Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Fashionweek Paris aw 22/23 hat Glück: sonniges Wetter, weniger kalt als hier und momentan weniger Einschränkungen durch die Pandemie. Die großen Häuser plakatieren wieder die Stadt zu. Und die Medien freuen sich über ein schöneres Thema. Die Pariser Trade Show Tranoï (Women) fand nun wieder in größerem Ausmaß statt – wenn auch nicht so umfangreich wie vor der Pandemie. Aber attraktiver konzipiert. Schöne Orte hatte sich die Messe schon immer ausgesucht, dieses Mal war die frühere Pariser Börse, das Palais Brongniart, ein besonders schönes Ambiente und die Gesamtpräsentation besonders ansprechend gegliedert. Über eine weite Etage erstreckte sich die Ausstellung, in ihrer Mitte vorwiegend Accessoires und Schmuck, in angrenzenden Räumlichkeiten Sonderpräsentationen von Seoul/Korea und Italien.

Der Krieg in der Ukraine hat, soweit wir mitbekommen haben, die Pariser Modewoche nur sehr wenig beeinflusst, hier bei Tranoï war immerhin der Stand von Litkovskaya (Ukraine) sehr auffällig dekoriert. Die Designerin konnte ihre Kollektion nicht mitbringen und stellte sie in Form abrufbarar QR-Codes aus. Anschaulicher waren die Wandflächen mit angepinnten Fotos aus ihrer Heimat, in diesem Umfeld drehten sich durchaus viele Gespräche um die Situation und auch weiterreichend an den Ständen aus den Nachbarstaaten wie zum Beispiel Georgien.

Litkovskaya

Der allgemeine Trend zu nachhaltigen Produkten, besonders das Material betreffend, wird in fast allen Stand-Gesprächen unterstrichen und spezifisch erklärt, die ästhetische Innovationsfreude berührt das hier aber wenig. Viel manuelle Arbeit, nicht nur bei der Kleidung sondern besonders bei den reich vertretenen Accessoires führt dementsprechend auch zu pfiffigen und eleganten Ideen. Materialien und Oberflächen bei der Kleidung zeigten einen Trend zu weichen, mollig-flauschigen Stoffen, bei gleichzeitiger Abkehr von schlicht-neutral reduzierten Schnitten. Und bei den Accessoires zu reliefierten bzw. aufgetragenen Oberflächen und ausgefalleneren Formgebungen.

Die besonders thematisierten Bereiche Italien und Südkorea stellten nur wenig Ländercharakteristisches heraus, leider. Sogar bei unserem Favoriten Doucan war der asiatische Touch weniger ausgeprägt als es bei seinen Fashionschauen in Seoul anmutete. Aber an einigen Ständen auf der Messe war der kulturelle Herkunftsort dann doch erspürbar, so zum Beispiel die Herstellung der Kollektion der Rara Avis Gruppe im Iran.

Die Tranoï-Messe hatte dieses Jahr sogar eine größere Laufsteg-Schau im Programm (wir werden später berichten), und zwar mit den Designern aus Seoul. Eigentlich eine gute Erweiterung im Rahmen der Fashionweek, gerade weil der ambitionierte Ansatz sich neben den üblichen Pariser Starrummel stellt; die ausgeprägte Ignoranz und Arroganz, die wir sonst bei Pressestellen von Fashionschauen in Paris kennen, hat aber leider auch hier die Arbeit des Presseteams ergriffen, was schon im Vorfeld die Sympathie für die Veranstaltung beeinträchtigt. Insofern hat die sonst vorbildliche Arbeit von Tranoï noch erheblichen Verbesserungsbedarf, mussten wir leider feststellen.

Über Hundert Designer stellten dieses Mal aus, wir stellen in frei-subjektiver Zusammenstellung nur einige interessante Spotlights heraus, es waren zu viele, um alle vorzustellen und zu kommentieren.

Accessoires

PIPATCHARA:

COCHAINS:

ZMAI:

ALPO GUANTI:

ALEX DE PASE:

Kleidung

DAVID TLALE:

LOUISE MARCAUD:

NARGES TAFI:

CHATSMA:

RARA AVIS:

CELINE KWAN:

SUSANA BETTENCOURT:

GUIDO VERA:

Sonderbereich Italien

SARTORIA 74:

CHIARA PERROT:

ARTIGIANO DEL GUANTO:

MAISON APNOEA:

Sonderbereich Seoul

BMUET(TE):

BONBOM:

EENK:

BEYOND CLOSET:

WNDERKAMMER:

DOUCAN:

C-ZANNE:

SEOKWOON-YOON:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Der große Effekt ist in Paris eher ausgeblieben, obwohl die Modewelt darauf spekulierte, mit authentischen Liveshows wieder in dem Mittelpunkt zu rücken. Die Einbußen in diesem Sinne waren ja beträchtlich gewesen, mit den pandemiebedingten Reiseverboten, reduzierter Publikumsbesetzung bei Liveshows und weniger spektakulären Digitalpräsentationen der letzten Saisons. Ersteres hatte besonders die asiatischen Labels betroffen, die aber jetzt noch nicht in voller Präsenz wieder in die Modehauptstadt angereist sind. Immerhin waren die Starts großer Labels wie zum Beispiel Dior (Grazia Chiuri) farbenfroh ausgerichtet, mit Rückgriffen auf sonniges Italien der 60er und lockerer Freiheit der Frauenmode. Ähnlich bei Yves Saint Laurent mit einem Rekurs auf die Ära Paloma Picasso. Dieser Esprit konnte die Szene schon etwas auffrischen, aber echt Neues kam nach unserer Beobachtung ansonsten nicht spektakulär daher.
Im Gegenteil, statt der üblichen Sternstunden auf den Laufstegen wurde sogar die Newcomerin mit den tiefgelegten Ansprüchen, Marine Serre, zum Beispiel in Le Monde besonders herausgestellt, mit einem Konzept um einfaches Kochen und Essen herum, simpel und anspruchslos, stattdessen ökobewußt überfrachtet.

Etwas interessanter erschien uns das Stöbern auf der Trade Show Tranoï Paris Women’s September 2021, die aber diese Saison auch noch sehr geschrumpft daher kam, zwei Räume im Palais de Tokyo statt wie früher zwei ganze Gebäude. Zehn Labels wurden von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode beigesteuert, etwa 50 waren insgesamt präsent. Die eigene Präsentation der Fédération entfiel mit dem Zusammenschluss der beiden Newcomerformate dieses Jahr.

Ein paar neue Labels fielen uns besonders auf, die hier noch keine Erwähnung fanden. Besonders KARIMA, ein griechisches Label von Kalliopi Karavassili, das sich auf reine Handarbeitsstücke spezialisiert, aus edlen Materialien wie Seide aus Soufli. Jedes Einzelstück ist ein kreatives Unikat, alle feiern elegante Sexyness und komplizierte Knüpftechniken – verbunden mit einem Hauch von Folklore. Wenn die Sachen über andere Kleidung getragen werden, also eher ohne den starken sexy Impact, teilt sich das kreative und handwerklich raffinierte Konzept noch immer mit.

Überraschend sexy tritt auch die Kollektion von IHAB JIRYIS auf, wenn man bedenkt, dass der Designer in  Nord-Palästina arbeitet. Seine elegante Kollektion mit avantgardistischem Touch wurde letztes Jahr bereits auf der Arab Fashionweek gefeiert. Mit diversen Abschlüssen im Modedesign blickt er auf eine sehr fundierte Ausbildung zurück und focussiert sich auf Abendmode und exquisite Couture-Kleider.

LEAFY Natural Couture ist ein Label, das sich seit 2008 mit einem sozialen Projekt in Brasilien verbindet. Die Teile der Kollektion werden von Müttern, die in kleinen Fischerdörfern in Südbrasilien leben, sorgfältig aus handgesponnenem Seidengarn handgefertigt und mit organischen Pigmenten (wie Matekraut, Eukalyptusfasern, Kaffee und Urucum) gefärbt – damit soll die Kultur der traditionellen Handwebtechniken gefördert und bewahrt werden. In Verbindung mit sehr kreativem und zeitgenössischem Design ist diese Kollektion von bestechender Schönheit.

Bei der steten Recherche nach neuen Technologien und Kunsthandwerk ist die Designerin des Labels ARMINE OHANYAN PARIS auf den Künstler Kiichiro Ogawa gestoßen und hat mit ihm ein fantastisches Projekt (Collection No Season III – Edition limitée) für Hosen, Shirts Jacken und Mänteln kreiert, dazu Kleider: dynamische Grafik auf strenge Schnitte beziehungsweise Silhouetten in Beige wachsen zu einer tollen Kollektion zusammen. Außerdem ein Segment (hier nicht gezeigt) bestehend aus grauen und taubenblauen Stücken ähnlicher Formen, aus denen aber Reihen aus Rechtecken herausgestanzt sind. Insbesondere der erste Teil besticht durch seinen Kontrast der freien Bewegung und der streng beherrschten und reduzierten Form und der Farben Beige mit Schwarz in der eindeutig japanischen Charakteristik.

Das Label ZILLA aus Bolzano, Italien, entwirft knittrige oder flauschige Taschen von eigenartig elegantem Reiz. Die Oberflächen sind oft auffällig, leuchtend, manchmal sogar irisierend. Besonders die Futter sind so ausgelegt, um das Auffinden der Inhalte zu erleichtern. Die Designerin Sylvia Pichler liebt pragmatische Anliegen für die Nutzung, Verwandelbarkeit und haptische Qualität. Laminiertes Leder oder Nylon sind häufig genutzte Materialien. Einige weitere kleine Accessoires wie eine Handytasche, ein Schlüsselanhänger, ein Schlüsseletikett und ein Hut wurden dieser Saison hinzugefügt, um die Kollektion zu vervollständigen.

Der Abschnitt „Designer Collection“ präsentiert je ein Stück der von der Fédération de la Haute Couture et de la Mode („designed by Alkeon“) ausgewählten Designer:

AVEC LE VENT:

THE STOLEN GARMENT:

ENFIN:

INGOROKVA:

OQLIQ:

TATA CHRISTIANE:

Für den März des kommenden Jahres hoffen wir dann wieder auf ein breiter gefächertes Angebot der Trade-Show, die – das ist der Vorteil zu den gebotenen Laufstegschauen – mehr Geheimtipps vereinigt, als das sensationsheischende Hauptprogramm. Wenn auch nicht so exclusiv und so exquisit und für uns bildmäßig nicht so exzellent.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine eigene Abteilung auf der wohl relevantesten Kunstmesse Berlins für Modedesigner ist, wie auch schon im letzten Jahr gestartet, ein einladendes Entgegenkommen der POSITIONS. Verschmolzen sind die Abteilungen noch nicht ganz und die Mode fügt einen eigenen Titel (Fashion Positions) hinzu – es ist gut, dass da noch nicht alles in einen Topf geworfen wird. Aber trotz allgemein verschiedenen Bereichen sind im Raum die Übergänge dazwischen fließend und die Modeleute wollen das offensichtlich auch so verstanden wissen.

Auf den ersten Blick scheint das auch einleuchtend, denn Modedesigner entwerfen auch Künstlerisches und arbeiten auch in künstlerischen Prozessen. Wenn dann das Künstlerische als Print auf Kleidung aufgebracht wird, bleibt das Ergebnis Kunst? Wenn erkennbar modegestalterische Verfahren zweckfrei (also ohne Kleidung) zu großen Bildern gelangen, gehören die dann in eine Kunstausstellung? Und wenn eine Modeschöpferin mit einem Künstler interagiert, wechseln sie damit ihre Standorte? Alle ausgestellten Arbeiten der Modedesigner referieren auf solche Bezugnahmen auf unterschiedliche Weisen und rücken ihre Arbeit damit durchaus sinnvoll in die Nähe der Kunst auf der Kunstmesse, offenkundig übergriffig ist die Selbstpositionierung noch nicht. Aber der Kunst- oder Modeinteressierte muss an dieser Stelle sein Definitionsbild überprüfen oder auch korrigieren und mit der Auflösung des Kunstbegriffes und möglicher Definitionen dazu wird der Horizont nun noch flauer.

Am besten ist es wahrscheinlich, man sieht das Problem sportlich, denn in den meisten Fällen sehen die ausstellenden Modedesigner das auch so und die Künstler beziehungsweise Galeristen äußern sich in der Regel generös oder partnerschaftlich, wenn man mal nachfragt. Erstens spielt ja auch der Konkurrenzgedanke hier keine Rolle und zweitens weiß auch jeder, dass das künstlerische Niveau auf dieser Kunstmesse ein sehr breites Spektrum hat. So gesehen sind die künstlerischen Ambitionen der Modedesigner sehr erfrischend oder ihre Verweise auf zentrale Inspirationen überraschend.

In diesem Sinne ergänzen wir unseren optischen Parcours mit einigen Randbemerkungen, Gedanken und Zitaten. Die meisten Designer präsentierten schon Arbeiten auf der letztjährigen POSITIONS, grundsätzliches ist darum nicht neu.

Julia Bajanova – Elevated Politics: Ihre neue Kollektion transferiert weibliche Symbole wie Schuhe in die Materialität von zarten, transparenten Dessous, eine Mischung aus surrealer und sozialkritischer Betrachtung, gestalterisch freier Reflexion sinnlicher und politischer Implikationen. Die Pragmatik von Modedesign wird ad absurdum geführt.

