Text: Boris Marberg

Artikelbilder: HDK, Cover Boris Marberg

Am vergangenen Samstag fand im Kunsthaus Baselland die aktuelle Präsentation und Performance der Graduierten des Jahres 2026 im Studiengang Doing Fashion statt. Ein guter Anknüpfungspunkt, sich mit dem Studiengang und der Ausrichtung der HGK in Bezug auf Modedesign zu beschäftigen.

Unsere Sichtweise auf Mode und den entsprechenden industriellen Komplex unterliegt seit Jahren einer Polarisierung, die von Fast Fashion und einer zunehmend (un-)social-media-bedingten Beschleunigung geprägt ist. Die individuelle Orientierung wird für die jüngere Generation zu einer existenziellen Herausforderung. Die Beschleunigung, der zeitgenössische Akzelerationismus, ist zwar nicht abrupt vom Himmel gefallen, wütet aber aktuell kulturell wie noch nie und frisst schonungslos, gewinnmaximierend, die Ressourcen. Berge an überproduzierter Kleidung häufen sich an und stellen Fragen nach Alternativen in den Raum, denen man sich auch in Basel annimmt.

Bereits 2011 fand eine tiefgreifende Umgestaltung und Neuausrichtung des Studiengangs statt. Unter der Leitung von Jörg Wiesel, der aus der Theaterwissenschaft und Literaturwissenschaft kommt, wurde ein Bachelor of Arts (BA) in Mode-Design konzipiert, der Mode nicht nur als fertiges Produkt fokussiert, sondern Mode als Prozess und soziale Handlung versteht. Während früher in Basel klassisch Modedesign gelehrt wurde, mit allen Aspekten der Gestaltung und der technisch-handwerklichen Umsetzung, geht es an der HGK nun darum, an einer gesellschaftlichen Schnittstelle anzusetzen. Die Studierenden setzen sich mit Themen wie Gender, Nachhaltigkeit, digitalen Räumen und sozialer Gerechtigkeit auseinander. Früher lag das Hauptgewicht auf dem Erlernen von Schnitttechnik, Materialkunde und der Fertigung physischer Kleidungsstücke für einen klassischen Markt. Heute beschäftigt man sich damit, Mode gesellschaftskritisch zu hinterfragen, wie sie wirkt, und welche gesellschaftliche und kulturelle Funktion sie hat. Konsequent findet für die Absolventen nicht eine klassische Modenschau statt, sondern eine Live-Performance und Installation bilden das Format für die Vermittlung.

Das erarbeitete Wissen und die gefundenen Prozesse sollen eine Basis bilden, um die erworbenen Fähigkeiten als Impulse in einem dann folgenden weiteren Designwerdegang einzubinden und mit einer kritisch reflektierten Sichtweise neue Impulse nachhaltig in die Branche zu vermitteln.

In den vergangenen Jahren hat diesen Werdegang unter anderem der junge, prämierte Designer Rafael Kouto durchlaufen, der 2014 seinen Bachelor in Basel machte, um dann seinen Master in Amsterdam zu absolvieren. Er steht für radikales Upcycling, Open Source in der Mode durch demokratisierte Wissensvermittlung und Bildung in der Schweiz.

Die aktuelle Performance wurde von den Studierenden zusammen mit Nils Amadeus Lange, Dozent für Performance und Präsentation an der HGK, konzipiert und umgesetzt. Im Kunsthaus Baselland wurden dann einzelne Fragmente der im Rahmen der Abschlussarbeiten konzipierten Performances gezeigt.

Bada Mirjam Kunzi

Hannah Maywald

Jerômé Spiria

Noemi Sophia Henkel

Sofiia Schmanskaya

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Text & Bilder: Boris Marberg

In Zusammenarbeit mit der FWTM* stellte der Freiburger Einzelhandel mit weiteren Kooperationspartnern erstmals über mehrere Tage hinweg ein Programm auf die Beine, um im Bereich Mode eine Präsentationsplattform für den Einzelhandel zu schaffen – die Freiburg Fashion Days.

(Bildimpressionen von den Modeschauen am Ende des Artikels)

Bereits seit vielen Jahren sind die meisten Innenstädte mit einem gravierenden Strukturwandel konfrontiert, ein Phänomen, das nicht nur Deutschland betrifft. Der inhabergestützte Einzelhandel in seiner ursprünglichen Vielfalt und Individualität blutet aus und wird zusehends durch große Ketten mit ihren einheitlichen Sortimenten und deren monotonen äußeren Erscheinungsbildern ersetzt. Traditionell prägte vorher in vielen Innenstädten eine bunte Vielfalt an Modegeschäften das kaufmännische Leben. Neben den kleinen, inhabergeführten Boutiquen sind in den vergangenen Jahren auch die größeren Häuser zusehends unter Druck gekommen und insbesondere die im Sortiment weit aufgestellten klassischen Kaufhäuser sind nun in der Existenzkrise. Die letzten Jahre der Pandemie, der Online-Handel, andere Präferenzen beim jungen Publikum und die aktuelle Kriegssituation mit dem einhergehenden Kostendruck setzt zusehends dem Handel zu und zwingt in Bezug auf die Attraktivität und Vitalität der Innenstädte zum Handeln.

In Freiburg hat man sich deshalb dazu entscheiden, den Handel zu vernetzen und im Rahmen der „Fashion Days“ mit einer Vielzahl von Veranstaltungen und Angeboten die Attraktivität des lokalen Handels herauszustellen, und damit in der Zeit vom 14. bis 17. September Kundschaft in die Innenstadt zu locken und den Modegeschäften neue Impulse und Möglichkeiten anbieten.

Freiburg wird nachgesagt, es sei nicht gerade eine Stadt, deren Bevölkerung sich an zeitgenössischen Strömungen in der Mode orientiert beziehungsweise sich mit solchen identifizieren kann. Vielmehr sei der typische „Freiburger Look“ funktional, pragmatisch der Landschaft und Natur entsprechend sportlich auf Freizeit ausgelegt, oder würde die klassischen Bedürfnisse des beruflichen Alltags bedienen. Es ist mühsam dies zu widerlegen oder verifizieren zu wollen, letztlich trifft diese Pauschalisierung wohl auf fast alle Städte in Deutschland zu, die nicht zu den Metropolen gehören. Der deutsche Einzelweg in Sachen Mode ist wie er ist und vielfach beschrieben und auch der Handel mit Mode in den Städten ist wie er ist und mit diesen Problemfeldern konfrontiert – es gilt das Beste draus zu machen, was an Potential vor Ort vorhanden ist. Zaubern kann niemand.

Entsprechend ist die Veranstaltungsreihe auf die Endkunden ausgerichtet und der Handel präsentiert aus dem aktuellen Sortiment heraus. Ein regionaler Bezug wird durch die Vorstellung einer Handvoll Labels aus der Region hergestellt. In den jeweilig teilnehmend Geschäften finden kleine Veranstaltungen statt und an zentraler Stelle hat man im ehemaligen Damenmodenhaus Kaiser einen Raum, in welchem „Pop-UP Stores“ präsentieren und verkaufen. In diesem ehemaligen, renommierten Modehaus finden auch Modenschauen statt – klassische Kaufhausschauen, wie man sie aus der Zeit bis in die 1980er aus den Kaufhäusern vielleicht noch kennt – also ein Format, an das sich ältere Semester noch erinnern. Ebenso sind Modeschauen gleicher Art unter freiem Himmel am Münster und im Colombi-Park vorgesehen.

Ausgehend davon, was ein vitales Stadtleben ausmacht, stellt sich die Frage, welche Kundenklientel mit welchem modischen Selbstverständnis angesprochen werden soll und welche Geschaftsklientel wünscht man sich aus der Perspektive der Stadt als Anbieter für eine kulturellen Plattform anschaulicher Lebensentwürfe? In welche Richtung erwartet man hier Impulse für eine lebendiges und kulturell reichhaltiges, vielschichtiges städtisches Leben? Mode(-design) als Kulturgut findet sich nicht eigenständig oder als Annex im Kulturkonzept der Stadt Freiburg, das verwundert nicht, denn auch andere Städte mit ausgeprägter, schöpferischer Modeszene tun sich hier immer noch schwer, wenn sie im Komplex Mode aktiv werden wollen. Mode wird landläufig als alltägliche Begleiterscheinung gesehen, selten als kulturell-soziales Thema, fast nie als eigene Sparte von Kunst. Konsequent verharrt man deshalb auf dem kommerziellen Ansatz und bespielt dieses Terrain mit den entspechenden Werkzeugen.

Dabei ist Mode schon immer viel mehr, ein Spiegel der Gesellschaft und der Milieuzughörigkeit. Sie drückt (bewusst, oder unbewusst) eine Haltung, eine Gesinnung und ein Lebensgefühl aus – und natürlich noch viel mehr.

