Text & Bilder: Boris Marberg

„braveNEWworld“ nennt Rebekka Ruétz mutig ihre neue Kollektion.
Wuchtige Silhouetten und Asymmetrien in den Konstruktionen prägen die meisten der 34 Looks. Vielfach wird auf Stoffe der Raumausstattung zurückgegriffen, die schimmernd sind oder griffige, räumliche Strukturen und Texturen haben. Gepaart wird dies mit den Oberflächen von Überbleibseln funktioneller Stoffe für Wintersportbekleidung, die isolierend sind. Die vielen A-Silhouetten sind in die Breite gehend mit teilweise üppigen Volumen und die Flächen sind gebrochen oder öffnen den Blick auf  Spitzenunterwäsche. Dies bringt eine neckische, sexy Sichtweise in die Kreationen. Es stellt sich der Eindruck eines kubistischen Ansatzes bei den Flächenkompositionen ein – insbesondere bei der Oberbekleidung. Die Kreationen werden fast durchgängig mit Bändern und Gürtel abgeschlossen, so dass Konturen entstehen, welche die Flächen hervorheben und dass das Styling unterstreichend mit Blickfängen auflockert wird. Die Designerin greift als Quelle für das Material in dieser Kollektion ausschließlich auf vorhandenes recyceltes Material und Reste zurück.

Farblich spielt Ruétz mit dem Wechsel von warmen und kühlen Farben. Neben Lila und Türkis finden sich Schwarz, cremiges Weiß, Rot und Gelb bis Ocker.

Der Titel der Kollektion impliziert radikale Änderungen und Sichtweisen, um (vermeintlich) als Kulturgesellschaft bestehen zu können und ist aktuell mit Vorsicht zu genießen. Es werden Erwartungen an Mode und Konsum thematisiert. Die „schöne neue Welt“ ist als Begriff geprägt von der vermeintlichen Dystopie einer Gesellschaft, die Aldous Huxley 1932 literarisch als ein Gesellschaftsmodell beschreibt, welches alle Impulse und Bestrebungen zu Veränderung von gesellschaftlichen Strukturen wie Indoktrination, Konsum, Drogen und primär der Unterdrückung aller sexueller Befriedigung auslöscht. Aus dieser Sicht wäre das Kollektionsmotto kontraproduktiv. Mode ist per se körperlich und Mode lebt von der Lust sich auszudrücken und wird von Modedesign in einen vorhandenen zeitgenössischen Kontext gebracht und formiert.

In der globalen Krise wettstreiten Konzepte der Nachhaltigkeit mit dem nicht bremsbaren Wuchern des Konsumdiktats. Rebekka Ruétz fühlt sich einer nachhaltigen und verantwortungsvollen Produktion verpflichtet und griff wie beschrieben für diese Kollektion komplett auf recyceltes Material zurück. Die Materialwahl und die Präsentation mit Ski-Brillen führt uns zur Assoziation mit alpinem Wintersport – der nicht gerade als ein Paradebeispiel für Nachhaltigkeit und verantwortungsvolle Lebensweise verstanden wird. Er ist mit Klischees behaftet und massiv die Umwelt belastend. Die Überreste dieser funktionalen Sportbekleidung versöhnlich in neue Formen und Verwendungen zu bringen vermag hier womöglich einen Impuls zu setzen.

The post Rebekka Ruétz – schöne neue Welt appeared first on modaCYCLE.

Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mit der Kollektion „Grieved Serenity“ zeigt Danny Reinke, dass er eine verspielt träumerische Illusion feinfühlig und fellinesk umsetzen kann. Manege auf! Der Schwerpunkt der Kreationen bildet wieder die Damenmode, die spielerisch und dennoch sachlich Weiblichkeit zelebriert. Die jeweiligen Herrenlooks stehen im Kontext und spiegeln die weiblichen fast naturalistisch – hallen als Echo im Raum.

Die Farben sind warm, braun, beige bis hin zu arteriellem Rot. Die Materialien glänzen akzentuiert im Licht und die Oberflächen sind dezent horizontal, asymmetrisch unterbrochen, oft die Silhouetten taillierend. Volumen darf entstehen und die Konstruktionen klar aufteilen. Besonders die weiten Mäntel sind behaglich und elektrisierend – laden zum Reinkuscheln ein. Neben zirzensisch anmutenden Jacken und Kurzkleidern stehen lederne Kleider mit Unterbrustkorsage im Kontrast zu engen horizontalen Streifen bei Damenoberbekleidung mit eng anliegenden Ärmeln. An den Schultern werden Akzente mit dem Material in den Raum gesetzt und heben sich von engen Silhouetten ab. All dies spiegelt sich wider in übergroßen Taschen, die wie große Sofakissen wirken. Eingebettet in die Kollektion war zudem ein fein abgestimmtes Duo aus goldenem Herrenanzug und Kleidchen in A-Silhouette – er klassisch elegant mit zeitgenössischer Version eines Zweireihers – sie aufgelockert mit viel Bewegungsfreiheit im Volumen mit wuchtigen Handschuhen, die Bärentatzen wohl darstellen sollten und sich parallel als Stulpen an den Schuhen spiegeln  – beide Looks durchdacht in der Konstruktion. Dass Danny Reinke stets maßanfertigt, in Berlin, zeigt sich hier wieder sehr positiv im gesamten Erscheinungsbild – eben nichts von der Stange – das ist Handwerkskunst gepaart mit durchdachtem, sensiblem und stilvollem Design – und dabei zeitgenössisch.

Thematisch stellt Danny Reinke seine Kollektion in Zusammenhang mit seiner Entrüstung über Tierqual am Beispiel von Tanzbären. Bezugnehmend hat er darum diverse Accessoires (Nasenringe, Ketten) und Materialien (künstliches Bärenfell) in die Outfits eingefügt, die zirzensischen Looks sind wohl auch daraus abgeleitet.

The post Danny Reinke – Manege auf! appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Boris Marberg

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Adidas auf der Berliner Modewoche mit einer revolutionären Vision von neuen Wegen in der Modeindustrie? Kaum. Und schon gar nicht bei PLATTE.Berlin. Denn das Berliner Label versteht sich als ein Raum für Nachhaltigkeit in der Modeindustrie und Konsum. Eine etwas täuschende Ankündigung dieser Veranstaltung sorgte im Vorfeld für irritierte Erwartungen, die auch in den Medien geschürt wurden.
Mit der Mode- und Kunstperformance „own the Reality -Realitywear“ mit The Yes Men (dieser Partner wurde verschwiegen) hat PLATTE.Berlin nämlich keine eigene Modenschau im üblichen Verständnis veranstaltet, sondern im solidarischen Sinne Ort und Gelegenheit bereitgestellt, gleich zu Beginn der Modewoche in Berlin mit einer sinnverkehrenden, spektakulären und irritierenden Laufstegschau den Kritikern eine neue Deutungsversion über den Konzern Adidas zugespielt.

Adidas-Kleidung wurde von den beiden Designerinnen Isabell Schnalle und Paula Keilholz, welche das kreative Duo „Threads and Tits“ bilden, zerlegt, bizarr wurden Elemente zusammengefügt und rabiat wurde das Markenlogo den Modellen auf die Haut eingebrannt – „Branding“ hier ganz wörtlich dargestellt. Die Personen werden damit nach außen als Eigentum des Konzerns kenntlich gemacht. Ein Besitz- und Eigentumsanspruch, der demzufolge im Denken und im Selbstverständnis des neoliberalen Unternehmers als tief verwurzelt gebrandmarkt wird und sich nur marginal von der menschenverachtenden Gesinnung von Sklavenbesitzern der Kolonialzeit unterscheide. Das Logo von Modemarken – im Falle von Adidas die drei Streifen – werden zu Gitterstäben eines kapitalistischen Gefängnisses umgedeutet.
Sowohl der Arbeiter(sklave) in seiner Abhängigkeit, als auch der Konsument, der sich mit dem Logo „schmückt“, sind dem Diktat des Konzerns auf unterschiedlichen Ebenen verhaftet.

Viele solcher visuellen Um- und Ausdeutungen führten zu bizarren Bildern, regten zum Nachdenken an und diese Schau legte den Finger in die Wunde des solcherart verzerrten und demontierten Konzernbildes. Ohne Frage kann und muss viel Kritik an den internationalen Konzern, dessen Ressourcenverschwendung und den Umständen der Produktion, der Lieferketten und dem Ausbeutungssystem in der Herstellung geübt werden.
Die irreführende Ankündigung und die spektakuläre Wende mit der Performance hat ihr Ziel nicht verfehlt, denn zahlreiche Modeblogger und Journalisten haben die lancierten (diffusen und gefälschten) Pressemitteilungen und -informationen für bare Münze genommen, eifrig in ihren Medien weiter geleitet um dann – nach der Schau – in Windeseile zurück zu rudern und ihre Artikel aus dem Netz zu nehmen.

Bekanntlich ist Adidas nicht der erste Konzern, der ins Visier des Formates von The Yes Men und deren Kreativumfeld gekommen ist. Dass Adidas sich bei Kritik auch bewegen kann, wurde im Falle von Kanye West im Zusammenhang mit antisemitischen Äußerungen klar. Das schadete bislang aber nachhaltiger dem Firmenimage, als die ebenfalls bekannte ausbeuterische Produktion und Ressourcenverschwendung.

Zu Recht wird diese Kritik auf der Modewoche in Berlin, die sich seit Jahren als zentrale Veranstaltung für insbesondere Nachhaltige Mode verstehen möchte, geübt. Unter anderem Upcycling wird hier von verschiedenen Designern als geeignetes alternatives Herstellungskonzept betrieben und weiterentwickelt.

Ein spannender, geistreicher und interessanter Einstieg in die Modewoche.

The post Verwirrung um Adidas appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth
Bilder: Screenshots aus Videos

Wir haben die Seoul Fashionweek für uns entdeckt, denn sie hat, was viele andere Fashionweeks eher weniger zeigen: nämlich eine deutliche nationale Komponente, die sich auf den Kulturraum bezieht. Das will weniger heißen, sie hätte das internationale Format nicht, sondern vielmehr, dass sie solches deswegen hat, weil sie inspirierende Eigenheiten zeigt, die unabhängig vom internationalen Mainstream eine solide Eigenkraft aufweisen. Korea beziehungsweise Asien ist für eine Anreise aus Berlin speziell für die Fashionweek weit, aus dieser Sicht ist die ursprünglich pandemiebedingte, komplette digitale Übertragung („digital Runway“) ein Segen der zeitnahen Vergegenwärtigung, selbst wenn man alle Einschränkungen gegenüber einer besuchten Liveshow bedauern muss.

Das heißt, es gibt viel zu entdecken, bei den dort gestandenen Designern und Designerinnen wie auch bei neu hinzu gekommenen. Im Gegensatz zur letzten Saison sind viele verschiedene Locations als Drehorte ausgesucht, nach wie vor aber repräsentieren die Locations zumeist historische Stätten (Tempel), die einen starken Kontrast zum zeitgemäßen Gestalten darstellen, sich aber dennoch auch als einen gewollten positiven Bezug zum ästhetischen Grundverständnis verstehen lassen.

Das gesamte Programm findet man hier: https://www.seoulfashionweek.org/schedule/
und die Videoübersicht hier: https://www.youtube.com/c/SFW_official/featured

Tipp 1: GREEDILOUS – P.Y.H.

Immer wieder beeindruckend der schier unendliche Einfallsreichtum der Muster und Oberflächenprints. Farbenfroh und gerne auch mal schrill. Es sind eigentlich mehrere Schauen in einer.

