Text: Gerhard Paproth
Bilder: Boris Marberg

Ein Nachtrag zur Fashionweeksaison in Berlin für Sommer 2020 in Berlin noch: Unter den Offsideveranstaltungen unterscheiden sich die Schauen verschiedener Veranstalter recht deutlich in den Zielgruppen, die ja per Einladung sehr präzise gesteuert werden können. Große Häuser wie das KaDeWe oder wie in diesem Fall Quartier 206 in der Friedrichstraße fokussieren sich deutlich auf feste Kundschaft für von ihnen vertretene Labels und zeigen demzufolge kaum kreativ-exzentrische Highlights sondern Prêt-à-Porter aus dem Segment des alltäglichen, aber gehobenen Chics. Die kleine Modenschau im Quartier 206 führte einige Designerkollektionen der dort ansässigen Boutiquen vor, zwölf an der Zahl verteilt auf zwei Tage, und hatte den wunderbaren Vorteil, schon ein geschmacklich exquisites Ambiente im Berliner Zentrum zur Verfügung zu haben. Organisatorisch hakelt es dann schon mal hie und da, das ist aber auch Teil des besonderen Charmes, den solche Veranstaltungen haben. Vorteil: Die Sachen sind meistens schon sofort zu haben.

Am zweiten Tag der Veranstaltungsreihe wurden fünf Kollektionen gezeigt, darunter einige mit polnischer Herkunft, die ja nicht selten für geschmacklich sichere Gestaltung steht und damit gerne auf gehobenes Luxussegment zielt.

Sehr klassisch-schlicht kam die Kollektion von Aline Celi daher,  weiß und sommerpastellfarben und gelegentlich angereichert mit kecken kleinen Extras, in den Schnitten minimalistisch und manchmal sogar leicht sportlich. Unproblematische, gute Kleidung mit Geschmack. Im Gegensatz zur letztjährigen Schau ist der Touch von Sexyness zurückgenommen zugunsten eines etwas konventionelleren Auftritts. Das Label vertritt nach eigener Auskunft nachhaltige Mode, faire Produktion und soziales Engagement. Eine Kollektion übrigens, die auch in unterschiedlichen Größen vorstellbar ist, was bekanntlich ein vorteilhaftes Kriterium im Angebot ist:

Aleksander Gliwinski & Viktoria Nosach zeigten dagegen eine Kollektion, die schon mit ein paar extravaganteren Details aufwarten konnte, Latex (oder Kunstleder) mit originell eingearbeiteten Reißverschlüssen und akzentuierend-großzügigem, fantastischem Schmuck sowie interessanten Lösungen mit Kunststoffen. Mode für selbstbewusste Frauen, denen das Durchschnittliche zu wenig ist und die Extravaganz als Bereicherung verstehen, ohne dass es freakig wird:

Die Kleidung von Agnès Wuyam, Paris (von Agnieszka Samulska Wuyam), hatte auch den Nimbus französischen Geschmacks und war vorwiegend geeignet für Parties und Empfänge. Die Mode richtet sich an dynamische, selbstsichere Frauen im urbanen Leben, wie man sie in Paris häufig antrifft:

Die Herrenkollektion von der jungen Menswearmarke DARKOH schwankte zwischen klassischen, leicht modernisierten Anzügen und Outfits für den jungen Karrieristen, der sich modische Eskapaden bzw. geschmackliche Schrägheiten im traditionellen Businesskontext leisten darf – also für die neue Generation junger, modebewusster Männer. Die Anzüge werden aus englischen und italienischen Stoffen in Norwegen gefertigt:

Rockmädchens Damenkollektion von der Designerin Marion Roscher war vom Geschmack der flotten Nachkriegsgeneration geprägt, vornehmlich wie er in Frankreich propagiert wurde, frisch, etwas temperamentvoll und sportlich-elegant. Die zum Teil recht pfiffige Erneuerung mit hellen Farben und karierten Linien auf weißem Grund, gelegentlich akzentuierenden Kopfbedeckungen sowie modifizierenden Schnitten war recht überzeugend und setzte einen leicht launigen Abschluss der Veranstaltung:

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Berlin Fashion Week – Spring/Summer 2020

Bilder: Andreas Hofrichter

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Berlin Fashion Week – Spring/Summer 2020

Bilder: Andreas Hofrichter

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Text und Interview: Gerhard Paproth
Bilder: Schau Andreas Hofrichter, Backstage Gerhard Paproth

Christoph Rumpf gewann Ende April den „Prix Première Vision“ beim renommierten Nachwuchswettbewerb in Hyères, Frankreich, und im Zuge dessen hat der Sponsor Mercedes Benz ihn zu einer Schau auf der Fashionweek in Berlin eingeladen. Das ist, wie Rumpf auch im Gespräch würdigt, eine tolle Möglichkeit, als Nachwuchsdesigner seine Arbeit einem breiten Publikum vorzustellen.

Man muss sich aber auch die konkreten Umstände vor Augen führen: Christoph Rumpf ist noch Student und die vorgestellten Arbeiten repräsentieren darum nicht den Start ins Modebusiness. Vielmehr wird eine Designposition deutlich, die auf Unabhängigkeit beruht und – daher ja auch der Preis – den Anspruch eines gestalterischen Ideals in sich trägt, der auf großes Interesse und Beifall stößt. Umso deutlicher tritt diese Position hervor, als sie sich auf Mythen, Fantasie und Träume stützt, die mit dem Übergang in die professionelle Welt in der Regel normalerweise komplett abzulegen ist. Für das Publikum gehen damit aber die ebenso gehegten Sehnsüchte verloren, die, das zeigte der große Beifall am Ende dieser Schau, in Zukunft vielleicht doch eine Chance bekommen könnten. Wir sprachen mit Christoph Rumpf darüber und inwiefern institutionelle Nachwuchsförderung Wege bereitet.

modaCYCLE: Wir interessieren uns sehr für Nachwuchsförderung in der Mode. Gibt es solche in Österreich?

