Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Rosa Marga Dahl als Creative Director und Jacob Langemeyer als Co-Designer haben mit ihrer im Wedding gezeigten neuen Kollektion bewusste Spannung zwischen Sichtbarkeit und Introversion thematisch umgesetzt. Der Anknüpfungspunkt für die öffentliche Sichtbarkeit sei dabei die Jagd von Paparazzi auf Prominente gewesen, deren Leben von der Boulevardpresse dem Publikum zum Fraß vorgeworfen wurde. Als Reaktion würde man stilistische Anlehnungen bei strenger, schützender viktorianischer Trauerkleidung aufgreifen. In diesem Sinne kann die Kollektion als Kommentar zur ständigen Beobachtung in einer Welt, die auch von sozialen Medien und Überwachung geprägt ist, verstanden werden.

Als ideeller Akzent wurden bei mehreren Looks kleine Monitore in die Kleidung eingearbeitet, zum Beispiel seitlich an der Schulter beim ersten Herrenlook, einer kurzen Herrenjacke mit schwarzem Stehkragen. Schultern und Taille werden durch die Schnittführung betont. An der linken Schulter ist seitlich ein kleiner Videomonitor eingebaut, wohl im Sinne der oben erwähnten Beobachtung gemeint. Auf diesem  Bildschirm lief eine surrealistische Videosequenz, welche in Zusammenarbeit mit dem Künstler Michael Dahl entstanden ist. Bei den meisten Looks gingen diese Monitore allerdings im klassischen Format der Modenschau als Details und Implementierungen unter – man hat sie schlicht nicht wahrgenommen.

Ein weiterer wichtiger Aspekt der Kollektion ist der Fokus auf Textur und Haptik. Durch die Zusammenarbeit mit handwerklichen Manufakturen und die Verwendung von antikem Leinen, Kaschmir und Leder steht Stofflichkeit im Vordergrund und die technischen Komponenten treten so in den Hintergrund. Eine etwas raue Anmutung ist angestrebt, was auch mit gedeckten Farbgebungen unterstrichen wird. Durch Fransen, Schichtungen und feine Details werden verhaltene Raumbezüge hergestellt.
Auffällig und im Gegensatz dazu, immer wieder – diese Saison nicht nur bei SF1OG – Gummihandschuhe, glatt, klinisch, schützend und distanzierend.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Podyh liebt akzentuierende, kleingeometrische Formen in angeordneter Reihung, am liebsten Quadrate und Dreiecke, und erzielt damit die Wirkung großer Sorgfalt und sehr klarer Musterung. Nicht als Prints, sondern als Reihung textiler Applikationen. Also plastisch denkend. Dazu Streifen, die ebenfalls eine klare Ordnung suggerieren und – vertikal oder horizontal – der Kleidung so etwas wie belebte Ruhe verleihen. Die Schnitte sind recht klar gehalten und suggerieren Jugendlichkeit, manchmal verknüpft mit einem romantischen Touch oder einer sportlichen oder eleganten Grundnote. Somit macht der Reiz des Ganzen eine eher schlichte und zurückhaltende Präsenz aus, die aber immer sehr sorgsam austariert erscheint. Auf dieser Grundlinie leistet sich die Designerin dann auch kleine Verspieltheiten, in die eine oder andere Richtung, aber nie den Rahmen sprengend, eher behutsam.

Der dünn gestreifte Stoff ist zwar kontraststark, mit Schwarz und Beige aber eine elegante Farbkombination, die eher frisch als offensiv daher kommt. Überhaupt bleiben alle Farben – bis auf das Blau – eher blass beziehungsweise dezent und wirken behutsam abgestimmt.

Die Assoziation mit Architektur- und Fassadengestaltung liegt nahe und die ukrainische Designerin Daria Plaksyuk (Labelgründung 2020) gibt auch an, Erfahrungen in dem Bereich gesammelt zu haben und daher nicht nur ihre Inspiration zu ziehen, sondern auch die Liebe zur Sorgfalt im Vorgehen mitgenommen zu haben. Damit gelangt sie zu einer ästhetisch geradlinigen, recht konsequenten Kollektion.

Aber jenseits aller architektonischer Zu- oder Ableitung im Formalen und im Prozess entwickelt Daria Plaksyuk so etwas wie einen diskreten Charme und erst der gibt den Teilen und der ganzen Kollektion das gewisse Etwas, einen wirklich liebenswürdigen Stil: er wirkt zuverlässig, geordnet, zurückhaltend und zugleich angenehm lebhaft – Tugenden, die eigentlich nicht gerade modern sind aber dafür umso sympathischer. Als Stilsetzung ist das eher bei ganz jungen Frauen wirkungsvoll vorstellbar, eine sehr unaufdringliche Bekleidung für den dezenten Typus, angenehm und trotzdem selbstbestimmt. Das klingt vielleicht etwas allgemein, ist aber doch ein prägnanter und charakteristischer Stil und eine echte Bereicherung im Getöse der aufgeregten „Berliner Bewegung“. Und auch völlig losgelöst von Ukraine-Assoziationen.

Ein schöner Start, wie zumindestens wir finden.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Angefangen als subkulturelle, aber berlinerische Veranstaltung, wo Anarchie zu Organisation und Erscheinungsbild das Wesen einer quasi gegenkulturellen Positionierung ausmachte, erweist sich das Konzept die PLATTE.Berlin seit wenigen Saisons als zunehmend erfolgreich.

Der Innenhof der Adresse als typischer Ort der öden berliner Plattenbauten mit seinem optischen, anarchisch aufgemotzten Erscheinungsbild war schon Location der ersten Platte-Veranstaltung und ist auch dieses Mal das kongeniale Locationkonzept. Ausserdem können sich die Veranstalter auch darauf verlassen, dass sich ein Großteil des Publikums dem subkulturellen Style angepasst hat und damit quasi der Schritt in die „Öffentlichkeit“ markiert ist. Und die verbleibenden Gegensätze stellen die Merkmale umso besser heraus. Als Veranstaltung im taghellen Freien ist es leicht, das Publikum in die Schau einzubinden, optisch, und das geniesst solche Situationen sehr: so ungewöhnlich und exzentrisch die Modebekleidung auf dem Laufsteg auch ausfällt, sieht man, dass das Publikum den Spass nicht nur im Zuschauen hat, sondern auch im Selbsttragen und im gegenseitigen Bewundern.

Dass die Wahl auf die Designerin Melisa Minca aus dem Platte-Kollektiv für eine ganze Schau fiel, folgte dem Gewinn des vorangegangenen, neuen Platte Award, der anhand der Prinzipen von Platte-Mode (Inklusion, Nachhaltigkeit, Innovation und Transparenz) vergeben wurde. Und wem es zu verdanken ist, dass die Platte überhaupt im offiziellen Programm erscheinen darf, auch letzte Saison schon, wissen wir nicht, vermutlich war dem Hauptsponsor Mercedes Benz die Subkultur kein imagefördernder Partner.

Melisa Mincas (Label 2018 gegründet) Konzept beruht im Wesentlichen auf Textilupcycling, stets sehr originell kombinierend, improvisierend und zugleich der gesellschaftspolitischen Haltung konsequent verpflichtet. Dass das Spielerische und auch Lustvolle den Ernst der politischen Positionierung weitgehend überdecken kann, ohne sie zu mindern, folgt natürlich auch dem gleichzeitigen  hedonistischen Anspruch. Das „eigentlich Nichttragbare“ wird zum Teil des spassorientierten Kontexts. Niemand ist verpflichtet alles trocken ernst zu nehmen und auch die Designerin nicht, alles ernst zu meinen. Neben dem Spass bleiben auch die plakativen politischen Statements quasi im Raum stehen. Von der handwerklichen Verarbeitung wird gefordert, dass sie solide, sorgfältig herstellt und nichts improvisiert, aber eben keine besonders hohe Schneiderkunst. Deutlich wird aber auch, dass der ästhetische Anspruch bei der Platte höher gehängt wird, als das in den ersten Saisons der Fall war, auch das ein Fortschritt.
Das romantische Schuhwerk wurde übrigens von merrfer unter Verwendung von Upcycled- und Deadstock-Materialien bereitgestellt.

Wie auch die Kleidungsstücke Unikate sind, so werden auch die vorführenden Modelle explizit individuell vorgeführt, mit der Schminke, den Frisuren, Tattoos, Ethnien und Körpern. Everybody United.

Wir schrieben es schon zuvor, in London sind diese Trends schon lange zu beobachten, hundertprozentig läßt sich also nicht sagen, dass Berlin in dieser Hinsicht nun etwas wirklich Neues geboren hätte. Aber es ist in mancher Hinsicht dann doch berlinerisch, umso mehr, als keine andere deutsche Stadt seine Subkultur so liebt und sich für ihr Selbstverständnis zu eigen macht. Und dass weitere Programmierungen aus der Szene in der aktuellen Fashionweek den Trend unterstreichen, bestätigt dieses Selbstverständnis endlich in gerechter Weise.