Konkret besteht, wie oben erwähnt, neben der Vielzahl der Veranstaltungen der einzelnen Geschäfte der Freiburger Innenstadt noch im ehemaligen Damenmodenhaus Kaiser ein vielgestaltiger Pop-Up Store. Dabei hat man als Kooperationspartner das Unternehmen FAEX (Fashion Exchange) mit im Boot. Damit wird jungen Modeschaffenden eine Plattform angeboten, wie bei einer Musiktournee in mehreren Städten bei einheitlichem Konzept ihre Mode zu präsentieren und zu verkaufen. Nach dem Aufenthalt in Freiburg wird das Programm von FAEX im Anschluss vom 20. bis 24. September in Heilbronn präsentiert werden, mit zahlreiche Modelabels aus Berlin und Polen neben ein paar wenigen aus Baden-Württemberg.

* Freiburg Wirtschaft Touristik und Messe GmbH & Co. KG

Impressionen von einer der Modeschauen im Colombi-Park

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Text & Bilder: Boris Marberg

Unter dem Namen Ahoi Ahoi firmiert ein in Basel ansässiges Konzeptgeschäft von Josina Schiff, welches sich auf Produkte aus der Schweiz und von ausgewählten internationalen Projekten spezialisiert hat.

Bei Ahoi Ahoi finden sich inspirierende Kleinigkeiten – vielfach Wohn-Accessoires, Mode & Lifestyle. Aus dem Stammsitz in Kleinbasel heraus hat sich die Möglichkeit eines Pop-Up-Shops in der Innenstadt im „ThisIsYours Bisto und Store“ ergeben und wir seit dem 3. Oktober bis zum 31. Oktober 2020 auch für die Ausstellung „Stills“ mit den beiden jungen Künstlerinnen Linda Briem und Isabel Jakob genutzt.

Kombiniert wird die Ausstellung der beiden Künstlerinnen mit einer Präsentation der beiden nachhaltigen Mode-Marken „pinqponq“ und „EKN“.

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Text & Bilder Boris Marberg

Im Rahmen der Diplomausstellung 2020 wurden in Zürich im Rahmen einer durchgängigen Performance die Abschlusswerke von sechs jungen Modeschöpfenden vorgestellt. Für uns ist die Veranstaltung das erste reale Modeereignis seit dem Frühjahr und ein guter Start wieder in das Kreative hineinzutauchen.

Über vier Etagen wurden Werke der Studiengänge Film, Fotografie, Kunst, Modedesign und Visuelle Gestaltung präsentiert. Im Fokus des Besuches stand das Interesse an den Werken der sechs präsentierten Modedesignern Eileen Broadhead, Ejra Sunna Brunner, Valentina Grajales Garcia, Laura Heer-Vermot-Petit-Outhenin, Géraldine Reber und Gilles-Anthony Treskatsch.

Für die Präsentation hat man sich für eine durchgängige Performance entschieden, welche von Yannick Aellen und seinem Team umgesetzt wurde. Mode lebt vom gesellschaftlichen Kontext, den Orten und Umständen an welchen sie getragen wird und der Bewegung im Raum. Frei nach Merce Cunningham ist der Tanz die flüchtigste Form der Kunst und just in dem Moment der Präsentation auch schon wieder vorbei. Dieser Grundsatz gilt auch für eine Modeperformance. Auch wenn die Kleidung noch nach der Vorführung greifbar bleibt, der Kontext und die Präsentation als eigenständige Form lassen sich nie in allen Facetten konservieren. So betrachtet, in diesen besonderen Zeiten, wird es kaum gelingen die Atmosphäre und Wirkung vollends widerzugeben.

Die Räumlichkeiten der F+F an der Flurstrasse verzweigen sich in hellen, nüchternen Fluren und angrenzenden Räumen, in Weiß gehalten, funktional, eng und schnell überfüllt. Mode in Bewegung benötigt Platz. Dieser stand leider nur teilweise zur Verfügung und wurde gut für die Werke von Laura Heer, Ejra Sunna Brunner und Géraldine Reber genutzt. Während Valentina Grajales Garcia in einer eigenen Installation präsentierte, gingen die weiteren Werke im schmalen Flur – fast statisch – etwas unter und im „Gedränge“ entstand wenig Zugang zu diesen Werken.

Die Designerin Eileen Broadhead setzt sehr ansprechend körperbewusste Silhouetten in ansprechend lebendigen Farb- und Musterverläufen um.

Auch bei Laura Heer spielen die Silhouetten eine wichtige Rolle, auch wenn die Kreationen dekonstruiert wirken und einen düsteren Reigen um einen Kubus aus Stoffe zelebrieren, der gleichzeitig als Leinwand für Projektionen diente.

Spielerisch und schrill wirken die Installation und die Entwürfe von Gilles-Anthony Treskatsch in einem Weißen raum um eine schwarze Pfütze. Die Protagonisten bilden Kontraste und jeweilige Gegenentwürfe. Die Kleidung bleibt weitestgehend in der Distanz verharrend und wie ein Wächter wird der Raum vor einen betreten und hineintauchen geschützt.

Weiter auf der gleichen Gebäudeeben wurden die Entwürfe von Valentina Grajales Garcia gezeigt. Im engen Flur hantierten ihre Protagonistinnen mit Stoffflächen zu einer Videopräsentation. Die Entwürfe sind aus gebrauchter Kleidung entstanden.

In einem Obergeschoss fanden die Performances von Ejra Sunna Brunner und Géraldine Reber statt, die in Bezug auf die reine Präsentation von Mode die emotionalsten Zugänge boten. Ejara Brunner gelingt es mit lauten Farben und weichen Übergängen kontrastiert ansprechende Entwürfe vorzustellen, die sowohl im zeitgenössischen Kontext als auch im Rückgriff auf die frühen 1970er bestehen. Ihre Protagonisten agieren nüchtern und wie verloren im Raum. Es entsteht ein Spiegelbild der Ichbezogenheit ohne in einen Narzissmus oder in autistisches Verhalten abzugleiten.

Ebenso spielt Géraldine Reber mit der Konfrontation der Emotionalität der Protagonisten in abstrahierten Entwürfen, die nur noch facettenhaft das unterstreicht, was emotional sich kontrastiert. Ihre Entwürfe spielen mit den Grundemotionen und kleiden diese ein. Auf Farbe verzichtend wird dem Ganzen eine authentische Klarheit unterlegt.

Neben den jeweiligen Modekollektionen konnte die Ausstellung durch ihre Ausgewogenheit ansprechen und auch das Ambiente des Gebäudes und Interieur gut nutzen. Ins Auge ist uns noch das Werk von Mirjam Hurschler gefallen. Die Künstlerin bringt ihre sehr kräftigen Bilder von Lebendigkeit und weiblichem Gebären sehr emotional zur Geltung.

Weitere Impressionen aus der F+F:

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Text & Bilder: Boris Marberg

Über die Fasnachtstage hat es mich aus persönlichen Gründen in die Steiermark verschlagen und per Zufall bin ich auf den jungen Designer Manuel Essl gestoßen, der in der Münzgrabenstrasse sein Atelier und Verkaufsraum betreibt. Der liebevoll eingerichtet Showroom lädt zum Verweilen und Stöbern ein. Hier konnte ich den Designer treffen, der am Kolleg für Mode und Design an der Modeschule Graz seinen bodenständigen Zugang zum Handwerk fand.

In den letzten Jahren ist eine Reihe von Kleinkollektionen mit modularem Charakter entstanden, die thematisch konsistent sind. Manuel Essl hatte schon mehrfach die Gelegenheit seine Kreationen mit Fördermitteln international zu präsentieren.

Ein Ausflug nach Seoul zur Seoul Fashion Week, als auch die Auszeichnung als bester Jungdesigner bei der Fürstenfeld Fashion Week zeigen, dass sein Talent und sein Enthusiasmus gesehen und gewürdigt werden.

Essl produziert seit 2015 seine Kreationen von Hand im eigenen Atelier und spricht ein Publikum an, welches Wert auf regionalen Ursprung der Kleidung ebenso legt, wie auf individuelle Ausdrucksmöglichkeit. In seinen Kollektionen verarbeite er visuell bisher unterschiedliche Themen und postuliert grafische Statements. Vom Thema Meer bis hin zur kosmologischen Deutung und Darstellung der Welt im Universum finden sich vielerlei Anknüpfungspunkte. Immer wieder finden sich Blumen und Florales in den Looks. Die Formgebung ist klassisch in den Silhouetten – feminin – von Edel bis Streetwear. Dabei rundet er seine Linie mit Basics ebenso wie mit passende Taschen und weiteren Accessoires ab. Gerade die kleinen Auflagen und die individuelle Produktion unterstreichen die Wertigkeit ebenso wie die Exklusivität mit jungem Charme und Verspieltheit.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Auf dem Flughafengelände Tempelhof fand im Januar im Rahmen der Berliner Modewoche die Messe Neonyt statt. Ausgerichtet auf ökologische Mode wurden, neben einer im Kraftwerk präsentierten Schau, viele kleine Veranstaltungen platziert, die sich um den gesamten Bereich von „nachhaltiger Mode“ drehten. Als erste Messe zu dieser Thematik in Deutschland in diesem neuen Jahrzehnt wollen wir eine Reihe zentraler Fragen in den Raum stellen und uns schrittweise möglichen Antworten annähern –  was erwarten wir in diesem Jahrzehnt von Mode in unserer Gesellschaft?