Christoph Rumpf: Ja, neben diversen Einrichtungen und Stipendien an der Uni gibt es einige Sachen. Aber Österreich ist ja auch klein und es gibt nicht so viele Designer.

modaCYCLE: Immerhin kommen nicht wenige Designer hier nach Deutschland, und die sagen, die Chancen bzw. Möglichkeiten sich zu etablieren seien in Österreich noch nicht so ausgeprägt.

Christoph Rumpf: Nun, das kann man vielleicht nicht vergleichen. Österreich hat ja nicht dieselbe Modeinfrastruktur wie die sehr großen Städte in Deutschland oder Frankreich.

modaCYCLE:Wie finden Sie die Nachwuchsförderung in Frankreich, wo man zum Beispiel in die ganz großen Betriebe hinein-gelotst wird und die Infrastrukturen nutzen kann. Sie haben auf diesem Wege doch schon den Schmuck für Chanel gemacht.

Christoph Rumpf: Nein, das ist noch nicht so weit, aber ich mache die Ausstattungen für Petit Bateau und ich finde nicht, dass man da „hinein-gelotst“ wird. Ich muss mich da jetzt noch nicht entscheiden. Wenn man da ein Angebot bekommt, kann man das überdenken. Für mich ist das momentan zum Beispiel keine Option mitten im Studium, aber nächstes Jahr, wenn ich das abgeschlossen habe, schon eher.

modaCYCLE: Ach, das müssen Sie deswegen generell ausschlagen?

Christoph Rumpf: Momentan ist das nicht so gut. Ich bin im letzten Studienjahr und will erst in Ruhe meinen Abschluss im September machen.

modaCYCLE: Und gibt es dann noch andere Möglichkeiten, Zugang zu etablierten Marken zu bekommen?

Christoph Rumpf: Ja, zum Beispiel gibt es noch eine Möglichkeit von Hermès, verbunden mit einem Preisgeld, auch für andere, die auf dem Festival (Hyères) vertreten waren. Das muss nicht sofort sein.

modaCYCLE: Also konkret hat sich noch nichts ergeben, nach dem Preis in Hyères, außer dem entsprechenden Preisgeld?

Christoph Rumpf: Nun, es ist schon fantastisch mit Mercedes Benz zu arbeiten, zum Beispiel jetzt hier, wo man die Schau machen kann und das ganze Makeup und so professionell ohne Eigenaufwand ausgerichtet wird.
Letztlich kann man sowieso nicht viel mehr machen, als was im Zuge des Preises der „Première Vision“ von Chanel eingerichtet ist. Ich bin außerdem, wie gesagt, ja auch noch im Studium.

modaCYCLE: Sie haben in unserem vorhergehenden Gespräch erzählt, dass Ihre Ideen aus dem Fantasy-Umfeld, aus Märchen stammen. Das ist ja ein ganz anderer Bereich als wenn man jetzt in die Fashionszene gehen will, die sich im Prinzip industrialisiert. Wie stellen Sie sich das mit Ihren Sachen vor, ist das nicht problematisch?

Christoph Rumpf: Nicht unproblematisch. Wenn man den Leuten das präsentiert, ist das eine Seite der Angelegenheit: meine Sachen, das sind alles extreme Silhouetten, und auch die Produktion ist kompliziert. Aber mit dem sogenannten Bad Stock kann man keine größere Menge produzieren (Rumpf meint hier seine recycelnde Verwendung von gefundenen Textilien, z.B. vom Flohmarkt etc.), da müsste ich am Anfang des gesamten Prozesses schon anders vorgehen.

modaCYCLE: Bei solchen Beispielen wie Brokatstoffen dürfte das doch nicht so einfach sein?

Christoph Rumpf: Einfach nicht, aber auch dafür finden sich Wege. Wenn ich dann ein eigenes Studio haben werde, will ich mich auch nicht so positionieren, dass ich jährlich 80 oder 90 Kollektionsentwürfe liefern muss. Ich wollte noch nie „Chanel werden“. Ich suche eine Nische mit kleiner Produktion, das geht ja auch und ich kenne gute Beispiele von Designern, die damit durchaus ein befriedigendes Auskommen haben.

backstage:

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Die Kollektionen von Sophie Oemus sind stets eine Mischung von klassischem, eher bodenständigem Design und klug erkannten, relevanten Zeitgeistaspekten. Wie wir schon letzte Saison bemerkten, ist ihre Lust auf Mode für Mädchen außerdem ein besonderes Merkmal, denn das, was sie für Kinder und Heranwachsende entwickelt, bezieht sehr deutlich die Wunschpalette der betroffenen Zielgruppe mit bemerkenswert viel Gespür ein. Dieses Mal liefen erwachsene Models und Kindermodels in beliebigen Folgen über den Laufsteg, diese Aufhebung der Generations-Trennung kann man sicher als programmatisch verstehen, zeigt aber auch sinnfällig, dass viele Stilmittel letztlich übertragbar sind ohne den Anspruch der Zielgruppengerechtheit verlassen zu müssen. Und – das noch am Rande bemerkt – es macht auch Spass zu sehen, wie der „Modelnachwuchs“ lässig und trotzdem stolz und selbstbewusst „seine“ Modesachen vorführt.