Grundsätzlich ist natürlich eine Provokation gegenüber dem klassischen Modeverständnis damit offiziell, darüber kann man vielleicht streiten oder die Nase rümpfen. Mit Punk hatten wir das ja ähnlich. Unbedingt überzeugend ist schon mal in jedem Fall, dass der Spass daran ein entscheidendes Kriterium ist und es auch ganz unkompliziert ist, den mit gesellschaftspolitischen Überzeugungen zu hinterlegen.

Gerade das ist eine besondere Erkenntnis, die die Platte.Berlin schon an sich besonders ehrt.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

Anläßlich der Berliner Fashionweek machte die 8. Klasse einer englischen Schule einen Ausflug nach Berlin, um ihr Abschlussprojekt in Kunst vorzustellen. In einer kalten Baustellenlocation ohne konkrete Ortsangabe nahe Alexanderplatz bauten die Ausflügler ein kleines Podium auf, beschafften ein paar Getränke, luden junge Freunde ein und ließen ihre kleine Schau ins Fashionweekprogramm aufnehmen, mehr oder weniger als letzte Veranstaltung. Fast wie eine Schulhofaktion auf einer lustigen Reise.

Alles war geplant wie bei Profis, Vorlauf mit herbeigeschafften Getränken (nur 2 Euro) und Small Talk, erheblich verspäteter Anfang, mehrere Looks, sogar die Presse durfte kommen und bekam einen kleinen Foto-Platz zugewiesen. Mehr noch als das, jedes „Model“ durfte eine eigene kleine Performance mit den Outfits inszenieren und dazu tanzen und vergnügte Slapsticks vorführen. Und die vielen Freunde und Bekannten im Publikum gingen auch richtig mit, tanzten zur Schlagerkaraokeparodie und verbreiteten ausgelassene Stimmung. Alle konnten sogar genug Englisch um mit den Gästen zu reden und Getränke zu bestellen, denn Deutsch konnten die natürlich nicht.

Die gezeigte Mode war einfallsreich und gut von modernen Designern und Trends abgeschaut. Natürlich Upcycling, das war wohl das Projekt-Thema, und dafür gab es verschiedene Varianten, denn es waren ja Arbeiten verschiedener Schüler. Auch das Thema Schichtung war wohl durchgenommen worden und Bespritzen und Bekleckern statt Printentwurf. Und Patchwork, natürlich. Kreativer Umgang mit Vorgefundenem. Weite Looks für jedermann/frau und Geschlechter, möglichst schon etwas „rotten“ aufgelesen oder bearbeitet, und, ganz wichtig, sehr sexy darunter und offen der Schnitt. Klar, viel Frauentypisches am Männerkörper, das ist jetzt das hippste und wird erwartet und gefeiert.

Selbstverständlich ist auch, dass man im European Songcontest Bescheid weiß, um das im Kleinen etwas überdreht zu imitieren, sowie Musik, bei dem das Publikum mitklatschen kann. Das Allerwichtigste aber, nämlich die Beherrschung von Sound- und Projektionstechnik, klappte wie am Schnürchen, sogar in der Eiseskälte. Das war immerhin zuverlässiger als bei manchen Fashionweekprofis. Licht: halt das, was sowieso da war, da musste man eben genügsam bleiben, die supergelungenen Showeinlagen machten das allemal wett.

So stellte sich die Veranstaltung als ein mega gelungener Ausflug einer ambitionierten 8. Klasse aus dem Brexitland heraus, mit Mode, die voll verstanden wurde und viel Spass macht. That was really cool, wasn’t it? *

* Einge Formulierungen dieses Berichtes sind als Satire zu verstehen und entsprechen nicht ganz der Wahrheit.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Fantasy, Sex, Futurismus und vor allem Geschlechteremanzipation sind das Fundament zur schöpferischen Philosophie der beiden Betreiber des Labels Namilia, Nan Li und Emilia Pfohl, woraus kontinuierlich und seit Jahren die Bestände ihrer Kollektionen wachsen. Und stets topaktuell bleiben, mehr noch, wirklich avantgardistisch.

Wir entdeckten Namilia bereits in Paris vor etwa 2 Jahren und schrieben schon ausführlich darüber (siehe Bericht). Erfreulicherweise hat das Berliner Label nun doch eine Möglichkeit gefunden, hier in der Stadt eine Schau zu veranstalten, die sehr begeistert aufgenommen wurde. Die Kollektion wurde entsprechend groß angelegt und war dennoch enorm abwechslungsreich.

Grundsätzlich ist die Mode von Namilia immer kompromisslos, feministisch, antirassistisch und pro trans. Sexuelle Freiheit einerseits und dynamische Sportlichkeit, hier Motocross, prägen viele Ideen und auch entsprechend die glatten Materialien und leuchtende Farbigkeit. Outfits von Motorsport pflegen ohnehin stets eine Vorstellung von Empowerment. Die Formgebung ist entsprechend ebenfalls „speedy“, sowohl in herausgezogenen Schultern als auch in den Applikationen und großflächigen, kontrastierenden Flächenformen (und auch in den Materialwirkungen, veganes Leder z.B.). Hinzu kommen Gothic- und Punk-Details wie spitze Schultern, Spikes oder Nieten. Und, nicht zu vergessen, auch hochgeschlossene, knöchellange Qipaos (ein traditionelles chinesisches Gewand) mit applizierten Stoffvulven.

Aber dabei bleibt es nicht. Wichtiges wird entfernt und bleibt quasi nackt oder die textile Gestalt wird extrem ausgeweitet. Die gewünschte Sexyness beziehungsweise Erotik modifiziert die Kleidergestalt durch Wegnahmen, Aussparungen, Taillierung, Öffnungsmöglichkeiten und viele weitere Strategien, bis die gewünschte Frechheit ziemlich kompromisslos das Ganze bestimmt. Liebevoller Einfallsreichtum in vielen Details und sorgfältigste Verarbeitung sind Teil des Vergnügens, das man mit diesen Outfits  hat.

Anregungen aus der Clubszene in ihren exzentrischsten Ausprägungen werden gerne verfolgt und ausgebaut, denn von da aus geht die Grundidee einer sexualisierten Gesellschaft (unter neuen Vorbedingungen) längst der allgemeingesellschaftlichen Öffentlichkeit voraus. Ausserdem fließt die reale eigene Körperlichkeit in seiner Anerkennung (Body-Consciousness) als Pro-Faktor in die Gestaltungsphilosophie ein und überwindet damit ganz souverän und selbstverständlich bisherige Standards, an denen die großen Modehäuser noch immer kleben.
Als aktuelles Leitthema geben Namilia den Text Cruising Utopia, The Then and There of Qeer Futurity von José Esteban Munoz an, möchten also, dass man ihre Kollektion als eine Vorstellung von „queer utopia“ betrachtet. Damit wird die Idee von sexueller Freiheit noch einmal weiter focussiert. Aus dieser Textquelle schöpft übrigens auch der DJ/Produzent Yazzus mit seinem Soundtrack zur Schau.

„Eine Religion, die keine sexuellen Tabus kennt. Eine Frauenreligion.“ äußerte das Designerduo einmal und blieb bis heute unbeirrt dabei. Jetzt, wo die Berliner Fashionweek frei von äußeren kommerziellen Werbe- und Imageinteressen sich neu aufstellen kann, sind Labels wie Namilia neben Olivia Ballard und anderen plötzlich auf dem Plan und führen vor, was zwar längst schon da war, was als Berliner Kulturverständnis und Subkultur aber nicht in die erste Reihe der präsentierten Mercedes Benz Fashionweek kam. Diese Labels repräsentieren das authentische Mode-Berlin – ohne dass anders orientierte Labels damit herabgewürdigt wären. Labels, die, wie Namilia, deswegen anderswo bisherige Erfolge feiern konnten und zweifellos eine spannende Avavantgardeposition einnehmen, auch und gerade im gesellschaftspolitischen Anspruch.
Und dabei kommt es nicht von Ungefähr, dass Namilia auch in New York in den Szenen gefeiert wird und Bekanntheit erlangt hat.

Diese konsequente und kompromisslose Haltung der Labels und ihre kreative Innovationskraft werden die Berliner Fashionweek reizvoll und wichtig machen im internationalen Gefüge und umgekehrt stehen sie ja auch erklärtermaßen zu Berlin und seiner Lebensart.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

DZHUS (Irina Dzhus) gehört zu den vier eingeladenen Designern beziehungsweise Designerinnen aus der Ukraine und wenn man diese Einladung über die solidarische Geste hinaus rezipert, stellt sich natürlich die Frage, ob die vorgestellte modische Leitidee die Besonderheit der Umstände auch reflektiert. Bei DZHUS ist das ganz offenkundig und sehr überzeugend der Fall.

