Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Nach diversen Schauen in Paris betritt das Label ioannes nun auch die Fashionweek Berlin und bringt den Anspruch von Eleganz und Geschmackssicherheit in die letzte Schau des Berliner Reigens Frühling/Sommer 2026 zurück. Und das mit einiger Verve: „Dornen wachsen besser als dickere Haut“.

Das Konzept der Kollektion des Designers Johannes Boehl konzentriert sich auf das moderne Selbstverständnis der Frau, zwischen den Polen von akzentuierter Weiblichkeit und selbstbestimmter Kraft im Auftritt. Eigentlich führt die Schau die übliche französische Modeposition vor, denn sie vereint diese scheinbare Ambivalenz mit großer Selbstverständlichkeit, während man hier Emanzipation erst einmal diskursiv und theoretisch zu lösen versucht.

Der gestalterische Anspruch bei ioannes ist stets das komplette Erscheinungsbild von Kopf bis Fuß, also von der ausgewählten Sonnenbrille (MYKITA) über den Kleidungsentwurf und den prägnanten Schmuck bis zu stilgerechtem Schuhwerk, das gegebenenfalls auch einen eigenen Gestaltungsmodus erfährt. Alles erscheint sehr „bestimmt“ in der Anmutung, schlüssig und charismatisch. Zartheit wird Stärke und die Stärke erscheint subtil ausgespielt. Lässigkeit entsteht durch Selbstbewußtsein und geschmackliche Souveränität.

Das ist, so ungefähr, der französische Modemodus, den man in Paris auch als real gelebt in der Öffentlichkeit erfährt und mit Hilfe dessen man auch die philosophische Positionierung der Frau, ihr Selbstverständnis als emanzipiert im gesellschaftlichen Kontext, wahrnehmen soll. Dabei werden die gestalterischen Codes stets dem guten Geschmack unterstellt, denn der ist letztlich die eigentliche Kraft für überzeugende Wirksamkeit. Hierzulande ist es oft der ideologische Überbau – Nachhaltigkeit, Auflehnung gegen tradierte Erscheinungsbilder, Generationskonflikte und vieles mehr -, der den modischen Auftritt bestimmt, Geschmack und Eleganz sind eher eventuelle Optionen oder Extras; in Berlin sind sie nicht selten sogar ein No-Go.

Das Spiel des Modedesigns schöpft bei ioannes vielfach aus Kontrasten, die die Anschauung spannend machen, ohne widersprüchlich zu werden. Lockeres, zum Beispiel Bänder an der Tasche, wird mit geometrisch Strengem, zum Beispiel Blazer, verbunden, kraftvolle Schlangenprint-Boots werden zu kurvigem Schlauchkleid gefügt, gefährlich spitze Sandalen zu transparentem Kleid, extra lange Ärmel zu sehr kurzem Kleid, rosa Minikleidchen werden mit schwarzen, blickdichten Strümpfen getragen. Das aber ist kein festes Prinzip, denn Farbspiele, Transparenzen und Materialzusammenstellungen können auch als Nuancierungen den Look bestimmen. Hinzugefügte Elemente sichern stets klare Positionierung, besonders Sonnenbrillen (Distanzierung), kompakte und kräftige Ohrclips, strenge Frisuren, unverspieltes Make-Up. Jede Gestalt bekommt starkes Charisma, egal ob ein romantischer Touch oder schwarze Hochgeschlossenheit Ausgangspunkt des Typus ist.
Und: die moderne Pariser Frau wird ihre Sexyness damit niemals aufgeben sondern unterstreichen.

Mit geschmacklich souveränem Spiel wird so die emanzipierte Frau der Gegenwart definiert, zumindestens in dem Sinne, wie Paris das versteht, und als eleganter Einwurf (sogar als letztes Wort) auf der Berliner Fashionweek kann oder sollte das durchaus zu denken geben.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: © Musée du Louvre / Nicolas Bousser für den Ausstellungskatalog

Aus dem aktuellen Trend, Mode im Kunstmuseum zu zeigen, hatte sich der Louvre bisher herausgehalten, nun hat er eine spezielle Lösung gefunden, die nicht nur tragfähiger ist, sondern auch schlüssiger als anderswo. Er schreibt damit Kulturgeschichte fort, in Konzentration auf den prachtvollen Palast, der der Louvre als einstiger Sitz französischer Könige ja eigentlich ist. Der Ort, wo nun exquisite Mode der jüngeren Modegeschichte präsentiert wird, ist also das Labyrinth von Prunksälen und -gängen und eben nicht der seiner separierten Kunstsammlungen. Malerei ist in diesen Bereichen eher Teil des jeweiligen Raumambientes und das luxuriöse Raumambiente ist der geistig-kulturelle Zusammenhang für die hinein gestellten Modeexponate.

Diese Prunkräume erfassen die repräsentative Historie der französischen Innenraumpracht von Byzanz über Rainaissance, Rokoko bis Napoleon III. Letztlich wird mit dieser Ausstellungskonstellation die Mode ab Mitte des 20. Jahrhunderts, genauer die Haute Couture, als Fortsetzung höchsten Luxus‘ präsentiert, die sie ja faktisch auch ist. Augenfällig wird das unter anderem in der Korrespondenz der modernen Textilkunst mit den wertvollen Bildteppichen beziehungsweise Gobelins. Im Kontext mit dem Kunsthandwerk der französischen Historie hat man das Gefühl, dass in der Kontinuität bis heute eigentlich nichts offen geblieben ist.

Und ein weiterer Wahrnehmungsaspekt stellt sich ein: scheinbar wie menschliche Erscheinungen beleben die Mannequin-Figuren die historischen Räume, und trotzdem repräsentieren sie selbst auch historische Exponate mit eigener, späterer Geschichte. Dabei geht es keineswegs um Aufwertung moderner Modeentwürfe, das hat Haute Couture nicht nötig, die Kuratoren haben das beste und aufwändigste zusammengesucht, was die französische Modegeschichte (und -kultur) geprägt hat. Alles kann ästhetisch mithalten mit den aufwändigen Interieurs, in die es gesetzt wurde. Man darf nicht vergessen, dass Mode (neben Kulinarik) eine, beziehungsweise DIE wichtigste Gegenwartskultur in Frankreich, respektive Paris, ist, eine Vorstellung, die zum Beispiel Deutschland völlig fremd ist. Während repräsentierender Einrichtungsprunk längst keine Rolle mehr im modernen Frankreich spielt,  setzt die Haute-Couture-Mode nun auf anderer Ebene fort, was in diesen historischen Räumen vorgeführt wird.

