe und Taschen:

Gabrielle Hugenot für Prix Hermès:

Victor Salinier, Frankreich: Katie. Taschen:

Victor Salinier für Prix Hermès:

Jovien Panné & Marcel Mariotte, Frankreich-Spanien: ThreadSetting. Schmuck:

Jovien Panné & Marcel Mariotte für Prix Hermès:

Thomas Manil, Frankreich: Meta.H2O. Schmuck:

Thomas Manil für Prix Hermès:

Christiane Schwambach, Deutschland: Fragment. Taschen:

Christiane Schwambach für Prix Hermès:

Lisa Kwoczek, Deutschland: Rua Do Ferrel. Taschen:

Lisa Kwoczek für Prix Hermès:

Mathilde Hiron, Frankreich: Gems. Taschen:

Mathilde Hiron für Prix Hermès:

Yeonghyeon Kim, Südkorea: Delusion. Handschuhe, Masken:

Yeonghyeon Kim für Prix Hermès:

Xin-Yu Weng, Taiwan: Second Life. Schuhe:

Xin-Yu Weng für Prix Hermès:

Ruby Mellish, England: Contemporary Self-Portraiture. Augen Accessoires:

Ruby Mellish für Prix Hermès:

The post HYÈRES 38 – Acessoires innovativ appeared first on modaCYCLE.

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die diversen Ausstellungen, kleine und größere, sind über den ganzen labyrinthisch verschachtelten Baukomplex der Villa verteilt und die meisten, sofern es sich nicht um den Fotografiebereich im Erdgeschoss handelt, agieren auf Schnittstellen zwischen Mode, Kunst und manchmal Fotografie. Oft sind es Installationen, die von Mode- oder Accessoiresentwürfen ausgehen und diese dann in meist surrealistische Traumwelten transferieren.

Die Ausstellungen sind bis 14. Januar 2024 geöffnet.

Dieses Jahr feiert die Villa Noailles ihren hundertsten Geburtstag und viele Fotoprints, zugeeignete Kunstwerke und Dokumentationen erstrecken sich über Treppenhäuser und Gänge. Oft sind die Kunstwerke direkt auf ihre Gründer Charles und Marie-Laure de Noailles bezogen, die wohl ambitioniertsten Kunstförderer Frankreichs des letzten Jahrhunderts.

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Die zentrale künstlerische Design-Installation, „Le Chaos“, wird dieses Jahr von Charles de Vilmorin gestaltet, einem jungen (26 Jahre alt) französischen Modedesigner, der vor drei Jahren seine erste Kollektion, unter anderem mit einer auffälligen Bomberjacke, vorstellte, was ihm ihm eine Anstellung bei Rochas für zwei Jahre als Art-Director einbrachte. Dieses Jahr ist er Präsident der Jury für Mode des Festivals, eine ungewöhnliche Entscheidung – erstaunlich für so eine noch junge Karriere in den Anfängen. „Ich betrachte meine Rolle hier mehr als Austausch als als Urteilsvermögen“, sagte de Vilmorin dazu während eines Interviews. „Es geht um eine Diskussion unter Gleichgesinnten.“ Dies rückt von der klassischen Position des erfahrenen Juryleiters ab und setzt einen Designer an die Stelle, der selbst nicht weit weg von den jungen Preisbewerbern ist.

De Vilmorins eigene Modeentwürfe sind ausgreifend barocker Natur, bestimmt von Naturelementen, Körperbemalung und Neonmakeup und manchmal voluminösen Silhouetten („Everything related to the body and movement inspires me“). Einflüsse von Popkultur wie Niki de Saint Phalle und surrealistischen Arrangements erweitern die Modeentwürfe zu kleinen Phantasmen und dekorativen Spielereien. Hart an der Grenze zu Kitsch und sehr campy macht diese Kreation aber Spass beim Umgehen: Schwäne, Rösser, Flügel und Feenzauber liegen als Gipsskulptur auf dem Boden, als Tod und Himmelssturm, umgeben von Teufel und Eros und ornamentalem Zauber. Inmitten dessen schlichte Gewänder und laute, knallbunt und poppig dekorierte Outfits an Mannequins, die die Märchenwelt des Künstlers beleben und die Mode als Teil einer größeren Fantasiewelt kennzeichnen.

