Bilder und Text: Gerhard Paproth

Highlight der Seoul-Schau in Paris war DOUCAN, das südkoreanische Label von Chung Hoon, Choi. Farbintensiv und -kontrastierend mit Rot, Blau, Schwarz und Weiß (Farben der koreanischen Nationalflagge) stellte der in Europa noch kaum bekannte Designer seine neue Kollektion „Seoul Night, Light“ vor. Arbeiten mit höchstem Anspruch und reifer Gestaltungskraft, lebendig, delikat und sehr elegant. Wir berichteten schon von der digitalen Schau während der Pandemie von der Seoul Fashionweek 2021 und auch von der ss2022, wo Doucan begeisternde Vorstellungen lieferte und diese Kollektion steht dem in nichts nach.

Das Modelabel Doucan ist in Südkorea auf den Fashionweek-Veranstaltungen längst ein Favorit, weil es auf hohem Niveau asiatischen Stil, elegante Gestaltung und stimmige Verbindung von kultureller Tradition und modernem Geschmack verbindet.  Chung Hoon Choi hat sein Studium am Studio Bercot in Frankreich abgeschlossen und für Modemarken wie Kenzo, Chanel, Givenchy und viele andere gearbeitet. Sein eigenes Label Doucan wurde 2011 in Korea eingeführt.

Ein essentieller Teil des Modedesigns von Doucan ist weitergeführte Tradition von Farbholzschnitt-Motiven und Tuschezeichnungen aus der asiatischen Kultur in Form von Prints, die mit den Silhouetten und der Gestaltungsarchitektur harmonisch verschmolzen werden. Seine Kollektionen zeigen einen großen Variantenreichtum von scheinbar einfach bis hin zu sehr komplex und sind von großer, delikater Eleganz geprägt. Grundlegend für alle ist eine Art Grafik-Look, der sich in der Gestaltung der gedruckten Muster genauso deutlich ausdrückt wie in den Schnitten, bei denen sich die Elemente meist deutlich kontrastierend absetzen. Und da sowohl die Muster (oft abgeleitet aus Kimonoprints) als auch die Schnittarchitektur sehr komplex angelegt sind, ergibt sich oft eine sehr differenzierte Gestaltung der Kleidung am Körper. Bei vielen Teilen gibt es sehr viel zu betrachten, einerseits sind die Prints sehr komplex erdacht und gemacht, andererseits prägen die Schnitte nicht nur deutlich zeichnende Silhouetten sondern auch mit architektonischen Gliederungen in sich pointierte, ungewöhnliche Konstruktionen. Die sind stets harmonisch, weil meist achsensymmetrisch, was auch und besonders bei den Prints eine Systematik in die Komplexität bringt.

Neu an den grafischen Mustern ist die an Batik erinnernde Anmutung, ohne dass sich hippiemäßige Assoziationen einstellen, dafür wirkt das verspielt-Aleatorische dieser Technik hier zu kontrolliert. Chung Hoon Choi bringt die aufgeregten Prints in systematische Ordnungen, meist achsial, vertikal oder horizontal orientiert. Dabei entwickeln die harten Kontraste der grafischen Motive eine kraftvolle Präsenz (wie man das von japanischer Grafik kennt), intensiv und zugleich formal gebändigt. Das alles führt zu einem ausgewogenen und zugleich sehr lebhaften Ganzen, bei gleichzeitiger Akzentuierung kontrastierender Teile und pfiffiger Gestaltung im Detail.
Der Designer nutzt alle verfügbaren Kontrastierungen der gestalterischen Mittel, hart und weich, spitz und abgerundet, groß- und kleinteilig, offen und geschlossen, quasi immer findet man in einem Outfit diese Gegensätzlichkeit gleichzeitig, das macht – im klassisch ästhetischen Sinn – spannend und ausgewogen.

Und das Design, dem ursprünglich die Fläche zugrunde liegt, wird nun auch als skulpturale Erscheinung gedacht und gebaut.

Alles zusammen genommen ist stets eine auf die weibliche Figur gerichtete Konstruktion, die jede Plattitüde ausschließt. Die Leidenschaft des Designers für geometrischen Aufbau evoziert in seinem klaren Gestaltungsdenken die asiatische Grundlage ästhetischer Intensität. Diese Souveränität im Knowhow und Gespür und ihre Verbindung mit westlicher Designgeschichte ist, man merkt es schon, aus unserer Sicht ungewohntes, sehr hohes, künstlerisches Gestaltungsniveau, Modedesign mit klassischem Können modern gemacht. Und auch handwerklich ganz im ursprünglichen Sinne Haute Couture.

Zu dieser Kollektion „Seoul Night, Light“ gibt DOUCAN – Après La Mousson noch ein paar Auskünfte: „Seoul ist eine Stadt der Nacht. Die Nächte in Seoul sind immer voller Energie und hell mit Licht. Die Ducan-Kollektion 2022FW wurde von der Dunkelheit der Nacht in Seoul und dem Licht inspiriert, das die Nacht auf großartige und schöne Weise erhellt. Die lineare Struktur von Seoul und die dynamischen Straßen dazwischen werden in einer experimentellen Silhouette mit einer kühnen Mischung aus Kurven und geraden Linien verkörpert, und die verschiedenen Lichter der Nacht von Seoul werden in farbenfroh glänzendem Stoff rekonstruiert. Die Kollektion ist dunkel aber hell, stark aber weich, mit einer einzigartigen statischen und dynamischen Sensibilität, als ob Nacht und Licht koexistieren.“

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der Labelname WNDERKAMMER der Designerin Shin Hye Young bezieht sich auf die Räume des Barock, die Objekte und Kunstwerke in ihrer unterschiedlichen Herkunft und Bestimmung präsentierten (ursprünglich Kuriositätenkabinette). Sammlungen verschiedenster, ungewöhnlicher Gegenstände und Bilder, die in der Kombination der Verschiedenheiten bzw. Unzusammengehörigkeiten stetes Erstaunen auslösten und auch gerne exzentrische Anschauungsweisen vorführten. (Sich ein Panoptikum anzulegen und Gäste damit zu unterhalten war im barocken Bürgertum der Niederlande große Mode.)
Das Designerteam hat dieses Konzept als Gestaltungscredo übernommen mit dem gleichzeitigen Ziel, dies in seinen Kollektionen jeweils in eine zusammenhängende Linie zu überführen, also das Disperate stilistisch zu einen. Formal geschieht dies durch minimalistische Silhouetten, organische Materialien und saubere Details, die vorgefundene Besonderheiten auch konkurrierend in Spannungsfelder bringen.