Tipp 2: PART OF UNIVERSE: Traditionelle Schnitte neu und cool interpretiert. In der letzten Saison bezog sich die Kollektion von Park Chungae sehr auf die Kultur der schnellen Influencer-Generation, jetzt faszinieren vielseitige ästhetische Crossovers.

Tipp 3: DOUCAN. fantastisch – unser Favorit!

Tipp 4: GRAPHISTE MAN.G – Repenetration. Die alles überdeckenden Schriften, Krickelkrakel und wilden Muster-Kombinationen sind akzentuierten Text- und Bilder-Botschaften gewichen und der Focus liegt jetzt deutlich bei sorgfältigeren Schnitt- und Arrangementkonzepten. Das ist ein Zugewinn in der Entwicklung, aber die Aufregung ist jetzt reduzierter, das Verrückte etwas gebändigt. Spannend anders ist es aber noch immer.

Tipp 5: CAHIERS – gelingt eine Kombination von zeitgemäßer Romantik mit Schleifen und Rüschen und gleichzeitig einer – manchmal komplexen – Architektur mit geometrischer Strenge. Zurückgenommene Weiß-, Beige- und Brauntöne und blasse Farben ergänzen das eher luftige Flair.

Achtung: Wenn die Links nicht mehr funktionieren, wurden die Beiträge von den Verantwortlichen nach Erscheinen dieses Artikels aus dem Netz entfernt oder verlegt. Wir bedauern das – aber Mode ist oft vergänglich …

The post Fünf Tipps zur Seoul FW ss2022 appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth
Bilder: Screenshots aus Videos und je ein Bild von der offiziellen Webseite

Ausgerechnet jetzt, im großen Shutdown, kann man unkompliziert die verschiedenen Fashionweeks international besuchen – im Internet. Wir schauen dieser Tage in die Publikationen der offiziellen Homepage der Seoul Fashionweek (22. – 27. März), und freuen uns über andere Ästhetik, andere Orte und ein anderes modisches Selbstverständnis.

Die Videos sind in der Direktübertragung sowohl auf der offiziellen Seite zu sehen: https://www.seoulfashionweek.org/schedule/, als auch auf youtube: https://www.youtube.com/channel/UCGJ7KF84FFEvkiFqhYaedXQ. 45 Schauen umfasst das offizielle Programm.

Der Weg über die offizielle Fashionweekseite hat den Vorteil, dass man elegant und unaufdringlich mit weiteren Informationen zu dem Label bzw. den betroffenen Designern versorgt wird, in geradlinigem und unaufgemotztem Webdesign, wo schon gestalterisch die Videoschau ein gleichberechtigtes Element im Ganzen ist. Der Nachteil ist, dass die Übertragung oft ruckelt, sie lädt langsam und erfordert Geduld, manche Filme lassen die Tonspur nicht zu und, logisch, man braucht Übersetzungshilfe fürs Geschriebene, wenn man mehr erfahren will. Unsere Links zu den ausgesuchten Schauenvideos führen also zu beiden Quellen und unsere illustrierenden Abbildungen sind wieder Screenshots daraus, sowie einem Beispielbild von der offiziellen Seite, ohne eigene Rechte.

Stilistisch sind die Filmchen sehr sauber und meist eher konservativ angelegt (man hat den Eindruck, viele seien vom selben Regisseur gemacht), die Kleidungsästhetik und kaum der Lifestyle steht im Zentrum und sie wird oft in und mit wundervoller Architektur präsentiert, allein das ist ein optischer Leckerbissen in der Position zwischen Tradition (die fast immer zeichenhaft auftaucht) und anspruchsvoller Moderne ¹). Relativ neu ist die Präsentation in virtuellen Welten ²).

Allerdings ist nicht nur die Machart bei vielen Clips sehr ähnlich – auch die grundlegend ästhetischen Kriterien des Modemachens liegen meistens nicht weit auseinander. Klar, kühl aber nicht inhuman ist eine oft anzutreffende, zentrale Basis. Dies betrifft besonders die Schnitte und Silhouetten. Es ist insgesamt – von Ausnahmen abgesehen – ein Variantenreichtum mit verhaltener Eleganz und eine deutlich spürbare Veredelung der Alltagstauglichkeit. Das betrifft sogar Labels wie z.B. Notknowing, das sich auf trendy Streetculture focussiert und wo die Ästhetik stark vom American Style importiert ist. Auch hier noch spürt man die Verbundenheit mit klassischen Regelwerken und asiatisch präzisem Formgebungsanspruch.
In seiner geometrischen Reduktion findet man den bei Hanacha studio.

Bezugspunkte, die Modefilme ja gewöhnlich mittransportieren, sind wesentlich Architektur, manchmal auch Natur oder Urbanität. Auffällig oft gibt es einen  Bezug zu Kunst und Museum ³), was sich aber auch damit erklärt, dass das National Museum of Korea mit seiner fantastischen Location für viele der Videos kooperierte. Damit sind ideelle Standorte im Sichtbaren schon wesentlich abgedeckt, nie argumentativ oder übertrieben, gesellschaftliche tauchen eigentlich fast nie auf. Das ist die große Unterscheidung zur hiesigen, westlichen Haltung. Der Kern liegt in der gediegenen Ästhetik.

Sehr viele Labels sind jung, gerade mal ein – drei Jahre alt. Sie kommen kaum revolutionär daher, das Zeitgemäße baut erkennbar auf solide Geschmacks- und Handwerksgrundlagen, nicht auf individuelle Abenteuer oder herausstechende Experimente. Das führt zu einer stets sicheren Eleganz und auch die Zielgruppen unterscheiden sich nur in einem homogenen Kontext.

Westliche Einflüsse sind wichtig, die kommen eher aus New York als aus Paris oder Berlin. Spannend sind sie dann, wenn sie so adaptiert werden, dass sie als ausgewählte Bereicherung oder Inspiration der eigenen Kultursphäre erlebt werden. Beyond Closet interpretiert sogar den klassischen amerikanischen und adretten Look (ironisch) neu. Meistens bleibt die klare Linie dominantes Merkmal und bei allen Extras und Besonderheiten gilt die Maßgabe der Zurücknahme aufs Wesentliche. Farbkontraste, selbst wenn sie stark daher kommen, sind immer sehr subtil ausgelotet.

Quasi parallel dazu gibt es noch eine kleine Blümchen-Glitzer-Pop-Fraktion, jene, die sich dann doch von der Klassik längst verabschiedet hat und dem mehr oder weniger grellen Asia-Pop fröhnt. Gekennzeichnet von Einfallsreichtum, frechem Umgang mit Sexyness und großer Farbenfreude, annähernd beliebigem Mix der Gestaltungen, Materialien, Muster, Schnitte und Zeichen und angstfreiem Umgang mit Kitsch, entwickeln diese Designer Streetwear, die sehr jugendspezifisch ausgerichtet ist und hemmungslose Lebensfreude widerspiegelt ⁴). Eine sehr leichte und launige Hemmungslosigkeit allerdings, die hier im Westen nur schwer gefunden wird.

Natürlich gibt es auch eine Reihe von Designern, die versuchen, sich komplett international zu orientieren.

Neun besondere Prägungen wollen wir empfehlen:

***

UL:KIN
Ulkin versteht sich als eine Unisex-Casual-Marke, die auf künstlerischen Kulturen „wie dem Lebensstil und dem Ausdruck von Künstlern“ basiert, die sich also schon etwas spezifischer auf einen sozialen Kontext focussiert, der als „Kunstkultur“ verstanden wird. Kulturhistorische Bezüge (im Nationalmuseum Korea) werden als Auseinandersetzungs- oder Bereicherungspotential gezeigt und dokumentieren die Idee einer gesamtkulturellen Positionierung der Jugend (statt selbstreferenziell, wie meistens hier im Westen).
Das Video ist etwas experimenteller angelegt und die Kleidung setzt zwar auf leicht exzentrischen Touch, ist aber dennoch so konzipiert, dass sie auf natürliche Weise in den Alltag integriert werden kann.
UL:KIN war auch auf der New York Fashion Week letzten Sommer vertreten.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/87/2021FW/UL:KIN

***

CARUSO
Das Label gibt es schon seit 1987 und gehört also zu den erfahrenen und längst erfolgreichen Teilnehmern. Dafür ist es auffallend mutig und steht auch offen zu seinen (oft starken) amerikanischen Einflüssen. Gleichwohl ist es weit entfernt davon, sich anzubiedern, denn subtile Eleganz ist auch hier das Maß der Wagnisse und das reicht bis in die Kategorie der Streetwear, die von plumper Hiphop-Ästhetik nichts außer einer gewissen Zeichenhaftigkeit übrig lässt. Selbst Schrilles und Schräges bekommt immer den Touch des erlesenen Geschmacks und kann sich stilistisch auch im Kontext zurückgenommener Eleganz niveauvoll behaupten.
Sogar der modekulturelle Bezug zur eigenen Historie ist pfiffig und behält stimmige Überzeugungskraft.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/27/2021FW/CARUSO

***

SAINT MILL
zeigt eine scheinbar romantisch verspieltere Version der strengen Konzeptionalität, aber schon die Silhouetten demonstrieren, dass dies keine Gegenposition ist. Altrosa, Blassgrün, Violett und Schwarz bilden ein begrenzt chromatisches Spektrum und auch die Ausstattung verliert sich nicht in detailliertem Kleinklein, sondern führt verschiedene Varianten einer Leitidee vor, die „strukturelle Schönheit und Kompositionsschönheit“ durchspielt, Flächen und Linien in rhythmische Bewegungen überführt.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/483/2021FW/SAINT_MILL

***

PAINTERS
Schon der Name verweist auf ein Designer-Kollektiv (‚Artist Group‘), das sich eher der Kunstszene zugehörig oder verwandt fühlt und kreative und kommerzielle Gestaltung auseinander halten will. Dazu zählen Branchen wie Malerei, Musik, Video, Grafik und Schnitt. Die Schau zur Fashionweek zeigt Varianten aus verschiedenen Kollektionen und keiner stilistischen Linie. Besondere Raffinessen findet man außerdem in den Textilstrukturen und den Schnittarchitekturen, der hohe handwerkliche Anspruch lässt sich auch auf exzentrische Ideen und Sihouetten ein.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/559/2021FW/PAINTERS

***

KIMZISU

Eine überzeugende, zeitgemäße und sehr geschmackvolle Synthese westlicher Modekultur mit klassisch asiatischem Gestaltungsstil präsentiert das junge Label KimZisu. Hier ist auch die Videopräsentation eigenwillig gemacht und sie integriert geschickt und unaufgeregt die Codes modernen Lebens.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/580/2021FW/KIMZISU

***

GREEDILOUS

Über das Label von Younhee Park berichteten wir bereits aus Paris. Die dynamische und erfolgreiche Designerin ist im permanenten Entwurfs- und Realisierungsmodus mit anhaltend spannenden und vielfältigen, kreativen Ideen. Sie beherrscht eine ungewöhnlich große Gestaltungspalette in Mustern, Codes, Schnitten und Stilen, meist bunt, aber immer mit lebensfrohen, lustbetonten Akzenten. Auch die Show dieser Saison belegt das üppig und eindrucksvoll – es sind eigentlich mehrere Kollektionen.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/73/2021FW/GREEDILOUS

***

BY D BY
Seit 2016 gibt es das Label des Designers Buyong Song. Bei seiner Herren-Kollektion sieht man den Brückenschlag zwischen Tradition und Moderne recht beispielhaft, besonders reizvoll deswegen, weil der Einfluss lässig amerikanischer Streetculture dabei nur gering ist. Ausgeprägtes Formenbewußtsein einerseits und innovative Schnitte decken die Spanne zwischen Casualwear und Businesskleidung auf gehobenem Niveau ab, gerade für Männermode ein zumeist schwieriger Balanceakt, der hier überzeugend, mit sicherem Geschmack und ohne viele Mätzchen gelungen ist.
Den Gegenpart dieser Gestaltungsphilosophie bietet dann gleich die nachfolgende Schau von unnorm.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/456/2021FW/BY.D’BY

***

DOUCAN

Ein Feuerwerk japanisch anmutender, überbordender Kreativität und gleichzeitig souveräner Geschmackskultur führt das Label von Chunghoon Choi vor („Après La Mousson“). Seine aufgeprinteten, komplexen Grafiken wirken wie künstlerische Ableitungen aus japanischen Mustern, ergänzt durch ebenfalls grafisch raffinierte Schnitte und Linien. Die gut kontrastierende Schau in strenger, farblich zurückgenommener Architekturgeometrie (National Museum of Korea) entwickelt eine sprühende Lebendigkeit mit erfrischender Eleganz und größtem Abwechslungsreichtum. Eine Synthese aus Kunst und Design, Eleganz und Lebensfreude auf höchstem Niveau.
Definitiv unser Favorit!

