Text & Bilder: Boris Marberg

Die Neo.Fashion ist als eigenständige Veranstaltungsplattform nicht mehr in Sachen Modedesign aus Berlin wegzudenken und fasst die Präsentationsmöglichkeiten einer Vielzahl von Hochschulen in Deutschland zusammen. Sie bietet dabei ein einheitliches Präsentationskonzept für deren Absolventen, wie auch einen Zugangs- und Treffpunkt mit dem Fachpublikum, welches nach dem Nachwuchs Ausschau hält.

Bereits zum sechsten Mal konnte die Veranstaltung stattfinden. Diese Saison fand in Berlin-Oberschöneweide, in den Reinbeckhallen statt. Der Ort ist fernab der Stadtmitte und damit auch räumlich offensichtlich getrennt vom übrigen Modetreiben während der Berliner Modewoche. Ein kurzes Vorbeischauen, um nach neuen Talenten zwischen den anderen Präsentationsterminen zu suchen, gestaltet sich damit während der dreitägigen Veranstaltung schwierig. Auch das Angebot Gastkollektionen von Designern, aus zum Beispiel Äthiopien in Kooperation zu präsentieren, oder Absolventen von der Nationalen Universität für Technologie und Design Kiew zuzuschalten und in einer eigenen Schau Teilnehmenden der „Ukrainian Fashion Week“ eine Plattform zu bieten, konnte die Distanz zur allgemein sehr ausgedünnten Berliner Modewoche nicht überzeugend überwinden. Die mehr als ein Duzend Schauen können deshalb als eigenständige Veranstaltungsreihe gesehen werden.

Auch die AMD Akademie Mode & Design hat im Rahmen der Neo.Fashion Absolventen die Möglichkeit geboten, ihre Abschlusskreationen einem interessierten Fachpublikum zu präsentieren. Die AMD steht dabei mit ihren fünf Standorten in Hamburg, München, Düsseldorf, Berlin und Wiesbaden und insgesamt 12 Studiengänge, die als Master oder Bachelor-Studiengänge ausgestaltet sind, bilden ein weites Spektrum um sich im Wirtschaftsbereich Mode akademisch zu positionieren. In der entsprechenden Schau präsentierten neun junge Talente ihre Entwürfe. Pascal Garcian Dyrna, Helen Eisen, Lisa Faust, Lea-Sophie Hein, Klara Kazani, Rachel Sitting, Liv-Paulina Sailer, Deniz-Can Sayim und Joyce To zeigten jeweils eine Handvoll Looks, die ein weites, kreatives Spektrum darstellten.

Liv-Paulina Sailer
Mit der Betitelung HIRAETH – Polarities of nostalgia and its influence on today‘s society trifft die junge Designerin einen nostalgischen Punkt in der zeitgenössischen Sichtweise auf Mode und die Rückbesinnung auf Formgebungen der vergangenen Jahrzehnte. Weite Schulterpatien und üppige Silhouetten zeichnen die Looks ebenso aus wie klare Brüche bei den Flächen auch durch die Farbwahl.

Lisa Faust
Die Designerin wurde noch vor ihrem Studium 2018 als beste Näherin des Ausbildungsgangs in NRW ausgezeichnet. Dass solides Handwerk hier bei der Kollektion mit dem Titel Anomalia eine große und überzeugende Rolle spielt, fällt sofort angenehm auf. Sehr schön gelingt es der Designerin wuchtige Volumen und stimmige Silhouetten umzusetzen. Farblich findet sich ein klarer Roter Faden im Konzept, der auch visuell in den Looks zu finden ist. Bis zu den Schuhen ist die Abschlusskollektion durchdacht und stimmig.

Deniz-Can Sayim
Der junge Designer benennt seine Kollektion „Alman Kanacken“ und spielt damit auf Doppelidentitäten in Milieus von Menschen mit Migrationshintergrund an. Nicht angekommen sein in einer Gesellschaft und dabei eigene Werte und Normen unterdrücken nennt er als thematischen Hintergrund. Die Abschottung und Verpanzerung zeigt sich auch in den mehrsichtigen Looks, die auf grobe und feste Materialien zurückgreifen. Die Werke wirken wie in der Zeit steckengeblieben, sich lösen wollen – aber es dennoch nicht schaffen. Stabilität wird in den Raum gestellt.

Helen Eisen
Perfect Human – Der Titel wirkt etwas losgelöst von der Kollektion und konstruiert. Die zeitgenössische Auseinandersetzung mit der Perfektion kann nicht gelingen, das Ziel könnte stattdessen die Makellosigkeit sein, die von verschiedenen Standpunkten aus betrachtet Diversität und Vielfalt ermöglicht. Geschickt wird mit Details und Flächenschichtungen gespielt. Eleganz wird aufgetragen und soll durchdringen.

Joyce To
Verspieltheit drückt sich in der Kollektion „Protagonist between earth and nowhere“ aus und setzt dies visuell durch die Wechselbeziehung von Mustern und Flächen um. Volumen und Silhouetten bleiben vergangenen Jahrzehnten verhaftet und kokettieren mit modischen Sichtweisen der Arcade-Generation der 1970er und 80er.

Klara Kazani
Schlicht „married to my body“ – ein Statement. Aus dem eigenen Körper kommt die Protagonistin nicht so leicht raus. Muss sie auch nicht. Sehr fein schafft es die Designerin ansprechende minimalistische Looks zu kreieren, die sowohl verspielt als auch tief ausdrucksvoll sind.

