Défilés Jenny Hytönen und für  Prix L’Atelier des Matières

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Gewinnen des Preises der Grand Jury bietet die Möglichkeit, ein Projekt mit einem großen Haus auf professionellem Niveau und besten Konditionen zu realisieren und das Ergebnis im Folgejahr zu präsentieren. Jenny Hytönen war Siegerin 2022 und hat sich entschlossen, ihr Konzept der filigran schillernden Oberfläche mit unzähligen Glasperlen fortzusetzen und an verschiedenen, eher schlichten Kleidungsschnitten ornamental oder großflächig als Raster auszuprobieren. Opak und transparent erscheint die Wirkung eines feinen Lüsters nun auf Kleidung, dabei verbleibt der Grundfarbton neutral, meistens schwarz und die Applikationsraster trotz dezenter Variantenwechsel eher gleichförmig. Handwerklich sehr aufwändig, wirkt die Kleidung oft wie ein grafischer Oberflächenschmuck des menschlichen Körpers (als Ganzkörperbezug), reliefartiger und delikater als man das schon mit Pailetten kennt und mit eigenem Lichtspiel. Das klassische Vermeiden von Nacktheit, das sich beim Konzept transparenter Outfits stets als Problem stellt, löst Hytönen mit dunkler, meist simpler Unterwäsche und findet damit noch keine optimierte Lösung im Verhältnis zur Eleganz der Gesamtoberflächen. Aber das ist bekanntlich auch schwierig.

An edelsten kommt darum die ornamentale Applikation auf opakem Grund des ersten Kleides zur Geltung, währen die großflächigen Transparenzen zwar regelmäßig, aber etwas indifferent erscheinen. Das Prinzip denkt, obwohl den Körper umschließend, in der Fläche, und es wäre spannend, sich ein wirklich skulpturaleres Konzept vorzustellen, wie im ersten Kleid schon angedeutet. Und eine ornamentale Fortschreibung der Art-Deco-Modebesätze der 20er Jahre des letzten Jahrhunderts wäre sicher auch eine reizvolle Vision. Die Gurte als ordnendes Prinzip sind ein guter Behelf für die Gesamtstruktur, aber keine dauerhafte Lösung des Anliegens.

Es sind sehr schöne Teile, besonders bei Betrachtung aus nächster Nähe, aber eine offenkundige Modifikation des Konzeptes aus 2022 ist nicht so leicht ersichtlich.

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Für den Prix L’Atelier des Matières haben die zehn Kandidaten jeweils einen eigenen Entwurf gefertigt, so dass daraus eine eigene Schau gemacht wurde. L’ATELIER DES MATIÈRES ist zum zweiten Mal in Folge Partner des Internationalen Festivals für Mode, Fotografie und Accessoires – Hyères. Der Gewinner erhält eine Auswahl an ruhenden und recycelten Materialien im Wert von 10.000 Euro – das war dieses Mal Petra Fagerstrom. Hinsichtlich des Schwerpunktes Materialien ist noch nicht ganz einleuchtend, warum gerade bei diesem Kleid das entsprechend Besondere zu finden ist.

Tiago Bessa (Portugal):

Igor Dieryck:

Bo Kwon Min:

Norman Mabire-Larguier:

Jung-Eun Lee:

Leevi Ikäheimo:

Petra Fagerstrom:

Fengyuan Dai:

Alec Bizby

Marc Sanz Pey:

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Défilé für den Grand Prix du Jury Première Vision, Prix du public, Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz, Prix le19M

Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Hyères Festival, das am Sonntag, dem 15. Oktober, endete, krönte den Belgier Igor Dieryck und die Schwedin Petra Fagerstrom. Zusammen gewannen sie die fünf Preise des Modewettbewerbs mit „Konzept“-Kollektionen, die vermutlich leicht zu verkaufen sind. Unter den anderen Finalisten hätten auch mehrere Schöpfer, die sich entweder gestalterisch faszinierender oder viel stärker für einen ökologisch nachhaltigen Ansatz einsetzen, eine Auszeichnung verdient. Echtes technisches Know-how, das von gründlicher Materialforschung bis hin zu großer handwerklicher Beherrschung reicht, führten zum Beispiel Alec Bizby, Jung Eun Lee und Fengyuan Dai vor. Und die gestalterische Rasanz zum Beispiel von Tiago Bessa oder  Fengyuan Dai wurde dieses Mal weniger gewürdigt, als solche mit Preisen und „Mentions“ die letzten Jahre ausgezeichnet wurden. Außerdem wird eben auch deutlich, dass die Nachhaltigkeit, die in Hyères ja eigentlich mehr als zuvor im Raum stand, am Ende wohl doch nicht alles ist, was attraktive Mode bestimmt. So bleiben die Entscheidungen ein wenig rätselhaft, denn den Preisverleihungen werden keine Argumentation oder wesentliche Aspekte davon hinzugefügt. Klar ist andererseits, dass, wenn zwei oder drei wichtige Preise auf dieselbe Kollektion fallen, darunter auch der Publikumspreis, ein entscheidenden Sympathiefaktor vorhanden war. Sei es das Assoziative der erzählten Story, der Charme der Präsentation oder gestalterischer Nerv.

Am Rande und allgemein zu den Schauen bemerkt: Was bei aller barocken Pracht vieler Erscheinungsbilder auch unmittelbar auffällt, ist der durchweg prollige Gang der Modelle auf dem Laufsteg (außer bei Tiago Bessa). Die watschelnde Fortbewegung ist dem immer breiter und platter werdenden Schuhwerk geschuldet, das keine Bewegungseleganz mehr zuläßt. Das läßt Schlimmes befürchten. Ansonsten konnten wir eigentlich keine nennenswerten ästhetisch prägenden Trends ausmachen, die sich dann irgendwie in den Preisnominierungen spiegeln. Wieder viel Schwarz und materielle Aufrüstung, aber das kann Zufall sein.

Neben dem Preisgeld von 20.000 Euro erhielt Igor Dieryck gleich zwei Kooperationen mit der Abteilung Métiers d’Art von Chanel. In der Zwischenzeit wird Dieryck zwei Capsule-Kollektionen herausbringen, eine mit Galeries Lafayette zum Thema Inklusion und eine weitere mit dem Label Icicle, die im nächsten Frühjahr in die Läden kommt. Eine Förderung, die sich sehen lassen kann.

Igor Dieryck (Belgien): Yessir, Unisex Kollektion:

*Grand Prix du Jury Première Vision
*Prix le19M des Métiers d’Art
*Prix du public  – Ville de Hyères

Petra Fagerstrom (Schweden):

*Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz
*Prix Atelier des matières

Tiago Bessa (Portugal): Damen Kollektion:

Bo Kwon Min (Südkorea): Damenkollektion

Norman Mabire-Larguier (Frankreich): Herrenkollektion

Jung-Eun Lee (Südkorea): You Wear the Most Beautiful Animal in the World, Herrenkollektion:

Leevi Ikäheimo (Finnland): Herrenkollektion:

Fengyuan Dai (Frankreich): Unisexkollektion:

Alec Bizby (Großbritannien): Herrenkollektion:

Marc Sanz Pey (Spanien): Herrenkollektion:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth *

Man sieht das nicht auf den ersten Blick, aber das diesjährige Festival läutet wohl eine Wende der Generationen ein. Jetzt trifft man auf die Jungdesigner, die in den Anfängen der sozialen Medien geboren wurden, die Gesprächsleitung der Jury war genauso jung und quasi aus dem eigenem Kreis – genauso spontan und manchmal chaotisch sollen die Gespräche gewesen sein. Modegeschichte und ihre Größen waren auf diesem Festival nicht mehr zu sehen und die Grundlagen des Modeverständnisses im Sinne der Nachhaltigkeit mischten das ideelle Gefüge insgesamt neu auf.

Doch die bewährte Organisationsstruktur war gleich und dazu gehört, dass die zehn Kandidaten für die Mode-Preise zwischen den beiden Modeschauen am Freitag und am Samstag für ein paar Stunden ihre Sachen aus der Nähe in einem recht engen Pop-Up-Show-Room (Zelt) der Öffentlichkeit und der Presse vorführen. Das Interesse ist groß und das Gedränge dicht und so wird es schwierig, Fotos zu machen oder gar Gespräche mit den Designern zu führen, obwohl genau das der Sinn der Veranstaltung ist. Andererseits ist die Stimmung blendend, die Tuchfühlung sympathisch und alle Designer sind nicht nur froh, dabei sein zu dürfen, sondern auch optimistisch. Sie alle befinden sich an einem Punkt nach der Ausbildung und vor der Karriere, immer aufgeschlossen und auskunftsbereit, einerseits stolz und selbstbewußt, andererseits gelegentlich etwas befangen: kenntnisreich und interessant aber noch nicht abgeklärt professionell.

