Text: Gerhard Paproth
Bilder: Boris Marberg

Ein Nachtrag zur Fashionweeksaison in Berlin für Sommer 2020 in Berlin noch: Unter den Offsideveranstaltungen unterscheiden sich die Schauen verschiedener Veranstalter recht deutlich in den Zielgruppen, die ja per Einladung sehr präzise gesteuert werden können. Große Häuser wie das KaDeWe oder wie in diesem Fall Quartier 206 in der Friedrichstraße fokussieren sich deutlich auf feste Kundschaft für von ihnen vertretene Labels und zeigen demzufolge kaum kreativ-exzentrische Highlights sondern Prêt-à-Porter aus dem Segment des alltäglichen, aber gehobenen Chics. Die kleine Modenschau im Quartier 206 führte einige Designerkollektionen der dort ansässigen Boutiquen vor, zwölf an der Zahl verteilt auf zwei Tage, und hatte den wunderbaren Vorteil, schon ein geschmacklich exquisites Ambiente im Berliner Zentrum zur Verfügung zu haben. Organisatorisch hakelt es dann schon mal hie und da, das ist aber auch Teil des besonderen Charmes, den solche Veranstaltungen haben. Vorteil: Die Sachen sind meistens schon sofort zu haben.

Am zweiten Tag der Veranstaltungsreihe wurden fünf Kollektionen gezeigt, darunter einige mit polnischer Herkunft, die ja nicht selten für geschmacklich sichere Gestaltung steht und damit gerne auf gehobenes Luxussegment zielt.

Sehr klassisch-schlicht kam die Kollektion von Aline Celi daher,  weiß und sommerpastellfarben und gelegentlich angereichert mit kecken kleinen Extras, in den Schnitten minimalistisch und manchmal sogar leicht sportlich. Unproblematische, gute Kleidung mit Geschmack. Im Gegensatz zur letztjährigen Schau ist der Touch von Sexyness zurückgenommen zugunsten eines etwas konventionelleren Auftritts. Das Label vertritt nach eigener Auskunft nachhaltige Mode, faire Produktion und soziales Engagement. Eine Kollektion übrigens, die auch in unterschiedlichen Größen vorstellbar ist, was bekanntlich ein vorteilhaftes Kriterium im Angebot ist:

Aleksander Gliwinski & Viktoria Nosach zeigten dagegen eine Kollektion, die schon mit ein paar extravaganteren Details aufwarten konnte, Latex (oder Kunstleder) mit originell eingearbeiteten Reißverschlüssen und akzentuierend-großzügigem, fantastischem Schmuck sowie interessanten Lösungen mit Kunststoffen. Mode für selbstbewusste Frauen, denen das Durchschnittliche zu wenig ist und die Extravaganz als Bereicherung verstehen, ohne dass es freakig wird:

Die Kleidung von Agnès Wuyam, Paris (von Agnieszka Samulska Wuyam), hatte auch den Nimbus französischen Geschmacks und war vorwiegend geeignet für Parties und Empfänge. Die Mode richtet sich an dynamische, selbstsichere Frauen im urbanen Leben, wie man sie in Paris häufig antrifft:

Die Herrenkollektion von der jungen Menswearmarke DARKOH schwankte zwischen klassischen, leicht modernisierten Anzügen und Outfits für den jungen Karrieristen, der sich modische Eskapaden bzw. geschmackliche Schrägheiten im traditionellen Businesskontext leisten darf – also für die neue Generation junger, modebewusster Männer. Die Anzüge werden aus englischen und italienischen Stoffen in Norwegen gefertigt:

Rockmädchens Damenkollektion von der Designerin Marion Roscher war vom Geschmack der flotten Nachkriegsgeneration geprägt, vornehmlich wie er in Frankreich propagiert wurde, frisch, etwas temperamentvoll und sportlich-elegant. Die zum Teil recht pfiffige Erneuerung mit hellen Farben und karierten Linien auf weißem Grund, gelegentlich akzentuierenden Kopfbedeckungen sowie modifizierenden Schnitten war recht überzeugend und setzte einen leicht launigen Abschluss der Veranstaltung:

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der neuen Kollektion postuliert die Designerin lautstark zeitgenössische feministische Aussagen, die über den Kontext der MeToo – Debatte hinausgehen. Neben der eigentlichen Kollektion wurden drei Oberteile präsentiert, welche mit einem entsprecenden Hashtag versehen waren. Über die Funktion des Hashtags in der Mode als Ausdruck und Platzhalter haben wir uns schon bei der Kollektion von Damur ausgelassen. Während dort die Determinierung, der Inhalt denjenigen überlassen bleibt, welche diese Mode tragen, geht Ruétz einen anderen Weg. Mit Aussagen wie,

#My Pussy My Choise

#Let’s Led Not Follow

#Riots Not Diets (neu Aufgelegt mit #)

#Race Human

#Kiss My Ass

greift sie Themenkomplexe auf wie sexuelle Selbstbestimmung, Führungsanspruch, Widerstand gegen die Adaption von Schönheitsidealen. Die Designerin will aufrufen, Menschenrechtsfragen zu diskutieren und Geschlechterstereotypen zu hinterfragen. Wer im Künstlerischen Diskurse aufgreift und die Rezipierenden aufruft, provoziert auch oft Ablehnung und Fragen. Gerade im Modedesign, welches immer auch einen stark funktionellen Bezug zur Produktanwendung hat, werden politische Aussagen oft weder gewürdigt, noch wird ihnen zugesprochen glaubwürdig zu sein. Vielfach steht heutzutage in einer „Sex sells“ Wahrnehmung und Werbedoktrin gar im Raum, dass lediglich die Provokation als Marketing-Instrument dient.

Im Rückblick der Kollektionen von Ruétz, hat sich über viele Jahre gezeigt, dass die Designerin in der Vergangenheit immer wieder persönliche Ansichten und Anschauungen aufgegriffen, und in die Looks eingearbeitet hatte – Beispielsweise (Flock-)Drucke von Chakren in den Innenfuttern früher Kollektionen. Insofern kann man der Designerin einen reflektierte Entwicklungsdrang zuschreiben, auch wenn die letzten Kollektionen in diesem Bereich nicht mehr so klar und deutlich wahrgenommen wurden (zuletzt unter anderem mit den Stichworten „Make Love Great Again“ und „Race – Human“ mit der Kollektion Sommer 2019) – praktisch mit 100% Bio-Baumwolle als günstige T-Shirts zu erwerben – Zweitlinie youknowyouwantit.

In der technischen Betrachtung ist die neue Kollektion bunt, aber in den Farben doch recht zart geblieben. Lediglich die viele Neon-Lautstärke bei den Flächen, mit welcher auch die Kollegin Marina Hoermanseder vorgeprescht ist), unterstreicht die Kernaussagen. Daneben finden sich viel Apricot und klassische Farb-Drei-Klänge. Die Muster haben fast durchgängig einen psychodelischen Bezug im Sinne der 1960er und 1970er. Auffällig sind dagegen die Oberflächenstrukturen, die teilweise sehr künstlich wirken und nach reinstem Plastik aussehen – was ohne Nachfragen in Kontrast zu dem Anspruch steht, nachhaltige Materialien zu verwenden – und diese Looks wirken unförmig und abgepackt. Gerade hier zeigt sich auch, dass Rebekka Ruétz mutig mit üppigen Volumen spielt. Auch dies unterstreicht den verpackten Charakter, der in einer gewissen Weise eine deutliche Distanz der die Kleider tragenden Person, zu ihrer Umwelt einnimmt. Distanz schaffen, kann bewirken, einen anderen Standpunkt einzunehmen oder zu finden – aus beiden Perspektiven – also auch anders gesehen zu werden. Ruétz wurde schon oft diese Tendenz, in den Kollektionen auf den ersten Blick etwas sprunghaft zu sein, nachgesagt. Ob dies auch hier der Fall ist kann aber schlussendlich angesichts des Aussagewillens der Kollektion, vorerst außer Acht gelassen werden.

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Text: Boris Marberg
Bilder: Andreas Hofrichter

Damur versteht sich als Berliner Modelabel. Konsequent fand dementsprechend im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin auch die erste Schau des Designers Shih-Shun Huang statt, der mit seinem Label auch Mitglied des „Facion Council Germany“ ist. Im vergangen Winter hatten wir noch das „Atelier“ von Damur in Berlin besucht um den Designer, sein Label und seine Design-Philosophie kennenzulernen und vorstellen zu können.