Lea-Sophie Hein
Konzeptionell eine der interessantesten Kollektionen im Rahmen der Gesamtveranstaltung. SKIN HUNGER “The power that touch exerts on us humans” – umfasst einen wichtigen Aspekt von Mode, das Haptische -menschliches Grundbedürfnis nach Berührung und Begegnung. Dick eingepackt und geschützt stiefeln Protagonisten durch die Zeit mit ihren Herausforderungen und wollen doch Mensch sein. Keine einfache Aufgabe, aber sie ist es wert behandelt zu werden.

Pascal Gracian Dyrna
MASC – eine tiefgehende Auseinandersetzung mit dem Bild von Männern und Mode, dem Bild von sich selbst im Kontext des Zwanges der Uniformität des Maskulinen versus der gewonnen (vermeintlichen) Freiheit des Werblichen in der Mode. Die Polarität und Dualität ist schon lange im Schwanken, denn es gibt diverse andere Pole welche Anziehungskraft haben.

Rachel Sitting
Mit der Kollektion „RISS – Beauty’s Beast“ zeigte die junge Designerin ein gekonntes Spiel mit tradierten Sichtweisen auf Mode und das Weibliche. Verspielte Silhouetten und luftige Materialien suchen nach Kontrasten und finden diese.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Umzug des Berliner Salons in das Kulturforum hat der Veranstaltung mehr als gut getan, nachdem sie die letzten Saisons ein eher untergeordnetes und damit völlig unterbewertetes Dasein fristen musste. Viel Platz, eine neue Struktur und eine nach wie vor liebevolle Konzeption sicherten der Ausstellung das, was sie beansprucht: Eine Schau der besten Modemacher Deutschlands (+ Accessoires) mit hoch kultiviertem Präsentationsniveau. Dabei liegt das Augenmerk besonders auf lokale Nachhaltigkeit, Zukunftsorientierung und Qualität als Kennzeichen gerade deutscher Modeideologie. Mit vornehmem Grau und guter Beleuchtung lehnt sich die Präsentation der Gruppenausstellung an moderne Techno-Ästhetik an und bietet zugleich einen cool-eleganten Flair, die den Exponaten durchweg gut tut und die ästhetische Qualität wieder stärker in die Wahrnehmung rückt.

Wesentlich ist diese Ausstellung auch deswegen, weil viele wirklich gute Designer sich nicht in Form einer eigenen Schau auf dem Laufsteg der Fashionweek-Veranstaltungen präsentieren können und wollen. Man kann leicht vergessen, dass das Programm der Berliner Fashionweek keineswegs repräsentativ ist und gerade darum ist der Berliner Salon so wichtig. Auch wenn hier jeweils nur wenige Kollektionsmodelle gezeigt werden, ist der Einduck der Schaffensleistung doch sehr prägnant, nicht zuletzt weil man in Ruhe betrachten kann. Und an relevanten Teilnehmern sehr umfassend. Erstaunlicherweise war bei unserem Besuch nicht viel Publikum zugegen, vielleicht muss der gute Ruf erst wieder etabliert werden und die Werbung dafür bei den Fashionweek-Organisatoren den Platz einnehmen, den die Veranstaltung verdient.

Angelehnt an frühere Formate des Berliner Salons war die Präsentation gegliedert in drei Bereiche: „Die Gruppenausstellung“, „Fashion and Craft“ und „Rising Voices Award“. Die Gruppenausstellung zeigte Exponate von insgesamt über 30 Designern. Diese Ausstellung wird mit einer sogenannten „Alumni-Installation“ von 24 Designern und Manufakturen erweitert, mit Fashion and Craft überschrieben, darunter – der Bezeichnung entsprechend – viele Labels, die schon lange auf dem Salon vertreten sind und mittlerweile auf ein solides Renommée zurückblicken können. Einen eigenen Platz bekam ausserdem Jean Gritsfeldt, der ukrainische Designer, der auch für ein Podiumsgespräch (mit Christiane Arp) anwesend war – auch dies ein Teilformat des Berliner Salons, das jetzt wieder angemessen in die Aufmerksamkeit gerückt wurde. Der dritte Bereich namens Rising Voices Award präsentiert das Ergebnis eines Schuhdesign-Wettbewerbes, der vom Fashion Council Germany und der kalifornischen Schuhmarke UGG ausgelobt wurde. Er soll die Nachwuchsdesigner-Generation im Sinne nachhaltiger Produktion unterstützen, motivieren und fördern. Aufgabe war es, ein Modell des ikonischen UGG “Classic Mini” Stiefel unter dem Aspekt von Nachhaltigkeit und Handwerkskunst neu zu erfinden. Zehn Teilnehmer kamen ins Finale und wurden ausgestellt, den ersten Preis gewann das Label Milk of Lime.

Die Gestaltung des Berliner Salons war seit seiner Gründung stets liebe- und geschmacksvoll ausgerichtet, die Wahl der Orte und damit des Raumes sowie die Integration in die Berliner Fashionweek dagegen nach dem Auszug aus dem Kronprinzenpalais oft stiefmütterlich behandelt (vgl. Beitrag). Außerdem war die Öffnung der Schau meistens nur kurz und nicht für jedermann. Das hat sich jetzt endlich geändert, der Ort ist wieder angemessen und die Öffnung war auch für mehrere Tage allgemein zugänglich.

Es wird Zeit, dass dieser ausgezeichneten Veranstaltung die Bedeutung auf der Fashionweek zugesprochen wird, die ihr gebührt.