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Damur – How many Pants do you have?: Das Label hat auf seiner grüne Schautafel mit der roten Schrift die Illustration ausgetauscht und ein aktuelles Schauobjekt (zum Thema Upcycling) dazu gestellt. Seine Referenz zu Kunst ist einfach: Da aus seiner Sicht Ästhetik in unserer Zeit kein Gestalt-Kriterium mehr ist, ist ein Gedanke oder ein visulles Konzept dieselbe Basis und Essenz für Kunst und für Design.

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Schmitd – Moiré Duvets: Die Oberfläche von Moiré-Stoffen verändert sich dauernd im Flusse von Bewegung – des Materials oder des Betrachters. Sogar im Sinne dreidimensionaler Tiefeneffekte. Für die Modedesignerin eine Analogie zu Träumen und Oszillation des Geistes, was die Pragmatik von Kleidung ersetzt durch abstrahierte Fantasien, die das Material und seine funktionale Form verlassen.

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Lou de Bètoly arbeitet schon lange sehr frei. Es spielt für sie kaum eine Rolle, ob sie ihre spielerischen Gestaltungsexperimente und Textilen als Kleidungsstück macht oder als ein Bild für die Wand. Das Anliegen, der Leitgedanke sind identisch.

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Claudia Skoda: Die Modeschöpferin hat ihre Arbeit seit den 80er Jahren schon immer im Kontext der künstlerischen Szene Berlins angelegt, sowohl was die Bedeutung als auch was die Gestaltung betrifft. Sie zählte zum künstlerischen Personal wenn es um Festivals und medienübergreifende Performances ging und inszenierte ihre Modearbeit auch meist in dem entsprechenden geistigen Kontext und Stil. Sie verstand ihre Modegestaltung selbst als Kunst. Es war quasi revolutionär, dass Mode Teil der Punk und New-Wave-Bewegung war, wenn auch auf andere Weise als Vivienne Westwood, die ja nur die radikalen Outfits für die Punk-Bewegung kreierte.

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Atelier Elle Pé – Luisa Pflüger & Alessandro Ametta: Luisa Pflüger macht Schmuck aus Bambus, der in ihrem Garten wächst. Eher schwer wirken die manchmal opulent wirkenden Objekte, sind faktisch aber ganz leicht. Neben diesem Narrativ ergibt sich die Verbindung zu Kunst aus der Arbeit im selben Atelier mit dem Fotografen Alessandro Ametta, von dessen Farbambientes und ästhetischen Konzepten sie sich zu Ideen und Umsetzungen inspirieren läßt.

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Blaucraut: Die Nähe zu Kunst erschließt sich bei der Blaucraut-Präsentation nicht zwangsläufig, auch wenn die formale Gestalt etwas bizarr oder frei-abstrakt daher kommt. Aber diese Kombination, die den praktischen Zweck verläßt, macht es vielleicht schon aus.

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Brachmann & Axl Jansen – Mies van der Rohe Haus Berlin: Schon seit geraumer Zeit arbeitet Brachmann projektartig an Architekturmonumenten der Moderne und versucht, deren stilistische und konzeptuelle Merkmale auf Kleidungsgestaltung zu übertragen. Und damit auch die entsprechende Leitidee. Sie arbeitet dann auch mit gleichgesinnten Fotografen (bzw. Videomacher) zusammen, auf deren Fotos (Filmen) die formstilisierten Ergebnisse, zum Teil auf wiederum neue Ebene gehoben, zu einem schlüssigen Ganzen zusammengebracht werden.

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CRUBA – Bónding: Die Arbeiten von Cruba sind nicht selten Ergebnisse weitreichender Gedankenspiele, die sich aber nur schwer „zurückverstehen“ lassen. Die hier gezeigten Arbeiten beziehen sich laut Infotext auf die Monte-Verita-Bewegung, eine kleine Reformergruppe aus dem Beginn des 20. Jahrhunderts. Das Zusammenspiel von Kleidung und Tanzbewegung symbolisiert für die Designerin eine ganzheitliche, naturverbundene Kooperation, in diesem Sinne gestaltet sie die Silhouetten. So verstanden sind die Sachen weniger aufs Tragen hin konzipiert sondern eine an Kleidung angelehnte Visualisierung einer Weltanschauung.

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Equipe Berlin ist ein Zusammenschluss von vier Berliner Modelabels mit nachhaltigem Ansatz und Verfechtung traditioneller Handwerkskunst. Abgesehen von der stilistisch formalisierten Präsentation ist uns die Brücke zu künstlerischem Denken und Handeln nicht ganz klar geworden.

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Fiona Bennett – Mix vor Grafik: Es heißt, ihre Hüte seien inspiriert von vielen Besuchen in Künstlerateliers. Wie im letzten Jahr präsentiert sie eine Auswahl ihrer Hüte vor einer riesigen Grafik, so dass die optische Verknüpfung eine Verlängerung in den Bildraum hinein oder umgekehrt aus dem Bildraum heraus ergibt.

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Laura Gerte: Upcycling aus Stoffresten mit reizvollen Mustern und wertigen Stoffen, oft Seide. Ein Schicht von unzähligen Smileys darüber gedruckt ist dann das verbindende Netz – und Signal für gute Laune. Der Bezug zu Kunst bleibt noch offen, so lange einem keine sarkastischen Gedanken ins Hirn schießen.

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Esther Perbandt – Stadt: Der Beitrag der rennomierten Berliner Designerin versucht sich dieses Jahr in reiner Kunst. Ein Triptychon zum Thema Stadt, das von rechts nach links zu lesen ist – als Fläche, bebaute Fläche und untergegangene Stadtzivilisation. Es ist wohl ein Auftragswerk, das die Idee der Nähe zwischen Modeschöpfung und Kunst hier ganz gut auf den Punkt bringt – nicht zuletzt auch durch die textilen Materialien als Ausdrucksmittel.

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Starstyling – process of a look book shoot: Schon im letzten Jahr erschien das Label mit einer gewissen Verweigerungshaltung („Kunst – Mode – Scheisse“) und Komplexität des Erscheinungsbildes. Sowie einer seltsamen Aktion. Die leicht anarchistisch daherkommende Präsentation spiegelt auch schon den Produktionsprozess, der möglichst frei von stilistischen Bindungen, ästhetischen Grenzen und linearen Konzepten funktioniert. Kreativität um ihrer selbst willen, spontane Ideen und Experimente prägen das Tun und die Ergebnisse, große Vielfalt in allem und lockerer Umgang mit den Herausforderungen. Dass das Gestaltungspaar und seine Freunde das alles auch nicht sonderlich ernst nehmen (der ironische Labelname spricht ja schon Bände) ist durchaus eine ungewöhnliche Position im ansonsten recht kämpferischen Modebusiness.

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Steinrohner: Ein Paar, zwei Gestalter. Die künstlerischen Grafiken des Mannes überträgt die Frau auf Kleidungsstücke. Die Frage, ob Kunst (beziehungsweise Textildesign) damit auf- oder abgewertet wird, stellt sich für das Label wohl nicht, die Dialektik ist gelöst. Der Betrachter sieht mit der Synthese immerhin schöne Mode.

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Veronika Wildgruber & Mark Pillai: Ein Zusammenschluss zwischen Brillendesign und Modefotografie – eins adelt das andere.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist vielleicht müßig, hier prinzipiell über die Nähe oder Verschiedenheit von Fashiondesign zu Bildender Kunst zu diskutieren, weil man die Einbindung von Modedesignern aus Berlin in die jährliche, dieses Jahr bereits verschobene Kunstmesse POSITIONS im Prinzip als einen solidarischen Akt verstehen kann, denn auch die wesentlichen Fashionveranstaltungen in Berlin sind alle ersatzlos ausgefallen und das hat eine schmerzliche Lücke offenbart. Das Experiment ist insofern gelungen, als sein Konzept klug angelegt ist. In den Messehallen besetzen 20 ausgesuchte Modedesigner Expositionsplätze im hinteren, abschließenden Hallenabschnitt, die alle versuchen, mit der Präsentation ihres jeweiligen Modekonzeptes eine erkennbare Verbindung zum freien künstlerischen Arbeitsprozess sichtbar zu machen und damit die Anbindung schlüssig erscheinen zu lassen.

Dies geschieht mit recht unterschiedlicher Pointierung, Michael Sontag zum Beispiel stellt nur Bildwerke aus, Litichevskaya dagegen reproduziert die schablonierten Prints der Kleidung noch einmal auf den Stellwandhintergrund als dekoratives Pseudobild.

Michael Sontag:

Litichevskaya:

Doch der Zusammenschluss ist so selbstredend nicht. Das Designerteam Starstyling hat da offenbar Zweifel und provoziert schon mit eigenen T-Shirt-Beschriftungen „KUNST MODE SCHEISSE“ gegenüber dem Anliegen des Ganzen und weiter mit denkwürdigen Fragen und Bildkombis auf großem Videoschirm. Sie sind aber die einzigen, die sich selbst mit der Hinterfragung der Herausforderung präsentieren.
Grundsätzlich stehen die gezeigten Modeentwürfe nie für sich selbst, denn der Entwurfsprozess ist immer Thema. Damit sind die Modedesigner letztlich transparenter als die meisten Bildenden Künstler, die davon ausgehen, dass ihre Arbeiten das Anliegen von selbst erschließen. Aber auch die Modedesigner müssen oft zusätzlich noch erklären, sonst bleiben ihre Exponate rätselhaft. Von Tra My Nguyen erfährt man zum Beispiel, dass die Kleidung aus einer ursprünglichen Motorradabdeckung entstanden ist. Die hat sie zerschnitten und die Teile als Kleidungsstücke hergerichtet. Die ursprünglichen, vorgefundenen Stoffmuster hat sie in den Computer geladen, vermischt, manipuliert und zu einem neuen, eigenen Muster transferiert. Mit einem speziellen Printverfahren hat sie Stoffe neu gestaltet und dann Kleider daraus genäht. Die Ergebnisse wirken für sich zunächst zwar etwas fade, aber mit der Kenntnis der kreativen Transformprozesse lädt die Rezeption sich neu auf – und bei der Anschauung auf den gezeigten Videobildern mit der Kleidung am menschlichen Körper bekommen die Stücke eine eigene Klasse.

Starstyling:

Tra My Nguyen:

Etwas unkomplizierter wird die Verbindung von Modedesign zu Bildender Kunst da, wo der Designer gleichzeitig selbst geschaffene Bilder und Kleidung präsentiert, das eine quasi das andere reflektiert und mit anderem Medium fortsetzt. Das haben viele so gemacht. Ein weiteres gelungenes Beispiel findet sich bei Fiona Bennett, die ihre Hüte gleichsam optisch in eine luftige und originelle zeichnerische Anmutung integriert.

Fiona Bennett:

Brachmann hat zusammen mit einer Fotografin ein Projekt vorgestellt, mit Franziska Stünkel. Deren Fotos zeigen Transparenzen und Spiegelungen als geschichtete Verbindung bzw. Überlagerung mehrerer Realitätsausschnitte in einer identischen Erscheinung. Parallel hat Brachman ihre Bekleidung als Schichtung mehrerer Flächengestaltungen angelegt und versucht damit, Kleidung als Synthese differenter Elemente in die Wahrnehmung zu bringen.

Brachmann und Franziska Stünkel: 

Manchmal wirken die Inspirationen der Gestaltung etwas einfacher, das legt jedenfalls die symbolbefrachtete Präsentation nahe. So der klassische Naturbezug bei dem Schmuckatelier Elle Pé oder bei Annitian.

Atelier Elle Pé: 

Annitian:

Konkret Bezug auf die gegenwärtige politische und gesellschaftliche Situation nimmt Cruba. Fragen aus Gesprächen, die als solche stehen bleiben, werden als Text belassen (z.B. „I do not understand“) oder die Ratlosigkeit in Zeichen transferiert und der Wust der Verwirrung als großes grafisches Bild oder Muster auf Kleidung geprintet.

Cruba:

Damur ist jetzt auf die Frage des Überflusses und die Idee des Kleiderrecyclings gestoßen. „Wieviele Hosen hast du?“ fragt er die Besucher und an einer Pinwand sollen sie ihre Zahl zu den vielen anderen hinzufügen. Mit dem Recycling von Kleidungsstücken thematisiert er für sein Konzept nun das Unikat, ein ganz neuer Aspekt. In Sachen Reflex auf zeitgenössische Haltungen ist er stets dicht an den ideologischen bzw. soziologischen Trends, die er mit seinen völlig darauf ausgerichteten Konzepten nicht nur zu spiegeln sondern auch zu verstärken sucht.

Damur:

Esther Perbandt im Gegensatz dazu verfolgt weiter experimentell ihre gestalterische Leitidee, die fast ausschließlich in Schwarz navigiert und dem Monochromen stets neue Reize und Gestaltungsverfahren abzugewinnen sucht. Mit einem Plotterverfahren entwickelt sie gerade Oberflächenapplikationen, die sowohl auf Papier und vergleichbaren Gründen ihr Eigenleben entfalten, als auch auf Kleidungsstücken. Insgesamt ist ihre Kollektion wesentlich eleganter im klassischen Sinne geworden, die Schnitte und Formen sind nicht mehr so crazy. Bei Schmuck leben schlicht und skulptural nebeneinander.