Es handelt sich im Grunde um sehr raffinierte Funktionskleidung, weniger im Sinne von klimatischer Referenz als im Sinne der Nutzbarkeit und Vielgestaltigkeit. Letzteres führt die Schau in frappierender Weise vor: Das Modell läuft mit einer Kleidungsgestalt einmal den Laufsteg auf und ab, kurz vor Ende wartet die Designerin auf dem Laufsteg und beginnt dann, die Kleidung zu demontieren, umzustülpen, aufzubrechen in der Architektur und aus den Bestandteilen eine völlig neue Gestalt zu schaffen. Damit geht das Modell dann ein zweites Mal den Laufstegweg.

Der Soundtrack zur Schau suggeriert immer wieder Sirenenklänge, klagende Gesänge und chaotischen Krach, nicht simpel und klischeehaft, sondern als kompositorisches, elektronisch leicht modifiziertes, dissonantes Arrangement. Die Modelle tragen Verschmierungen in den Gesichtern, die mal durch Kapuzen oder Stoffmasken geschützt werden, mal frei und offen erscheinen. Ihre Kleidung „hängt“ mehr am Körper als dass sie sich auf ihn bezieht, abgesehen von den primären funktionalen Standards wie Ärmel, Kopfbedeckung etc. Zwei Basics begründen die Funktionalität: erstens viele, viele Taschen, manche Outfits bestehen quasi aus der Aneinanderreihung großer und kleiner Taschen, zweitens viele, viele Reißverschlüsse zur Demontage und Montage des Zusammenhanges beziehungsweise der Zusammenhänge. Und das ist sehr komplex konzipiert, so dass der Träger oder die Trägerin schon gut Bescheid wissen muss, welche Zusammenhänge möglich und intendiert sind und wie man sie kombinierend herstellt. Zum Teil kann die Trägerin das gar nicht selbst am Körper modifizieren, die Kenntnis der Designerin, die hier die Transformationen auf dem Laufsteg vorgenommen hat – und zwar so, dass es auch passt und funktioniert – ist zentrale Voraussetzung. Sogar die großen Taschenkombinationen lassen sich manchmal auflösen in Flächen, genauso aufbauschende Elemente und geschichtete Ebenen. Es ist bei genauerem Hin- und Zusehen der Transformation schon recht vertrackt und man sieht auch gelegentlich, dass Reißverschlüsse sich manchmal sperrig aufführen. Die Funktionalität der Taschen bleibt eher der Fantasie überlassen, bei einem Beispiel zog die Designerin aus einer Tasche ein aufs Minimale zusammengelegtes Unterkleid heraus, feuchtigkeitsabweisend und eine weitere Ergänzung.

Sowohl der Leitgedanke der komplexen Transformation eines einzigen Kleidungsstückes als auch die schwierige Umsetzung in so vielen Details sind pfiffig und durchaus – in gewissem Maße – praktikabel. Alles scheint optimal aus- und durchgedacht und erprobt. Das Erscheinungsbild, so sehr die Sachen auch angehängt wirken, funktioniert auch, angesichts der Tatsache, dass Kleidung sich schon längst in vielen Designströmungen vom Körper emanzipiert hat und gestaltend oft eigene Wege geht, ist das keine Überraschung im Erscheinungsbild mehr. (De)konstruktivismus ist bei DZHUS keine ästhetische Fragestellung oder ein Antistatement sondern die Öffnung zu neuem, konstruktivem Denken der Gestaltung, durchaus auch im ästhetischen Sinn.

Natürlich ist die ästhetische Komponente hier auch noch der Tradition verhaftet, man könnte sagen gottseidank, denn der rein transformatorische Gedanke trüge einen entsprechenden Anspruch nicht. Weiß und verschieden Beigetöne schaffen, zum Teil in Kombination mit Schwarz, farblich sehr ansprechende Anmutungen, ähnlich Grau und Schwarz. Die silbernen Reißverschlüsse bilden ordnende Linien oder große Liniengeflechte auf und unter der Oberfläche und die zum Teil abenteuerlichen Ausformungen und flächigen Konstrukte folgen ebenfalls einem deutlich anspruchsvollen Gestaltungswillen in der plastischen Gesamtarchitektur. Und letztere ist eben nicht nur von Outfit zu Outfit verschieden, sondern auch in den jeweiligen Transformationen.

Insofern ist das DZHUS-Design ein wirklich innovativer Fortschritt in Hinsicht auf den Stand zeitgenössischen Designs, wenn auch aus besonderen Umständen heraus geboren. Die Kombination aus Ästhetik, Funktionalität, Gestalt und Materialwahl wurde weitgehend aus einer neuen Perspektive gedacht und überzeugend konzipiert. Wenn man so will, ist das ein Impuls für das westliche Modedesign, der sich durchaus konstruktiv verwerten und ausbauen läßt.

Erwähnenswert ist noch, dass DZHUS – inzwischen international aktiv und erfolgreich, mehrfach ökologisch preisgekrönt – seit Kriegsbeginn 30% seines Gewinns an ukrainische Tierrechtsorganisationen und die Armee spendet.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Die Präsentation der neuen Herbst- und Winterkollektion für 2023 des Designerduos Odeeh von Otto Drögsler und Jörg Ehrlich ist sicherlich ein qualitativer Höhepunkt der Modewoche in Berlin, die sich gerade neu aufstellen muss und die „Szene“ in Berlin vor neue Herausforderungen stellt. Stabilität und eine professionelle Gelassenheit, wie Odeeh sie an den Tag legt, tut hier gut. Das Untergeschoss der Kantgaragen bot einen passenden, nüchtern puristischen Raum und Rahmen für die Alltagseleganz, die seit vielen Jahren von der Marke den Kundinnen grundsolide und stets durchdacht angeboten wird.

Erneut steht die Kollektion für Perfektion gepaart mit Leidenschaft und bringt, wie stets, eine angenehme Unaufgeregtheit mit sich. Die Bandbreite reicht vom formellen Businesslook bis hin zu leger gelassenen, fast sportlichen Kombinationen. Besonders die Schichtung bei den Looks ist gut durchdacht und komplett stimmig. Mantel, Kleider, Röcke und Hosen bilden ein Gesamtkonzept, welches von Schals und vereinzelten Taschen abgerundet wird. Bequeme Bewegungsfreiheit findet sich bei fast allen Kreationen und Kombinationen. Der Großteil der Kreationen ist dabei von geschwungenen und farbenfrohen geometrischen Prints geprägt, die eine sehr warme und kräftige Farbpalette bieten. Hier wird offensiv und spielerisch die Inspiration aus Mustern des späteren 20sten Jahrhunderts katalysiert. Insbesondere wird an die 1970er Jahre angeknüpft, ohne zu sehr psychedelisch zu werden. Wer es strenger liebt, findet aber auch passende Kombinationen mit dezenten Nadelstreifen oder texturierte Oberflächen. Besonders ansprechend war eine Zusammenstellung mit schwerem und robustem Wickelrock, der intelligent geschleift zusammengehalten wurde. Auch bei anderen, leichteren Kreationen finden sich immer wieder Schleifen als Akzente. Keck sind außerdem die Drucke von Skifahrerinnen im Pin-Up-Style der 1950er Jahre bei zwei hell gehaltenen Looks mit passenden Taschen.

Die wenigen Herrenlooks reihen sich nahtlos in die sehr umfangreiche Damenkollektion ein und begleiten diese stilistisch passend.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Frau Perbandt gibt sich mit einer Garagenlocation nicht zufrieden, aus dem Stadium ist ihre Arbeit herausgewachsen: im Gebäude der Gemäldegalerie präsentierte sie diese Saison eine Schau mit Performancecharakter und das natürlich in Schwarz. Komplett dunkel ist der große, klare Raum, diverse LED-Spots, links und rechts je drei Diaprojektionen in aufgestellten Rahmen und eine Minibühne in der Mitte, eher ein kleines Podium und eine Dia- und Videoprojektion dahinter. (Fast) keine Farben, minimalistische Klarheit in diesem sogenannten Astro Noir Lab.

Auf dem kleinen Podium zeigen die Modelle nacheinander die Kollektion, dahinter sieht man Projektionen von ihren Outfits, sich bewegend ohne menschliche Körper darin im Wechsel mit abstrakten, unbewegten Science-Fiction-Körpern. Die Leitidee der Kollektion ist damit schon angedeutet: das Bekleidungsobjekt als abstrakte Gestalt; im Wesentlichen wird damit aber nichts bemerkenswert Neues aus dem Gestaltungskosmos der Designerin vorgeführt. Der üppige Goldschmuck ist allerdings verschwunden, statt dessen gibt es häufiger ausladende bauschige Formen, die mit der strengen Geometrie der Kleiderarchitektur stark kontrastieren. Das Schwarz bleibt bei sich und ist dieses Mal auch weniger variantenreich beziehungsweise raffiniert ausgespielt.