Die modischen Ansätze sind wie gewohnt sehr verschieden und nicht selten ist es überraschend, aus welcher Ausgangsidee die Teile entstanden sind. So erfährt man zum Beispiel, dass Igor Dieryks Kollektion der Glamour der Grand-Hotel-Ära zugrunde liegt, wobei er die Regeln und Symbolik von Uniformen untersucht und wie diese die Beziehung des Trägers zur Welt verändern, die zwischenmenschliche Distanz, und von „Ebenen von Bedeutung“. Ausgangspunkt sind reale Erfahrungen, denn Dieryck arbeitete jahrelang an der Rezeption eines Hotels, während er gleichzeitig sein Modestudium an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen abschloss. Die Ergebnisse sah man allerdings nur auf der Stange und der Schau am nächsten Tag: Eine Glocke aus einer korsettierten rosa Pagenjacke wurde geöffnet, um eine Hose mit extrem hoher Taille freizulegen, eine surreale „Platten“-Tasche wurde mit einem langen weißen Handschuh verbunden und ein von Streetwear inspirierter, chartreusegrüner Parka wurde neu geformt. Die entstandenen Stufen sind mit Schleifen zierlich zusammengebunden und an der Kapuze, den Schultern und den Ärmeln mit Pailletten im Farbverlauf als Glamourspur übersät.

Vergleichbare Beispiele wie dieses können fast alle Kandidaten erzählen und praktisch würde man viele Stunden und Ruhe und Freiraum brauchen, um alle spannenden Geschichten hinter den Kreationen zu erkunden. Diese Geschichten und ihre anschließenden Experimente bewegen sich in dem Abschnitt zwischen Ausbildung und Berufsengagement und die Ergebnisse, die wir hier sehen, reflektieren noch diesen wunderbaren künstlerischen Freiraum, der mit den erlernten Kompetenzen bestens genutzt wird.

Natürlich wird auch eine Gestaltungsorientierung vorgeführt, die vielversprechend ist, im handwerklichen Sinne, im Gespür für Wirkungen und im Umgang mit Materialien. Und im zeitgeistigen Ausdruck. Darum sind sie hier, dafür werden die Preise ausgelobt, das sucht die Industrie zu vereinnahmen.
Wir fragten Jenny Hytönen, Gewinnerin im letzten Jahr und nun mit ihren seitdem entstandenen Arbeiten in Kooperation mit großen Häusern zu sehen, wie das Jahr der Unterstützung für sie lief. Sie erzählte von einer gewissen Naivität am Anfang und der völlig neuen Arbeitskonstellation danach, vom Erlernen des Profitums, vom Gefühl eines gewissen, sehr schnellen „Erwachsenwerdens“ und einer neuen Vorstellung von der Offenheit, die vor ihr liegt. Allerdings erklärte sie auch, und das belegen die Arbeiten, erst mal so weitermachen zu wollen wie bislang. Das gibt jedenfalls zu denken.

Klar ist: dieses kreative Übergangsstadium ist wohl das faszinierendste.

Igor Dieryck (Belgien): Yessir, Unisex Kollektion:

*Grand Prix du Jury Première Vision
*Prix le19M des Métiers d’Art (Lemarié)
*Prix du public  – Ville de Hyères

Petra Fagerstrom (Schweden): Lesage:

*Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz
*Prix Atelier des matières

Tiago Bessa (Portugal): Damen Kollektion:

Bo Kwon Min (Südkorea): Damenkollektion:

Norman Mabire-Larguier (Frankreich): Herrenkollektion

Jung-Eun Lee (Südkorea): You Wear the Most Beautiful Animal in the World, Herrenkollektion:

Leevi Ikäheimo (Finnland): Herrenkollektion:

Fengyuan Dai (Frankreich): Unisexkollektion:

Alec Bizby (Großbritannien): Herrenkollektion:

Marc Sanz Pey (Spanien): Herrenkollektion:

Jenny Hytönen (Finnland):