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/504/2021FW/DOUCAN

***

PART OF UNIVERSE

Auch die Influencer-Fashion-Kultur findet eine Repräsentanz im Programm. Lifestyle ist der Ausgangspunkt – Smartphone-Life, Selfiemanie, Clubleben, International Instagram-Youth und Group-Hipness prägen die Gestaltungsbasis von Chungae Park und der zugehörigen Videoproduktion. Kurz, schnell, flüchtig.

https://www.seoulfashionweek.org/highlights/view/581/2021FW/PART_OF_UNIVERSE

***

Am Ende der Fashionweek bleibt besonders die Prägung asiatischer Ästhetik in ihren vielen Varianten haften, eine Faszination, die sicher nicht deckunggleich ist mit dem Interesse der Koreaner. Besondere Aufmerksamkeit haben da zum Beispiel die Label ul:kin, Beyond Closet sowie Doukan, Tibaeg und Setsetset. Die Kooperation des National Museums of Korea erweist sich nicht nur als ästhetisch kluge Ergänzung für die Präsentationen in den Videos sondern sie ist zugleich eine Markierung für den kulturellen Stellenwert der Mode im Land – ein Selbstverständnis, das hierzulande erst im mühevollen Aufbau ist.

¹) z.B. C-ezann E, Cahiers

²) A.Bell

³) Beyond Closet, ul:kin, C-Zann-E, Painters, Big Park, Doukan

⁴) Holy Number 7

Alle Bilder sind von der Webseite des jeweiligen Designers bei der Seoul Fashionweek und die Rechte bei den betreffenden Autoren dort!

Achtung: Wenn die Links nicht mehr funktionieren, wurden die Beiträge von den Verantwortlichen nach Erscheinen dieses Artikels aus dem Netz entfernt oder verlegt. Wir bedauern das – aber Mode ist oft vergänglich …

The post Notizen von der FW Seoul aw2021 appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der dritte Showroom-Spaziergang führte uns zunächst ins dritte Arrondissement zum DACH-Showroom, der knapp 30 Designer aus Deutschland, der Schweiz und Österreich präsentierte. Nur ein Teil der Labels war auch für Medienpräsenz aufgeschlossen, nach außen erscheint der Paris-Auftritt zwar eher als ein kollektives Interesse, im näheren Gespräch waren die Motivationen dann doch eher partikular und der Name DACH steht deswegen wohl eher für ein offenes solches. Auch im gestalterischen Ansatz reichte die Bandbreite der jungen Designer von eher konventionellen bis hin zu recht exzentrischen Konzepten, die dann letztlich auch die reizvollsten waren. Sieben Labels stellen wir beispielhaft vor.

YVY
ist ein Schweizer Label (seit 2013) für luxuriöse Damen-Lederbekleidung und Accessoires, denen in der vorgestellten Kollektion „brut“ zum Teil ein deutlicher Touch von Fetisch-Wear anhaftet. Das hat aber keineswegs anrüchige Qualität, vielmehr trägt die Designerin Yvonne Reichmuth damit eine reizvolle ästhetische Eigenheit in das gesellschaftlich hochwertige Luxus-Segment und bereichert es sehr zeitgemäß und geschmackvoll. Hochwertiges, feines italienisches Leder und sorgfältige Handarbeit des Reichmuth-Teams erlauben außerdem, spezifizierende Kundenwünsche zu erfüllen und wertvolle Couture zu lancieren. Faire Produktionsbedingungen und umweltbewußtes Material sind für Schweizer Modedesigner dabei eine erfreuliche Selbstverständlichkeit. Wir finden aber gerade den stilistischen Ansatz in hochwertiger Couture sehr konstruktiv und reizvoll – kombiniert mit Klassischem vermittelt das einen guten Anteil Coolness – auch wenn er zeitgeistig nicht so ganz überraschend daher kommt, ist er im Sinne des Schweizer Modedenkens doch recht straight und innovativ verwirklicht.

***

GON
aus Österreich gibt es seit 2011 (Christina Steiner) und agiert eher im konventionellen Sinne. Oft übergroße Schnitte lassen die lockeren Teile flattern und die farbenfrohen Drucke handgemalter Motive und großflächiger Muster stehen für einen spielerischen Auftritt. So kann man auch den aktuellen Trend der Textparolen integrieren.

***

HUI-HUI
Hamburg, existiert bereits seit über 15 Jahren und hat einen vergleichbaren Ansatz, ist aber breiter aufgestellt. Die Designerin Duitse Anne Schwätzler und die Schwestern Johanna und Katharina Trudzinski verstehen ihr Label außerdem als alternativ/nachhaltig. Farbenfrohe, oft aus der Bildenden Kunst inspirierte Muster und interessante Texturen stehen für einen unkomplizierten, optimistischen Auftritt im Alltag.

***

JACQUELINE LOEKITO
aus Basel verortet sich deutlich näher an der Kunst und mutigen Designoptionen als am kommerziellen Mainstream. Entsprechend kreativ und unkonventionell ist die Kollektion des kleinen Labels und der Spaßfaktor auf verschiedenen Gestaltungsebenen führt zu innovativen und beeindruckenden Lösungen, nicht selten in die Nähe von Kostümdesign. Das Farbspektrum dieser Kollektion changiert im Rotbereich und schafft starke Präsenz und emotionale Kraft.

***

JULIA HEUER
aus Deutschland hat (handgemachtes) Plissée als starke Gestaltungsbasis entdeckt und die Möglichkeiten mit ungewöhnlichen Prints und rasanten Schnitten zu einer beeindruckenden Kollektion ausgebaut. Oft werden die farbintensiven Prints schon vor dem Plissieren auf den Stoff aufgebracht und bzw. oder danach in der japanischen Verarbeitungstechnik nach Arashi Shibori weiterverarbeitet. Hoher Tragekomfort, sehr elegante, oft extravagante Erscheinung, feines Material und viel raffinierte Handarbeit kennzeichnen diese Kollektion mit Classe.

***

SIGHTLINE
von Vivien Sakura Brandl ist in Wien ansässig und positioniert sich im praktischen, aber gehobenen Alltagssegment. Eine etwas spezielle, subjektiv geprägte Gestaltungsbasis, die auf fast asiatische Schlicht- und Klarheit reduziert ist und in diesen Minimalismus ausgeklügelte Details unterbringt.

***

TATA CHRISTIANE
ist ein Berliner Label (Julie Bourgeois und Gabriel Santini) und entspricht auch in vielerlei Hinsicht dem Image der Stadt als kreative, expressionistische Vision von „Machern“. Die Arbeiten der beiden produktiven Modedesigner entfalten sich aus – zum Teil wuchernden – Zusammensetzungen verschiedener Elemente, die meist aus handgemalten Stoffteilen oder daraus abgeleiteten Musterflächen auf Textilien bestehen oder aus Kombinationen unterschiedlichster textiler Materialien. Gabriel Santini ist dabei eher für die bildhafte Gestaltung zuständig, Julie Bourgeois für die Zusammensetzung bzw. Verwandlung in Kleidung.
Mit großformatigen, expressiven Zeichnungen und dem oft offenen Weiterverarbeitungsprozess entstehen meist sehr komplexe und eigenwillige Stücke, die nicht selten zu teuren und etwas verrückten Unikaten heranwachsen. Doch immerhin: das als experimentelle Handarbeit Anmutende ist mittlerweile, jedenfalls zum Teil, auch als reproduzierbare Kollektion konzipiert, denn die Nachfrage in Berlin, Tokyo und Paris steigt.

***

The post Showroom-Walk III: DACH appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sie bringen den Body zurück, sogar die Radlerhose. Nachdem immerhin Karl sie entgegen eigener Antistatements plötzlich salonfähig gemacht hat, setzte Each Other noch einen drauf und präsentierte eine offensive, peppige Kollektion, die auch und gerade vor 80s-Glamour und Schimmer nicht zurückschreckte.
Aber so schaurig, wie es sich vielleicht liest, ist es doch nicht, das Konzept ist ambitioniert. Each Other evoziert mit der neuen Kollektion ein hybrides Frauenbild, das zwischen „Gentlewoman“ und Businessfrau, Glamourgirl und vergnügungsfreudiger Partyfigur der Abendunterhaltung pendelt, also mehrere Ansprüche der Gegenwart zusammenfügt, und das durchaus mutig definiert.

Die Gestaltungsergebnisse sind ebenso offensiv wie auch optimistisch. Kräftiges Pink, schillernde Farbverläufe (sogar auf Jacken), hautenge Jumpsuits bzw. Trikots, die an Bade- bzw. Turnanzüge erinnern, aber nun als reguläres Kleidungsstück fungieren, Bühnenjacketts, Fransenapplikationen, Rhinestones, Schulterpolster – kein Rückgriff auf exzentrische Auswüchse vergangener Modeepochen des späten 20. Jahrhunderts scheint tabu und fügt sich originell in die explosive Kollektion ein. Dazu eine sehr bizarre Sonnenbrillenkollektion, die dem Grad Coolness noch einmal ein i-Tüpfchelchen hinzufügt und Schuhwerk wie silberne Stiefeletten und Plexiglas-Schmuck.

Im Einzelnen sind es wohl alles bekannte Zutaten mit eigener Ästhetikgeschichte (woran man meist nicht so gerne zurückdenken will) und jeweils nicht gerade originell verändert. Im Ergebnis macht es doch das Rezept des fertigen Gerichts im Heute, das zu einer eigenen Überzeugungskraft gelangt, Mut beweist und auch noch den provokativen Titel „New Age“ trägt.
Allein ein pinkfarbenes oder pailettenbesetztes Ein-Träger-Trikot mit hohem Beinausschnitt als reguläres Kleidungsstück unter Jacke oder Mantel beschreibt das Revolutionäre der Sicht auf überlieferte Bedeutungskonvention sehr beispielhaft. Der Zusammenhang gibt dem Trikot auch eine neue Note Erotik mit auf den Weg und, das macht es eben spannend – dies ist auch ein anderes, neuzeitliches Selbstverständnis im Bekannten.

Damit leitet das Modekollektiv Each Other eine neue Ära zu seinem siebenten Geburtstag ein. Es hat nicht nur sein Logo neu konzipiert (ohne das X) sondern eigenen Aussagen zufolge sich entschieden, “to focus on statement pieces: tailoring, evening dresses and sportswear.”