Die 20er Jahre des 21. Jahrhunderts haben begonnen (auch wenn über die Zählweise teilweise gestritten wird) – eine neue Dekade steht an – nicht nur von der Zählweise, sondern von einem generellen Wandel der Ausrichtung von Wertebilder und Strömungen. Das vergangene Jahr und auch Jahrzehnt hat einige grundlegende Sichtweisen und Ereignisse hervorgebracht, die einen Wandel in die Wege geleitet haben, Fragen aufgeworfen haben und Bewegungen initiierten.

Politisch war zu beobachten, dass zum Beispiel sich Populismus sich breit etabliert hat  und ein Spannungsfeld von Trennung und Integration in Europa bildete. Wirtschaftlich zeichneten sich die letzten Jahre durch ambivalente Entwicklungen aus. Produkte und Innovationen haben die Gesellschaft geprägt und verändert, wie man sich das vor zehn Jahren nicht hätte vorstellen können. Das Mobiltelefon in seiner ausgereiften Funktionalität ist zu einem prägenden Gegenstand von Milliarden von Menschen geworden und hat eine ganze Generation verschluckt und den Sprachgebrauch und die Art zu kommunizieren nachhaltig verändert. Ideologisch wurde das Individuum zum Konsumgut stilisiert und alles in einen kommerziellen Kontext gestellt, wie seit den 1980er Jahren nicht, einhergehend mit Konservatismen die auch von großen Teilen der Jugend getragen werden. Das Bewusstsein für „Gender“ hat sich weiter ausgeprägt, während der Feminismus eine komplette Generation junger Frauen verloren habe und auf der Stelle träte. Die letzten 10 Jahre waren durch große Designer geprägt, die gegangen sind und Lücken hinterlassen. Schnelle Mode breitet sich aus, mit immer mehr Kollektionen in Wochenrhythmen, zum Verbrauchen, in internationalen Konzernen für die Masse gemacht, zu unerträglichen Arbeitsbedingungen. Brennende und einstürzende Fabriken mit Hunderten von Toten und endlosem Leid und breiter Perspektivlosigkeit. Eine Perspektivlosigkeit, die sich in ungehemmtem Konsum zeigte und nach Überwindung schreit. Programmiert war die große Krise der Modeindustrie, die dann auch heute noch vielleicht nicht groß genug scheint.

Wurden unsere Erwartungen, nach Ausdruck, Sinnhaftigkeit und Entwicklung in den letzten Jahren erfüllt, oder nur Leere zelebriert? Eine ambivalente Jugend schreit nach Veränderung, polarisiert, bewirkt indes nur wenig – zum Beispiel an Freitagen, oder auch mal unter der Woche. Steine fliegen keine, vielleicht virtuelle – Hass und Spott im Netz. Die Körperlichkeit und das Bewusstsein für die eigene Sexualität haben sich durch das Smartphone und die allumfassende ungehemmte Verfügbarkeit von Pornographie verändert – „Sex sells“. Kommunikation reduziert sich, Schrift wandelt sich zu neuen Hieroglyphen auf dem Display – Satzfragmente werden per App ausgetauscht. Was will man heute noch mit Mode ausdrücken? Vielleicht die Zugehörigkeit zur Masse in der Illusion des Individuums? Wer zappelt bekommt eine Pille, die meisten jedenfalls, andere brechen aus wollen andere Wege gehen. Hatten wir alles schon. Die 1990er – noch radikal im kommunikativen Aufbruch, meist reduziert und dunkel gekleidet, Dekonstruktion. Nullerjahre und 10er – Stagnation und Verfestigung, doch was kommt jetzt?

Von der gefühlten Ausgangslage her zeigt sich, dass sich eine gewisse Differenzierung in der Sichtweise auf Konsum herauskristallisiert (hat). Gerade im Bereich der sich breiter aufstellenden ökologischen Mode kann man Klärung finden. Diese Klärung zeigt sich vor allem in einem Abgrenzungsprozess und einer Stärkung des Selbstverständnisses. Immer international agierende Marken sehen  sich einer zunehmenden Konsumverdrossenheit gegenüber – Modemacher, die nicht bereit sind Wachstumsziele des Kapitals zu erfüllen, wollen sich in die Nische von nachhaltiger Mode retten und diese kommerzialisieren. Der Markt frisst alles und tarnt sich gerne – der Wolf im Schafsfell – hier bezeichnet als Greenwashing – wird in den kommenden Jahren wohl entlarvt werden und die Modebranche weiter in eine Sinnkrise zwängen. Kreativ werden sicher nur kleine Marken überleben. Der Massenmarkt, schnell wie er ist, wird sicher weiter existieren, aber von Mode wird man nicht mehr sprechen können, da das sich kleidende Individuum zu einer Illusion wird.

Auf vielen der kleinen Veranstaltungen und Diskussionen der Kreativen auf der Messe wurde über die Ansätze der vergangenen Jahre hinausgehend klar, dass ökologische Mode mehr ist als schadstoffarme Textilien und auch mehr sein muss. Ökologische Mode reicht schlicht nicht aus. Auch fair produzierte Mode ist nur ein nicht weit genug reichender Ansatz. In noch stärkerem Masse wird der Begriff des Gemeinwohls ins Zentrum rücken, da hier mit einer dem Gemeinwohl „verträglichen“ Mode noch weitere, soziale Aspekte einbezogen werden können. Neben fair, ökologisch, nachhaltig kann auch der gesamte Bereich der emotionalen Ausrichtung und der emotionalen Bedürfnisse berücksichtigt werden, wie zum Beispiel die Interaktion mit anderen und das visuelle Ausdrücken dieses Bedürfnisses, dass eine andere Art zu wirtschaften als notwendig erachtet wird.

Hier werden in den kommenden Jahren die modischen Konfliktlinien zu finden sein und die Abgrenzung stattfinden (müssen). Wenn Gesellschaft Entwicklung (nicht aber Fortschritt) möchte, wird sich auch der Berich Mode diesen Fragestellungen intensiver widmen müssen. Verantwortung wird eingefordert werden, über die gesamten Produktionsketten hinweg. Die ersten Schritte in diese Richtung sind real zu sehen. Während in Frankreich schon konkrete Regelungen für größere Firmen eingeführt wurden, wird hier in Deutschland noch zaghaft diskutiert, fürchtend, die Wirtschaft bloß nicht zu sehr zu belasten. In der abstrakten Gesamtschau, ähnlich der Mobilitätskrise, wird diese Sinnkrise in der Mode neue Strukturen herausbilden müssen.

Der Reigen an Ausstellern, die in Berlin zu sehen waren und vor allem die Diskussionen, die geführt werden, zeigen, dass der Umbruch gerade beginnt.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Wie bereits bekannt, sind die Nebenprogramme des Hyères-Festivals eine kongeniale Ergänzung zu den reinen Modepräsentationen, zum Beispiel zeigen die Ausstellungen eher die Arbeit an den Schnittstellen zwischen freier Kunst und angewandter Gestaltung. Das entfernt sich nicht von den Nachwuchsdesignern, die sich, kurz nach Studienabschluss, auch noch mehr oder weniger an diesen Schnittstellen bewegen. Ein paar Zugänge zu den gezeigten Ausstellungen wollen wir hier vorstellen.

BETTINA RHEIMS – Sonderausstellung Fashion Projekte:

Über die Fotografin brauchen wir an dieser Stelle sicherlich nichts längst Bekanntes erzählen. Neben ihrer Ausstellung war sie selbst als Gast zum Publikumsgespräch geladen, wo sie unter anderem erzählte, dass sie, obwohl ihre Bilder dies suggerieren, nur wenig persönlichen Kontakt zu den abgebildeten Personen hat, auch beim Machen des Fotos selbst kaum. Ihre persönliche Nähe ist eher zum Projektkonzept, das sie im Vorfeld genau ausarbeitet und vorbereitet bzw. vorbereiten läßt.

Das mag zunächst irritieren, hat aber eine deutliche Entsprechung zur Modefotografie, der sie sich ja auch oft, wie in der Ausstellung zu sehen, auf die eine oder andere Weise genähert hat. Die Ausstellung als großer, bunter Panoptikumsmix belegt ein recht rasantes Themensurfing mit starken Akzenten, in dem dieses Projektdenken durchscheint und den eher oberflächlichen Moderezeptionen gelegentlich einen leichten Touch von Tiefgang beifügt. Motivmäßig erscheinen ihre Modestrecken allerdings inspirierter, als die eher strengen, konzentrierten Konzepte im Sinne zeitgenössischer Kunst.

LIFE STILL:

Mit den Grenzgängen zwischen angewandter Kunst bzw. Fotografie und freier Kunst bzw. Fotografie beschäftigt sich auch eine Ausstellung mit 10 Fotografen aus dem eher künstlerischen Bereich. Quasi als Wettbewerb deklariert hatten sie den Auftrag, 4 Bilder mit Accessoires eigener Wahl zu schaffen.Gedacht ist die Verbindung von Design und freier Kunst, indem der Stil des Fotografen – als ein Ideen- und Bildumfeld – Designstücke integriert. Damit wird der „Produktwerbeauftrag“ künstlerisch-kreativ besetzt. Die originell präsentierten Ergebnisse waren teilweise sehr verblüffend bis amüsant, darum stellen wir einen Teil der abfotografierten Exponate hier vor.