Alan Crocetti ist Vorsitzender der Jury für Accessoires und Schmuckdesigner. Er gilt als der mutigste und interessanteste Schmuckdesigner der Gegenwart und ist bekannt für seine experimentellen und ungewöhnlichen, nicht geschlechtsspezifischen Kreationen im Zusammenhang mit der Anatomie, wie etwa sein berühmtes silbernes Nasenpflaster. Er wurde in Goiânia, Brasilien, geboren und wuchs in Belo Horizonte auf, wo seine Eltern ein Strumpfwarengeschäft betrieben, bevor er nach Europa zog. Sein Label gibt es seit 2014. Die Installation „Body Politics“ mit Schmuck auf nackten, künstlich-realistischen Körperoberflächen führt ebenfalls zu einer etwas übersteigerten, geradezu unheimlichen, superrealen Anmutung, ähnlich wie das die Neue Sachlichkeit (z.B. Christian Schad) schon in den 20er Jahren und später, noch extremer, der Hyperrealismus zu evozieren suchten.

Der Frontmann des Labels Pigalle, Stéphane Ashpool, wurde zum künstlerischen Leiter und leitenden Designer der Olympischen Spiele in Paris 2024 ernannt, der zusammen mit Le Coq Sportif arbeiten wird, um die französischen Teams zu kleiden. Dabei geht es um die Herausforderung, (französische) Tradition und Moderne harmonisch in Einklang bringen. Ashpool sucht dafür einen subtil ausgewogenen Gestaltungsweg, farblich, formal und mit pfiffigen Akzenten, und dieser Raum zeigt Zwischenergebnisse, er soll quasi ein Eintauchen in diesen Entwicklungsprozesses ermöglichen, mit Zeichnungen, Proben, Versuchen, Material-, Schnitt- und Farbexperimenten.

Eine kleine Installation zeigt die neuen Arbeiten des letzten Preisträgers des le19M Métiers d’Art Preises Valentin Lessner. Der mit Chanel verbundenen Organisation le19M Métiers d’Art gehören die 10 wichtigsten französischen Kunsthandwerksunternehmen der Mode an; der Preis von 20.000 Euro ging zusammen mit einem Gestaltungsprojekt mit einem der beteiligten Häuser nach Wahl, das wir hier sehen.

Eine recht originelle Installation ist der „Salon de Musique“ des Ehepaares Marie-Laure und Charles Noailles. Die Instrumente haben sich einer künstlerischen Metamorphose unterzogen und die anwesenden Personen auch. Musik verkehrt sich ins Surreal-Optische.

Aus der Ausstellung zu 100 Jahre Villa Noailles:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth *

Das Ambiente der Veranstaltung ist wie jedes Jahr: entspannt und höchst ambitioniert zugleich, lässig und doch ästhetisch sehr anspruchsvoll. Im schönen Rahmen der Côtes d’Azur, wo Palmen, üppige Botanik und kultivierte Architektur die Stadt Hyères prägen. Hinten, auf dem Berg, liegt die Villa Noailles, die dieses Jahr ihr hundertjähriges Jubiläum feiert und nach wie vor in ihrer Großzügigkeit und Geschichtsträchtigkeit die optimale Location für das Festival de Mode, de Photographie et d’Accessoires bietet. Der Spätsommer ist eigentlich Hochsommer, das Festival eher ein Ausstellungskonglomerat zur jungen Mode der Gegenwart (und Fotografie) und das Publikum ist zwar attraktiv aber alles andere als hochtrabend exclusiv (was für Frankreich schon etwas heißen will). Abgesehen von den unzähligen Mercedes-VIP-Shuttles wird das Exklusive zumindestens sehr diskret gehandhabt.

Hinzu kommen diverse Veranstaltungen in der Stadt, die auch jetzt, Mitte Oktober, den typischen Côtes d’Azur-Flair hat, gepflegt, sommerlich, üppig grün und mit Palmen überall (die Stadt wird auch Hyères-les-Palmiers genannt). Mit typisch südfranzösischer Mischung aus liebevoll arrangierten Schaufenstern, anspruchsvollen Lebensmittelgeschäften, vielen kleinen Plätzen und Parkanlagen, schönen Bauten aus dem frühen 20. Jahrhundert, gedämpftem Straßenverkehr, reizenden Café- und Restaurantterrassen und trotzdem steter, behutsamer und kultivierter Modernisierung.

