Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

Anläßlich der Berliner Fashionweek machte die 8. Klasse einer englischen Schule einen Ausflug nach Berlin, um ihr Abschlussprojekt in Kunst vorzustellen. In einer kalten Baustellenlocation ohne konkrete Ortsangabe nahe Alexanderplatz bauten die Ausflügler ein kleines Podium auf, beschafften ein paar Getränke, luden junge Freunde ein und ließen ihre kleine Schau ins Fashionweekprogramm aufnehmen, mehr oder weniger als letzte Veranstaltung. Fast wie eine Schulhofaktion auf einer lustigen Reise.

Alles war geplant wie bei Profis, Vorlauf mit herbeigeschafften Getränken (nur 2 Euro) und Small Talk, erheblich verspäteter Anfang, mehrere Looks, sogar die Presse durfte kommen und bekam einen kleinen Foto-Platz zugewiesen. Mehr noch als das, jedes „Model“ durfte eine eigene kleine Performance mit den Outfits inszenieren und dazu tanzen und vergnügte Slapsticks vorführen. Und die vielen Freunde und Bekannten im Publikum gingen auch richtig mit, tanzten zur Schlagerkaraokeparodie und verbreiteten ausgelassene Stimmung. Alle konnten sogar genug Englisch um mit den Gästen zu reden und Getränke zu bestellen, denn Deutsch konnten die natürlich nicht.

Die gezeigte Mode war einfallsreich und gut von modernen Designern und Trends abgeschaut. Natürlich Upcycling, das war wohl das Projekt-Thema, und dafür gab es verschiedene Varianten, denn es waren ja Arbeiten verschiedener Schüler. Auch das Thema Schichtung war wohl durchgenommen worden und Bespritzen und Bekleckern statt Printentwurf. Und Patchwork, natürlich. Kreativer Umgang mit Vorgefundenem. Weite Looks für jedermann/frau und Geschlechter, möglichst schon etwas „rotten“ aufgelesen oder bearbeitet, und, ganz wichtig, sehr sexy darunter und offen der Schnitt. Klar, viel Frauentypisches am Männerkörper, das ist jetzt das hippste und wird erwartet und gefeiert.

Selbstverständlich ist auch, dass man im European Songcontest Bescheid weiß, um das im Kleinen etwas überdreht zu imitieren, sowie Musik, bei dem das Publikum mitklatschen kann. Das Allerwichtigste aber, nämlich die Beherrschung von Sound- und Projektionstechnik, klappte wie am Schnürchen, sogar in der Eiseskälte. Das war immerhin zuverlässiger als bei manchen Fashionweekprofis. Licht: halt das, was sowieso da war, da musste man eben genügsam bleiben, die supergelungenen Showeinlagen machten das allemal wett.

So stellte sich die Veranstaltung als ein mega gelungener Ausflug einer ambitionierten 8. Klasse aus dem Brexitland heraus, mit Mode, die voll verstanden wurde und viel Spass macht. That was really cool, wasn’t it? *

* Einge Formulierungen dieses Berichtes sind als Satire zu verstehen und entsprechen nicht ganz der Wahrheit.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Mit viel spielerischer Hingabe präsentierten die Modell-Protagonisten für die Kollektion von Anima Protection ein Upcycling-Konzept, das auch mehr von Spass als von seriösem Statement geprägt war. Die Location, „La Vineria“, ein Penthouse im 11. Stock nahe dem Kurfürstendamm, war passend gewählt, eine kleine Lounge, auch Minirestaurant und Bar, wurde zu einem aufmerksam arrangierten Ambiente umfunktioniert, gedeckte Tischchen mit absurdem, minimalistischem Speisenaufgebot, Sessel daran, sodass man gar nicht wirklich hätte speisen können und zum Teil merkwürdig verschobenem Mobiliar. Das per Aufzug in sechs großen Schüben eintreffende, launige Publikum, vielsprachig (englisch, niederländisch, spanisch, deutsch), wurde von den aussergewöhnlich liebenswürdigen Gastgebern herzlich begrüßt – viele kannten sich untereinander und es schien, als ob dies eine Insider-Veranstaltung war, bei der man sich untereinander ausgesprochen wohl fühlte.

Die Schau war eigentlich eher eine Performance zu szene-gesellschaftlicher Interaktion mit integrierten kurzen Laufstegeinlagen, verbunden mit lockerer, unaufdringlich blubbernder Electromusik. Alle stark, schon etwas übertrieben und exzentrisch geschminkten Modelle posierten dann an verschiedenen Stellen im Raum, gespielt affektiert, agierten gelegentlich mit Stühle-Verrücken, Platztausch, verqueren Bewegungen, mimischer Exzentrik und beiläufiger Interaktion, alles nicht schlüssig oder erzählerisch aber doch unterhaltsam. Die Choreografie war zugleich klar ausgedacht und nur offen umrissen und etwas schauspielerische Lust war gefordert für die unkomplizierten Aufträge. Mit viel Hingabe und Überzeugungskraft inszenierten die Protagonisten das absurde Spiel und dies reflektierte letztlich auch das, worum es eigentlich ging, nämlich die Modeentwürfe, die sie trugen. (Uninhibited island Pt. 2, so der Titel der Kollektion. Lauryna Jankauskaite und Gintare Jankauskaite sind die Designerinnen.)

Die inhaltliche Offenheit des Absurden gibt der Gestaltung viel Raum, und wenn man das als Voraussetzung nimmt für ein Upcycling-Konzept, wie es hier vorgeführt wurde, entstehen erstaunliche Gebilde. Widersprüchliches, Unpassendes, Zufälliges, Beliebiges und Unerwartetes gerät aufeinander und zueinander und der Stil, in dem man das „moderiert“, also zusammenschneidert, gebiert Erstaunliches, manchmal Tragbares, manchmal fast Unmögliches. Das macht Spass, viel Spass, beim Anschauen, beim Vorführen und wahrscheinlich auch beim gestaltenden Machen. Das Vorgefundene prägt das Erscheinungsbild und seine Transformation in einen neuen Zusammenhang ist eine kreative Schöpfung, die zumindestens in der Kunst, aber wahrscheinlich auch hier, erst beim Machen geboren wird und nicht mit festem Plan. Dieser Transfer künstlerischen Arbeitsprinzips auf Modegestaltung führt aber zu demselben Resultat, nämlich dem Vergnügen an der Überraschung des Absurden. Gut gemacht, und das war es hier (auch handwerklich), führt das immer zu Staunen und zu sehr aufmerksamer Wahrnehmung.

Das gut gelaunte Publikum, vorwiegend so um 30 Jahre alt, hatte viel Spaß an der Aufführung und den präsentierten Outfits. Das Event hatte einerseits etwas von geschauspielertem Gesellschaftsleben, war aber andererseits eine Spiegelung des eigenen real anwesenden Szenelebens: die affektierten Poseure und die Handyvoyeure in ihrem Element und die Mode war so etwas wie ein tragendes Medium dabei.

Dass diese Generation dieses Spiel so liebt, ist eigentlich nichts, was früher anders gewesen wäre, es ist aber sehr pfiffig und ziemlich direkt, sein Modeschaffen so entschieden in diesen Kontext zu pflanzen. Und es ist darüber hinaus auch schön, dass Mode nicht erst Mode wird, wenn sie den entsprechenden Hype anvisiert, sondern sich mit einer Schau genau da ansiedelt, wo sie ideell zu Hause ist.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Sehr gespannt waren wir auf die Präsentation der neuen Kollektion von Damur Huang im Rahmen der Modewoche in Berlin. Präsentiert wurde in der Kirche St. Elisabeth. Gespannt deswegen, weil wir uns im Vorfeld der Schau dazu entschieden, uns mit den Auswirkungen der aktuellen Entwicklungen rund um künstliche Intelligenz im Bereich Modedesign zu beschäftigen. Dazu haben wir die vorangegangenen Kollektionen von #Damur in unser Experiment einbezogen, um dann zu sehen, wie nahe wir in unserer „Prognose“ an die neue Kollektion von DAMUR herangekommen sind. Nun aber eins nach dem anderen.