Die Jungen sind mit den Implikationen der Modezitate vielleicht nicht so empfindlich wie wir, die wir das noch gelebt (und gerne vergessen) haben, am deutlichsten bei der Radlerhose spürbar. Und sie können sich darum mit dieser Konzeption vergnügt durch den städtischen Raum bewegen, alle anderen werden die amüsierte Sicht darauf mit nostalgischen Reflexen anreichern. Aber launig ist diese Kollektion allemal. Vorgeführt von strahlenden und dynamischen Modellen im Café Marly in den Arkaden des Louvre bei Sonnenschein und sommerlicher Wärme zeigt sich die Kollektion als ein schlagkräftiges Statement der unbekümmerten Lebensfreude.

The post Each Other: The Body Shining appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Wir starten den zweiten Tag unseres Showroom-Spazierganges auf der Pariser Fashionweek SS2019 beim FIND-A-NAME-Showroom, eine Art Galerieinitiative der in Paris ansässigen Agentur gleichen Namens, die sich als beratender Mittler für den kommerziellen Vertrieb internationaler Modemarken versteht. Die Palette der vertretenden Modedesigner ist zwar stilistisch wenig spezifisch, im Prinzip finden sich da aber mutige und eher ungewöhnliche Gestaltungsrichtungen, die meist schon recht exklusive Geschmacksorientierungen ansprechen und den jungen Zeitgeist etwas dezidierter formulieren.

BERHASM
ist ein Moskauer Label mit auch typisch russischem Gegenwartsdesign. Es wurde dieses Jahr als ein Mode- Kunst- und Musikkollektiv von Beso Turazashvili gegründet – einem Digitalclub, wo der Markt der Straße auf Techno treffen soll. Er versteht sich also als eine Art moderner Underground und entsprechend rau und provokativ ist die künstlerische Gestaltungslust der Protagonisten. Was seit Zappas 60ern im Westen längst zur kulturgeschichtlichen Epoche einer Jugendrevolution des Westens abgehakt ist, lebt hier wieder auf und ist so frisch und lustvoll wie seinerzeit. Schon die Instagram-Webseite zeigt, wo es hier langgeht.

***

BRACHMANN
Inspiration für die Sommerkollektion 2019 war das von Frank Lloyd Wright entworfene Johnson-Gebäude, ein Beispiel für die stromliniengeprägte Formensprache des New Style der amerikanischen 30er und 40er Jahre und u. a. berühmt für die filigrane Säulenarchitektur. Brachman beschreibt entsprechend die Kollektion als „verspielt-minimalistisch, die von der zarten Stärke, filigranen Kontur und minimalistischen Opulenz dieser Architektur inspiriert ist“. Formengestalt, Materialwirkungen und Farbstimmungen hat Brachmann in der ihr eigenen Strenge zum Teil direkt zu transponieren versucht – insgesamt wirkt die Kollektion damit weniger hart und verschlossen als solche der Vergangenheit. Was vielleicht dem vorbildlichen Einfluss der subtilen Architektursprache Frank Lloyd Wrights geschuldet ist.

***

DOLLY AND MOLLY

ist ein japanisches Label aus Tokyo mit dem Anspruch, bekannte Stereotypen bzw. Gewohnheitsbilder aufzubrechen. Es ist beeinflusst vom Geist des Punk und rebellischer Jugendkultur „anti-social, deconstructive and rebellious souls seeking for break-through in complex and unstable reality we are living in.“ (Selbstbeschreibung) Das Designerteam verzichtet auf Sinn- Luxus- und Schönheitskriterien, zeigt sich stattdessen ausdrucksvoll, launig, frisch und auf junges Publikum gerichtet. Es transportiert den leicht abgedrehten, zeitgemäßen Tokyo-Style, der gerne verrückt, auffällig und kreativ auftritt und in dieser Hinsicht mit einer erfrischenden Vielfalt aufwartet.

***

FAKBYFAK
In Anlehnung an Alain Mikli als Modemarke für Brillen hat sich FAKBYFAK (ehemals Fakoshima) als russisches Konzept-Label etabliert und arbeitet mit international renommierten Designern zusammen (so wie hier z.B. mit Walter van Beirendonck aus Belgien). Die Brille als Persönlichkeitsmerkmal und als kreatives Produkt verstanden, finden wir, ist immer noch ein unterrepräsentiertes Accessoire, obwohl es wirklich gute und originelle Beispiele gibt, wie auch hier.

***

IOANNES
Auch Ioannes sucht durch überraschende Kombinationen des Unzusammengehörigen neue Reize zu evozieren. Der deutsche Designer Johannes Boehl Cronau focussiert sich dabei auf formale Reduktion und flaue Farbgebung und möchte trotzdem erzählerisch gestalten. Pfiffig sind die verlängerten Handschuhe, die auch über die Kleidung gestreift werden und oben, dank eines Gummizugs, zu Stulpen aufgebauscht werden können; zum Beispiel über einer Jacke.

***

IDISM
Vom zeitgenössischen Ideal des gesunden Lebens geht die Kollektion des Nachwuchs-Labels aus, nämlich auf Basics reduzierten Lifestyle, der sich auf Geist und Körper besinnt. Sie versucht einen Zukunftsentwurf zu kreiieren, der sich einerseits aus klassischen Elementen weiterentwickelt und andererseits hybriden Lifestyle mit Schönheitsbewußtsein verbindet. Schlicht, sportlich und urban präsentiert sich also dieser Anspruch.

***

LAROOM
ist ein spanisches Label, das nicht nur Mode produziert, sondern alle möglichen Designartikel des alltäglichen Lebens. Ein wenig Folklore, ein wenig Romantik und ein wenig Glamour enthält die präsentierte Kollektion sowie auch etwas geradlinige Sportlichkeit. Designerische Prägnanz ist eher etwas zurückgenommen.

***

LAUTEM
ist ein spanisches Label für luxuriöse Accessoires, die mit äußerst sorgfältiger Handarbeit gefertigt werden. Klarheit, sichtbare Perfektion und ausgewogene, geometrische Proportionalität kennzeichnen den Anspruch, Frauen einen modernen und kompromisslosen Style zu vermitteln.

***

RUBAN
ist ein Label, das schon 2010 von den Schwestern Alice und Julia Ruban gegründet wurde. Das russische Duo hat seitdem bereits mehrere relevante Preise gewonnen und sucht seine Inspirationen in allen Bereichen der Mode. Entsprechend verschieden sind die vorgeführten Gestaltungsansätze. Auffällig erschienen uns die mutigen Überlagerungen verschiedener Stoffe und Oberflächengestaltungen, die Sexyness klassischer Abend- oder Cocktailkleider sowie die sehr weiblichen Schnittversionen bei klassischen Stücken.

***

SEEN USERS
Das Newcomer Label wird auf Erfolgskurs gehandelt (vgl. ELLE) und präsentiert tatsächlich spannend-innovative Ideen. Es gibt meistens eine Ausgangsidee, in diesem Falle die Leben königlicher Charaktere, deren Bekleidungscharakteristika dann im Sinne eines modernen Stylings uminterpretiert werden. Die Kleider der Romanovs, Haushälterinnen und Krankenpflegerinnen der Edwardian Ära beispielsweise oder Prinzessin Dianas „La Bayadere“ (1988) oder Märchenwelten (Andersens „Des Kaisers neue Kleider“) und so weiter. Nicht selten werden das interessante Kombinationen aus Früher und Heute, die lustvoll und einfallsreich etwas Neues zaubern.

The post Showroom-Walk II: Find A Name appeared first on modaCYCLE.

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Circa 5000 Designer *) haben sich auf der Paris Fashionweek ss2019 präsentiert, wohl etwa 500 Showrooms *) hatten den größten Anteil daran. Denn die Défilés sind sehr teuer dort und nur die allerwenigsten können sich eines leisten. 400 Presseanmeldungen wurden bei der Fédération de la Haute Couture et de la Mode registriert, entsprechend groß ist der Run der Fotografen und Schreiber auf die Schauen. Medial völlig unterrepräsentiert sind die Showrooms, die zum Teil zwar großartige Sachen zeigen, sich aber letztlich eher für’s Kommerzielle ausrichten als für weiterreichende Präsenz.

Während also die große Meute an Pressevertretern zu den großen Schauen von Balmain zu Chanel und zu Dries van Noten hechelte, entschlossen wir uns, ein paar Spaziergänge durch die Showrooms zu machen und dort Ungewöhnliches bzw. Neues zu entdecken. Für die fotografische Dokumentation ist das schwieriger und weniger anschaulich, aber dennoch den einen oder anderen Blick wert.

Start unserer Besuche war der offizielle Showroom der Fédération de la Haute Couture et de la Mode, DESIGNERS APARTEMENT. Zehn ausgesuchte Designer aus Frankreich werden dort jede Saison vorgestellt – im repräsentablen Palais de Tokyo.

ARTHUR AVELLANO

kommt eigentlich aus der Kunstszene Toulouse und hat Mode als sein bestes Medium als Design-Beitrag entdeckt. Die Arbeit mit Latex entfernt sich entschieden vom klassischen Garderobenarsenal und positioniert Kleidung an die Schnittstelle zwischen Objekt und Materialität. Mit der sexuellen Anspielung geht die Haltung des unverfrorenen Auftritts einher, der in den Alltag versetzt wird. Diese explizite Konnotation (und der spezifische Oberflächenglanz) von Latex geht noch ein wenig über das schon leicht offensive Material Leder hinaus, gleichzeitig „normalisiert“ das Design die Erscheinung.

***

BOYAROVSKAYA

wurde 2016 in Paris von Maria Boyarovskaya und Artem Kononenko (Modefotograf) gegründet. Dekonstruktivistische Schneiderkunst mit feinen Materialien führen sie auf ein minimalistisches Konzept zurück und verbinden dabei geometrische Schichtungen mit eleganten Proportionierungen und kleinen, pfiffigen Akzenten.

***

CLARA DAGUIN

ist als Französin im Silicon Valley aufgewachsen und will die Beherrschung hochwertiger, perfektionistischer Handarbeit im Zeitalter aufkommender Hochtechnologien verankern; die gestalterischen Formulierungen spiegeln genau diesen Balanceakt wider.

***

DAWEI SUN

hat zunächst bei John Galliano und bei Balenciaga gearbeitet sowie als artistic director bei Cacharel, bevor er zunächst „Belle Ninon Paris“ und 2016 „Dawei“ gründete. Der gebürtige Chinese hat diverse Preise (u.a. „nouveaux talents de la mode“ bei ELLE) gewonnen und stellt mit diesem Label seine fünfte Kollektion vor. Ungewöhnliche, manchmal ausladende Formgebungen, große Gesten im Schnitt und gestreifte Muster und Strukturen kennzeichnen den asiatisch angehauchten Stil.

***

GNDR
versteht sich als ein gender-loses Label und nicht nur als Modedesign sondern auch als gesellschaftliches Statement. Victor Russo und Louis Bastelica sind das kreative Duo hinter dem Pariser Modelabel. Häufig kennzeichnen aufgedruckte bzw. -gemalte Schriftzüge als Parolen und handgemachte Akzente ihre Kollektion “Dear Agnès”. Die Schnitte sind betont schlicht und neutral, harte Kontraste und das Farblose sind Programm.

***

KENTA MATSUSHIGE
arbeitet mit japanischen Ästhetizismen: klar, minimalistisch, sauber und mit scharfen Schnitten. Entsprechend perfektionistische Verarbeitung wird zum visuell erlebbaren Merkmal. 2014 war der Designer Preisträger des Festivals de mode et de photographie in Hyères.

***

MAZARINE
ist Hélène Timsit und Quentin Poisson. Die Kollektion ist sehr behändig gefertigt und wirkt maßgeschneidert. Die Silhouetten sind inspiriert von unbekannten Epochen und undefinierten Orten, ihre Ausstrahlung enthält damit, trotz der sehr diesseitigen Konkretion, einen etwas mystischen Touch.