MARINA CHEDEL – A Raised Line That Moves Across the Surface:

Eine sehr kleine Installation des Versuches, den künstlerischen Leitgedanken zu forcieren, bis die praktische Funktion des Design- bzw. Modeobjektes zu verschwinden droht, findet sich von Marina Chedel, die im letzten Jahr den Grand Prix du jury Accessoires de mode Swarowski gewann. Natürliche Reliefs inspirieren sie offenbar stets, letztes Jahr die Schweizer Berge, dieses Jahr das Phänomen Welle. Bei Holz als Material bleibt sie trotzdem. Fein ausgeschnittene Streifen stützen den Schuh und machen den Schritt weich (offenbar doch noch praktisch gedacht). Hinzu kommt Neopren, verziert von Maison Montex. Auf vergleichbare Weise ist der Rucksack konzipiert, aber mit der Verbindung unter Wasser – letztlich will A Raised Line That Moves Across the Surface die Spannung vermitteln,die sich aus der Verbindung mit dem Wasser und dem Surfen darüber ergibt.

PIERRE MARIE – les Pyjamas de Pierre Marie

Für Insider ist Pierre Marie vielleicht ein bekannter Name, denn er zeichnet Dekors u. a. für agnes b, A.P.C., Chloé, Sonia Rykiel und schon seit zehn Jahren für Hermès. Ein eigenes Projekt beschäftigt sich mit dem Bestiarium von Tierkreisen der Astrologie, sowie den dekorativen Elementen, die sie umgeben. Verschiedene Kulturkreise haben sich damit auch künstlerisch beschäftigt. Daraus entwickelt er sich wiederholende Muster, die auf dem Körper getragen werden sollen, um die Beziehung dazu herzustellen. Bestes Kleidungsstück dafür ist der Pyjama, den der Künstler in einem schlichten und gleichbleibenden Schnitt gehalten hat, der aber jeweils aus verschiedenen edlen Stoffen angefertigt ist. In der Präsentation rotieren nun alle diese pittoresken Pyjamas in einem großen Kreis von oben, quasi eine Einladung an den Betrachter, sich träumend in himmlische Sphären zu begeben.

CHRISTELLE KOCHER, MAISON LEMARIÉ – Les Univers de Lemarié:

Eine Schau des Hauses Chanel ehrt die unglaublichen Künste des Maison Lemarié. Das war 1880 als kleine Werkstatt entstanden im Zuge des Kultes, Kopfbedeckungen raffiniert mit Federn zu schmücken und auch Cabarets mit Boas auszustatten (was allerdings auch unzählige Vögel das Leben kostete). Allein dreihundert „plumassiers“ gab es in diesen verrückten Zeiten in Paris. Mit wachsender Reputation erweiterte das Haus sein Angebot auf feinste Arbeit mit Blüten, ab 1960 arbeitete es bereits für Chanel mit handwerklich und künstlerisch höchst anspruchsvollen Herausforderungen. Seit 1996 liierte sich das Unternehmen mit Chanel’s Métier d’Art, was die kreative Reputation noch einmal steigerte und dann zum steten Begleiter der jährlich 10 Kollektionen Karl Lagerfelds machte. Führend im Anspruch des Hauses ist mittlerweile die französische Designerin Christelle Kocher, die seit 2010 Artdirektorin ist.

Die Ausstellung der Arbeitsbeispiele ist enorm vielfältig und absolut atemberaubend. Unsere Fotos von den Exponaten können leider nur eine Ahnung vermitteln, was da an kreativer Raffinesse und Perfektion gezeigt wurde:

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die diesjährige Leistungsschau des Studiengangs zum Modedesign in Basel wurde unter den Begriff
LOOK THERAPY gestellt. In einer komplex konzipierten Performance zeigten die Studenten am 18. März ihre finalen Kreationen.
In einem industriellen Hallenbau fand die diesjährige Schau des Institut Mode-Design der Hochschule für Gestaltung und Kunst, genauer zugehörig zur Fachhochschule Nordwestschweiz statt. Der Begriff Modenschau greift aber wie auch in den vergangenen Jahren etwas kurz, auch wenn mit dem Schlagwort, oder Anglizismus „Look“ die visuelle Wahrnehmung oder auch Darstellung titulierend war. Weiße Linien, in stringent formellem Muster teilten den Raum neben drei bühnenartigen Plattformen, die deutlich erhöht waren. Eine weitere Trennung zwischen Publikumsraum und Bühne fand nicht statt, wurde aber durch Personen, welche wie „Eisbrecher“ sich auf diesen Linien durch das im gesamten Hallenbereich verteilten Publikum fragmentiert, um Laufwege für die Modelle durch das Publikum zu schaffen. Von oben betrachtet hätte die Installation grafisch sicher wie eine Konzeptstudie von Kandinsky zu seinem Klassiker „Punkt und Linie zu Fläche“ gewirkt.

Die vorgefundene Gesamtkonzeption hat es wohl auch bewusst dem Publikum erschwert, einen distanzierteren Gesamtblick auf die Entwürfe und das Geschehen zu bekommen. Vielmehr bleibt der „Look“ auf die Mode, also der Blick ebenfalls fragmentiert in der Wahrnehmung.
Einige der Studentinnen und Studenten, haben dann diese Aspekte schön in ihren Kreationen wiederfinden lassen, diese geradezu den Betrachtern angeboten. Neben der Einbettung in diesen groben konzeptionellen Rahmen, blieben aber viele Abschlussarbeiten sehr konträr und individuell losgelöst. Vergleiche zwischen den jeweiligen Studierenden verbieten sich aber eigentlich, da die Unterschiede und Ausrichtungen zu groß sind und Anlehnungen an bestehende Kollektionen anderer Designer sich nicht für Kritik eignen.
Einige auffällige und interessante Konzepte sollten aber genannt werden. Da war zum Beispiel Félicie Pythoud mit schönen massiven Silhouetten und vertikalen Brüchen, oder Timon Imveldt mit interessanten Interpretationen zeitgenössischer Männermode, während Barbara Muff oder Karin Meier weibliche Aspekte ansprechend aufgegriffen haben.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Patrik Gerber

Der Elite Model Look (EML) 2015 war wieder eine angenehme Veranstaltung in Zürich, die sowohl das Potential des Nachwuchs in der Schweizer Branche zeigte, als auch, dass solche Veranstaltungen immer noch Zugkraft haben und auch noch Berechtigung.

Unter den Kandidaten konnten zuletzt  Michelle Muff und Benjamin Aston die Juroren bei der Entscheidungsfindung überzeugen. In den vergangenen Jahren haben zahlreiche Modelle aus der Schweiz, die dieser „Wettbewerb“ hervorgebracht hat national, wie auch international Fuß fassen können und beachtliche Erfolge und Karrieren einschlagen können. Erfreulich und eine wirkliche Bereicherung ist, dass der seit 1983 bestehende Wettbewerb auch für Männer immer offener und attraktiver geworden ist. Für das Publikum hat sich indes an dem Konzept wenig geändert, bleibt dieses sich doch mehr oder weniger treu.

Den beiden diesjährigen Gewinnern wünschen wir weiterhin viel Erfolg und erste interessante Einblicke in den Beruf als Model. Hier Impressionen von den Protagonisten und Gewinnern, als auch Blicke hinter die Kulissen vor und nach der Schau, wie auch selbstverständlich von selbiger.

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FASH-Award 2015
im Neuen Museum Berlin

Bilder: Marcello Rubini
Text: Gerhard Paproth

Dass die Deutsche Bekleidungsindustrie sich die Nachwuchsförderung auf die Fahnen geschrieben hat, ist eigentlich ein marktwirtschaftlich sinnvolles Anliegen und sie hat darum eigens eine Stiftung dafür ins Leben gerufen, die seit nunmehr 10 Jahren Preise auslobt. Früher eher im Stillen, jetzt auch publikumswirksam – und dieses Jahr sogar mit weltweiter Ausschreibung. „Hohes handwerkliches und kreatives Niveau“ sind gefordert, „erkennbare Persönlichkeit“ und vieles mehr, weil (oder obwohl?) Mode jetzt als Teil der Unterhaltungsindustrie zu betrachten sei. Das Konzept müssen die Kandidaten auch verbal verteidigen, das ist nicht nur erkenntnisbringend bei der Einschätzung der Gestalterpersönlichkeit, sondern belegt auch geistige und konzeptuelle Klarheit.

Als zweiter Schritt konstruktiver Talentförderung ist eine ist eine ergänzende Talentbörse in München anvisiert.
Zu gewinnende Geldpreise (insgesamt 80.000 Euro) liegen zwischen 1000 und 2000 Euro, es gibt aber auch welche für 10.000 und dieses Jahr einen besonderen Preis, nämlich ein Praktikum bei Puma, den Julia Kleeblatt (wegen „außergewöhnlicher Gestaltung“) mit einer (vergleichsweise!) farbenfrohen und frischen Kollektion gewonnen hat.