DER BERLINER SALON
DIE GRUPPENAUSSTELLUNG

RITA IN PALMA

HORROR VACUI

FASSBENDER

RICHERT BEIL

MYKITA

SF10G

RIANNA + NINA

SUSUMU AI

SOCIÉTÉ ANGELIQUE

LML STUDIO

DETLEV DIEHM

MAISON BAUM

GOLPIRA

DANNY REINKE

KHULAN KLECKER (UDK BERLIN)

JONATHAN AUREL (UDK BERLIN)

JULIA LEIFERT

ODEEH

AVENIR

ATELIER BALAGANS

RENÉ STORCK

PB 0110

FADE OUT LABEL

STUDIO 163

OFTT

ALEXANDRA BIRON VON CURLAND

KONRAD

FIONA BENNETT

FASHION x CRAFT

JANA HEINEMANN / JULIA BALLARDT & NICO VERHAEGEN

PHILIP KOFI WAGNER

MIRJAM VON MENGERSHAUSEN

SVEA KATHARINA BECKEDORF

RISING VOICES AWARD

JEAN GRITSFELDT

ALUMNI INSTALLATION

DAWID TOMASZEWSKI

BRACHMANN

SMINFINITY

I’VR ISABEL VOLLRATH

ANTONIA ZANDER

VLADIMIR KARALEEV

WILLIAM FAN

WORKING TITLE

MICHAEL SONTAG

ALEKSANDRA VIKTOR

PETER O. MAHLER

TALBOT RUNHOF

ALLUDE

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Der Designer Lucas Meyer-Leclère hat sich dem kreativen Schaffen von Mode aus dem bereits Bestehenden verschrieben und sich damit innerhalb kürzester Zeit einen Namen gemacht. Und mit seiner Männerkollektion prägt er auch die Geschlechterrolle anders. Im Telegraphenamt in Berlin präsentierte er eine ziemlich theatralische Inszenierung seiner Kollektion „Sensible Ensemble“.

In der Gegenwart einer Epoche, in der wider aller Vernunft in der Mode die Wegwerfkultur prägend ist, mit ihren Fast-Fashion-Konzernen, die alles Kreative aufsaugen, kopieren und wie Vampire das menschlich Lebendige entziehen, zeichnen sich nun vermehrt zwei langfristige Gegentrends ab. Zum einen die immer konsequentere Ausrichtung auf Nachhaltigkeit der Neuproduktion und zum anderen auf einen Rückgriff auf bereits vorhandene Produkte und diese neu zu kreieren, zu konzeptionieren, aufzubereiten und zu kombinieren. Letzterem folgt Lucas Meyer-Leclère mit seinem Label LML und es gelingt ihm damit, eine sehr lebendige Sammlung von – logischerweise Unikaten – tragbaren Stimmungsbildern zu kreieren. Mit der Schau wird deutlich, dass er wie kaum ein anderer Designer in Berlin es geschafft hat, auf dem Laufsteg eine gelungene Symbiose von gelebter urbaner „Club-Kultur“ und Mode zu zeigen. Er spiegelt sowohl mit seinen Werken  als auch mit der Gesamtinszenierung das wider, was die Jugend- und Subkultur der Großstadt Berlin an Lebensgefühl, Ausdruckswillen und Selbstverständnis in sich trägt und auch nach außen zeigen will.
Gegen die umgreifende gesellschaftliche Depression, die von medialer Dauerberieselung befeuert wird und eine dystopische Stimmung in der Gesellschaft beschleunigt, stellt sich das Jugendliche mit seinem Lebensdrang – was es immer getan hat. Dieser Lebensdrang greift aus Opportunität mit den vorhandenen – meist limitierten Ressourcen – selbstermächtigend modisch ein. Mode war – neben Musik – stets ein Mittel jugendlicher Positionierung, aber nun kommen ökologische Erwägungen dazu. Bei gegenwärtigem Stand scheint dies Statement wesentlich zu sein: Nicht weniger konsumieren, aber aus anderen Quellen, anders interpretiert. Und dennoch ostentativ eine gewisse (kostspielige) Exklusivität tragen.

Bei LML werden Männer in einen selbstbewussten Kontrast aus Diversität gestellt. Dies drückt sich in einem wilden Mix aus Materialien aus, sehr viel Strickware, bunte, fragmentierte Flächen, gescheckt oder streifig arrangiert. Die Silhouetten werden durch dekonstruierte Schnitte und Flächenverhältnisse gebrochen und zugleich körperbetont inszeniert. Der vielfach nicht mehr im herkömmlichen Verständnis als maskulin definierte Mann inszeniert sich als Kunstwerk (ohne bisher eine passende mediale Plattform für eine solche Selbstinszenierung zu haben). Hiermit greift der Designer Lucas Meyer-Leclère auf eine sehr intensive und durchdringende Art thematisch auf, dass unser mediales Multiversum an sozialen Netzwerken und – Medien noch immer gnadenlos auf die (Selbst-)Darstellung von Frauen und Weiblichkeit ausgerichtet wird, zumindestens den Lifestyle betreffend. Querbeet durch die neuen Medien hindurch wird Weiblichkeit als Sein dargestellt und das Männliche als das Machende. Instagram zum Beispiel ist bekanntlich die spezifizierte Plattform für solcherart Eigendarstellung von Protagonisten: während Frauen zumeist durch die rein äußerliche Darstellung von Attributen und adaptierten Schönheitsidealen präsent sind, werden Männer zumeist im Kontext des etwas (Besonderes) Tun dargestellt. Damit verfestigen sich Geschlechterrollen. Trotzdem scheint der Wunsch auf, dem Männlichen mehr Diversität, Emanzipation von Rollenzwängen und Selbstbewusstsein zuzugestehen. Freilich, den erkennt man am deutlichsten in den Nischen (zumeist der Subkultur, auch in der Mode), denn er wird sonst vom gesellschaftlichen Mainstream mit seinem tradierten Grundverständnis der maskulinen Uniformität und des Machertums glattgebügelt.