Im zweiten Abschnitt der Veranstaltung tritt eine Sängerin auf, deren schöner Mezzosopran vor elektronisch leicht modifizierten Streicherklängen kühl und zugleich melancholisch den Raum füllt wohl etwa für drei bis vier Songs. Auf ihrem ausladenden Kleid geben bewegte Astroprojektionen sphärische Assoziationen hinzu und im kaum beleuchteten Hintergrund stehen die Modelle mit ihren Kleidern.

Wie so oft gelingt es der Designerin, die sich selbst gerne in Verbindung mit Kunst sieht, einen Raum optisch und auch atmosphärisch mit ihren gestalterischen Leitvorstellungen souverän und eigen zu prägen und mit ihrer darin vorgeführten Mode die passenden Akzente zu setzen.

Streng unterkühlte Melancholie, pointiert und elegant vorgeführt und sicherer und zugleich exzentrischer Geschmack verleiht Esther Perbandt nach wie vor den verdienten und herausragenden Status als Berlin-typischste Designerin.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

VORN Fashion ist so etwas wie eine genossenschaftliche Verbindung vieler Jungdesigner, die mit einer Fashion Show plus anschließender öffentlicher Ausstellung ein gemeinsames Statement zum aktuellen Modedesign in Berlin präsentieren. Die vorgeführten Outfits sind darum gemischter Provenienz (die in einem mitgegebenen Infoblatt geklärt wird), und jeweils sehr verschieden in den Ansätzen. Abgesehen von dem zentralen Umstand, dass sowohl etablierte als auch ganz neue, noch unbekannte Designer an der gesamten Schau mit Kleidungsstücken beteiligt sind, ist dieses Format ähnlich dem, was Neonyt vor wenigen Jahren auf der Fashionweek mit Absolventenarbeiten verschiedener Hochschulen erfolgreich erprobte. Unter den rund 80 teilnehmenden Designern finden sich viele inzwischen längst bekannte Namen, zum Teil erfolgreich auf dem Markt aktiv, die früher eigene Schauen vorführten und nun namentlich Teil des Gesamtbildes werden.

Entsprechend vielfältig sind die präsentierten, vielen Outfits (etwa 50), abgedeckt wird die ganze Palette der aktuellen und gängigen Leitideen des modernen Modeentwerfens, von ästhetisch raffiniert über genderpolitisch angelegt bis hin zu experimentell oder fetischnah akzentuiert. Daraus entstehen gelegentlich interessante Spannungsfelder wie zum Beispiel die Kombination von Latexbodies mit Nadelstreifenjackett oder ausgefallene Schnittkombinationen für gehobene Altersklassen oder beliebige Geschlechter, und man staunt, wie gut das funktioniert. Damit werden exzentrische Merkmale integriert in eine Gesamtschau und diverse klassische (De)konstruktionsarchitekturen der Modemoderne in ihren mittlerweile selbstverständlichen Zusammenhang gestellt. Angelegt wird mit der Schau quasi die Essenz gegenwärtigen Modegeschmacks und -designs in ihrem Variantenreichtum und das hinterläßt sehr inspirierte und inspirierende Momente, die sich an recht verschiedenen Beispielen fest machen.

Als Auftaktveranstaltung im Sinne des gängigen Kanons der Fashionweek-Modeschauen ist das als Grundlage all dessen verstehbar, was noch gezeigt werden wird und vielleicht auch der Massstab dessen, was als innovativ heraussticht.

Abgesehen von dieser exclusiven Schau präsentiert sich „The Berlin Fashion Hub“ auch für die öffentliche Allgemeinheit vom 18. bis 23. Januar im LNFA Store im Bikini Berlin als „VORN ACADEMY SHOWCASE EXHIBITON„.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Label Bondy der Jungdesignerin Judith Bondy gibt es seit 2018 mit ein bis zwei kleinen Kollektionen jährlich (hier quasi als alternativer Nachschlag zur Fashionweek) mit Kleidung, Schmuck und Accessoires. Da entsteht ein kleiner, bunter, fast willkürlicher Kosmos mit meist romantisch verspielten Kleidungsstücken und auch neopoppigen oder entfernt an Fetischszene erinnernden Teilen, die mittlerweile eine eigene Modeströmung bilden und sich auch frei untereinander mischen, wie wir schon bei der Platte-Look-Schau gesehen haben.

Gerade die Zusammenstellung des Verschiedenen ist wichtige Basis der Leitidee und steht auch für eine Vorstellung von sozialer Vielfalt beziehungsweise Durchmischung. Gemixt werden Elemente der Populärkultur der letzten 70 Jahre, also von Fifties über Op-Art, Flowerpower, Coolness der 80er bis hin zur Gegenwart, schön bunt, schimmernd, handwerklich geprägt und hie und da etwas schräg und auf Fantasy anspielend. Satin, Tüll, Strasssteine, Metall und PVC sind bestimmende Materialien und Weiß, Pastellfarben, Pink, Lila und Mintgrün als Hauptfarben akzentuieren eine weibliche und auch ein wenig kindlich anmutende Konnotation.  Verspiegelte Sonnenbrillen der Fünfziger, Handtaschen und verspieltes Schuhwerk ergänzen die Auftritte des mutigen Crossovers für große Mädchen.

Das etwas versonnene Blumenambiente auf und vor himmelblauer Folie ist hübsch und wirkungsvoll arrangiert mit echten und künstlichen Moosen und Blumen und mit zarten Schleifen. Weiße Pantonstühle (6os-Klassiker) darin als Ruhepole. Zwei Inseln, die ein Arrangement ergeben, in dem die vorgeführte Mode sich pittoresk für unzählige Handyfotos präsentiert: ein wichtiger Gedanke der Planung. Die Handyklicksituation – alle Zuschauer waren damit ausführlich beschäftigt – bestimmte die ganze Veranstaltung, wenn man mal vom Szenegeplauder danach absieht. Kalkulierte Wahrnehmung via Smartphone, Instagramm-Distribution und Konservierung im Handykosmos sind wesentlicher Teil des Konzeptes und vielleicht sogar der zeitgemäßeste Aspekt dieser Vorführung.

„Neverend“ heißt die Kollektion. Ein Pressetext führt hierzu aus: „NEVEREND folgt der Geschichte eines einsamen Frosches, der die Menschheit überlebt hat und Artefakte einer vergangenen menschlichen Rasse auf seiner Haut trägt.
Der Frosch wirft die Fragen auf: Wie wird die Menschheit Relikte ihrer Zeit auf der Erde hinterlassen? Kann es digitale Antiquitäten geben? Und werden die Überreste, die wir zurücklassen, eine wahre Repräsentation der menschlichen Erfahrung sein?“

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Susumu Ai öffnete während der Fashionweek einen temporären Showroom mit elf Outfits, die den Stil und die aktuelle Kollektion repräsentieren. Das noch relativ junge Label von dem Paar Keiho und Alisa Menkhaus möchte eine Verbindung schaffen zwischen japanischem Modestyle und europäischem, und zwar auf eher alltäglich tragbaren Niveau. Gleichwohl sind die Teile alle handgefertigt in ihrem Berliner Atelier und aus hochwertigen, nachhaltigen Materialien. Die Mixturen, die viele der Outfits ausmachen, sind nicht selten gewagte Zusammenstellungen aus japanischen Stoffen und Prints, westlichen klassischen Kombinationen (z.B. Bluse, Jacke, Hose) und Schnitten aus beiden Kulturkreisen. Sehr dominant sind allerdings die japanischen Elemente und Schnittgeometrien, die häufig aus großen (rechteckigen) Flächen, auch geschichtet, Kimonoelementen und typisch japanischen Mustern bestehen. Die westlichen Einflüsse sind eher so, wie man sie auch in Japan selbst in moderne Kleidung eingebracht hat. Insofern ist die Kollektion Susumu Ais wie eine aus Japan importierte, aber hier hergestellte Modevorstellung.

Das macht es aber trotzdem spannend, denn diese Erscheinung erweitert die auch hier noch gern verwendete Schichtungsarchitektur im Sinne einer exotischen Note, die einer gediegenen Bekleidungskultur entnommen ist und darüber hinaus die Schnittstellen des Entwerfens beider Kulturkreise geschickt herausstellt. Natürlich sind die Versatzstücke japanischer Kleidung auch ein wenig klischeebehaftet und immer aus einer ganzheitlichen Idee heraus gelöst, oft sind es nur noch assoziative, wirkungsvolle Wahrnehmungskicks, aber die werden elegant vorgeführt. Bei manchen Stücken ist das atemberaubend gut gelungen, wie bei der ärmellosen Damen-Jacke aus Kimonostoff oder haoriartigen Männerjacken.