Alle anderen Preisträger, die ihre Einreichungen ausgestellt haben, waren in der Farbenwahl dagegen zurückhaltend bis negierend.

Inmitten ägyptischer Reliefs über Kampf und Chaos präsentierten fünf Preisträger/innen (vorwiegend Studenten) ihre Gestaltungskonzepte:
Tomasz Szadel („PXL“) mit melierten (oder bedruckten) Stoffen in schwarz und weiß bzw. grau, die zumeist kontrastierend kombiniert wurden, woraus sich harmonische, aber durchaus lebendige Wechselspiele ergaben. Der Name der Kollektion „PXL“ scheint die Liebe zum Computerentwurf zu verraten, was aber hier keine zwingende Wahrnehmungskomponente sein muss. Die so entstehenden Grauwerte werden dann auch gegen monochromes Grau gesetzt oder Uni-Schwarz in sich durch aufgelöste Oberfläche verlebendigt. Ein überzeugendes Konzept im künstlerischen Experiment, wirkungsvoll und zurückhaltend in der differenzierenden Wirkung. Schlicht, klar, männlich.

Kai Gerhardt („The Black Rectangle“) stellt ebenfalls Ideen für Männerkleidung vor, allerdings komplett schwarz und ziemlich verschlossen. Wir fühlten uns sofort an Mönche und Düstermänner des Mittelalters erinnert, Kutten, Talare, Überwürfe, Kleidung, die Kindern Angst macht und Erwachsene auf Distanz hält. Konzeptuell sind die Sachen konsequent variiert, immerhin verzichtet der Designer auf Kapuzen und ähnlichen Schnickschnack dazu, so dass der Dunkelmann-Touch auf den zweiten Blick noch auf geschmacksbewusstem Niveau daherkommt.

Auch Lilly Bosse („wie fühlt sich die Spinne auf dem Herrenklo?“) hat sich ebenfalls vorwiegend schwarzer Männerkleidung verschrieben. Die streng geschnittenen Sachen werden allerdings durch kleine, eher verspielte Elemente etwas aufgebrochen, die Augen aber werden möglichst irgendwie verdeckt. Auch hier ein Versuch, die menschliche Distanz zugunsten eines etwas mythischen Auftritts herauszustellen.

Ulf Michael Brauner nutzt Assoziatives aus Nordafrika und Wüstenambiente. Er nutzt sehr gedeckte Farben, schwarzes Kopftuch, Kapuzen und ponchoartige Überwürfe, sowie vor zu starkem Licht schützende Sonnencaps. Neben den aufgetragenen Patterns, die an Pixelwelten erinnern, sind die farbigen, eher großflächigen Muster wieder streng und klar. Vorwiegend Männerkleidung wieder, getoppt von provokativ-grauenvollem Schuhwerk aus groben, braunen Ökofasern und grob besticktem Stoff.

Einziger Farbtupfer in der Mannequingesellschaft sind die Kleidungsstücke von Julia Kleeblatt, drei Grundfarben und Schwarz bzw. Anthrazit, in Verwaschungen die monochrome Wirkung changierend und die Farbkraft relativierend. Die Schnitte sind von Kittel-Design abgeleitet, das mit diversen Veränderungen und Variationen überall deutlich bleibt.

Abgesehen von Neigungen zu Unisex-Schnitten haben sich alle fünf Preisträger/innen auf Männermode konzentriert und liefern damit eine neue Sicht auf Männer und Männlichkeit der jungen Generation. Auffällig waren die religiös inspirierten Versatzstücke, wenn auch eher spielerisch, schwarz-dunkle Farbgebung, die die Träger hier zu Dunkelmännern macht, streng geometrische Schnitte, die zugleich auch auf computergenerierte Experimente schließen lassen. Von „gesellschaftlichen Utopien“ war in der Eröffnungsansprache die Rede und dem „Ausbruch aus der Gesellschaft“. Wenn man die sehr stimmig gemachten Kollektionen der Preisträger unter diesem Aspekt reflektiert, spielen Anmut, Lust am lockeren Spiel, Lebensfreude und Schönheit keine nennenswerte Rolle. (Da war selbst Punk vergleichsweise verspielt und lustvoll.) Und selbst wenn man den Protagonisten keine betonte gesellschaftskritische Position unterstellen will oder kann, ergibt sich aus diesem Bild dann doch ein durchaus interessanter Standpunkt.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Auch im 2015 war es wieder in Basel an der Zeit, dass Absolventen der Hochschule für Gestaltung und Kunst der Fachhochschule Nordwestschweiz – kurz eben HGK – ihre Arbeiten dem Publikum präsentieren (unter dem Schlagwort doing fashion).

Neu allerdings war, dass die Werke nicht wie bisher auf dem Kasernenareal am Rhein in Form einer Modenschau gezeigt wurden, sondern außerhalb der Innenstadt in einer Industriehalle. Im Zentrum der ARFA-Halle wurde für das Publikum eine pyramidenförmige Tribüne aufgebaut (nebst einem Installations-Bereich), von welcher aus die Schau zu sehen war. Dabei liefen die Modelle, teilweise choreographiert um diesen Block, teilweise aber auch über Treppen auf der Tribüne. Choreografien mögen den Vorteil haben, dass ein Publikum unterhalten werden kann, brachten aber auch bei dieser Schau wieder mit sich, dass einzelne Absolventen in der Präsentation ihrer Werke untergegangen sind. Insgesamt lag der Schwerpunkt auf den Bachelor Absolventen. Das geschätzte Diplom aus Basel in Sachen Mode hat damit endgültig ausgedient und ist jetzt „globalisiert“ verlustig gegangen. Insgesamt wurden 21 Absolventen dezidiert in der Schau mit Namensnennung gezeigt. Im Anschluss wurde dem Publikum noch ein Block mit dem Titel „MA Graduates“ und wenigen einzelnen Looks gezeigt, der recht überflüssig war und auch nicht viel an Zuordnung mit sich gebracht hat.

Modisch war diese Sammlung an einzelnen Visionen von Mode recht inhomogen und hatte wenig mit der Gradlinigkeit und Strukturiertheit vieler junger Designer zu tun, welche wir bei gleichem Anlass in den vergangenen Jahren in Basel haben kennen lernen dürfen. Sehr vieles ist schrill, experimentell und oft gelingt nicht die Verbindung von Kreativität und Funktionalität, die einem konkreten Produktgedanken gerecht werden würde. Stattdessen hat der Humor etwas mehr Einzug gehalten. Der Fairness halber werden wir nicht auf die einzelnen Designer eingehen sondern nur Werke von jenen hier nach einigen Impressionen zeigen.

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Angela Thurnherr

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Arabella Miller

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Chantal Brogini

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Delia Matthäus

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Elena Hoffmeyer

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Isabelle Hunziker

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Isabelle Meyer

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Julia Zwahlen

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Laura Margna

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Lisa Rechsteiner

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Luca Xavier Tanner

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Manuela Thüler

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Marco Zwick

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Martina Sulka

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Nadine Michelle Scherer

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Noëmi Weber

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Olena Caduff

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Rebecca Ammann

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Romanin Sochon

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Ugo Pecoraio

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Yvonne Siegenthaler

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In der L’Oréal Professionnel Académie Berlin

Text: Gerhard Paproth
Bilder: Marcello Rubini

Die Looktests im Vorfeld des Catwalk sind quasi eine interne Veranstaltung der neben den Modeschöpfern doch so wichtigen, aber zu selten erwähnten Designer der Modeschauen, nämlich der Friseure und Make-Up-Artisten – dabei hängt von Ihnen durchaus das Wohl und Wehe, die Gesamtwirkung der vorgeführten Kleidung und Accessoires ab. Hier erlebt man, im Atelier von L’Oréal Professionnel, wie aufregende Kreationen entstehen oder schlichte, aber wirkungsvolle Frisuren und Make-Ups den Geist der gezeigten Kleidung ergänzen und reflektieren und wie Modedesigner gemeinsam mit fantasievollen, einfühlsamen und handwerklich perfekten Visagisten und Hair-Designern die Vorführung der Kleidermode in ein wirkungsvolles Ganzes transferieren. Nach wie vor sind André Märtens (Hair) und Boris Entrup (Visagistik) die verantwortlichen Köpfe der Gestaltungskonzeptionen und der großen Teams im Backstage.

Für uns sind die Looktests jede Saison die beste Einstimmung auf die bevorstehenden Schauen.

Wir treffen meistens die Modeschöpfer selber an – nur wer sein Domizil weit entfernt hat wie zum Beispiel Lena Hoschek, schickt instruierte Stellvertreter. Letztere wünscht ja meistens recht radikale Schminkvarianten, wie auch dieses Jahr, was sich dann in der Hoschek-Schau selbst aber stets weniger offensiv einpasst als befürchtet.