Weiterhin bleibt der „Hashtag“ ein Markenzeichen und findet sich gestalterisch in der Kollektion eingestreut. Dennoch kann man diese Kollektion als einen radikalen Neuanfang betrachten. Damur Huang wendet sich, wie viele andere Designer, welche auf der Modewoche in Berlin präsentiert haben, dem „Up- und Recycling“ zu. Ein Neuanfang hat uns in mehreren Hinsichten überrascht. Die Kreationen sind zwar nach wie vor an ein jüngeres, sportliches und urban orientiertes Publikum gerichtet, brechen aber formal die Flächenkonstruktionen immer wieder radikal auf, sind dekonstruktiv gehalten und setzen sich aus Fragmenten neu zusammen. Dabei werden viele Ein- und Durchblicke auf die Haut generiert und sowohl mit Farbflächen als auch mit Flächen aus unterschiedlichen Materialien verspielte Schichtungen aufgebaut. Das ist insoweit neu, als Damur in den vergangenen Kollektionen stets eine Ausrichtung auf eine klare und formelle Handschrift bei den Silhouetten, wie auch Schnittkonstruktionen an den Tag legte. Die Farbpalette ist weitestgehend in Blau gehalten, ergänzt durch Beige, Lachsrot bis Rot und Schwarz.

Erwartet haben wir aber, dass sich die vorgestellte Kollektion näher an jenem ist, was wir in unserem Experiment versucht haben zu prognostizieren. Mit dem sind wir davon ausgegangen, dass in den kommenden 2-3 Jahren sich die Produktions- und Kreativprozesse durch den Einfluss von künstlicher Intelligenz (KI) massiv verändern werden.

Es klingt, wie aus einem Sciencefiction Roman zitiert. Eine kurze verbale Beschreibung dessen, was man heute anziehen möchte und die Maschine produziert ad hoc die Kleidung für den Tag – selbstverständlich modisch, individuell und im Zeitgeist schwingend. Weit sind wir hiervon nicht mehr entfernt, dass die KI die klassische Tätigkeit des Modedesigners ersetzen werden kann. Dabei ist die Verwendung von KI in der Modeindustrie nichts mehr, was fremd ist. Bisher hat sich die Verwendung aber darauf beschränkt, Kundenpersonalisierungen der Produkte zu ermöglichen, Trendvorschauen zu erstellen, um das Volumen der Produktion zu optimieren (z.B. Anzahl der Produkte und Größen), Virtuelles Marketing – insbesondere Werbeplatzierungen in Sozialen Medien zu optimieren, oder auf der technischen Ebene bei der Produktionsunterstützung zum Beispiel den Materialeinsatz und Verschnitt zu optimieren. Nun stehen weitere Möglichkeiten vor der Tür.

Seit knapp einem Jahr verbreitet sich KI-basierte visuelle Kunst und Kreativität massiv und das hat für tiefgreifende Diskussionen und Befürchtungen gesorgt. Auf dem Markt und in der Szene tummeln sich mittlerweile zahlreiche Softwarekomplexe und Projekte wie midjourney oder Dall-E 2, die es zu einer gewissen Bekanntheit gebracht haben und Nutzer mit sehr verblüffenden Bildergebnissen überraschen, die zumindest bei Illustratoren die existenzielle Sinnfrage in den Raum stellen.
Kurz zusammengefast generieren diese Programme, basierend auf der verschlagworteten Bilderflut im Internet, anhand von textbasierten Beschreibungen aus konkreten Beispielsbildern neue Bilder, die fotorealistisch daherkommen. Entscheidend ist hierbei zu verstehen, dass es sich nicht um Kollagen handelt, sondern um Interpolationen dessen, was die Maschine anhand dessen, was wir Menschen an begrifflichen Zuordnungen visuell ableiten. An dieser Stelle wollen wir nicht vertieft beschreiben, wie diese Systeme konzeptionell funktionieren. Wichtig ist aber für das Grundverständnis die Erkenntnis, dass, wenn der Nutzer zum Beispiel als Bildbeschreibung in das System eingibt: „generiere ein Bild von einer Banane auf einem Skateboard“, das System nicht ein beliebiges Bild von einer Banane und einem Skateboard aus einer Datenbank nimmt und diese zusammenfügt, sondern frei assoziiert, was wir Menschen unter einer Banane und einem Skateboard verstehen und versucht zu interpretieren, was wir uns darunter vorstellen könnten, wenn diese beiden Begriffe in Relation zu einander stehen.

In unserem Experiment haben wir nun versucht vorauszusehen, wie eine zukünftige Kollektion und entsprechende Entwürfe von einem Designer aussehen könnten, wenn man dessen bisheriges Werk, seine Art kreativ zu arbeiten und seine kreativen Prozesse anhand von bereits vorliegenden Werken möglichst genau beschreibt. Im Falle von Damur Huang haben wir also eines unserer Bilder von einem typischen Look seiner vorangegangenen Kollektion genommen und sein vorliegendes Werk und das, was wir darunter verstehen, der KI beschrieben:

Damur, Fashionweek Berlin Kollektion ss2020, E-Werk

Basierend auf der Beschreibung und dem der KI neben der Bildfülle im Internet mit entsprechender Verschlagwortung sind in Bezug auf eine mögliche Winterkollektion aw2023 von der KI diese Beispiele generiert worden:

KI-Vorschläge aus Damur: Kollektion ss2020

Unserer Meinung nach ist es der KI verblüffend gut gelungen, basierend auf der Beschreibung eine Ergänzung dessen, was Damur Huang bisher an Looks vorgestellt hat, zu generieren. Etwas eigenständig Neues ist dabei unserer Meinung nach noch nicht herausgekommen. Dieser Eindruck wird auch noch verstärkt, wenn man sich die tatsächlich in Berlin vorgestellte neue Kollektion anschaut. Diese ist offensichtlich auch stilistisch ein erheblicher Bruch und Neuanfang des Designers im Vergleich zu den vorangegangenen Kollektionen.

Im Fazit bedeutet dies hinsichtlich unseres Experimentes: Die KI unterschlägt kreative und innovative Erneuerungen, die ja letztlich gute Mode ausmachen sollten. Das macht Hoffnung, solange dieses grundlegende Credo aufrecht erhalten bleibt und wir freuen uns, dass gerade dieses Beispiel nun so schlagend ist. Was wir allerdings trotzdem im Hinterkopf behalten müssen, ist, dass diese Technologie die Möglichkeit eröffnet, im Volumenmarkt noch schneller Looks zu generieren, die auf kreativen Vorlagen basieren. Das heißt, die neue, innovative Vorlage kann schnell in Varianten ausgebaut werden. Im nächsten Schritt würde die digitale Bearbeitung von der zweidimensionalen Darstellung in eine dreidimensionale Umsetzung übergehen, in welcher die KI direkt Schnittmuster und Konstruktionspläne generiert, die wiederum direkt in den Produktionsprozess übergehen.

Das berührt natürlich noch nicht die Überzeugungskraft des Neuen, sondern nur des Prinzips. In Bezug auf die kreative Gestaltung überlassen wir es darum den Lesern zu entscheiden, welche Ergebnisse die gefälligeren sind. Hier nun die tatsächliche Kollektion REVIVER von #Damur:

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Inszenierung ist die halbe Miete. Das wissen nicht nur erfolgreiche Rockmusiker, das gilt umso mehr für die Mode. Nicht viele Modedesigner haben das erkannt, aber Olivia Ballard schon gleich am Anfang ihrer Karriere. Und das Konzept wurde umgehend zu einem großen Erfolg.

Bei eingehender Betrachtung sind die vorgestellten Kollektionsteile nicht unbedingt die Highlights des Schneiderhandwerks oder besonders innovative Schnitte oder rasante Designkonzepte. Sondern eher schlicht und einfach. Das Besondere findet sich in der Idee des Gesamtkonzeptes, und dessen Konsequenz und Radikalität machen das Revolutionäre aus. Es repräsentiert nämlich eine recht geradlinige Haltung zu Sexualität, die jedem Individuum seine Reize zugesteht und ihm Angebote macht, die zu unterstreichen, wenn es den Mut hat, sich darauf einzulassen („Body Positivity oder Consciousness“). Und dass dieser Mut verstärkt wird mit dieser scheinbar selbstverständlich daher kommenden Kollektion, ist ein weiteres Plus für die Begeisterung.

Natürlich entlehnt sich diese Haltung der Designerin aus dem Clubleben, wohl besonders dem Berliner, wo sich längst erotische Selbstverständlichkeiten und Lustbarkeiten etabliert haben, die jetzt erst in der Mode ankommen. Endlich, will man meinen, denn man fragte sich bisher schon, warum das auf den Berliner Fashionweeks so zurückhaltend gehandhabt wurde, obwohl doch mindestens jedem Insider klar war, dass hier die entscheidende Zutat sozialer Trends mehr oder weniger unterdrückt blieb und höchstens in kleinen, appetitlichen Andeutungen die Shades-Of-Grey als spielerische Akzente zitiert wurden. Als sich die Szene schon viel weitergehend und selbstbewußter auslebte.