Esther Perbandt:

Lou de Bétoly ist ein Klassiker des Berliner experimentellen Fashiondesigns (angefangen und berühmt geworden mit Augustin Téboul), ihre konzeptuellen Handarbeiten zeigt sie als eigenständigen, handgemachten Textilentwurf wie ein Bild und als manuellen Eingriff und Brechung in ein asymmetrisches Kleid bzw. mit definierenden Applikationen.

Lou de Bétoly: 

Auch die Designerin von Pugnat hat zu konzeptueller Handarbeit gewechselt. Sie kommt von der industriellen Strickfertigung und versteht diese rückblickend als ein flächiges Gestaltungsprinzip. Mit dem Stricken von Hand geht sie nun dazu über, skulpturale Formen zu erproben und damit dieser Handwerkstradition eine spezifische Option abzugewinnen. Damit wird dem menschlichen Körper ein neuer, selbst wirkender Körper hinzugefügt.

Pugnat:

Trippen ist ein Designertrio, das auf Schuhdesign spezialisiert ist. Besondere Gestalt bekommen die Sohlen, die sich erst richtig sichtbar als Spuren hinter dem Besitzer manifestieren. Wie Stempel, die bei der täglichen Bewegung des Trägers Bilder hinterlassen, wenn auch ephemer.

Trippen:

Wanda Wasabi sind zwei asiatische Designerinnen, die sich ebenfalls auf Kleiderrecycling focussieren, allerdings ästhetischer und kulturspezifischer geprägt. Second Hand Kleidung ist in Japan eher eine verachtete Domäne, und das betrifft besonders Kimonos und andere klassische Kleidung. Die wird nur von einem Besitzer getragen und findet keinen Nachfolger. Bei den oft sehr aufwändig hergestellten Stücken ist das eine Schande. Wanda Wasabi schlagen nun mit ausgemusterten Kimonos eine Brücke in die Moderne, indem sie diese zu aktuellerer Kleidungsgestalt komplett umarbeiten und damit das Edle vergangener Kleidung und deren tradierte Muster in die Gegenwart einbinden.

Wanda Wasabi:

Einen kombinierten Abschnitt mit sechs Nachwuchsdesignern belegt „Fashion Positions Academy by Berliner Sparkasse“. Es handelt sich um prämierte Abschlusskollektionen von Studenten, die jeweils einer thematischen beziehungsweise experimentellen Leitidee folgen:

Dennis von Eichmann (Vast & Arid) bezieht die Gestaltungsästhetik seiner queeren Kollektion auf Wüstenlandschft und ihre atmosphärischen (besonders farblichen) Besonderheiten. Babette Bacherle und Tristan Wippermann (Des Kaisers neue Kleider) behandeln jeweils das Thema der mysteriösen Nacktheit des Mannes und der“toxischen Maskulinität“. Bei Laura Gerthe (8 Friends From The Gym Meet For A Picnic) werden plastische Ausformungen erprobt, die Integration von Mustern und die Manipulation des vorgefundenen Textils mit dem Anspruch, die Möglichkeiten so weit zu treiben wie es geht. Corina Erhard (Beyond Black and White – Farbe bekennen) sucht eine politische Haltung über Modegestaltung zu suggerieren, das Aufbegehren mit demonstrativer Power in Bezug auf sexuellen Missbrauch. Helena Stölting (Femoid) geht es um die Zwischenzone weiblicher Attraktivität und dem Ekel im verdrängten körperlichen Frausein (Menstruation etc.), deren natürliche Daseinsberechtigung sie offen legen will.

Dennis von Eichmann (Vast & Arid):

Babette Bacherle und Tristan Wippermann (Des Kaisers neue Kleider):

Laura Gerthe (8 Friends From The Gym Meet For A Picnic):

Corina Erhard (Beyond Black and White – Farbe bekennen):

Helena Stölting (Femoid):

Insgesamt ist die Einbindung des Fashionsegmentes in die POSITION Kunstmesse ein sehr gelungenes Experiment, denn es wird deutlich gemacht, dass Modedesign in Berlin in der Prozesshaftigkeit seiner Konzeptionen durchaus einen Anspruch hat, der über klischierte Modeflachheit weit hinaus geht. Und die Abschlussarbeiten der (Ex)Studentinnen belegen darüber hinaus, dass das Modestudium gesellschaftliche Reflexion fordert, um die Gestaltung substantiell zu machen. Dies einem kunstaffinen Publikum nahe zu bringen, ist durchaus ein Verdienst, wie überhaupt die gesamte Messe sich auch konzeptuell über die bloße Standvermietung hinaus engagiert. Angesichts der Problematik, dies auch in Zeiten der akuten Pandemie überzeugend zu realisieren, ist es erwähnenswert, dass die Vorsichts- und Achtsamkeitsmassnahmen auf strengste und vorbildlich berücksichtigt sind und auch kontrolliert werden.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

An der Hochschule Hannover ist der Studiengang Modedesign Teil einer Gruppe von insgesamt 15 Masterstudiengängen (Medien, Information, Design) und stellt die Aspekte Nachhaltigkeit, Digitalisierung und Ethik als inhaltliche Schwerpunkte heraus. Im Rahmen dessen fordert sie die „Entfaltung individueller Handlungsspielräume und Entscheidungsfreiräume“ für selbstbestimmte Gestaltung.
Besonders erwähnt wird bei der Selbstbeschreibung eine Spezialisierungsoption auf nachaltige Designstrategien, auf Männermode und auf geschlechterübergreifende Enby-Mode (nonbinary). Damit wird formal schon eine ideologische Ausprägung angedeutet, die zwar kein Alleinstellungsmerkmal darstellt, aber doch den Geist des Modedesigns vorprägt und strukturell institutionalisiert. Die gezeigten Kollektionen und die Kataloghinweise bestätigen auch klar, dass die Basis des Modemachens wesentlich ideell (oder ideologisch) geprägt ist bzw. sein sollte und die Suche nach visuellen Konzepten und ästhetischen Qualitäten bestenfalls eine untergeordnete Rolle spielt. Nur wenige, sich behauptende Ausnahmen bestätigen die Regel.

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Patrick Rizzo „A Colour“.
Die Ton-in-Ton-Stickereien mit provokanten Inhalten sieht man aus der Entfernung nicht. Sie sind aber wichtiger Bestandteil einer umfassenden sozialen Philosophie, die sich mit Rassismus beschäftigt, mit Land- und Kulturraub, Genoziden, Vorurteilen, fragwürdiger Fortschrittlichkeit und vielem mehr. All das fasst sich in Patrick Rizzos Modedesign zusammen in gedeckter Ton-in-Ton-Farbe und schlichter Gestalt. Gleichwohl ist ein einheilicher Style nicht erkennbar und vielleicht auch angesichts der Problemvielfalt nicht angestrebt.

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Lars Lahrmann „x/10“
Eine Kollektion, die ästhetischen Ansprüchen und praktischem Nutzen folgt. Die vorbildlichen Kriterien sind Gestaltungsansprüche des bauhaus und deren Nachfolge mit Dieter Rams. Auch wenn das Ideal schon abgenutzt erscheint, entwickelte Max Lahrmann daraus eine Ready-to-Wear-Kollektion von 10 Basics der Männerkleidung mit Focus auf Funktion und Qualität in zeitgemäßer Ausprägung (z.B. mit kurzen Hosen, die damals für Männer aus Geschmacksgründen noch verpönt waren).

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Annika Jasmer „Brennum allt“.
Mit Faszination für Island im Hinterkopf entwirft die Designerin Mode für Umweltbewusste, mit Pflanzenfärbung, handgewebten Stoffen und hochwertigen Naturmaterialien, also ganz radikal und rudimentär ökologisch ausgerichtet. Die Kleidung soll zudem Herausforderungen der Naturgewalten trotzen, was man ihr zwar nicht unbedingt ansieht, aber als eine geistige Verortung gedacht ist.

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Claudia Bumb „Under Water Over Flow“.
Auch dieses ist eine gezielt ökologische Kollektion, thematisch begründet sie sich in der Verschmutzung der Meere mit Plastik. Die verwendeten Materialien (upgecycled aus Cellulose, Seide, Baumwolle und Meeresplastik) sind kreislauffähig ausgesucht. Die Gestaltung versucht die gedanklichen Verweise anzudeuten, ist ansonsten aber noch eher unentschieden formuliert.

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Christiane Gawlik „Reckless Abandon“.
Auch dies ist eine eher klassisch ausgerichtete Streetwear-Kollektion mit Anspruch an Belastbarkeit. Ideell ist sie aus einer allgemeinen Begeisterung für jugendkulturelle Freiheit und für die Stärke der Rebellion erwachsen, eine repräsentative Ästhetik dafür ist allerdings nicht wirklich erkennbar.

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Jingjing Qi „Boochen“.
Die Designerin hat ein Surfwear-Label gegründet und verfolgt entsprechend das Ziel, praktische und farbenfrohe Kleidung für dieses sportive Umfeld zu kreiieren. Ein ideologischer Anspruch an Ökologie drängt sich hier nicht unnötig auf, er ist in den nachhaltigen Materialien und der Funktionalität aber selbstverständlich.

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Svea Behrens „Razzzle Dazzle“.
Auch diese Unisex-Kollektion ist erfrischend farbenfroh – Mintgrün, Rosa, Hellgelb und -orange („Candy-Farbkarte“) evozieren Lebensgefühle der 50er und 80er Jahre, die Formen und Silhouetten sind allerdings aus der Gegenwart entnommen. Geometrische Flächen, vorwiegend Rechtecke, werden spielerisch und kontrastierend kombiniert. Auch wenn dieser Formenkanon oft etwas konträr und sperrig anmutet, ist doch die dominierende Farbgebung ein Signal der Lebensfreude und einer gewissen Leichtigkeit.

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André Rosenberg „&RE“
Die schwule Unterwäsche-Kollektion für Männer ist aus einem kämpferischen Geist der darstellenden Selbstbehauptung erwachsen. Wenn auch die Etablierung solchen kulturellen und sozialpolitischen Bewusstseins in der Mode durchaus ideologische Berechtigung hat, so bleiben die vorgeführten Teile doch eher selbstverständlich sinnlicher Natur, entwickeln eigene ästhetische Vorstellungen, erotische Signale und extrovertierte Sexualität. Der Kampfgeist schwingt eher in der Entschiedenheit mit.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Die „Angewandte Kunst Schneeberg“ in Zwickau versteht sich als möglichst offene Hochschule mit vielen persönlichen und experimentellen Freiräumen einerseits und gleichzeitiger Focussierung auf praxisorientierte Professionalität andererseits. Damit ist sie thematisch offener aufgestellt als pointiert soziologisch reflektierende Hochschulen und in den Ergebnissen entsprechend breiter gefächert. Und die ästhetischen Ansätze erscheinen etwas prägnanter und professioneller gefordert (auch in ihrer geistigen Voraussetzung), als die Ergebnisse selbstdefinierender Suchen und revolutionierender Perspektiven. Soweit zumindestens der Eindruck, den die Schau und die Katalogbeiträge nahe legen.

Aus Beispielen der Schau wird aber auch eine spezifische Unterrichtsorientierung erkennbar, nämlich eine favorisierte Gestaltung mit geometrischen Entwicklungsprozessen, die allerdings sehr verschiedene Ansätze, Strategien und Prägungen hervorbringen.

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Aline Herzau “Future Fixes“.
Die Designerin sucht mit Materialexperimenten (Latex, Silikon, manipuliertes Textil) gefühlsgeprägte Kleidung zu machen und gleichzeitig Trendbewegungen aufzugreifen. Schon die Farbe Orange mit Weiß in Kombination, die Lässigkeit der Schnitte und aufscheinende Transparenzen suggerieren angenehme, unaufdringliche Emotionalität – es ist insofern eine inhaltliche Perspektive, als im Zeitgeist diese Sehnsucht mitschwingt.

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Jiri Spata „Antimonoton“.
Im Gegensatz dazu ist Jiri Spata eher von rationalem Vorgehen und Wirkungsinteressen geprägt. Er sucht flexible Anpassung von Kleidung an unterschiedliche Körpergestalten und geometrische Formulierungen, die das ermöglichen und zugleich einen avantgardistischen Zukunftsaspekt versinnbildlichen. Daraus entstehen unter anderem Unisex-Kleidungsstücke, die meist eher flächig und formal gedacht sind und von daher ihre Wirkung erzielen sollen.

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Madeleine Haber „Revamped 54“.
Das Gestaltungskonzept versucht einen Brückenschlag der disco-orientierten Mode der 70er Jahre (Studio 54) zu modernen Silhouetten zu schlagen. Auch sie bedient sich dabei geometrischer Gestaltungskombinationen, wie sie tonangebend in den 70s anfangs bei ABBA die Outfits und später z.B. die Thierry Mugler Kollektionen bis in die 80s prägten. Durch den Verzicht auf den Glamour-Anteil sowie bestimmter, spezifischer Schnittstandards der Epoche leitet die Designerin quasi eine zeitgenössische, gedämpfte Weiterentwicklung daraus ab.

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Sylvia Weber „Functionwear // Two Perspectives“.
Sehr pragmatisch entwickelt Sylvia Weber funktionale Kleidung im Spektrum von Arbeits-, Freizeit- und Businesskleidung. Sehr konventionell bedient sie sich dabei entsprechend praktischer, moderner Materialien und Verarbeitungstechniken und kooperiert mit tonangebenden Firmen auf dem Gebiet. Repräsentative Eigenschaften werden angedeutet, treten aber gegenüber Wetterschutz und Tragekomfort eher zurück.