Der Designer eröffnete mit einem persönlichen Statement seine Schau und nutzte die Gelegenheit, seinen Dank an all jene zum Ausdruck zu bringen, die sein kreatives Wirken in Berlin und diese erste Schau ermöglicht hatten. Shih-Shun Huang versteht seine Mode und Mode im Allgemeinen als Kommunikationsform. Die Bekleidung könne eine Vokabular für die Teilhabe sein – also auszudrücken man „gehöre dazu“. Symbolisch und symptomatisch steht hierfür der Hashtag. Die Wirkung und Funktion eines Hashtags ist es, ein Bezugssystem zu generieren und auch eine lexikalische Verschlagwortung zur Verfügung zu stellen. Das Doppelkreuz ist eine universelle, über Sprachbarrieren hinweg wirkende Markierungsmethode. Der dem # folgende Begriff bedarf indes der Determinierung in einem konkreten Diskurs. Bei Damur ist die dargestellte Teilhabe ein modisches Statement aufzugreifen und sich partizipativ anzueignen. Diese Saison bilden die Konstruktionen der Kleidung selbst den eigentlichen gestalterischen Rahmen – der Hashtag kommt jetzt zwar immer wieder vor, ist aber in der konkreten Umsetzung doch recht dezent in der Kollektion eingestreut.

Die Bekleidung von Damur lebt bei dieser Kollektion weitestgehend von starken Kontrastbildungen. Dies bezieht sich sowohl auf die Flächen, Schwarz und Weiß, wie auch Volumen in den Silhouetten oder Größenverhältnissen. Erst das letzte Drittel der vorgestellten Kreationen entwickelt eine Farbigkeit und spielt mit Ornamentik und Applikationen. Hier lockern bunte Fransen, fast leuchtende reflektierende Flächen die formale Strenge auf. Die Konstruktionen wirken überwiegend wie frisch aus dem CAD (Computer aided design), aus dem Rechner direkt in die Laser-Schneidemaschine übertragen und umgesetzt. Eine haptische Erfahrung, welche sich bereits im Schaffensprozess im Umgang mit dem Material anlegt, nimmt man diesen Kleidern nicht wirklich ab.

Das Steife in den formalen Entwürfen kann dennoch als konsequent in der Konzeption überzeugen. Diese Strenge vermittelt Sicherheit oder befriedigt scheinbar ein Bedürfnis nach Sicherheit, wie auch Teilhabe – wenn sie ostentativ und programmatisch postuliert wird – ein (soziales) Sicherheitsgefühl vermitteln kann. Die Individualität wird domestiziert und formiert sich programmatisch in der Form und der Determinierung der Zugehörigkeit des Individuums, welches sich per getragener Kleidung in ein Deutungssystem einklinkt und Teil dessen Wirkungswelt wird. Der #Hashtag kann damit auch alleine stehen und verschlagwortet so gesehen die Leere, die als Gefühl zeitgenössisch und epochenprägend sich breit macht: #__

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Text: Boris Marberg

Bilder:
Schau – Andreas Hofrichter
Messe – Boris Marberg

Mit der Messe NEONYT, die diesen Sommer zum zweiten Mal  die bisherigen Veranstaltungen zu nachhaltiger Mode in Berlin zusammengefasst hat, entsteht ein Schwerpunkt, der mittelfristig in Berlin zum wesentlichen Fundament der Modewoche werden kann. Der Schrumpfungs- und Bereinigungsprozess, den die verschiedenen Formate und Veranstaltungskonzepte in Berlin durchgemacht haben und der auch noch immer in Transformation ist, findet damit die aktuelle Chance in noch nicht gesehener Klarheit. Neben der Messe an sich im Kraftwerk an der Köpenicker Straße, wurde nachhaltige Mode auch am zentralen Ort, dem eWerk, in einer kuratierten Schau präsentiert. Dabei bewährt sich das Konzept, die Vielzahl der Labels als Fundus zu verstehen und hieraus Looks zu kreieren, die mit Leichtigkeit das Klischee – welches sich hartnäckig hält – zu überwinden, ökologische Mode könne nicht den Charme und den Chique bieten, wie konventionelle Mode.

Ja – diesem Thema haben wir uns in den letzten Jahren immer wieder widmen müssen, und es wird Zeit, einen Haken hinter den nachhaltigen Anspruch setzen zu können. Der Diskurs ist aber zu komplex und ähnlich wie in der Politik muss man noch hoffen, dass von den konventionellen Produzenten vielleicht die Rufe gehört und die Bedürfnisse aufgegriffen werden, gelingen will das allerdings noch nicht wirklich.

Es besteht zwar das Interesse, Verantwortung zu übernehmen und Konzepte für eine nachhaltigere Wirtschaft umzusetzen, die ganz klaren Forderungen, die von der jungen Generation auf die Straße getragen werden, werden allerdings noch immer nicht ernst genug genommen. Der Widerspruch ist aber auch systemimmanent. Bedarf und Bedürfnis wollen bedient werden und neue Kleidung soll auch konsumiert werden – mit möglichst gutem Gewissen. Gleichzeitig will Innovation sich äußern, sichtbar werden in neuen Produkten. Aus diesem Dilemma zu entkommen ist nur über noch radikalere Wege möglich, als nachhaltig zu produzieren. Denn es würde nachhaltigen Konsum verlangen, bis hin zum Konsumverzicht.

Vielleicht ist auch aus diesem Gedanken heraus zu verstehen, dass die zugehörige Schau im eWerk sehr Denim-lastig war. Jeans lässt sich extrem nachhaltig produzieren, unter der Akzeptanz der Langlebigkeit des Materials und unter der Voraussetzung der Wiederaufbereitung der Rohstoffe. Das individuelle Verantwortungsgefühl der Konsumenten anzusprechen und dennoch im Wirtschaftssystem in der bisherigen Form eingebunden zu sein ist mehr als eine Gradwanderung. In Bezug auf Jeansware konnten sich Interessierte auf der Messe gut bei MUD Jeans informieren.

Wieder auf die eigentliche Modenschau kommend, bleiben ein paar Punkte ganz augenscheinlich. Zum Beispiel können nachhaltige Accessoires, insbesondere Taschen und Schuhe gestalterisch mittlerweile durch ansprechende Materialien nicht nur mit Konventionellem mithalten, sondern übertreffen diese bereits. Neue Produktionsmethoden für Fasern und Aufbereitung über Recycling sind da nur ein paar Punkte. Heutzutage ist die Behauptung schlicht nicht mehr nachvollziehbar, dass nachhaltige Materialien nicht die gleichen kreativen Spielräume bieten würden, wie konventionelle Fasern oder Farben – blass und Beige als einzige Alternative war gestern. Bunt, laut und kontrastreich, sogar Transparenz ist nicht nur möglich, sondern kann im geschmackvollen Arrangement auch überzeugen:

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Text & Bilder: Boris Marberg

Tja, die Zeit rennt, der Herbst ist vorbei, der Winter kommt mittlerweile erst ab Januar und die Kollektion von Julian Zigerli für 2019, die Anfang September 2018 in der Züricher Altstadt gezeigt wurde (direkt aus dem Shop heraus) brauchte in der Rezeption doch erhebliche Zeit um sich zu setzen.

Der Kontrast, der in der Schau sichtbar wird zu dem, was als Thema für diesen Artikel angedacht ist, nämlich die Position der Massenmodeindustrie, ist recht groß. Gerade deswegen liegt es nahe, die ungestüme Kreativität des Schweizer Designers diesen Januar nochmal aufzugreifen und vorzuführen, denn ganz unmodisch steht dieser Tage die Entscheidung des Gerichts in Dortmund an, im KIK-Prozess.

Julian Zigerli führt ein kleines Label, ein kleines Unternehmen, dem man es nicht abnehmen würde, wenn es Ambitionen hätte „groß“ zu werden, „groß“ in dem Sinne, dass in erheblichen Stückzahlen produziert wird (werden müsste). Seine Mode steht seit Jahren für etwas Provokantes und bleibt spielerisch jugendlich, geradezu jungenhaft (auch wenn es reichliche Entwürfe für junge Damen gibt). Er macht Mode für Menschen, die sich ausdrücken wollen oder müssen, das notwendige Kleingeld mitbringen oder sich etwas leisten wollen. Farbe, Volumen, Dynamik, es ist alles da, was eine kleine, feine und ansprechende Kollektion ausmacht. Charme! Authentizität. Aber was hat das mit Überdruss zu tun?