Einerseits ist es gar nicht schlecht, dass sich die Kollektion sehr schlicht und unprätentiös gestaltet, es gilt ja erst einmal die Basics zu definieren beziehungsweise herauszustellen, und das macht sie sehr gut und beispielhaft. Regel eins: Es gilt für alle und jeden, dem/der es Spass macht. Alter, Geschlecht und körperliche Erscheinung spielen keine Rolle. Das ist schon ein revolutionärer Zug (von dem mehr geredet wird als dass er grundsätzlich wäre). Regel zwei: Es ist mehr möglich, als du dachtest, mach‘ einfach. Regel drei: Der ästhetische Anspruch ist nicht festgelegt, das Schlichte muß keinem Chanelniveau folgen und das Spielerisch-Dekorative darf seine Reize auch ausspielen. Traditionen sind nicht verpönt, liebevolle Schnitte und Details haben im neuen Kontext auch ihren Platz – überhaupt ist eigentlich nichts verpönt, wenn es anderes nicht ausschließt. Soweit manches dieser Regeln bisher schon in Kollektionen zu finden war, dann war es doch hauptsächlich ein kommerzielles Kalkül. Eine solche Perspektive kann man Julia Ballard nun gewiß nicht unterstellen, sie etabliert vielmehr eine sozio-modische Grundhaltung. Eigentlich sehr simpel, aber durchaus nicht gewöhnlich in der gezeigten Konsequenz.

Aber eine deutliche Ausrichtung auf ein Zielpublikum unternimmt sie dennoch und der folgt die wirkmächtige Inszenierung, die aus der Clubszene à la Berghain entleht ist, mit großer Kenntnis und Entschiedenheit. Die Location: eine übergroße Fabrikhalle historischer Ästhetik; eher abgelegen und versteckt zugänglich. Der Sound: extrem laut, körperlich und technospezifisch. Die Beleuchtung: dunkel, so karg es geht mit maximal ausgelegten Akzentuierungen (Spots). Das Klima: wie es halt gerade ist, in diesem Falle recht kalt. Das Publikum: eher focussiert (nicht exklusiv oder „arriviert“) aber zahlenmäßig nicht limitiert. Und die Models: äußerlich beliebig aber bereit, sich dieser Szene zugehörig zu fühlen, also die entsprechende Haltung zu vertreten. Die geladene Presse: eher keine, und wenn, dann nicht die traditionelle VIP-Modepresse. All das hat, zusammen gesehen, durchaus etwas Berlintypisches und kann wohl auch nur in dieser Stadt so straight, selbstverständlich und entschieden verwirklicht werden.

Zur Modeschöpfung selbst gibt es, wie bereits angedeutet, eigentlich nichts Bemerkenswertes heraus zu stellen. Solides Schneiderhandwerk ohne besondere Attitude, alle Stücke sind handgefertigt und werden im Studio in Neukölln hergestellt. Die Materialien sind oft transparent oder im Wet-Look, Mesh-Stoffe, Leder und Denim, das Design tritt mit vielen Entlehnungen aus zeitgenössischen Üblichkeiten auf: ein wenig schräg und asymmetrisch, ein wenig ausgefranst, ein wenig dekonstruiert, ein wenig gerafft und gefältelt und geknotet, ein wenig geöffnet und ein wenig verschlossen, ein wenig rau und ein wenig glatt, mit und ohne Oberflächenapplikationen. Viel Schwarz aber nicht zwanghaft ausschließlich, und auch gar nicht düster. Aber immer körperbezogen und das bis hin zum Lässig-Offensiven. Der Auftritt macht’s, die Attitüde des Tragens prägt diese Mode entschiedener als üblich und diese Einheit von Bekleidungsmodus und (zum Teil provokativem) Selbstverständnis enthält den revolutionären Touch dieser Kollektion und ihrer Präsentation.

Wenn überhaupt eine Modenschau diese Saison der Fashionweek eine neue Richtung vorgeschlagen hat, dann war es diese und es dürfte auf der Hand liegen, dass sie einen entsprechenden Erfolg generiert. Bei manchen anderen, ebenfalls bestechenden Labelauftritten ging die Orientierung durchaus in dieselbe Richtung, manchmal sogar ästhetisch anspruchsvoller (z.B. Namilia) aber die schlagkräftige Inszenierung hier war einfach zu prägnant.

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Text und Bilder: Boris Marberg

Der junge, ukrainische Designer Jean Gritsfeld ist einer der vier Kreativen der Branche aus seinem Land, welche auf der Berliner Modewoche im Rahmen der öffentlichen Förderung durch den Senat zusammen mit dem Berliner Salon seine aktuellen Werke präsentieren konnten. Anders als DZHUS, Bobkova, Litkovska zeigte Gritsfeldt seine Werke weit im Berliner Osten, in einer ungenutzten kleinen Kraftwerkshalle in Schöneweide, unsaniert, idealisierend heruntergekommen, schwach beleuchtet und improvisiert – ziemlich versteckt. Ein erlesenes Fachpublikum fand dennoch den Weg dorthin. In sehr düsterer und dunkler Industrieromantik zeigte Gritsfeld seine Kollektion SCULPTOR OF LOVE, die im Grunde nichts Neues des Designers zeigte, sondern vielmehr Neuinterpretationen seiner bisherigen Kreationen. Diese stehen für sein bisheriges Werk. Die gekonnte und selbstbewusste Inszenierung geht dem ehemaligen Model auch leicht von der Hand. Der Star des Werkes ist nicht die Mode, sondern der Schaffende selbst, der in seiner aktuellen Lebenssituation, konfrontiert mit dem Krieg in seiner Heimat, sich spirituell geprägt sieht und erneut ein Statement für Frieden, Liebe und Harmonie, heraus aus den Wunden, die geschlagen wurden, dem Publikum mit auf den Weg geben möchte.

Dramaturgisch, von Presse und Publikum zelebriert, gelingt dies und kann die Anwesenden situativ begeistern. Gritsfeldt ist inzwischen – überspitzt und vielleicht zynisch formuliert – ohnehin quasi der „Darling“ aus dem Kriegsgebiet. Modisch und visuell betrachtet bleibt leider bei dieser Präsentation vieles (auch wortwörtlich) im Dunkeln. Die Herren- und Damenlooks sind sichtlich voneinander und auch untereinander isoliert zu betrachten. Fast biedere, klassisch-funktionale Herrenanzüge stehen neben wilden, metallisch schimmernden Damenlooks, die an Oversized Jacketts der 1980er von Designgrößen wie Gianni Versace erinnern. Außerdem die klassischen Material- und Stilcollagen. Es finden sich viele Brüche bei den Kreationen, eine einheitliche Stilistik ergibt sich mit der Kollektion kaum. Zur Herstellung eines Gegenwartsbezuges werden mehrfach Sprüche auf den Textilien appliziert oder direkt auf den Körper geschrieben, welche einen inhaltlichen Kontext zum Krieg und der Sichtweise des Designers auf die aktuellen Ereignisse zeigen. Interessant ist dies allemal, gibt es doch viel Einblick in die individuelle Realität und den erzwungenen Anpassungsprozess des schöpferischen Schaffens an schwierige, äußere Umstände.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit einer Rückbesinnung auf frühere Konzepte bei Augustin Teboul hat Lou de Bètoly (Odély Teboul) nun ein für sich individualisiertes Konzept für ihre Kollektion aw2023 entworfen, was ihre liebevoll handgearbeiteten Teile wieder zu einem größeren Panorama ausbaut und eine Ausrichtung anlegt. Die Outfits wirken wieder vollständiger und sind gleichzeitig in ihrem Minimalismus den Frauen sehr behutsam auf den Leib geschrieben, sehr sensibel und mit viel Goût aufeinander abgestimmt. Die Reduktion aufs Wenige ist das ästhetische Prinzip und wird ergänzt durch Applikationen, Verwebungen, Mini-Materialcollagen oder Rüschen und Besätze und immer steht das subtil gebaute Gewebe im Zentrum der Wahrnehmung. Es geht darum, den weiblichen Körper mit seiner Bekleidung zu subtilisieren und ganz vorsichtig auch zu schmücken – unter Vermeidung von allem, was sich zu mächtig aufspielen könnte.