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Linh Tran Thuy „Cultural Crossroads“.
Die Kollektion leitet sich aus speziellen folkloristischen Vorlagen ab (Hmong), bei denen ebenfalls geometrische Formulierungen die Schnitte und Muster bestimmen. Der Transfer der traditionellen Attribute in die Gegenwart führt zu neuen, eigenen Prägungen, aus denen sich zum Teil auch eine eigene Eleganz entwickelt.

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Ellen Judith Müller „Knit[ed]it“
Stricktechnik ist mittlerweile ein komplexes Verfahren geworden, das eigene Entwurfskonzepte verlangt und auch digitaler Programmierung bedarf. Die Entwicklung von der Fläche zur plastischen Form folgt anderen Wegen als bei klassischen Modedesignern und die Strukturierung und Oberflächengestalt des Materials ist wesentlicher Teil der Gestaltüberlegung, Muster im Gewebe eine besondere Raffinesse. Ellen Judith Müller zeigt besonders elaborierte Experimente, besonders mit einem Hosenanzug.

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Kristin Noack „Do/Cut“.
Lucio Fontanas Schnitt durch die Leinwandfläche läßt sich durchaus sinnvoll als Gestaltungskonzept auf Kleidung übertragen. besonders, wenn dahinter der reine Körper der Trägerin erscheint. Aber die Designerin versteht sich eher als Teil einer Avantgarde, den sogenannten Expeditiven. Versucht wird, den Konsumenten als Mitdesigner in die Gestaltung einzubeziehen, indem er interaktiv das Design weiter beeinflusst. Aus den hier gezeigten Kleidermodellen, die eher unspektakulär und klassisch daherkommen, wird das allerdings nicht erkennbar (soweit nicht ihr eigener Körper darin zur Wirkung kommt).

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Maria Salomé Buitrago Vasquez „Tropical Shades“ – Resort 20.
Der Zusammenführung zweier Kulturen, nämlich der von Lateinamerika (Strandmode) und der klassisch europäischen, widmet sich die Absolventin mit ihrer Kollektion. Die Verschmelzung der modetypischen Elemente spiegelt zwar auch den Prozess ihres eigenen Erlebens, zeigt aber letztendlich die positive gegenseitige Befruchtung, mit der die Trägerin sich identifiziert.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Es hat schon eine innere Logik, dass die Schauen der deutschen Hochschulen mit ihren „Best Graduates“ in Modedesign den Vorlauf der Fashionweek bestreiten und damit Erwartungen aufwerfen, wie die Studenten am Ende ihrer Studien ihren eigenen Zeitgeist reflektieren. Drei Schauen mit je drei Hochschulen sind ein ausgiebiges Programm, bei dem unzählige Gestaltungsstyles in schneller Folge letztendlich nicht nur Absolventinnen und Absolventen vorstellen, sondern auch Lehrkonzepte und letztlich sogar Eigenheiten der unterrichtenden Professoren bzw. Dozenten. Nicht selten nämlich werden noch Semesterkonzepte und -Themen erkennbar, von denen sich die Abschlussarbeiten nicht emanzipiert haben. Sowohl im technisch gestalterischen Sinne als auch im Blick auf intellektuelle Reflexion. In einer vorbildlichen Sammlung und Aufbereitung ist zu den Schauen ein Katalog erschienen („The Book“ 2020), der die vielen Positionen, Namen und Bildbeispiele zusammenträgt, um dem Erlebnisflash noch eine Aufbereitungsgrundlage zu bieten – leicht überdesigned aber gut strukturiert.

Teilnehmer waren die HAW Hamburg, Angewandte Kunst Schneeberg, HTW Berlin, FH Bielefeld, der Lette Verein Berlin, die Hochschulen Hannover, Bremen, Reutlingen und Halle. Das Format wurde bereits 2019 mit großem Erfolg erprobt und mausert sich schnell zu einer wichtigen Institution, die nicht nur die Suche nach jungen Talenten ermöglichen soll, sondern auch den Stand der Entwicklung der Mode im gesellschaftlichen und kulturellen Kontext vorzeigen will. Mit dem ausgegebenen Schlagwort „Fashion for Future“ tauchen schon diverse Implikationen und Anspielungen auf, die das innere Selbstverständnis des Modemachens in der Aktualität zu fassen versuchen. Dabei setzen die Hochschulen schon verschiedene Schwerpunkte hinsichtlich der branchenspezifischen Kontexte – Stichworte wären zum Beispiel Interdisziplinarität, sich verändernde Berufsfelder, kultureller und gesellschaftlicher Wandel, Künstlerpersönlichkeit, Marktstrategie, Material- und Verarbeitungstechnik, Geschichte, Präsentation und viele mehr. Nicht alles davon erscheint in einer Absolventenschau sichtbar, aber so manches wird spürbar über das jeweilige Exponat (und Parallelen in der Gruppe) hinaus. Im Katalog, der auch Statements und Leitideen zu den Looks aufführt, wird die ungefähre Orientierung schließlich manchmal deutlicher.

Mit drei Hochschul-Schauen stellen wir Beispiele vor (Hamburg, Zwickau, Hannover).
Die Hochschule für Angewandte Wissenschaften (HAW) Hamburg legt, laut Katalog, besonderen Wert auf klare Gestaltungsaussagen mit individuell geprägten Beiträgen. Genderüberlegungen und gesellschaftspolitische Statements und Auseinandersetzung sind offenbar wichtiges Thema im Studium. Das Frauen(selbst)bild spielt in der Schau eine wesentliche Rolle – Kleidung ist sozialer Panzer oder positionierendes Signal.

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Charlotte Strindberg „Lilith 2.0“.
Die Figur der Lilith hat viele verschiedene mythische Quellen, der Bezug hier meint aber wahrscheinlich nicht Bocksgeister sondern bezieht sich auf jüdisch-feministische Theologie (Midrasch), in der Lilith als eine Frau dargestellt wird, die sich nicht Gottes, sondern Adams Herrschaft entzieht. Großes, farbiges Hahnentrittmuster wird bei Charlotte Strindberg zur optischen Waffe, und bedeckt als zweite Haut schon mal den ganzen Körper. Hinzu treten große Drapierungen mit pointillistischem Muster auf Männerstoffen, die in grober Silhouette den Körper hart modifizieren. Haut bleibt dem Blick weitgehend entzogen.

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Joséphine Sagna „Painting Fashion“.
Die Absolventin ist zugleich bildende Künstlerin und sieht ihre Kleidungsentwürfe als Verlängerung dieses Schaffens. Auch sie bezieht sich auf die inhaltlichen Komponenten der Weiblichkeit, in der Zerrissenheit zwischen männlichen und weiblichen Aspekten mit farbigen Kontrastierungen und, wie bei den vorgestellten Outfits, männlichen und weiblichen Kleidungstypen in Verschmelzung.

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Sarah Niederaus „Insight Out“
versteht Kleidung als Schutz, weniger im Sinne von Wind und Wetter, wie es zunächst scheinen könnte, sondern besonders als mentaler Schutz interpretiert. Aus der Zeltplane einer Jurte gefertigt, hat die Trägerin metaphorisch ihre vier Wände am Körper, wenn sie sich im gesellschaftlichen Raum bewegt.

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Sonja Hormann „Desintegration“.
Die Arbeiten sind auf den ersten Blick nicht gesellschaftspolitisch und konzentrieren sich auf ästhetische Formulierungen. Sie repräsentieren gestalterische Transformation von Introspektion, allerdings körperlicher. Die Betrachtung der biologischen Konstellation der körperinneren Anatomie überträgt und überhöht Sonja Hormann mit einem Materialmix in verschiedenen Schichten und organischen Formen, die äußere Silhouette erhaltend. Die gezeigten Lösungen sind in diesem Sinne sehr subtil und genialisch und die konzeptuelle Strategie einer erprobenden Ästhetik ist – im Gegensatz zu den anderen Absolventen – als Ganze organisch verstanden und von daher vielversprechend.

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Catharina Holtgrave „Verlanden“.
Die Outfits beziehen sich auf Natur, sie führen ihr Erscheinungsbild auf landschaftliche Anmutung zurück (wesentlich Moorlandschaft), erdige Farben und Bodentexturen sowie Ausdehnungen und Einsprengsel assoziieren bzw. überführen Naturerfahrung. Das geht experimentell über eine bekannte Landarbeitererscheinung hinaus und lehnt an ökologische Sehnsüchte an. Es ist eine Perspektive des nomadischen Typus, der sich von urban orientierter Selbstbestimmung abwendet.

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Margarete Geisler „Under Construction“.
Auch hier geht es wieder um Geschlechterfragen, sogar um Diskriminierung, bezogen auf Berufswelt und -kleidung. Stoffe, Schnitte, Accessoires und spezifische Farbgebung aus Arbeitskleidung traditionell männlicher Berufe werden auf Frauenkleidung übertragen und die erzielte Widersprüchlichkeit in der sinnlichen Wahrnehmung geht schon über den spielerischen Witz hinaus. Der amüsante Impetus gesellschaftspolitischer Fragestellung bleibt aber soweit nur dahingestellt, reale Perspektiven für Modedesign ergeben sich daraus noch nicht.

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Katharina Rasch „61° 7′ S, 55° 11′ W“.
Die Imperial Trans-Antarctic Expedition ist für die Designerin das Sinnbild des Überlebens im zusammenhaltenden Kollektiv. Katharina Rasch sucht in diesem Ideal eine gestalterische Entgegnung auf gesellschaftliche Spaltungen, Zerfall und Isolierungen. Miteinander korrespondierende Schichtungen, Farben und Formen definieren daher die ästhetische Erscheinung eines Outfits, bodenständig, harmonisch, geschlechtsneutral und assoziativ offen für andere Kulturen.

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Céline van de Loo „Die Bedeutung des Objekts. Eine Sammlung“.
Kleidung will hier ebenfalls als Bedeutungsträger verstanden werden, Assemblagen von Fundstücken bilden semantische Konstrukte aus gesammelten Kleidungsstücken. Für die Designerin ergeben sich daraus vielleicht Geschichten und gedankliche (oder emotionale) Bezüge, lustvolle Reminiszenzen an gelebte Aneignungen. Für den Betrachter erscheinen die „Samplings“ eher als spontane, originelle Kleidungskombinationen mit überraschenden Effekten. Die spießige Abbildung eines Klassentreffens auf dem T-Shirt mag vielleicht noch bedeutungsträchtig sein, in Kombination mit den anderen Kleidungsstücken verschwindet das aber genauso wie die anderen Konnotationen und übrig bleibt weniger eine sinnliche, noch eine pfiffige Bekleidungspointe, geschweige denn ein ästhetisches Motiv.
Der vermutlich philosophische Gedanke dahinter ist dagegen schon interessanter, nämlich den Träger zu beauftragen, mit Kleidung kreativ eine eigene Geschichte zusammenzustellen anstatt modeindustriellen Vorgaben und Trends und Statements zu folgen. So verstanden führte die Designerin lediglich eigene Beispiele – gemacht für sie selbst – vor.

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Maximilian Lüers „Die unheimliche Frau“.
Mit seinem Interesse an surrealistischen Erscheinungen im Zusammenhang mit Frauengestalten entwickelt der Absolvent einen sehr sinnlichen Anspruch an seine Entwürfe, die das Nachdenken über „das Weibliche“, auch im abgründigen oder rätselhaften Sinne, einschließen. Dafür führt er Zufälliges zusammen, was ihm „weiblich“ erscheint und was den Titel der Kollektion evoziert. Zeitgemäß ist es in der ästhetischen Freiheit, emanzipiert dahingehend, dass die Rollenbeschreibung des Weiblichen aufgelöst und durch mystische Wesenheit ersetzt wird. Ein Ansatz, der die frauenkämpferischen Standards negiert und Eigentlichkeiten aufsucht. Die vorgeführten Outfits überzeugen in dieser Hinsicht allerdings noch nicht so sehr wie das Konzept dahinter.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Auch diese Saison zeigten Designer der Boutiquen im schönen Quartier 206 in der Friedrichstrasse mit einem eigenen Showformat ihre aktuellen Kollektionen, in einem Reigen aus 13 Schauen in drei Blöcken. Vertreten sind kleinere, aber durchaus nicht unbekannte Atelier-Labels – vorwiegend aus dem Osten, besonders Polen, aber auch aus dem Westen.

Erfahrungsgemäß funktionieren die ästhetischen Neigungen im Osten nicht selten in Richtung Glitzer, der ruhig etwas kräftiger aufgetragen sein darf. Auch Sexyness darf dabei oft etwas vordergründiger erscheinen, doch in dieser Saison gab es in dieser Hinsicht nur eine kleine, eher etwas verlegen auftretende Einlage im Vorfeld des Catwalks, quasi ein Extra für Fotografen, danach war die frivole Offensive gegenüber früher deutlich zurückgenommen. Die östliche Provinienz war vertreten durch Gera Skandal (Russland), Silk Epoque (Polen), A. Gliwinski & M. Arlukiewicz (Polen), Basia Olearka (Polen) und Kowalove (Polen).
Aber auch andere Herkunft war vertreten, darunter Seyit Ares (Deutschland), Andrea Droemont Couture (Deutschland), Dina Pinto (Monaco), Aynur Pektas (Brasilien), Martin Appelt (Deutschland) und Agnes Wuyam (Frankreich). Wie letztere ist Aline Celi (Brasilien/Deutschland) eigentlich immer dabei und die Designerin eröffnete und beschloss die Schauenreihe auch wieder.