***

NICOLAS LECOURT MANSION
startet das Label erst seit Beginn 2018. Die Kollektion ist bestimmt von dem, wie Kleidung im 21. Jahrhundert aussehen müsste und hat entsprechend technischen Entwurfscharakter, ist zugleich aber auch faszinierend in der Gegenwärtigkeit der utopischen Erscheinung. Obwohl genderunabhängig konzipiert, gelingt es der unkonventionellen Gestaltung ein starkes Maß an Sexyness zu vermitteln.

***

PROÊMES DE PARIS
wurde 2014 von Marion Gauban Cammas und Ulysse Meridjen gegründet. Trotz der kontraststarken, teilweise ungewöhnlichen Muster ist die Gestaltung sehr ausgefeilt und elegant, geradezu erlesen. Die Designerin arbeitet außerdem mit nachhaltigen Stoffen aus kunsthandwerklicher französischer Produktion.

***

QUOÏ ALEXANDER
bietet sicher die faszinierendsten Arbeiten mit seiner Kollektion an. Er bringt Erfahrungen aus großen Modehäusern (Chanel, Alexander MCQueen, Sonia Rykiel) mit und erarbeitete Looks für große Stars (Naomi Campbell, Beyonce, Tilda Swinton u.a.). Jedes Stück ist von großer Delikatesse in Material, Oberflächenbeschaffenheit und handwerklicher Verarbeitung und die Schnitte sind stets ungewöhnliche Kreationen. Obwohl der kalifornische Designer schon diverse Auszeichnungen gewonnen hat, ist er für uns definitiv die Haute-Couture-Entdeckung im „Designers Apartement“.

***

SAVOAR FER
Abgeleitet von savoir faire ist dieser Label-Name der schweizer Designerin Eliane Heutschi Programm. Sie überträgt ihre Faszination für traditionelle Handwerkstechniken, schwere Stoffe und kraftvolle Ausstrahlungen in zeitgenössische Gestaltungskonzepte mit unkonventioneller Anmutung. Sie hat zuvor zwei Jahre mit Lutz Huelle gearbeitet, entsprechende Parallelen kann man entdecken.

***

Das DESIGNERS APARTEMENT im Palais de Tokyo liegt ein paar Stockwerke über den Dächern von Paris und hat eine Terrasse mit wunderschönem Ausblick links auf den Eiffelturm und geradeaus auf die hohe Architektur des rechten Seineufers im 16. Arrondissement.

*) Datenquellen unbekannt. Genauere Recherche bislang ergebnislos. Wir korrigieren, wenn wir mehr wissen.

The post Showroom-Walk I: Designers Apartment appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Akzentuierend-kontrastierende Streifen, senkrecht, waagerecht oder v-förmig, sind das auffälligste Gestaltungsmittel der Sommerkollektion für 2019 von Maisonnoée. Damit werden die Formen in sich strukturiert und die häufig eingesetzten Transparenzen formal reizvoll gebunden. Gleichzeitig löst die Designerin Sophie Oemus damit auch die eher konventionelle Schlichtheit der Kleidungsfiguren etwas auf, ohne exzentrische Experimente machen zu müssen.

Lockerheit durch die weich fallenden, dünnen und edlen Stoffe kombiniert sie mit diesen breiten Streifen als geometrisch geradlinige Gefüge zu einer reizvollen Gestaltungseinheit, die sich farblich auf Weiß/Beige und Schwarz reduziert (und Silber). Dank der stilistischen Geradlinigkeit sind die Teile auch gut kombinierbar und mit dem konventionellen Grundtypus der Kleider, Tops und Röcke recht alltagstauglich, wenn man von den Transparenzen mal absieht. Die Leichtigkeit macht die Sachen sehr feminin und angenehm sommerlich, die hochwertigen Stoffe, schönen Plissées und sorgfältige Verarbeitung verleihen luxuriöse Eleganz.
Ausserdem sah man wieder tolle Blousons und enge Hosen, meist in schwarz, bekanntes Element der Maisonnoée-Kollektionen, das die selbstbewusste, emanzipierte Sexyness der modernen Frau herausstellt.

Und dann war da noch eine Kinderkollektion („Maisonnoée Kids“). Schon mal ganz abgesehen davon, dass die Kindermodels ihre Sache mit großem Vergnügen und gleichzeitig ernsthafter Hingabe verrichteten, verbreitete das großen Spaß und kam sehr überzeugend daher. Auch hier waren die Outfits locker und teilweise sogar bunt – eine wirklich gekonnte Mischung der oben beschriebenen Eleganz und altersgerechter Gestaltung, und zwar so wie Kinder das mögen und selbst Modernität verstehen. Es war jedenfalls offenkundig, dass sie das mochten, was sie da vorführten (mit einem Touch von launiger Coolness) – und die Erwachsenen auch.

Und dann noch eine Kollektion für Jugendliche, bei der die Designerin genauso deutlich den Bedürfnissen moderner Adoleszenten entsprechen konnte – schwarz, ledrig, tough aber lebendig und bequem. Für die Vorführung hatten sie sich dann auch eine eigene ballettartige Performance ausgedacht, die den Laufsteg gut aufmischte. Neben der Live-Jazz-Gesangsaufführung (Nova Miller, siehe erstes Bild) war diese Einlage eine wirklich gute Idee, die sonst eher eintönigen Catwalks neu zu beleben und den üblichen versteinerten Gesichtern der Modelle etwas Frisches entgegenzusetzen. Mit diesen beiden Sonderkollektionen hat Maisonnoée sehr einfühlsam und anspruchsvoll Marktlücken gefüllt.

Eine Schau also aus drei verschiedenen Segmenten eigener Zielrichtungen, die übergreifend ein Grundanspruch geschmackvoller Eleganz mit durchgehenden Stilmitteln verbindet und die im Einzelnen sehr markt- und generationsgerecht orientiert sind, ohne sich stilistisch verbiegen zu müssen. Es wäre auch schön, wenn das bis zu den Jugendlichen durchdringt, denn eine geschmacklich kultivierte Gestaltungsqualität wäre in europäischen Regionen doch mal eine wirklich nötige Alternative zu den groben US-Rapper-Vorlagen ….

The post Maisonnoée: Kultiviertes für die Generationen appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Sehr locker fallende, dünne und geschmeidige Stoffe sind das wesentliche Gestaltungspotential von Lana Müller, daraus macht sie zarte Verhüllungen in unaufdringlicher Eleganz. Die Leichtigkeit des Stoff-Fallens ist für Lana Müller die Herausforderung einer konsequenten Gestaltung, die nicht nur ihren Stil kennzeichnet, sondern auch für ein weibliches Lebensgefühl steht.

Der Luftigkeit der Kleidung für den Sommer entspricht subtile Farbgebung mit blassen Tönen und offene, sich unterschiedlich bauschende Formen, die wie im Luftzug flatternd den Körper umspielen. Der Effekt wird in dieser Kollektion verstärkt mit Bordüren, Rüschen und Stoffapplikationen, die – teilweise abgelöst – frei wie zugehörige Bänder eigene Bewegung hinzu fügen und etwas entschiedeneren Formen Spielerisches verleihen. Zarte, fein gestreute Blumenmuster beleben den unbeschwerten Charakter von Frühlings- und Sommerduft und romantischen Feelings.

Transparenz ist hier nicht nur eine romantisch erotisierende Note, die den dünnen Stoffen quasi folgerichtig entspricht, sondern evoziert insbesondere ein feminines Freiheitsgefühl der selbstbewussten und zugleich unbeschwerten Frau der Gegenwart. Verhaltene Eleganz und verfeinerter Geschmack dominieren die Freude an der Lockerheit (und Verspieltheit) der Gestaltungen und vermitteln darüber hinaus eine Sexyness, die in ihrer Unkompliziertheit konsequent aus weiblicher Perspektive konzipiert ist.

The post Lana Müller: Unbeschwert weiblich appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Der Berliner Salon und der Vogue Salon (in Partnerschaft mit Swarowski) in Veranstaltungseinheit war auch diese Saison ein Highlight der Fashionweek, dank der weiterhin engagierten Ausführung dieses Konzeptteils zur Förderung junger, deutscher Designtalente. Auf zwei Etagen des Gebäudes und Erweiterung auf die Terrasse bekommen vielversprechende Designer (Mode, Accessoires, Schmuck, Wandgestaltung) Gelegenheit, ihre Arbeit in elegantem Ambiente und viel Publikum vorzustellen. Und sie sind persönlich präsent. Das ist für alle Beteiligten ein erfolgreiches Veranstaltungskonzept – eigentlich gedacht für Branchenzugehörige (Händler etc.) ist die Ausstellung dennoch auch ein Leckerbissen für interessiertes, breiteres Publikum. Wir dokumentieren bzw. berichten darum gerne darüber, denn die Präsentationen zusammen genommen ergeben ein recht umfassendes Bild vom State of the Art.

Von der Zeitmagazin & Vogue Konferenz im Kronprinzenpalais können wir dieses Mal leider nicht berichten. Das PR-Büro dieser ambitionierten und gesellschaftskritischen Veranstaltung verlangte von uns und Journalistenkollegen dieses Mal die Entrichtung einer beachtlichen Anwesenheitsgebühr, warum wissen die Götter. Dabei kennen wir die Veranstaltung aus den vorangegangenen Saisons durchaus als selbstkritisch und thematisch spannend, gesellschaftsbezogen und eben als ein Format, das sich Öffentlichkeitswirksamkeit auf die Fahnen geschrieben hat.

Während die Schauenvielfalt der Berliner Fashionweek insgesamt etwas heruntergefahren wurde und auch der Berliner Salon nur noch drei Schauen betreute, blieb die Gruppenausstellung umfangreich. Sie wurde nun sogar durch eine kleine Fotoausstellung ergänzt. Allerdings: auch wenn andere Veranstalter das anderswo sinnvoll zusammenführen, war diese Einfügung einer kleinen Bildabteilung in großem Raum hier doch etwas befremdlich. Inhaltlich ging uns das schon mit den Wanddekos oder den Objekten des Meissener Porzellan so, immerhin war deren Kombination mit den Odeeh-Exponaten geschmacklich geschickt arrangiert. Sie bringt nicht viel, diese integrierte Fotoausstellung  eines Fotowettbewerbes von Vogue und Huawei, wie wir finden, zu klein und zu wenig schlüssig im Zusammenhang.

Nicht wenige Designer haben wir hier schon näher vorgestellt, die vormals Schauen ausgerichtet hatten, dies aber nicht mehr tun. Darum war es gut, zu sehen, wie sie ihre Arbeit weiter entwickeln, so z.B. Julia Seemann, Lou de Bertoly (Ex Augustin Teboul), Allude, Dorothee Schumacher, Hien Le. Andere Designer sahen wir nur in diesen Ausstellungen im Fashionweek-Kontext, sie waren im Berliner Salon oft präsent wie Horror Vacui, Belize, Iris von Arnim, Rianna und Nina und viele mehr, sie alle sind ebenfalls mit ihrer Arbeit anspruchsvoll und sehenswert geblieben. Und bei denen, die parallel auch diesmal Défilés ausgerichtet haben, z.B. I’VR Isabel Vollrath, war es noch einmal spannend, dieselben Stücke vom Laufsteg nun von Nahem betrachten zu können.
Neue Designer sind auch hinzu gekommen, Insidern schon oft bekannt, weil sie international mehr Aufmerksamkeit bekamen als hierzulande, ausgestellt oder publiziert wurden; in diesem Zusammenhang haben sie jetzt auch eine verdiente Präsenz im Berliner Präsentationskontext. Auch da reicht die Palette der verschiedenen Ansätze von künstlerisch-experimentell wie bei Nhu Duong bis zu Fair-Trade-Konzepten wie bei 8 Eden Avenue oder eher konventionellen Streetwear Basics wie bei MCM.