Seit einigen Jahren und besonders im ausgelaufenen 2018 ist die Modeindustrie in immer stärker unter Druck geraten, so dass man heute von einer ausgewachsenen strukturellen Krise sprechen kann. Das können auch Fachzeitschriften und Kapitalprotagonisten nicht schönreden. Erst war es „ökologische Mode“ die als Kontrast aufzog, heute spricht man besser von nachhaltiger Mode, und die Heerschaar von Teenagern in der „westlichen“ Welt scheint die Lust zu verlieren, jede Woche das Taschengeld in Kleider zu investieren, die nach 4 Wochen „out“ sind und entsorgt werden sollten, denn die nächste Kollektion hängt schon an den Stangen in den Filialen von H&M, Zara, Uniqlo, Primark – um nur einige Volumenhändler zu nennen. Geld wird stattdessen für Handys ausgegeben und der Verdrängungskampf geht ungebremst weiter.

Tief sitzt in der Branche zudem die Angst an die Wachstumsgrenze zu kommen und geradezu zu platzen. Filialen müssen geschlossen werden und die ersten Konkurse in Europa werden abgewickelt. Noch wird Kapital vom entfesselten Markt in Konzepte hineingepumpt, die offensichtlich gar nicht langfristig funktionieren können. Sehr anschaulich kann gerade in der Modebranche gezeigt werden, wie ein vermeintlich teures „Lifestyle“-Produkt billigst in Masse hergestellt wird und globale Schieflagen mit sich bringt. Und die Angst geht noch weiter und ist auch nicht unbegründet. Im KIK-Prozess geht es nämlich um den Kern und die Ausgangslage der gesamten Branche – die Grundlage, die bereits moralisch und gesellschaftlich bröckelt, jetzt aber zu zerbrechen droht (eine gute Übersicht bietet der DLF): Es geht um die Verantwortung der Konzerne, für die gesamte Wertschöpfungskette und insbesondere um Menschenrechtsverletzungen (im weiten und engen Sinne) bei der Produktion. Sollte das Bestehen dieser Verantwortung im Urteil bestätigt werden, so wäre das Geschäftskonzept, in der dritten Welt billigst zu produzieren und hier teuer zu verkaufen, gescheitert und dargelegt, dass die Modebranche auf einem ziemlichen Holzweg ist.

Sicher, der Konsument habe auch die Verantwortung. Das wird zumindest behauptet. Man könne mit seiner Konsumentscheidung die Weltgeschicke zumindest beeinflussen. Das ist ein Irrglaube, denn menschliches Gewissen und die Bedürfnisbefriedigung sind sehr kurzsichtig. Wirksamer sind politische Grundsatzentscheidungen, die in rechtliche Mindeststandards weltweit einfließen und mittel- und langfristig für gerechten Ausgleich sorgen. Kaum eine Branche wie die Mode eignet sich seit Jahren besser dazu, diese Mechanismen aufzuzeigen – Produktionskosten, die selten im Bereich von mehr als 5% des Endpreises liegen, können schlicht nicht vernünftig sein. Mode an sich muss ja auch nicht vernünftig sein, zumindest in der Ausdrucksweise, aber wenn sie als individuelles Ausdrucksmittel überleben will, dann muss sie sich ändern und wegkommen von großen Marken und Händlern. In den Vordergrund müssen dann kleine Labels drängen, die bereit sind bei allen Schwierigkeiten Verantwortung zu übernehmen und auch Mode zu machen, für Menschen, die bereit sind, selbst ebenfalls Verantwortung zu übernehmen. Und hier schließt sich wieder der Kreis zu dem kleinen, sympathischen Label von Julian Zigerli.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Der Berliner Salon und der Vogue Salon (in Partnerschaft mit Swarowski) in Veranstaltungseinheit war auch diese Saison ein Highlight der Fashionweek, dank der weiterhin engagierten Ausführung dieses Konzeptteils zur Förderung junger, deutscher Designtalente. Auf zwei Etagen des Gebäudes und Erweiterung auf die Terrasse bekommen vielversprechende Designer (Mode, Accessoires, Schmuck, Wandgestaltung) Gelegenheit, ihre Arbeit in elegantem Ambiente und viel Publikum vorzustellen. Und sie sind persönlich präsent. Das ist für alle Beteiligten ein erfolgreiches Veranstaltungskonzept – eigentlich gedacht für Branchenzugehörige (Händler etc.) ist die Ausstellung dennoch auch ein Leckerbissen für interessiertes, breiteres Publikum. Wir dokumentieren bzw. berichten darum gerne darüber, denn die Präsentationen zusammen genommen ergeben ein recht umfassendes Bild vom State of the Art.

Von der Zeitmagazin & Vogue Konferenz im Kronprinzenpalais können wir dieses Mal leider nicht berichten. Das PR-Büro dieser ambitionierten und gesellschaftskritischen Veranstaltung verlangte von uns und Journalistenkollegen dieses Mal die Entrichtung einer beachtlichen Anwesenheitsgebühr, warum wissen die Götter. Dabei kennen wir die Veranstaltung aus den vorangegangenen Saisons durchaus als selbstkritisch und thematisch spannend, gesellschaftsbezogen und eben als ein Format, das sich Öffentlichkeitswirksamkeit auf die Fahnen geschrieben hat.

Während die Schauenvielfalt der Berliner Fashionweek insgesamt etwas heruntergefahren wurde und auch der Berliner Salon nur noch drei Schauen betreute, blieb die Gruppenausstellung umfangreich. Sie wurde nun sogar durch eine kleine Fotoausstellung ergänzt. Allerdings: auch wenn andere Veranstalter das anderswo sinnvoll zusammenführen, war diese Einfügung einer kleinen Bildabteilung in großem Raum hier doch etwas befremdlich. Inhaltlich ging uns das schon mit den Wanddekos oder den Objekten des Meissener Porzellan so, immerhin war deren Kombination mit den Odeeh-Exponaten geschmacklich geschickt arrangiert. Sie bringt nicht viel, diese integrierte Fotoausstellung  eines Fotowettbewerbes von Vogue und Huawei, wie wir finden, zu klein und zu wenig schlüssig im Zusammenhang.

Nicht wenige Designer haben wir hier schon näher vorgestellt, die vormals Schauen ausgerichtet hatten, dies aber nicht mehr tun. Darum war es gut, zu sehen, wie sie ihre Arbeit weiter entwickeln, so z.B. Julia Seemann, Lou de Bertoly (Ex Augustin Teboul), Allude, Dorothee Schumacher, Hien Le. Andere Designer sahen wir nur in diesen Ausstellungen im Fashionweek-Kontext, sie waren im Berliner Salon oft präsent wie Horror Vacui, Belize, Iris von Arnim, Rianna und Nina und viele mehr, sie alle sind ebenfalls mit ihrer Arbeit anspruchsvoll und sehenswert geblieben. Und bei denen, die parallel auch diesmal Défilés ausgerichtet haben, z.B. I’VR Isabel Vollrath, war es noch einmal spannend, dieselben Stücke vom Laufsteg nun von Nahem betrachten zu können.
Neue Designer sind auch hinzu gekommen, Insidern schon oft bekannt, weil sie international mehr Aufmerksamkeit bekamen als hierzulande, ausgestellt oder publiziert wurden; in diesem Zusammenhang haben sie jetzt auch eine verdiente Präsenz im Berliner Präsentationskontext. Auch da reicht die Palette der verschiedenen Ansätze von künstlerisch-experimentell wie bei Nhu Duong bis zu Fair-Trade-Konzepten wie bei 8 Eden Avenue oder eher konventionellen Streetwear Basics wie bei MCM.