Das Label positioniert sich jetzt mit einem Shop in der Friedrichstraße im Quartier 205 und schließt sich auch einer Gruppierung von Geschäften dort an, die während der Berliner Fashionweek eigene Veranstaltungen initiieren, wenn auch mit bislang eher limitierter Beachtung. Susumu Ai dürfte dabei eine echte Bereicherung mit sehr individueller Note sein.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Credo des Schaffens von Rebekka Ruétz bleibt unverändert: alles ist möglich, die Gestaltung ist frei. Und: Gegensätzlichkeiten frappieren. Möglichst offensiv, respektlos, impulsiv und laut. Der Effekt des Unvereinbaren überrascht und dokumentiert eine gewisse Unverfrorenheit und damit auch Freiheit. Das ist das Potential, welches die Designerin ihrer weiblichen Fanschaft mit Mode anbietet. Diese Gestaltungsprämisse bietet unendliche Möglichkeiten des Vorgehens und der Akzentuierungen, insofern unterscheiden sich die Varianten von Saison zu Saison nicht im Prinzip.

Erwähnenswert zu dieser Schau sind vielleicht einige Spezifika, wie überdimensionierte Taschen aus gepolsterten Stoffen, die frau hinter sich herzieht, Farbpräferenzen wie Lila, oder Muster mit offenen Blicken hierhin und dorthin (Wildlife, Neon, Folk-Häkel, Farbverläufe etc.) wechseln beständig aber nichts bleibt verbindlich oder eine erkennbare Ausrichtung. Der folgende Auftritt zeigt schon wieder völlig anderes und Gegebenes kann gleich wieder gebrochen werden. Diese Freiheit des Wieder-Ganz-Anders nutzt Rebekka Ruétz nach wie vor konsequent und ist wesentliche Prägung ihres „Styles“, wenn der damit überhaupt noch als definierend sichtbar werden kann.

Darin liegt vielleicht ein eigentliches Problem, man kann einen Rebekka-Ruétz-Entwurf nicht unbedingt als solchen erkennen, höchstens als einen, der die Ruétzsche Gestaltungsphilosophie teilt. Zudem ist die eher ein zeitloses Ideal, das ist ethisch zwar gut aber erfährt als allgemeine Maxime eben auch keine Weiterentwicklung von Aspekten. Die große Offenheit konkretisiert sich nur im Beispielhaften und jede Schau besteht eher aus weiteren Beispielen offener Möglichkeiten.
Immerhin wird in dieser Schau auch eine Vorstellung gängigen Modelideals aufgelöst (Ethnie, Größe etc.), eher vorsichtig – ein weiterführender Aspekt, der sich durchaus noch ausbauen ließe.

„Rewritten Identity“ heißt die aktuelle Kollektion dennoch konkretisierend und zielt laut Pressemitteilung auf den „Wandel der Weiblichkeit“, also auf emanzipatorische Vorstellungen von Selbstvertauen, Stärke und Kraft der Weiblichkeit. Definiere dich selbst – „Be Your Own Muse“. Umschreibende oder ergänzende Parolen gehörten bei Ruétz auch immer dazu, explizit. Sie verkörpern aber keine innovativen Gedanken sondern sind quasi vertauschbar mit den bisherigen. Der Leitgedanke ist stark und immer aktuell, er wird nicht ausentwickelt sondern stets variiert. Mit Formeln und mit visuellen Gestaltungen.

Locker sitzende Kleidung, offensive Farben, asymmetrische Schnitte und Bequemlichkeit überhaupt sind Teil der Gestaltungsmaxime und auch hier verwirklicht.  Die Österreicherin betont natürlich auch, wie man das ja muss, dass Nachhaltigkeit, soziale Verantwortung und die Einhaltung hoher Umweltstandards programmatisch im Schaffen sind, und dass in Deutschland produziert wird. Aber das ist selbstverständlich nicht ein Kriterium fürs Gestaltungsbild emanzipatorischen Auftritts.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Wenn ein Designer wie Danny Reinke seine Kollektion „Devil’s Delight“ nennt, ist das mit Vorsicht einzuordnen und auch als mutiger Titel, wenn man dann die Schau sieht. Denn die vorgeführte „Hölle“ ist eher ein besänftigender Spaziergang über den rauen Catwalk, der nur durch etwas härtere Farbspiele in der vorangestellten kurzen Videoprojektion eingeleitet wird und dann aber, wie bei diesem Designer gewohnt, mit feinen Farbvariationen, zarten Oberflächen und eher klassischen Schnitten daherkommt. Jeder Look ist sparsam ausgeführt, mit viel Geschmack am Delikaten und höchstens vorsichtigen Akzenten. Nichts Offensives, das weh tut und alle Kontraste sind aufs Harmonische abgemildert.

An manchen Stellen muss man das allerdings etwas relativieren, besonders bei den Beispielen mit grobem Schuhwerk, umso mehr als großartige Stiefel und auch feine Schuhe (mit gelöcherten Strümpfen) zeigen, wie die Looks kongenial ergänzt werden können und deren Wirkung – gerade bei den kurzen Röcken und Kleidern – sogar noch steigern. Auch die leicht übertriebenen Einlagen, wie die Schleppe, wirkten auf uns etwas kontraproduktiv und ein Leder- (oder Kunststoff-) Outfit saß denkbar schlecht. Kleine Wermutstropfen in einer ansonsten delikaten und sehr geschmackvollen Kollektion.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Lange hat man nichts gesehen von Esther Perbandt, jetzt ist sie wieder da. Schleichend und behutsam hat sich die Marke verändert, musste sie ja auch, die Urprungsära von Postpunk, Goth und Post-Industrial ist ja längst vorbei. Immerhin gezielt zum Eleganteren hin, was im Hinblick auf die Startkonstellation vielleicht etwas verquer anmutet, aber grudsätzlichen Gestaltungsstilismen ist die Designerin schon treu geblieben. Besonders dem Schwarz.

Esther Perbandt entdeckt gerne Printmotive, die sie dann in verschiedenen Aufdrucken und Applikationsformen verwendet, in diesem Falle Blaupausezeichnungen mit Erläuterungen zu Seidenproduktionsmachinen aus alten Zeiten und aus Frankreich. Früh-Industrial, könnte man anmerken, das ist noch ein origineller Rückbezug. Aus den gefundenen Motiven sind in Lago di Como, Italien, Jacquardstoffe aus Seide-Leinen entstanden, Jacquard-Foulards aus Wolle und Seide und hochwertige Drucke auf Seide. Ebenso inspirierten sie zu einer neuen Schmucklinie aus teilweise überdimensionierten goldenen Zahnrädern als Ohrringe, Halsketten, Armcuffs und Gürtelbeschlägen. Dazu kommt ein Faible für schwarzseidene Kordeln (siehe ganz unten) mit goldenen Versatzstücken (Enden), wie überhaupt die Kombination Schwarz mit Gold ein wichtiges Gestaltungselement der Kollektion sind.

Hinzu treten Schuhe mit blockartigen Podesten unter den Sohlen (mit denen man aber noch ganz gut laufen kann) und Hüte aller Art von Fiona Bennett, oft sehr hoch wie seinerzeit bei Hoss von „High Chapparal“. Wir lieben Fiona Bennett, aber für diese Kollektion erschienen die Kopfbedeckungen weniger passend, da hätte man sich vielleicht kongruentere Entwürfe zur Kollektion gewünscht. Besonders bei den beiden Milchbubi-Modellen wirkten die Hüte schon ziemlich unernst.

Kaum jemand beherrscht die Gestaltung mit Schwarz in Schwarz und das Lichtspiel darauf so gut wie Esther Perbandt, diese Kompetenz hat sie in bestechender Weise kultiviert. Auch mit eleganten, feinen Textilien und schimmernden, eingewebten Mustern sowie mit den Kontrasten zu dem erwähnten schweren Goldschmuck. In den Schnitten bleibt sie ihren herkömmlichen Verfahren im Wesentlichen treu, aber die Schichtungen mit den stets gekonnten Effekten sind nicht mehr so zwingend die entscheidenden Wirkungsaspekte. Andere Gliederungen und Regulierungen, wie zum Beispiel mit den eleganten Schärpen, haben an Wichtigkeit gewonnen, vorteilhafterweise.

Auch die konsequente Geschlossenheit von dem Füßen bis zum Hals ist jetzt gelegentlich aufgegeben und man entdeckt damit die Erlaubnis zu mehr Sexyness und Hinwendung zum menschlichen Körper, der die Sachen trägt.