Insofern ist letztlich das große Spektrum der Gruppenausstellung der eigentliche Reiz für den Besucher, umso mehr, als die Laufsteg-Schauen ja weniger wurden. Wir stellen die meisten Designpräsentationen nachfolgend vor:

Sminfinity:

Dawid Tomaszewski:

Und Gretel:

Ayede:

Catharina Mende:

Claudia Bertini:

Horror Vacui:

Lara Krude:

Lou de Bertoly:

MCM Worldwide:

Nhu Duong:

Odeeh und Meissener Porzellan:

Phylyda:

Roeckl:

Lala Berlin:

Marina Hoermanseder:

Mykita:

Peter O. Mahler:

Philomena:

Rianna und Nina:

Steinrohner:

Stiebich & Rieth:

Talbot Runhof:

Treuleben:

Unützer:

Werkstätte Carl Auböck:

William Fan:

Working Title:

8 Eden Avenue:

Antonia Zander:

Aoiro:

Belize:

Brachmann:

Gabriele Frant:

I’VR Isabel Vollrath:

Iris von Arnim:

Julia Seemann:

Kathrin Eckhardt:

Strenesse:

König Souvenir:

Dorothee Schumacher:

Allude:

in der Fotoausstellung:

Jan Kath:

The post Gruppenausstellung Der Berliner Salon: State of the Art appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Vogelzwitschern, Khaki, sanftes Grün, New Age Sounds – woran denken Sie, wenn Sie in eine solche Atmo eingetaucht werden? Damit ist schon mehr oder weniger deutlich, wohin die Gestaltungsreise mit der Kollektion von Danny Reinke geht. Egal ob man an Urwald oder weite Steppen denkt, Naturerfahrung oder -assoziation bestimmt den künstlerischen Ausdruckswillen – zuvorderst mit der Farbigkeit, die wesentlich von verhaltenen, sehr zarten Nuancierungen von Khaki, Hellgrau, Violett und Grün bestimmt ist und gelegentlich Akzente von Rot und Gras- oder Tannengrün hinzufügt.

Damit zieht sich eine zarte Stimmung durch ein sehr subtiles Naturerleben, das sich nicht konkret in entsprechenden Mustern oder Stilisierungen darstellt, sondern auf rein atmosphärischem Klang der Farbenspiele beruht. Die Formen bzw. Schnitte sind ebenso verhalten, eher verschlossen als lässig, aber mitnichten langweilig. Schlichtes wird durch verhaltene Formspiele und Kontraste individualisiert, auch unaufdringliche Muster führen bei jedem Look zu sehr eigenständigen Variationen. Integrierte Extras wie Schleifen und Gurte bestimmen die Charakteristik ebenfalls.

Sexy kommt die Kollektion eher nicht daher, jedoch ungemein feminin. Das Zarte geht einher mit Blässe, die Schminke ist nude, wie auch die Kollektion vorsichtig in allem dosiert. Aber auch die eher üppige Version mit viel ausladendem Tüll in kräftigem Tannengrün präsentiert sich nicht überspannt, sondern mit der formalen Kombination aus Rechteck und Dreieck ruhig und kontrolliert bewegt. Auch modernere Gestaltungsmittel wie die hohen Röcke oder Shorts mit Aufsätzen oder eingefügten Musterstreifen integrieren sich schlüssig in das Gesamtbild und setzen, ebenso wie die bunten Kniestrümpfe, gelegentlich frische Akzente. Eine sehr überzeugende Realisierung der klassischen Leitidee von Einheit aus Ruhe und Bewegung.

Es war die zweite Schau des Jungdesigners auf der Berliner Fashionweek, und sie positionierte sich sehr klar und auch souverän im großen Kontext der Innovationen. Zurückhaltend ohne Understatement, von subtilem Geschmack und vor allem sehr stimmungsvoll. Im großen Geschrei um Aufmerksamkeit der Auftritte ist Danny Reinkes Kollektion eine eher kontemplative und reich nuancierte Entführung in Natürlichkeit und Unaufdringlichkeit – das Helle und atmosphärisch Klare entspricht einer landschaftlichen Weite, die mehr innere Ungebundenheit vorstellt, als die Neupositionierung gesellschaftlichen Tuns.

The post Danny Reinke: Unleashed Values – subtiles Naturerleben appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Engagement von Botschaften in Berlin, Designern ihres Landes einen Ort der Präsentation zu geben, ist sicher eine lobenswerte Entscheidung, denn beide können von solch einer Kultur-Veranstaltung profitieren. Und für die Besucher kann sich darüber hinaus ein sehr angenehmes und ambitioniertes Ambiente – auch dank schöner Räumlichkeiten – auftun. Bei der Liaison zwischen Österreichischer Botschaft und der Designerin Rebekka Ruétz hatte man allerdings den Eindruck, dass es auch umgekehrt geht, die Gesamtgestaltung des Events war in vieler Hinsicht ambivalent angelegt und hinterließ gemischte Gefühle. Das fand seinen konkretesten Ausdruck darin, dass die Medien den ungünstigsten Ort des Defilés durch verschiedene Räume zugewiesen bekamen, den man sich für schöne Fashionpublikationen ausdenken kann.

Mit der Erprobung eines neuen Präsentationsortes ging auch eine neue Ausrichtung gestalterischer Ideen der Designerin einher, wie auch bei vielen anderen Designern (Hoermanseder, Tomaszewski, Luft u.a.) in dieser Saison. Hinwendung zur Streetwear beziehungsweise Streetstyle, Disco und Berliner Start-Up-Kultur prägen die Leitgedanken nicht unwesentlich und führen oft zu seltsamen Blüten. Klar ist, dass das Terrain von vielen Designern noch eher unsicher bespielt wird, aber auch Raum für Experimente aller Art öffnet.

Das kann man bei der aktuellen Kollektion von Rebekka Ruétz ganz gut verfolgen, die ästhetischen Codes werden neu gemischt und mutig aufbereitet. Dabei scheint ihre bekannte elegante Ästhetik nur noch manchmal durch – meist wird sie nun gebrochen. Disco-Glamour nimmt Einzug, schillernde aber sehr steife Kunststoffe kombinieren sich mit weichem Strick oder Pelz, knackige Outdoorjacken mit langen, romantischen Countrykleidern und engen Lederhosen, aggressive Schlagwortprints mit kuscheligen, femininen Pullovern. Ein paar schicke Sachen (im klassischen Sinne) tauchen dabei auch auf, bleiben aber bewusste Ausnahme oder fügen dem Spektrum eine andere Ausrichtung hinzu. Das wichtigste Gestaltungsmittel ist die unerwartete Materialkombination, manchmal so viele wie möglich an einem Outfit, aber auch die bekannten Genrestilmittel gilt es so radikal wie möglich aufzumischen. Mit diesen gezielten Experimenten liegt Rebekka Ruétz konsequent im saisonalen Spektrum und die vorgeführten Beispiele sorgen durchaus für viele Aha-Effekte. Inwieweit damit ein selbständige ästhetische Qualität erreicht wird, die einen überzeugenden Style trägt, fragt sich dabei aber auch – zumindestens wenn man eine geschmackssichere Handschrift erwartet.

In den Details mischen sich die Ansätze ebenfalls. Man merkt hier durchaus liebevollen Umgang mit Zitaten und Codes, modegeschichtlichen Apercus und handwerklichen Besonderheiten. Aber auch in dieser Hinsicht hat man den Eindruck, dass diese Qualitäten dem großen Überraschungsangriff untergeordnet sind und nur der geübte Blick diese angemessen mitrezipiert.

Mit Hard-Rock als Begleitmusik und festem Auftritt der Modelle suggeriert die Präsentation eine toughe Linie, die sich in den Formen nur sehr gemildert wiederfindet – sie spiegelt sich eher in der Radikalität der Kombinationen. Mondäne Kleiderschnitte schrumpfen dabei manchmal nur noch zum gestalterischen Zitat zusammen und werden dem neuen Kontext geopfert. Im Vergleich zu anderen Designern geht Rebekka Ruétz dabei sogar noch einen Schritt weiter: nicht nur, dass die Formgebung für alle Größen und Gestalten offen gehalten wird, sondern sogar für (fast) alle Generationen.

Inwieweit der lautstarke Ruf „Revolution“, den schon Marcel Ostertag zu verkünden suchte, tatsächlich die richtige Interpretation der jungen Start-Up-Generation ist, muss man erst einmal dahingestellt sein lassen, aber das Abenteuerliche der neuen Orientierung spiegelt die Rebekka-Ruétz-Kollektion zweifelsohne wider.

The post Rebekka Ruétz: Abenteuer der Konfrontationen appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Eine Kollektion von Isabel Vollrath entsteht konsequenter als bei vielen anderen Designern aus einem thematischen Leitgedanken, den sie im wesentlichen künstlerisch aber auch sozialrelevant zu einem Produktkomplex entwickelt. Ihre Gestaltung vollzieht sich in einer skulpturalen Herangehensweise, eine kleidungspragmatische oder botschaftsorientierte Auffassung tritt dagegen zurück. Das Erscheinungsbild entwickelt sich also eher künstlerisch-kreativ anstatt geschmäcklerisch oder aufklärerisch. Dieses Prinzip der Ausgestaltung einer Leitidee (mit Anspruch) ist vielleicht auch der Ausbildung an der Berliner Kunsthochschule Weißensee geschuldet, die künstlerisch akzentuierter arbeitet als viele andere Mode-Ausbildungsstätten.

Damit einher geht der Anspruch der sorgfältigen handwerklichen Ausführung, ohne dabei die Konfektion bereits im Hinterkopf zu haben. Soweit sind alle Kollektionsteile auch Unikate, die wie Einzelbilder (bzw. -skulpturen) zu verstehen sind. Bisher präsentierte Isabel Vollrath ihre Kollektion auch eher ausstellungsmäßig (also in Showrooms), auf Einladung des Berliner Salons machte sie daraus nun ein Défilé, womit der Anspruch der Tragbarkeit stärker herausgestellt wird.

„Water for Elephants“ war das Thema dieser Kollektion, geboren aus sympathisierender Zuneigung, sowohl sozial und tierschutzmäßig engagiert als auch optisch verstanden mit Oberflächenanmutungen, Bild-Prints (ihrer schwedischen Freundin und Textilkünstlerin Sofia Olander) und assoziativen Elementen. Die Kleidungsstücke kommen manchmal komplex und detailreich daher, weil die Designerin aber formal vom menschlichen Körper ausgeht, verselbständigen sie sich nicht ganz. Sie beschäftigt sich mit ungewöhnlichen Lösungen in Details bzw. Abschnitten, reichert an oder öffnet, experimentiert mit den Volumen und spielt (gedeckte) Farbnuancen oder Kontraste aus; Raffungen und Fältelungen sind ihre Spezialität und Bänder – vor allem solche als Schleifen – fungieren dabei als wichtige Gestaltgeber.

Mit diesem Prinzip stattet Isabel Vollrath die Trägerin (momentan nur Frauenkollektion) nicht nur mit Lust an der Form und handwerklicher Pfiffigkeit aus, sondern eben auch mit sozial-idealistischen Zuordnungen. Letztere verbleiben aber unaufdringlich, denn über die Gestaltung verlieren sich die konkreten Ansätze in abstrakten Motiven, wie beispielsweise die recht frei eingesetzten Elefantenprints, so dass die Teile zunächst wie formal-skulpturale Spielereien erscheinen und erst bei etwas ausführlicher Betrachtung sich der thematische Leitgedanke zeigt.