Soweit ist das ein schwieriges Konzept, Auseinanderstrebendes zu vereinen – quasi eine Objekt- Material und Mustercollage, die aber auch zu einem Ergebnis von Vielfalt, Nebeneinander von Attraktionen und Anwandlungen von Extraordinärem führt, dessen neugierige Betrachtung Spass macht. Letzteres ist ja nicht immer der Anspruch (noch aktueller) konstuktivistischer Modegestaltung, die oft aus der Schichtung der Widersprüchlichkeiten eher einen widerständigen Reiz ziehen will.

Die häufige Betonung des Bauchfreien in der Kollektion addiert den Frauenkörper als zusätzlichen Reiz hinzu, ohne eigentlicher Sexyness zu viel Bedeutung beizumessen, wie das schlichte, eher zurückgenommene Make-Up das auch widerspiegelt. Man kann damit durchaus den Eindruck haben, dass sich die Gestaltung um eine recht zeitgemäße Sicht auf weibliches Selbstverständnis dreht, der Generation der Mittzwanziger bis Mittdreißiger, die mutig ihre Individualitäten und Betrachtungsmodi expressiv und zugleich spielerisch herausstellen will.

Der Pressenotiz zufolge fühlte sich Shin Hye Young von dem Poeten Yoon Dong-joo („On the Street“) inspiriert: „Ein Poet, der nicht mit Stil geizt, mit dickem Wollmantelkragen und in die Tasche gesteckten Händen. Er geht in einer verschneiten Winternacht mit dem vom Mondlicht erzeugten Schatten als Freund spazieren.“ Auch daraus kann sich eine sehr eigene, reiche und weibliche Vorstellung entwickeln.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die zweite Show bei Tranoï bestritt das Label LIE von Chung Chung Lee, das sich auf Maskulin-Feminin-Dualität bei Woman’s-Wear konzentriert. Weniger mit asiatischem Nimbus als mit internationaler Prägung sind die bisherigen Erfolge der Marke auch breiter. Diese Kollektion ist von Après-Ski-Lifestyle inspiriert, quasi als Aneignung oder gefilterte Reflexion eines westlichen Kulturbildes.

Après-Ski wird als eine Form von europäischem Lifstyle verstanden, im Sinne von Party, Nach-Ski-Erholung und Naturverbundenheit. Schnitte, grafische und durchlaufende Muster und Silhouetten sind aus Archivbildern abgeleitet und dazu – in Zusammenarbeit mit dem Parfümhaus 21G entwickelt – sogar ein Geruch sollen die Wälder in den Alpen evozieren und für jedermann/jede Frau ein eigenes, imaginiertes Après-Ski-Feeling bereit halten.

Darüber hinaus soll erwähnt werden, dass LIE diese nachhaltige Kollektion mit Upcycling und ökofreundlichen Materialien und Techniken (mit Yuri Neon) hergestellt hat, um gerade diese schöne Natur dauerhaft zu erhalten.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Teilnehmende Designer der Seoul Fashionweek waren von der Trade Show Tranoï eingeladen, vier von ihnen konnten darüber hinaus eine Laufstegschau präsentieren. Eine gute Wahl, denn auch nach unserer Beobachtung ist die Fashionweek Seoul auf hohem und spannendem Level und viele Protagonisten können es locker mit dem aufnehmen, was die als Stars gefeierten Designer in Paris oder New York vorführen. Umso mehr, wenn die Fundamente traditionell asiatischer Ästhetik nicht an amerikanische Beliebigkeiten verraten werden, kommen geschmacklich sehr subtile Modernismen auf den Laufsteg, die auch über viele Saisons hinweg tragfähig sind.

Das Label EENK der Designerin Lee Hyernee steht den endlosen Zyklen schneller  Wechsel ebenfalls entgegen und versteht sich eher als „Collectables“. Dabei folgt originellerweise die Inspiration zu jeder saisonalen Kollektion dem nachfolgenden Buchstaben des ABCs und versucht dabei, die Basics mit zeitgemäßen Anschauungen zu verknüpfen. Diese Saison ist das V Ausgangspunkt und soll für Vintage stehen. Die daraus abgeleitete Idee ist der Bezug auf kraftvolle Eleganz in Kombination mit majestätischer Glamour der 80er Jahre des Vogue-Magazins. Der EENK-Stil benutzt die Schnitte und Farben sowie noch härtere Schwarz-Weiß-Kontraste, grobe Strickware, „denim on denim“, traditionelle Jacquart-Muster und, bei Männern,  Juwelenknöpfe, illusionäre Farben für Dreiteiler und Military-Kleidung. Und gleichzeitig schimmert ein Touch Disco-Charme mit durch.