Die Nische in der Mode, welche Lucas Meyer-Leclère gekonnt, humorvoll und dennoch mit Ernsthaftigkeit bedient, hat dabei die dankenswerte Funktion zu zeigen, dass es im Ansatz auch anders geht. Er hält den tradierten Erwartungen quasi einen Spiegel vor und zeigt im Gegenzug, dass Maskulines in der Mode nicht als funktional erscheinen muss, sondern gestalterische Rechte einfordern kann, mit denen der Mann (was immer man heutzutage darunter verstehen mag) sich zeigen und feiern kann. Das funktioniert durchaus gut und ist darüber hinaus von erstaunlichen Überraschungen geprägt.

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Text und Bilder: Boris Marberg

Ganz im Zeichen der japanischen Kulturvermittlung präsentierte das Label Susumu Ai seine neue europäisch-japanische Kollektion auf der Fashionweek in Berlin. Den Rahmen und die Örtlichkeit konnten nicht besser gewählt sein. Im Samuraimuseum mit der Sammlung Peter Janssen in Berlin Mitte fanden sich zahlreiche interessierte, geladene Gäste ein.

Das Privatmuseum eröffnete erst im Mai dieses Jahre in Berlin seine Pforten und ist damit eines der neuesten Museen in der Stadt. Es umfasst eine vielschichtige Sammlung um die Kultur der japanischen Samurai, stilistisch künstlerisch, als auch im kulturellen Kontext der entsprechenden Epochen. Passend wurde in den Museumsräumlichkeiten ein Taiko-Konzert (太鼓) dem Publikum vorgeführt. Die wuchtigen Trommeln und der kraftvolle Klang und Rhythmus spielt ausgezeichnet mit der der Leichtigkeit und Simplizität der Mode-Gestaltungen.

Die Stimmung im Publikum war aufgeweckt und durchdrungen von der Atmosphäre der dunkel gehaltenen Räume, die gedrängt und mit den Exponaten eine fast mystische Szenerie bot. Die Musiker waren bei der Darbietung in die jeweils neuen Kreationen von der Designerin des Hauses, Alisa Menkhaus (und Partner), eingekleidet. Nach jedem Musikstück rotierten diese Musiker im Raum zu anderen Instrumenten und Plätzen. Eine Bestuhlung, oder einen Laufsteg gab es selbstredend nicht. Stattdessen fand die Vorführung der Kollektion und der Trommelstücke durch die Musiker quasi mitten im Publikum, hautnah statt, was Nähe und Dynamik vermittelte und Berührungsängsten mit der Musik, Kultur und der Mode entgegenwirkte. Um die Kollektion und insgesamt die Mode von Susumu Ai zu verstehen und auch im Kontext der Verbundenheit mit deutscher Mode einordnen zu können muss man sich mit der traditionellen japanischen Mode und deren Entwicklung in den letzten 30 Jahren auseinandersetzen.

Auch heute hat traditionelle Kleidung, welche auf alten japanischen Bräuchen basiert, immer noch einen hohen Stellenwert in der japanischen Kultur und ist weiterhin noch verbreitet. In der Gestaltung spiegelt sich die Bedeutung von formeller Kleidung unter anderem darin wider, dass bei Damenmode traditionelle Schnitte, Muster und Farben eine Kontinuität aufweisen und dass der Einfluss westlicher Herrenmode groß ist. Nüchterne Anzüge haben sich weithin im Arbeitsalltag uniform etabliert und verfestigt , wie in kaum einer anderen industriell-dienstleistungsorientierten Gesellschaft. Neben diesen formellen Blöcken der Bekleidungsdoktrin steht als irrwitziger Kontrast das bunte, verspielt Naive, mit Sexualität, Infantilität und Humor kokettierende in den japanischen Subkulturen, was sich explosionsartig im urbanen Freizeitbereich zeigt. Gerade seit den 1990er Jahren hat in kaum einem anderen Land eine derartige Weiterentwicklung und Expansion der Textil- und Modeindustrie stattgefunden.

Brücken für japanisches Design- und Gestaltungsverständnis in andere Kulturkreise hinein bildet der Funktionalismus, der gerade in der deutschen Designtradition und -lehre weiterhin ein zentraler Teil des Fundamentes der Modeindustrie ist. Alisa Menkhaus schafft es, Funktionalismus und traditionelle japanische Linienführung in Schnitten und Silhouetten spannend und ansprechend zu verbinden, so dass aus beiden Designkulturen eine ansprechende Verschmelzung erwächst, die die jeweiligen Ursprünge erkennbar beläßt. Dies zeigt sich insbesondere bei den Herrenlooks, die sowohl im Urbanen, Informellen in beiden Kulturkreisen funktionieren als auch strenge Normenraster für Herrenmode aufbrechen können.