Diese geschickte Verknüpfung von ernsthafter inhaltlicher Leitidee, gestalterischer Experimentierfreude und handwerklich anspruchsvoller Ausführung, mit der Isabel Vollrath ihre Kollektionen kreiert, gibt ihren Arbeiten eine eigenwillige und faszinierende Besonderheit, die gut mit dem künstlerischen Unikatcharakter korrespondiert. Und sichert ihr einen verdienten, individuellen Platz im Reigen erfolgsversprechender Newcomer aus Berlin.

The post Isabel Vollrath: Idee und Skulptur appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mit dem Nimbus des Berghain würden sich sicherlich viele Modelabels gerne schmücken, doch gottseidank entzieht sich diese Institution bisher konsequent und erfolgreich der Vereinnahmung ihres (Zeitgeist-)Ortes durch PR-orientierte Anbiedermanöver – und in ihrem Interesse kann man sich wünschen, dass das so bleiben wird.

Ein ähnliches Selbstverständnis strahlt der Modeschöpfer Damir Doma aus, bisher hatte er kein Interesse, sich in den Reigen der Berliner Modeszene der Fashionweek einzuklinken und scheint, von dieser Ausnahme abgesehen, das selbstbewusst auch fernerhin eher auszuschließen.

Die Ausnahme mit dieser Schau ist aber schlüssig von beiden Seiten aus betrachtet und darum völlig überzeugend. Die Einladung des „Fashion Council Germany (FCG) in Partnerschaft mit Mercedes-Benz“ zu einer sogenannten „Fashion Hab“, einer Schau, die Designtalenten und bilateralen Austauschprogrammen eine neue Bühne bietet, ist das erste öffentliche Signal, das die Institution vorführt. Und man muss die Veranstaltung darum wohl auch als ein Statement verstehen.

Als erstes fällt auf, dass (merkwürdigerweise) nicht nur das Potential aufstrebender Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum im Blickfeld steht, sondern die Organisation öffnet sich in Kooperation mit anderen Fashion-Councils auch inspirierten und relevanten Positionen auf nichtnationaler Ebene. Der Modeschöpfer Damir Doma repräsentiert eindeutig eine solche Designer-Position, weniger weil er als Kroate aus Bayern im Modeland Italien erfolgreich arbeitet, sondern vielmehr weil seine Mode besonders augenfällig mit der zeitgeistigen Techno-Szene, die sich als avantgardistisch begreift, verwachsen zu sein scheint. Und, insofern die Berghain-Szene diese Zeitgeist-Avantgarde am pointiertesten kultiviert, ist dieser Ort eine kongeniale Stätte, die gemeinsamen Vorstellungen statementartig auf den Punkt zu bringen, wie es dann auch wirklich geschah: Geradezu kongenial wurden bei dieser (ziemlich exklusiven) Veranstaltung Location, Publikum, Musik, dynamisches Lebensgefühl und Erscheinungsbilder zu einem Event zusammengefasst, der wie ein Konzentrat aufleuchtete.

Der erste Gedanke, der einem deswegen durch den Kopf schoss, war der Begriff „Berlin-Style“, den man auf den Berliner Fashion-Schauen stets ausfindig zu machen versucht, der erst hier aber geradezu auf den Punkt gebracht auftrat. Und zwar konsequent und kompromisslos vorgeführt in der rauen Härte, Kraft und Arroganz, in der Unterkühltheit, Emanzipiertheit und anti-ästhetischen Ästhetik der selbstgefälligen Szene. Es war zwar das optische Erscheinungsbild, das bei dieser Veranstaltung akzentuiert wurde, ansonsten war es ein rundum zeitgeistiger Event, der eine homogene Idee erleben ließ.

Diese optische Definition der Erscheinungen am Protagonisten (Mode) lässt sich nicht mit einer Aneinanderreihung gestalterischer Phänomene und Eigenarten erschließen, denn aus ihrer Addition ergibt sich längst nicht das ideelle Gesamtkonzept. Auffallende Beobachtungen wie Gleichzeitiges von Hoch- und Minderwertigem, flaches, festes Schuhwerk, heruntergezogene Regenmützen, dunkle Farbgebung, gewöhnlich-ungewöhnliche Kombinationen mit klassischen Jacken und Mänteln, schräge Schnitte, merkwürdige Architekturen, Hochwasserhosen und (veredelte) Streetwearteile ergeben soweit höchstens eine Reihe stereotypischer Klischees, die aber noch längst nicht das Gesamtfeeling evozieren. (Damir Doma: „Der Berliner Stil? Sieht manchmal nach Penner aus!“)

In der Zeit gesehen ist der optische Kodex über mehrere Jahre gewachsen, im subkulturellen Kontext, mit einem Selbstverständnis, das sich um Strömungen (die man an der Oberfläche der Medien und im modischen Mainstream sieht) nie besonders scherte und das versuchte, emanzipiert davon ein „eigenes Ding“ zu entwickeln. Der Technoszene war diese Attitüde von Anfang an zu eigen, das Berghain-Phänomen ist ja nur die Spitze des Eisberges geworden. Und die Kollektion, die Damir Doma (als modischen Ausdruck) hier zeigt, letztlich wohl auch. (Damir Doma: „Berlin und insbesondere die Halle am Berghain scheint das perfekte Setting für die Ästhetik zu sein, die ich in der vergangene Dekade entwickelt habe: feinfühlig und poetisch aber auch roh, grob und unfertig.“)

In der großen Stimmigkeit aller Zutaten ist dem Fashion Council Germany hier ein sehr überzeugender Einstand gelungen, was eine repräsentative Schau seines Anliegens betrifft, es war konzeptuell wohl der beste Event dieser Fashionweek überhaupt. Der große Wermutstropfen daran kann aber auch nicht übersehen werden, und das ist der Exklusivitäts-Nimbus dieser Veranstaltung (wenig, auserlesenes Publikum, keine PR etc.). Der steht dem Selbstanspruch des Fashion Council soweit eher entgegen und fügt darum dem Image dieser frisch gegründeten Institution zumindestens etwas Problematisches bei. Wir haben aber die Hoffnung, dass in Zukunft dieser Event als ein singuläres Konzept innerer Konsequenz in einer folgenden Reihe ganz anderer Produktionen stehen wird, die dann auch jeweils einem eigenen Prinzip folgen. Wenn das gelingt, wird die künftige Bedeutung des Deutschen Fashion Council – auch auf internationaler Ebene – eine sehr wichtige Bereicherung sein. Insofern legt diese sehr beeindruckende Veranstaltung die Latte schon mal hoch.

The post Damir Doma: Kongenialer Berlin Style appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mittlerweile weiß man aus der Erfahrung, dass eine Hoermanseder-Schau stets mit starken Überraschungen aufwartet und dass die Designerin keineswegs beabsichtigt, sich auf Gestaltungserfolgen auszuruhen und nur neue Varianten anzubieten. Man kann das Label wie eine rasante Persönlichkeitsentwicklung betrachten, die neugierig, mutig, gegenwartsbezogen und lebendig (auch lebensfroh) sich allen Einflüssen öffnet und etwas Eigenes daraus hervorbringt. Die dabei aber auch bewusst das Risiko des Selbstverlustes im Auge behält und stets den Bezug zu Bewährtem mitlaufen lässt.

Mit der Öffnung der Möglichkeiten in alle Richtungen erzeugt die Modeschöpferin ein kreatives Feuerwerk, an dem man seinen Spaß hat: Ungewöhnliche Dessins und Kombinationen, Experimente mit Streetwear neben eleganten Luxuslinien, offensive Print-Text-Attacken neben verspielten Dekors, Zitate von Military-Camouflage nach Discoglanz und Mädchen-Weiß-Rosa, strenge, geometrische Formen und wilde Richtungsmixe, klare Materialwirkungen und ungewöhnliche Zusammenstellungen – all das in schneller Folge und unter ein gestalterisches Dach gebracht, das nötigt schon viel Respekt ab, weil es glaubwürdig zusammen gegossen ist und einen funkelnden Esprit vorführt.

All diese experimentellen Erkundungen, die im Einzelnen stets spannende Ergebnisse zeugen, sind dann aber auch durchsetzt mit den mittlerweile bekannten Hoermanseder-Codes: Die Gurte und Riemen (z. T. nur noch als Prints oder Steppnähte), das Logo, Schnallen, gekreuzt gelagerte und gestaffelte Streifen, schlichte Blusen und natürlich die festen Corsagen. Es gelingt der Designerin, diese Codes stets spielerisch neu und anders einzubringen und mit Teilen zu verbinden, wo und wie man es nicht erwartet hätte. Damit ist der Erkennungswert der Marke gesichert, diese spielerische Strategie beherrscht Marina Hoermanseder bravourös im Großen wie auch im Detail, sowohl bei Kleidung als auch bei Accessoires. Und sie erschließt sich damit gleichzeitig ein großes Spektrum der Ansätze.

Die sind vielleicht nicht immer gleichermaßen überzeugend, kraftvolle Fussballfanschals und fette Westernschriften zum Beispiel, seltsame Frisuren und Mokassins gehen gelegentlich über den ästhetischen Zitatcharakter hinaus und irritieren. Harte, offensive Kontraste und Statements sind hinzugetreten. Aber die Designerin ist jung und gute, mutige Experimente riskieren immer auch Grenzüberschreitungen. Deutlich lauter ist es bei Marina Hoermanseder geworden, aber das Raue wirkt soweit beherrscht.

Mit den thematischen und ästhetischen Öffnungen geht auch die strategisch-wirtschaftliche einher. Das Label hat kaum Berührungsängste mit unterschiedlichsten Unternehmen und Produkten als potentielle Werbeträger – die ihrerseits auch von dem fashionable Nimbus profitieren wollen –, das Panorama der vereinnehmenden Kontakte von Wolford bis Jägermeister vergrößert sich rasant und steht letztlich ebenfalls für ein aufgeschlossenes Selbstbewusstsein der Marke Hoermanseder.

Diese Entwicklung des Hoermanseder-Designs innerhalb von wenigen Jahren ist zweifellos faszinierend, weniger, weil die Designerin es in der frühen Phase eher langsam und solide angehen wollte, sondern mehr, weil es ihr mühelos gelingt, mit dem von außen an sie herangetragenen Hype Schritt zu halten und ihn sogar noch umgekehrt zum eigenen Vorteil forciert. Solches haben schon viele aufstrebende Stars in allen Branchen versucht, ob das gelingt erweist sich stets, inwieweit der/die Betreffende gut und beachtlich und schnell nachlegen kann. Genau das kann Marina Hoermanseder bislang souverän, wie auch diese Kollektion wieder überzeugend bewiesen hat.

Und dass sie sichtbar Lust und Spaß daran hat, überträgt sich deutlich auf ihr Publikum.

The post Marina Hoermanseder: Abenteuerlicher Spagat appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Bereits seit 2007 gibt es das österreichische Label Callisti der Modeschöpferin Martina Mueller-Callisti, leider erst jetzt stellt sie ihre Arbeit auf der Berliner Fashionweek vor. Österreichische Designerinnen setzen schon seit langem maßgebliche Akzente auf der Berliner Veranstaltung, mit Callisti haben die einladenden Förderer Mercedes Benz und Elle nun einen faszinierenden Aspekt hinzugefügt, der die qualitative Messlatte hoch legt.

Im Focus des Designs steht die selbstbewusste, urbane Frau, die sich in Zeit und Kultur den verschiedensten Einflüssen stellt, und zwar auf extravagante und zumeist raffinierte Weise. Die konsequente Betonung der Taille positioniert dabei nicht nur das Prinzip des Weiblichen, spannend ist es, wie die Designerin die körperbetonende Wirkung variierend konzipiert. Auffallend dabei sind die vielen Gurt- und Korsettelemente aus lederartigen Materialien, die fein und elegant mit den verschiedenen Stoffen und Schnitten kombiniert werden. Raue Krafteffekte werden damit überführt in spielerische, subtil-sinnliche Gestaltungsmittel, die alle BDSM-Assoziationen von der prinzipiellen Strenge in eine lockere, sexy erscheinende Konstellation transferieren und so weibliches, zeitgeistiges Selbstbewußtsein definieren.