In der Vergangenheit hat de Bètoly auch Pieces vorgestellt, die für sich standen, wie in einem Rahmen an der Wand, und sich damit bemüht, ihre filigranen Handarbeiten jenseits von Mode mehr in die Nähe von Kunst zu rücken. Dem weiblichen Körper angelegt wirken sie aber wie vervollständigt und deutlich überzeugender und sinnlicher.

Die große Verspieltheit, die alle Arbeiten kennzeichnet, evoziert den romantischen Touch und entsprechend sorgfältig ist jeweils die Farbwahl, nicht selten bleibt es bei Nichtfarben wie Schwarz oder Weiß. Auch die Schnitte sind minimalistisch ausgelegt, einfache Formen werden dann auf verschiedene Weise zu leichter Eigenbewegung transformiert oder mit Durchbrüchen oder Schlitzen geöffnet und leicht gemacht. Am wichtigsten dabei sind noch die verschiedenen Transparenzen, die aus den offenen Geweben entstehen und nach wie vor den größten Reiz des subtilen Erscheinungsbildes ausmachen. Lose Fäden und bewußte Unregelmäßigkeiten betonen das Handgemachte und quasi Menschliche und sind zugleich Teil des perfektionistischen Anspruches.

Auch mit der konstruktivistischen Montagetechnik, die damals schon das Duo pflegte, geht de Bètoly nun ein paar Schritte weiter, sie läßt viel offen und die großen und kleinen Lücken machen auch aus diesem Vorgehen eine sehr fein arrangierte Architektur. Etwas neuer (und wohl auch wesentlich) sind die Bezüge, vielmehr Zitate zur Haute Couture, die gut zu der eleganten Location und der Schauinszenierung passen. Mit eleganten Stoffen und raffinierten Couleurs. Dafür hat die Designerin Seide aufgearbeitet, Wolle und Denim  aus Second-Hand-Textilien verwertet und sogar aus Vintage-Taschentüchern gesponnenes Garn verwendet und verwandelt.

Im Gegensatz zu früher, wo die Werkstücke gelegentlich noch etwas chaotisch im Gestaltungsprinzip anmuteten, wirkt die jetzige Kollektion deutlich organisierter und zielstrebiger, trotz aller Verspieltheit, die als ein wesentliches Merkmal des Vorgehens erhalten geblieben ist. Man kann sogar sagen, dass gewissermassen ein Weg zur Haute Couture eingeschlagen wurde, der diese künstlerische Handwerklichkeit adelt.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Fantasy, Sex, Futurismus und vor allem Geschlechteremanzipation sind das Fundament zur schöpferischen Philosophie der beiden Betreiber des Labels Namilia, Nan Li und Emilia Pfohl, woraus kontinuierlich und seit Jahren die Bestände ihrer Kollektionen wachsen. Und stets topaktuell bleiben, mehr noch, wirklich avantgardistisch.

Wir entdeckten Namilia bereits in Paris vor etwa 2 Jahren und schrieben schon ausführlich darüber (siehe Bericht). Erfreulicherweise hat das Berliner Label nun doch eine Möglichkeit gefunden, hier in der Stadt eine Schau zu veranstalten, die sehr begeistert aufgenommen wurde. Die Kollektion wurde entsprechend groß angelegt und war dennoch enorm abwechslungsreich.

Grundsätzlich ist die Mode von Namilia immer kompromisslos, feministisch, antirassistisch und pro trans. Sexuelle Freiheit einerseits und dynamische Sportlichkeit, hier Motocross, prägen viele Ideen und auch entsprechend die glatten Materialien und leuchtende Farbigkeit. Outfits von Motorsport pflegen ohnehin stets eine Vorstellung von Empowerment. Die Formgebung ist entsprechend ebenfalls „speedy“, sowohl in herausgezogenen Schultern als auch in den Applikationen und großflächigen, kontrastierenden Flächenformen (und auch in den Materialwirkungen, veganes Leder z.B.). Hinzu kommen Gothic- und Punk-Details wie spitze Schultern, Spikes oder Nieten. Und, nicht zu vergessen, auch hochgeschlossene, knöchellange Qipaos (ein traditionelles chinesisches Gewand) mit applizierten Stoffvulven.

Aber dabei bleibt es nicht. Wichtiges wird entfernt und bleibt quasi nackt oder die textile Gestalt wird extrem ausgeweitet. Die gewünschte Sexyness beziehungsweise Erotik modifiziert die Kleidergestalt durch Wegnahmen, Aussparungen, Taillierung, Öffnungsmöglichkeiten und viele weitere Strategien, bis die gewünschte Frechheit ziemlich kompromisslos das Ganze bestimmt. Liebevoller Einfallsreichtum in vielen Details und sorgfältigste Verarbeitung sind Teil des Vergnügens, das man mit diesen Outfits  hat.

Anregungen aus der Clubszene in ihren exzentrischsten Ausprägungen werden gerne verfolgt und ausgebaut, denn von da aus geht die Grundidee einer sexualisierten Gesellschaft (unter neuen Vorbedingungen) längst der allgemeingesellschaftlichen Öffentlichkeit voraus. Ausserdem fließt die reale eigene Körperlichkeit in seiner Anerkennung (Body-Consciousness) als Pro-Faktor in die Gestaltungsphilosophie ein und überwindet damit ganz souverän und selbstverständlich bisherige Standards, an denen die großen Modehäuser noch immer kleben.
Als aktuelles Leitthema geben Namilia den Text Cruising Utopia, The Then and There of Qeer Futurity von José Esteban Munoz an, möchten also, dass man ihre Kollektion als eine Vorstellung von „queer utopia“ betrachtet. Damit wird die Idee von sexueller Freiheit noch einmal weiter focussiert. Aus dieser Textquelle schöpft übrigens auch der DJ/Produzent Yazzus mit seinem Soundtrack zur Schau.

„Eine Religion, die keine sexuellen Tabus kennt. Eine Frauenreligion.“ äußerte das Designerduo einmal und blieb bis heute unbeirrt dabei. Jetzt, wo die Berliner Fashionweek frei von äußeren kommerziellen Werbe- und Imageinteressen sich neu aufstellen kann, sind Labels wie Namilia neben Olivia Ballard und anderen plötzlich auf dem Plan und führen vor, was zwar längst schon da war, was als Berliner Kulturverständnis und Subkultur aber nicht in die erste Reihe der präsentierten Mercedes Benz Fashionweek kam. Diese Labels repräsentieren das authentische Mode-Berlin – ohne dass anders orientierte Labels damit herabgewürdigt wären. Labels, die, wie Namilia, deswegen anderswo bisherige Erfolge feiern konnten und zweifellos eine spannende Avavantgardeposition einnehmen, auch und gerade im gesellschaftspolitischen Anspruch.
Und dabei kommt es nicht von Ungefähr, dass Namilia auch in New York in den Szenen gefeiert wird und Bekanntheit erlangt hat.

Diese konsequente und kompromisslose Haltung der Labels und ihre kreative Innovationskraft werden die Berliner Fashionweek reizvoll und wichtig machen im internationalen Gefüge und umgekehrt stehen sie ja auch erklärtermaßen zu Berlin und seiner Lebensart.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Auch die neue Kollektion des Designers Lucas Meyer-Leclère für seine Linie LML Studio setzt sich zunächst explizit mit Material und Nachhaltigkeit auseinander und präsentiert eine nahezu komplett in Schwarz gehaltene Kollektion, die viel mit Volumen, körperlicher Präsenz und Übergröße spielt.

Jacken, Jacketts und Mäntel bieten reichlich Bewegungsfreiraum. Dabei ist fast alles in Schwarz und Anthrazit gehalten. Diese Kreationen werden teilweise kombiniert mit weißen oder schwarzen Hemden, welche überlange Manschetten als Ärmelabschlüsse haben. Dazu kann aus dem Sortiment mit Tweed-, Denim- oder Lederhose kombiniert werden; als maximaler Kontrast gar mit einem vorne geschlitzten Herrenrock.