Bei den Looks der Damenmode, wird mit der bestehenden Freiheit und dem weiteren Gestaltungsrahmen auf traditionelle japanische Muster und Farbgebungen zurückgegriffen, ohne zu expressionistisch zu werden, aber dennoch individuelle Ausdruckkraft zum Ausdruck zu bringen. Es entsteht die Vermittlung von Selbstbewusstsein und dynamischer Interaktion mit dem sozialen Umfeld. Dabei sind die Looks stets tragbar und „praktisch“ und wahren immer Stilsicherheit und soziale Positionierung.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Bei der Anschauung einer Modekollektion ist nicht immer sicher, dass die Inspiration zu den Entwürfen auch in der Wahrnehmung der Erscheinungsbilder eine wichtige Rolle spielt. Bei den Arbeiten von Jennifer Brachmann ist das auch nicht so, obwohl sie sehr von focussierten Interessen auf Architektur bestimmt sind und das Label dies in seinen Mitteilungen immer wieder deutlich herausstellt.
Diese interessanten Informationen haben den Vorteil, dass der Betrachter sich intensiver mit der Machart und der Architektur der Kleidungsstücke beschäftigt und dass außerdem das Kulturgut Mode in einen kulturellen Kontext mit Architekturgestaltung gestellt wird, schließlich sind beide Bereiche von der Anschauung der Hülle im öffentlichen Raum – als Spiegelung oder Vorwegnahme des Zeitgeistes – geprägt. Allerdings kümmert sich die „Mutter der Künste“, die Architektur, wenig um Modeerscheinungen der Zeiten und Orte, umgekehrt entlehnt der Aufbau modischer Kleidungs-Outfits durchaus sehr oft Verfahrensweisen aus der Architekturkonzeption, mit Aufbau, Schichtung, Ordnung, Körper/Volumen, Außenflächen und vielem mehr. Just diese Entwicklungsprozesse, die auch ästhetischen und ideologischen Maßgaben folgen, interessieren Jennifer Brachmann und für jede ihrer Kollektionen sucht sie sich ein Architekturphänomen heraus, das ideell spannend ist und vielleicht Angebote einer konzeptuellen Übertragung birgt, die sie dann erprobt, ohne den geistigen Background des Phänomens auszublenden. Das ist, in Zeiten des Konstruktivismus (und Dekonstruktivismus), ein durchaus spannender Ansatz.

In den Ergebnissen wird die Auseinandersetzung allerdings nur Eingeweihten sichtbar. Das macht die Sache etwas exklusiver, neben der kulturellen Aufwertung. Aber auch der Nicht-Initiierte spürt unbewusst die Nähe zu moderner Architektur: das Konstruktive mit seinen geometrisch geraden Flächen und Körpern, die Strenge und die farbliche Zurückgenommenheit bis hin zu einer sehr formalistischen, manchmal minimalistisch reduzierten Konstruktion verweisen konkret auf eine unpersönliche Visualisierung einer abstrakten Idee. Es ist zu vermuten, dass die sehr treue Klientel des Labels genau diesen Erscheinungsaspekt für sich sucht und beansprucht und stets darüber hinaus mit perfektionistischer Ausführung, ausgesuchter Materialverwendung und gut überlegter Abstimmung bedient wird. Zwangsläufig entsteht daraus auch eine bestimmte, unterkühlte Eleganz, sowohl für die Männer- als auch für die Frauenbekleidung und ein künstlerisch beziehungsweise stilistisch geprägter Bezug zur Epoche der „Moderne“ – bzw. Postmoderne.

Auch zu der aktuellen Kollektion, die im Schüco Showroom Berlin vorgestellt wurde, verweist das Label auf die Zusammenarbeit mit Architekturinstitutionen (kuratiert wurde die Veranstaltung übrigens von Constantin von der Mülbe und Tillmann Wagner für die BDA Galerie Berlin). Das Präsentationskonzept war neben dem Schaulauf an sich auch durch große Nähe zu den Modellen geprägt – die möglichst intensive Betrachtung rundum fast so gut wie eine still stehende Präsentation. Und der Schüco Showroom war eine geeignet gewählte Location mit dem Fassadensystem und dem architektonisch prägendem Innenhof.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Südlichere Gefilde – das ist es, was uns Frida Weyer mit ihrer neuen Kollektion von MALUNE näherbringt und mit schlichter Eleganz überzeugen kann. Jetzt wo der Herbst vor der Tür steht, die Tage kürzer und kühler werden, eine steifere Briese durch die Straßenschluchten von Berlin weht, darf man vom Reisen in den Süden träumen, reisen, um den Sommer zu verlängern.

Im Telegraphenamt auf der Mercedes Benz Fashion Week präsentierte das Label MALUNE der Berliner Designerin Frida Weyer die neue Frühjahr-/Sommer-Kollektion 2023
– ein Traum von tropischen Stunden, Tagen, Wochen, daran kann man sich gewöhnen. Das Resort-Label wartet mit vielen verspielten Akzenten und Nuancen in der Kollektion auf. Die Handschrift von Frida Weyer, die viele als Couture Schöpferin kennen gelernt haben, ist auch bei MALUNE sichtbar und fühlbar. Leichte Stoffe, die locker wehen können und charmant Bewegungsfreiheit und Dynamik der Trägerin an die Hand geben.

Das Haus MALUNE richtet sich explizit als Resortlabel an eine Klientel, das Verspieltheit, Ästhetik und auch Sportlichkeit über die Strenge und Gepflogenheiten des Businesslooks stellt. Es geht um Freizeit und Repräsentation, ebenso Freiheit und Feminität, die klar und unverfälscht zum Ausdruck kommen darf. Dabei spielt es keine Rolle, ob sich die Trägerin am Strand, auf der Promenade oder auf einem sommerlichen Abendanlass bewegt – vom Bikini bis hin zum Abendlook ist alles Notwendige dabei, was in den Überseekoffer passen muss. Wenn die Kollektion für eine Reise steht, dann geht es diesmal in die Karibik. Farblich und von den Oberflächenstrukturen und -materialien spiegelt sich die Karibik sowohl landschaftlich als auch architektonisch mit Facetten verschiedener Epochen wider. Der progressive und lebendig-tropische Art Deco Floridas mit seinen typischen pastellenen Farben, seinen warmen Farbklängen und Colourblocking paart sich mit einem Hauch von kolonial-spanischem Barock, wie er in Mexiko oder kolumbianischen Altstädten zu finden ist. Die Trägerin findet sich in tropischen Gefilden wieder, nicht aber im schwülen und drückenden Regenwald.