Einige Designer traten auch in der Fashion-Hall Berlin im selben Zeitraum auf, was dem etwas anspruchsvoller gewünschten Kontext im Quartier 206 vielleicht nicht unbedingt förderlich ist und ihn in etwas instabileres Licht rückt. Solche Beobachtungen erscheinen in einem Fashionweek-Veranstaltungsformat eher befremdlich. Aber die Berliner Fashionweek hat ihr Gesamtgefüge noch immer nicht schlüssig etabliert und da sind solche Merkwürdigkeiten wohl nicht auszuschließen.

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Die Eröffnungsschau von Aline Celi focussierte sich auf die Kombination von schimmerndem Schwarz und großen, floralen Mustern in Gold. Dies als Auslegung von „Herbst“ ist ein edler Gedanke, der von anderen, flatternden und glitzernden oder schimmernden Kleidern, die zum Teil auch an Art-Deco-Ästhetik erinnern, ergänzt wird.

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Seyit Ares aus Düsseldorf/Berlin brachte allerdings die Kultur des exotischen Funkelns auf den Punkt. Mit mutigen und innovativen Kombinationen führte er einen femininen Clubstil vor, der in seiner Konsequenz und Experimentierfreude zu einer Kollektion gelangt, die einerseits noch von zu deutlichen Einflüssen von Marina Hoermanseder (harte Corsagen, Schnallen, Riemen), in deren Atelier er gearbeitet hat, aber auch von J.-P. Gaultier geprägt ist. Seyit Ares formuliert seine Leitidee andererseits jedoch noch futuristischer, geradezu spacig und entwickelt damit eine eigenständige Konsequenz. Leder im Metallic Look, schrille Farben, funkelnde Oberflächen und körperbezogene Schnitte gestalten noch pointierter als Hoermanseder so etwas wie eine zeitgenössische Party-Queen mit Amazonen-Touch. Inwieweit ihm künftig eine Emanzipation gelingen kann, bleibt abzuwarten. Mit seiner Gestaltung zwischen Offensive und Eleganz als Spiegel des Zeitgeistes gelang dem Designer jedenfalls das Highlight der Veranstaltung, bunt, exzentrisch und extrovertiert.

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Eine Modeschau für Kinder zeigte Gera Skandal aus Russland. Der Designer ist auf diese Klientel spezialisiert und findet jede Saison eine neue, sehr eigene Leitidee der Gestaltung. Das war dieses Mal ein fantasievoller Exkurs in Märchen- und Zwergenwelten, wofür raffinierte Materialien, Schnitte und Kombinationen in erdigem Farbspektrum sehr überzeugende Ausprägungen fanden. Gelegentlich neigten die Gestaltungen schon zu theaterhaften Ausstattungen, aber die gleichzeitige Verbindung mit ökologischer Wirkung, praktischer Diesseitigkeit und sorgfältiger Verarbeitung machte die Arrangements zu spannenden, anspruchsvollen, wenn auch zum Teil etwas versponnenen Couture-Exemplaren. Folgerichtig schloss eine – etwas reduziertere – Version für junge Frauen das Panoptikum ab und bewies noch einmal die durchaus attraktive, marktfähige Prägung der Kollektion.

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Andrea Droemont Couture ist aus Köln und auf die handwerkliche Seite der Gestaltung gerichtet. Dabei bleibt das Label aber nicht in seinem Traditionsanspruch stecken sondern zeigt verschiedenste Möglichkeiten und Gestaltungen im zeitgenössischen Sinn, so dass die gezeigte Kollektion geradezu ein Panorama von Stoffen, Schnitten und Mustern vorführt. Recht stilbewusst kommt das alles daher, in sehr maßvoller und unaufdringlicher Extravaganz.

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Das Atelier Silk Epoque aus Polen von Olga Ziemann entstand aus Liebe zur Seide und konzentriert sich auf Gestaltungsmöglichkeiten mit diesem feinen Material und einer inzwischen erweiterten Palette, in der auch Spitze, Samt und Bourette vorkommen. Ausgehend von den sehr feinen und besonders strukturierten Materialien entwickelt sie ihre Oberflächenanmutungen, Muster und Schnittarrangements, sorgfältig-liebevoll im Detail. Sie sucht in eher klassischen Silhouetten neue Wirkungsmodifikationen und ein Wechselspiel zwischen klassischer Eleganz und verspielter Lebendigkeit. Dabei ist allerdings der eher schwache Anspruch an die Schnitte und Silhouetten nicht so vorteilhaft und wirkt eher bieder als chic.

Positiv erscheint uns noch erwähnenswert, dass hier keine Magermodell-Auswahl statt gefunden hat, sondern auch Kleine, Große, Kurvige, Junge und nicht so Junge vorführten, wenn auch leider immer todernst. Für die Wahrnehmung der femininen Konzepte ist das eine Bereicherung.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Der Goodie-Bag bezeichnete sich schon vor der Schau als Materialrecycling, später in der Darbietung wies dann noch ein Pappschild auf „Ananasleder“ (ein Erntenebenprodukt) bei den Röcken hin – immerhin tut sich was bei der Entwurfskonzeption bei Marina Hoermanseder in Sachen Ökobewusstsein. Denn der erste Eindruck täuscht, wenn man die discomäßigen Teile, deren Oberflächen wie Kunststoffmaterialien aussehen, als dominierenden im Kopf behält. Laut Labelauskunft sind die verwendeten Leder „ausschließlich vegetabil gegerbt“ (schon immer) und die Färbungen mit GOTS-zertifizierten Pigmenten realisiert. Ein nachhaltiges Vollprogramm ist das freilich noch nicht, aber als bewusstseinsrelevant schon erwähnenswert, weil der meiste Oberflächenfunkel eben nicht nach nachhaltig aussieht.

Gegenüber den letzten Schauen war die gezeigte Kollektion jetzt wieder viel anspruchsvoller in den Erscheinungsbildern: Sweatshirts, Logoschals und ähnliche Streetwearteile tauchten nicht mehr auf. Die Konzentration auf geschmackvolle und experimentell reizvolle Kleidungsstücke war wieder das Wesentliche der Veranstaltung, mit einem Spektrum zwischen knapper Corsage und opulentem Abendkleid. Zu den Lederschnallen hat die Designerin noch nahezu unerschöpfliche Ideen, die jetzt auch wieder raffinierter ausgeführt werden und teilweise weniger aufdringlich als oft zuvor in Szene gesetzt sind. Auch die glitzernden Disco-Kleider mit L.A.-und-Las-Vegas-Taste, noch immer ein dominanter Anteil der Kollektion, haben zum Teil ungewöhnliche Gestaltungsmodifikationen durchlaufen, so dass der Touch des Billigen eingeschränkt oder ausgeschlossen wird. Dabei muss man allerdings zugeben, dass Marina Hoermanseder immer bemüht war, dieses Segment gestalterisch zu veredeln. Man denkt an Clubnacht-Outfits von Grace Jones (die waren natürlich noch exzentrischer) und überhaupt gibt es eine Reihe gestalterischer Rückgriffe auf die 80er und 90er Jahre, die ja auch die eigentlichen Discoclubjahre waren. Einfache Clubkleider hat Hoermanseder raffiniert geschnitten und effektvoll mit Applikationen versehen, manche Silhouetten sind spannend angelegt (z.B. oben weites Blouson, unten hautenger Rock), mit den festen Ledercorsagen hat sie kontrastierende Stücke verbunden, und die Bustiers werden jetzt teilweise mit darüber liegenden Transprenzen ergänzt. Das ist jeweils sehr gut gelungen, besonders da, wo die Designerin Schwarz inszeniert und die Riemen ein reizvolles Eigenleben entwickeln. Einschränkende Beobachtungen macht man aber auch: Zum Beispiel die Schnallenröcke haben jetzt oft nur eine Schauseite und sind hinten eher tragekomfortabel angelegt, solche Gestaltungslösungen erscheinen als ein unschöner Kompromiss zwischen Effekt und Pragmatismus.

Beruhigend ist neben der Konzentration auf gutes Niveau auch das Anliegen, die kaum tragbaren aber tollen „Rüstungen“ aus Leder immer wieder neu zu formulieren und vorzuführen, schon die Startfigur kam wie eine aufgemotzte Schlemmer-Figurine daher, hier mit Airbrush zu einem stilisierten Pythonkopf verwandelt. Ein anspruchsvolles Einleitungsstatement, viel mehr Varianten davon folgten zwar nicht, aber die spannend gemachten Ledercorsagen tauchten hie und da noch auf und belebten den dünnen Flitter in quasi vergewissernder Weise und geschmacksstabilisierend. Letzterer enthält, wie gewohnt, noch sehr viele Rosa-, Pink- und Lilatöne und viele weitere kitschige Anmutungen. Der Balanceakt zwischen ästhetischem Niveau und Pailettengeglitzer geht zwar manchmal, doch nicht immer zugunsten der Geschmackssouveränität aus. Die Entwurfskonzepte aus Marinas Märchen-, Disco- und Romantikland hatten schon immer ihre Tücken.

Im positiven Sinne entscheidend war aber der erwähnte Umstand, dass diese Schau die Anbiederung an den kommerziellen Streetwearbedarf mit den aufdringlichen Labelschriftzügen und anderen Billigkeiten außen vor gelassen hat und damit das geschmackliche Raffinement der Designerin wieder deutlicher herausstellte. Und der erwähnte Einzug ökologischer Experimente geht an keiner Stelle auf Kosten des guten und spezifischen Geschmacks, auch das nimmt man als vorteilhaftes Merkmal dieser – wie immer glänzend inszenierten – Schau mit.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Wir freuen uns ja stets, wenn neue Namen im Fashionweekprogramm auftauchen, gerade angesichts des Umstandes, dass die Zahl der Schauen schrumpft und die Bemühungen um Nachwuchs beschworen werden. Cashmere Victim ist ein neues Label im Programm und der Name verspricht eine Ode an die Sinnlichkeit.

Kaschmir gehört zu den Luxusmaterialien der Mode, denn diese Wolle ist eine der wertvollsten und teuersten Naturfasern mit der Eigenschaft sehr leicht zu sein und zugleich gut warm zu halten. Und sie hat eine ausgeprochen sinnliche, haptische Qualität. Entsprechend anspruchsvoll bzw. behutsam geht die Mode und die Industrie üblicherweise damit um. Ein gutes Beispiel ist die kleine Kaschmir-Kollektion von Alexandra Golovanoff, die zeigt, wie man französische Eleganz mit der Lässigkeit des Alltags und der Würde des Materials zusammenbringt.

Die Schau von Cashmere Victim legt jetzt eine weiter ausgelegte Anschauung des Materials in seiner Verwendung vor, gezeigt werden bequeme, gut und im Alltag tragbare Teile, die zum Teil recht chic sind, auch kaschmir-klassische Accessoires wie Mützen und Schals. Im Allgemeinen findet man viele schöne Teile in der Kollektion. Die leichten Federröcke, die damit kombiniert werden, sind sicherlich als eine Referenz auf das Tänzerisch-Traumhafte, die Leichtigkeit im Assoziativen zu verstehen, das wird der Anschauung auch irgendwie gerecht.

Doch die schlichte, lässige Eleganz des Alltäglichen wird erweitert auf etwas gröberen Streetwear-Style, es tauchen formlos schlabbrige Hosen auf, Blousons und Hoodies bzw. Kapuzenpullover.  Zu den schlichten, eher klassischen Erscheinungsbildern treten Gestaltungen mit großen Schriftzügen und Mustern sowie Bildprints (z. B. Naturmotive „Wald“), die ein eigenes Wirkungsfeld kreieren. Damit oszilliert die gezeigte Kollektion zwischen wirklich schickem Understatement und betontem Streetwearcharakter. Die Absicht manifestiert sich im Titel der Kollektion: „luxury meets coolness“. Doch durch die Kombination mit zerschlissenen Jeans z.B. wird das Image der Hochwertigkeit stellenweise auf Geschmackskategorien heruntergebrochen, die in ihrem Selbstverständnis von elegantem Styling eher entfernt sind. Man kann das als mutigen Balanceakt interpretieren bzw. als kontrastierende Akzentuierung oder aber, wenn man es aus der Klasse des Materials ableitet, als Herausfallen aus Stilsicherheit, denn die Sinnlichkeit des Kaschmirs verflüchtigt sich an solchen Beispielen oder wird abgewertet. Man kann dem Kaschmir die zugrundeliegende Eleganz wegdesignen.

Die gezeigte Kollektion ist etwas ausgedehnt, Mustersysteme und Farbwirkungen werden als Varianten vielfach durchgespielt, weniger wäre vielleicht mehr. Manchmal sind sie etwas hippieesk, manchmal angelehnt an Techno-Psychedelic-Style. Insgesamt bleibt das Erscheinungsbild trotzdem noch relativ zurückhaltend, das tut der Kollektion gut. Herausfordernd ist vielmehr der Gedanke, einem exklusiven Luxusmaterial mitsamt seinen edlen haptischen Qualitäten Charakteristika von Streetwear zuzuordnen. Das erweist sich als brisant und solche Experimente können die Franzosen einfach überzeugender.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine etwas ungewöhnliche Fashion-Location: Durch die Restaurantküche gelangt man ins Crackers – die schicke, etwas versteckte Bar (bzw. das Restaurant) an der Friedrichstrasse  wurde in eine Laufstegkonstellation umgeräumt und mit kleiner Hinzufügung ergänzenden Lichts und freundlicher Weinverkostung war der Ort für eine kleine Modenschau angemessen ausgestaltet. Die war dann eher für Insider-Publikum, also Kundenfreunde des Labels oder des Bar-Restaurants und entsprechend typisch in den modischen Erscheinungsbildern.