Die Ausstellung ist also weniger eine Gegenüberstellung als die Fortschreibung der Sammlungen der Geschichte der dekorativen Künste, ihres Handwerks und des Ornaments. Dabei ist für den Franzosen die Grenze zwischen Kunst und Kunsthandwerk traditionell durchlässiger als für uns, das ist essentiell für die kulturelle Perspektive, und die kreativen und handwerklichen Bezugnahmen der Haute-Couture-Mode sind freier, schließen Kunst und Geschichte ein – und positionieren sich in diesen Kontext mit ihrem extrem hohen und aufwändigen Anspruch.

Mit solchem Grundverständnis der Kuratoren ist der Parcours dieser Präsentation höchst exquisit. Und auch patriotisch, wenn man so will, denn immerhin verfügt Frankreich seit Dior über die anspruchsvollsten Modehäuser überhaupt, wo internationale Topdesigner sich einfügen und nicht umgekehrt. Frankreich hat den Begriff Luxus geprägt und stets tonangebend gefüllt, gegen alle Wirtschaftsbewegungen bis heute erfolgreich. Mit einem Niveau, das jetzt diese Ausstellungspräsentationen in allen historischen Prächtigkeiten erlaubt. Mit Stolz führt die zentrale Kultureinrichtung Louvre hier die Noblesse der Frankreich-spezifischen Kultur vor. (Parallel übrigens – auch im Anspruch – zur Neueröffnung von Notre Dame.)

Die Inszenierung erweist sich ausserdem souverän in der Anschauung, ohne das Sehvergnügen durch intellektuelle Befrachtung zu steuern. 99 Exponate aus der Haute-Couture sind elegant und kongenial auf die historischen Raumambiente verteilt, über 9000 m2 im ersten Stock in den nördlichen «Richelieu»- und «Sully»-Flügeln an der Rue de Rivoli, also gegenüber der Kunstsammlung,  eine lange, sinnliche Reise in so noch nicht vorgeführter Manier. Von Dior über Chanel und Loewe bis Yamamoto und Iris van Herpen sind die großen Häuser und Designer mit herausragenden Stücken vertreten.
Die Referenzen der Modestücke zum gewählten Interieur sind verschieden: Manchmal eher atmosphärisch, manchmal stilistisch, manchmal gibt es Korrespondenzen im Handwerklichen. Der Ausstellungsparcours ist lang und anstrengend, sehr reichhaltig aber unkompliziert zu goutieren. Infos zum Hintergrundwissen ist, wenn man neugierig wird, auf der prägnanten Exponatbeschilderung nachzulesen, mehr Wissenschaftliches oder Didaktisches ist nicht angelegt. Es gibt auch keine zwingende Abfolgelogik, vielmehr ist ein lockeres Flanieren mit beliebigen Verweilstops angesagt, bei dem man auch einiges verpasst und anderes zwei Mal sieht. Großer ästhetischer Anspruch, unprätentiös nahegelegt.

Wir haben fast alle Exponate in ihren Räumlichkeiten mit den gegebenen Referenzen sorgfältig fotografiert aber, wie auch andere Medien, keine Veröffentlichungsgenehmigung dafür bekommen. Viele atemberaubende Anschauungen entfallen somit leider. Wir zeigen darum hier „offizielle“ Fotos aus vorgegebenem Angebot in Abweichung unserer üblichen Praxis und in nur kleiner  Auswahl – weil es das trotzdem wert ist. Es sind alles Aufnahmen für den Katalog (© Nicolas Mathéus) vor der endgültigen Positionierung der Exponate.
Bis 21. Juli ’25 läuft diese Ausstellung und wer bis dahin einen Paris-Aufenthalt im Visier hat, sollte sich dieses einmalige Erlebnis nicht entgehen lassen.

Balenciaga – Demna, 2023-2024:

Balmain – Olivier Rousteing, 2023:

Chanel – Karl Lagerfeld:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Wo immer Yves Saint Laurent und sein Lebenspartner Pierre Bergé gerade lebten, sie umgaben das Appartement, die Zweitwohnsitze und die Ateliers mit Blumen und Gärten, in der Flora fand der Designer eine Quelle unendlicher Inspiration. Diese Liebe teilte er schon als 15jähriger mit dem Schriftsteller Marcel Proust, dessen Schlüssel-Werk „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ er immer wieder las.

Die Ausstellung stützt sich auf diese Bezugnahme, rund dreißig textile Silhouetten und Zeichnungen unterstreichen diese Symbiose zwischen der Arbeit von Yves Saint Laurent, Natur und Literatur – Zitate von Proust werden zu den Exponaten gestellt und spiegeln die sinnliche Leidenschaft gegeneinander. In Kleidern und Zeichnungen wird diese eine bestimmende Facette von der Persönlichkeit und dem Geschmack des Schöpfers vorgeführt: von der Fetisch – Droush von Christian Dior über die Anagram – Lilien seiner Initialen über die Rosen der Liebe, die Bougainvilliers von Marokko oder die Weizenträger als Glücksbringer.

Gezeigt wird das Thema anhand legendärer Stücke und Arbeitsanleitungen: die erste angewandte Stickerei des Frühlingskleides von 1962, die tollen Drucke der Spring-Summer-Kollektion 2001 mit Referenzen zu Gemälden von Bonnard und, nicht zu übersehen, der berühmte Entwurf Saint Laurents „Sommerbraut“ mit Laetitia Casta 1999.

Es ist klar, dass Yves Saint Laurent die Blütenmuster -und formen nicht für sich gepachtet hat, auch wenn sie besonders üppig und raffiniert herausgestellt werden, sie begleiten schon immer die Geschichte der Mode. Und von seinem verehrten Lehrmeister Dior hat er diese ausgeprägte Leidenschaft übernommen. Was aber hier in der Ausstellung besonders überzeugt, ist der stimmige Kontext, in dem Leben, Design, Kunst und Literatur in eins fallen.

Die Philosophie für Mode hinter der floralen Leidenschaft hat Yves Saint Laurent auch beschrieben: Wie Mode sind Blumen eine ephemere Erscheinung, oft kraftvolle Gewächse als Bouquet für einen Tag, und sie wie getrocknete Rosenblüten aufzubewahren ist nicht dasselbe. Genauso wie wenn die Kleidungsstücke die Mode überleben (wie hier in der Ausstellung), sind Geburt und Wiedergeburt die treffenderen Anschauungen, denn in der Erneuerung ruht das Mysterium der Inkarnation an sich. Und so versteht Saint Laurent jedes Blütenblatt als ein Ausdruck der momentanen Schönheit im Vergänglichen und jede seiner Kollektionen auch. Was bleibt ist also die reaktivierte Erinnerung, und zwar eben in demselben Sinn wie sie literarisch Marcel Proust in La recherche du temps perdu beschrieben hat, mit floralen Metaphern bei der Beschreibung seiner Protagonisten und ihrem Lebensraum. Das versucht die aktuelle Ausstellung in diesem Sinne zu kreieren.