Die Stärke der Kollektion und des Labels liegen eindeutig auch in der hohen Qualität und thematischen Durchdrungenheit der schönen Drucke und der Verwendung von kostbaren Materialien wie Seide, die eine Leichtigkeit mit sich bringt. Gerade an heißen Tagen trägt man dieses Material gerne auf der Haut. Besonders das Haptische ist auf Reisen wichtig, also wie sich der Stoff auf der Haut anfühlt. Auch bei hoher Luftfeuchtigkeit sollten sich lockere Strandkleider gut anfühlen und daneben auch im vollklimatisierten Ressorthotel funktionieren. Als Gesamtkonzept bietet die Kollektion viel verspielte Leichtigkeit und drückt ein Lebensgefühl von Freiheit, Verbundenheit und Autonomie aus – das Leben kann leicht und erfüllend sein.

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Berlin Fashion Week – Spring/Summer 2023 – Ready-to-Wear

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Marcel Ostertag gehört zu den wenigen Designern, die der Berliner Fashionweek treu bleiben, auch jetzt, wo sie sich noch auf Talfahrt befindet. Dabei sind seine Kollektionen, im Gegensatz zu den neu erscheinenden Protagonisten, eher nicht wirklich revolutionär in dem Sinne, dass sie den Zeitgeist spiegeln. Im Gegenteil. Wir sehen neue Varianten der spielerischen Besetzung relativ konventioneller Silhouetten mit Bändern, Fransen und höchstens leichte Abweichungen von konventionellen Schnittarchitekturen. Damit verortet sich Ostertag, der sich früher gern als Erneuerer stilisierte, nun eher im kommerziell angepassterem Segment, wenn auch durchaus verspielter und liebevoll in der Individualkonzeption und -Fertigung der einzelnen Looks.  In diesem Sinne gelingen ihm durchaus eine Reihe schöner Modelle, nicht unbedingt kohärent als Kollektion, aber doch im Sinne eines Frauenbildes, das mit verspielten Applikationen, romantischen Prägungen, bequemen Silhouetten, leicht exotischen Prints und zarten Farbnuancen über das Durchschnittliche hinaus agiert. Zusätzlich gelingt ihm dabei auch ein gewisses Maß an Eleganz für den Alltag, heute selbstverständlicher als früher. Insgesamt umschreibt sich der stilistische Kosmos des Berliner Designers prägender und selbstverständlicher.

Sicher ist Ostertag nicht der einzige Designer auf der Berliner Fashionweek, der die konventionelle Couture (mit ein paar attraktiven Zusätzen) repräsentiert, ähnlich wie zum Beispiel auch Aline Celi herangeht, aber immerhin wird eine stilistische Handschrift erkennbar, die sich einigermaßen souverän in diesem Feld behaupten kann und die versucht, ohne Trendverpflichtungen modern und zeitlos zugleich aufzutreten. Im Sinne von ready-to-wear passt sein Konzept recht treffend, und das, auch erwähnenswert, nicht nur auf junge und idealschlanke Frauen gerichtet.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Mit Laura Gerte präsentierte sich auf der großen Bühne der Modewoche in Berlin jemand, auf die zahlreiche Modebegeisterte in der Branche seit knapp zwei Jahren ihre Hoffnungen setzen. Seinerzeit fiel die Bachelor Studentin von der Weißensee Kunsthochschule Berlin bereits mit ihren Entwürfen auf.

Es sei der neue Berliner Look, in welchem sich auch die Mode der Nullerjahre wiederfinden würde, liest man zum Beispiel. Ja, die Kollektion, der Stil hat etwas von Post-Punk und New-Pop, ausgelassenem Spass in jedem Fall. Die Looks sind von zeichenhaften Bildpartikeln und wilden  Silhouetten geprägt. Es entstehen bei der Designerin Schnitte, die mutige und schräge Flächenkompositionen ermöglichen und viele Richtungswechsel zusammen fügen. Durchlöchert sind die Looks ebenso wie zerfetzt. Wulstig wird in den Raum gegriffen, Bänder und Fetzen beleben die Konturen. Nachhaltig soll es sein und das soll man auch sehen. Denim prägt und fokussiert die Mode von Laura Gerte auf die Straßen der Großstadt und die Clubs der Stadt, in denen Multisex der neue Kristallisationspunkt der eigenen Identität ist. Rollen und Geschlechterzugehörigkeiten verschwimmen, humorvoll wird ihre Lebensfreude hervorgekehrt und Minderheiten wird eingeräumt, durch Diversität die zeitgenössische Deutungshoheit zu haben. Die Asymmetrien in den Looks spiegeln das zeichenhaft in dieser modischen Wahrnehmung wieder.