Der unbelastete Mix verschiedener Strömungen und Ideen jener Epoche schafft gleichwohl völlig neue Bilder, eigentlich fließen tatsächlich nur inspirierende Elemente ein, frei neu kombiniert, ohne das ganze Styling der Ära neu herauf beschwören zu wollen. Das sah, wenn wir uns erinnern, ganz anders aus und vertrat auch eine andere Ideologie.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Fashionweek Paris aw 22/23 hat Glück: sonniges Wetter, weniger kalt als hier und momentan weniger Einschränkungen durch die Pandemie. Die großen Häuser plakatieren wieder die Stadt zu. Und die Medien freuen sich über ein schöneres Thema. Die Pariser Trade Show Tranoï (Women) fand nun wieder in größerem Ausmaß statt – wenn auch nicht so umfangreich wie vor der Pandemie. Aber attraktiver konzipiert. Schöne Orte hatte sich die Messe schon immer ausgesucht, dieses Mal war die frühere Pariser Börse, das Palais Brongniart, ein besonders schönes Ambiente und die Gesamtpräsentation besonders ansprechend gegliedert. Über eine weite Etage erstreckte sich die Ausstellung, in ihrer Mitte vorwiegend Accessoires und Schmuck, in angrenzenden Räumlichkeiten Sonderpräsentationen von Seoul/Korea und Italien.

Der Krieg in der Ukraine hat, soweit wir mitbekommen haben, die Pariser Modewoche nur sehr wenig beeinflusst, hier bei Tranoï war immerhin der Stand von Litkovskaya (Ukraine) sehr auffällig dekoriert. Die Designerin konnte ihre Kollektion nicht mitbringen und stellte sie in Form abrufbarar QR-Codes aus. Anschaulicher waren die Wandflächen mit angepinnten Fotos aus ihrer Heimat, in diesem Umfeld drehten sich durchaus viele Gespräche um die Situation und auch weiterreichend an den Ständen aus den Nachbarstaaten wie zum Beispiel Georgien.

Litkovskaya

Der allgemeine Trend zu nachhaltigen Produkten, besonders das Material betreffend, wird in fast allen Stand-Gesprächen unterstrichen und spezifisch erklärt, die ästhetische Innovationsfreude berührt das hier aber wenig. Viel manuelle Arbeit, nicht nur bei der Kleidung sondern besonders bei den reich vertretenen Accessoires führt dementsprechend auch zu pfiffigen und eleganten Ideen. Materialien und Oberflächen bei der Kleidung zeigten einen Trend zu weichen, mollig-flauschigen Stoffen, bei gleichzeitiger Abkehr von schlicht-neutral reduzierten Schnitten. Und bei den Accessoires zu reliefierten bzw. aufgetragenen Oberflächen und ausgefalleneren Formgebungen.

Die besonders thematisierten Bereiche Italien und Südkorea stellten nur wenig Ländercharakteristisches heraus, leider. Sogar bei unserem Favoriten Doucan war der asiatische Touch weniger ausgeprägt als es bei seinen Fashionschauen in Seoul anmutete. Aber an einigen Ständen auf der Messe war der kulturelle Herkunftsort dann doch erspürbar, so zum Beispiel die Herstellung der Kollektion der Rara Avis Gruppe im Iran.

Die Tranoï-Messe hatte dieses Jahr sogar eine größere Laufsteg-Schau im Programm (wir werden später berichten), und zwar mit den Designern aus Seoul. Eigentlich eine gute Erweiterung im Rahmen der Fashionweek, gerade weil der ambitionierte Ansatz sich neben den üblichen Pariser Starrummel stellt; die ausgeprägte Ignoranz und Arroganz, die wir sonst bei Pressestellen von Fashionschauen in Paris kennen, hat aber leider auch hier die Arbeit des Presseteams ergriffen, was schon im Vorfeld die Sympathie für die Veranstaltung beeinträchtigt. Insofern hat die sonst vorbildliche Arbeit von Tranoï noch erheblichen Verbesserungsbedarf, mussten wir leider feststellen.

Über Hundert Designer stellten dieses Mal aus, wir stellen in frei-subjektiver Zusammenstellung nur einige interessante Spotlights heraus, es waren zu viele, um alle vorzustellen und zu kommentieren.

Accessoires

PIPATCHARA:

COCHAINS:

ZMAI:

ALPO GUANTI:

ALEX DE PASE:

Kleidung

DAVID TLALE:

LOUISE MARCAUD:

NARGES TAFI:

CHATSMA:

RARA AVIS:

CELINE KWAN:

SUSANA BETTENCOURT:

GUIDO VERA:

Sonderbereich Italien

SARTORIA 74:

CHIARA PERROT:

ARTIGIANO DEL GUANTO:

MAISON APNOEA:

Sonderbereich Seoul

BMUET(TE):

BONBOM:

EENK:

BEYOND CLOSET:

WNDERKAMMER:

DOUCAN:

C-ZANNE:

SEOKWOON-YOON:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Der große Effekt ist in Paris eher ausgeblieben, obwohl die Modewelt darauf spekulierte, mit authentischen Liveshows wieder in dem Mittelpunkt zu rücken. Die Einbußen in diesem Sinne waren ja beträchtlich gewesen, mit den pandemiebedingten Reiseverboten, reduzierter Publikumsbesetzung bei Liveshows und weniger spektakulären Digitalpräsentationen der letzten Saisons. Ersteres hatte besonders die asiatischen Labels betroffen, die aber jetzt noch nicht in voller Präsenz wieder in die Modehauptstadt angereist sind. Immerhin waren die Starts großer Labels wie zum Beispiel Dior (Grazia Chiuri) farbenfroh ausgerichtet, mit Rückgriffen auf sonniges Italien der 60er und lockerer Freiheit der Frauenmode. Ähnlich bei Yves Saint Laurent mit einem Rekurs auf die Ära Paloma Picasso. Dieser Esprit konnte die Szene schon etwas auffrischen, aber echt Neues kam nach unserer Beobachtung ansonsten nicht spektakulär daher.
Im Gegenteil, statt der üblichen Sternstunden auf den Laufstegen wurde sogar die Newcomerin mit den tiefgelegten Ansprüchen, Marine Serre, zum Beispiel in Le Monde besonders herausgestellt, mit einem Konzept um einfaches Kochen und Essen herum, simpel und anspruchslos, stattdessen ökobewußt überfrachtet.