Dabei verfährt die Ausstellung nicht zwingend chronologisch, zeigt aber doch verschiedene Entwicklungsschritte im Sinne des Themas auf:

Bal de Têtes: Für einen Maskenball im Hôtel Lambert von Baron de Alexis de Redé am 23 Juni 1957, wo darum gebeten wird, mit einer speziellen Maske oder Kopfschmuck zu erscheinen, entwirft der 20-jährige Yves Saint Laurent, Assistent bei Dior, diverse Studien mit Gouache auf farbigem Papier; Blumen, Federn und Blätter mit einem schon ganz dezidiertem Zeichenstil:

In seinen eigenen Kollektionen hat Yves Saint Laurent später immer wieder Bezug auf Dior genommen und diverse Hommagen an ihn kreiert, was verschiedentlich in der gesamten Ausstellung auftaucht.

Das berühmte Outfit für Laetitia Casta 1999:

Paris, das Studio. Es ist der zentrale Ort in der Avenue Marceau Nr. 5 während der dreißig Jahre. Es unterscheidet sich von der Grandezza der Salons und ist auf die praktische Arbeit ausgerichtet. Die Ausstattung bleibt klar, ruhig und neutral, die vielen dauernd benutzten Kunstbände haben inspirierende Funktion. Und ein großer Spiegel an der Wand gegenüber zeigt die Kleidung am Modell eben als Reflexion. Bevor die Zeichnungen in die Ateliers gehen, werden Test-Kleidungsstücke aus weißer Baumwolle gefertigt, die von einem Modell per Défilé im Raum vorgeführt werden, um die Schnittarchitektur zu vergegenwärtigen. (In der Galerie Dior können wir sehen, wie das vorzustellen ist.)
Sechs bis sieben Mitarbeiter unterstützten den Meister bei der Arbeit in diesem Raum.

Bekanntlich wurde Yves Saint Laurent nicht berühmt wegen der expliziten Verwendung floralen Designs sondern wegen vielfältiger Erneuerungen im Modedesign der 60er und 70er Jahre, nicht selten slandalös und revolutionär. Und auch der Bruch mit Dior war kompliziert. Alles das ist aber nicht Thema hier, auch der beschriebene philosophische Aspekt ist nicht DAS repräsentative Verständnis im umfassenden Sinne, sondern ein Beschäftigungsaspekt des Modeschöpfers, der eng in seinem Privatleben verwurzelt war und letzlich auch Ausdruck in seinem wichtigen Refugium in Marakech gefunden hat, welches bekanntlich im wohl weltweit schönsten Garten, La Majorelle, liegt.
Parallel, dies sei auch noch angemerkt zum Kontext, lebte er nach seinem Rückzug aus der Modearbeit auch in seinem normannischen Château Gabriel in Deauville, dessen Zimmer nach Figuren aus Marcel Prousts Romanzyklus À la recherche du temps perdu benannt waren.

Diese Ausstellung ist übrigens die Fortführung eines ersten Konzeptteils, das im gleichen Zeitraum (2 März 2024 bis 5 Januar 2025) im Musée Yves Saint Laurent Marrakech gezeigt wurde.

*

Les Fleurs d’Yves Saint Laurent
Konzipiert von Olivier Saillard et Gaël Mamine

Musée Yves Saint Laurent Paris 5, avenue Marceau, 75116 Paris

20.3.2024 – 4.5.2025

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die Ausstellung in La Galerie Dior besteht im Wesentlichen aus zwei Abschnitten, dem 4 Etagen hohen, großen Panoptikum mit zum Teil verkleinerten Exponaten im Treppenhaus und der Ausstellung historischer Exponate in den abzweigenden Räumen. Diese wurden teilweise mit vielen Fotos von Peter Lindberg reflexiv ergänzt. Das erweist sich nicht nur in der Nebeneinanderstellung der Arbeiten zweier Stars derselben Branche als spannend sondern es ist eine gegenseitige Bereicherung in der jeweiligen konkreten Bezugnahme der Kleider und der Modefotografie. Das Haus Dior und Lindbergh pflegten enge Beziehungen, zwischen 1988 und 2018 fotografierte Peter Lindberg die Dior-Kollektionen. Die Ausstellung zeigt mehr als Hundert Abzüge aus oft legendären Serien von Harper’s Bazaar bis Vogue, aber auch bislang unveröffentlichte Bilder. Dazu gehören die Bilder für Dior aus New York von 2018. Modedesign und Fotografie stets im Sinne der Schönheit und Einzigartigkeit der Frau.

Die Kleidungs-Exponate sind meist in jeweils gestaltete eigene kleine oder auch größere Installationen eingebettet, mal nüchtern, mal surreal, oft nun auch auf Bildkorrespondenzen ausgelegt. So wird die Wahrnehmung der eleganten Modestücke mit den Fotos vom Kunstwerk zur praktischen Realität hin erweitert, denn in den Motiven stecken dann echte Menschen (Modelle) mit Emotionen, die sich nicht selten auch in einer echten, meist urbanen Welt aufhalten und bewegen. Und es wird eine künstlerische Inszenierung gezeigt, die die Mode noch einmal aufwertet oder sie im Kontext (scheinbarer) Normalität nahbarer macht. Wenn Modefotografie eigentlich dienendes Handwerk ist, so ist die von Peter Lindberg dienende Kunst, die, wie man hier gut beobachten kann, oft auf Augenhöhe mit dem Modethema interagiert.

Gianfranco Ferré pour Dior – Tilbury, 1989 (mit Foto Peter Lindberg), 1989

La Galerie Dior gibt es erst seit 2022, also 75 Jahre nachdem die erste Christian Dior Kollektion gezeigt wurde. Sie ist eine Ergänzung zum Musée Christian Dior in der Villa Les Rhumbs (Granville) in der Normandie. Vorgeführt wird hier im Herzen von Paris, exemplarisch und mit Highlights, der typische und avantgardistische Sinn des Haute-Couture-Modedesigns von Christian Dior und seinen sechs Nachfolgern, Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons und Maria Grazia Chiuri. Entsprechend ist das ganze Ausstellungsdesign edel und von erlesenem Geschmack geprägt.

Man startet den Besuch vom Fahrstuhl aus in der 4. Etage und bewegt sich nach unten. Das große Treppenhaus mit vornehmer Wendeltreppe führt entlang der sich über alle Stockwerke erstreckenden Sammlung in riesigen Glasvitrinen an der Wand, farblich abgestuft über alle Töne mit unzähligen Exponaten, die Accessoires in Original und die Kleider in Verkleinerung nachgebildet. Schnell verliert sich das Auge in einem Kosmos kreativer Schöpfungslust und großer Eleganz – liebevoll zusammengetragen und arrangiert.