Die alternative Oberbekleidung ist das lockere, grobmaschige und durchsichtige Stricknetz-Top; ein grünes, wuscheliges Tank-Top findet sich als „bunte“ Variation dazu in die Linie eigestreut. Über nacktem Oberkörper läßt Meyer-Leclère auch bauschige Kurzmäntel tragen – passend zu den meisten Looks sind Schal, Täschchen und Schleife als abrundende Accessoires zu finden. Lediglich ein Oversize-Mantel in Weiß und mit farbigen Schlierenstreifen und eine überlange Blousonweste in gleicher Machart kontrastieren die Kollektion genauso wie eine knöckellange Kutte. Die Formgebung ist vertikal körperbetont mit teilweise horizontalen Brüchen in den Looks, die locker und selbstbewusst, manchmal geradezu herausfordernd getragen werden.

Mit seiner Kollektion mit dem Titel „Cum Dederit“ greift Lucas Meyer-Leclère Themen im Kontext christlicher Religiosität und sexueller und geschlechtlicher Identität auf. Auch die Wahl des Ortes seiner Präsentation im Rahmen der Berliner Modewoche, nämlich der evangelischen St.-Marien-Kirche an der Karl-Liebknecht-Straße, unterstreicht die thematische Ausrichtung. Der Hauptprediger der evangelischen St.-Marien-Kirche ist Dr. Christian Stäblein, der Bischof der Evangelische Kirche Berlin-Brandenburg-schlesische Oberlausitz. Dr. Stäblein ist religionswissenschaftlich ein Protagonist, der sich mit dem Thema der Segnung von Paaren in eingetragener Lebensgemeinschaft auseinandergesetzt hat und dabei insbesondere einen pragmatischen und kirchenrechtlichen Ansatz verfolgt. „Cum Dederit“ (lat.) – ohne entsprechende Attribute übersetzt bedeutet – „als er gab“. Dies soll wohl auf einen Segen bezogen sein, welcher einem Paar einer Hochzeitsgesellschaft zuteilwird. Dies skizziert schlagwortartig die gestellte modische Szenerie und bringt die Kollektion in einen entsprechenden sozialpolitischen Kontext. In der Inszenierung der Modenschau bedeutet dies konkret eine Hochzeitsgesellschaft mit dem Designer als Bräutigam und seinem Gegenpart, welchen Geschlechtes und welcher sexuellen Identität auch immer. Das ist als Gesamtinszenierung sehr berlinerisch. Mit Humor wird dies auch sprachlich umschrieben, wenn auf einem der präsentierten Tank-Tops „Herr de Berlin“ in Schreibschrift steht.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Kristina Bobkova möchte mit ihrer neuen Kollektion Mriya starke Frauen darstellen, die ihren Lebensalltag mit allen Wirren und Herausforderungen ihrer Heimat meistern und dennoch gesellschaftlich eine aktive Rolle einnehmen. Die Verwirklichung eines Lebenstraumes wird eingefordert, auch wenn das Bürgerliche tragisch erschüttert wird und zwischen (geforderter) Stärke und Zerbrechlichkeit pendelt.

Neben DZHUS, Jean Gritsfeldt, und Litkovska ist Kristina Bobkova eine der ukrainischen Designerinnen, die im Rahmen des Berliner Salons präsentiert wurden und diese Präsentation mit einer eigenständigen Schau erweiterte.

Wie bei zahlreichen anderen in Berlin präsentierten Kollektionen wird auf Upcycling und die Verwendung von Verschnitten an Stoffen und Strickwaren zurückgegriffen. Hier zeigt sich ein ausgesprochener Pragmatismus, denn die Kollektion wurde im Atelier in Kiew erstellt – unter widrigen Umständen, wie Kälte, Stromausfällen und Luftalarm. Die Aufrechterhaltung der wirtschaftlichen Tätigkeit und der Produktion in der Heimat ist für jetzt und besonders auch für die Zukunft von entscheidender Bedeutung.

Typisch für eine Kollektion von BOBKOVA ist, dass konsequent minimalistisch und stakt reduziert gestaltet wird. Die Silhouetten sind stringent vertikal locker fallend und spielen wenig mit Volumen, bieten dennoch viel Bewegungsfreiheit. Brüche in den Looks finden sich, wenn an den Taillen bei zum Beispiel Blazern und Overalls durch breitere monoton gehaltene Gürtel die Durchgängigkeit unterbrochen wird. Spitze wird dezent appliziert. Auch die Farbpalette ist stoisch dezent und basiert weitestgehend auf Braun, Beige und cremigen Tönen. Farbliche Akzente finden sich nur bei einem Stricktop und bei einem langärmeligen Schlauchkleid. Glänzende Materialien schaffen etwas Leuchtkraft und die divers eingestreuten Keckheiten geben der ansonsten eher konservativ angelegten Kollektion etwas Esprit auf den Weg.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Von den vier auf der Fashionweek vertretenen Designern aus der Ukraine gibt sich Litkovska als die von den nationalen Umständen unberührteste. Wie schon in den vorangegangenen Kollektionen, z.B. in Paris, kommt die Kollektion Vesnianka eher etwas bodenständig daher und ist kommerzieller orientiert. Dementsprechend sind die Outfits geschmacksmäßig breiter aufgefächert, die folkloristischen Aspekte sind etwas zurückgenommener als sonst. Viele Anleihen aus klassischer Herrenmode sind in das Design eingeflossen, Anzugjacken und -hosen, Anzugfutter als grafische Akzente sowie, wenn auch meistens verschoben konstruiert, Schnittstilismen.

Die Mode von Lilia Litkovskaya begründet die geschmacklich verschiedenen Ansätze in dem Bemühen, eine radikal realistische Garderobe für die Frau von heute, die die Freiheit hat, sowohl zerbrechlich als auch wild zu sein, bereitzustellen, und da ist vom romantischen bis zum etwas derben Auftritt eben alles möglich. Sie entwickelt ihre Arbeit aus der handwerklichen Schneiderkunst, schon von Hause aus, und will über dekonstruktivistische Methoden, die nicht selten zu etwas eigentümlichen Silhouetten führen, etwas Dynamik generieren, besonders aber gängige Bilder aufbrechen und durch den Zeitgeist gebrochene Anschauungen erreichen. Hinzutreten Apercus und kontrastierende Einfügungen, Häkelelemente oder üppige Schmuckstücke, die das Ganze leicht konterkarieren und die Abweichung von Normvorstellungen einmal mehr akzentuieren. Sie versucht, Traditionen, gerne auch folkloristisch geprägte, in einen modernen Style zu überführen, wobei aber der eher bodenständige Anspruch stets sichtbar und grundlegend bleibt.

Lilia Litkovskaya ist bekannt für ihren Geschmack für etwas kühnere Formen, raffinierte Schneiderei und komplizierte Handwerkskunst und erkundet damit die Idee der zeitgenössischen Kleidung durch leicht ausgefallene, aber nicht übermäßig sperrige Designs. Ihre handwerkliche Durcharbeitung erlaubt darüber hinaus den optischen Verweis, dass man innen auch nach außen kehren kann (siehe Beispiel Anzugfutter) und dass Additionen auch zu einer Einheit gefügt werden können. Auch wenn Litkovska mit ihrer Ausrichtung noch sehr dem Dekonstruktivistischen im Modedesign verhaftet ist, ist sie in der internationalen Szene gegenwärtig und umtriebig. Sie zeigte in Paris auf der Womenswear fashion week und präsentiert ihre Arbeiten mittlerweile auch international in Geschäften.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

DZHUS (Irina Dzhus) gehört zu den vier eingeladenen Designern beziehungsweise Designerinnen aus der Ukraine und wenn man diese Einladung über die solidarische Geste hinaus rezipert, stellt sich natürlich die Frage, ob die vorgestellte modische Leitidee die Besonderheit der Umstände auch reflektiert. Bei DZHUS ist das ganz offenkundig und sehr überzeugend der Fall.

Es handelt sich im Grunde um sehr raffinierte Funktionskleidung, weniger im Sinne von klimatischer Referenz als im Sinne der Nutzbarkeit und Vielgestaltigkeit. Letzteres führt die Schau in frappierender Weise vor: Das Modell läuft mit einer Kleidungsgestalt einmal den Laufsteg auf und ab, kurz vor Ende wartet die Designerin auf dem Laufsteg und beginnt dann, die Kleidung zu demontieren, umzustülpen, aufzubrechen in der Architektur und aus den Bestandteilen eine völlig neue Gestalt zu schaffen. Damit geht das Modell dann ein zweites Mal den Laufstegweg.