Etwas interessanter erschien uns das Stöbern auf der Trade Show Tranoï Paris Women’s September 2021, die aber diese Saison auch noch sehr geschrumpft daher kam, zwei Räume im Palais de Tokyo statt wie früher zwei ganze Gebäude. Zehn Labels wurden von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode beigesteuert, etwa 50 waren insgesamt präsent. Die eigene Präsentation der Fédération entfiel mit dem Zusammenschluss der beiden Newcomerformate dieses Jahr.

Ein paar neue Labels fielen uns besonders auf, die hier noch keine Erwähnung fanden. Besonders KARIMA, ein griechisches Label von Kalliopi Karavassili, das sich auf reine Handarbeitsstücke spezialisiert, aus edlen Materialien wie Seide aus Soufli. Jedes Einzelstück ist ein kreatives Unikat, alle feiern elegante Sexyness und komplizierte Knüpftechniken – verbunden mit einem Hauch von Folklore. Wenn die Sachen über andere Kleidung getragen werden, also eher ohne den starken sexy Impact, teilt sich das kreative und handwerklich raffinierte Konzept noch immer mit.

Überraschend sexy tritt auch die Kollektion von IHAB JIRYIS auf, wenn man bedenkt, dass der Designer in  Nord-Palästina arbeitet. Seine elegante Kollektion mit avantgardistischem Touch wurde letztes Jahr bereits auf der Arab Fashionweek gefeiert. Mit diversen Abschlüssen im Modedesign blickt er auf eine sehr fundierte Ausbildung zurück und focussiert sich auf Abendmode und exquisite Couture-Kleider.

LEAFY Natural Couture ist ein Label, das sich seit 2008 mit einem sozialen Projekt in Brasilien verbindet. Die Teile der Kollektion werden von Müttern, die in kleinen Fischerdörfern in Südbrasilien leben, sorgfältig aus handgesponnenem Seidengarn handgefertigt und mit organischen Pigmenten (wie Matekraut, Eukalyptusfasern, Kaffee und Urucum) gefärbt – damit soll die Kultur der traditionellen Handwebtechniken gefördert und bewahrt werden. In Verbindung mit sehr kreativem und zeitgenössischem Design ist diese Kollektion von bestechender Schönheit.

Bei der steten Recherche nach neuen Technologien und Kunsthandwerk ist die Designerin des Labels ARMINE OHANYAN PARIS auf den Künstler Kiichiro Ogawa gestoßen und hat mit ihm ein fantastisches Projekt (Collection No Season III – Edition limitée) für Hosen, Shirts Jacken und Mänteln kreiert, dazu Kleider: dynamische Grafik auf strenge Schnitte beziehungsweise Silhouetten in Beige wachsen zu einer tollen Kollektion zusammen. Außerdem ein Segment (hier nicht gezeigt) bestehend aus grauen und taubenblauen Stücken ähnlicher Formen, aus denen aber Reihen aus Rechtecken herausgestanzt sind. Insbesondere der erste Teil besticht durch seinen Kontrast der freien Bewegung und der streng beherrschten und reduzierten Form und der Farben Beige mit Schwarz in der eindeutig japanischen Charakteristik.

Das Label ZILLA aus Bolzano, Italien, entwirft knittrige oder flauschige Taschen von eigenartig elegantem Reiz. Die Oberflächen sind oft auffällig, leuchtend, manchmal sogar irisierend. Besonders die Futter sind so ausgelegt, um das Auffinden der Inhalte zu erleichtern. Die Designerin Sylvia Pichler liebt pragmatische Anliegen für die Nutzung, Verwandelbarkeit und haptische Qualität. Laminiertes Leder oder Nylon sind häufig genutzte Materialien. Einige weitere kleine Accessoires wie eine Handytasche, ein Schlüsselanhänger, ein Schlüsseletikett und ein Hut wurden dieser Saison hinzugefügt, um die Kollektion zu vervollständigen.

Der Abschnitt „Designer Collection“ präsentiert je ein Stück der von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode („designed by Alkeon“) ausgewählten Designer:

AVEC LE VENT:

THE STOLEN GARMENT:

ENFIN:

INGOROKVA:

OQLIQ:

TATA CHRISTIANE:

Für den März des kommenden Jahres hoffen wir dann wieder auf ein breiter gefächertes Angebot der Trade-Show, die – das ist der Vorteil zu den gebotenen Laufstegschauen – mehr Geheimtipps vereinigt, als das sensationsheischende Hauptprogramm. Wenn auch nicht so exclusiv und so exquisit und für uns bildmäßig nicht so exzellent.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Tranoï ist wohl die größte Messe / Showroom-Veranstaltung (Fashion Tradeshow) während der Fashionweek Paris und ist deswegen auch an zwei großen Orten und weiteren kleinen untergebracht. Geordnet ist sie in mehrere Sektionen von Suborganisatoren, die jeweils ca. vier bis acht Designerlabels vertreten, meist an Herkunftsländern orientiert. Das Spektrum ist entsprechend groß und bevor man sich darin verliert tut man gut daran, sich auf bestimmte Interessen zu konzentrieren. Wir fanden, dass „exotische“ Herkunftsländer ein interessanter Focus wäre, deren kulturell bedingte Gestaltungsansätze sich in unseren Breiten wenig Geltung verschaffen können, die aber doch stark inspirierende Kraft haben. So landeten wir in einem Bereich aus Südkorea, wo asiatischer Charme, Kitsch, Farbenfreude und großes Know How in der Couture einen bestimmten Aspekt asiatischen Lifestyles repräsentieren, aber auch allgemein zeitgenössische Lifestyleinteressen. Die Label Greedilous, Vegan Tiger (beide Korea) und Yumi Katsura (Japan) fielen uns besonders ins Auge, wobei Yumi Katsura allerdings eher eine traditionsbewusste Ausprägung repräsentiert.