„Modedesigner erschaffen eines der letzten Refugien des Wunderbaren. Sie sind in gewisser Weise Meister der Träume …“

Dieses Zitat von Christian Dior leitet den anderen Teil der Ausstellung ein, der in verschiedenen Abschnitten illustrierten Lebenslauf, Grafik, Schmuck und Parfum, Film, Presseexemplare, historische Fotos und auch mal nur groß- und kleinformatige Fotos von Lindberg zeigt.

Geschichte:

aus Kollektionen:

Christian Bérard – Bar (Corolle Linie), 1947

Maria Grazia Chiuri pour Dior – We should all be feminists, 2017

John Galliano pour Dior – Alcée, 1997

Maria Grazia Chiuri pour Dior -Numéro 439, 2021

Gianfranco Ferré pour Dior – Eden, 1992

Christian Dior – Création speciale Haute Couture, ca. 1950
(im Hintergrund Diors Geburtshaus und jetziges Museum)

John Galliano pour Dior – Diorine, 1997
Yves Saint Laurent pour Dior – Chat noir, 1960

John Galliano pour Dior – Pricesse Lucknow, 1997

Gianfranco Ferré pour Dior – Soleils d’automne, 1991

John Galliano pour Dior – Pricesse Bangalore, 1997

Christian Dior – Ballkleid

Blick von oben ins Atelier:

In einem Saal wird Couture in Reinweiß präsentiert. Sie ist eine Vorstufe zu der Ausarbeitung der Ateliers, formale Probeexemplare, die sich auf die Silhouette, das Volumen, den Schnitt und die Architektur allein konzentrieren, also quasi auf die skulpturale Form. Es sind stets Baumwollstoffe, die danach verwendeten Textilien wurden in einem eigenen Schritt ausgesucht. „Die Couture ist in erster Linie eine Hochzeit der Form mit dem Stoff“ (Ch. Dior). In etwa einem Monat entstanden die Kollektionsentwürfe und in wenigen Wochen wurden sie in den Hausateliers mit minutiöser Feinarbeit hergestellt.

Bilder Peter Lindberg für Dior:

Videocollage und Standbild aus Kinofilm:

Schmuck und Accessoires:

Coffret rouge Dior präsentiert für Jane Russel 1954,
darin enthalten die Obélisque-Version für die Friseuse und 14 Rouge-Schattierungen

Ballkleider aus verschiedenen Dior-Kollektionen:

*

Aktueller Nachtrag:

Die Ausstellung DIOR, JARDINS ENCHANTEURS

im CHRISTIAN DIOR MUSEUM IN GRANVILLE

12. April – 2. November

Zitat übersetzt aus dem Pressetext: „Das Christian Dior Museum in Granville feiert die Liebe zur Natur von Christian Dior und eröffnet eine neue Ausstellung mit dem Titel Dior, Jardins Enchanteure, die diese faszinierende Beziehung hervorhebt, mehr denn je im Herzen der Geschichte des Hauses.

Die Entstehung entfaltet sich in Granville im Park rund um die Villa Les Rhumbs. „Nachdem ich eine Leidenschaft für Blumen meiner Mutter geerbt hatte, genossen ich besonders die Gesellschaft von Pflanzen und Gärtnern“, schrieb er und erinnerte sich an diesen Ort der Initiation, an dem die Seele eines Gärtners vor dem des Couturier-Perfumers knospe.

Für seine erste Show entwarf er die Corolle -Linie mit Kleidern, die geschnitten wurden, um umgedrehte Blumen in voller Blüte zu schlagen. Ein Leitfaden, der von einem Modell zum anderen fortblühte und wunderbaren „Femmes-Fleurs“ Leben gab. Während der gesamten Jahreszeiten hat er nie aufgehört, sich von dieser reichlichen, fruchtbaren Natur inspirieren zu lassen.“

La Galerie Dior

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sie sind zu Unrecht „out“: Hüte und andere Kopfbedeckungen. Auch wenn ein paar kleine, eher uninspirierte Modisten sie gelegentlich wieder ins Bewusstsein rücken wollen, bleibt ihre Welt den großen Designern und Modisten des letzten Jahrhunderts und der Modehistorie überhaupt überlassen.

Zu Unrecht, wie die Retrospektive von Stephen Jones überzeugend vorführt. Im Zeitalter von Kapuzen und Basecaps und pragmatischer Streetwear sind Headpieces zu anspruchsvoll und ästhetisch geprägt, um ein angemessenes Comeback zu schaffen. Das Musée de la Mode in Paris demonstriert mit der Ausstellung von Stephen Jones (bis 16.3.25) allerdings, dass mit überbordender Kreativität und anspruchsvoller Gestaltung diese Ergänzungen zu Outfits – oder besser ihre Vervollkomnungen – sowohl zeitgemäß als auch zeitlos sind und noch immer eine wichtige Rolle im Gesamtkontext spielen beziehungsweise spielen können.

Natürlich richtet sich die sehr gut besuchte Ausstellung nicht nur an Fashionistas und Modehistoriker, als künstlerisch herausragende Lebensleistung des umtriebigen und gefragten Modisten besetzt sie durchaus eine eigene Position im Modehandwerk. Originell, witzig, elaboriert, experimentell und handwerklich perfekt spiegelt sie die ganze Welt des Modedesigns der letzten 50 Jahre und ihre künstlerischen Ansprüche.

Stephen Jones ist, wie viele andere Modisten, eher nur Insidern bekannt, dabei ist sein Anteil an den großen Haute Couture Kollektionen als akzentuierendes Finish wesentlich. Pendelnd zwischen London und Paris hauchte er den Kreationen eine besondere Kreativität ein, „franglais“ wie die Franzosen zu solchen Prägungen sagen, und verstand das, was Franzosen als Definition der „Parisienne“ proklamieren, oft besser, als manche Couturiers: Der Hut war seit Ende des 18. Jahrhunderts die Quintessenz der Pariserin (als weltbestimmend entscheidende Vorstellung der modernen Frau) , er bestimmte die Silhouette der Erscheinung entscheidend und Stephen Jones hatte zentralen Anteil daran, was die Prägung seit den 80er Jahren des letzten Jahrhunderts betrifft.

Die Ausstellung konzentriert sich auf die engen Beziehungen des Künstlers zu Paris, französischer Kultur und Pariser Couture. Mit seiner Arbeit an Pariser Modehäusern nach seiner Ankunft dort veränderten sich seine Vorstellung von Mode und sein kreatives Vorgehen. Und besonders auch sein Bild der Pariser Frau chakterisierte sich neu.

Aus den betreffenden 45 Jahren seiner Schaffensgeschichte mit fantasisch und oft surreal anmutenden Beispielen (fast 400 Arbeiten, darunter mehr als 170 Hüte) führt das Palais Galleria vor, dass Hutmode nicht nur als Abschluß eines spezifischen Kollektionsentwurfes zu verstehen ist, sondern eine Kreativdimension beherbergt, die auch heutige Modeentwürfe sehr gut aufwerten könnte. Aber leider fehlen uns solche großartigen Modisten, weil diese Arbeit völlig zu Unrecht unterschätzt wird. Und der Hut sowieso.