*Grand Prix du Jury Première Vision +*Prix du public – Ville de Hyères 2022

• Die beiden oberen Fotos zu Petra Fagerström sind Werbebilder (Postkarten) von der Villa Noailles.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival International de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode beruht im Wesentlichen auf Sponsorengeldern aus der Modebranche, die, neben Prestigeinteressen, damit ihren Nachwuchs zu rekrutieren sucht. Das Konzept, wir schrieben es mehrfach, ist einfach und klar, abgesichert durch kompetente Jurys aus der Branche und organisatorisch wie ausstattungsmäßig auf hohem Level. Zu den Sponsoren, das sei hier auch einmal erwähnt, weil sie zum Teil wirklich tragende Funktionen übernehmen (also nicht nur Geld geben, sondern konkrete Nachwuchsunterstützung und -weiterbildung bieten), gehören CHANEL, le19M, Première Vision, LVMH, Hermès, American Vintage, la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, le Défi, Galeries Lafayette, L’Atelier des Matières, Mercedes-Benz und auch kleinere Unternehmungen.

Die zentrale Funktion des Festivals sind die Preise, ist also die Idee des Wettbewerbs. Einerseits sind sie durch Geldbudgets definiert, andererseits durch geldwerte Leistungen (Material o.ä.) oder durch praktische Hilfestellungen für einen Zeitraum von zwei Jahren, die viele Bereiche abdecken: Finanzierung, Produktion, Handwerk, Materialien, Verlag, Recht, Presse, Ausstellung, Workshop und Residenz.

Die herausragenden vier Preise für Mode sind

der GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION,
der PRIX DU PUBLIC VILLE DE HYÈRES (Publikumswahl),
der PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES,
der PRIX LE19M,
der PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ

und für Accessoires

der GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES,
der PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE,
der PRIX DU PUBLIC – VILLE D’HYÈRES.

Weitere Bereiche wie für Photographie kommen dazu.

Die Mode-Preise werden am Ende des Défilés am Samstag Abend von den jeweiligen Jurys ermittelt und umgehend bekannt gegeben. Grundsätzlich spielen Kompetenzen in der Experimentierbereitschaft, der ökologischen Konsequenz, die Einfallsoriginalität, die ästhetische Überzeugungskraft und ein überdurchschnittliches handwerkliches Können die entscheidenden Rollen, natürlich aber auch ein treffendes zeitgeistiges Gespür.

Wir zeigen Auszüge aus dem Défilé der Wettbewerber, näheres auch in dem vorangegangenen Artikel (Showroom der Wettbewerber).

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Jenny Hytönen (Finnland), Unisex Kollektion – GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION und PRIX DU PUBLIC VILLE DE HYÈRES:

Juha Vehmaanperä (Finnland), Herren Kollektion:

Valentin Lessner (Deutschland), Herren Kollektion, PRIX DE LA COLLECTION ECO RESPONSABLE MERCEDES-BENZ + PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART:

Lora Sonney (Frankreich), Damen Kollektion:

Tim Suessbauer (Deutschland) Herren Kollektion:

Alix Habran Jensen (Frankreich-Dänemark), Damen Kollektion:

Antonia Schreiter (Deutschland), Unisex Kollektion:

Alizée Loubet & Fernando Miró (Frankreich & Brasilien), Herren Kollektion:

Sini Saavala (Finnland), Damen Kollektion, PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES:

Priss Niinikoski (Finnland), Damen Kollektion:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Am Vormittag Showroom und am Abend das Défilé mit Preisfindung – das ist eine ideale Kombination der Präsentation der Kollektionen der zehn Preisanwärter im Wettbewerb. Dabei ist der Vormittag eher für professionelle Gäste, etwas Presse und neugieriges Publikum. Kommunikation mit den Designern und Betrachtung aus nächster Nähe stellen Leitgedanken, Verarbeitungstechniken und Materialpräferenzen heraus, entwickeln Respekt und Sympathien und geben vor Allem der persönlichen Aura der jungen Modemacher vor ihren Kollektionen ein Gesicht. Die Veranstaltung ist aber auch beim allgemeinen Publikum sehr beliebt, Anwohner, angereiste Interessenten, Studenten und ein paar wenige Influencer drängen sich in dem Zelt und suchen informativen Kontakt zu den Protagonisten. Besonders großes Interesse herrschte bei Jenny Hytönen, die später auch gleich zwei Preise gewann und so etwas wie Grande Couture mit eher einfachen, einfallsreichen Mitteln, sehr aufwändiger Handarbeit und sehr elegantem Geschmack vorstellte.