Der Soundtrack zur Schau suggeriert immer wieder Sirenenklänge, klagende Gesänge und chaotischen Krach, nicht simpel und klischeehaft, sondern als kompositorisches, elektronisch leicht modifiziertes, dissonantes Arrangement. Die Modelle tragen Verschmierungen in den Gesichtern, die mal durch Kapuzen oder Stoffmasken geschützt werden, mal frei und offen erscheinen. Ihre Kleidung „hängt“ mehr am Körper als dass sie sich auf ihn bezieht, abgesehen von den primären funktionalen Standards wie Ärmel, Kopfbedeckung etc. Zwei Basics begründen die Funktionalität: erstens viele, viele Taschen, manche Outfits bestehen quasi aus der Aneinanderreihung großer und kleiner Taschen, zweitens viele, viele Reißverschlüsse zur Demontage und Montage des Zusammenhanges beziehungsweise der Zusammenhänge. Und das ist sehr komplex konzipiert, so dass der Träger oder die Trägerin schon gut Bescheid wissen muss, welche Zusammenhänge möglich und intendiert sind und wie man sie kombinierend herstellt. Zum Teil kann die Trägerin das gar nicht selbst am Körper modifizieren, die Kenntnis der Designerin, die hier die Transformationen auf dem Laufsteg vorgenommen hat – und zwar so, dass es auch passt und funktioniert – ist zentrale Voraussetzung. Sogar die großen Taschenkombinationen lassen sich manchmal auflösen in Flächen, genauso aufbauschende Elemente und geschichtete Ebenen. Es ist bei genauerem Hin- und Zusehen der Transformation schon recht vertrackt und man sieht auch gelegentlich, dass Reißverschlüsse sich manchmal sperrig aufführen. Die Funktionalität der Taschen bleibt eher der Fantasie überlassen, bei einem Beispiel zog die Designerin aus einer Tasche ein aufs Minimale zusammengelegtes Unterkleid heraus, feuchtigkeitsabweisend und eine weitere Ergänzung.

Sowohl der Leitgedanke der komplexen Transformation eines einzigen Kleidungsstückes als auch die schwierige Umsetzung in so vielen Details sind pfiffig und durchaus – in gewissem Maße – praktikabel. Alles scheint optimal aus- und durchgedacht und erprobt. Das Erscheinungsbild, so sehr die Sachen auch angehängt wirken, funktioniert auch, angesichts der Tatsache, dass Kleidung sich schon längst in vielen Designströmungen vom Körper emanzipiert hat und gestaltend oft eigene Wege geht, ist das keine Überraschung im Erscheinungsbild mehr. (De)konstruktivismus ist bei DZHUS keine ästhetische Fragestellung oder ein Antistatement sondern die Öffnung zu neuem, konstruktivem Denken der Gestaltung, durchaus auch im ästhetischen Sinn.

Natürlich ist die ästhetische Komponente hier auch noch der Tradition verhaftet, man könnte sagen gottseidank, denn der rein transformatorische Gedanke trüge einen entsprechenden Anspruch nicht. Weiß und verschieden Beigetöne schaffen, zum Teil in Kombination mit Schwarz, farblich sehr ansprechende Anmutungen, ähnlich Grau und Schwarz. Die silbernen Reißverschlüsse bilden ordnende Linien oder große Liniengeflechte auf und unter der Oberfläche und die zum Teil abenteuerlichen Ausformungen und flächigen Konstrukte folgen ebenfalls einem deutlich anspruchsvollen Gestaltungswillen in der plastischen Gesamtarchitektur. Und letztere ist eben nicht nur von Outfit zu Outfit verschieden, sondern auch in den jeweiligen Transformationen.

Insofern ist das DZHUS-Design ein wirklich innovativer Fortschritt in Hinsicht auf den Stand zeitgenössischen Designs, wenn auch aus besonderen Umständen heraus geboren. Die Kombination aus Ästhetik, Funktionalität, Gestalt und Materialwahl wurde weitgehend aus einer neuen Perspektive gedacht und überzeugend konzipiert. Wenn man so will, ist das ein Impuls für das westliche Modedesign, der sich durchaus konstruktiv verwerten und ausbauen läßt.

Erwähnenswert ist noch, dass DZHUS – inzwischen international aktiv und erfolgreich, mehrfach ökologisch preisgekrönt – seit Kriegsbeginn 30% seines Gewinns an ukrainische Tierrechtsorganisationen und die Armee spendet.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Die Präsentation der neuen Herbst- und Winterkollektion für 2023 des Designerduos Odeeh von Otto Drögsler und Jörg Ehrlich ist sicherlich ein qualitativer Höhepunkt der Modewoche in Berlin, die sich gerade neu aufstellen muss und die „Szene“ in Berlin vor neue Herausforderungen stellt. Stabilität und eine professionelle Gelassenheit, wie Odeeh sie an den Tag legt, tut hier gut. Das Untergeschoss der Kantgaragen bot einen passenden, nüchtern puristischen Raum und Rahmen für die Alltagseleganz, die seit vielen Jahren von der Marke den Kundinnen grundsolide und stets durchdacht angeboten wird.

Erneut steht die Kollektion für Perfektion gepaart mit Leidenschaft und bringt, wie stets, eine angenehme Unaufgeregtheit mit sich. Die Bandbreite reicht vom formellen Businesslook bis hin zu leger gelassenen, fast sportlichen Kombinationen. Besonders die Schichtung bei den Looks ist gut durchdacht und komplett stimmig. Mantel, Kleider, Röcke und Hosen bilden ein Gesamtkonzept, welches von Schals und vereinzelten Taschen abgerundet wird. Bequeme Bewegungsfreiheit findet sich bei fast allen Kreationen und Kombinationen. Der Großteil der Kreationen ist dabei von geschwungenen und farbenfrohen geometrischen Prints geprägt, die eine sehr warme und kräftige Farbpalette bieten. Hier wird offensiv und spielerisch die Inspiration aus Mustern des späteren 20sten Jahrhunderts katalysiert. Insbesondere wird an die 1970er Jahre angeknüpft, ohne zu sehr psychedelisch zu werden. Wer es strenger liebt, findet aber auch passende Kombinationen mit dezenten Nadelstreifen oder texturierte Oberflächen. Besonders ansprechend war eine Zusammenstellung mit schwerem und robustem Wickelrock, der intelligent geschleift zusammengehalten wurde. Auch bei anderen, leichteren Kreationen finden sich immer wieder Schleifen als Akzente. Keck sind außerdem die Drucke von Skifahrerinnen im Pin-Up-Style der 1950er Jahre bei zwei hell gehaltenen Looks mit passenden Taschen.

Die wenigen Herrenlooks reihen sich nahtlos in die sehr umfangreiche Damenkollektion ein und begleiten diese stilistisch passend.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Frau Perbandt gibt sich mit einer Garagenlocation nicht zufrieden, aus dem Stadium ist ihre Arbeit herausgewachsen: im Gebäude der Gemäldegalerie präsentierte sie diese Saison eine Schau mit Performancecharakter und das natürlich in Schwarz. Komplett dunkel ist der große, klare Raum, diverse LED-Spots, links und rechts je drei Diaprojektionen in aufgestellten Rahmen und eine Minibühne in der Mitte, eher ein kleines Podium und eine Dia- und Videoprojektion dahinter. (Fast) keine Farben, minimalistische Klarheit in diesem sogenannten Astro Noir Lab.

Auf dem kleinen Podium zeigen die Modelle nacheinander die Kollektion, dahinter sieht man Projektionen von ihren Outfits, sich bewegend ohne menschliche Körper darin im Wechsel mit abstrakten, unbewegten Science-Fiction-Körpern. Die Leitidee der Kollektion ist damit schon angedeutet: das Bekleidungsobjekt als abstrakte Gestalt; im Wesentlichen wird damit aber nichts bemerkenswert Neues aus dem Gestaltungskosmos der Designerin vorgeführt. Der üppige Goldschmuck ist allerdings verschwunden, statt dessen gibt es häufiger ausladende bauschige Formen, die mit der strengen Geometrie der Kleiderarchitektur stark kontrastieren. Das Schwarz bleibt bei sich und ist dieses Mal auch weniger variantenreich beziehungsweise raffiniert ausgespielt.

Im zweiten Abschnitt der Veranstaltung tritt eine Sängerin auf, deren schöner Mezzosopran vor elektronisch leicht modifizierten Streicherklängen kühl und zugleich melancholisch den Raum füllt wohl etwa für drei bis vier Songs. Auf ihrem ausladenden Kleid geben bewegte Astroprojektionen sphärische Assoziationen hinzu und im kaum beleuchteten Hintergrund stehen die Modelle mit ihren Kleidern.