Laura Gerte vermittelt spielerisch und fundiert mutig, wie Neues entstehen kann, ohne die Wurzeln in nicht allzu Vergangenem zu ignorieren. Darüber hinaus liegt ein Verlangen in der Luft, sich ausdrücken zu können, ohne damit ästhetischen Normen verpflichtet zu sein. Der Mix aus vorgefundenen Alltagstrends, Fantasie und Schneiderkunst frappiert zuweilen, eine ostentative Provokation des Establishments findet sich damit aber ebenso wenig wie eine radikale Positionierung der Jungen Generation. Diese kann sich zwar in ihrer Eigendefinition der Geschlechtlichkeiten austoben, die ideologische Stellungnahme gegenüber der gesamten Gesellschaft wird zwar impliziert, im expliziten Sinne aber anders, politisch auf der Straße ausgetragen – so lässt sich Laura Gertes Kollektion als integratives Gestaltungsstatement verstehen: Fridays for Future um die Welt zu retten und Multisex für die Party im Club.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Schwungvoll und goldig – so hat sich die neue Frühjahrs- und Sommerkollektion der österreichischen Designerin Rebekka Ruétz beim ersten Blick eingeprägt. Präsentiert wurde die Kollektion wieder im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin. Hier freut man sich immer wieder über die gelungen modischen Statements und Ideen für die kommende Saison.

Die Designerin kreiert aus dem puristischen und poetischen Ansatz der Kollektion heraus ein weites Repertoire an unterschiedlichsten Looks, die dennoch alle zusammenhängen und eine einheitliche Linie und Aussage vermitteln. Hier wird mit dieser Kollektion (friederIKE) an eine bereits erfahrene Emotionalität angeknüpft, die geprägt ist von Sehnsüchten nach Wärme und verspielter Lebendigkeit, ohne belastet zu sein mit Mühe und mit Leichtigkeit punkten kann. Dennoch ruht in dieser Kollektion wieder eine klare, wenn auch nicht wie in der Vergangenheit direkte Aussage. Es ist das Grundthema des Schaffens der Designerin – ein sowohl reflektiertes selbstbewusstes Leben mit Sinnlichkeit und Ästhetik ebenso zum Ausdruck zu bringen, wie eine stabile und bewusste Haltung auch über die Flüchtigkeit des Zeitgeistes hinaus zu zeigen.

Würdevoll und anmutend und dennoch dynamisch kommen die Kleider und Kombinationen daher – fliegen geradezu mit lockeren, weiten und langen Ärmeln. Bewegungsfreiheit und Luftigkeit wird durch die leichten Materialien ebenso umgesetzt wie durch asymmetrische Schnitte, die viel Beinfreiheit ermöglichen. Es finden sich zahlreiche Tops, die sehr schön kombiniert werden können und sich in einen Reigen an wundervollen Kleidern passend einfügen. Diese sind teilweise raffiniert transparent mit Struktur und Textur, aber auch mit blickdichten, klassischen, an Etuikleidern angelehnten Kreationen in tieferdigem Schwarz ausgestaltet. Farblich ist die gesamte Kollektion warm, erdend und liebevoll emotional gehalten. Selbst marmorne Drucke wirken wärmend, was durch das Volumen bei den Kreationen unterstrichen wird. Ebenso raffiniert und aufgeweckt wirken die Schichtungen. Diese kommen besonders bei den transparenten Kleidern zur Geltung, wenn unter einem weiten Dekolleté die entsprechend kontrastierte Wäsche getragen wird.

Sehr schön und besonders ins Auge gesprungen sind die floralen Drucke mit großen Rosen in warmen goldigen Tönen, die auch ansprechend für die Einladung zur Schau verwendet wurden. In vielen Kulturen steht die Rose für emotionale Bindung, Liebe, Romantik und Zuneigung. Hier zeigt sich prägend für die gesamte Kollektion wieder die Grundstimmung und positive Haltung zum Leben. Spannenderweise wird dieses Druckmotiv sehr schön ergänzt durch einen marmorierten Druck, der nicht kühl wie Stein und distanziert wirkt, sondern vielmehr auch eine warme Grundstimmung vermittelt und eine solide Basis bietet.

In Bezug auf die Accessoires fallen bunt gestreifte Gürtel und Träger auf, die schöne pointierte Akzente setzen. Üppiger Goldschmuck rundete das Styling ab.

In der Gesamtschau lässt sich unterstreichen, dass es Rebekka Ruétz wieder gelungen ist, eine sehr emotional ansprechende und schöne Kollektion für den kommenden Frühling und Sommer auf den Laufsteg zu bringen, die viel Lebensfreude vermittelt und gleichzeitig auch viele individuelle Gestaltungsmöglichkeiten eröffnet.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Die Ukrainische Designerin Kristina Bobkova präsentierte ihre neue Kollektion für das Frühjahr und den Sommer 2023 im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin. Der zentrale Veranstaltungsort dieser Saison war das historische ehemalige Haupttelegraphenamt, welches nun im Rahmen einer Grundsanierung zu einem Hotel umgebaut wurde und in Kürze eröffnen wird. Die Modewoche ist hierbei die erste Großveranstaltung im Gebäude an der Oranienburger Straße (Adresse Monbijoustraße) im Herzen von Berlin.

Die Kollektion von Kristina Bobkova orientiert sich thematisch an einer wichtigen Straße in ihrer Heimatstadt Kiew – der Chreschtschatyk-Straße, dem zentralen Boulevard in der ukrainischen Hauptstadt – eine wichtige Verkehrsachse und Flaniermeile. Diese Straße war die Inspiration für die Farbpalette der Kollektion: erdiges Braun, Cremeweiß und Smaragdgrün, dazu blasses Rosa und Minze. Kontrastiert wird die Farbgebung durch metallischen Schimmer auf den Oberflächen. Dies soll „metaphorisch auf den unerschütterlichen Charakter des ukrainischen Volkes verweisen“, so die Pressemitteilung zu dieser Kollektion.