Insofern ist letztlich das große Spektrum der Gruppenausstellung der eigentliche Reiz für den Besucher, umso mehr, als die Laufsteg-Schauen ja weniger wurden. Wir stellen die meisten Designpräsentationen nachfolgend vor:

Sminfinity:

Dawid Tomaszewski:

Und Gretel:

Ayede:

Catharina Mende:

Claudia Bertini:

Horror Vacui:

Lara Krude:

Lou de Bertoly:

MCM Worldwide:

Nhu Duong:

Odeeh und Meissener Porzellan:

Phylyda:

Roeckl:

Lala Berlin:

Marina Hoermanseder:

Mykita:

Peter O. Mahler:

Philomena:

Rianna und Nina:

Steinrohner:

Stiebich & Rieth:

Talbot Runhof:

Treuleben:

Unützer:

Werkstätte Carl Auböck:

William Fan:

Working Title:

8 Eden Avenue:

Antonia Zander:

Aoiro:

Belize:

Brachmann:

Gabriele Frant:

I’VR Isabel Vollrath:

Iris von Arnim:

Julia Seemann:

Kathrin Eckhardt:

Strenesse:

König Souvenir:

Dorothee Schumacher:

Allude:

in der Fotoausstellung:

Jan Kath:

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Text & Bilder: Boris Marberg

Zur Vorstellung ihrer neuen „collection №13″ für den Sommer und das Frühjahr 2019 hat Ewa Herzog in den Showroom ihres Ateliers eingeladen. Bei wundervollem Wetter in Berlin-Wilmersdorf stellte sich eine ruhige und familiär freundliche Atmosphäre ein, die Charme vermittelte und einen offenen Austausch ermöglichte. Diese Stimmung machte den Besuch der Präsentation sehr angenehm und ermöglichte eine intensivere Auseinandersetzung mit den neuen Entwürfen, als es eine klassische Modenschau geboten hätte.

Wer wie wir bereits die Kollektionen der letzten Saisons schätzt, wird auch diese Kollektion sehr ansprechend finden. Die grundsolide Umsetzung, das Handwerk und die dezente und stilvolle Weiblichkeit und Eleganz kann nach wie vor überzeugen. Den klassischen Farben bleibt Ewa Herzog treu – Weiß, Schwarz und weiche, oft leicht pastell wirkende Töne und ein kräftiges Blau bei einem Kleid bieten hinreichend Abwechslung.

Prägend sind wieder fein verarbeitete Spitzen und Volants. Bei einigen Kleidern wurde unter die Spitze hautfarbene Transparenz eingebracht, was die elegante Wirkung keineswegs beeinträchtigt.  Auch abseits des roten Teppichs kommen die Kleider stilvoll zur Geltung. Bei Abendanlässen oder „Events“ genauso wie bei persönlichen Anlässen bereiten sie sicher Freude. Speziell die Kleider in Hellblau, Ocker, Rosé und die Kombinationen von Weiß mit blauen Applikationen und Ornamentik laden dazu ein, bei Sommerfesten, beim Flanieren in der Stadt, und sogar an der Arbeit getragen zu werden. Denn auch bei den Längen und Volumen bietet diese Kollektion zahlreiche Variationen. Sogar eine kecke Short fügt sich stilistisch gut in ein Gestaltungskonzept ein, das Extravaganz mit Alltag verknüpfen will.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Designerin zeigte auf der Bühne (Stage) im Rahmen der Fashion Week Berlin wieder ihre neue Herrenkollektion. Für den kommenden Herbst und Winter kleidet sie den Mann zeitgenössisch mit einer leichten Note an Widerspenstigkeit gegenüber der Uniformität der klassischen Herrenmode. Ihr gelingt dabei der Spagat zwischen Avantgarde und Establishment, was oft kein leichtes Unterfangen ist.

Eine Rumpfkollektion in saisonalen Farben

Bei den Farben sind saisonale, dunkel Töne von der Designerin verarbeitet worden. Abgerundet wird die Palette mit Beige und Weiß. Die Volumen sind relativ schulterbetont und greifen wieder vermehrt Applikationen auf. Sehr ansprechend ist die Mischung der unterschiedlichen Materialien. Hier wirken insbesondere gröbere Stoffe bei den Hosen sehr gut und vermitteln neben den lockeren Schnitten auch eine gewisse Bodenständigkeit, die man sonst im Urbanen Design nicht immer findet. Mehr Facetten und Variationen hätten dieser Kollektion gut getan und ein Plus an Kombinierbarkeit gegeben. So entsteht der Eindruck, es handle sich nur um einen Grundstock, der mit Bekleidung anderer Marken aufgefrischt und beim individuellen Styling ergänzt werden müsse. Im Vergleich zur Sommerkollektion, welche nun alsbald in den Geschäften zu haben ist, schließt die Herbst- und Winterkollektion systematisch gut an.

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Basteln und spielen

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Veranstaltungen von Modestudenten sind meist attraktiv, weil sie Kreativität, thematische Gedanken und formale Innovationen hemmungsloser vorführen können als Profischauen. Dieser Prämisse sind auch die Studenten der HDK Bremen gefolgt und haben außerdem mit dem wunderbaren Schauplatz Aquarium Berlin ein Ambiente gewählt, das einen vielversprechenden Rahmen für sinnliche und konzeptuelle Kreationen anbietet.

Kein Zauber

Doch leider wurde der Zuschauer enttäuscht, weil es den vielen vorgeführten Arbeiten an wichtigen Kompetenzen fehlte: zu sehen war Improvisation statt handwerklicher Ambition, gedanklich unklares Patchwork statt thematisch überzeugender Visualisierung, Nutzung von irgendwas statt sinnlichem Gefühl für Materialität und letztlich Zufriedenheit mit einem anekdotischen Gag statt einem Gespür für überzeugende Ästhetik. Heraus kam unfertiges Basteln in der frühsten Experimentierphase. Die Präsentation selbst gab sich spielerisch, als choreografisches Gesamtkonzept durchaus passend, erschien in der Umsetzung aber eher ungelenk als versöhnlich. Und der Bezug zum Zauber des Ortes war eher lose.

All das kann ausbildungsintern freilich konstituierendes Teil des Entwicklungsprozesses sein, vorzeigbar in der Öffentlichkeit ist das aber keineswegs und an so ambitioniert schönem Ort wie dem Berliner Aquarium bricht sich das Niveau des Ganzen dann umso unangenehmer. Hinzu tritt der Umstand, dass die Veranstaltung keinem gestalterischen Thema oder Motto folgte und darum ein zusammengewürfeltes Panoptikum präsentierte. Hie und da sah man aber auch Ausnahmen, die kreativ oder handwerklich stimmten, manchmal Einzelnes, selten als Ganzes.

Ein Lehrstück, dass man sich überlegen sollte, was man in der Öffentlichkeit zeigt und wie man ein Gesamtkonzept dafür auf die Beine stellt – gerade wenn die Rahmenkonditionen (z. B. Umgebung) verführerisch gut sind.

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Heute möchten wir Euch Design aus der Ukraine vorstellen. Das Editorial mit dem Titel Pale Beach ist von der Novelle Purpursegel des russischen Schriftstellers Alexander Grin inspiriert und war auch Anlass ein Interview mit der Ukrainischen Stylistin und Designerin Inna Milko über Mode und die Situation der Branche in der Ukraine zu führen.

Fotograf:  Andrey Bychkovsky

Styling: Inna Milko (alternative Site)

M&H: Maryna Trapezova

Model Sonya Mishenko (StarSystem)

Interview: Boris Marberg & Inna Milko

Wie wurdest Du Modedesignerin und Stylistin, wo und wann hast Du studiert?

Ich hatte das Glück Kunst und Design an zwei Akademien in der Ukraine zu studieren. Es war sehr interessant zwei unterschiedliche Arten zu Lehren und Wissensgrundlagen kennen zu lernen. Aber das wirkliche Gefühl für Geschmack habe ich während Kursen an der ESMOD International Groupe in Paris gefunden.

Im Moment arbeite ich als freischaffende Stylistin in Kiew. Ich arbeitete für ukrainische Persönlichkeiten, Musik Bands, Modemagazine – digital, wie auch Druck, so zum Beispiel das Viva!, Face Control, Dorohin’s Journal, Confashion.pl, Hubert Burda Media und habe den Style für Anzeigenkampagnen gemacht. Ich habe auch einige private Kunden. Natürlich mache ich auch einige Kleider für diese.

Wie steht es um die ukrainische Modeindustrie momentan, grosse Modemarken ebenso wie kleine?