Wir trafen dieses Jahr Anne Gorke, die ja nun schon zum 5. Male und mit wachsendem Erfolg dabei ist und die nicht ohne Stolz Gestaltungskompetenz „aus der Provinz“ vertritt. Anne Gorke ist jung und sehr lebendig im Auftreten, sie versprüht Lebenslust und gleichzeitig den Eindruck, zu sich selbst gefunden zu haben.

Sie steht zu den Wurzeln und Einflüssen aus ihrer Heimatstadt Weimar und hat mit der kommenden Schau auch konkret auf Bauhausästhetik und –gedanken Bezug genommen. Enger Kontakt mit Produktdesignstudenten ihrer Generation dort führt zu gemeinsamen Projekten und befruchtet in Gruppen und Teams die ästhetischen Vorstellungen, die sich der bauhaus-Schule verbunden fühlen.

Die kommende Kollektion beschreibt Anne Gorke nun als „systematischer“, d.h. klare Linien, geometrische Konstellationen, besonders in Farben und Texturen, und insbesondere eine „ästhetische Ruhe“ finden nun eine orientierende Prägung.

Der Leitgedanke dahinter ist aber nicht so formal, wie sich das anhört, sondern ist der Entwurf von „Kleidern, mit denen man durch den Tag kommt“. Kleider für Frauen, die das Leben anpacken, frisch, handfest und aktiv, Frauen, die dabei gleichzeitig eine mühelose Weiblichkeit verkörpern. Witz und Leichtigkeit zeichnet sie aus und auch Unkompliziertheit im Erscheinungsbild. Entsprechend einfach ist die zugewiesene Bob-Frisur, die nicht „frisiert“ daherkommt, sondern sich in momentanen Zuständen präsentiert  und ein Make-Up, das einerseits zurückgehaltene Akzentuierung und Gorkes „Yo Madame“ repräsentiert und zugleich an den Augenrändern etwas Glitzer aufträgt.

Provinz, behauptet Anne Gorke, ist spannender als die Stadt. Die Provinz-Stadt Weimar selbst hat dies in seiner Geschichte ja auf verschiedenste Weise immer wieder überzeugend in den Kulturraum gestellt und der große Zuspruch, den Anne Gorkes Gestaltungskonzept findet, unterstreicht das Statement für die Gegenwart. Berlin darf also gespannt sein.

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Text: Ann La Croix

Bilder: Boris Marberg

Das Schweizer Designer Duo RS Hader präsentierte im Rahmen der Zürich Fashion Days. Die Veranstaltung ist nahezu vollständig auf ein Endkundenpublikum ausgerichtet, wie wir schon mehrfach mitgeteilt haben.

Entsprechend dieser konzeptionellen Ausrichtung hat sich das Label wohl dazu entschieden keine neue Kollektion zu präsentieren, sondern einen Ausschnitt aus der aktuellen Herbst- und Winterkollektion AW14, welche unter dem Titel „Castles“ daherkommt. Diese Kollektion haben wir im Frühjahr bereist im Rahmen der anderen Modeveranstaltung in der Schweiz, der Modesuisse gesehen, welche auf ein Fachpublikum ausgerichtet ist und oft den Hauch von einem elitären Zirkel in der Szene hat. Einen Abbruch tut es indes nicht, dass die Chance genutzt wurde, diese Kollektion nochmals einem interessierten Publikum zu zeigen auch wenn dies eine inhaltliche Auseinandersetzung mit der selbigen an dieser Stelle erübrigt.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Patrik Gerber

Vier Tage lang fand in Zürich die Mercedes-Benz Fashion Days statt. Neben zahlreichen Modenschauen von internationalen Gastdesignern, Label aus der Schweiz wurde auch im Foyer des „Schiffbau“ ein Showroom eingerichtet. Während auf dem Laufsteg feine Mode Endkunden und Fachpublikum gezeigt wurden, waren unzählige Akteure hinter den Kulissen damit beschäftigt, damit die Veranstaltung gelingen konnte. Hier möchten wir Euch ein paar Impressionen von hinter den Kulissen und dem Drumherum zeigen.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Im Zeitraum vom 3. bis zum 5. Oktober fand wieder die Fashionweek in der West-Ukrainischen Metropole Lviv satt und es bot sich die Gelegenheit rund zwanzig Kollektionen zu sehen, welche entweder als Modeschauen oder als reine Präsentationen gezeigt wurden.

Dieser allgemeine Bericht basiert auf dem Besuch dieser Schauen und Präsentationen, als auch auf einer Vielzahl von Hintergrundgesprächen mit Designern, den Veranstaltern und der regionalen wie auch nationalen Fachpresse. Über die Kollektionen werden wir, wie auch in den vergangenen Jahren jeweils separat in eigenständigen Artikeln berichten und hierzu auch die vielfältigen Informationen einfließen lassen, die wir aus jenen gewinnen konnten. Lviv (auf Deutsch Lemberg), liegt nur wenige Stunden auf der Autobahn von der polnischen Grenze entfernt und ist trotz Randlage in der Ukraine oft als Herz und Seele der Nation bezeichnet worden und in Bezug auf die ukrainische Sprache das kulturelle Zentrum. Gerade in diesen Monaten strahlt die Stadt sowohl eine gewisse Ruhe als auch einen grossen politischen und kulturellen Einfluss aus.
Nachdem die letzte Fashionweek in Lemberg im Mai stattfand und wegen der revolutionären Umbrüche im Frühjahr um knapp einen Monat verschoben wurde, muss man diese Saison unter sehr konträren Gesichtspunkten betrachten. Bereits im Vorfeld wurde Vorort unter den Organisatoren und Designern sehr intensiv diskutiert, ob man angesichts eines „Frozen Conflict“ im Osten des Landes mit bürgerkriegsähnlichen Zuständen, offenem Terror gegen die Zivilbevölkerung und einem Wirtschaftskrieg mit Russland überhaupt eine Fashionweek ausrichten solle. Viele Argumente sprachen gegen die Ausrichtung der Veranstaltung. Das Spektrum geht hierbei von wirtschaftlichen Argumenten, über technische und logistische Aspekte hin zu einer sehr kritischen Haltung in Teilen der Bevölkerung. Teilweise waren die Organisatoren auch mit offener Ablehnung und Protest konfrontiert. Dies ist durchaus nachvollziehbar und auch in der Begründung konsistent, wenn man sich den gesellschaftlichen Status von Mode in der Ukraine in den vergangenen Jahren vor Auge führt. Hochwertige Mode, importiert, wie auch lokal und regional produziert ist ein Statussymbol, welches für Wohlstand steht und auch entsprechend instrumentalisiert und genutzt wird. Wohlhabende Kreise nuten Luxusgüter, die teilweise sehr offen und demonstrativ gezeigt werden um sich von der „normalen“ Bevölkerung abzugrenzen. Entsprechend gibt es einen recht dominanten Markt für Mode, die diesem repräsentativen Luxusbedürfnis zuarbeitet. Eine Kultur der Mode als Kunstform um Emotionalität auszudrücken oder die aktuelle gesellschaftliche und politische Situation zu thematisieren ist deutlich weniger stark ausgeprägt als in westlichen europäischen Ländern. Entsprechend besteht viel Potential für Konflikte innerhalb der Branche, die teilweise zu grotesken Situationen bei Präsentationen führte. So präsentierte zum Beispiel das Label TATA KALITA in einer On-Model Präsentation im Rahmen des Veranstaltungsformates Le Box mit einer sehr emotionalen und bewegenden Ansprach durch die Designerin. Diese Kollektion ist von den aktuellen politischen Umwälzungen und dem offenen Leid im Osten des Landes inspiriert gewesen und sollte die Gefühle der Designerin ausdrücken. Leider konnte das lokale Publikum keine Empathie zu der Designerin und ihren Entwürfen aufbauen. Während diese noch in Tränen neben ihren Entwürfen stand, posierte das Publikum schon neben diesen Entwürfen für egozentrische Selbstbildnisse, (neudeutsch) Selfis um diese sogleich im Internet zu zeigen. Dies führte bei anderen Gästen zu Ärger und Frustration und bestätigte dieses Verhalten doch die Argumentation derjenigen, welche sich gegen die Durchführung dieser Fashionweek ausgesprochen hatten. Dies ist Wasser auf die Mühlen Kritiker, welche insgesamt angesichts der politischen und wirtschaftlichen Lage einem Publikum sehr ablehnend gegenüberstehen, die nur auf ihre Selbstdarstellung ausgerichtet sind.

TATA KALITA

Auf der anderen Seite ist die Fashion Week in Lviv die einzige Plattform gerade für junge Designer und Labels ihre Produkte überhaupt einem Publikum und der Fachpresse zu zeigen. Gerade um diesen Designer eine Möglichkeit zu bieten, hatte man sich dennoch dafür ausgesprochen, die Veranstaltungsreihe durchzuführen. Hier lag auch der Schwerpunkt, während nahezu alle etablierten Designer aus der Stadt, die auch international am Markt präsent sind fernblieben oder nur Konzeptstudien zeigten, die weit unter dem gewohnten Niveau geblieben sind. Die Veranstaltungen waren weitestgehende der Öffentlichkeit zugänglich, ohne Eintritt, oder wenn dann würden die Eintrittspreise für karitative Zwecke verwendet.