Insgesamt ist dieses Jahr eher weniger das (schneidende) Schneiderhandwerk repräsentiert, sondern klassische, aber innovativ erneuerte und erweiterte Handarbeit wie zum Beispiel Stricken, Häkeln, Sticken, also Stoffe herstellen beziehungsweise behandeln und damit eine rauere, eigensinnige, sehr haptische Textilstruktur und  Oberflächensinnlichkeit kreieren. Das Dekunstruktivistische früherer Jahre weicht nun den Eigenheiten der Materialbeschaffenheit, die kreativ und experimentell in spezifische Ästhetik überführt wird und nicht selten die Silhouetten und Schnitte zweitrangig machen. Dieser Wandel ist vielleicht auch symptomatisch für eine gewisse Grundhaltung nachkommender Generation, die Strukturen weniger in Ordnungssystemen und Konstruktionen sucht, sondern nun im sinnlichen, haptischen Umgang mit Materie, begleitet vom nachhaltigen Herstellungsgedanken – in gewissem Sinne „back to the roots“. Erfreulich ist dabei, dass der Rückgriff auf Herstellungstechniken früherer Handarbeiten nicht zu reaktionärer Ästhetik zurückführt, sondern dass mit experimentellen Erprobungen ganz neue und innovative Erscheinungsbilder gesucht und gefunden werden. Damit erlebt die Strickmütze also kein Revival oder Update, sondern kommt ganz neu daher.
Prints auf vorhandene Stoffe sieht man fast gar nicht mehr, die Zusammfügung und Aufbereitung verschiedener Materialien macht den Look und die Faszination des Erscheinungsbildes aus.

Insgesamt ist Hyères jetzt nicht der Ort, wo der Abschied von Ästhetik als Grundwert von Mode vorgeführt wird, wie das diverse angesagte Berliner Designer propagieren. Im Gegenteil. Nachhaltiges Grundbewusstsein ist eine Selbstverständlichkeit und keine Propaganda mehr. Das Experimentelle geht hier noch immer mit Ästhetik zusammen. Gesucht und gefunden werden Konzepte, die den Zeitgeist gut repräsentieren ohne Ideologien optisch zu radikalisieren. Und die hochkompetente, internationale Jury, die aus allen Bereichen der Modebranche kommt, denkt anspruchsvoll, differenziert und neugierig zugleich. Es wäre auch fatal, wenn die französische Modewelt sich von ihrer Geschmackshöhe abbringen ließe.

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Jenny Hytönen (Finnland) – Unisexkollektion, Le Grand Prix du jury Première Vision + Le prix du public – ville d’Hyères:

Alix Habran Jensen (Frankreich-Dänemark) Damenkollektion:

Valentin Lessner (Deutschland) Herrenkollektion – le Prix de la collection éco-responsable Mercedes-Benz + Prix le19M des Métiers d’art:

Alizee Loubet + Ferrando Miro (Frankreich + Brasilien) Herrenkollektion:

Priss Niinikoski (Finnland) „Harvest“ – Damenkollektion:

Sini Saavala (Finnland) Damenkollektion – Prix L’Atelier des Matières:

Antonia Schreiter (Deutschland) Unisexkollektion:

Lora Sonney (Frankreich) „Soleil brulant, sous un orage aquarelle“ – Damenkollektion:

Tim Suessbauer (Deutschland) Herrenkollektion:

Juha Vehmaanperä (Finnland) „Not Your Mitten“ – Herrenkollektion:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Mit den sehr verschiedenartigen Ansätzen, Kleidung zu entwerfen, die letztlich Zeitgeist reflektieren (oder sein) sollen, wird es schwierig, ein sinnvolles Resumée zu ziehen, wenn man solch eine ambitionierte Präsentation wie Hyères überfliegt. Konsequenter Bruch mit Geschmackslinien, Experimente in allem, mehr oder weniger radikale Dekonstruktion formaler Errungenschaften, Versuche in Anti-Ästhetik, das ist die eine Seite, die andere ist die Lust am Machen an sich, hie und da durchaus ziellos, Partylaune als Permanentzustand und noch immer Sampling, was das Zeug hält und das Vorfindliche hergibt. Die vorfindliche Freiheit als riesige Spielwiese zwingt nicht unbedingt zu einem wegweisenden Statement, sie zu nutzen macht aber sichtlich Spaß. Die Zukunftsvisionen gehen, soweit sie erkennbar sind, in verschiedene Richtungen – widersprüchliche oder parallele.