Der Schlüssel zum Erfolg sind Interaktion und Integration. Kleine Marken schliessen sich in ihren Anstrengungen zusammen, bilden Teams; Online Shops und Concept Stores, pop-up shops um Aufmerksamkeit zu generieren und die Einnahmen zu erhöhen. Meiner Meinung nach, wenn ein Produkt Aufmerksamkeit verdient und einen angemessenen Preis hat, wird es auch seinen Weg zum Kunden finden. Aber es ist befremdend wenn man sieht, dass eine T-Shirt Kollektion von einem unbekannten Designer, präsentiert in einem Nachtclub, die gleichen Preise erzielt, wie jene von einem etablierten ukrainischen Designer, der zum Beispiel erfolgreich in Geschäften in Paris vertreten ist.

Was ist der wesentliche Unterschied im Stil zwischen internationalen Marken und ukrainischem Modedesign?

Ukrainische Designer haben ihre eigene Sicht auf Mode und Stil. Charakteristische Merkmale sind schlichte Formen, erfrischende Details und lakonische Linien. Sehr populär sind Schwarz und Weiß in den Farben, Dekonstruktionen. Internationale Marken sind davon angetrieben, alltägliches zu kreieren, fokussiert auf jugendliche Mode, während ukrainisches Modedesign mehr darauf ausgerichtet ist konzeptionelle Kleidung zu entwickeln, selbst wenn diese für den Alltag ist. Design in der Ukraine ist nicht an weltweite Trends gekoppelt, es steht für sich selbst, aber in gleicher Weise konkurriert es mit internationalen Marken. Das macht stolz.

Gibt es einen typischen ukrainischen Modegeschmack und was möchten die Menschen, welche hochwertige ukrainische Mode kaufen ausdrücken, wenn sie diese Mode tragen?

Ich denke nicht, dass die Präsenz von Geld garantiert, dass eine Person einen lobenswerten Look hat. Das lässt sich leicht anhand von Bildberichterstattung nachweisen. Deshalb ist es nicht wirklich schwierig in der ukrainischen Öffentlichkeit zwischen den Leuten eine Trennung zu ziehen die keinen Geschmack haben und jenen, welche in guter und hochwertiger Kleidung ebenso gut aussehen. Wenn wir über Selbstdarstellung sprechen, dann geht es heute mehr darum den Nationalgeist zu unterstützen. So hat ein bekannter Sänger bei einem Festival in Lettland diese Woche ein T-Shirt mit den Nationalsymbol getragen.

Männermode wird immer wichtiger. Wie ist der aktuelle Stellenwert von Herrenmode in der Ukraine.

Es gibt eine Art von Männern die viel reisen, unabhängig ob diese in der Modeindustrie arbeiten, die einen guten Geschmack haben und sich gut kleiden. Ukrainische Geschäftsleute wollen in ihrer Erscheinung total perfekt aussehen, durch ihre Kleidung, Maniküre und Hautpflege. Ich habe mal den Witz gehört, der gute Ukrainer sei wie ein schlechter Italiener. Natürlich hängt dies vom persönlichen Stil ab und muss individuell kultiviert werden, unabhängig, ob es um einen Man, oder eine Frau geht. Zumeist ist es ein informeller, hipster Style. Ein männliches, befreundetes Model, der viel im Ausland arbeitet hat diese Frage so beantwortet; „Mode. Was ist Mode? Bart – das ist jetzt angesagt! Verstecke Deinen Status und kleide Dich wie ein Nomade… ist das nicht die wahre Mode?“

Wie wird sich Deiner Meinung nach Modedesign in der Ukraine in den kommenden Jahren entwickeln?

Heutzutage nehmen ukrainische Modedesigner im Ausland am prestigeträchtigen Markt teil. Das Hauptanliegen der ukrainischen Designer ist es, auf diesem Markt mit anderen Nationen zu konkurrieren und in der Lage zu sein ihre Produkte während der Pitti, Tranoi zu zeigen. Einige sind schon in Europa bekannt. Die talentiertesten Designer eröffnen nicht nur Geschäfte und Linien, sondern kreieren auch ihre eigenen Marken. Zeitgenössisches ukrainisches Modedesign findet sich bereits auf Seiten in der Vogue, in Luisa-via-roma und wird im Collete verkauft. Aber eines ist klar, ukrainische Modedesigner stehen mit Gewissheit für kreative Positionen und Trends in der Modewelt.

Welchen Einfluss hat die aktuelle politische Lage in deinem Land auf die Modeindustrie und die Designer?

Dieser Winter war für alle industriellen Zweige im Allgemeinen sehr schwierig. Während Luxusgeschäfte und Designstudios in der Innenstadt liegen, wurde die Lage wegen den Euromaydan Aktivitäten sehr unsicher. Das führte zu einem ungeplanten Ausverkauf und Preisreduktionen. Aber ich denke, die diesjährige schwierige politische Situation in der Ukraine gab auch eine gute Inspirationsquelle für Designer und Stylisten ab. Und dies war auch eine gute Werbung. Die meisten bedeutenden Designer, wie zum Beispiel Lilia Pustovit, widmeten ihre verblüffenden Kollektionen der Maydan Bewegung. Anton Belinskiy drückte seinen Unmut in einer Modestrecke für das deutsche Magazin 032c (vgl. Link) ) aus, welches auf dem Unabhängigkeitslatz fotografiert wurde. Das Vice Magazin drehte einen berührenden Film über die Ukrainian Fashion Week auf dem Hintergrund der aggressiven Ereignisse. In dem Moment, wenn die ganze Welt die Ereignisse in Dein Land verfolgt, ist das die beste Lösung sich darin zu üben seine Haltung zu zeigen, statt in Ruhe und Kummer zu verharren.

Was ist Deine persönliche Inspiration um Mode zu visualisieren?

Das kommt darauf an. Ich liebe russische und ukrainische Literatur und moderne europäische Prosa. Meistens kommt das von einer guten Stimmung im Team und den eigentlichen Zielen. I habe viel mit unterschiedlichen Fotografen gearbeitet. Und ich denke es ist ein wichtiger Teil der Arbeit, sich gegenseitig zuzuhören. Aber was ich nie machen würde, ist etwas, was meiner inneren Einstellung widersprechen würde.

Herzlichen Dank für das Interview.

 Nude silk and leather decorated nylon gown and aluminum armor VIKA BARON,

hat MARCHI, carbon bracelets ALANTON.

Organdie top, skirt MARCHI, hat VIKA BARON, bracelets ALANTON.

Pectoral VIKA BARON, wearing as a baseball cap, top MARCHI.

Dress MARCHI, Pectoral VIKA BARON, carbon bracelets ALANTON.

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Text: Ann LaCroix & Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter & Marcello Rubini

Bereits in der vergangenen Saison haben Glaw das Fachpublikum in Berlin mit ihrer Sommer-Kollektion begeistern können. Gerade bei jungen Labels ist man dann stets gespannt, ob sich eine gewisse Kontinuität einstellt. Entsprechend hoch waren die Erwartungen auf die Herbst- und Winterkollektion 2014. Anhand der Überschrift fragen sich sicherlich einige der Leser, wer Bela Fahrenwald ist. Eine Frage, die wir gerne beantworten.

Im Rahmen unseres Besuchs der Modenschau von Glaw, dem Designerduo Jesko Wilke und Maria Poweleit, haben wir hinter den Kulissen Bela Fahrenwald kennengelernt, der als Head of Hair für die Frisuren bei der Modenschau verantwortlich war. Der sympathische Kreative ist eine jener Personen, ohne die eine Modenschau nicht denkbar wäre und steht dennoch selten im Rampenlicht. Mit seinem mod’s hair Team (verantwortlich für den Standort Berlin) war er auf dieser Fashion Week nicht nur für die Frisuren bei Glaw zuständig, sondern auch bei der Präsentation von Schumacher.

Im Backstage in Berlin, Bela Fahrenwald (li.) im Gespräch mit Boris Marberg (re.)

Im engen Zusammenspiel sind ist das Frisurenkonzept für Glaw entstanden. Hierbei stand im Zentrum einen Stilmix zu entwickeln, dessen Fokus auf ein  Wechselspiel zwischen weichen und harten Materialien eingeht. Die Frisur hat Rock ‘n  Roll – markant deshalb die Tolle im Haar. Technisch bestand vor allem das Problem, die vielen Haare unter zu bringen und „wegzurollen“. Entsprechend entstand diese 19 40er / 50er Adaption, welche aber noch den eleganten Einschlag der Kollektion von Glaw unterstreicht. Vielleicht schafft es dieser Look ja zu einem der mod’s hair eigenen Kollektionen. Die Marke ist ja bekannt für die eigene, halbjährliche Haar-Kollektion.