Wir zeigen Ausstellungsbeispiele aus der Mitarbeit zu Kollektionen von Schiaparelli, Vuitton und Dior, sowie beispielhaft zwei der vielen Vitrinen.

Louis Vuitton

Christian Dior

Schiaparelli

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Peter Ashworth – Portrait de Stephen Jones, 1985

Stephen Jones, „chapeaux d‚artiste“

MUSEE DE LA MODE, Palais Galliera:

10, avenue Pierre 1er de Serbie, Paris, France 75116

bis 16.03.25

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Text & Bilder: Boris Marberg

Das Label Berenik präsentierte seine neue Sommer- und Frühjahrskollektion für 2014 in Zürich im Rahmen der Mercedes-Benz Fashion Days. Hinter dem Design und Label steht die Schweizerin Veronika Bursa, deren Kreationen wir in den vergangen Jahren mehrfach in unseren Editorials und Projekten platzieren konnten.

Am vergangenen Samstag waren die Modetage in Zürich „Schweizer Labels vorbehalten“. Berenik gehört in Bezug auf Design insgesamt zu den Höhepunkten der Veranstaltung und wird den hohen qualitativen, wie auch gestalterischen Ansprüchen voll gerecht. Die Kollektion ist in zwei Blöcke unterteilt, die als eigene Kollektionen für je Frühjahr und je Sommer zu verstehen sind und auch so auf den Markt kommen werden. Die maßgebliche Unterscheidung liegt in der farblichen Gestaltung der Looks, ohne das Gesamtkonzept aufzubrechen. So wird für das Frühjahr farblich die Basis auf Crème, Grau und Schwarz gesetzt, wohin gehend der Sommer farblich in Haselnussbraun, Gold und „offwhite“ (Crèmetöne) getaucht wird. Insgesamt entsteht hier ein distanziert individualistischer und warmer Gesamtlook.

Ein maßgeblicher Aspekt der neuen Kreationen ist der experimentelle Umgang mit der Einwirkung von Feuer auf die Textilien und die gestalterische Implementierung. Insbesondere bei Lederimitat wurden die Kanten angebrannt und somit akzentuiert und hervorgehoben. Insgesamt wirkt sich bereist dieser technische Ansatzpunkt auf die gesamte Oberflächengestaltung aus. So entstehen viele kleine Flächen, die aus der getrennten Struktur heraus wieder zusammengefügt wurden und somit bis in das dreidimensionale hinein die Grundstruktur prägen. Vielfach wirken deshalb die Schnittteile strukturiert und organisch fraktal durchbrochen. von der geschichtlichen Einordnung her kommen geharnischte Assoziation der Spätantike bis zum frühen Mittelalter auf, ohne schmückende Elemente – roh, brechend, warm organisch. Kontrapunkte zu den Looks bilden die Schuhe, die nun separat im Programm zu finden sein werden und wohl nicht reine Schaustücke für die Präsentation waren. Beide Kollektionsteile umfassen insgesamt 55 Looks, von denen nicht alle in Zürich auf dem Laufsteg zu sehen waren. Abgerundet wurde mit neuen Accessoires.

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Bilder: Marcello Rubini

Von afrikanischen Designern hört man ja eher selten, umso weniger, wenn die Bezüge ihrer Gestaltung deutlich Bezug nehmen zu afrikanischer Kultur und Lebensalltag. Eine Ausstellung im Musée Dapper, Paris „Design en Afrique“ (bis 14. Juli 2013) hat sich dem Thema angenommen und zeigt verschiedene Designansätze, die einerseits mal mehr, mal weniger über die kulturspezifischen Nutzungsgrenzen hinausreichen, andererseits aber ästhetische und auch ideelle Statements bereitstellen, wie man das im Bereich der Bildenden Kunst oder der populären Musik längst kennt und zu genießen weiß.

Neben den formalen Gestaltungsmitteln, die man zum Beispiel aus der Bildenden Kunst und Ethnologie kennt, findet man bei diesen Sachen zwar viele westliche Designgedanken wieder, aber auf erfrischend andere Weise. Allein der Ökogedanke in Form von Recyclingstoffen wird nicht selten dem knappen Material geschuldet, weswegen man auf Schrott-, Fund und Wegwerfgegenstände zurückgreift, die dann auch oft noch erfrischende und gelegentlich humorvolle Inspirationen liefern – mit ihrer Geschichte (Lebensmittelverpackung), ihrer ursprünglichen Funktion (Ölrohr) und der veränderten Materialität (Rostspuren).

Der Gedanke der Funktionalität folgt zwar nicht immer westlichen Ergonomievorstellungen, aber die konkave Visualisierung des Gedankens des Sitzens ist oft elegant.

Ganz anders als in den Industriestaaten gilt die liebevolle Aufmerksamkeit noch dem Handwerk, dessen hochwertige Qualität und dessen individuelle Entstehungsprozesse eine bemerkenswerte Rolle spielen, sogar wenn größere Serien gefertigt werden.

Holz bleibt nach wie vor ein zentrales Material. Dies nicht nur wegen seiner Schönheit, sondern auch weil es dem skulpturalen Denken am ehesten gerecht wird und weil es in seiner Originalität, Verfügbarkeit und Wärme viele Vorteile birgt.

Inwiefern westliche Designer nicht nur ökologisch, sondern auch ästhetisch aus den kulturbezogenen und handwerklich gefertigten Stücken eine interessante Inspiration ziehen können, müssen wir nicht diskutieren, rückblickend sind wesentliche Aspekte des Art-Deco jedenfalls ohne diese Einflüsse aus Afrika gar nicht zu denken und gerade diese eleganzbetonte Epoche hat vorgeführt, wie reizvoll das europäisch-afrikanische Crossover gelingen kann.

Wenn also europäisches Design sich wieder mit sich selbst langweilt und seiner funktionsbetonten Gestaltungsprämissen überdrüssig wird, bei den afrikanischen Sachen kann es wieder Inspiration finden, die dem Nutzer Spass macht, die Materialität und selbstverständliche Ökologie nach vorn rückt – auch ohne die Funktion aus dem Auge zu verlieren.

Die Bibliothek von Christian Ndong Menzamet und Antonio Pépin referiert gestalterisch auf „Ngil“ (und den zugehörigen Masken). Ngil sind frühere Geheimgesellschaften mit rechtssprecherischer Kraft, dort waren Wissen und Werte verankert. Gleichzeitig arbeitet die Herstellung des Möbels selbstbewusst mit modernen Thermotechniken und Laserschnitt.

Vincent Niamien wurde an der Elfenbeinküste geboren und hat mit seinem Sessel „Fauteuil Sie“ bereits 1996 einen renommierten Preis für afrikanisches Design errungen. Auch hier ist die Maske noch ein wesentliches Gestaltungselement in der Rückenlehne, die niedrige Sitzhöhe entspricht afrikanischen Gewohnheiten.