Die Frauenkollektion korrespondierte mit einem angedeuteten Selbstverständnis, das vielseitige gesellschaftliche Rollen vergegenwärtigte, von Freizeit über Büro bis zur Rolle der jungen Mutter, wofür sogar Kinderwagen über den Laufsteg geschoben wurden. Alles also auch mit einem Hauch moderner Pragmatik, ohne den Sinn für Weiblichkeit zurückzustellen. Leder (beliebtes Maisonnoée-Material), dieses Mal mit gestanzten Mustern an den Säumen, entspricht dem urbanen Touch, gepaart mit sportiven Streifen, T-Shirts, Kapuzen oder Ansteckobjekten bzw. verhaltenen Streetwaerelementen. Unterstrichen wird das von kraftvollen Electrosounds und -rhythmen. Außerdem steht da noch eine romantische Note im Raum, in der Projektion sehen wir Frühlingsgras in seichtem Wind und der Kollektionstitel „Douceur“ ist darüber hinaus ein Statement für sich.

All das nimmt man aber nicht widersprüchlich wahr, das vorgeführte Panorama der vielen Aspekte behält eine überzeugende Stimmigkeit. Insofern ist das so verstandene Frauenbild durchaus an der Realität orientiert und naheliegend. Erwähnenswert bleibt noch die Farbpalette, sonniges Gelb, Schwarz, Braun und Oliv sind prägnant vertreten, aber eher nicht an modischen Trends orientiert. Das betrifft auch die Schnitte, die achten auf Bequemlichkeit, es gibt wieder Plissée und die Lederkleider fallen schlicht und glatt, ihre Anbindung an Konventionellem und zeitgemäßen Gouts wird dabei nicht aufgegeben.
Unterm Strich eine Kollektion „für die moderne Frau“, aber nicht im abgegriffenen spießigen Sinne, sondern lebendig, realistisch und erlebbar positiv.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der neuen Kollektion postuliert die Designerin lautstark zeitgenössische feministische Aussagen, die über den Kontext der MeToo – Debatte hinausgehen. Neben der eigentlichen Kollektion wurden drei Oberteile präsentiert, welche mit einem entsprecenden Hashtag versehen waren. Über die Funktion des Hashtags in der Mode als Ausdruck und Platzhalter haben wir uns schon bei der Kollektion von Damur ausgelassen. Während dort die Determinierung, der Inhalt denjenigen überlassen bleibt, welche diese Mode tragen, geht Ruétz einen anderen Weg. Mit Aussagen wie,

#My Pussy My Choise

#Let’s Led Not Follow

#Riots Not Diets (neu Aufgelegt mit #)

#Race Human

#Kiss My Ass

greift sie Themenkomplexe auf wie sexuelle Selbstbestimmung, Führungsanspruch, Widerstand gegen die Adaption von Schönheitsidealen. Die Designerin will aufrufen, Menschenrechtsfragen zu diskutieren und Geschlechterstereotypen zu hinterfragen. Wer im Künstlerischen Diskurse aufgreift und die Rezipierenden aufruft, provoziert auch oft Ablehnung und Fragen. Gerade im Modedesign, welches immer auch einen stark funktionellen Bezug zur Produktanwendung hat, werden politische Aussagen oft weder gewürdigt, noch wird ihnen zugesprochen glaubwürdig zu sein. Vielfach steht heutzutage in einer „Sex sells“ Wahrnehmung und Werbedoktrin gar im Raum, dass lediglich die Provokation als Marketing-Instrument dient.

Im Rückblick der Kollektionen von Ruétz, hat sich über viele Jahre gezeigt, dass die Designerin in der Vergangenheit immer wieder persönliche Ansichten und Anschauungen aufgegriffen, und in die Looks eingearbeitet hatte – Beispielsweise (Flock-)Drucke von Chakren in den Innenfuttern früher Kollektionen. Insofern kann man der Designerin einen reflektierte Entwicklungsdrang zuschreiben, auch wenn die letzten Kollektionen in diesem Bereich nicht mehr so klar und deutlich wahrgenommen wurden (zuletzt unter anderem mit den Stichworten „Make Love Great Again“ und „Race – Human“ mit der Kollektion Sommer 2019) – praktisch mit 100% Bio-Baumwolle als günstige T-Shirts zu erwerben – Zweitlinie youknowyouwantit.

In der technischen Betrachtung ist die neue Kollektion bunt, aber in den Farben doch recht zart geblieben. Lediglich die viele Neon-Lautstärke bei den Flächen, mit welcher auch die Kollegin Marina Hoermanseder vorgeprescht ist), unterstreicht die Kernaussagen. Daneben finden sich viel Apricot und klassische Farb-Drei-Klänge. Die Muster haben fast durchgängig einen psychodelischen Bezug im Sinne der 1960er und 1970er. Auffällig sind dagegen die Oberflächenstrukturen, die teilweise sehr künstlich wirken und nach reinstem Plastik aussehen – was ohne Nachfragen in Kontrast zu dem Anspruch steht, nachhaltige Materialien zu verwenden – und diese Looks wirken unförmig und abgepackt. Gerade hier zeigt sich auch, dass Rebekka Ruétz mutig mit üppigen Volumen spielt. Auch dies unterstreicht den verpackten Charakter, der in einer gewissen Weise eine deutliche Distanz der die Kleider tragenden Person, zu ihrer Umwelt einnimmt. Distanz schaffen, kann bewirken, einen anderen Standpunkt einzunehmen oder zu finden – aus beiden Perspektiven – also auch anders gesehen zu werden. Ruétz wurde schon oft diese Tendenz, in den Kollektionen auf den ersten Blick etwas sprunghaft zu sein, nachgesagt. Ob dies auch hier der Fall ist kann aber schlussendlich angesichts des Aussagewillens der Kollektion, vorerst außer Acht gelassen werden.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Bei Sommerkollektionen, die man in großer Hitze präsentiert bekommt, verkehrt sich das Drückende ins Leichte, wenn man so etwas Luftiges vor die Augen geführt bekommt wie bei Lana Müller. Dieser Zauber ist bekanntlich ihre entscheidende Fähigkeit.