Auffällig ist dabei die Rücknahme der erotischen Würze, die das Kreative bisher als alles verbindenden, sensualen Reiz begleitete und oft thematisierte. Nur sehr selten scheint sie mal auf, als attraktiver Bestand- oder Anteil hat sie ihr Potential aber wohl verloren. Sexy ist kein relevantes Kriterium mehr, und das, obwohl Mode und menschliche Körperlichkeit bisher sich gegenseitig und raffiniert spielerisch bedingten. Das war durchaus ein Leitgedanke der Modegeschichte.

Der Sieger des Grand Prix du Jury Grand Vision Rushemy-Botter vereint jedenfalls alle diese Aspekte in seiner etwas verrückten und spaßgeprägten Kollektion, auch hier tut sich ein ernsthaft zukunftsträchtiger Leitgedanke noch nicht auf. Soll auch nicht (und genau das ist sicher die entscheidende Haltung).

Die zehn Wettbewerber um die ausgeschriebenen Preise, die die kompetente Jury (es ist übrigens immer der Hauptpreisträger des vorangegangenen Jahres mit vertreten) aussucht, haben zumeist kaum Entsprechungen in ihren Leitmotiven, sie zeichnen sich vielmehr aus durch Konsequenz eines bestimmten tragfähigen Ansatzes, der durchaus auch in die eine oder andere Zukunft weisen könnte, und durch stimmige Realisierung, die auch handwerklicher Sorgfalt verpflichtet ist.

Im Hyères-Défilé rauscht das als nahezu ununterbrochene Schau in einem Zuge am Betrachter vorbei und es ist von Vorteil, dass man sich auf der Ausstellung in der Villa Noailles die Sachen im Showroom einen Tag lang in Ruhe vorher ansehen kann (und auch mit den Designern reden). Die Fotos, die wir da gemacht haben, können den Zugang zum jeweiligen Konzept manchmal etwas erleichtern, darum zeigen wir – quasi als Ergänzugsartikel – diverse Beispiele in den kommenden Tagen noch einmal von Nahem.

Regina Weber (Deutschland):

Anna Isoniemi (Finnland):

Jef Montes (Niederlande):

Rushemy Botter (Niederlande), Grand Prix du Jury Première Vision:

Linda Kokkonen (Finnland):

Ester Manas (Frankreich):

Marie-Eve Lecavalier (Kanada), Prix Chloé:

Ela Fidalgo (Spanien):

Sarah Bruylant (Belgien), Prix du Public de la Ville d’Hyères:

Antonina Sedakova (Rußland):

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Text, Interview und Bilder: Gerhard Paproth

Letztes Jahr waren Thibaut Rodde & Sandrine Paskusz-Koffi mit ihren Brillen bei den Wettbewerbern der Abteilung Accessoires de Mode vertreten und erlebten viel Aufmerksamkeit. Auch wenn man den großen Preis dann nicht gewinnt, ist es ein wichtiger Erfolg. Denn die Vorauswahl zum Wettbewerb respektive die Präsentation auf dem Festival gibt der Karriere von Jungdesignern anschließend einen beachtlichen Kick. Außerdem kann es sein, dass die Festivalleitung im Folgejahr noch einmal zu einer kleinen Showroomausstellung  der „Formers“ einlädt, wenn die neuen Arbeiten außergewöhnlich zeigenswert sind, wie das jetzt für die beiden Kreativen der Fall war.

ModaCYCLE: Wir sind neugierig welche positiven Folgen die Teilnahme am Wettbewerb hier in Hyères hat. Was hat es euch gebracht?

Sandrine Paskusz-Koffi: Wichtig war für uns, dass wir den professionellen Markt kennen gelernt haben. Sowohl während des Festivals als auch danach haben wir viele professionelle Kontakte knüpfen können, sowohl mit den Medien als auch mit der Branche. Die Lunetterie (Brillenbranche) ist recht speziell, das war schon sehr wichtig für unsere Weiterarbeit. Nicht zuletzt sind wir Autodidakten und hatten bis dahin keine Berührung mit dem Markt.