Was mit den Frisuren angesprochen wurde, setzt sich dann auch bei der eigentlichen Herbst- und Winterkollektion von Glaw fort. Der rockige, unterschwellig aggressive Look der vorangegangenen Kollektion ist erhalten geblieben. Neben einem deutlichen Anteil an farbigen Looks, mit zum Teil sehr kräftigem Rot, ist weiterhin ein Schwerpunkt, die ausgewogene formale, gestalterische Sprache in Schwarz und Weiße. Linien und Flächen dominieren in einem gekonnten Spiel. Die Silhouetten sind figurbetont und sehr pointiert. Dieses wird zudem noch weitergehend unterstrichen durch die klaren, kantenbetonten Flächenkonstruktionen der Oberbekleidung, die oft in einer weichen Lederoptik auftritt. Jesko Wilke und Maria Poweleit gehen mit dieser eleganten und dennoch poppigen Kollektion einen weiteren konsequenten Schritt voran.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Ukrainische Designerin Olga Romanova setzte sich mit ihrer eleganten Kollektion für den kommenden Sommer mit den (wilden) 1920er und 30er Jahren auseinander und bringt diese in einen Retro -Kontext um starke und feminine Looks zu generieren. Den Damen stellt sie dabei gleich Konsequent auch auflockernd Herrenlooks zur Seite. Das Label ist, wie viele osteuropäische Marken leider noch nicht in Westeuropa und der EU im Bewusstsein angekommen, ist aber sehr erwähnenswert, da die Designerin sehr konsequent in der Umsetzung ihrer Ideen ist und vor allem sehr attraktive Kollektionen entwirft, die sowohl in Bezug auf Qualität, als auch preislich überzeugen kann. Bei vielen Marken in der Ukraine bekommt man Handwerksqualität bei erstklassigem Material, die sich nicht hinter landläufig bekannten westlichen Edelmarken verstecken muss. Wenn man das Abenteuer eingeht und entsprechend in diese Länder reist, sollte man sich gleich einen leeren Koffer für diverse Shoppingtouren geistig reservieren, da die meisten Marken im deutschsprachigen Raum abgesehen von auf osteuropäisches Design spezialisierten Showrooms und Boutiquen sehr schwer hier zu beschaffen sind. Meist kommt man nicht Drumherum bei dem Label direkt anzurufen und zu fragen, wo der nächste Vertriebspartner ist.

Die Kollektion setzt das Ziel und Thema der Kollektion sehr gut um und besticht mit schöne Silhouetten und Details. Die Bandbreite der Kollektion bietet neben zahlreichen Jacken, Kleidern und Hosen auch schöne Accessoires und eine in Zusammenarbeit mit Levus abgestimmte Schuhkollektion. Auch bei den verwendeten Materialien zeigt sich eine weite Bandbreite von Leder, Seide, Chiffon, Wolle und Jersey. Für die recht schwierige Kontaktaufnahme mit dem Label stellen wir auch gerne diese auf Anfrage zur Verfügung.

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Text / Bilder: Boris Marberg

Kristin und Nika sind zwei junge Designer aus Lviv in der Ukraine, die dort erstmals eine Kollektion vorgestellt haben. Präsentiert wurde die kommende Herbst / Winter Kollektion.Die Kollektion wird von klassischen Wintermänteln und Kleidern dominiert, welche mit großzügigen Volumen und Silhouetten die zur A-Form neigen dominiert. Einzig eine Kombination aus Short und eine Top das mehr oder weniger nur aus Trägern bestand, fällt etwas aus der Linie heraus. Die Farben sind teilweise herbstlich gedeckt, auch wenn sich Rottöne eingeschlichen haben. Bei der Materialwahl wurde überwiegend auf schwere Materialen wie Wollmix zurückgegriffen, oder auch Baumwolle und Fleece. Markant sind teilweise die Jabonelemente bei Mänteln, die serh ansprechend auflockern.

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Text / Bilder: Boris Marberg

Imagebild Schacky and Jones: PRdeluxe

Auf unserer Suche nach neuem Design trafen wir in Lviv, in der Ukraine auf die Herbst / Winter Kollektion des Designers Victor Antonenko, der eine Pelz und Lederkollektion in Kombination mit Strickmode präsentierte. Bei der Gelegenheit wollen wir uns vertieft mit der Materialwahl der Designer für den kommenden Winter auseinander setzen, da wir auf den verschiedensten Fashion Weeks zu AW11 bei zahlreichen Designern mit dem verstärkten Verwenden von echtem aber auch künstlichem Pelz konfrontiert waren. Gleichzeitig zu unseren Recherchen zu dem Thema flatterte uns noch die Pressemitteilung von Schacky and Jones zur Vorstellung der Kollektion AW11 ins Haus. Der Kompass zeigt also für uns gerade direkt darauf, uns mit dem Thema auseinander zu setzen. Pelz und Leder sind für Bekleidung seit Menschengedenken eines der Materialien, die weltweit funktionell verwendet wurden. Selbst in Urzeiten, schwingend mit der Keule, griffen Menschen auf diese Materialien zurück um die kalte Jahreszeit zu überstehen. Nun, heute sind wir da schon etwas weiter, und Pelz steht nicht unbedingt nur für die Funktion warme Kleidung zu spenden, sondern in viel grösserem Ausmass für Status und Repräsentation. Wie schon geschrieben, ist es uns für die anstehende Saison aufgefallen, dass neue Labels auf dieses Material schwenken, oder Traditionsmarken jetzt Pelz in die neuen Kollektionen einfliessen zu lassen.

Die Pelze von Schacky and Jones kommen in erster Linie aus Skandinavien und haben alle ein „Saga“ Zertifikat. In der Tierschutz- und Pelzkritischen Szene wird Saga als Lobbyorganisation für die Förderung der Verwendung von Pelz in der Mode betrachtet. Entsprechende Statements setzen sich auch mit Saga durchgängig kritisch auseinander, zB GreenPeace. Saga postuliert, dass die Pelze aus kontrollierten Betrieben stammen und die Zucht nach den geltenden Tierschutzgesetzen erfolgt. Im Ergebnis bleibt die Frage nach der Verwendung von Pelz allerdings für den Designer, wie auch für den Kunden eine moralische Frage. Das Design von Schacky and Jones kann abgesehen von den moralischen Überlegungen überzeugen, und wartet mit ansprechenden Silhouetten und Konstruktionen bei erstklassiger Verarbeitung auf. Auch die Farbpalette ist sehr gelungen und spricht herbstliche und winterliche Töne uns Stimmungen sehr gut und elegant an, ohne zu klassisch zu werden.

Zurück aber zu der Kollektion von Victor Antonenko, die für diesen Artikel ausschlaggebend und war. Neben den sehr ansprechenden Strickwaren kann auch Victor Antonenko bei den Silhouetten und Konstruktionen überzeugen. Die Kollektion ist klar und warm in den Tönen gehalten und wartet mit teilweise verspielten Details auf. Traditionell hat man in Osteuropa zu Pelz als verwendetem Material eine andere Einstellung als hier in Westeuropa, was auch Ausdruck einer anderen Kultur und einer anderen ästhetischen Grundeinstellung geschuldet ist. Potential für den hiesigen Markt hat die Kollektion allemal. Leider bestehen enorme Schwierigkeiten im Zugang zum Markt und in der Kommunikation mit dem Label. So ist deren offizielle Website zurzeit offline und auch unserem gewieften Korrespondenten Vorort war es nur schwerlich möglich mehr Informationen über das Label in Erfahrung zu bringen. Sollten wir in den kommenden Tagen noch mehr erfahren werde wir euch darüber informieren.