OZON

Ohne Frage stellt diese Saison die Branche in der Ukraine vor enorme Herausforderungen und ist eine Zession für den Veranstaltungsort in Lviv. So konnte nur in sehr bescheidenem Umfang das sonstige Publikum erreicht werden. Das nationale Fachpublikum und die Presse waren nur vereinzelt vertreten und internationale Presse und Fachpublikum fehlten völlig. Nur ein einziges Label aus dem Ausland – Halyna Sanko aus Weissrussland – fand sich im Programm wider. Teilweise ist diese der aktuellen Situation geschuldet. Die Erwartung einer repräsentativen internationalen Berichterstattung und einer nachhaltigen Aufwertung und einem Mehrwert für die Stadt, die Veranstaltung und die regionalen Designer zu erwirken haben sich leider nicht erfüllt. Dabei hat die Stadt, das Land, die lokalen Labels und vor allem die Menschen in Lviv sehr viel zu bieten – ihre Emotionalität und Gastfreundschaft ebenso wie ihren aktuellen Drang zu Wandel und Neuausrichtung der Politik und Gesellschaft. Auch wenn die Zukunft im Moment unklar ist und viele Unsicherheiten bereithält wünscht man sich für die Menschen der Ukraine nichts sehnlicher als Einheit, Friede und selbstbestimmte Entwicklung. Unter diesen Prämissen werden die kommenden Monate im Allgemeinen in der Ukraine und in Lviv sehr spannend.

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Text: Ann LaCroix & Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg

In den ersten Septembertagen, wenn gerade der große Kreislauf der Modewoche sich anschickt in Fahrt zu kommen, zeigten auch im Rahmen des Projektes Mode Suisse wieder einige Designer aus der Schweiz in Zürich Einblicke in ihr aktuelles Schaffen und die kommenden Kollektionen.

Namentlich waren folgende Designer wieder am Start: Adrian Reber, Bibi Bachtadze, Dominic Knecht, DYL. enSoie, Griesbach, Julian Zigerli, Khourianbeer, Lyn Lingerie, Marc Stone, Sandro Marzo. Konzeptionel ist man wie in den vergangenen jetzt schon rund drei Jahren der Kombination aus Showroom und kompakter Modenschau. Während im Frühjahr noch die Veranstaltung geräumig im trendigen Zürich West stattgefunden hat, wurde die Schau dieses Mal in die Innenstadt in Toplage verlegt. Auffällig war sofort, dass in beengterem Raum, zwar weiterhin sehr offen und familiär gezeigt wurde – aber auch wesentlich weniger Designer an der Schau teilgenommen haben. Außen vor lassen wir, um das gleich anzumerken Julian Zigerli – über dessen neue Kollektion wir schon ausführlich berichtet haben – und Marc Stone, da diese quasi außer Konkurrenz laufen und ihre Großen zentralen Schauen nicht mehr in der Schweiz platzieren.

Zur Voreinstimmung geben wir eine kurze Übersicht von jeweils einzelne Looks von Designer, welche auf der Schau präsentiert haben und werden jeweils mit etwas Abstand dann noch separat und individuell berichten.

en Soie

Sandro Marzo

Bibi Bachtadze

Dominic Knecht

Adrian Reber

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MBFW SS2015

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

(redaktioneller Hinweis: Bilder zu dem Looks aus den Kollektionen im Text eingebunden)

Ursprünglich eine interessanter Einrichtung, weil sie Newcomern und Übersehenen eine Chance an reizvoller Location (Heeresbäckerei) bietet, erweist sich der Showfloor mittlerweile als ein Überraschungspaket auch mit vielen Enttäuschungen.

Geduldig besuchten wir eine Reihe von Shows, von denen es nicht wenigen an der entsprechenden Designersorgfalt fehlte. Angefangen mit einer Stammtruppe recht unerfahrener, blasser und steifer Models, die mit manchen Kollektionen und Outfits deutlich überfordert waren, zu großes oder ungeeignetes Schuhwerk tragen mussten, ungeeignete Unterwäsche mit herauslugendem Waschzettel unter transparentem Top trugen, schlechte Visagistik auf unbeweglichen Minen trugen und zum Teil auch nicht mit den Größen der Kollektionsteilen korrespondierten. Handwerkliche Schwächen im Schnitt, mangelnde Souveränität bei der Farbauswahl und ungeschickte Auswahl der zu präsentierenden Teile bei vielen Designern mögen vielleicht mit dem Bonus fehlender Erfahrung entschuldigt werden, das wollen wir aber nur dann, wenn die Kollektion ein gewisses Etwas zu bieten hat, das zukunftsträchtig oder einfach nur spannend angelegt ist.

Besonders der letzte Tag hatte dann auch schwindende Gäste- und Pressepräsenz.

An dem haben wir zum Beispiel extrem brave bis spießige Schauen gesehen wie die von OLEANA, angelehnt an Blutsgeschwister-Style, mit stets wiederkehrendem Blümchenmuster, manchmal etwas folklorisierend, Ton in Ton auf konventionellen Schnitten, aber mit Söckchen in glänzenden High Heels – Outfits für Mauerblümchen, die mal einen Clubbesuch mit der Freundin auf dem Land riskieren und garantiert unbeschadet wieder nach Hause kommen wollen.

IGUNN BIRKELAND setzte auf Schaueffekte mit farbigem, zum Teil leuchtendem Tüll, die nicht recht funktionieren wollten. Die teilweise banalen Schnitte saßen oft nicht gut – besonders bei Bewegung – es gab da aber Ausnahmen. Schön waren die Stoffe, die diagonal aus breiten Glanzstoffbändern farbig kontrastierend zusammengewebt waren, das wirkte an sich schon sehr frisch und lebendig und die entsprechenden Kollektionsteile waren in der Form auch passend angelegt. Als Idee sehr hübsch, aber das führt dann doch nicht weit.

Bei EPILOGUE sahen wir schöne und empfindliche Stoffe mit durchgehend sehr zurückhaltender Farbgebung (z.B. Flieder mit Weiß), aber leider funktionierten viele Schnitte nicht wirklich, ungeeignetes Schuhwerk und sich gelegentlich hart durchdrückende Unterwäsche ruinierten bedauerlicherweise den Effekt schlichter Zartheit.

MARIETTE aus Norwegen zeigte abschließend eine Kollektion, die sehr sexy war. Gute Clubwear. Die effektreichen Kontraste aus großen Flächen Türkis und Schwarz waren sehr wirkungsvoll gemacht und die Schnitte der körperbetonten Teile wirklich überzeugend. Besonders eindrucksvoll waren die betonten goldenen Reißverschlüsse auf den schwarzen Rückteilen und die eng geschnittenen Hosen und Röcke bzw. Kleider. Weniger überzeugend waren die erdfarbenen Outfits, die Ton-in-Ton angelegt waren und eher einer zurückgenommenen Herbstkollektion zu entstammen schienen. Viel Transparenz war zu sehen, sowohl bei pfiffigen Tops als auch bei weit wehenden Negligés, mit denen die meisten Modelle echt überfordert schienen. Hier stellte sich die Frage des „Was-trägt-man-darunter?“ oft drängend, sogar wenn offenkundig diese Teile mehr für den Hausgebrauch als für den öffentlichen Auftritt gedacht waren. Solche Kleidung bedarf halt guter und subtiler Überlegungen für eine gelungene Vorführung, was wir hier aber leider nicht erlebten.

Begeistert waren wir von der Schau von BLAEST by Lilleboe. Sie war ausschließlich auf das schwierige Thema Regenkleidung konzentriert. Alle Teile der Kollektion waren nicht nur einfallsreich und umfassend, sondern auch durchweg praktisch, pfiffig, jung und sehr optimistisch. Sehr gut im Alltag tragbar und rundum stimmig. Die Modelle führten außerdem die Kollektion gut gelaunt vor – eine Seltenheit bei Schauen in Berlin. Der farbenfrohe und gestalterisch ideenreiche Umgang mit Regenkleidung überzeugte bei jedem Teil dieser sorgfältig durchkonzipierten Kollektion: sogar die Gummistiefel waren reizvoll gemacht, die Schirme passten zu den Outfits, nützliche und zugleich gut aussehende Kopfbedeckungen wurden dafür gefertigt, leicht fallende, aber regenfeste Stoffe in frischer Farbgebung und pfiffig abgestimmte Muster verschafften gute Laune, die man danach mit in den Berliner Sommerregen nahm, der uns draußen dann tatsächlich erwartete.