Zarte Rosé- und Nudetöne bestimmen diese Kollektion, die besonders gut mit blasser Haut korrespondiert und wieder sehr delikat angelegt ist. Auch wenn gelegentlich kräftiges Pink da deutlich aus dem chromatischen Rahmen fällt, so tragen die Stücke doch stets ihren unverwechselbaren Duktus des Zarten, aber auch sehr Lebhaften. Dabei sehen wir großblumige Muster aufgebracht, elegant platziert und mit etwas kräftigeren Pastelltönen frische Lebendigkeit evozierend (besonders das letzte Kleid ist dafür ein hinreißendes Beispiel). Die feinen, dünnen Stoffe sind beweglich und locker verspielt am Körper. Im Prinzip sind die Schnitte körperbetont – oft recht eng bis zum Oberschenkel oder Knie, darunter weit ausfallend bis hin zur Schleppe – darum sind die Sachen wesentlich schon für schlanke Frauen konzipiert. Der Umgang mit dem grazilen Frauenkörper ist allerdings bezaubernd schön.

Insgesamt scheint durch die gesamte Kollektion ein asiatischer Touch durch, der in den sehr pfiffigen Frisuren dann noch als sehr deutlicher Akzent herausgestellt wird. Dieser Bezug ist eigentlich auch sinnfällig für die Lana Müller Ästhetik, gerade japanische Kunst hat eine starke Kraft in dem Schwebezustand des Gegenwärtigen.

Kleiner Wermutstropfen im ästhetischen Zauber sind die nudefarbenen Unterlegungen der vielen Transparenzen, einerseits „moralisch“ wohl eine konsequente Entscheidung fürs Kommerziell-Praktische, andererseits haben wir im Publikum Frauen mit Lana-Müller-Kleidern gesehen, die da durchaus konsequenter auftraten. Hier wären etwas elegantere Lösungen in der Kollektion der Subtilitäten wünschenswert gewesen.

Und dennoch, die Kollektion ist ein Beispiel für moderne Anmut – so gesehen sind Botticellis Grazien die inspirierenden Geister über dem Laufsteg der Gegenwart.

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Text: Boris Marberg
Bilder: Andreas Hofrichter

Damur versteht sich als Berliner Modelabel. Konsequent fand dementsprechend im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin auch die erste Schau des Designers Shih-Shun Huang statt, der mit seinem Label auch Mitglied des „Facion Council Germany“ ist. Im vergangen Winter hatten wir noch das „Atelier“ von Damur in Berlin besucht um den Designer, sein Label und seine Design-Philosophie kennenzulernen und vorstellen zu können.

Der Designer eröffnete mit einem persönlichen Statement seine Schau und nutzte die Gelegenheit, seinen Dank an all jene zum Ausdruck zu bringen, die sein kreatives Wirken in Berlin und diese erste Schau ermöglicht hatten. Shih-Shun Huang versteht seine Mode und Mode im Allgemeinen als Kommunikationsform. Die Bekleidung könne eine Vokabular für die Teilhabe sein – also auszudrücken man „gehöre dazu“. Symbolisch und symptomatisch steht hierfür der Hashtag. Die Wirkung und Funktion eines Hashtags ist es, ein Bezugssystem zu generieren und auch eine lexikalische Verschlagwortung zur Verfügung zu stellen. Das Doppelkreuz ist eine universelle, über Sprachbarrieren hinweg wirkende Markierungsmethode. Der dem # folgende Begriff bedarf indes der Determinierung in einem konkreten Diskurs. Bei Damur ist die dargestellte Teilhabe ein modisches Statement aufzugreifen und sich partizipativ anzueignen. Diese Saison bilden die Konstruktionen der Kleidung selbst den eigentlichen gestalterischen Rahmen – der Hashtag kommt jetzt zwar immer wieder vor, ist aber in der konkreten Umsetzung doch recht dezent in der Kollektion eingestreut.

Die Bekleidung von Damur lebt bei dieser Kollektion weitestgehend von starken Kontrastbildungen. Dies bezieht sich sowohl auf die Flächen, Schwarz und Weiß, wie auch Volumen in den Silhouetten oder Größenverhältnissen. Erst das letzte Drittel der vorgestellten Kreationen entwickelt eine Farbigkeit und spielt mit Ornamentik und Applikationen. Hier lockern bunte Fransen, fast leuchtende reflektierende Flächen die formale Strenge auf. Die Konstruktionen wirken überwiegend wie frisch aus dem CAD (Computer aided design), aus dem Rechner direkt in die Laser-Schneidemaschine übertragen und umgesetzt. Eine haptische Erfahrung, welche sich bereits im Schaffensprozess im Umgang mit dem Material anlegt, nimmt man diesen Kleidern nicht wirklich ab.

Das Steife in den formalen Entwürfen kann dennoch als konsequent in der Konzeption überzeugen. Diese Strenge vermittelt Sicherheit oder befriedigt scheinbar ein Bedürfnis nach Sicherheit, wie auch Teilhabe – wenn sie ostentativ und programmatisch postuliert wird – ein (soziales) Sicherheitsgefühl vermitteln kann. Die Individualität wird domestiziert und formiert sich programmatisch in der Form und der Determinierung der Zugehörigkeit des Individuums, welches sich per getragener Kleidung in ein Deutungssystem einklinkt und Teil dessen Wirkungswelt wird. Der #Hashtag kann damit auch alleine stehen und verschlagwortet so gesehen die Leere, die als Gefühl zeitgenössisch und epochenprägend sich breit macht: #__

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Nach wie vor ist die Arbeit von Lou de Bètoly (früher Teil von Augustin Teboul) von handwerklichem Vergnügen geprägt, insbesondere durch solche Applikationen, aber auch von Häkel-, Klöppel- und anderen Techniken für textile Flächen, die mit der aktuellen Kollektion aber eher klein ausfallen. Und nach wie vor steht das Spielerische im Zentrum, auch in den Kombinationen und, jetzt gegenüber dem reinen Schwarz (oder Weiß), auch von Lust auf Farbe. Alles, außer den Schuhen ist selfmade und das zumeist wenige am Körper versteht sich eher als gestalteter Akzent für die Haut und Figurfläche – und vielleicht für sich selbst.