Die Widersprüchlichkeit der aktuellen Situation der Ukraine und der dortigen Modebranche kommt hier gut ans Licht und wird unterstrichen. Es fühlt sich paradoxerweise normal an, wenn Kreative wider die externe Aggression, die bis hin zur Existenzgefährdung gehen kann, trotzen und selbstbewusst Mode schaffen.

Die Schnitte sind minimalistisch gehalten und vielfach in den Silhouetten weit bis hin zu „oversize“ ausgestaltet. Dies sticht gerade bei Blazern und Kombinationen ins Auge. Neben plissierten Röcken und Kleidern fallen insbesondre grobe Webstrukturen bei Schlauchkleidern angenehm  auf. Die Flächengestaltung ist üppig und vermittelt Bewegungsfreiheit und Präsenz im Raum. Asymmetrische Kleider in Schwarz bringen in die Gesamtkollektion Kontrapunkte ein.  Die Hosenanzüge sind lässig und spielen thematisch mit Unisex. Dabei sind die eleganten und sportlichen Kreationen durchgängig alltagstauglich für Business und Alltag und dienen auch als repräsentative Freizeitkleidung im urbanen Umfeld.

Bei den Accessoires wurde die Präsentation mit Taschen der Manufaktur Chris Bader aus Uhingen abgerundet, welche im Rahmen einer Kooperation unter dem Titel Bader x BOBKOVA entstanden sind.

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Berlin Fashion Week – Spring/Summer 2023

Bilder: Andreas Hofrichter

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Als einer der wenigen bekannten Designer aus Berlin hat Danny Reinke mit einer eigenen groß angelegten Schau seine Fans und das Fachpublikum im Kühlhaus als Teilnehmer der Berliner Modewoche überzeugt.

Bereits die vorangegangenen Kollektionen konnten uns immer wieder überraschen und mit der hohen Qualität ansprechen. Produziert wird konsequent lokal direkt in Berlin mit nachhaltigem Ansatz. Das zurückhaltende „Understatement“ der letzten Kollektionen wird beibehalten und wieder mit feinen Akzenten unterstrichen. Eine warme und ansprechende Farbpalette verbreitet Optimismus und Lebensfreude, die im urbanen gut tragbar ist und den individuellen Charakter unterstreicht. Schimmernde Stoffe und Griffigkeit werden wohltuend umgesetzt und tragen den Stil der wie immer überwiegenden Einzelstücke. Auch für den urbanen Mann finden sich (erstmals gezeigt auf der Schau) verspielte und „glatte“ Looks.

Die weißen Kleidern wurden in der fast als „do it yourself“ – Performance dann bemalt. Dies hat Nähe und Bezug zu den Entwürfen geschaffen und vielleicht auch etwas Mut gekostet, als zum Schluss auch die Gäste am Kleid Hand anlegen konnten.

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Bilder und Text: Boris Marberg

Im Rahmen der „Fashionhall Berlin“, die sich gerne als Auftaktveranstaltung zur Berliner Modewoche versteht, zeigte der Designer Marco Marcu in zwei getrennten Blöcken seine aktuellen Entwürfe für die kommende Sommer- und Ballsaison 2023. Seine Kleider werden stets als Einzelstücke in Handarbeit, oder Kleinstserien aufgelegt. Die Kundin, welche sich für diese Kreationen entscheidet, kann sich sicher sein, etwas Besonderes erstanden zu haben. Die bodenständigen eleganten Kreationen sind zeitlos, dennoch modern und tragbar. Auch über Generationengrenzen hinweg sprechen diese Kleider einen weiten Kreis an Kundinnen an. Die Handwerkskunst steht hier im Mittelpunkt und garantiert auch eine griffige Wertigkeit. Es versteht sich von selbst, das sin der Regio produziert wird und man nahe an den Kundinnen ist und deren Bedürfnisse und Wünsche aufgreift, versteht und in die Realität umsetzen kann. Gerade regionale Ateliers werden sich wahrscheinlich als prägend und tragend für die Modeszene und den Produktionsstandort in Berlin erweisen. Dabei spielt es keine Rolle, ob es sich um Abendkleider, oder Streetware handelt. Kleidung von Kreativen, die greifbar und authentisch Vorort sind kann für die Modewoche in Berlin in den kommenden Saisons eine zentrale Rolle spielen. Oft sind es nicht die großen Marken, die das Rückgrat der Szene darstellen. Der erste Block der Entwürfe von Marco Marcu umfasste eine Reihe von verspielten Kombinationen mit blumigen Drucken und Applikationen. Hier stehen die Kleidungsstücke als einzelne, elegante und wertige Statements und zeigen eine Palette von Zusammenstellungen auf, die vom Badestrand bis ins Alltagstaugliche gehen kann. Schlanke Silhouetten prägen auch den zweiten in Rot und Rotbraun gehaltenen Block an auffälligen und kräftigen Kleidern und Kombinationen. Rot wird in der Farbpsychologie als selbstbewusst, sexy und außerdem besonders anziehend verstanden. Ein rotes Kleid kann ikonisch sein. Diese sind offensichtlich für den feierlichen Abendanlass konzipiert und bieten ebenfalls eine weites Spektrum an Stilen wider. Den Kontrast hierzu bildet jeweils ein „Hochzeitskleid“ in Weiß um die Serie mit einem Höhepunkt abzuschließen.

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