Iviart Izamba mit seinem beräderten Sessel (2005), Alessandro Drabo mit seinem Fahrradsattelstuhl (2004) und Cheik Diallo mit dem Holzlederstuhl (2009) zeigen Beispiele der witzig-originellen Herangehensweise, die mit spielerischen Gedanken und Zitaten kulturelle Aspekte verknüpft und ästhetische Brüche zu reizvollen Einheiten verbindet. Aber was wir oberflächlich gesehen als Spaß erleben, hat auch ernste Seiten, denn auch hier spielen symbolische Bezüge eine Rolle – Leopardenfell steht für Macht und Respekt, der Rollstuhl gehört in ähnlicher Gestalt zum öffentlichen Leben Behinderter.

Issa Diabathé (Elfenbeinküste) verzerrt seinen Stuhl „Chaise trop courte“ mit zu langen Beinen vorn und fehlenden hinten, womit das Sitzen eher unangenehm erscheint. Nicolas Sawalo Cissé (Senegal) dem gegenüber präsentiert mit seinem humoristischen Kindersessel (aus Recyclingmaterialien) einen Thron der Konsumartikel des täglichen Gebrauchs und damit die schöpferische Verankerung im Alltag.

Aus recycelten Eisenrohren für Öl- und Wasserleitungen schweißt Ousmane Mbaye (Senegal) seine soliden Möbel zusammen. Aus einem betont ökonomischen und funktionalen Konzeptverbund in Verbindung mit afrikanischem Formsinn gewinnt er dabei eine sehr eigene, originelle, aber schlüssige Ästhetik.

Sessel rechts: Produktionsbedingungen und -techniken sowie Materialknappheit sind Teil der Gestaltungs- und Herstellungskonzepte bei Balthazar Faye (Senegal). Auch bei Verwendung digitaler Entwurfs- und Herstellungsprozesse sucht der Designer die Einheit zwischen Entwurf, Material und handwerklicher Herstellung, aus der sich dann in Kooperationen die endgültige Gestalt des Objektes ergibt, die durchaus in der seriellen Produktion noch Unterschiede hervorbringt.

Sessel links und zwei Hocker: Der Architekt Cheick Diallo (siehe auch oben) aus Mali und Frankreich sucht ebenfalls und sehr experimentell die kombinierende Auseinandersetzung mit gefundenen Materialien, handwerklichen Methoden sowie Ergonomie und Ästhetik.  Die Verschränkung mit westlichen Vorstellungen fließt aber auch ein.

Die beiden Hocker von Jules Bertrand Wokam sind aus Edelhölzern, die von gestürzten und liegen gebliebenen Bäumen stammen (z.B. Iroko) und mit dem Schwung der Sitzschalen formal an die königlicher Thronsessel angelehnt sind.

Kossi Assou (Togo, Elfenbeinküste) zeigt mit „Slim Bed“ und einer Kopfstütze (2009) ein ästhetisch sehr elegantes, reduziertes Design. Wesentlich ist ihm aber die ökologische Materialverwendung als Respekt gegenüber traditionellen Werten und eine Multifunktionalität seiner Gegenstände.

Kopfstützen sind in der Ausstellung übrigens viele zu sehen, denn in der afrikanischen Kultur waren bzw. sind sie ein Element zivilisierten Ruhens (Abb. hier sind historische Objekte). Überhaupt ist bzw. war das Sitzmöbel in seiner Idealität ein königliches Privileg, wie schon eine Bilderausstellung mit wundervollen Fotos von Daniel Lainé im Vorraum variantenreich vorführt.

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Bilder: Dominique Maître

Azur Kaprol, eine aus der Türkei stammende Designerin, gehört mittlerweile zum festen Bestandteil der Schauen auf der Prêt-à-porter Fashion Week in Paris. Ihre jetzt vorgestellte Kollektion ist nach ihren eigenen Angaben vom Bauhausstil der 1930er inspiriert, und erinnert teilweise an Rückbezüge auf die Klassische Moderne, was sich vor allem in der Ornamentik der Oberflächen und in den in den Raum übergreifenden Applikationen zeigt.

Überwiegend sind die Silhouetten dieser Kollektion streng gehalten und es dominiert eine Vielzahl von Variationen von Etuikleidern (das Kleine Schwarze lebt hier). Bei den Schultern werden bei einzelnen Kreationen die stringenten Volumen aufgebrochen, indem die Designerin auf konkav ausstellende Schultern setzt, so zum Beispiel auch durch die Materialwahl Pelz. Konzeptionell fallen diese Einzelstücke teilweise aus dem Rahmen, behalten aber dennoch ihren Reiz. Neben Pelz verwendet das Label bei dieser Kollektion auch Seide, Leder, und Kaschmir. Die Farben sind auf Klassiker reduziert, ohne groß gemischt zu werden, die Farbklänge bleiben dezent und auf massive, laute Kontraste wird ganz verzichtet. Besonders gefallen schwere, eng und Figur betonende Ledermäntel und –kombinationen, die raffinierte Strukturen in der Oberflächenornamentik aufweisen, und die Lederflächen geschickt aufbrechen. Einen parallelen Blickfang weisen sodann auffällige, große Franzen auf, die fast schon federartig von Mänteln abstehen und in den Raum greifen. Hier liegt die Stärke der Kollektion. Im Fazit ist die Kollektion gut tragbar und bietet viel Kombinationsmöglichkeiten und Abstufungen. Neben schlichten Klassikern in Neuauflage finden sich sehr raffinierte, provokativ feminine Entwürfe, die allerdings nicht dem Bauhausstil zugeordnet werden können, da sie vielmehr in freier Assoziation Elemente einer postmodernen Sichtweise aufgreifen.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Olivier Claisse

Der japansche Designer Atsuro Tayama präsentierte in Paris seine neue Kollektion für den Sommer und das Frühjahr 2012. Die offensichtliche Inspiration für diese Kollektion sind Taschen, und deren strukturelle Dekonstruktion. Auf den ersten Blick ist die Kollektion konventionell gehalten, und setzt auf klassischen und klaren Silhouetten und Schnitten auf. Genauer betrachtet wird aber bei den Konstruktionen klar, dass über die eigentlichen Konstruktionen die Grundelemente von Taschen gelegt werden. Die entsprechenden strukturellen Elemente von Handtaschen finden sich als Details und Applikationen in den Kleidungsstücken wieder. So finden sich Henkel, Laschen, Ledernähte und –leisten oft als Abschlüsse bei Oberflächen, wie Schulterpartien und Trägern. Die Farbpalette ist weit gefächert und bietet sowohl leichte sommerliche Nuancen, wie auch kühlere und tiefe farbliche Akzente.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Pixel Formula / JULIEN FOURNIE