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Greedilous ist das Label von Youn Hee Park , eine jungen Designerin mit aufregendem, rebellischem Schaffensgeist und einem breiten Ansatz verschiedener Ideen, Verfahren, Objekte und Materialien. Eine Neigung zu Glamour und Auffälligkeit und zu leicht psychedelischen Erscheinungsbildern (Digitalprints) verbindet sie mit gestalterisch sorgfältiger Systematik und geschmacklich klaren Formulierungen, die letztlich auch ungewöhnliche Kombinationen stimmig erscheinen lassen. Die Bandbreite der Schnitte reicht von Oversized über Hippielook bis hin zu vielen klassischen Anteilen. Der Topf der Motive ist ebenfalls groß, von Drogenästhetik der 70er Jahre über Fiorucci der 80er bis zu strengen Geometrien bringt sie alles geschickt zusammen, der PC als Gestaltungsinstrument macht’s möglich.

Ihre aktuelle Kollektion ss2020 zeigte Greedilous kürzlich auch auf einer Schau auf der Seoul Fashionweek und in Südkorea ist es ein recht angesagtes Modelabel.

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Vegan Tiger aus Seoul ist ein engagiertes Label pro Tierschutz, auch in Korea gibt es einen konkreten „Vegan fashion trend“. Streng genommen unterscheidet sich vegane Mode von umweltfreundlicher Mode, obwohl die Ausdrücke oft synonym verwendet werden. Etwas Veganes folgt möglicherweise nicht unbedingt den Best Practices für die Umwelt oder umgekehrt, aber die beiden gehen oft Hand in Hand. Die pelzfreien Pelzmäntel und seidenfreien Seidenroben sind weich und luxuriös, aber „ohne die Kosten der Brutalität gegen Tiere“.

Die Kollektion von Yoona Yang verzichtet also explizit auf tierische Materialien (z.B. Seide, Daunen und Angora, besonders Tierfell) aber mit dem Anspruch, auf die entsprechenden Looks (Leder, Seide, Wolle sowie Fell) nicht zu verzichten. Ein Teil der Einnahmen fließt in die Kampagnenkosten für „Tiere und Umwelt“. Damit demonstriert der Käufer ein weltanschauliches Statement und das für unsere Anschauung vielleicht etwas kindliche Gespenst als saisonales Kollektionsmotiv versteht die Designerin auch als übertragendes Symbol aus der asiatischen Kultur im Sinne einer lebensphilosophischen Haltung. Ansonsten sind die Schnitte und Erscheinungen eher klassisch. Auch Vegan Tiger ist in Korea bereits ein etabliertes Label im Prêt-á-Porter Segment.

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Yumi Katsura ist in Japan ein Klassiker, sowohl im Bereich der Luxus-Couture als auch in Prêt-à-porter, Men’s Couture und Hochzeitsmode. Exquisite Abendkleider und Haute-Cuture mit komplexer Raffinesse sind ihre eigentliche Domäne, mit der sie seit langem erfolgreich ist und auch im letzten Jahr eine Schau zur ss2019 Haute Couture in Paris hatte.

Mit der aktuellen Kollektion „The Poetry of Suminagashi“ experimentiert Yumi Katsura focussierter mit der Verbindung traditioneller japanischer (Kleidungs)Ästhetik bzw. kunsthandwerklichen Motiven und Techniken (Marmoriertusche, Kalligrafie, Verlaufsfärbung) und zeitgenössischer, internationaler Eleganz.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist bemerkenswert, dass der holländische Modedesigner Irving Vorster auch dieses Jahr die Gelegenheit ergreift, auf der Fashionweek Paris eine Schau anzubieten, die immerhin mit vielen groß und teuer angelegten konkurrieren muss und es ist auch kulturpolitisch richtig, dass in solchem Kontext eine staatliche Institution wie das Institut Néerlandais da Unterstützung gibt. (Irgendwie ist es auch schade, dass man vom Goethe Institut diesbezüglich nichts hört.)

Irving Vorster hat seine Arbeit mittlerweile vorteilhaft weiter entwickelt, er hat die grobe geometrische Grundformulierung seiner Damenkollektion in mancherlei Hinsicht tiefer ausdifferenziert und verfeinert. Das rechtfertigt die Beteiligung am Luxussegment erheblich, denn damit bewegt sich die eher platte Formulierung des Konzeptes hin zu einer detailverliebteren Auseinandersetzung mit ästhetischem Raffinement, zumindestens teilweise. An dem Punkt ist bekanntlich viel Luft nach oben und die Klientel entsprechend verwöhnt, gerade auf dem französischen Parkett.

In den gestalterischen Details und Teilsegmenten der Gesamtgestalt bringt Irvinx mit Contour Noir II auch spielerische Formexperimente an kulminierenden Stellen unter (z.B. im Hals-Schulterbereich). Neben den zusammengefügten Formen tauchen nun auch feine (rote) Linien auf, die geometrischen Streifen verzahnen sich oft besser und wirken nicht mehr so aufgesetzt. Die Farbpalette ist nach wie vor eingeschränkt auf Schwarz, Weiß, Silber und Violett, also unterkühlt, neu sind ein paar vorsichtige Einsprengsel in Rot. Die Direktheit der Flächenarrangements berücksichtigt zunehmend die Weiblichkeit der Gestalt, es bleibt aber unentschieden zwischen eigenständiger Form und Anpassung. Der modehistorische Bezug zu den 60er Jahren emanzipiert sich etwas eigenwilliger vom bereits Bekannten (die schräge Linienführung zum Beispiel kommt a priori dynamischer daher als die orthogonale Geradlinigkeit eines Yves Saint Laurent). Gleichwohl bleibt der konstruktivistische Ansatz durchweg prägend und transferiert die modische Grundidee der Gegenwart in ein gehobenes Segment. Die wilden und experimentell radikalen Ansätze beispielsweise des „Berliner Styles“ sind hier nicht wirklich von Interesse, es wäre aber durchaus spannend, wie man die auf dieser Ebene geschmackssicher kultivieren könnte (denn das Interesse haben die Berliner ja eher nicht). Es wird sich in Zukunft zeigen, wenn Irvinx den eingeschlagenen Weg experimentell bzw. innovativ ausbaut und das Kriterium der Raffinesse dabei die entscheidende Rolle spielt. Sein Grundkonzept gibt das gut her.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Auf der Suche nach jungen, aussagestarken Modedesignern in Paris war das Berliner Label Namilia ein absoluter Flash. Und das, leider, ohne eine eigene Schau. Sie präsentierten ihre Kollektion „Join the Resistance“ stattdessen im DACH-Showroom, der diverse junge Labels aus Deutschland, Österreich und der Schweiz in Paris während der Fashionweek vorstellt.