Wie so oft gelingt es der Designerin, die sich selbst gerne in Verbindung mit Kunst sieht, einen Raum optisch und auch atmosphärisch mit ihren gestalterischen Leitvorstellungen souverän und eigen zu prägen und mit ihrer darin vorgeführten Mode die passenden Akzente zu setzen.

Streng unterkühlte Melancholie, pointiert und elegant vorgeführt und sicherer und zugleich exzentrischer Geschmack verleiht Esther Perbandt nach wie vor den verdienten und herausragenden Status als Berlin-typischste Designerin.

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Text & Bilder: Boris Marberg

„braveNEWworld“ nennt Rebekka Ruétz mutig ihre neue Kollektion.
Wuchtige Silhouetten und Asymmetrien in den Konstruktionen prägen die meisten der 34 Looks. Vielfach wird auf Stoffe der Raumausstattung zurückgegriffen, die schimmernd sind oder griffige, räumliche Strukturen und Texturen haben. Gepaart wird dies mit den Oberflächen von Überbleibseln funktioneller Stoffe für Wintersportbekleidung, die isolierend sind. Die vielen A-Silhouetten sind in die Breite gehend mit teilweise üppigen Volumen und die Flächen sind gebrochen oder öffnen den Blick auf  Spitzenunterwäsche. Dies bringt eine neckische, sexy Sichtweise in die Kreationen. Es stellt sich der Eindruck eines kubistischen Ansatzes bei den Flächenkompositionen ein – insbesondere bei der Oberbekleidung. Die Kreationen werden fast durchgängig mit Bändern und Gürtel abgeschlossen, so dass Konturen entstehen, welche die Flächen hervorheben und dass das Styling unterstreichend mit Blickfängen auflockert wird. Die Designerin greift als Quelle für das Material in dieser Kollektion ausschließlich auf vorhandenes recyceltes Material und Reste zurück.

Farblich spielt Ruétz mit dem Wechsel von warmen und kühlen Farben. Neben Lila und Türkis finden sich Schwarz, cremiges Weiß, Rot und Gelb bis Ocker.

Der Titel der Kollektion impliziert radikale Änderungen und Sichtweisen, um (vermeintlich) als Kulturgesellschaft bestehen zu können und ist aktuell mit Vorsicht zu genießen. Es werden Erwartungen an Mode und Konsum thematisiert. Die „schöne neue Welt“ ist als Begriff geprägt von der vermeintlichen Dystopie einer Gesellschaft, die Aldous Huxley 1932 literarisch als ein Gesellschaftsmodell beschreibt, welches alle Impulse und Bestrebungen zu Veränderung von gesellschaftlichen Strukturen wie Indoktrination, Konsum, Drogen und primär der Unterdrückung aller sexueller Befriedigung auslöscht. Aus dieser Sicht wäre das Kollektionsmotto kontraproduktiv. Mode ist per se körperlich und Mode lebt von der Lust sich auszudrücken und wird von Modedesign in einen vorhandenen zeitgenössischen Kontext gebracht und formiert.

In der globalen Krise wettstreiten Konzepte der Nachhaltigkeit mit dem nicht bremsbaren Wuchern des Konsumdiktats. Rebekka Ruétz fühlt sich einer nachhaltigen und verantwortungsvollen Produktion verpflichtet und griff wie beschrieben für diese Kollektion komplett auf recyceltes Material zurück. Die Materialwahl und die Präsentation mit Ski-Brillen führt uns zur Assoziation mit alpinem Wintersport – der nicht gerade als ein Paradebeispiel für Nachhaltigkeit und verantwortungsvolle Lebensweise verstanden wird. Er ist mit Klischees behaftet und massiv die Umwelt belastend. Die Überreste dieser funktionalen Sportbekleidung versöhnlich in neue Formen und Verwendungen zu bringen vermag hier womöglich einen Impuls zu setzen.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der Kollektion „Grieved Serenity“ zeigt Danny Reinke, dass er eine verspielt träumerische Illusion feinfühlig und fellinesk umsetzen kann. Manege auf! Der Schwerpunkt der Kreationen bildet wieder die Damenmode, die spielerisch und dennoch sachlich Weiblichkeit zelebriert. Die jeweiligen Herrenlooks stehen im Kontext und spiegeln die weiblichen fast naturalistisch – hallen als Echo im Raum.

Die Farben sind warm, braun, beige bis hin zu arteriellem Rot. Die Materialien glänzen akzentuiert im Licht und die Oberflächen sind dezent horizontal, asymmetrisch unterbrochen, oft die Silhouetten taillierend. Volumen darf entstehen und die Konstruktionen klar aufteilen. Besonders die weiten Mäntel sind behaglich und elektrisierend – laden zum Reinkuscheln ein. Neben zirzensisch anmutenden Jacken und Kurzkleidern stehen lederne Kleider mit Unterbrustkorsage im Kontrast zu engen horizontalen Streifen bei Damenoberbekleidung mit eng anliegenden Ärmeln. An den Schultern werden Akzente mit dem Material in den Raum gesetzt und heben sich von engen Silhouetten ab. All dies spiegelt sich wider in übergroßen Taschen, die wie große Sofakissen wirken. Eingebettet in die Kollektion war zudem ein fein abgestimmtes Duo aus goldenem Herrenanzug und Kleidchen in A-Silhouette – er klassisch elegant mit zeitgenössischer Version eines Zweireihers – sie aufgelockert mit viel Bewegungsfreiheit im Volumen mit wuchtigen Handschuhen, die Bärentatzen wohl darstellen sollten und sich parallel als Stulpen an den Schuhen spiegeln  – beide Looks durchdacht in der Konstruktion. Dass Danny Reinke stets maßanfertigt, in Berlin, zeigt sich hier wieder sehr positiv im gesamten Erscheinungsbild – eben nichts von der Stange – das ist Handwerkskunst gepaart mit durchdachtem, sensiblem und stilvollem Design – und dabei zeitgenössisch.

Thematisch stellt Danny Reinke seine Kollektion in Zusammenhang mit seiner Entrüstung über Tierqual am Beispiel von Tanzbären. Bezugnehmend hat er darum diverse Accessoires (Nasenringe, Ketten) und Materialien (künstliches Bärenfell) in die Outfits eingefügt, die zirzensischen Looks sind wohl auch daraus abgeleitet.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

VORN Fashion ist so etwas wie eine genossenschaftliche Verbindung vieler Jungdesigner, die mit einer Fashion Show plus anschließender öffentlicher Ausstellung ein gemeinsames Statement zum aktuellen Modedesign in Berlin präsentieren. Die vorgeführten Outfits sind darum gemischter Provenienz (die in einem mitgegebenen Infoblatt geklärt wird), und jeweils sehr verschieden in den Ansätzen. Abgesehen von dem zentralen Umstand, dass sowohl etablierte als auch ganz neue, noch unbekannte Designer an der gesamten Schau mit Kleidungsstücken beteiligt sind, ist dieses Format ähnlich dem, was Neonyt vor wenigen Jahren auf der Fashionweek mit Absolventenarbeiten verschiedener Hochschulen erfolgreich erprobte. Unter den rund 80 teilnehmenden Designern finden sich viele inzwischen längst bekannte Namen, zum Teil erfolgreich auf dem Markt aktiv, die früher eigene Schauen vorführten und nun namentlich Teil des Gesamtbildes werden.

Entsprechend vielfältig sind die präsentierten, vielen Outfits (etwa 50), abgedeckt wird die ganze Palette der aktuellen und gängigen Leitideen des modernen Modeentwerfens, von ästhetisch raffiniert über genderpolitisch angelegt bis hin zu experimentell oder fetischnah akzentuiert. Daraus entstehen gelegentlich interessante Spannungsfelder wie zum Beispiel die Kombination von Latexbodies mit Nadelstreifenjackett oder ausgefallene Schnittkombinationen für gehobene Altersklassen oder beliebige Geschlechter, und man staunt, wie gut das funktioniert. Damit werden exzentrische Merkmale integriert in eine Gesamtschau und diverse klassische (De)konstruktionsarchitekturen der Modemoderne in ihren mittlerweile selbstverständlichen Zusammenhang gestellt. Angelegt wird mit der Schau quasi die Essenz gegenwärtigen Modegeschmacks und -designs in ihrem Variantenreichtum und das hinterläßt sehr inspirierte und inspirierende Momente, die sich an recht verschiedenen Beispielen fest machen.