Oft werden den Kollektionen von Julien Fournié nachgesagt es würde nicht wie Haute Couture aussehen. Gut, das Haus Fournié kann nicht auf eine in die Generationen gehende Tradition wie andere Pariser Häuser zurückgreifen, muss es aber auch nicht. Julien steht in Frankreich, wie kaum ein anderer auch einem breiteren Publikum bekannter Designer für eine moderne, zeitgenössische progressive Mode, die es nicht nötig hat zwanghaft sich stetig neu zu erfinden und kann deshalb auf tiefere gesellschaftliche Prozesse eingehen und diese für die Findung des Designs aufgreifen und auch ideologisch verarbeiten. Wie viele Designer dieser Generation kommt bei Julien Fournié eine neue Sprache zur Geltung, sich und sein Lebensgefühl zum Ausdruck zu bringen. Formen werden ästhetisiert und dennoch Grundfunktionen zugeordnet. Seine Details in den Konstruktionen drängen nicht auf, und die Silhouetten vermitteln Raum und zugleich Figurbetontheit. Auch die Farben spiegeln deutlich wieder, dass es eine Kollektion ist, die uns vorgestellt worden ist, die zukunftsorientiert ist, für Menschen, die nicht zwingend der Vergangenheit verhaftet sind, ohne aber diese zur verleugnen.

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Text: Boris Marberg

Foto: Dominique Maitre

Mit Genuss haben wir die Kreationen von Alexandre Vauthier bestaunen können und sein grandioser Griff  in den roten Farbtopf. Die sehr homogene Kollektion spricht durch klare, dynamische und schlichte Silhouetten an. Inszeniert wurde die Schau in der Bibliothèque de Génovéfains die sich für diese Kollektion angeboten hat. Die Basis der Kollektion findet sich aber in einem geschickt ausbalancierten Verhältnis von Eleganz, distanzierter Kühle und provokativ femininer Attraktivität. Genau dieser Komplex findet sich treffend in der roten Farbpalette wieder. Von sehr drängenden knalligen Tönen, bis hin zu schwereren und kühleren Nuance finden sich die unterschiedlichsten Facetten wieder weibliche Emotionalität zum Ausdruck zu bringen.

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Text / Bilder: Boris Marberg

Der junge französische Designer Guillarmé präsentiert ansonst seine Couture-Kollektionen in Paris oder im Nahen Osten, zum Beispiel in Dubai. Dieses mal ist der 29-jährige in die Ukraine angereist um seine Kollektion für den Herbst / Winter 2011 auch dort vorzustellen. Christophe Guillarmé Stil ist klassisch feminin mit sportlichen und legeren Einflüssen. Gerne stattet er opulent aus, weit schwingende Kleider in leichten Stoffen und üppig mit Applikationen und Details verziert. Seine nun gezeigte Kollektion teilt sich in zwei farbliche getrennte Blöcke auf. Erdige und dunkle klassische Töne für den Abend, daneben bunte sportlichere Kleider mit raffinierten Drapierungen und Würfen, oft mit Textildrucken und sportliche Outfits. So reihen sich zum Beispiel Leggins, Pullover und Schlauchkleider in die Kollektion ein.

Die Silhouetten als auch die Materialwahl ist klassisch konventionell gehalten und die Konstruktionen basieren auf traditioneller Handwerkskunst. Experimente findet man bei ihm nicht, dafür grundsolide Qualität für ein Publikum das auf Repräsentation setzt und nicht auf Provokation, oder Abgrenzung durch Verknüpfung von Mode mit gesellschaftlichen Themen. Einzig die sportlicheren Outfits fallen etwas aus diesem konzeptionellen Ansatz heraus und erfrischen. Ansonsten ist die Kollektion durchgängig tragbar und auch für den Roten Teppich geeignet.

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Bilder: Hendrik Ballhausen

Es ist bunt und kommt mit frechen, wilden Mustern daher, oft mit vertikalen Streifen oben und kurzen breiten horizontal unten, mit Kirschen, welche im Sommer besonders schmecken, wenn sie fruchtig und süss sind, es ist ein Wunderkind. Thematisch ist die neue Kollektion von Wolfgang Joop unter dem Dach seines Labels Wunderkind frisch und verspielt. Nachdem mir bereits die aktuelle Herbst/Winterkollektion 2010 sehr gut gefallen hat, bin ich von der neuen Sommerkollektion ebenfalls sehr angetan, denn langweilige Themen, die oft nur konstruiert sind und in der Realisation geradezu gebrochen und verkrampft wirken, wurden in den vergangenen zwei Monaten zur Genüge präsentiert. Im Palais de Tokyo wurde uns eine frische Kollektion, die verspielt und wuchtig ist gezeigt. Wolfgang Joop greift bei den Schnitten und der Linienführung der Damenlinie auf schmale Schultern und eine leichte Taille zurück und lässt die Formführung in mehrlagig präsentierte Röcke münden, die unten sehr weit ausgestellt sind. Dadurch entstehen spannende aber auch fröhlich feminine Silhouetten.

Die Drucke haben in freier Assoziation sogar einen Bezug zur für die Schau gewählten Location, und greifen sehr oft auf die Kirschen als Motiv zurück. Die Kirsche steht oft für ein frisches, jugendlich durchaus mit sexueller Attraktivität kokettierendes Thema als Symbol und findet in dieser Gestalt auch in der japanischen Literatur und Kultur (Kirschblütenfest) Einzug.

Sehr wild, bunt und spielerisch kokettieren mit diesen Themen dann auch die Kreationen, mal mit weiterem Volumen und freier Formgebung in den Mustern, dann wieder etwas strenger, stringenter auf Streifen reduziert, oder mit Karos in unterschiedlichsten Variationen spielend.

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Bilder: Hendrik Ballhausen

Urbane Adoleszenz

Schon seit einigen Kollektionen bewundere ich die Handschrift, Kühle und puristische Aggression, welche das Design von Nicolas Andreas Taralis auszeichnen. Scharfe Schnitte, harte Kanten, gerade und progressive Linien sind gepaart mit einem guten Griff bei der Materialwahl. Die Kollektion bietet eine grosse Bandbreite von verschiedenen Volumen, ohne dabei den inneren Zusammenhalt zu verlieren – bei Herren, wie auch bei Damen.
Düster, ja – aber nicht depressiv, so reiht sich die jetzt vorgestellte Kollektion nahtlos in das künstlerische Konzept ein. Insbesondere die Flächen bilden mit lockereren Assoziationen Kontrastpunkte, ebenso wie  der Rückgriff auf Netzstrukturen. Der Look ist urban bis industriell, wie auch sehr individuell und von Selbstbewusstsein und Adoleszenz geprägt. Das jugendliche Element, Freiheit und Drang nach vorne findet sich ebenso wie das Elegante, Reife und Überlegen.