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Text / Bilder: Boris Marberg

Die Illustratorin und Designerin Olga De NoGGa begründete bereits 2005 ihr Modelabel für individuelle Frauen und Männer. Auf der Lviv Fashion Week präsentierte sie die kommende Herren Kollektion Herbst / Winter 2011. Individualismus ist einer der Aspekte welcher die Grundlage ihres konzeptionellen Arbeitens prägt. Die Silhouetten sind markant und mit grosszügigen Volumen ausgestattet. Dunkle und erdfarbene Töne dominieren die Kollektion, die wir hier ausschnittshaft zeigen. Bei den Jacketts sind klare Einflüsse von militärischen Uniformen zu finden, was sich in den Schultern und in den Applikationen zeigt. Kombiniert werden die schweren Materialen der Oberbekleidung mit leichten Hosen. Gerne greift die Designerin auch auf dezente Karomuster und vertikale Streifen zurück. Die Kollektion spiegelt sehr gut wieder, was in Sachen ästhetischem Empfinden gerade in der Herrenmode, die nicht westlich orientiert ist, thematisiert wird. Ein wichtiger Aspekt der Kollektion ist die Ausrichtung auf Multifunktionalität und Kombinierbarkeit. Bei der Materialwahl greift Olga gerne auf natürliche Materialien zurück. Hier wurde für diese Kollektion Samt, Wolle und Linon

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Text / Bilder: Boris Marberg

Ursprünglich kommt John Rocha aus Hongkong, ist aber aus der Britischen Modeszene, wie auch aus der gesamteuropäischen seit Jahren nicht mehr wegzudenken – aus Dublin, Irland ohnehin nicht mehr! Die neue Herbst / Winter Kollektion reiht sich nahtlos in seinen ganz eigenen, verspielten, dennoch strengen und markanten Stil ein. Dies gilt für die starke  Damenlinie ebenso wie für die Herrenkreationen. Der Designer ist ein wahrer Meister der dunklen Töne für die kalte Jahreszeit, und ebenso für opulente Dramatik, auch wenn sich immer wieder verspielte Elemente zur Auflockerung in die Kleider mischen. Sehr fein sieht man dies auch, wenn man sich nochmals die letzte Herbst- / Winterkollektion ansieht. Die auch seinerzeit eingewobenen märchenhafte Elemente und Anlehnungen an vergangene Epochen zeigen sich ansprechend schön auch für die kommende Saison. War seinerzeit noch viel Leder zu finden, geht er mit der neuen Kollektion einen Schritt in der Materialwahl weiter und verwendet Felle. Sicherlich eine gewagte Wahl angesichts der massiven Ressentiments, die von vielen gegen Pelz und Fell zu recht vorgetragen werden. Dabei ist es nahezu für die Akzeptanz egal, ob es sich um echte tierische Produkte, oder Kunstprodukte handelt. Lässt man diese einzelnen Aspekte allerdings beiseite und konzentriert sich auf den Gesamtlook, so wurde uns eine ausgesprochen starke Kollektion präsentiert. Gerade bei den verwendeten Materialen ist uns aufgefallen, dass viele Kleider mehrschichtig konstruiert sind und in den unteren Schichten mit ansprechenden, lockeren Strickkleidchen aufwarten können, die uns sehr an die in Zürich angesiedelte ökologisch produzierende Designerin Christina Krämer erinnert hat, deren Kreationen wir schon mehrfach selbst inszenieren konnten.

Ebenso gefallen uns bei den Outfits die groben, fast schon rauen Strukturen, die durch die massiven Stiefel und benieteten Herrenschuhe nochmals unterstrichen werden. Im Gesamtkonzept der Schau ist auch das Styling der Modelle eine wahre Augenweide gewesen, mit all den sehr feminine Zöpfen die punkten konnte, gerade weil auch hier der Kontrast zu schärferen und härteren Nuancen im Make-Up gewahrt geblieben ist. Inspiriert wurde John Rocha nach eigenen Angaben für diese Kollektion von dem Maler Pierre Soulages.

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Designer: Anna la Germaine

Heimatort: Lviv (Lemberg), Ukraine

Label: La Germaine 

Während meines Besuches in der Ukraine für die Fashion Week in Lviv konnte ich die Designerin Anna la Germaine kennen lernen und mit ihr über die Modeszene in der Ukraine, oder besser östlich der polnischen EU Außengrenze sprechen um etwas darüber zu lernen, mit welchen Besonderheiten die dortigen Marken konfrontiert sind, was es mit der osteuropäischen Äsethik auf sich hat und welche Ziele sich die junge Designerin gesetzt hat. Anna präsentierte bereist schon mehrer Kollektionen in osteuropäischen Ländern, wie der Ukraine oder Weißrussland und führt selbst unter ihrer Marke mehrer Linien. So zum Beispiel unter dem Titel “Hot shock” La Germaine Collection Croisière 2011 eine Cruise Kollektion. Für die Zukunft ist ein eigener Flagship Store / Showroom in Westeuropa geplant. Schwierigkeiten sieht sie für Designer, namentlich aus der Ukraine zum Beispiel beim Bezug von hochwertigen Stoffen nach eigenem Design (zum Beispiel Drucke), oder wie andere Designer mir erklärten bestehen noch Probleme im Umgang mit ökologischen Materialien, die hier noch nahezu unbekannt sind. Dafür ist in der Regel die Fertigung von sehr hoher Qualität, auch weil noch extrem viel Wert auf Handarbeit gelegt wird.

Interview:

Hast Du bereits für andere bekannte Designer gearbeitet, bevor Du Deine eigene Linie aufgelegt hast?

Bevor ich la Germaine gründet war ich es gewöhnt einige Praktika in den Ateliers bei anderen Designern zu absolvieren, aber um die Wahrheit zu sagen – Ich habe nie etwas für deren Kollektionen kreiert. Ich habe Ratschläge gegeben und meine Sichtweisen mitgeteilt um zu  verstehen, wie diese Sphäre arbeitet um mit den wichtigsten Gegebenheiten dieser Branche vertraut zu werden für den Zeitpunkt wenn ich meine eigene Marke starte.

Designerin Anna

Was sind Deine Haupteinflüsse?

Vor allem eine aristokratische Lebensweise. In all den zehn Jahren in denen ich von Design angetan bin habe ich mehr als 20 Länder besucht und all die famosen  Dinge die ich aus diesen Kulturen gewonnen habe reflektieren sich in der Kollektion. Reisen ist die wahre Quelle für neue Eindrücke und Stimmungen!

Was sind Deine bevorzugten Materialien?

Satain, Chifon und Velour. Aber sicher, ich mag es auch andere Stoffe zu verwenden, wenn es mir passiert, dass ich etwas sehr interessant und exklusiv finde.

Wann hast Du mit dem Schneidern angefangen?

Ich habe angefangen zu schneidern als ich 11 Jahre alt war.

Was suchst Du in einem Model?

Zu aller erst sollte ein Model, meiner Meinung nach, klassische Schönheit besitzen und freundlich sein.

Was ist Deine bevorzugte Mode-Ära?

Das beginnende 20. Jahrhundert als viele Änderungen in der Mode geschahen und viele Innovationen eingebracht wurden.

Bist Du von den Arbeiten eins anderen, spezifischen Designer sehr angetan?

Eine herausragende Figur in der Welt der Schönheit ist für mich der brillante Meister der Mode Valentino Garavani, der Weiblichkeit und Sensibilität glorifizierte. Erleuchtet durch  seinen Lebensprinzipien und dem verinnerlichen von Perfektion, propagiere ich auch das Mode, Mode bleiben sollte, Kunst und eine Art von Inspiration, nicht nur Kommerz!

Von welchem berühmten Modeschöpfer hättest Du am liebsten die gleiche Karriere?

Ich hätte lieber meine eigene, spezifische Karriere. Zuerst mal ist mir diese Frage noch  nicht durch den Kopf gegangen, weil ich der Meinung bin, jeder sollte seinen eigenen Weg gehen. Du hast nur sehr wenige Chancen Erfolg zu haben, wenn du das Ziel hast so zu werden wie jemand anderes, oder dasselbe zu bekommen, das andere schon haben.

Was ist die beste Art, sich in Lviv zu entspannen?

Das ist eine sehr schwierige Frage für mich, denn ich entspanne am besten, wenn ich etwas Neues kennen lerne. Ich mag es auch aktiv zu entspannen, Sport zu treiben. Zum Beispiel reite ich viel und wenn das Wetter gut sonnig im Frühjahr oder Sommer ist, dann gehe ich auch gerne mit dem Pferd raus aus der Stadt, irgendwo in den Wald, oder an die Felder nahe dem See. Während dieser Ausritte bekomme ich viele Ideen fürs Geschäft und die Kollektionen. Ich wenn ich in der Stimmung auf Extremes bin, dann mag ich es ein kleines Flugzeug wie eine YAK-52 zu fliegen. Aber ich habe erst begonnen das zu lernen.