Böse formuliert ist es handwerklich und besonders experimentell anspruchsvoller Fummel. Es macht dennoch Spass, das zu sehen, denn es ist liebevoll und gekonnt gemacht. Einige weitere, eher konventionelle Kleidungsstücke, Kleider, Hosenanzüge etc. finden sich ebenfalls in der  Kollektion, aber die passen nicht so überzeugend in das gefühlte Gesamtkonzept und mögen einem Zugeständnis an die notwendige Kommerzialisierung geschuldet sein. Sie haben für sich genommen nicht viel Überzeugungskraft.

Die Neuausrichtung gegenüber der früheren Arbeit mit Auguistin Teboul hat eigentlich nur die bestechend kreative handwerkliche Ausrichtung erhalten und den erotischen Touch ausgebaut, alles weitere ist anders. Besonders der Wegfall der Charakteristika, die man mit Gothic und Punk verband, nimmt den neuen Sachen einen gewissen Spirit, der doch sehr typisch war. Das Üppige der Ausstattung ist nun auch eher verloren, aber das Spärliche ist gediegen differenziert und gewinnt den erwähnten Anteil an Sexyness. Auch den französischen Touch meint man stärker zu spüren.

Dahinter steht ein Kozept von kalkuliertem nächtlichen Chaos (das auch die Visagistik zu betimmen scheint), dessen Bestandteile in experimentellem Prozess ohne Leitmotiv entstehen und zusammengetragen werden. Mit einem Arbeitspartner fügt Lou de Betoly daraus durchaus in sich stimmige Konstruktionen, ohne dass geradlinige Schlüssigkeiten dahinter stehen. Die Planung des Ungeplanten behält so den Charakter des improvisierten Arrangements, der wohl auch angestrebt ist und irgendwie die Vorstellung von nächtlichem Schwebezustand, luxuriösem Partyvergnügen, Auflösung und erotischen Kräften enthält.

In der Schau funktionierte diese Grundidee aber nicht immer. So verhindert z.B. ein Magermodell im knappen Outfit aufkeimendes erotisches Flair (das Strumpfkonzept sowieso) und akzentuiert ausschließlich das Fluidum des Kränklichen.

Mit dem klug und mutig ausgesuchten, experimentellen und spannenden Soundtrack wird dennoch der etwas wilde, leicht chaotische, offene und sehr experimentierfreudige Anspruch des Ganzen ins Auditive übertragen und vergewissert die Richtung der Interpretation. Und die Modelle laufen jetzt sehr dynamisch schnell über den Laufsteg, wo früher ausschließlich ruhige Liveinstallationen angesagt waren. „Schnell durch …“ lästert da ein Kollege, den die Schau ratlos zurückläßt.

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Text: Boris Marberg

Bilder:
Schau – Andreas Hofrichter
Messe – Boris Marberg

Mit der Messe NEONYT, die diesen Sommer zum zweiten Mal  die bisherigen Veranstaltungen zu nachhaltiger Mode in Berlin zusammengefasst hat, entsteht ein Schwerpunkt, der mittelfristig in Berlin zum wesentlichen Fundament der Modewoche werden kann. Der Schrumpfungs- und Bereinigungsprozess, den die verschiedenen Formate und Veranstaltungskonzepte in Berlin durchgemacht haben und der auch noch immer in Transformation ist, findet damit die aktuelle Chance in noch nicht gesehener Klarheit. Neben der Messe an sich im Kraftwerk an der Köpenicker Straße, wurde nachhaltige Mode auch am zentralen Ort, dem eWerk, in einer kuratierten Schau präsentiert. Dabei bewährt sich das Konzept, die Vielzahl der Labels als Fundus zu verstehen und hieraus Looks zu kreieren, die mit Leichtigkeit das Klischee – welches sich hartnäckig hält – zu überwinden, ökologische Mode könne nicht den Charme und den Chique bieten, wie konventionelle Mode.

Ja – diesem Thema haben wir uns in den letzten Jahren immer wieder widmen müssen, und es wird Zeit, einen Haken hinter den nachhaltigen Anspruch setzen zu können. Der Diskurs ist aber zu komplex und ähnlich wie in der Politik muss man noch hoffen, dass von den konventionellen Produzenten vielleicht die Rufe gehört und die Bedürfnisse aufgegriffen werden, gelingen will das allerdings noch nicht wirklich.

Es besteht zwar das Interesse, Verantwortung zu übernehmen und Konzepte für eine nachhaltigere Wirtschaft umzusetzen, die ganz klaren Forderungen, die von der jungen Generation auf die Straße getragen werden, werden allerdings noch immer nicht ernst genug genommen. Der Widerspruch ist aber auch systemimmanent. Bedarf und Bedürfnis wollen bedient werden und neue Kleidung soll auch konsumiert werden – mit möglichst gutem Gewissen. Gleichzeitig will Innovation sich äußern, sichtbar werden in neuen Produkten. Aus diesem Dilemma zu entkommen ist nur über noch radikalere Wege möglich, als nachhaltig zu produzieren. Denn es würde nachhaltigen Konsum verlangen, bis hin zum Konsumverzicht.