Die mit 50 Outfits relativ große Kollektion focussierte sich hauptsächlich auf Businesskleidung gehobenen Niveaus, geschmacklich solide, meist stimmig und ohne besondere Merkmale oder Kicks, gut verarbeitet und mit „wertigen“ Materialien. Seriosität mit der üblichen, angedeuteten Sportlichkeit, Lässigkeit und Großzügigkeit, die die dynamische und jung erscheinende Businessfrau aus erfolgreichen und wohlhabenden Kreisen repräsentiert. Das gestaltende Wagnis muss außen vor bleiben, aber gewisse Keckheiten im Arrangement sind als eine stilistische Aufwertung zu verstehen und stellen Lässigkeit heraus. Gold als bestimmende Farbe einiger Outfits fällt in dem Zusammenhang schon aus der kultivierten Zurückgenommenheit und setzt einen ungewöhnlichen Akzent. Gewagt im Businesskontext wirken dann auch die etwas freieren Outfits mit leider schlecht sitzenden Bandeau-BHs. (Und die Drapierung der Handtaschen vor einer Brust ist sicher dem Demonstrationsaspekt geschuldet und keine neue, modische Sitte.)

Einerseits war die Schau von Boscana x Gitta Banko während der Fashionweek alles in allem eine passende Einlage im üblichen Bar- und Restaurant-Getriebe des anspruchsvolleren Segments, nicht weiter spektakulär. Andererseits kann man sie aber auch als ein Statement für eine wohlhabende Großstadt-Klientel verstehen, die mittlerweile auch in Berlin Fuß gefasst hat und die Stadtkultur spürbar verändert beziehungsweise verändern will. Das hat, wie gesagt, noch Insider-Charakter, ist quasi der Hamburg-München-Düsseldorf-Import, ein noch subkulturelles Phänomen, es demonstriert aber, dass die Fashionweek nicht nur eine Veranstaltung von Kreativmode bzw. Mode-Kunst ist, sondern dass sie auch das bisherige kulturelle Selbstverständnis der Stadt neu aufmischt. In dem Sinne kann man scheinbar beiläufige Veranstaltungen wie diese nicht ignorieren.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Lena Hoscheks Kollektion ARTISAN PARTISAN kommt mit einer scheinbaren Endgültigkeit daher: Früher oft unentschieden zwischen Folklore, 50s, Erotiktouch und floralen Spielereien und mit wechselnden Akzenten, kommt die Kollektion Herbst-Winter 2020/21 jetzt entschieden folkloristisch. Abgesehen von ein paar typischen Schnitten scheint der Abschied von den Fünfzigern jetzt endgültig besiegelt zu sein, das war der vergnügte und dynamische Fokus, mit dem ihre Karriere begann, und der erotische Pfiff als Thema in der Folge darauf ist nun wohl ebenso endgültig als vorübergehende Phase abzuhaken.

Folklore dagegen war schon immer ein bestimmter Teil des Interesses der Grazer Designerin, die tauchte annähernd durchgehend auf, und sie ist mit dieser Kollektion das leidenschaftliche Hauptthema. Mit viel Aufwand, Recherche und traditionellen Herstellungsaspekten macht Lena Hoschek daraus eine folkloristische Reise mit verschiedensten Prägungen und badet geradezu in dem enormen Fundus der möglichen Stoffe, Muster und Arrangements. Farbenvielfalt bleibt Verpflichtung, bewegt sich aber insgesamt in einem gedeckten Herbst-Ganzen und mit Mustern, ob gewebt oder geprintet, geht Lena Hoschek nach wie vor sehr einfallsreich und geschickt um. Das gilt natürlich auch für die große Bandbreite der Schnitte, die die Designerin beherrscht wie kaum eine andere. Und den meisten Outfits sichert Lena Hoscheks Sinn für Sexyness den wichtigen Touch des Lockeren und Modernen, so macht sie das Traditionelle attraktiv.

Die pointierte Entscheidung für die Liebe zur Folklore mag, wenn man das mal im breiten gesellschaftlichen Diskurs ansiedelt, sicher ein starker Link zum Thema „Heimat“ sein, den Hoschek hier aber eben nicht national ausrichtet, sondern stattdessen als inspirierte Vielfalt präsentiert; die Zuwendung impliziert aber auch eine Retro-Perspektive, die stärker von konservativer Sehnsucht geprägt ist als von einem optimistischen Blick in die Gegenwart oder Zukunft. Das wird von der Lust an der Vielfalt und ästhetischen Verliebtheit (und Freude an der optischen Weiblichkeit) zwar gebrochen – in der Hinsicht bleibt die Designerin sehr modern, thematisch aber ist die Hinwendung zu folkloristischen Traditionen und Prägungen von anderer Bedeutung als seinerzeit der zurückblickende Spaß am Rock’n Roll und auch den Schlagern der Fünfziger: Die assoziative Verbundenheit mit bodenständiger Kultur(en) und die Ausdrucksqualität des Traditionellen entwickelt in der Wahrnehmung eine eigenständige Kraft, die über die rein ästhetischen Gelüste und Entdeckungsspaß hinausgeht und ein zeitnahes Lebensfeeling tendenziell negiert. Hoscheks Kollektion sucht das nicht explizit, es schwingt aber zwangsläufig, wenn auch unbeabsichtigt, mit. Retro ist nicht immer schick, auch wenn es in diesem Sinne aufbereitet wird, es birgt auch die Gefahr sich zu verkehren, weil auch Haltungen aufscheinen.

Was die marktgerechte Ausrichtung für Österreich angeht, können wir keine Einschätzung abgeben, sondern nur vermuten, dass das schon passt, wissend, dass Lena Hoschek eine kluge und umsichtige Businessfrau ist und stets genau weiß, wie der Modemarkt praktisch tickt. Inwieweit diese folkloristische Retro-Orientierung auch für den deutschen Markt eine treffende Formulierung ist, wird sich zeigen. Was Trends auf den Fashionweeks betraf, war Lena Hoschek ohnehin immer unbeirrt unabhängig und eigenständig, zugleich anspruchsvoll und auf ihre Weise relativ vielseitig. Und auch erfolgreich. Einflussreich ist sie eher nicht, aber ihre Präsentation im großen Zeitgeistkontext der Fashionschauen kann trotzdem nicht nur solitär oder isoliert wahrgenommen werden, sondern stellt sich auch weiterreichender Betrachtungen, gerade wenn das Thema Folklore ins Zentrum gerückt wird.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Sie sind nach längerer Pause (seit 2012) wieder da: DSTM, mit einer „body-wear“-Kollektion und einer ungewöhnlichen Präsentation im Stil einer Tanzperformance auf dem Laufsteg mit Livemusik. Verantwortlich für die Schau waren Jen Gilpin (Inhaberin und Designerin der Marke), die Tänzer des Siciliano Contemporary Ballets, das auf sexuelles Selbstverständnis focussiert ist (Choreograph: Salvatore Siciliano) und die Elektronik-Musikerin EMIKA. Diese Performance sollte die Geschmeidigkeit und den Rundumanspruch der Kleidungsstücke auf sinnliche, einschmeichelnde und körperbetonende Weise demonstrieren – insoweit war das auch ein schlüssiges Konzept.

Es ist definitiv eine Bereicherung für die Berliner Fashionweek, wenn dieses Kleidungssegment sich selbstbewusst beteiligt, auch ganz unabhängig von einer eigenen Präsentationsform. Der englische Begriff Body-Wear macht da auch mal Sinn, denn die Erscheinungsbilder bilden quasi eine Synthese von Unter- und Oberbekleidung, weswegen die Bezeichnung Unterwäsche da zu kurz greift. Die Marke bietet ja die Bereiche Lingerie, Bodywear und Clothing an, also eigentlich noch Unterscheidungen, aber aufs Ganze gesehen ist die Sinnlichkeit der Gestaltung das letztlich prägende Merkmal. Und diese Anschauung geht einher mit einem sehr zeitgenössischen Gestaltungsbewusstsein, das einerseits den intimen und den öffentlichen Auftritt nicht mehr konsequent trennen will und andererseits den heutigen Vorstellungen erotischer Lebensgestaltung mehr Rechnung trägt, als klassische Dessousmarken das letztlich können. Der Standort Berlin verstärkt dieses Selbstverständnis und den Anspruch sicherlich auch noch.

Die Designerin Jen Gilpin schlägt diese Brücke sehr geschmacksorientiert und körperbewusst, ohne dabei Idealmasse zu erzwingen. Gewollte Haltbarkeit (also sehr hochwertige Materialien und Verarbeitung) ist darüber hinaus ein Kriterium der Nachhaltigkeit, weswegen die Gestaltungsentwürfe trotz ihrer Zeitgemäßheit auch eine klassische Qualität mitbringen. Daraus ergibt sich zwangsläufig die Einordnung im Luxussegment, dem die gestalterische Qualität voll Rechnung zu tragen weiß. Die Teile kommen wie eigenständige Kunstwerke daher und sind in ihrer Stilistik so prägnant, dass sie untereinander auch geschmackskompatibel sind. Und sie sind eben nicht nur auf eine Schauseite hin konzipiert, sondern rundherum wirkungsvoll. Die ausschließliche Farbe Schwarz ist wohl hauptsächlich dem erotischen, genauer gesagt sinnlichen Basisgeschmack geschuldet, jedenfalls ist damit jede Süßlichkeit ausgeschlossen und stilistische Dezenz garantiert, auch wenn viele Stücke sehr komplex und ideenreich in der Gestaltung erscheinen.

Auffällig ist, wenn man mal Vergleiche mit guten Produkten aus dem Spektrum der Fetisch-etc.-Szene wagt, dass eleganter Geschmack in Kombination mit dem erwähnten klassischen Touch den primären Eindruck hinterlässt und die erotisierende Komponente eher selbstverständlich enthalten ist. Diese Position ist darüber hinaus im Spektrum der Berliner Modephilosophie eine bewusst und stark vernachlässigte Perspektive, die sich zu recht hier kraftvoll, selbstbewusst und wirkungsvoll zu Wort meldet. Auch aus dieser Sicht erscheint der Auftritt wichtig und relevant fürs Ganze.

Die Schau feierte gleichzeitig das 10-jährige Bestehen der Marke DSTM, was den Erfolg des Anspruches belegt. Es bleibt zu hoffen, dass sie auch in den kommenden Berliner Fashionweeks gegenwärtig bleibt und nicht erst nach weiteren zehn Jahren wieder ins Modebewusstsein rückt.

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Text: Boris Marberg
Bilder: Andreas Hofrichter

Fragen stellen kommt vor der Handlung des Notwendigen. Die Designerin präsentierte ihre neue Herbst- und Winterkollektion für das Jahr 2020 wieder im Rahmen der Berliner Fashion Week im Kraftwerk Berlin, einem ehemaligen Heizkraftwerk und angesagten Ort für avantgardistische Veranstaltungen. Gerade diese Umgebung passt als Kontrast sehr gut zu der neuen Kollektion von Rebekka Ruétz, die diese Fragen aufgreift.

Die Designerin ist seit langem auf der Beliner Fashionweek dabei und immer wieder gut für dezente politische und gesellschaftliche Stellungnahmen in ihren Kreationen. Noch vor kurzem waren es schlagfertige Sprüche hinter einem „Hashtag“, die in einem Kontext zu einem zeitgenössischen Feminismus gesehen werden konnten. Auf stilistisch gesehen plumpe Sprüche verzichtet die neue Kollektion erfreulicherweise und dieser Trend einiger Marken war hoffentlich nur eine kurze Irritation in der Modebranche. Es wird Zeit, sich dringender Dinge anzunehmen und Anliegen adäquat zu vermitteln. Auf unsere Straßen werden wichtige Themen in den öffentlichen Raum getragen und Fragen gestellt, die zu beantworten sind und Rebekka Ruétz versucht auch stets, darauf zu reagieren. Denn Mode sollte sich dem nicht entziehen und will dies oft auch gar nicht. Hierzu eine Position zu haben und diese durch Mode auszudrücken ist eine Herausforderung und eine Auseinandersetzung, der sich Ruétz nicht entzieht.

Hinzu kommt die Krise der Modeindustrie, die nur ein kleiner Teil von dem ist, was für die Zukunft, aber auch für die Gegenwart, von Bedeutung ist, wenn dem Anspruch auf Nachhaltigkeit genügt werden will. Hier gestalterisch eine Synthese zu finden, die modischen Ausdruck und gesellschaftliches Anliegen verbindet und in ein nach außen gezeigtes Lebensgefühl überführt, ist oft nicht authentisch und glaubwürdig. In der Hinsicht bleibt die Positionierung des Labels noch offen.