Als Auftaktveranstaltung im Sinne des gängigen Kanons der Fashionweek-Modeschauen ist das als Grundlage all dessen verstehbar, was noch gezeigt werden wird und vielleicht auch der Massstab dessen, was als innovativ heraussticht.

Abgesehen von dieser exclusiven Schau präsentiert sich „The Berlin Fashion Hub“ auch für die öffentliche Allgemeinheit vom 18. bis 23. Januar im LNFA Store im Bikini Berlin als „VORN ACADEMY SHOWCASE EXHIBITON„.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Adidas auf der Berliner Modewoche mit einer revolutionären Vision von neuen Wegen in der Modeindustrie? Kaum. Und schon gar nicht bei PLATTE.Berlin. Denn das Berliner Label versteht sich als ein Raum für Nachhaltigkeit in der Modeindustrie und Konsum. Eine etwas täuschende Ankündigung dieser Veranstaltung sorgte im Vorfeld für irritierte Erwartungen, die auch in den Medien geschürt wurden.
Mit der Mode- und Kunstperformance „own the Reality -Realitywear“ mit The Yes Men (dieser Partner wurde verschwiegen) hat PLATTE.Berlin nämlich keine eigene Modenschau im üblichen Verständnis veranstaltet, sondern im solidarischen Sinne Ort und Gelegenheit bereitgestellt, gleich zu Beginn der Modewoche in Berlin mit einer sinnverkehrenden, spektakulären und irritierenden Laufstegschau den Kritikern eine neue Deutungsversion über den Konzern Adidas zugespielt.

Adidas-Kleidung wurde von den beiden Designerinnen Isabell Schnalle und Paula Keilholz, welche das kreative Duo „Threads and Tits“ bilden, zerlegt, bizarr wurden Elemente zusammengefügt und rabiat wurde das Markenlogo den Modellen auf die Haut eingebrannt – „Branding“ hier ganz wörtlich dargestellt. Die Personen werden damit nach außen als Eigentum des Konzerns kenntlich gemacht. Ein Besitz- und Eigentumsanspruch, der demzufolge im Denken und im Selbstverständnis des neoliberalen Unternehmers als tief verwurzelt gebrandmarkt wird und sich nur marginal von der menschenverachtenden Gesinnung von Sklavenbesitzern der Kolonialzeit unterscheide. Das Logo von Modemarken – im Falle von Adidas die drei Streifen – werden zu Gitterstäben eines kapitalistischen Gefängnisses umgedeutet.
Sowohl der Arbeiter(sklave) in seiner Abhängigkeit, als auch der Konsument, der sich mit dem Logo „schmückt“, sind dem Diktat des Konzerns auf unterschiedlichen Ebenen verhaftet.

Viele solcher visuellen Um- und Ausdeutungen führten zu bizarren Bildern, regten zum Nachdenken an und diese Schau legte den Finger in die Wunde des solcherart verzerrten und demontierten Konzernbildes. Ohne Frage kann und muss viel Kritik an den internationalen Konzern, dessen Ressourcenverschwendung und den Umständen der Produktion, der Lieferketten und dem Ausbeutungssystem in der Herstellung geübt werden.
Die irreführende Ankündigung und die spektakuläre Wende mit der Performance hat ihr Ziel nicht verfehlt, denn zahlreiche Modeblogger und Journalisten haben die lancierten (diffusen und gefälschten) Pressemitteilungen und -informationen für bare Münze genommen, eifrig in ihren Medien weiter geleitet um dann – nach der Schau – in Windeseile zurück zu rudern und ihre Artikel aus dem Netz zu nehmen.

Bekanntlich ist Adidas nicht der erste Konzern, der ins Visier des Formates von The Yes Men und deren Kreativumfeld gekommen ist. Dass Adidas sich bei Kritik auch bewegen kann, wurde im Falle von Kanye West im Zusammenhang mit antisemitischen Äußerungen klar. Das schadete bislang aber nachhaltiger dem Firmenimage, als die ebenfalls bekannte ausbeuterische Produktion und Ressourcenverschwendung.

Zu Recht wird diese Kritik auf der Modewoche in Berlin, die sich seit Jahren als zentrale Veranstaltung für insbesondere Nachhaltige Mode verstehen möchte, geübt. Unter anderem Upcycling wird hier von verschiedenen Designern als geeignetes alternatives Herstellungskonzept betrieben und weiterentwickelt.

Ein spannender, geistreicher und interessanter Einstieg in die Modewoche.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Angesichts des Umstands, dass die zentralen Schauen der Fashionweek in die frisch renovierten Kantgaragen gelegt worden sind, war es für den Berliner Salon wohl opportun, daselbst auch seine aktuelle Präsentation relevanter Gegenwartsdesigner aus dem deutschsprachigen Raum einzurichten. So sorgfältig die historischen Kantgaragen nun auch renoviert sind, dass da sogar das Stilwerk eingezogen ist, so parkhausmäßig sind die offenen, niedrigen Räumlichkeiten doch verblieben. Denkmalschutzmäßig aufgefrischt und andere Nutzung ermöglichend.

Der Berliner Salon ist ja nun mehrmals in verschiedenste Architekturkonstellationen gezogen und hat daraus jeweils viel Gewinn und auch Verlust für das Repräsentative gezogen. Der zweite Faktor, der dazu kam, war die mehr oder weniger liebevolle Auswahl und Präsentation der Modebeispiele. Nachdem schon einige Abstriche nach dem Auszug aus dem Kronprinzenpalais hinzunehmen waren, überraschte letzte Saison ein tolles Konzept für die Inszenierung (wir berichteten), es schien wieder aufwärts zu gehen. Aber jetzt im Parkhaus war kaum Inszenierung wahrzunehmen, unmerklich geordnet standen die Kleiderständer mit Designer-Beschriftung im großen Raum herum, ergänzt mehr oder weniger unvorteilhaft mit jeweils einer eigenen Leuchte, das wars. Soweit nüchtern, bestenfalls sachlich und kritisch betrachtet enttäuschend.

Nicht enttäuschend waren dagegen die Exponate selbst, stellvertretend und aussagestark ausgesucht und sehr prägnant in der individuellen ästhetischen Philosophie. Ungewohnt und erfreulich dazu vorwiegend neue Teilnehmer, insgesamt etwa 47, die „üblichen Kandidaten“ blieben bis auf wenige unberücksichtigt. Damit wird auch schon der frische Wind, der auch aus dem wieder größeren Fashionweekprogramm erkennbar wird, hier schon vorgestellt. Und der ist auch sehr überzeugend, denn es gibt offensichtlich wieder viele noch kaum bekannte Designer mit sehr attraktiven Modevorstellungen. Wenn es die Berliner Fashionweek, nunmehr ohne Mercedes Benz als einflußreichem Hauptsponsor, gelingt, ein neues Konzept mit jungen und ungewöhnlichen Designern zu programmieren, hat sie der internationalen Fashionweek-Aktivität etwas voraus, nämlich die wirkliche Innovation aus den jungen Ateliers heraus. Dann besteht die Chance, dass die internationale Modewelt aufmerksam nach Berlin schaut.

Einen Abschnitt der Ausstellung bildete die Gruppe der vier ukrainischen Designer (DZHUS, Jean Gritsfeldt, Bobkova, Litkovska), die auf der Fashionweek auch Schauen bestreiten. Und da zeigt die konzentrierte Präsentation schon sehr verschiedene Gestaltungskonzepte, mit der Prägung durch die aktuelle Kriegssituation und dem eigentlichen Selbstverständnis des Landes. Gegenwartsverortung auf künstlerischer Ebene sozusagen.

Karen Jessen:

Juliana Maurer:

Working Title:

Lani Lees:

Jean Gritsfeldt:

DZHUS:

PB0110:

Litkovska:

Bobkova:

Maryam Keyhani:

Avenir:

Stiebich & Rieth:

Fade Out Label:

Konrad:

Oftt:

Vaust Studio:

Julia Leifert:

Christian Metzner Brandenburg:

Richert Beil:

Susumu Ai:

Odeeh:

Rita in Palma:

Valentin Lessner:

Tim Süssbauer:

LML Studio:

Antonia Schreiter:

Assembled Half:

Fiona Bennett:

Studio 163:

Rianna + Nina:

The Twins:

Anne Bernecker:

Horror Vacui:

Société Angelique:

Tatjana Haupt:

Sofia Hermes Fernandez:

Nanyi Li:

Tebton:

SF10G:

Nari Haase:

Chelsea Jean Lamm:

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