Vielleicht ist auch aus diesem Gedanken heraus zu verstehen, dass die zugehörige Schau im eWerk sehr Denim-lastig war. Jeans lässt sich extrem nachhaltig produzieren, unter der Akzeptanz der Langlebigkeit des Materials und unter der Voraussetzung der Wiederaufbereitung der Rohstoffe. Das individuelle Verantwortungsgefühl der Konsumenten anzusprechen und dennoch im Wirtschaftssystem in der bisherigen Form eingebunden zu sein ist mehr als eine Gradwanderung. In Bezug auf Jeansware konnten sich Interessierte auf der Messe gut bei MUD Jeans informieren.

Wieder auf die eigentliche Modenschau kommend, bleiben ein paar Punkte ganz augenscheinlich. Zum Beispiel können nachhaltige Accessoires, insbesondere Taschen und Schuhe gestalterisch mittlerweile durch ansprechende Materialien nicht nur mit Konventionellem mithalten, sondern übertreffen diese bereits. Neue Produktionsmethoden für Fasern und Aufbereitung über Recycling sind da nur ein paar Punkte. Heutzutage ist die Behauptung schlicht nicht mehr nachvollziehbar, dass nachhaltige Materialien nicht die gleichen kreativen Spielräume bieten würden, wie konventionelle Fasern oder Farben – blass und Beige als einzige Alternative war gestern. Bunt, laut und kontrastreich, sogar Transparenz ist nicht nur möglich, sondern kann im geschmackvollen Arrangement auch überzeugen:

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Der Hype wird perfekt und aufwändig gefüttert, diese Fähigkeit hat Marina Hoermanseder mit ihren Showveranstaltungen mittlerweile optimal kultiviert. Alle Liebhaber des Labels und seines Nimbus‘ kommen reichlich auf ihre Kosten, denn nicht nur der Laufsteg ist attraktiv gestaltet, sondern unzählige Nebenbereiche mit ambitionierten Schmackhaftigkeiten und Getränkevarianten sind stilsicher und attraktiv zu einem großen Loungebereich hinzugefügt. Sehen und gesehen werden ist die Maxime, der alle frönen sollen und können und es ist selbstredend, dass genügend schöne Frauen mit Hoermansederkleidung dabei sind: Für allseitige Vergegenwärtigung des Lifestyle-Labels in großzügigem Kontext ist gesorgt. Und sogar nach der Veranstaltung tragen die leuchtenden, prall gefüllten Goodie-Bags den Impact ins urbane Berliner Umfeld. Wir sind Hoermanseder.

Drei Gestalten zum Auftakt der Schau machen klar: Es geht um (auf dieser Fashionweek auch schon mehrfach zu sehende) Neonfarbigkeit, deren Charakteristik bekanntlich ihre Signalwirkung ist. Neon repräsentiert nicht wie in den 80ern ein Kennzeichen für äußerster Coolness (da entstand der Begriff „cool“, in Bars und Clubs gehörte kaltes Neonlicht), sondern versteht sich jetzt, auf Kleidung angewendet, als Mittel zur maximalen Leuchtkraft. „Achtung, ich bin!“ Müßig, eine Philosophie- oder Psychologieabhandlung daraus abzuleiten.

Im Laufe der Schau traten dann vorwiegend schimmernde und glitzernde Kunststoffe dazu, und das auf durchaus geschmackvolle und stilsichere Weise. Wie gewohnt hat die Designerin noch immer atemberaubende Varianten ihrer steifen Ledercorsagen gefunden und die bekannten Lederriemen in neue Erscheinungskonzepte transferiert, sogar aus der Anfangszeit kamen orthopädische Konstruktionen wieder zu Ehren. Glitzerndes Orange oder ein paar Formmodifikationen machten aus dem Bekannten – und Bewährten – etwas Neues. Auch andere Insignien ihrer vorausgegangenen Kollektionen, wie zum Beispiel die K. u. K.-Sahnetorten-Stilistik, tauchten wieder auf und machten klar, dass diese Sachen keineswegs zum alten Eisen gehören sollen. Aber dennoch hat diese Kollektion jetzt konsequent Abschied genommen von den mädchenhaften Verspieltheiten mit applizierten Blümchen früherer Saisons. Schleifen und übermäßig gebauschte Raffungen erinnern zwar noch an diese Neigung, aber diese Stilismen sind jetzt einer anderen Idee nachgeordnet. Als Edel-Disco könnte man den neuen Gout verstehen, wobei die Veredelung außerordentlich gekonnt, ideenreich und mit vielen Raffinessen vorgeführt wird. Dafür werden die geeigneten Kleidungsstücke nicht nur mittels Textilwahl, Glimmer und Farbigkeit in eine neue Sphäre transferiert, auch elegante Abend- und Cocktailgarderobe erhält so eine neue Prägung der Auffälligkeit und des Glanzes, sogar wenn die Grundfarbigkeiten noch eher verhalten bleiben.

Nicht selten kann man aber auch den sogenannten Asia-Kitsch damit assoziieren, der ja auch hemmungslos Glimmer und Bonbonfarben feiert.

Auch wenn in der Gesamtkollektion noch ein paar unterschiedliche Orientierungen aufschienen, so ist sie doch geschlossener, einheitlicher und in ihrer Konsequenz überzeugender, als die vorhergegangenen. In den letzten Kollektionen tauchte das starke Interesse Marina Hoermanseders an Discoclubkultur schon mehrfach und deutlich auf, war aber simpler in der ästhetischen Formulierung. Die jetzige Schau definiert ihre Zielgruppe entschiedener und ist hinsichtlich der Geschmackssicherheit vielen vorangegangenen Experimenten überlegen. Schon das rechtfertigt den Erfolg, den diese Schau hatte.