Mit der Gestaltung der Kollektion greift die Designerin vielfach auf A-Silhouetten und Schichtungen zurück. Bedruckte Blusen, mit einem schärpenartigem Anhang, welcher teilweise bis zum Boden reicht, vermitteln einen fließenden Übergang von der Bluse hin zum leichten Mantel, der wiederum unter einer anderen Jacke getragen werden kann. Im Zusammenhang mit den warmen Farben und dem luftigen Material laden diese Einzelstücke auch dazu ein, im Sommer getragen zu werden, mit körperbetonten Schnitten. Daneben stehen fast schon kastenförmige Silhouetten, die selbstsicher den Raum einnehmen und viel Volumen bieten.

Unter den Looks finden sich schwarze Mäntel, Kurzmäntel und Jäckchen mit Lederoptik. Mit viel Schwarz wird in dieser Kollektion auf Kontrast zu den ansonsten sehr kräftigen und warmen Farben gespielt. Ein sehr erdiges Currygelb, ein knalliges Bananengelb, leichtes Türkisblau und warmes, dunkles Rot finden sich bei den Stoffen zwischen all den Drucken. Diese Drucke zeigen auf eine spielerische Art eine Kosmologie und einen Blick auf die Erde und dem, was ihr angetan wird, wie durch ein Kaleidoskop – oder sie kommen in einer an Batik angelegten Flächengestaltung daher. Hier soll sich eine Anspielung auf die Verschmutzung der Meere durch (Mikro-)Plastik wiederfinden (die, das sollte man dabei nicht vergessen, letzlich auch aus Kunstfasern in unserer Kleidung kommt). Eine Sonderstellung nimmt eine Serie von Looks ein, die in Gold gehalten sind. Das wirkt im übertragenen Sinne wie Honig, der über die gesamte Kollektion gegossen wurde und dahinfließt.

Bei den Details fallen spitze Krägen ebenso auf wie asymmetrisch gestaltete Schultern. Für die Arme werden gepuffte Armschoner in verschiedenen Materialien kreiert oder – kontrastierend – durch nur im Profil deutlich sichtbare „Protektoren“ ergänzt. Damit deutet sich eine gewisse „Geharnischtheit“ an. Immer wieder unterbrechen waagerechte Muster oder Applikationen den Fluss. Breite, lange Gürtel teilen die Silhouetten und fließen dann manchmal fast bis zum Boden hinunter. Wie bei den oben beschriebenen Schärpen wirkt dies auch als eine Verlängerung des Looks in den Raum hinein.

Dezent werden die Kleiderzusammenstellungen durch dekorativen Schmuck abgerundet.

Und zum Schluss schoss die Designerin mit einer flotten Fahrt auf einem knallig blauen Elektromotorrollerüber den Laufsteg – irgendwie auch noch ein Statement zur gesellschaftlichen Diskussion.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Vier südafrikanische Kollektionen bestritten die Eröffnungsschau der Berliner Fashionweek Herbst-Winter 2020, gesponsert von Mercedes Benz im Rahmen seines besonderen Förderprogramms. Und legten damit die Latte zu erwartender Standards und designerischer Haltungen ziemlich hoch. Sie führten nämlich ein Feuerwerk der Fantasie vor, exzentrisch und dennoch diesseitig, umweltfreundlich und liebevoll-sorgfältig in der Verarbeitung, lebensfroh und sehr in der Gegenwart zu Hause. Jeder auf völlig andere Weise und mit anderem Geschmack.

Die „Fashion talents from South Africa“ waren Clive Rundle, Rich Mnisi, Floyd Avenue und Viviers Studio, vorwiegend Newcomer. Die Entstehungsumgebung ist dabei für alle stark prägend infolge der unzulänglichen Herstellungs-Infrastruktur und der eklatanten Materialknappheit. Stoffe und geeignete Materialien sind rar, müssen gesammelt und wiederverwertet werden und entsprechend einfallsreich und geschickt „verbaut“ werden. Klassisches Handwerk – auch in tradierten Verfahren – ist unabdingbare Grundlagenkenntnis und -befähigung und ohne die Kreativität von Materialumnutzung und Neuverwendung kann nichts eigenes entstehen. Doch dabei bleibt es nicht, eine ästhetische Grundauffassung, die dem „guten Geschmack“ folgt, ist ebenfalls noch eine zentrale Anforderung, die in unseren Gefilden ja nicht mehr zwingend ist.

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Clive Rundle ist kein Newcomer, er ist bereits seit 30 Jahren im Modegeschäft und in Afrika renommiert. Seine Kollektion war für den Berliner Auftritt konzipiert. Er arbeitet im Wesentlichen mit ausgemusterten Stoffen (Stoffresten, die er über Jahrzehnte in Johannesburg gesammelt hatte) und, ganz zeitgemäß, mit dekonstruktivistischen Gestaltungsverfahren. Man verspürt die Freude am Detail, an besonderen Materialien und Oberflächen und die lebensfrohe und selbstbewusste Aneignung diverser Stile (auch Kolonialstil). Geschmack- und stilvoll fügt er überraschend Verschiedenes zu komplexen Gefügen zusammen, mit verschiedenen Schnitttechniken und Gestalten – alles zusammen in einer Raffinesse und Grandezza, dass einem der Atem stockt.

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Rich Mnisis Kollektion („Alkebulan“ – ein altes Wort für Afrika) repräsentiert ein sehr modernes Afrika, das auch im Kontext westlicher Ästhetiken einen sehr selbstbewussten eigenen Platz findet, der höchst attraktiv ist. Sie bietet sehr originelle Ausstattungsideen, vielfach mit wilden, bunten Mustern, die gleichwohl sehr kontrolliert eingesetzt werden und mit gezielten Akzentuierungen und mit komplizierten Schnittechniken eine ganzheitliche Form finden. Lässige, großzügige Eleganz kennzeichnet alle vorgeführten Erscheinungsbilder.

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Floyd Avenue (Kollektion „Within Your Ken“) gibt sich im Gegensatz dazu eher akzentuiert bodenständig (z.B. Frack aus Denim). Mit dunklen, gedeckten Farben (viel Anthrazit und Schwarz, Dunkelblau, Olivgrün) und eher schlichten Schnitten evozieren die Outfits so etwas wie eine gewisse Stärke, Männlichkeit und Puristisches. Très fermé, also eher schützender Charakter. Kleine, besondere Gesten in der Gestaltung, z.B. Reißverschlüsse und Knöpfe aus Restbeständen sowie orange Schnüre lockern das zwar nicht spielerisch auf, nehmen dem Prinzip gelegentlich aber doch die Strenge.

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Die Designerin von Viviers Studio ist dagegen eher verspielt in den Ideen und Ausgestaltungen. Tiermuster werden spielerisch neu formuliert, originelle Schuhkonstruktionen erhöhen die Person, königliche Elemente (inklusive ihrer Steifheit) werden vergnügt und aufwertend verwertet, koloniale Stilmittel ideologisch entleert und als reiz- und würdevoll für sich genommen eingesetzt. Alle geschichtsbehafteten Überlieferungen sind brauchbar bzw. wiederverwertbar, wenn sie das Erscheinungsbild veredeln können. Hinzu kommen starke Kontraste und intensive Farben. Daraus entsteht nicht selten ein total raffiniertes Über-, Unter- und Ineinander, einerseits sehr würdevoll, andererseits lebendig und anders, edel und meist fantastisch.

Umweltbewußte Herstellung prägt darüber hinaus das Selbstverständnis der Modemacherin.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sehr jung, sehr hip und sehr optimistisch präsentieren die Schweden zum vierten Mal in ihrem Kulturzentrum eine recht breit gefächerte Vielfalt der Jahresabsolventen des Beckmans College of Design Stockholm. Dabei scheinen in einigen Kollektionen, subjektiv wahrgenommen, skandinavische Charakteristika durch, manchmal eine Neigung zu romantischer Introspektive, manchmal eine gewisse Bodenständigkeit mit zum Teil sehr schweren Stoffen, sehr kräftigen Schnitten und Kombinationen.

Aber das kam einem nur gelegentlich in den Sinn, gerade in Paris, und war als ästhetisches Konzept eher nicht bewusst herausgestellt. Besonders spannend wurden solche Ansätze bei Kollektionen wie der asiatischen von Fo Phan, wo der kulturelle Crossover eine faszinierende Synthese hervorbringt oder bei Sandra Saeidi, deren leichte Exzentrik sich zwischen Blümchen und aufgebauschtem Volumen bewegt.
Überhaupt ist die geschickte Raffung in allen Varianten wohl eine Spezialität der Schule.

Wie so oft, die studentischen Arbeiten waren insgesamt stilistisch inspirierter und damit spannender als kommerziell orientierte Designs. Auch hier machten die experimentellen Vergnügungen mit anspruchsvollem Verarbeitungsniveau Spaß und fütterten die Lust auf Neues. Zugegeben, es sind konzeptuelle Ansätze und erfahrungsgemäß sind die Zukunftsoptionen damit nur begrenzt einschätzbar. Manche ungewöhnlichen Stilpositionen werfen aber immerhin einen lustvolleren, optimistischeren Blick auf eine gedachte Zukunft als die Konzepte Berliner Schulen, die eher eine soziale Haltung (Correctness) programmatisch ausgestalten wollen.

Der Showroom fand sehr viel aufmerksames und sympathisierendes Publikum, was nicht nur dem Charme der Kollektionen zuzuschreiben war, sondern auch dem ihrer Macher und der Liebenswürdigkeit des Gastgebers. Der Präsentation der neun Absolventen (Fo Phan, Jon Allensten, Sofia Isdahl, Sandra Saeidi, Erik Olsson, Adam Swärd, Emma Wåhlin, Felicia Åström, Benedicte Eggesbø) haben sich auch zwei bereits etablierte Marken angeschlossen, Rave Review und Per Götesson.

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Benedicte Eggesbø (Yours Truely):
Die modernen Konstruktionen scheinen eng mit dem Alltagsumfeld der jungen Designerin aus Norwegen verbunden zu sein, darüber hinaus atmet der Style auch etwas Punkattitüde des leicht Abgerissenen. Die verfremdende Kollage von vorgefundenen Kleidungsstücken und Teilen zu einem neuen führt oft zu vergnügten und überraschenden Effekten und trägt zugleich mit der Wiederverwertung zu einem nachhaltigen Anspruch bei.
„Im Gestaltungsprozess bin ich sehr damit beschäftigt, mein Konzept durchzuspielen und zu diskutieren und so Lösungen an unvorhergesehenen Orten zu finden. Ich denke, es ist wichtig, es zu wagen, außerhalb der eigenen Komfortzone zu arbeiten, da dann interessante Dinge passieren.“(Interview Modeskolan STHLM)

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Fo Phan (Clothing in (Intimate) Mourning):
Mit dieser Abschlussarbeit aus diesem Jahr hat der Designer bereits Preise gewonnen, darunter einen vom Swedish Fashion Council. Das Traurige und Dunkle, die Schönheit des Verblassten und eine Hommage an die Trauer ist der gesuchte Ausdruck einerseits, die Verknüpfung der japanischen Ästhetik (in Bezug auf Traditionen des Ortes, wo Fo Phans Verwandten leben) mit ganz zeitgenössischen westlichen Design-Vorstellungen das eigentlich Faszinierende an den Arbeiten. Bilder aus einer Schau sieht man hier.

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Jon Allensten (My Inner Voice):
Nach eigener Auskunft hat Jon Allensten aus den Dresscodes der Geschäftswelt seine Gestaltungskonzept abgeleitet, aus Gesprächen mit befreundeten, erfolgreichen Businessleuten. Dies führte zu der Vorstellung, den Anzug als Schutzhülle zu betrachten und das anschließende Experiment, was optisch passiert, wenn die Schutzhülle aufreißt und eine geplante Karriere verwüstet wird.
Rüschen und florale Muster als grundlegende Gestaltungselemente treten hinzu.

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Sofia Isdahl (Clairvoyance):
„Hellsehen“ als Begriff für die Wahrnehmung über das Gegenwärtige hinaus befrachtet das Design im Vorfeld mit Sinnhaftigkeit. An der Gestalt der Teile der vorgestellten Kollektion ist das wenig nachvollziehbar, immerhin verweisen Tarot-Motive auf das Spiel mit der Vorhersehbarkeit von Zukunft, hier wohl eher der Designerin selbst, und sie waren damit gestalterischer Ausgangspunkt. Im extrovertierten Sinne betrachtet sind die Schnitte dagegen schlicht-elegant und emanzipieren sich angenehm von philosophisch vertrackten Implikationen.

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Adam Swärd (Mada):
Adam Swärd ist ein Trans-Modell mit einer eigenen Modevorstellung und demonstriert seine subtilen Modearbeiten entsprechend oft beispielhaft selbst. Eine kleine und durchaus überzeugende Transgenderkollektion also, die eher einen Leitgedanken beherbergt als eine gestaltungsästhetische Innovation.

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Sandra Saeidi (I Reach to Where the Sun Shines):
Auch Sandra Saeidi ist etwas träumerisch unterwegs mit ihren Entwürfen, gelangt dabei aber durchaus zu gestalterischen Phantasmen mit aufgelösten Oberflächen, flirrenden Farben und sich verselbständigenden Applikationen. Die Neigung zur Exzentrik hat bereits eine selbstbewusste Orientierung gefunden und reicht auch über das Modedesign hinaus zu Schmuck und weiteren spannenden Ergänzungen.