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In der Académie L’Oréal Professional Berlin

Text: Gerhard Paproth
Bilder: Marcello Rubini

Diese Saison halten die Designer sich besonders bedeckt, was die Äußerungen zu ihrer bevorstehenden Kollektion in der Schau betrifft und oft darf nicht einmal die Frisur oder das Make-Up vorher verraten bzw. gezeigt werden. So bei z.B. bei Lena Hoschek, die dieses Mal eine recht aufwändiges Frisuren-Konzept auf den Laufsteg bringt, auch der sonst sehr offene Guido Maria Kretschmer spricht von einer Überraschung.
Ein Trend, so wie wir ihn ausmachen konnten, geht hin zu entspannteren Looks, weg von den Wellen, wie zum Beispiel bei Kretschmer. Dennoch muten die Frisuren etwas aristokratischer an bei ihm. Haarkünstler André Märtens hatte ihm vier Looks angeboten, der gewählte wirkt zwar eher schlicht in der Machart, unsere Beobachtungen zeigten aber, dass gerade das sich als ein außerordentlich kompliziert zu bewerkstelligendes Konzept erweist (s. Bilder). Allerdings ist André Märtens auch ein Perfektionist, der auch dem schlichtesten Look höchste Perfektion abverlangt.
Gerade zu Sommerkollektionen wird das Gesicht von Haaren befreit und die Frisur bedarf größerer Stabilität. Sogar der klassische Pferdeschwanz wird mit Raffinesse gebaut.

Auch bei Michael Sontag sehen wir eine scheinbar schlichte Variante, die bei genauerem Hinsehen aber einen relativ ausgeklügelten Haarverlauf im Verhältnis der Seiten zum hinteren Abschnitt zeigt. Mit Hilfe der geeigneten L’Oréal Professional – Produkte entsteht so streng strukturierter und schimmernder Wet-Look.

Die dem Konzept zugrunde liegende Kollektion von Michael Sontag wird eine sommerlich anmutende Weiterentwicklung seines bewährten Gestaltungsstils sein, mit den beliebten fließenden Silhouetten. Hinzugekommen sind jetzt Experimente mit Stretching-Materialien, die zu neuen Formgebungen führen und auch solche mit Seiden-Strick, die die Materialität und die Haptik der Erscheinung akzentuieren. Nach wie vor steht freilich der stimmig gestaltete Gesamtauftritt im Businessalltag im Vordergrund, wie er besonders von Frauen aus den Kreativbranchen geschätzt wird.

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Text: Gerhard Paproth

Fotos: Marcello Rubini

Die German Press Days haben eine Funktion, die sich meines Verständnisses mehr oder weniger entzieht. Denn die Showrooms sind ja immer da und die PR-Mitarbeiter sind immer nett. Aber ich gebe zu, sonst mache ich nicht eine Tour, wo ich mehrere PR-Agenturen nacheinander aufsuche, um interessante Mode aufzuspüren. Überhaupt sind das ja nicht die ersten Adressen, an die man denkt. Aber es lohnt sich schon, man sieht ganze Kollektionen, kann die Stoffe anfassen, in normalem Licht betrachten und bekommt zumeist sachdienliche Erläuterungen. Und man entdeckt wirklich spannende Sachen, die sonst auf Shows z.B. nicht vertreten sind.

Mit der PR-Agentur SILK RELATIONS sind viele Modeschöpfer des aufstrebenden und auch schon etablierten Segments vertreten. Viel Platz hatten Sachen von Kilian Kerner, ein fleißiger Entwerfer, der mutig Terrains (z. B. Abend- bzw. Glamourgarderobe) betritt, die jenseits der anfänglich von ihm bedienten Streetwear eigene Geschmacks- und Gestaltungsqualitäten abfordert. Viele Stücke dieses Brückenschlags sind darum im Schnitt etwas herb und begrenzt in ihrer Sinnlichkeit, weisen aber interessante Dekors und Applikationen auf. Die niedrige Schwelle der Berührungshemmungen führt zu einer großen Vielfalt und wirklich überraschenden Interpretationen, was sicher erheblich zum Erfolg des jungen Shootingstars beiträgt.

Augustin Teboul hingegen sind ihrem Stil und Anspruch durchweg treu geblieben, sowohl in der handwerklichen Verarbeitung als auch und gerade in der exzentrischen Ästhetik, die Spass an Raffinesse mit künstlerischen Experimenten verbindet.

Der Afrikaner Bobby Kolade (geboren im Sudan) war für uns eine neue Entdeckung. Aus Naturmaterialien (wie z.B. Baumrinde und viel Handgewebtes, auch im spannenden Mix) versteht er interessante Kleidung zu gestalten, das tollste aber sind die aufwändigen Färbeverfahren in mehreren Durchgängen, die manche Sachen zu einer fantastischen Leuchtkraft bringen (besonders die Mäntel). Afrikanisches, z.B. äthiopisches Kleiderhandwerk ist ein bemerkenswerter Einfluss und die aktuelle Kollektion 39 zeigt ganz verschiedene Kreationen von Bustiers bis hin zu geradlinigen Mänteln und ungewöhnlichen Oberteilen. Sehr spannend und mitnichten folkloristisch.

Bunt auch die Accessoires von TK maxx, Berlin. Eine neue Retrosicht auf die Neon-Achtziger mit Spaß und Pepp.

Von Anne Gorke gefiel uns der offenkundig winterliche Touch ihrer Kollektion „To Madame“, der dem Mädchen von nebenan einen unspektakulär geschmackvollen Nimbus auf den Weg gibt.

Mit Tiger of Sweden (seit 1903) hat Silk Relations einen klassischen Herrenkonfektionär im Künstlerset, der sich nur begrenzt auf zeitgeistige Experimente stützt.  Scharfe Schnitte mit klarer Linie variieren die klassischen Anzugsmodelle als leichte, aber sehr elegante Anpassungen an den modischen Zeitgeist, die Brechungen sind geschmackvoll und unaufdringlich.

Im Gegensatz dazu NIKE-Woman. Sehr zeitgeistig und sportlich natürlich, sieht man ein riesiges, farbenkräftiges Angebot an Kleidung für Frauen, für die Sportlichkeit im Zentrum moderner Emanzipationskultur steht.

Bei bei der PR-Agentur ARNE EBERLE sind neben den durch die Fashionweek längst etablierten Perret und Schaad oder Isabel de Hillerin, DSTM, Esther Perbandt, Julian Zigerli etc. auch spannende kleine Designer unter Vertrag, die zwar nicht unbedingt umfangreich, aber doch sehr reizvolle Besonderheiten bieten. Bemerkenswert fanden wir zum Beispiel Schuhe von Velt, die Accessoires von ÈCOLE, die völlig abgefahrenen Prints von Tata Christiane und die Flamingojacke von Frisur.

Einen wunderbaren Abschluss unseres Rundgangs hatten wir bei SCHOELLER & VON REHLINGEN Public Relations in einer gemieteten Suite im Soho House. Zwischen einer kleinen Kollektion von Joop für die Kaufhofmarke Manguun und  einem ambitionierten Online-Shop namens Rebelle präsentierte u. a. Katrin Langer ihre wundervollen kleinen Handtaschen für besondere Anlässe. Hergestellt in Sachsen, u.a. von Musikinstrumentenbauern und Kunststickereien. Ein Triumph der Schönheit der Handwerkskünste. Der gebogene Schichtholzrahmen (Mammutbaum, Nussbaum, Makoré) umfasst wunderschöne Flächen aus Perlmutter, edlen Stoffen und Stickereien. Mit sanft schließendem Magnetverschluß und verhältnismäßig viel Platz sind diese nicht ganz billigen Preziosen der ideale Damen-Begleiter für den besonderen Anlass. Absolut hinreißend.

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Text: Ann LaCroix & Boris Marberg

Bilder: Marcello Rubini & Boris Marberg

Model: Annika Gassner

Hair & Make-Up: Bianca Bensch

Um uns nach den beiden Modenschauen, welche im Kronprinzenpalais präsentiert wurden noch einen weiteren und näheren Zugang zu der aktuellen ökologischen Mode zu verschaffen nahmen wir uns einen Vormittag Zeit um mit Model & Stylistin auf die Jagd zu gehen – ein ersten selbst erfahrenen Eindruck von der Mode zu bekommen. Im Green Showroom wurden wir dann auch gut fündig.

Somy So ist ein bereits bekannteres Label aus Schaffhausen in der Schweiz, dessen Kreationen wir auch schon bei unseren Editorials in Szene setzen konnten. Hinter dem Label stehen die Designerin Soma Jud. Daneben wurden wir neu auf das Label Myuli aufmerksam. Mit Sitz und Produktion in Berlin findet sich im Repertoire von Lisa Dralle  klassische Eleganz für Damen wie Herren, die sowohl sportliche Elemente einbezieht, als auch in der aktuellen Kollektion britischen Landhaus Stil aufgreift. Aus Leipzig kommt hingegen Birthday Suits, das Label der Designerin Louise Walleneit. An ihren aktuellen Entwürfen haben uns sehr die schlichten Schichtungen und Flächenkonstruktionen gefallen, die sehr gute Kombinierbarkeit bieten. Neben Bekleidung bietet dieses Segment auch eine Vielfalt an Accessoires und Schmuck. Sehr angetan hat uns dabei das Breisgauer Atelier Materia Prima, welches sehr stilvollen seit 1999 unter der Führung von Silke Knetsch und Christian Streit in der eigenen Manufaktur produziert.

Label: Somy So

Label: Materia Prima

Label: Materia Prima

Label: Myuli

Label: Birthday Suites

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