Zugegeben, Disco- bzw. Clubkultur ist in der Regel eine eskapistische und soziologisch flache, das hat schon bei ihrer Entstehung in den 70er Jahren zu extremen Polarisierungen in der Jugendkultur geführt. Der übersteigerte Glanz in dieser unbedarften Parallelwelt erntete konsequente Verachtung außerhalb, „Disco-Sucker“ war die Bezeichnung, die ich seinerzeit in Los Angeles dazu hörte, und weltbildmäßig war die Verachtung nicht ungerechtfertigt, auch wenn damals „Saturday Night Fever“ mit John Travolta ein Welterfolg wurde und die Disco-Manie gesellschaftsfähig machte. Angesichts der Hoermanseder-Show kommen einem solche Kontroversen wieder in den Sinn: viel PVC und Kunststoffe tauchen auf, und wenn sie es nicht sind, erscheinen sie immerhin so. Selbst dem Naturmaterial Leder hat die Designerin einen künstlichen Touch verpasst. Angesichts der Fridays for Future – Bewegung und dem weltweiten Desaster mit Plastikmüll und -recycling ist das modische Feiern einer Kunststoffästhetik durchaus ein problematischer Aspekt. Und damit rückt diese Art Clubkultur, auch in seiner verfeinerten, pfiffigen und geschmackvollen Prägung, wieder in einen Diskussionskontext, der mindestens polarisiert.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Eigentlich war es eher ein Volksfest als eine Modeschau im gewohnten Sinne. Publikum lief einfach auf dem Laufsteg herum, Beifall für mittelmäßige Schauen war frenetisch begeistert und alles war schön, auch wenn es das gerade nicht war. „Fashion Hall“ – ein großer Titel für eine Parallelveranstaltung zum offiziellen Fashionweek-Programm. Es war Brot fürs Volk.

Die Fashion Hall in Berlin in ihrer 11. Fassung fand im Löwe Saal in Berlin statt. Geboten wurde ein weites Feld an internationalen Designern, welche ihre Kreationen dem Publikum präsentierten. Dabei zeigten Designer in einem weiten geographischen Bogen von der Karibik über Zentralasien bis Vietnam ihre aktuellen Kreationen und ihr ästhetisches Verständnis von Mode.

Fünfzehn Designer, respektive Marken präsentierten in den Ludwig Löwe Höfen in Berlin. Über einen Lastenaufzug ist dort ein gewerblich geprägter Veranstaltungsraum zugänglich, in welchem ein Laufsteg und Präsentationsraum aufgebaut war. Hier wurden vierzehn Marken in einer einzelnen Schau präsentiert. Diese wurde durch eine angenehm kurze Pause in zwei zusammenhängende Teile gegliedert.

Dabei mischte sich geladenes Publikum mit solchem, welches Tickets für die Veranstaltung erwerben konnte. Dies machte eine spannende Mischung und Heterogenität aus und war auch maßgeblich für die Gesamtstimmung bei der Veranstaltung.

In Bezug auf das präsentierte Modedesign kann man attestieren, dass robustes Handwerk präsentiert wurde, welches in der Spannbreite von repräsentativ ausgerichteter Abendmode für Damen bis zum Büro-Kostüm reichte. Eine stilistisch eigenständige Gruppe bildete osteuropäisches und zentralasiatisches Design. Dieses ist sehr oft stark von einer folkloristischen Ausgestaltung und interpretativen Form geprägt. Die Anlehnung an Trachten ist dabei oft im Sinne deren völkischer Wahrnehmung und Ausgestaltung sinnstiftend. Dabei soll der Begriff „völkisch“ hier wider die negative Deutung von Günter Hartung zu verstehen sein, also in Sinne einer positiven (auch über Grenzen hinweg) Identität stiftenden Ausprägung.

Demzufolge orientiert sich die Einordnung der präsentierten Mode an dem globalen Verständnis, einem nivellierten Verständnis von Ästhetik. Falsch, oder unästhetisch ist in diesem Kontext an der gezeigten Mode wenig, zumindest wenn man die grundlegende gefühlsmäßige Wahrnehmung, respektive den weiteren komplexeren emotionalen Kontext heranzieht. Eine rein rationale, formalistische Betrachtungsweise würde dem selbstverständlich massiv widersprechen. Aber wie zeigt sich dies in der konkret präsentierten Mode? Spannend ist, dass über ganze Kontinente hinweg in diesem Segment des Modedesigns sich Übereinstimmungen zeigen. Zum Beispiel, dass es allem Anschein nach ein mannigfaltiges Bedürfnis für repräsentative Damenmode bei Abendanlässen gibt – auch wenn derartige Veranstaltungen im Verhältnis zu den rational gegebenen Gelegenheiten selten vorkommen, welches emotional befriedigt werden will und als „schön“ in der Ausgestaltung empfunden wird. Ein Phänomen, das sich auch bei exklusiveren Modelabels immer wieder findet, obwohl rational die meiste Bekleidung, die getragen wird, zu einem völlig andern Zweck bestimmt ist. Das Exklusive bestimmt also oft allem Anschein nach das Gestalterische, beziehungsweise weist diesem einen höheren Wert zu. Die funktionelle Alltagsbekleidung hat demzufolge einen „geringeren“ Stand. Spannend ist bei dieser Betrachtung aber, dass hier wohl viele Aspekte des magischen Bewusstseins, respektive Denkens eine Rolle spielen (vgl. Jean Piaget – Paradigmatische Experimente). Das bedeutet, es wird geglaubt, dass (eine Determinierung der Ästhetik) etwas so sein muss. Schön ist, was so empfunden wird und nicht, was per rationaler Definition schön ist im formalen Sinne.