Wer waren Deine Vorbilder als Kind?

Ich hatte keine Vorbilder unter Sängern oder Schauspielern, aber ich habe es geliebt Bücher über die Geschichte der Mode zu lesen, Autobiografien von Musikern wie Mozart, Beethoven, Chopin und anderen, und auch wenn es merkwürdig klingt, ich liebe es Fernsehsendungen über Astronauten anzusehen. Das war immer aufregend für mich. Aber es wäre gelogen zu sagen, dass ich je Vorbilder hätte.

Übst, oder übtest Du auch andere Künste aus?

Während meiner Kindheit habe ich getanzt, gesungen, Klavier gespielt, aber das hat ich nie auf die Idee gebracht dies in der Zukunft professionell zu machen.

Was war das Ziel Deiner jetzigen Kollektion?

Es ging darum ein luxuriöses Bild denen zu präsentieren, die sich süchtig nach dem Geschmack von Adel und einem delikaten Chic fühlen.

Und was sind die visuellen Inspirationen für diese Kollektion gewesen?

Wenn jede Zelle des heißen brennenden Windes ist mit der Helligkeit der Sonne gefüllt ist… Oder die Schwalle der Campagne jeden unvergesslichen Sommerabend entflammen… Glänzende Feiern auf Yachten, oder romantische Spaziergänge an der Küste… Du siehst  verführerisch und glamoureus aus. Cherry-pick das faszinierendste Bild. So kann man wirklich den Spass und das Vergnügen von Luxus fühlen dein eigener Teil des Champagner-Lebens. Das bezieht sich auf die aktuelle Bademodenkollektion.

Ich weiß genau das jede starke und selbstbewusste Frau davon träumt sanft und romantisch im gleichen Augenblick zu sein… Eine der letzten Kollektionen der Marke zeigte charmante Abend- und Cocktailkleider für Damen die ihre Vorliebe an Geschmack und leichten Chic haben. Du faszinierst… Du inspirierst… Du beeindruckst… Das bezieht sich auf die Kollektion „Night elegance collection“, mit der wir zusammen Bilder gemacht haben.

Welches Welt- und Lokalereignis hat Deine kreativen Prozesse für diese Saison am meisten beeinflusst?

Ereignisse kommen und ziehen vorüber. Ich bevorzuge es meine Inspirationen in den Dingen zu finden, die zeitlos sind.

Danke für das Gespräch Anna.

Credits:

Bilder: Boris Marberg

Model: Khrystyna Shuminska – Ok’s Models

Head of Hair und Make-Up Team: Lilyia

Portrait von Anna –  PR La-Germaine

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Zinaida Likhacheva AW11

Text / Bilder: Boris Marberg

Die Designerin Zinaida Likhacheva, welche auch als Malerin tätig ist und bereits in mehrere Ausstellungen präsentiert wprden ist, zeigte in Lviv in der Ukraine, ihre kommende Herst / Winter Kollektion 2011. „COCOONed“, so benennt Zinaida ihre dritte Kollektion, die bereits wenige Tage vor der Schau in Lviv auch in Kiew präsentiert worden ist. Der Kokon steht für Zinaida Likhacheva für ein Symbol der Verwandlung, welche sich nicht nur oberflächlich in Formen und Mustern der Kollektion zeigt, sondern auch für innere  Sichtweisen auf die Welt steht. Schlüsselelemente der Kollektion sind Silhouetten die in der Form und im Fluss äussere, wie auch innere Aspekte wiedergeben sollen. So zeichnet viel der Kreationen eine Leichtigkeit im Schwung aus, ebenso wie eine gewisse Gradlinigkeit, die nur in einzelnen Teilen der Konstruktionen aufgebrochen und im Volumen geweitet werden. Einen weiteren Schwerpunkt bilden die Drucke in ethnischen Mustern mit abstrakten, symbolischen Nuancen. Diese finden sich wieder auf verschiedenen Mischstoffen aus Wolle, Seide und Seidenstrick. Die Farbpalette ist weit gefächert und für eine Winterkollektion erstaunlich warm in den Tönen ausgestaltet, auch wenn erdige und tiefdunkle Töne dominieren. Ergänzt werden die Kleider durch Halsketten von Olena Bugaychenko.

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Text / Bilder: Boris Marberg

Auf der Fashion Week in Lviv, wo Gold 16 Jahre gelebt hatte, haben wir die ukrainische Designerin Golda Vynogradskaya kennen gelernt und ihre neue Herbst / Winter 2011 Kollektion GOLDA präsentiert bekommen. Golda führt ihr Label aus Kiew und ist darüber hinaus in mehreren europäischen Ländern vertreten und führt zahlreiche eigene Showrooms in der Ukraine. Das Haus führt zurzeit drei Linien, Golden kids, GOLDA und JOLIE DAME. Alle drei Kollektionen, wie die hier präsentierte sind sehr umfangreich ausgestattet, auf Tragbarkeit und Kombinierbarkeit ausgelegt. Auch der Tragekomfort spielt bei Golda eine wichtige Rolle und spiegelt sich in der Materialwahl wieder. Hier dominieren Seide, Wolle und Kaschmir. Farblich ist die Kollektion, dezent matt gehalten bei den natürlichen Farben, und ansprechend warm bei der Verwendung von schimmernden Seidenoberflächen. Golda steht für eine feminine, leichte und verspielte Handschrift in den Silhouetten. Dass die Designerin  auch andere Töne anschlagen kann, sieht man aber, wenn man die ebenfalls unter ihrem Label entstehenden Leder-Kollektionen betrachtet.

Die Silhouetten sind oft in A-Form gehalten und zeichnen sich durch weite, schwingende aber dennoch in der Festigkeit steife Röcke aus Kleidern aus, welche darauf angelegt sind ganztägig getragen werden zu können. Die Konstruktionen sind so ausgelegt, dass auch grosse Damengrössen ansprechend umgesetzt werden können.

Im Anschuss an die Schau von Golda hatten wir noch die Gelegenheit mit der Designerin ein Interview zu führen bei welchem sie uns die Kollektion im Detail erklärte und wir einen Stylingtest machen konnten. Das Interview und den Stylingtest werden wir in den kommenden Tagen euch präsentieren.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg

Auf dem Showfloor Berlin, im Umspannwerk – einem der Brennpunkte für ökologische Kleidung während der Fashion Week in Berlin, präsentierte die Designerin Kaska Hass ihre Kollektion für Herbst / Winter 2011. Vent Vert – Grüner Wind. Wind ist für Kaska Hass eine Energiequelle, welche sie als Inspiration für ihre Kollektion herangezogen hat. Wind treibt voran, wirbelt Staub auf, oder weht diesen hinfort und bringt dann Klarheit. Eine Klarheit, die sich auch in den Kreationen der Designerin zeigt. Die umfangreiche Kollektion, die sich nicht nur auf Damenmode beschränkt, zeichnet sich bereits auf den ersten Blick durch strahlende Helligkeit, Klarheit und Reinheit aus, die auch regenerativen Energien wie eben der Windkraft innewohnt.

So sind die meisten Looks, die uns im Rahmen der Schau gezeigt wurden sehr hell gehalten und es finden sich nahezu keine Farbakzente, und wenn doch wirken diese fast schon irritierend und nicht wirklich zu der Gesamtlinie passend, so dominant ist die reine Strahlkraft der übrigen Looks.

Die Silhouetten sind nahezu durchgängig gerade und vertikal gehalten, Grösse unterstreichend, und akzentuieren mit Volumen nur dezent an Schulterpartien wie auch im Abschluss von Kleidern, Mänteln und Röcken. Sehr ansprechend ist der Mix aus Symmetrie  und Asymmetrie der sich insbesondere bei den Oberteilen in den Konstruktionen zeigt, vielfach zum Beispiel bei den Krägen. Die Kollektion ist ansprechend und tragbar gestaltet und hebt sich vom ansonst im ökologischen Segment gefunden Experimentellen angenehm ab.

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