Die Villa Noailles erreicht man am besten mit der für das Festival eingerichteten, leicht chaotischen Shuttleverbindung oder als etwas anstrengende Fußwanderung bergauf. Sie hat und ist eine eigene kleine aber üppige und gepflegte Parkanlage, das Grün setzt sich auf ihren vielen, gestuften Dachterrassen fort bis es fast in das Gebäude dringt. Das Draußen und das Drinnen gehen stets ineinander über und man bewegt sich auch in diesem ständigen Wechsel, bis man das gar nicht mehr merkt.

Und natürlich ist der Blick von dort auf die Stadt mit dem Meer dahinter und dem strahlenden Himmel darüber gigantisch.

Neugierige Anwohner, Modestudenten, Fachleute aus der Modeindustrie, Presse, Influencer, Touristen, Modetouristen, Künstler und andere Kulturschaffende flanieren an den drei Tagen von morgens bis abends durch die vielfältigen Präsentationen und das umfangreiche Programm. Das besteht neben den diversen Ausstellungen aus Vorträgen, Workshops, Schauen, Preisverleihungen, Performances, historischen Dokumentationen (z.B. 100 Jahre Villa Noailles) und Kommunikationspunkten für Insider und Interessierte. Dazu eine originelle Designboutique mit sehr ungewöhnlichem Angebot, stilistisch harmonisch mit allem anderen verknüpft.

Aus der Boutique:

Performance:

Ateliers, Workshops:

Ausstellungen:

Zentraler Bestandteil des Festivals sind die ausgelobten Preise, um die sich das meiste dreht. Das sind, für Mode, dieses Jahr:
le GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION,
le prix LE 19M DES MÈTIERS D’ART,
le PRIX DE LA COLLECTION ECO-RESPONSABLE MERCEDES BENZ und
le PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES
und für Accessoires
le GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES und
le PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE.
Dazu kommen weitere Ausstattungs- und Unterstützungspreise und „mentions“. Die Jurys sind prominent und kompetent besetzt, darunter ist auch stets der Gewinner des Vorjahreswettbewerbs. Es gibt auch für beide Abteilungen einen Publikumspreis.

Das Festival wird hochrangig und großzügig gesponsort, von diversen Unternehmen der Branche, wesentlich aber von Chanel. Nicht ganz ohne Eigeninteresse, welches in diesem Fall nicht Werbewirksamkeit bedeutet, sondern eine optimale Nachwuchssuche gewährleistet. Um den erlesenen Nachwuchs geht es eigentlich wesentlich, denn einerseits repräsentiert er das aktuelle ideelle Mode-Terrain (von morgen), andererseits wird er durch gewisse Veranstaltungsschwerpunkte auch in ideelle Gegenwartspositionen eingebunden (dieses Jahr besonders Nachhaltigkeit). Insofern bietet das Festival schon prägnant State of the Art der Mode, auf anderer Ebene als Fashionweeks, wo vielerlei andere Interessen hinzu kommen. Es ist es die einzige Nachwuchsförderungsveranstaltung für Modedesign auf diesem Niveau weltweit.

* Titelbild ist das offizielle Poster des Festivals

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival International de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode beruht im Wesentlichen auf Sponsorengeldern aus der Modebranche, die, neben Prestigeinteressen, damit ihren Nachwuchs zu rekrutieren sucht. Das Konzept, wir schrieben es mehrfach, ist einfach und klar, abgesichert durch kompetente Jurys aus der Branche und organisatorisch wie ausstattungsmäßig auf hohem Level. Zu den Sponsoren, das sei hier auch einmal erwähnt, weil sie zum Teil wirklich tragende Funktionen übernehmen (also nicht nur Geld geben, sondern konkrete Nachwuchsunterstützung und -weiterbildung bieten), gehören CHANEL, le19M, Première Vision, LVMH, Hermès, American Vintage, la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, le Défi, Galeries Lafayette, L’Atelier des Matières, Mercedes-Benz und auch kleinere Unternehmungen.

Die zentrale Funktion des Festivals sind die Preise, ist also die Idee des Wettbewerbs. Einerseits sind sie durch Geldbudgets definiert, andererseits durch geldwerte Leistungen (Material o.ä.) oder durch praktische Hilfestellungen für einen Zeitraum von zwei Jahren, die viele Bereiche abdecken: Finanzierung, Produktion, Handwerk, Materialien, Verlag, Recht, Presse, Ausstellung, Workshop und Residenz.