Nan Li und Emilia Pfohl, die beiden Designer von Namilia, haben bereits eine beachtliche Fangemeinde, nicht zuletzt auch wegen des Umstandes, dass sie bereits auf der New York Fashionweek Schauen hatten, wofür sie auch angemessene Unterstützung im Vorfeld bekamen. Eine Berlinschau können sie sich (noch) nicht leisten, mangels solcher Unterstützung. Dabei arbeiten sie dort und haben dort auch studiert.

Nach ihrem Studium an der UdK zogen beide nach London, machten da einen Masterabschluss und diverse Praktika und fanden von dort aus den Kontakt zur New York Fashionweek. In London selbst gelang der Anschluss in die Modewelt weniger, weshalb sie nach Berlin zurückkehrten.

Aber so erscheint nun die New York-Berlin-Connection als ein prägender Gedanke, der nicht ganz oberflächlich sein muss. Bei dieser Mode wirkt die Achse der Westkultur als pointiertes Lifestyle-Agglomerat, denn in ihr verschmelzen Fantasy, Sex, Futurismus und vor allem Frauenemanzipation zu einem sehr überzeugenden Statement. Und das reduziert sich auch nicht nur auf Zugehörigkeitscodes, sondern vermittelt individuelle, expressionistische Aussagekraft auf sehr hohem und gewagtem Niveau. Dabei sind alle Teile sicher im Geschmack, innovativ in den Gestalten und sehr detailliert in den vielen besonderen Ideen, die alle zueinander passen und auch noch verschiedene Varianten anbieten. Die Verarbeitung der Materialien – zumeist festes Kunststoffgewebe und vermutlich nicht nachhaltig – ist perfekt und liebevoll. Und selbst wenn es bedauerlich sein mag, dass hier der Nachhaltigkeitsanspruch nicht einbezogen ist, so sind doch die vorgeführten Perspektiven auf eine Zukunft und ein gesellschaftliches Selbstverständnis sehr vielen anderen Modemachern um Längen voraus. Schon die herausgearbeitete Interpretation von Frauenemanzipation ist avantgardistisch und stark, ohne dabei die erotische Spezifik über Bord zu werfen – im Gegenteil! – oder sich in Kleinklein zu verlieren. Gendercrossing ist darum eher kein Problem, dem das Duo sich konzentriert widmen müsste, denn es lenkt vom zentralen Gedanken ab.

Die Kultur der PC-Fantasyspiele hat in dieser Hinsicht ohnehin schon längst unsere Gegenwart in Richtung Zukunft verlassen und dabei auch soziopolitisch neue Vorstellungen entwickelt. Aber auf andere Bereiche der Kultur hat sich das bisher nur randständig niedergeschlagen, weder ästhetisch, noch philosophisch. Die Mode von Namilia profitiert sehr vorteilhaft von solchen Vorstellungen und macht es vor. Sie tritt ebenso kosmopolitisch auf wie die Gamerkultur und es gelingt ihr, das Utopistische mit der Gegenwartsrealität zu verknüpfen.

Trotz allen Wettstreits um innovative Gestaltungslösungen der Modekultur der letzten zwei Jahrzehnte, in denen die Standpunkte der Designs eher auseinanderdrifteten als sich verdichteten, gab es unterm Strich nur Lösungen für dezidierte Gruppierungen und keine einheitliche Perspektive im Sinne einer Avantgarde. Die futuristischen Ansätze der 80er Jahre waren längst wieder verworfen (Mugler,  Gauthier & Co. fristen immerhin noch ein angesehenes Dasein im Rummel) und über lange Stecken verstrickten sich die ästhetischen Gestaltungsmodi in dekonstruktivistische und konstruktivistische Verfahren und Samplingmethoden, ohne zu einer wirklichen Linie zu finden – bis heute. Nan Li und Emilia Pfohl, die beiden Designer von Namilia, beteiligen sich nicht an dieser Strömung und schlagen sich auch nicht mit den anti-ästhetischen Statements vieler Berliner Kollegen herum. Ihre Sachen kommen sehr geradlinig und trotzdem differenziert daher. Schon die betont feministische Seite der Entwürfe legt sich durchaus attraktiv und weltanschaulich fest – sie nennen es neue „Religion“: „Eine Religion, die keine sexuellen Tabus kennt. Eine Frauenreligion.“ Patriarchismus und die „Ewige Sünde“ lassen sie hinter sich oder wollen zu mindestens mit der provozierenden Gestaltung das klassische Interaktionsmodell in Frage stellen und durch den Entwurf eines neuen, starken und hedonistischen Selbstbewusstseins ersetzen. Dabei jonglieren die beiden Designer stets bewusst auf der Kante zwischen rebellischer Provokation und utopistischer Vergegenwärtigung und genau das verleiht ihrer Mode diese starke Faszination. Und nicht zu vergessen: Der letztlich spielerische Umgang mit alledem ist wunderbar.

Zugegeben, die gestalterischen Einflüsse sind nicht neu, fast alle Gestaltungsmittel und -konnotationen der Namilia-Kollektion gab es schon, ob in den 80ern, den 00er Jahren, in der Fetischszene, in der Fantasy-Spielewelt, in der Gothicszene, in der Arbeitskleidung und sonstwo. Man erlebt sie hier aber nicht als zitierende Additionen sondern als klug gemachte Synthese, darin liegt ein entscheidender Unterschied, vielleicht sogar der Vorsprung gegenüber den elaborierenden (De)Konstruktivisten. Gleichzeitig legen die Gestalter auch noch wert auf guten Geschmack, der anderswo leichtfertig negiert wird.