Dieses aufgreifend war bei der Veranstaltung die Spannbreite dessen, was schönes Modedesign ist, weit und das Publikum hatte sichtlich Freude daran (das Grundgefühl – „es ist gut“), was gesehen und präsentiert wurde. Der Wertungsmaßstab ist dabei kollektiv und individuell zugleich.
Über dieses Narrativ des Gestalterischen in dieser Mode hinaus kann man festhalten, dass das Modehaus Haye aus Hamburg mit seinem grundsoliden Look auf die Geschäftswelt, als auch vereinzelt die Marke Neun Sinne sehr glaubhaft ihr Konzept im funktionalen Sinne vermitteln konnten. Andere Marken hingegen haben sich vielfach in emotionalen Interpretationen verstrickt – sie haben oder wollten Lebensfreude vermitteln – konnten allerdings oft nur eine Projektionsfläche bleiben. Entscheidend ist hierbei, dass Erwartungen erfüllt wurden und eine hohe Identifikation und ein Zugehörigkeitsgefühl vermittelt wurde. Untermauert wird diese Wahrnehmung durch spontan geäußerte Reaktionen auf die gezeigte Mode, wie „(ich glaube,) das ist schön“, oder „das hat mir sehr gefallen“.

Hieraus kann man ableiten, dass sich die Veranstaltung und die gezeigte Mode auf ein breites positives Resümee abstützen kann, welches durchgängig emotional, nicht aber rational begründet ist. Das Publikum hat sich verstanden und „bedient“ gefühlt in seinen Erwartungen. Und das Publikum gibt dies auch wohlwollen an die Designer zurück, die präsentiert hatten. Die Veranstaltung gewinnt damit seine Legitimation und ist sehr nah beim Publikum, welches sich verstanden und in seinem Sinne für Ästhetik bestärkt und gesehen fühlt. Das Publikum bestimmt somit hier, was es als schön und lobenswert empfindet und womit es sich kollektiv identifizieren kann und es nimmt das Entstehen von Gemeinsamkeit wahr.

Zu einem schönen Abschluss wurde die Gesamtschau durch das Berliner Label Rodan Design mit seinem Ansatz gebracht, dass alles was an Mode schon da war, „entsorgt“ werden könnte und wieder aufbereitet werden kann (und muss) um etwas Neues zu gestalten und zu konsumieren. Alles was davor gezeigt wurde steht demzufolge also zur Disposition  und kann in einem radikalen Erneuerungsprozess zu etwas Originären umfunktioniert werden. Auf die Spitze getrieben war alles voran Präsentierte überflüssig und wird erst jetzt zur Mode, wenn der Neu-Konsum negiert wird.

Basia Olearka

Coco

Kamila Froelke

BERDIYEVA MAYA & HAJYYEVA ORAZGUL

AYDARHAN KALIEV

ALIYA SAGDI

Amarilis Design

NEZIRI

Neun Sinne

MARCO MARCU

Kukla

TAM URBANEK

Haye Fashion

RODAN DESIGN

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Während der Fashionweek wird alljählich der FASH-Award verliehen, für den sich Studierende und gerade fertige Studenten aus ganz Europa bewerben können. Der European Fashion Award FASH wird ausgelobt von der gemeinnützigen Stiftung der Deutschen Bekleidungsindustrie (SDBI). Wir berichteten gelegentlich darüber, nun ist die kleine Exposition und der Verleihungsakt vom Griechischen Hof des Neuen Museums Berlin in den Berliner Bahnhof umgezogen, nicht mehr ganz so feudal der Ort, aber trotzdem ambitioniert. Drei Preise werden vergeben an „Studierende“, „Abschlussarbeiten Bachelor“ und „Abschlussarbeiten II“, mit 1000 bzw. 2000 Euro Preisgeldern, Büchern, individuellen Coachings, Praktika und Publikationen sowie einer kleinen Präsentation und Kleinpreisen für alle Finalisten. Zitat SDBI: „Erfahrungsberichte und Workshops zum Schwerpunkt Schnittentwicklung. Die Jury aus unterschiedlichen Bereichen der Mode gibt in den Workshops eine detaillierte Stärken/Schwächen Analyse zum Portfolio wie zu den realisierten Kleidern. Die Finalisten erhalten so Hilfen zu klaren, realistischen Erwartungen und Zielsetzung für den Berufseinstieg. Daneben gibt es viel Zeit für den individuellen Austausch.“

Neu hinzugekommen ist ein Preis für Modefotografie.

Eine Förderaktion für den Nachwuchs, vielleicht nicht ganz so effektiv wie die großen Förderaktionen mit starkem industriellen und renommiertem Sponsoring, dafür aber ebenso engagiert, kompetent ausgerichtet und hilfreich zum entscheidenden Ausbildungszeitpunkt. Und interessant sind die Arbeiten der Finalisten allemal, denn sie haben bereits ausgeprägte stilistische Orientierungen und handwerkliches Finish.

Mit dem Abgang des Berliner Salons und dem Rückzug des Vogue-Salons in exklusivere Sphären sind solche – für uns sichtbare – Fördermaßnahmen konkrete Hilfen für gerade jene Nachwuchsdesigner, die nicht von Haus aus über genügend Geld verfügen, um die Wendepunkte und langen Startzeiten fürs Weiterkommen zu finanzieren, professionelle Starthinweise einzuholen und ein paar relevante Netzwerkkontakte aufzutun.

Preisträger waren dieses Jahr:
Ecehan Altikardes, Hochschule Pforzheim
Katharina Heinze, Universität der Künste, Berlin
Elisa Herrmann, Accademia di Costume e Moda, Rom
Jakob Tillmann, Lette Verein, Berlin (Modefotografie)

16 von 22 Finalisten des European Fashion Award FASH 2019 in ausgewählten Präsentationen:

Stina Sophie Peters:

Carla Herrig:

Ecehan Altikardes + Jurian Haas:

Christian Begaso-Walg:

Julia Schürmann:

Friederike Stanitzek:

Marcel Rosenberg:

Elixabeth Perdiguero:

Friederike Snelting + Yana Monk (s. auch in Hyères):

Katharina Heinze + Sandra Eden:

Aleftina Karasyova + Stina Sophie Peters:

not named:

Preisträger und Veranstalter:

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