Die herausragenden vier Preise für Mode sind

der GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION,
der PRIX DU PUBLIC VILLE DE HYÈRES (Publikumswahl),
der PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES,
der PRIX LE19M,
der PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ

und für Accessoires

der GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES,
der PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE,
der PRIX DU PUBLIC – VILLE D’HYÈRES.

Weitere Bereiche wie für Photographie kommen dazu.

Die Mode-Preise werden am Ende des Défilés am Samstag Abend von den jeweiligen Jurys ermittelt und umgehend bekannt gegeben. Grundsätzlich spielen Kompetenzen in der Experimentierbereitschaft, der ökologischen Konsequenz, die Einfallsoriginalität, die ästhetische Überzeugungskraft und ein überdurchschnittliches handwerkliches Können die entscheidenden Rollen, natürlich aber auch ein treffendes zeitgeistiges Gespür.

Wir zeigen Auszüge aus dem Défilé der Wettbewerber, näheres auch in dem vorangegangenen Artikel (Showroom der Wettbewerber).

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Jenny Hytönen (Finnland), Unisex Kollektion – GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION und PRIX DU PUBLIC VILLE DE HYÈRES:

Juha Vehmaanperä (Finnland), Herren Kollektion:

Valentin Lessner (Deutschland), Herren Kollektion, PRIX DE LA COLLECTION ECO RESPONSABLE MERCEDES-BENZ + PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART:

Lora Sonney (Frankreich), Damen Kollektion:

Tim Suessbauer (Deutschland) Herren Kollektion:

Alix Habran Jensen (Frankreich-Dänemark), Damen Kollektion:

Antonia Schreiter (Deutschland), Unisex Kollektion:

Alizée Loubet & Fernando Miró (Frankreich & Brasilien), Herren Kollektion:

Sini Saavala (Finnland), Damen Kollektion, PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES:

Priss Niinikoski (Finnland), Damen Kollektion:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Am Vormittag Showroom und am Abend das Défilé mit Preisfindung – das ist eine ideale Kombination der Präsentation der Kollektionen der zehn Preisanwärter im Wettbewerb. Dabei ist der Vormittag eher für professionelle Gäste, etwas Presse und neugieriges Publikum. Kommunikation mit den Designern und Betrachtung aus nächster Nähe stellen Leitgedanken, Verarbeitungstechniken und Materialpräferenzen heraus, entwickeln Respekt und Sympathien und geben vor Allem der persönlichen Aura der jungen Modemacher vor ihren Kollektionen ein Gesicht. Die Veranstaltung ist aber auch beim allgemeinen Publikum sehr beliebt, Anwohner, angereiste Interessenten, Studenten und ein paar wenige Influencer drängen sich in dem Zelt und suchen informativen Kontakt zu den Protagonisten. Besonders großes Interesse herrschte bei Jenny Hytönen, die später auch gleich zwei Preise gewann und so etwas wie Grande Couture mit eher einfachen, einfallsreichen Mitteln, sehr aufwändiger Handarbeit und sehr elegantem Geschmack vorstellte.

Insgesamt ist dieses Jahr eher weniger das (schneidende) Schneiderhandwerk repräsentiert, sondern klassische, aber innovativ erneuerte und erweiterte Handarbeit wie zum Beispiel Stricken, Häkeln, Sticken, also Stoffe herstellen beziehungsweise behandeln und damit eine rauere, eigensinnige, sehr haptische Textilstruktur und  Oberflächensinnlichkeit kreieren. Das Dekunstruktivistische früherer Jahre weicht nun den Eigenheiten der Materialbeschaffenheit, die kreativ und experimentell in spezifische Ästhetik überführt wird und nicht selten die Silhouetten und Schnitte zweitrangig machen. Dieser Wandel ist vielleicht auch symptomatisch für eine gewisse Grundhaltung nachkommender Generation, die Strukturen weniger in Ordnungssystemen und Konstruktionen sucht, sondern nun im sinnlichen, haptischen Umgang mit Materie, begleitet vom nachhaltigen Herstellungsgedanken – in gewissem Sinne „back to the roots“. Erfreulich ist dabei, dass der Rückgriff auf Herstellungstechniken früherer Handarbeiten nicht zu reaktionärer Ästhetik zurückführt, sondern dass mit experimentellen Erprobungen ganz neue und innovative Erscheinungsbilder gesucht und gefunden werden. Damit erlebt die Strickmütze also kein Revival oder Update, sondern kommt ganz neu daher.
Prints auf vorhandene Stoffe sieht man fast gar nicht mehr, die Zusammfügung und Aufbereitung verschiedener Materialien macht den Look und die Faszination des Erscheinungsbildes aus.