Wenn Namilia gesellschaftsfähig wird, sind wir in mehrfacher Hinsicht schon einen guten Schritt weiter. Vorerst reicht es aber schon, wenn der verdiente Erfolg sichtbarer wird.

In Ermangelung besserer Anschauung verweisen wir ausnahmsweise auf die Videodoku der ss19 Schau in New York. Der Soundtrack dazu bestätigt außerdem die radikale Haltung.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Das Designers Apartment ist ein Showroom im Palais de Tokyo bei der Fashionweek Womanswear im Spätsommer. Es ist das Supportprogramm für Nachwuchsdesigner der Fédération de la Haute Couture et de la Mode und wird von DEFI unterstützt. Teilnehmer sind zumeist Designer, die in Paris geschäftlich und gestalterisch Fuß fassen wollen und schon einen Abschluss und oft diverse Preise vorweisen können. Nicht selten wurden sie zuvor für Hyères entdeckt und die meisten waren schon im Vorjahr dabei. Sie haben mit ihrer Arbeit meist besondere Ansprüche, sei es im Ästhetischen, im sozialen oder im geschäftlichen Bereich – soweit die Selbstdarstellung der Institution.

Die von einer Jury bestimmte Teilnahme am Designers Apartment ist begehrt, denn damit einher geht ein professionelles Coaching und auch professionelle Betreuung über die Fashionweek hinaus. Wenn sie überzeugend arbeiten, bleiben die Designer auch zukünftig im Programm. Mit der „offiziellen“ Präsentation im Palais de Tokyo und im Internet geht es auch darum, kommerzielle Kontakte mit etablierten Unternehmen zu ermöglichen, was auch meistens gelingt (dieses Jahr z.B. eine Kollektion für La Redoute von Dawei).

Wie gesagt, das Designers Apartment ist eine Einrichtung, die einem Anspruch der Fédération de la Haute Couture et de la Mode, Nachwuchs zu fördern, gerecht werden soll. Das ist gut, gut gemacht und funktioniert darum. Aber die Ambition ist damit quasi ausgelagert, denn es passt wenig zu dem Image, das die große Institution uns sonst vermittelt hat: sie selbst zeigt sich in der Realität Sympathisanten und Unterstützern der Nachwuchsunterstützung gegenüber französisch unbeweglich, selbstherrlich und arrogant – mitnichten partnerschaftlich. An der Stelle ist der französische Dachverband noch nicht auf der Höhe internationaler Gepflogenheiten.

Aber die Fördermaßnahme Designers Apartment wird ambitioniert realisiert, funktioniert und wäre ein gutes Beispiel für Berlin.

Dieses Jahr vertreten waren immerhin 13 Teilnehmer: ALPHONSE MAITREPIERRE, ARTHUR AVELLANO, BOYAROVSKAYA, DAWEI, EGON LAB, ESTER MANAS, GAMUT, GNDR, KENTA MATSUSHIGE, MARIANNA LADREYT, MOSSI, SADAELS, SAVOAR FER, einige davon kennen wir schon aus Hyères, viele aus dem letzten Jahr am selben Ort.

Alphonse Maitrepierre war früher Assistent bei Jean Paul Gaultier und ist 24 Jahre alt, sein Label erst eins. Die Kollektion ist zwischen Prêt-à-porter und Couture angesiedelt. Upcycling ist ein Schlüsselprinzip dabei, Leder, Seide, Spitze und Kunststoffe sind bevorzugte Materialien. Konstruktion und Dekonstruktion, Kontraste, Epochen- und Verfahrensmixe interessieren ihn besonders und er schätzt die Bezugnahme zu berühmten Designern der Vergangenheit. Gestalterisch entstehen daraus Mischungen zwischen klassischem Verständnis und moderner Anschauung.

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Arthur Avellano war schon letztes Jahr unter den Teilnehmern. Hinzugetreten zu den Latexexperimenten sind große Streifenmuster, die er verschieden akzentuierend erprobt.

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Boyarovskaya war ebenfalls schon letztes Jahr vertreten, zu dem typischen Manteldesign sind nun ungewöhnliche Drucke hinzugetreten und kleine Experimente ungewöhnlicher Schnitte.

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Dawei sahen wir auch schon letztes Jahr, der Gestaltungsansatz ist eher klassisch mit innovativen Akzenten, hier ebenfalls Streifen.

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Egon Lab ist ein noch junges Label und zeigt hier seine erste Kollektion. Laut Selbstauskunft ist Sid Vicious eine Hauptinspiration, das große Schwarzweiß-Muster über Hosen und Mantel ist ein sichtbarer Bezug. In den eigenen Kollektionsbeschreibungen tauchen überhaupt diverse Plattitüden zu Zukunft und Unisex auf, die in der Gestaltung aber wenig durchschlagen. Irritierend dazu sind dann Kleidungsstücke mit romantisierenden Rokoko-Motiven.

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Ester Manas kennen wir aus Hyères mit ihrer One-Size-Fits-All-Philosophie. Überraschend war eine Vitrine, in der sie Alltagsprodukte witzig mit ihrem Namen vorführte und rätselhafte Accessoires zeigte.

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Gamut („Heute steht der Begriff im Zusammenhang mit der Farbpalette und ist die Menge aller Farben, die ein Gerät darstellen, wiedergeben bzw. aufzeichnen kann.“ Wikipedia) ist ein Pariser Modekollektiv mit drei männlichen und drei weiblichen Designern. Eine eher familiäre Verbindung mit trotzdem sehr individuellen Gestaltungsvorstellungen. Oft hat die Gestaltung spontan-intuitiven Charakter, die Kollektion an sich ist sehr verschieden. Jedes Einzelteil hat aber etwas Besonderes mit Pfiff und versteht sich als Element zwischen Menswear und Womenswear, zwischen Sportswear und Couture, alles als eine Art „Kaleidoscopic Style“.