Zweitens, und auch das war für uns als Autodidakten wertvoll, erhielten wir einmal Kritik der Profis. Und da war die positive Resonanz ebenso überraschend wie die des Publikums, das ja selbst überrascht reagierte.

Und wir hatten ein unerwartetes Medien-Echo, sogar ziemlich international – bis nach Japan. Damit hatten wir auch nicht gerechnet.

Thibaut-Rodde: Der entscheidende Impuls war sicher, dass wir mit der Handarbeit weiter machen. Wir haben mittlerweile auch klassischere Modelle gemacht, quasi als Erweiterung des Spektrums. Ich selbst trage so ein Beispiel im Alltag. Wir stehen aber noch zum Einzigartigen. Die Ausweitung des Programms erlaubt uns gleichzeitig, die Industrialisierung auszuprobieren.

Positionierung, Bekanntheit, Kontakte, das sind wesentliche Ergebnisse unserer Teilnahme am Wettbewerb gewesen.

ModaCYCLE: Eure Brillen sind schon sehr speziell. Wie könntet ihr das Publikum, das auch diese Modelle kauft, beschreiben?

Thibaut-Rodde:Es sind sehr viele junge Modedesigner interessiert. Die möchten gerne mit uns kooperieren. Ansonsten überhaupt alle, die die Evolution der Dinge schätzen und die sinnliche Kraft von Form und Material lieben. Zum Beispiel die Modelle aus Holz fanden sehr viel Aufmerksamkeit.

Sandrine Paskusz-Koffi: Außerdem natürlich Menschen, die das Seltene lieben und einen Sinn für Ausgefallenes haben. Da ist kleine Handarbeitsproduktion möglich.

Thibaut-Rodde: Abgesehen von denen, die das mit Vergnügen tragen, gibt es Sammler. Das kleine Format als „objet d’art“ hat viele leidenschaftliche Interessenten.

ModaCYCLE: Das ist eine mutige Perspektive, auch den eher exzentrischen Markt bedienen zu wollen. Die meisten passen sich schnell und weitgehend den Marktregularien an, wenn es darum geht, wirtschaftlich gut zu überleben.

Thibaut-Rodde: Das Credo ist für uns: Das Produkt soll lange halten und gute Kenntnis von Handarbeit repräsentieren. Wir verfolgen die Kombination von Tradition und dem Schritt in die Zukunft. Das zeigt sich durchaus als eine tragfähige Perspektive.

Aktuelle Arbeiten von Thibaut-Rodde und Sandrine Paskusz-Koffi:

  Wettbewerbsbeitrag 2017:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Sie findet zwar stets auf engstem Raum statt, die Präsentation der Wettbewerber, die die Jury ausgesucht hat, das zwingt aber auch zu Nähe und sorgfältiger Betrachtung. Gerade für die Schmuckdesigner ist das vorteilhaft, denn Blingbling, das einen aus der Ferne anspringt, ist eher selten. Feine und poetische Entwürfe mit viel Liebe zum manuellen Herstellungsprozess und besonders eher ungewöhnliche Ausgangsideen prägen die Produktionen, handwerklich perfekt sind sie sowieso alle.

Aus sechs Ländern stammen die jungen Designer und Designerinnen, und das Ungewöhnliche, das ihre Arbeitskonzepte kennzeichnet, reicht von Naturverbundenheit (z.B. Claire O’Keefe & Eugenia Oliva) bis hin zu Umwandlung des Praktisch-Unschönen ins Bezaubernde (z.B. Kate Fichard, Flora Fixy & Julia Dessirier). Ausgeschrieben ist der Grand Prix Accessoires de Mode Swarovski, der besteht aus 15000 Euro Preisgeld und der Möglichkeit, ein Projekt mit Chanel’s Métiers d’art bis 15000 Euro zu realisieren. Das ist für einen Nachwuchsdesigner eine beachtliche Förderung.

Und da alle diese ziemlich innovativen Ansätze so verschieden in ihren Leitgedanken sind, erscheint es umso schwieriger, hier nur den bzw. die  einen oder anderen herauszustellen, Spitzenkandidaten zu küren sowieso. Wir zeigen sie darum alle.

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