Getragene Elektromusik und langsame Bewegung der Modelle ist schon eine ungewöhnliches Schaukonzept, aber Esther Perband kann tolle Inszenierungsideen auf die Beine stellen, insofern reiht sie sich leider trotzdem in die üblichen Laufstegrituale ein, das fanden wir etwas schade, denn, wenn nicht sie, wer soll diese gleichförmig banalen Rituale endlich mal etwas ideenreicher aufbrechen?

Alles in allem ist die durchdringende Veredlung des Ersther-Perbandt-Styles ein absoluter Gewinn, die Geschmacksverfeinerung und Zuwendung zu Eleganz und ästhetischer Aura ist ein echtes Sehvergnügen, gerade da wo das Schwere und Verpackende leichter und raffinierter in der Zurücknahme geworden ist. Damit ist Esther Perbandt mit ihrem „Comeback“ auf dem Schauenzirkus nach wie vor die relevanteste Berliner Modedesignerin aus Berlin.

Esther Perbandt ist auch gerne anderweitig gestalterisch unterwegs, jenseits der Bekleidung und des Schmucks. Wir berichteten schon anläßlich der Positions von diesen Ambitionen, die sich an der Grenze zwischen Kunst und Modedesign bewegen. Es ist schwierig, diese Arbeiten einzuordnen, man könnte es vielleicht zweckfreies Design nennen. Anläßlich der Fashionweek hat Esther Perbandt eine kleine Installation aus drei Teilen in die Fußgängerpassage des „Bikini“ gestellt, wo sie dann auch der oben erwähnten Lust auf schwarze Kordeln ausführlich frönen konnte. Sieht schön aus.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Schon in den vergangenen Saisons lud die Mercedes Benz einen Sieger des vorhergehenden Hyères-Festivals für die Eröffnungsveranstaltung der offiziellen Fashionweek-Veranstaltungsreihe nach Berlin ein, für aw 2022-23 ist das die Gewinnerin des (neuen) Preises „Mercedes-Benz Eco-Responsible Collection Award“. Mit der Schau hat die Jungdesignerin aus Helsinki ihre Kollektion etwas erweitert unter Beibehaltung ihres gestalterischen Grundprinzips. Das besteht wesentlich aus parallel repetierten Schlaufen- und Knopfleisten, die Formvarianten zulassen und zugleich die ästhetischen Gefüge bestimmen. Grundlage des Denkens, daher auch der Preis, ist das ökologische Arbeitsethos, Schwerpunkt der Stilistik eine stark romantisierende, entfernt auch mal Countrylife assoziierende Ausstrahlung. Das gelegentliche Bauschen der Röcke vermittelt zwar etwas Plastizität, ansonsten blieb die Anmutung aber eher etwas flach. Und während die systematisch ordnenden Bänder eher eine strenge orthogonale Regelmäßigkeit vorgeben, gelingt es mit dem Gesamtschnitt zunehmend besser, den Silhouetten und den Gliederungen die erforderliche Weichheit und Lebendigkeit zu vermitteln. Besonders bei den Oberteilen sind dadurch sehr schöne und eigenwillige Gestaltungen entstanden, gerade bei den neu zu der Hyères-Kollektion hinzugekommenen Kleidern, was ein echter Gewinn und Fortschritt ist.

Ausserdem sind zu den eher gedeckten oder lichten Farben nun auch Schwarz und Weiß hinzu getreten, die der Ausstrahlung auch eine deutliche Portion straighterer Eleganz mitgeben. Auch Körper bzw. Taillenbetonungen tragen erheblich zur Gestaltmodifikation bei, im Gegensatz zu den sehr schlichten und A-förmigen Silhouetten, die zwar bequemen Bewegungsspielraum bieten, aber auch eine gewisse Bekleidungspragmatik assoziieren, die der Ökomode imagemäßig oft eher geschadet als genützt hat.

Es hat sich also gelohnt, die Kollektion mit viel Gestaltungsfeeling attraktiv auszubauen und damit den Erfolgsstart ästhetisch zu unterfüttern.

Und natürlich zeigt sich auch an diesem Beispiel, dass die französische Strategie der Nachwuchsförderung ziemlich effektiv ist, auch was das ökologische Ethos betrifft, während hier in Deutschland lieber die Diskussionen zu kreisen scheinen und die Gesamtperspektive effektiver Förderung aus dem Organisationsfocus gerückt zu sein scheint. Dieses Problem betreffend hat die Berliner Modeinstitutionalisierung noch immer keinen klugen und geradlinigen Weg gefunden und vielleicht wäre es gut, diese Eröffnungsschau zum Anlass zu nehmen, mal darüber nachzudenken, warum in Frankreich etwas dabei heraus kommt und hier nicht.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Inklusion, Nachhaltigkeit, Innovation und Transparenz sind die zentralen Schlagworte, mit denen die PLATTE.Berlin angetreten ist – zuerst liest sich das wie halbhohle Werbeformeln aus dem Generationen-Sprech, aber schon vor und während der Veranstaltung kann man erkennen, dass dahinter echte Haltung und echte Bemühung stehen, sich in laute, sichtbare Form zu gießen. Vom Veranstalter und vom Publikum. Die Veranstaltung „Platte-Look“ nahe dem Alexanderplatz in und vor einem DDR-Plattenbau ist organisiert wie ihr Inhalt. Bewusst nicht perfekt, dafür aber mit viel Spass. Und das Publikum der fast in den Öffentlichen Raum reichenden Schau passt offenkundig zum spezifischen Modestatement und kommt genau deswegen. Also eher nicht das gesuchte, zahlungsfähige oder prominente Segment der „gehobenen“ Modeszene, sondern eine Spaßfraktion, die sich selber feiert. In London sind diese exzentrischen Groups und diese Szene besonders auf der Fashionweek gang und gäbe, hier in Berlin aber selten sichtbar, auch wenn man glauben könnte, Berlin sei der logische Ort dafür.

Lebensfreude, Lust auf Verwandlung, Spass an schreienden Farbkaskaden und -mustern, Freude am Anderen sind erkennbare Charakteristika der Bewegung. Es ist ein Statement sozialer Haltung mit gegenseitigem Ansporn und Beifall, ohne Ansehen von Herkunft oder Zahlungskraft. Kreativität ist das verbindende Element im deutlich Sichtbaren, Anstrengung, Mut und Abgefahrenheit gehören zum Potenzial der Aktivität. Man sieht – schon vor der Schau im Publikum – die liebevolle Herrichtung in den Details und die Exzentrik verwendeter Trouvaillen in den Zusammenstellungen der auffälligen Outfits. Und eine sehr große Vielfalt an Akzentuierung zeigt sich dann in der repräsentativen Schau: Punk-Heritage, sexueller Fetisch, Gothic-Fantasy, handwerkliche Individualkreativität, Rüschenromantik und vieles mehr stehen gleichberechtigt nebeneinander und auch die vorführenden Modelle entsprechen möglichst großer, individualgeprägter Vielfalt.

Das ist, als grundlegende und herausgestellte Haltung, ehrlich und sehr beeindruckend und darum unterstützenswert. Denn es ist definitiv Lust an gelebter und identitätsspiegelnder (oder -stiftender) Mode, einem Modeverständnis, das nicht leer und nur ein ästhetisches Statement sein will, sondern selbst kreativ ist und starker Ausdruck eines Lebensgefühls, einer (humanen) Verortung jenseits des Mainstreams. Aus diesem Verständnis relativiert sich die ästhetische Kategorie als relevanter Maßstab. Die Gestaltung ist schierer Expressionismus. Und die Vorführung etabliert charismatische Qualitäten. Just das, was den herkömmlichen Laufstegmodellen eher abgesprochen wird.

All das hat noch den Beigeschmack von Punk, ist vielleicht eine erweiterte Post-Punk-Bewegung: die gezielte ästhetische Rücksichtslosigkeit, die Provokation mit Schrillem und die Verachtung der Konventionen sind Versuche, eigene Lebensräume zu schaffen und eigene Konsensbereiche zu etablieren. Dazu gehört nicht nur Mut, sondern auch viel Anstrengung und radikale Konsequenz, was sich beispielsweise in den sexuell aufgeladenen Outfits zeigt. Letzteres fehlte ja der Punkbewegung seinerzeit und die Verschiedenheit beider Strömungen (Fetisch-Erotik und Punk) gehen nun eine überzeugende und inkludierende Verschmelzung ein. Beispielsweise. Und insofern bleiben die eingangs zitierten Werbeformeln nicht hohl und „modisch“ sondern finden reale Konkretisierung statt vorsichtiger Annäherung an Überzeugungstrends.

Im realen Leben tragbar oder nicht, die Frage stellt sich mit diesen gewagten Outfits eher weniger. Denn die Szene hat da wenig Berührungsängste. So scheint es jedenfalls.