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Bilder: Hendrik Ballhausen

Dass Valentino schon immer das Aushängeschild für Klasse und Eleganz war, wissen wir alle.  Doch mit der neusten Haute Couture Kollektion des italienischen Modehauses des Designer Duos Maria Grazia Chiuri and Pier Paolo Piccioli, übertraf Valentino sich wieder einmal selbst.

Als „The dark site of first love“ ist die Kollektion benannt und findet ihre Inspiration in Filmen des Phänomen der Twilight Saga. Entsprechend findet sich ein jugendlicher Schwerpunkt. Eine Explosion aus Volants, Rüschen, Seide und Chiffon machten die Show Valentinos auf der Pariser Fashion Week zu einem Erlebnis. Besonders gerne wurde der klassische mit dem modernen Stil vermischt und der farbliche Schwerpunkt auf elegante Töne wie Weiß und Schwarz gesetzt. Doch auch das charakterlich, auffällige Rot Valentinos kam in der neuen Kollektion nicht zu kurz und verlieh der weiblichen Schönheit noch einmal einen ganz besonders frischen Schwung.

Die Abendkleider betonen gezielt die weibliche Schönheit, indem besonders die Silhouette durch Rüschen und Volants hervorgehoben wird. Aber auch an die jüngere Generation hat Valentino gedacht: Mini-Kleider aus Seide-Chiffon kombiniert mit Spitzen, Schleifen und Rüschen, die dabei sehr sexy und feminin sind.

Auch die Accessoires bestachen mit besonders hochwertiger und stilvoller Optik: So fand man große Schleifen an den edlen Handschuhen und ebenso mit Perlen bestickt an der glamourösen Schuhkollektion.

Valentino vermittelt das Bild einer romantisch, reizend schönen Frau, die mit dieser edlen Haute Couture Kollektion zu einer Prinzessin des echten Stils wird.

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Bilder: Hendrik Ballhausen
Text: Bea Twenning

Zart, feminin und dennoch prunkvoll: Die diesjährigen Pariser Haute Couture Modeschauen standen wieder ganz im Motto der Exklusivität.

Es war also kein Wunder, dass kein geringerer als der französische Designer Christophe Josse die diesjährigen Schauen eröffnete und schon am ersten Tag für viel Prunk und Glamour sorgte.
Die von der Jahrhundertwende inspirierte Kollektion Josses glänzte mit dramatischen Kostümen, bestickten Minikleidern aus Astrachan-Fell und kunstvoll drapierten Bustier-Roben, die durch voluminöse Schulterpartien bestachen. Besonders der Drapé- und Lagenlook hatte es Josse angetan und war immer wieder an seinen anmutigen Roben zu finden. Puffärmel, Rüschen & Co. dienten für weitere optische Blickfänge und rundeten Josses Kreationen perfekt ab.

Ein gelungener Auftakt für die Pariser Fashion Week 2010/11, der aus jeder Frau eine glamouröse Drama Queen macht.

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Bilder: Hendrik Ballhausen

Text: Bea Twenning

Für die neue Herbst-/Winterkollektion 2010/2011 übertraf sich Jean Paul Gaultier wieder einmal selbst: Auf der diesjährigen Pariser Fashion Week eröffnete sich dem Zuschauer eine Explosion an kulturellen, exzentrischen und kreativen Modekreationen.

 Jean Paul Gaultier, der erst im Mai diesen Jahres auf eigenen Wunsch die Zusammenarbeit mit dem edlen Modehaus Hermes beendet hatte, kreierte mit seiner neuen Kollektion eine Hommage an die mexikanische Kultur: Lange Gaucho-Mäntel, auffällig opulenter Schmuck und kreative Interpretationen des typisch mexikanischen Sombreros, bestimmten die Show.

Kunstvolle Stickereien, überdimensional prächtige Federvariationen und gefaltete Konstruktionen, sorgten für die Individualität der Kollektion. Mit Nieten verzierte Gaucho-Hosen, aufwendig mit Gold bestickte Jeansjacken, klassische Bolerojäckchen, coole Denimblusen mit glamourös inzinierten Schulterpartien und modern, elegante Shiftkleider, ließen die Herzen der Zuschauer höher schlagen. Ein Highlight folgte dem nächsten. Doch auch der typisch weibliche Sex-Appeal Gaultiers, fand seinen Einklang mit der sonst so kulturell modernen Kollektion: Korsagenartige Jacken mit speziell betontem Brustbereich wurden zur kunstvoll bedrucktem Strumpfhose und Overknee-Boots kombiniert. Tücher, transparente Stoffe, aufwendig drapierte Flechtkunst und Fransen, unterstrichen zusätzlich die Feminität der Kollektion.

Jean Paul Gaultier beweist mit dieser grandiosen Damenlinie, dass kulturelle Mode nicht automatisch nur monoton und langweilig sein muss, sondern auch sehr sexy, stilvoll und alles andere als eintönig sein kann. Die Mexikaner werden sicherlich beim Anblick dieser Kollektion vor Neid erblassen.

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Text: Bea Twenning

Bilder: Hendrik Ballhausen

Dass wir von Dior schon immer kreative, farbenfrohe und außergewöhnliche Designerstücke erwarten konnten, wurde uns in den letzten Jahren mit jeder Fashion Show mehrfach bewiesen. Mit der neuen Kollektion jedoch übertraf sich selbst Chefdesigner John Galliano: Obwohl es auf der Pariser Fashion Week um die neuste Wintermode 2010/2011 ging, war Dior´s Kollektion mehr als sommerlich.
Blumige Kleider-Kreationen machten die Show zum Garten Eden. Passend zum floralen Ensemble fand die Fashion Show in einem Zelt im Park des Rodin-Museums in Paris statt.

Sicherlich ist das Blumenthema nicht neu im Hause Dior. Bereits 1953 zeigte man eine prunkvolle Blumenserie, die John Galliano jedoch nun moderner und noch facettenreicher interpretierte: Röcke, spitz zulaufend in tulpenähnlicher Form, übereinandergeschnittene Stofflagen mit Orchideenmotiven, Rüschen, drapiert zu rosenähnlichen Kleiderexplosionen und farbenfrohe, aufwendig geraffte Tüll-Kreationen, ließen die Augen der Zuschauer leuchten.

Abgemildert wurde die spektakuläre florale Flut durch romantische Effekte. Die Models trugen um den Kopf gewickelte Folie wie bei Blumensträußen und dick geschminkte Balken über den Augen waren zusätzliche Farbhingucker. Selbst die Haare waren zu blumenähnlichen Hochsteckfrisuren drapiert.

Farbenfroh und außergewöhnlich spektakulär übertraf sich der Meister wieder einmal selbst und macht mit dieser fantastischen Kollektion aus jeder Frau ein kleines Blumenmädchen.

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