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Erik Olsson (Bojskaut):
Die Männer-Kollektion kommt schwergewichtig und sehr schützend daher. Im Zentrum steht das Leitinteresse an kommunikativer Kraft der Kleidung, die er aus seiner subkulturellen Peergroup ableitet und die er mit deutlich praktischer Funktionalität und Nachhaltigkeit verbindet. Die Nähe zu Arbeitskleidung für harte Männerberufe scheint dabei auf, stets kraftvoll und großzügig. Manche Teile waren so schwer, dass man sie kaum heben konnte.

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Emma Wåhlin (Self8 Love):
Es geht der Designerin um verschiedenen Persönlichkeiten eines Individuums. Wie man sich basierend auf emotionalen Bedingungen, sozialen Codes, Objekten und Kontexten präsentiert: Freiheit, Stärke, Verletzlichkeit und ihre Körperstellen. „Meine Experimente zielen darauf ab, eine freie, starke und verletzliche Liebe zum Ego zu erhellen. Das Recht, sich in der gewünschten Erscheinung darzustellen.“ (Auszüge aus Selbstauskunft)

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Felicia Åström (Distorted Emotions):
Mit integrierten Verknüpfungen von Innen und Aussen, Auflösung der ebenen Oberfläche und geschickten Richtungswechseln sind die Arbeiten dieser Kollektion zugleich sehr experimentell und dennoch tragbar-körperbewusst. Die Varianten dieser Gestaltungsphilosophie sind sehr abwechslungsreich und gleichzeitig auch stiltypisch, sehr haptisch angelegt, emotional und körperlich.

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Rave Review:
Das schwedische Label, das sich den neun Absolventen für den Showroom angeschlossen hat, wurde 2017 von Josephine Bergqvist und Livia Schück gegründet und macht Kleidung aus recycelten Materialien. Der exklusive Herstellungsprozess produziert nur Einzelstücke. In den Erscheinungsbildern steckt eine Menge Hippie- und Raveästhetik, worin sich letztlich auch der Labelname begründet.

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Per Götesson
ist das andere Label, das hier vorgestellt wird. Per Götesson ist gebürtiger Schwede und jetzt in London ansässig. Genderübergreifende Gestaltung ist Teil des Programms, der Designer lässt sich vom Alltag gesehener Trends inspirieren, aus denen er einen schlichten Ansatz für funktionale Mode ableitet.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Annika Klass aus Deutschland macht Strickmode. Für diese Kollektion „An Archive Of The Sunflower“ arbeitete sie mit der Firma Stoll aus Reutlingen zusammen, die für innovative und auch spezialisierte High-Tech-Prozesse in der Textilverarbeitung (resp. Strick) und entsprechend elaborierter Software steht. Mit diesem computerbasierten Verfahren kann man sofort und „on demand“ innerhalb weniger Stunden auch sehr komplizierte Kleidung in beliebiger Stückzahl produzieren – das ist auch fortschrittlich in dem Sinne, dass damit Überproduktion verhindert wird und wenig Abfall entsteht. Ein sehr zukunftsträchtiges Verfahren.

Annika Klass hat sich für diese Kollektion auch mit der Künstlerin Madeleine Mesam zusammengetan, die für die Prints verantwortlich ist. Stilistisch sind die Sachen insofern recht deutsch geprägt als die konstruktivistischen Schnitte und Farb- bzw. Musterkombinationen die Gestaltung bestimmen.

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Pariha ist ein Label der Designerin Parinitha aus Bangalore. Es wurde 2016 gegründet und sucht Verknüpfungen zwischen indischer Tradition und modernen Trends. Der Reiz entsteht dabei weniger aus einer Synthese sondern vielmehr aus Kombinationen in Schnittstilen, Farben und Materialien – und entsprechend heißt die Kollektion auch „Two Halfes“.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Global Fashion Collective (GFC) zeigte zum ersten Mal vier Schauen plus Showcases in Paris, im repräsentablen Palais de la Décoverte (im Westflügel des Grand Palais) im 8. Arrondissement. Neun internationale Labels waren vertreten: Kirsten Ley (Kanada), Annika Klaas und Madeleine Mesam (Deutschland), Ozlana (Australien), Faun Studio (Kanada), Pariha (Indien), EmulEos (USA), Erxi x MrHuaMrsHua (China), Sarah Kosinski (Frankreich), Devotion Designs (Kanada). Der Herstellerverband ist eine Erweiterung der Vancouver Fashion Week und zeigt in halbjährlichem Rhythmus in wechselnden Modestädten der Welt vielversprechende Nachwuchsdesigner, und das bereits in der 34. Saison. Manchmal sind sehr überraschende Designkonzepte vertreten, in der Regel aber marktfähige Gestaltungen. Der Verarbeitungsanspruch ist hoch, ausgesucht wird sowohl Prêt-à-Porter als auch Erleseneres förderungswürdiger Designer. Kurz vor der Paris Fashion Week war das Global Fashion Collective schon auf der New York Fashion Week mit anderen Kollektionen aufgetreten.

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Die Eröffnungsschau „Fractura“ war von Kirsten Ley aus Canada und das war auch optisch die spannendste der Serie. Die Teile waren ungewöhnlich und einfallsreich in den Schnitten und Strukturierungen, die Farbpalette auf Kontraste mit Blau und Gelb bzw. Grün konzentriert. Diverse Materialien, darunter Seide, Chiffon und auch Leder wurden ebenfalls vorsichtig kontrastierend eingesetzt, fließende Stoffe gegen harte Linien und Schnitte. Alle Teile sind, soweit wir erfahren konnten, in Eigenarbeit handgenäht.

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Das Label Faun von Marisa P Clark startete erst 2018, seitdem hat die Kanadierin (London College of Fashion Graduate) schon auf den Fashionweeks in Vancouver, New York und Los Angeles gezeigt. Ihre Kollektion „The Collectors“ verbindet einfache, moderne Silhouetten mit tropischen Mustern. Die Sachen sind sehr weiblich mit einer Note Eigenwilligkeit (z.B. hoch ansetzende Shorts und Röcke), im Wesentlichen aber auch recht konventionell.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Tranoï ist wohl die größte Messe / Showroom-Veranstaltung (Fashion Tradeshow) während der Fashionweek Paris und ist deswegen auch an zwei großen Orten und weiteren kleinen untergebracht. Geordnet ist sie in mehrere Sektionen von Suborganisatoren, die jeweils ca. vier bis acht Designerlabels vertreten, meist an Herkunftsländern orientiert. Das Spektrum ist entsprechend groß und bevor man sich darin verliert tut man gut daran, sich auf bestimmte Interessen zu konzentrieren. Wir fanden, dass „exotische“ Herkunftsländer ein interessanter Focus wäre, deren kulturell bedingte Gestaltungsansätze sich in unseren Breiten wenig Geltung verschaffen können, die aber doch stark inspirierende Kraft haben. So landeten wir in einem Bereich aus Südkorea, wo asiatischer Charme, Kitsch, Farbenfreude und großes Know How in der Couture einen bestimmten Aspekt asiatischen Lifestyles repräsentieren, aber auch allgemein zeitgenössische Lifestyleinteressen. Die Label Greedilous, Vegan Tiger (beide Korea) und Yumi Katsura (Japan) fielen uns besonders ins Auge, wobei Yumi Katsura allerdings eher eine traditionsbewusste Ausprägung repräsentiert.

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Greedilous ist das Label von Youn Hee Park , eine jungen Designerin mit aufregendem, rebellischem Schaffensgeist und einem breiten Ansatz verschiedener Ideen, Verfahren, Objekte und Materialien. Eine Neigung zu Glamour und Auffälligkeit und zu leicht psychedelischen Erscheinungsbildern (Digitalprints) verbindet sie mit gestalterisch sorgfältiger Systematik und geschmacklich klaren Formulierungen, die letztlich auch ungewöhnliche Kombinationen stimmig erscheinen lassen. Die Bandbreite der Schnitte reicht von Oversized über Hippielook bis hin zu vielen klassischen Anteilen. Der Topf der Motive ist ebenfalls groß, von Drogenästhetik der 70er Jahre über Fiorucci der 80er bis zu strengen Geometrien bringt sie alles geschickt zusammen, der PC als Gestaltungsinstrument macht’s möglich.

Ihre aktuelle Kollektion ss2020 zeigte Greedilous kürzlich auch auf einer Schau auf der Seoul Fashionweek und in Südkorea ist es ein recht angesagtes Modelabel.

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Vegan Tiger aus Seoul ist ein engagiertes Label pro Tierschutz, auch in Korea gibt es einen konkreten „Vegan fashion trend“. Streng genommen unterscheidet sich vegane Mode von umweltfreundlicher Mode, obwohl die Ausdrücke oft synonym verwendet werden. Etwas Veganes folgt möglicherweise nicht unbedingt den Best Practices für die Umwelt oder umgekehrt, aber die beiden gehen oft Hand in Hand. Die pelzfreien Pelzmäntel und seidenfreien Seidenroben sind weich und luxuriös, aber „ohne die Kosten der Brutalität gegen Tiere“.

Die Kollektion von Yoona Yang verzichtet also explizit auf tierische Materialien (z.B. Seide, Daunen und Angora, besonders Tierfell) aber mit dem Anspruch, auf die entsprechenden Looks (Leder, Seide, Wolle sowie Fell) nicht zu verzichten. Ein Teil der Einnahmen fließt in die Kampagnenkosten für „Tiere und Umwelt“. Damit demonstriert der Käufer ein weltanschauliches Statement und das für unsere Anschauung vielleicht etwas kindliche Gespenst als saisonales Kollektionsmotiv versteht die Designerin auch als übertragendes Symbol aus der asiatischen Kultur im Sinne einer lebensphilosophischen Haltung. Ansonsten sind die Schnitte und Erscheinungen eher klassisch. Auch Vegan Tiger ist in Korea bereits ein etabliertes Label im Prêt-á-Porter Segment.

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Yumi Katsura ist in Japan ein Klassiker, sowohl im Bereich der Luxus-Couture als auch in Prêt-à-porter, Men’s Couture und Hochzeitsmode. Exquisite Abendkleider und Haute-Cuture mit komplexer Raffinesse sind ihre eigentliche Domäne, mit der sie seit langem erfolgreich ist und auch im letzten Jahr eine Schau zur ss2019 Haute Couture in Paris hatte.

Mit der aktuellen Kollektion „The Poetry of Suminagashi“ experimentiert Yumi Katsura focussierter mit der Verbindung traditioneller japanischer (Kleidungs)Ästhetik bzw. kunsthandwerklichen Motiven und Techniken (Marmoriertusche, Kalligrafie, Verlaufsfärbung) und zeitgenössischer, internationaler Eleganz.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist bemerkenswert, dass der holländische Modedesigner Irving Vorster auch dieses Jahr die Gelegenheit ergreift, auf der Fashionweek Paris eine Schau anzubieten, die immerhin mit vielen groß und teuer angelegten konkurrieren muss und es ist auch kulturpolitisch richtig, dass in solchem Kontext eine staatliche Institution wie das Institut Néerlandais da Unterstützung gibt. (Irgendwie ist es auch schade, dass man vom Goethe Institut diesbezüglich nichts hört.)

Irving Vorster hat seine Arbeit mittlerweile vorteilhaft weiter entwickelt, er hat die grobe geometrische Grundformulierung seiner Damenkollektion in mancherlei Hinsicht tiefer ausdifferenziert und verfeinert. Das rechtfertigt die Beteiligung am Luxussegment erheblich, denn damit bewegt sich die eher platte Formulierung des Konzeptes hin zu einer detailverliebteren Auseinandersetzung mit ästhetischem Raffinement, zumindestens teilweise. An dem Punkt ist bekanntlich viel Luft nach oben und die Klientel entsprechend verwöhnt, gerade auf dem französischen Parkett.

In den gestalterischen Details und Teilsegmenten der Gesamtgestalt bringt Irvinx mit Contour Noir II auch spielerische Formexperimente an kulminierenden Stellen unter (z.B. im Hals-Schulterbereich). Neben den zusammengefügten Formen tauchen nun auch feine (rote) Linien auf, die geometrischen Streifen verzahnen sich oft besser und wirken nicht mehr so aufgesetzt. Die Farbpalette ist nach wie vor eingeschränkt auf Schwarz, Weiß, Silber und Violett, also unterkühlt, neu sind ein paar vorsichtige Einsprengsel in Rot. Die Direktheit der Flächenarrangements berücksichtigt zunehmend die Weiblichkeit der Gestalt, es bleibt aber unentschieden zwischen eigenständiger Form und Anpassung. Der modehistorische Bezug zu den 60er Jahren emanzipiert sich etwas eigenwilliger vom bereits Bekannten (die schräge Linienführung zum Beispiel kommt a priori dynamischer daher als die orthogonale Geradlinigkeit eines Yves Saint Laurent). Gleichwohl bleibt der konstruktivistische Ansatz durchweg prägend und transferiert die modische Grundidee der Gegenwart in ein gehobenes Segment. Die wilden und experimentell radikalen Ansätze beispielsweise des „Berliner Styles“ sind hier nicht wirklich von Interesse, es wäre aber durchaus spannend, wie man die auf dieser Ebene geschmackssicher kultivieren könnte (denn das Interesse haben die Berliner ja eher nicht). Es wird sich in Zukunft zeigen, wenn Irvinx den eingeschlagenen Weg experimentell bzw. innovativ ausbaut und das Kriterium der Raffinesse dabei die entscheidende Rolle spielt. Sein Grundkonzept gibt das gut her.

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