Damit stellt sich eine exzentrische Bewegung mit radikal eigenem Modeverständnis neben die etablierten Werte aus dem Schauengetriebe der Fashionweek(s), sperrig gegenüber Beurteilungskriterien des Mainstream aber mit einer eigenen Überzeugungskraft, die wichtige und überzeugende humane Qualitäten hat und deutlich auf Aspekte verweist, die in eben jenem Modegetriebe untergegangen sind oder unterzugehen drohen. Der offenkundige, lebensfrohe Spass ist nur einer davon.

Die Schau zeigte einen Mix verschiedener Designer/Designerinnen und Labels ohne jeweils ausgewiesen zu sein. Dazu gehörten: 7585 – #Damur – Auf Augenhöhe – Dennis Chuenne Fade Out Label – Haram – Isabella Rudzki – Joulala – Bondy – Khassel – Kolo – Leinz – Lettau – Lu La Loop – Luise Zücker – Mies Nobis – Ministry of Upcycling – MYL Berlin – Perlensau – Sample-CM – Starstyling – Susumu Ai – Tata Christiane – Therapy Recycle and Exorcise – Trippen – UY – Versuchskind – W1P

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Wenn es einen Designer gibt, dessen Arbeiten fast immer das schöne Gefühl von Frühling, milder Luft, besonnter Landschaft und blütenbestandenen Wiesen vermitteln, dann ist das wohl Danny Reinke. Genau so ein Bild ist dann in riesig anfangs auch hinter den Laufsteg projiziert und auf allen Besucherplätzen finden sich jeweils die betreffenden Blumen in natura.

Die vorgeführte Kollektion leitet sich konsequent aus diesem Ambiente ab, hell, leicht und mit gelben Blumenprints besetzt. Abgesehen von einigen Sackleinenoutfits enthält das Farbspektrum auch nur Weiß, Grüntöne und Gelbtöne sowie auch Schwarz als Grund, in den locker eingewebte Blätter die Farbschwere lösen.

Laut einer Pressenotiz beschäftigt sich die Kollektion mit Erotik. Nun, da liegen die Welten ja manchmal weit auseinander, subjektiv, in dieser Hinsicht fanden wir die Vorführung nicht ungewöhnlich knisternd. Aber das will nichts heissen und wäre auch kein Scheitern. Die Schnitte sind zumeist eher unprätentiös und zeigen auch viel Haut, aber ohne das gestalterisch herauszustellen, eher natürlich.

Und nichts gleitet in Hippie- oder Country-Style ab, alles ist urban und sehr klar konzipiert. Die romantische Stimmung ist mitnichten überzogen. Genau das ist es, was den Reinke-Style so besonders macht, er verkörpert den Traum der Städterin von freier Gute-Laune-Natur ohne ideologischen Touch eines alternativen Pseudo-Lebensentwurfes und ohne erdig schweren Naturbezug. Leichtigkeit ist die Maxime. Die Frau trägt Frühlingsstimmung in die Stadt, unaufgesetzt und passend.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Vier südafrikanische Kollektionen bestritten die Eröffnungsschau der Berliner Fashionweek Herbst-Winter 2020, gesponsert von Mercedes Benz im Rahmen seines besonderen Förderprogramms. Und legten damit die Latte zu erwartender Standards und designerischer Haltungen ziemlich hoch. Sie führten nämlich ein Feuerwerk der Fantasie vor, exzentrisch und dennoch diesseitig, umweltfreundlich und liebevoll-sorgfältig in der Verarbeitung, lebensfroh und sehr in der Gegenwart zu Hause. Jeder auf völlig andere Weise und mit anderem Geschmack.

Die „Fashion talents from South Africa“ waren Clive Rundle, Rich Mnisi, Floyd Avenue und Viviers Studio, vorwiegend Newcomer. Die Entstehungsumgebung ist dabei für alle stark prägend infolge der unzulänglichen Herstellungs-Infrastruktur und der eklatanten Materialknappheit. Stoffe und geeignete Materialien sind rar, müssen gesammelt und wiederverwertet werden und entsprechend einfallsreich und geschickt „verbaut“ werden. Klassisches Handwerk – auch in tradierten Verfahren – ist unabdingbare Grundlagenkenntnis und -befähigung und ohne die Kreativität von Materialumnutzung und Neuverwendung kann nichts eigenes entstehen. Doch dabei bleibt es nicht, eine ästhetische Grundauffassung, die dem „guten Geschmack“ folgt, ist ebenfalls noch eine zentrale Anforderung, die in unseren Gefilden ja nicht mehr zwingend ist.

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Clive Rundle ist kein Newcomer, er ist bereits seit 30 Jahren im Modegeschäft und in Afrika renommiert. Seine Kollektion war für den Berliner Auftritt konzipiert. Er arbeitet im Wesentlichen mit ausgemusterten Stoffen (Stoffresten, die er über Jahrzehnte in Johannesburg gesammelt hatte) und, ganz zeitgemäß, mit dekonstruktivistischen Gestaltungsverfahren. Man verspürt die Freude am Detail, an besonderen Materialien und Oberflächen und die lebensfrohe und selbstbewusste Aneignung diverser Stile (auch Kolonialstil). Geschmack- und stilvoll fügt er überraschend Verschiedenes zu komplexen Gefügen zusammen, mit verschiedenen Schnitttechniken und Gestalten – alles zusammen in einer Raffinesse und Grandezza, dass einem der Atem stockt.

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Rich Mnisis Kollektion („Alkebulan“ – ein altes Wort für Afrika) repräsentiert ein sehr modernes Afrika, das auch im Kontext westlicher Ästhetiken einen sehr selbstbewussten eigenen Platz findet, der höchst attraktiv ist. Sie bietet sehr originelle Ausstattungsideen, vielfach mit wilden, bunten Mustern, die gleichwohl sehr kontrolliert eingesetzt werden und mit gezielten Akzentuierungen und mit komplizierten Schnittechniken eine ganzheitliche Form finden. Lässige, großzügige Eleganz kennzeichnet alle vorgeführten Erscheinungsbilder.

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Floyd Avenue (Kollektion „Within Your Ken“) gibt sich im Gegensatz dazu eher akzentuiert bodenständig (z.B. Frack aus Denim). Mit dunklen, gedeckten Farben (viel Anthrazit und Schwarz, Dunkelblau, Olivgrün) und eher schlichten Schnitten evozieren die Outfits so etwas wie eine gewisse Stärke, Männlichkeit und Puristisches. Très fermé, also eher schützender Charakter. Kleine, besondere Gesten in der Gestaltung, z.B. Reißverschlüsse und Knöpfe aus Restbeständen sowie orange Schnüre lockern das zwar nicht spielerisch auf, nehmen dem Prinzip gelegentlich aber doch die Strenge.

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Die Designerin von Viviers Studio ist dagegen eher verspielt in den Ideen und Ausgestaltungen. Tiermuster werden spielerisch neu formuliert, originelle Schuhkonstruktionen erhöhen die Person, königliche Elemente (inklusive ihrer Steifheit) werden vergnügt und aufwertend verwertet, koloniale Stilmittel ideologisch entleert und als reiz- und würdevoll für sich genommen eingesetzt. Alle geschichtsbehafteten Überlieferungen sind brauchbar bzw. wiederverwertbar, wenn sie das Erscheinungsbild veredeln können. Hinzu kommen starke Kontraste und intensive Farben. Daraus entsteht nicht selten ein total raffiniertes Über-, Unter- und Ineinander, einerseits sehr würdevoll, andererseits lebendig und anders, edel und meist fantastisch.

Umweltbewußte Herstellung prägt darüber hinaus das Selbstverständnis der Modemacherin.

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Boris Marberg

Ein Nachtrag zur Fashionweeksaison in Berlin für Sommer 2020 in Berlin noch: Unter den Offsideveranstaltungen unterscheiden sich die Schauen verschiedener Veranstalter recht deutlich in den Zielgruppen, die ja per Einladung sehr präzise gesteuert werden können. Große Häuser wie das KaDeWe oder wie in diesem Fall Quartier 206 in der Friedrichstraße fokussieren sich deutlich auf feste Kundschaft für von ihnen vertretene Labels und zeigen demzufolge kaum kreativ-exzentrische Highlights sondern Prêt-à-Porter aus dem Segment des alltäglichen, aber gehobenen Chics. Die kleine Modenschau im Quartier 206 führte einige Designerkollektionen der dort ansässigen Boutiquen vor, zwölf an der Zahl verteilt auf zwei Tage, und hatte den wunderbaren Vorteil, schon ein geschmacklich exquisites Ambiente im Berliner Zentrum zur Verfügung zu haben. Organisatorisch hakelt es dann schon mal hie und da, das ist aber auch Teil des besonderen Charmes, den solche Veranstaltungen haben. Vorteil: Die Sachen sind meistens schon sofort zu haben.