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GNDR war letztes Jahr auch schon dabei, das Prinzip provokanter Textaufdrucke setzt sich fort.

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Kenta Matsushige hat die leicht japanisierende Gestaltungsästhetik aus dem letzten Jahr fortgeführt, besonders eine Hose zeigt da ein raffiniertes Experiment.

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Marianna Ladreyt hat in Hyères 2017 den Prix Chloé gewonnen und den frischen Badeurlaubsstil weiter ausgebaut. Das kleine Palmenmotiv als Aufdruck hat sie, quasi als Code des Gedankens, wieder in die neue Kollektion übrnommen.

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Mossi selbst stammt ursprünglich aus Mali und hat bereits seit einigen Jahren bei rennommierten Fashionschauen anderer Designer maßgeblich mitgewirkt. Ungewöhnliche Schnitte und innovative Ideen führen sonst eher bodenständig-klassische Kleidungsstücke zu ganz neuer Repräsentanz.

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Sadaels ist ein Belgisch-Argentinisches Label mit Sitz in Paris. Mit klaren Schnitten und Farben, ungewöhnlichem Material wie gelackte Oberflächen und einem deutlichen Touch Futurismus sucht das Label einen Platz zwischen klassischer Ästhetik und radikalem Modernismus. Kleine Akzente für Sexyness ergänzen die lebendigen Entwürfe.

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Savoar Fer war ebenfalls schon im letzten Jahr im Designers Apartment. Das Bodenständige ist den Kleidungsstücken erhalten geblieben aber das Raue in den Nähten und Schnitten ist deutlich zurückgenommen. Eliane Heutschi besetzt damit eine recht eigenständige Position, die, so kann es etwas verwundern, im eleganten Pariser Spektrum immerhin eine respektvolle Aufmerksamkeit erhält.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sie sind ein außergewöhnliches Phänomen der Berliner Modekultur der Gegenwart: Auf der Berliner Fashionweek sind Alexandra Roehler und Johanna Kühl mit Kaviar Gauche seit einigen Jahren nicht mehr präsent, umso konsequenter dafür jährlich auf der Fashionweek in Paris mit ihrer Bridal-Kollektion. In der Modestadt gelten sie mittlerweile als das relevanteste deutsche Label im Luxussegment. Dem Anspruch folgt das Designerduo auch mit einer Location, die selbst in Paris ihresgleichen sucht, dem Hôtel Le Marois France Amériques, ein opulenter Rokokopalast im edlen 8. Arrondissement gegenüber dem Palais de la Décoverte. Von der Strasse aus unauffällig zurückgesetzt, ist das höchst gepflegte Gebäude ein Traum an verfeinertem Luxus und eine Insel vergangener Geschmackskultur, an der die raue Gegenwart französischer Sozialprobleme gar nicht so weit unbemerkt vorbeirauscht – wie es vor 1789 ja auch schon so war.

Ein idealer Ort für die Schau der „Bridal Couture“ von Kaviar Gauche, und auf subtile Weise auch dem Labelnamen gerecht werdend. Dem entsprechend ist das historische Ambiente keineswegs ein Signal der Rückwärtsgewandheit ästhetischer Kategorien, sondern die Classe der Schönheit von Luxus an sich ist das optische Terrain, in dem sich die Kollektion mit durchaus zeitgenössischem Anspruch definiert. Brautmode kann das natürlich am Schlüssigsten, die erwähnte Traumhaftigkeit des edelsten Lebensmomentes materialisiert sich hier, wo der Alltag quasi zurückbleibt.

Es ist das zehnte Jubiläum der exklusiven Bridal-Couture-Linie von Kaviar Gauche. Die Ingredienzen der Gestaltung sind unverändert: Aufwändige Spitze verschiedenster Technik und Wirkung, verfeinerte Transparenzen – zart aufgetragen oder vervielfältigt gebauscht, schlichte aber wirkungsvolle Drapierungen, hautnah und voluminös im Wechsel und natürlich extrem reduziert im chromatischem Spektrum von verschiedenen Weißtönen. Neu sind aktuelle Einflüsse in der Proportionierung der Volumina (die ästhetisch nicht immer vorteilhaft sein müssen) und der gelegentlichen Schulterbetonung sowie große Ärmel. Die von Kaviar Gauche gewohnte Synthese aus romantischem Flair und streng-schlichter Formgestaltung bei gleichzeitig subtilem Anspruch an Eleganz ist nach wie vor die attraktive Besonderheit des Designs und läßt sich bei der Reinheit der Farbgebung auch besonders gut herausarbeiten. Kongenialer Schmuck und Accessoires ergänzen die stimmigen Looks. Auf Sexyness verzichten die beiden Designerinnen auch weiterhin nicht, besonders die Beine dürfen beim Ausschreiten oft offen hervortreten und geben der gesamten Linie einen zusätzlichen Drive. Das Spiel mit den Transparenzen und viele Schnittentscheidungen ergänzen diesen Anspruch: Die Braut ist und bleibt selbstbewußt, jung, weiblich und modern.

Unterm Strich ist es schon bemerkenswert, dass ein deutsches Label über den Umweg Paris im eigenen Land reüssiert. Aber angesichts des Umstands, dass Eleganz hierzulande eher ruchbar ist, scheint es wiederum ein schlüssiger Weg zu sein, den Umweg über die Station Paris als Ort des gelebten eleganten Chics zu nehmen, wenn man in der Stadt der Antiästhetik Berlin ein Terrain in der Modelandschaft erobern beziehungsweise behalten will.
Und sowieso: Kronprinzenpalais hin, Schloss Charlottenburg her – einen Ort wie das Hôtel Le Marois France Amériques findet man hier eben auch nicht, dagegen ist das Adlon ein modernistischer Pseudotempel.

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