Insgesamt ist Hyères jetzt nicht der Ort, wo der Abschied von Ästhetik als Grundwert von Mode vorgeführt wird, wie das diverse angesagte Berliner Designer propagieren. Im Gegenteil. Nachhaltiges Grundbewusstsein ist eine Selbstverständlichkeit und keine Propaganda mehr. Das Experimentelle geht hier noch immer mit Ästhetik zusammen. Gesucht und gefunden werden Konzepte, die den Zeitgeist gut repräsentieren ohne Ideologien optisch zu radikalisieren. Und die hochkompetente, internationale Jury, die aus allen Bereichen der Modebranche kommt, denkt anspruchsvoll, differenziert und neugierig zugleich. Es wäre auch fatal, wenn die französische Modewelt sich von ihrer Geschmackshöhe abbringen ließe.

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Jenny Hytönen (Finnland) – Unisexkollektion, Le Grand Prix du jury Première Vision + Le prix du public – ville d’Hyères:

Alix Habran Jensen (Frankreich-Dänemark) Damenkollektion:

Valentin Lessner (Deutschland) Herrenkollektion – le Prix de la collection éco-responsable Mercedes-Benz + Prix le19M des Métiers d’art:

Alizee Loubet + Ferrando Miro (Frankreich + Brasilien) Herrenkollektion:

Priss Niinikoski (Finnland) „Harvest“ – Damenkollektion:

Sini Saavala (Finnland) Damenkollektion – Prix L’Atelier des Matières:

Antonia Schreiter (Deutschland) Unisexkollektion:

Lora Sonney (Frankreich) „Soleil brulant, sous un orage aquarelle“ – Damenkollektion:

Tim Suessbauer (Deutschland) Herrenkollektion:

Juha Vehmaanperä (Finnland) „Not Your Mitten“ – Herrenkollektion:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Bereits im dritten Jahr erneuert das Haus Hermès sein Engagement beim Festival international de mode, de photographie et d’accessoires mit einem eigenen Preis für Accessoires.

Obwohl Hermès ja eher für eine konservative Luxusästhetik steht (seit 1837!), versucht das Label damit junge Talente zu unterstützen und seine „Verbundenheit mit Kühnheit und Innovation“ zu beweisen. „Die ständige Suche nach den schönsten Materialien, die Weitergabe von Know-how der Exzellenz, innovative Handwerkskunst sowie die Ästhetik von Funktion“. In diesem Sinne ist es schon eine ungewöhnliche Herausforderung für junge, exzentrische und vielleicht auch provokative Designer, mit einem Entwurf für das Traditionshaus eine Brücke zu schlagen. Das gelingt immerhin meistens ganz gut, muss man überrascht feststellen.

Das Engagement des Hauses ist natürlich auch ein Zeichen dafür, dass die Chance, über das Festival innovativen und kompetenten Nachwuchs zu finden, denkbar günstig ist und dass der Brückenschlag mit der eigenen Preisvergabe ein optimaler Weg ist, sich in der Moderne – beziehungsweise für die Zukunft – den geeigneten Anschluß zu sichern, was gerade für so exquisite Traditionsunternehmen nicht leicht sein dürfte.

Der Hermès-Preis für modische Accessoires ist ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro, thematische Anforderung war ein Gürtel, nachdem in den letzten Jahren Schmuck und Handschuhe gefordert waren. Gewonnen hat ihn das Duo LOLA MOSSINO & INDRA EUDARIC mit einer Version, die geschickt und subtil mehrere zeitgeistige Codes mit schlichter Klassik verknüpft hat und auch das stilgebundene H prägnant einzubauen wusste.

SCYLIA CHEVAUX (Frankreich):

LOUISE LEÏ WANG (Schweiz):

LOLA MOSSINO & INDRA EUDARIC (Frankreich) – prix Hermès des accessoires de mode:

LISA VAN WERSCH (Deutschland):

LEE LE PRUNENNEC (Frankreich):

JUSTINE GÉVAS (Frankreich):

JOSHUA CANNONE (Frankreich):

BÉRÉNICE NOËL (Frankreich):

ADÈLE DENDALETCHE (Frankreich):

MÉLISSA CAFÉ (Schweiz):

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