Am zweiten Tag der Veranstaltungsreihe wurden fünf Kollektionen gezeigt, darunter einige mit polnischer Herkunft, die ja nicht selten für geschmacklich sichere Gestaltung steht und damit gerne auf gehobenes Luxussegment zielt.

Sehr klassisch-schlicht kam die Kollektion von Aline Celi daher,  weiß und sommerpastellfarben und gelegentlich angereichert mit kecken kleinen Extras, in den Schnitten minimalistisch und manchmal sogar leicht sportlich. Unproblematische, gute Kleidung mit Geschmack. Im Gegensatz zur letztjährigen Schau ist der Touch von Sexyness zurückgenommen zugunsten eines etwas konventionelleren Auftritts. Das Label vertritt nach eigener Auskunft nachhaltige Mode, faire Produktion und soziales Engagement. Eine Kollektion übrigens, die auch in unterschiedlichen Größen vorstellbar ist, was bekanntlich ein vorteilhaftes Kriterium im Angebot ist:

Aleksander Gliwinski & Viktoria Nosach zeigten dagegen eine Kollektion, die schon mit ein paar extravaganteren Details aufwarten konnte, Latex (oder Kunstleder) mit originell eingearbeiteten Reißverschlüssen und akzentuierend-großzügigem, fantastischem Schmuck sowie interessanten Lösungen mit Kunststoffen. Mode für selbstbewusste Frauen, denen das Durchschnittliche zu wenig ist und die Extravaganz als Bereicherung verstehen, ohne dass es freakig wird:

Die Kleidung von Agnès Wuyam, Paris (von Agnieszka Samulska Wuyam), hatte auch den Nimbus französischen Geschmacks und war vorwiegend geeignet für Parties und Empfänge. Die Mode richtet sich an dynamische, selbstsichere Frauen im urbanen Leben, wie man sie in Paris häufig antrifft:

Die Herrenkollektion von der jungen Menswearmarke DARKOH schwankte zwischen klassischen, leicht modernisierten Anzügen und Outfits für den jungen Karrieristen, der sich modische Eskapaden bzw. geschmackliche Schrägheiten im traditionellen Businesskontext leisten darf – also für die neue Generation junger, modebewusster Männer. Die Anzüge werden aus englischen und italienischen Stoffen in Norwegen gefertigt:

Rockmädchens Damenkollektion von der Designerin Marion Roscher war vom Geschmack der flotten Nachkriegsgeneration geprägt, vornehmlich wie er in Frankreich propagiert wurde, frisch, etwas temperamentvoll und sportlich-elegant. Die zum Teil recht pfiffige Erneuerung mit hellen Farben und karierten Linien auf weißem Grund, gelegentlich akzentuierenden Kopfbedeckungen sowie modifizierenden Schnitten war recht überzeugend und setzte einen leicht launigen Abschluss der Veranstaltung:

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Text und Interview: Gerhard Paproth
Bilder: Schau Andreas Hofrichter, Backstage Gerhard Paproth

Christoph Rumpf gewann Ende April den „Prix Première Vision“ beim renommierten Nachwuchswettbewerb in Hyères, Frankreich, und im Zuge dessen hat der Sponsor Mercedes Benz ihn zu einer Schau auf der Fashionweek in Berlin eingeladen. Das ist, wie Rumpf auch im Gespräch würdigt, eine tolle Möglichkeit, als Nachwuchsdesigner seine Arbeit einem breiten Publikum vorzustellen.

Man muss sich aber auch die konkreten Umstände vor Augen führen: Christoph Rumpf ist noch Student und die vorgestellten Arbeiten repräsentieren darum nicht den Start ins Modebusiness. Vielmehr wird eine Designposition deutlich, die auf Unabhängigkeit beruht und – daher ja auch der Preis – den Anspruch eines gestalterischen Ideals in sich trägt, der auf großes Interesse und Beifall stößt. Umso deutlicher tritt diese Position hervor, als sie sich auf Mythen, Fantasie und Träume stützt, die mit dem Übergang in die professionelle Welt in der Regel normalerweise komplett abzulegen ist. Für das Publikum gehen damit aber die ebenso gehegten Sehnsüchte verloren, die, das zeigte der große Beifall am Ende dieser Schau, in Zukunft vielleicht doch eine Chance bekommen könnten. Wir sprachen mit Christoph Rumpf darüber und inwiefern institutionelle Nachwuchsförderung Wege bereitet.

modaCYCLE: Wir interessieren uns sehr für Nachwuchsförderung in der Mode. Gibt es solche in Österreich?

Christoph Rumpf: Ja, neben diversen Einrichtungen und Stipendien an der Uni gibt es einige Sachen. Aber Österreich ist ja auch klein und es gibt nicht so viele Designer.

modaCYCLE: Immerhin kommen nicht wenige Designer hier nach Deutschland, und die sagen, die Chancen bzw. Möglichkeiten sich zu etablieren seien in Österreich noch nicht so ausgeprägt.

Christoph Rumpf: Nun, das kann man vielleicht nicht vergleichen. Österreich hat ja nicht dieselbe Modeinfrastruktur wie die sehr großen Städte in Deutschland oder Frankreich.

modaCYCLE:Wie finden Sie die Nachwuchsförderung in Frankreich, wo man zum Beispiel in die ganz großen Betriebe hinein-gelotst wird und die Infrastrukturen nutzen kann. Sie haben auf diesem Wege doch schon den Schmuck für Chanel gemacht.

Christoph Rumpf: Nein, das ist noch nicht so weit, aber ich mache die Ausstattungen für Petit Bateau und ich finde nicht, dass man da „hinein-gelotst“ wird. Ich muss mich da jetzt noch nicht entscheiden. Wenn man da ein Angebot bekommt, kann man das überdenken. Für mich ist das momentan zum Beispiel keine Option mitten im Studium, aber nächstes Jahr, wenn ich das abgeschlossen habe, schon eher.

modaCYCLE: Ach, das müssen Sie deswegen generell ausschlagen?

Christoph Rumpf: Momentan ist das nicht so gut. Ich bin im letzten Studienjahr und will erst in Ruhe meinen Abschluss im September machen.

modaCYCLE: Und gibt es dann noch andere Möglichkeiten, Zugang zu etablierten Marken zu bekommen?

Christoph Rumpf: Ja, zum Beispiel gibt es noch eine Möglichkeit von Hermès, verbunden mit einem Preisgeld, auch für andere, die auf dem Festival (Hyères) vertreten waren. Das muss nicht sofort sein.

modaCYCLE: Also konkret hat sich noch nichts ergeben, nach dem Preis in Hyères, außer dem entsprechenden Preisgeld?

Christoph Rumpf: Nun, es ist schon fantastisch mit Mercedes Benz zu arbeiten, zum Beispiel jetzt hier, wo man die Schau machen kann und das ganze Makeup und so professionell ohne Eigenaufwand ausgerichtet wird.
Letztlich kann man sowieso nicht viel mehr machen, als was im Zuge des Preises der „Première Vision“ von Chanel eingerichtet ist. Ich bin außerdem, wie gesagt, ja auch noch im Studium.

modaCYCLE: Sie haben in unserem vorhergehenden Gespräch erzählt, dass Ihre Ideen aus dem Fantasy-Umfeld, aus Märchen stammen. Das ist ja ein ganz anderer Bereich als wenn man jetzt in die Fashionszene gehen will, die sich im Prinzip industrialisiert. Wie stellen Sie sich das mit Ihren Sachen vor, ist das nicht problematisch?

Christoph Rumpf: Nicht unproblematisch. Wenn man den Leuten das präsentiert, ist das eine Seite der Angelegenheit: meine Sachen, das sind alles extreme Silhouetten, und auch die Produktion ist kompliziert. Aber mit dem sogenannten Bad Stock kann man keine größere Menge produzieren (Rumpf meint hier seine recycelnde Verwendung von gefundenen Textilien, z.B. vom Flohmarkt etc.), da müsste ich am Anfang des gesamten Prozesses schon anders vorgehen.

modaCYCLE: Bei solchen Beispielen wie Brokatstoffen dürfte das doch nicht so einfach sein?

Christoph Rumpf: Einfach nicht, aber auch dafür finden sich Wege. Wenn ich dann ein eigenes Studio haben werde, will ich mich auch nicht so positionieren, dass ich jährlich 80 oder 90 Kollektionsentwürfe liefern muss. Ich wollte noch nie „Chanel werden“. Ich suche eine Nische mit kleiner Produktion, das geht ja auch und ich kenne gute Beispiele von Designern, die damit durchaus ein befriedigendes Auskommen haben.

backstage:

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