Auch die Schnitte entsprechen diesem Erscheinungsprinzip, Militärisches und Japanisches wird gebrochen oder aufgelöst in weicher, körperbetonender Linienführung, ohne zu verschwinden. Die Farbgebungen sind meist zurückgenommen und die Kontraste dienen eben der bezeichneten Linienführung, die die Kollektion stets elegant bestimmt. Im Ganzen entstehen leicht futuristisch anmutende Erscheinungen, zart und stark in Konzepteinheit und stets mit sicherem Geschmack elegant.

Verschiedene Designerinnen und Designer haben sich in den letzten Jahren dem Gurt, Gürtel und anverwandten Corsageelementen gewidmet – damit sicher auch einem Code der Zeit –, die Interpretation bei Callisti ist wohl der eleganteste Ausdruck, der sich aus dem Thema ableiten lässt, ohne die Implikationen zu negieren und die Spannung zu verflachen. Es entsteht vielmehr eine sinnliche, avantgardistische Positionierung von Frauenmode, ein echtes Alternativkonzept zur raubeinigen Berliner Bodenständigkeit, das ebenfalls deutlich das Hier und Jetzt eines urbanen Frauenbildes repräsentiert.

Men’s Fashion macht Callisti seit fünf Jahren ebenfalls und es bleibt abzuwarten, wie das in Zukunft auf Schauen die faszinierende Perspektive ergänzt. In jedem Fall bleibt zu wünschen, dass Callisti auch weiterhin in Berlin ihre beeindruckenden Designkonzepte präsentieren wird. Mit der innovativen Raffinesse und Eleganz wäre sie im Berliner Salon jedenfalls eine überzeugende Bereicherung.

The post Callisti: Urbane Finesse appeared first on modaCYCLE.

Text & Interview: Gerhard Paproth

Fotos: Rafael Poschmann (Gastbeitrag)

In dieser Saison verzichtete Brachmann auf Teilnahme an der Fashionweek Berlin mit einer Schau und entschied sich stattdessen für eine einfache Präsentation in einem Showroom zusammen mit anderen Designern in Paris. Publizistisch interessieren wir uns ja weniger für modeindustrielle Konstellationen, aber diese Entscheidung bewog uns nun doch, ausnahmsweise einmal einen Blick auf die Strategie des Auftretens eines Labels zu richten und damit die Berliner Fashionweek aus wirtschaftlicher Perspektive der Designer in größerem Kontext zu beleuchten. Und die Frage zu stellen, welche Rolle Paris dabei (immer noch) spielt.

Brachmann stellt mit der Pariser Präsentation auch eine Hinwendung zum Ausbau einer eigenen Frauenkollektion vor. Das ist ästhetisch eher eine Überraschung insofern, als ihre Männerkollektionen eine männlich-strenge Gestaltkonzeption haben, die eine weibliche Ausstrahlung eher auszuschließen scheint. Wie sich da gestalterische Überlegungen und Verfahren als stilistische Übertragung definieren und wie so das leitende Prinzip ihrer saisonalen Kollektion entsteht, erklären uns Jennifer Brachmann und Olaf Kranz detaillierter im Interview.

modaCYCLE: Diese Saison konnte man die aktuelle Brachmann-Kollektion nicht in Berlin sehen, stattdessen wurde sie in Paris präsentiert. Gibt es Gründe dafür, die in eine neue Richtung weisen?

Brachmann: Leider konnten wir diese Saison unsere neue Kollektion nicht wieder in Berlin präsentieren, weil die zeitliche Überschneidung mit der Paris Fashion Week Men & Pre-collections Women einfach zu groß war. Die für uns relevanten Einkäufer, auch die deutschen, sind nicht in Berlin, sondern eben in Paris. Paris war, ist und bleibt in der Mode das Maß aller Dinge. Oder wie Werner Sombart, eine deutscher Nationalökonom am Anfang des 20. Jahrhunderts einmal sagte: Paris ist die „Centralsonne“ für die Modewelt.

modaCYCLE: Junge deutsche Modelabels versuchen gerne, im Pariser Modegetriebe einen Platz zu finden. Was macht dieses Streben so attraktiv? Mehr Anerkennung, besserer Markt oder der Sprung auf die internationale Bühne?

Brachmann: Die Berliner Korrespondentin der Womens Wear Daily, Melissa Drier, hat kürzlich in einem Artikel für den TIP-Berlin über die Modestadt Berlin gesagt, dass es in Berlin nicht an Talenten von internationalem Rang mangelt, dass aber das Problem der Berliner Designer ist, dass sowohl die deutschen Kunden als auch die deutschen Einkäufer sich nicht für deutsche Mode interessieren, wenn sie sich überhaupt für Mode interessieren. Das entspricht auch unserer Erfahrung, von Ausnahmen einmal abgesehen. Daher ist das klassische Wachstumsmodell für deutsche Mode-Label kaum begehbar, also erst einmal den Heimatmarkt aufrollen, bevor man Schritt für Schritt in ausländischen Märkten Fuß fasst. In der Mode muss man nach Paris gehen, um hier internationale Einkäufer von seinen Kollektionen zu überzeugen, um überhaupt in den Markt zu kommen. Erst wenn man im Ausland Erfolg hat, wird man auch von deutschen Einkäufern und Kunden wahrgenommen. Aber letztlich ist es auch für Labels anderer Länder fast unumgänglich, nach Paris zu kommen. Die Londoner Labels zeigen zwar in London, verkaufen aber in Paris. Die us-amerikanischen gehen zunehmend nach Paris, weil der amerikanische Heimatmarkt schwierig ist. Paris ist die Centralsonne der Mode für alle.

modaCYCLE: Die aktuelle Brachmann-Kollektion – folgt sie einer thematischen oder ästhetischen Leitidee? Was ist neu? Spielt Frauenbekleidung jetzt eine größere Rolle?

Brachmann: Nachdem wir in der Sommerkollektion mit großer Resonanz unsere erste Frauenkollektion vorgestellt haben, haben wir entschieden, mit der Frauenkollektion weiter zu machen. Dabei standen wir vor der Frage, wie wir unsere Label-Design-DNA für die Frauenkollektion übersetzen. Wir kommen ja von der Idee, Menswear-Klassiker durch die Übersetzung von Architekturmethoden in die Mode in Schnitt, Form, Silhouette und Detail zu modernisieren.Das bleibt auch unser Ansatz für die Menswear. Für die Frauenkollektion gibt es aber zwei Möglichkeiten. Designen wir von unseren post-klassischen Menswearstücken inspirierte Womenswear oder modernisieren wir die Klassiker der Womenswear durch die Übersetzung von Architekturmethoden in die Mode in Schnitt, Form, Silhouette und Detail? Unsere Antwort lautet: Sowohl als auch! Das bedeutet, dass wir uns nicht allein auf menwearinspired Womenswear beschränken, sondern auch weiblichere klassische Kleidungsstücke wie das Kleid, den Rock, die Bluse etc. dekonstruieren und dann wieder neu zusammensetzen.

Für jede Saison suchen wir uns einen Klassiker aus, der für unsere Kollektion neu ist und den wir dann in unserer Interpretation neu designen und in die Kollektion aufnehmen. In dieser Saison war es der Smoking, und zwar für Frauen und Männer. Durch Details wie skulpturale Ärmel, Falten und kunstvoll arrangierte Lagen wird die Silhouette des Smokings modernisiert und der Smoking dabei vom rein Formellen emanzipiert. Durch das Zusammenspiel von Dekonstruktion und Rekonstruktion entstehen im Prozess aber auch zugleich vom Smoking inspirierte Details und Formen, mit denen andere formale wie casuale Klassiker veredelt werden. Wie immer versuchen wir, durch die Schnittführung der Kollektion eine architekturale Anmutung zu geben und durch Layering, Nahtführung und getwistete Fadenverläufe zu betonen. Die Farbpalette ist herbstlich und reicht von sattem Bordeaux über Tintenblau bis hin zu Anthrazit, um der Kollektion Tiefe und Eleganz zu verleihen. Die mal fließenden, mal festen luxuriösen Stoffe aus Naturfasern (leichte Merinowollen, Baumwolle, Seidengemische, gestrickte Baumwolle, strukturierte Schurwolle) zusammen mit der makellosen handwerklichen Verarbeitung sorgen für einen hohen Tragekomfort. Mit urbanem Chic, Coolness und Minimalismus löst die Kollektion zwanglos die Grenzen zwischen formalem Dresscode und Casual auf und ermöglicht einen nahtlosen Übergang zwischen Tag und Nacht, Job und Party.

The post Brachmann: Going Paris appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Gerhard Paproth

Sehr ambitioniert und stilvoll hat die Schweizer Botschaft erstmals eine eigene Veranstaltung während der Fashionweek ausgerichtet, um dem nationalen Modeschaffen eine eigene Plattform zu ermöglichen. In einer luxuriösen Gesamtstimmung in schönem Ambiente präsentierten sich die Schweizer mit ihrer Modenschau als äußerst liebenswürdig, anspruchsvoll und auch großzügig.

Zuerst konnte man an Ständen die Designerware erkunden, später folgte ein Défilée mit 13 ausgesuchten Labels – Modedesign und Accessoires. Fast alle repräsentierten letztlich einen eher unspektakulären Grundcharakter mit deutlichem Qualitäts-Anspruch in unterschiedlichen Variationen. Das erscheint wie ein eigenständiges Konzept inmitten der Berliner Fashionweek, welche sich ja eher innovativem Modedesign junger Nachwuchsdesigner verschrieben hat. Hier aber focussierten sich die Veranstalter auf ein Segment unaufgeregter und irgendwie bodenständiger Classe mit diversen Aperçus, die dem überhitzten Trendgetriebe andernorts eine gewisse Stabilität entgegensetzte.

Dabei versteht sich dieses Konzept durchaus nicht als grundkonservativ oder gar zeitgeistunabhängig, denn Nachhaltigkeit, Langlebigkeit und Innovation in der Materialwahl (Global Organic Textile Standard) als zeitgerechte Positionierung sowie heimische Produktion und transparente Lieferketten verbergen sich als wichtige Qualitäten hinter den visuellen Gemäßigtheiten. Auf diesen Beitrag zur Moderne wird viel Wert gelegt.

Gleichwohl zeigte das Spektrum dieser Veranstaltung nicht repräsentativ den Schweizer Markt, über den wir verschiedentlich berichteten (z.B. Mode Suisse in der Edition 12), der durchaus Exzentrisches und sehr Spannendes zu bieten hat und der in diesem Sinne auch Jungstars wie Julian Zigerli, Kévin Germanier oder Blank Etiquette by Tosca vorzeigen kann, um nur einige zu erwähnen.

Nein, aufregend war das nicht, was wir hier sahen, aber doch eine irgendwie wohltuende Demonstration von „Swissness“, deren Charme man sich nicht entziehen konnte.

Eine stilvolle Botschaft im doppelten Sinne des Wortes.

Mourjjan:

Balseca Weber:

beige:

Charles Muller:

Kleinbasel by Tanja Klein:

De Marquet:

M. Luna:

pierrot & pierrette:

Claudia Nabholz:

PAMB:

Joy & Grief:

Somyso:

The post Swiss Fashion Night: Gediegene Botschaft appeared first on modaCYCLE.