Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Ester Manas ist eine Frau mit viel Esprit und französischem Charme. Auf dem Festival de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode 2018 errang sie mit ihren temperamentvollen und zum Teil exzentrischen Entwürfen für kräftige Frauengestalten den Preis der Galeries Lafayette – ein Konzept, das Lust auf mehr machte. Vieles daran hatte handgemachten Charakter und man konnte sich nicht so leicht vorstellen, wie ein solches Herangehen in die industrielle Fertigung zu übertragen sein sollte. Aber dies Problem tauchte auch mit anderen Kandidaten früher schon auf. Manche, wie Vanessa Schindler, haben ihre Experimente weiter ausgebaut, andere, wie Botter & Herrebrugh haben ihre Leitideen in die neuen industriellen Möglichkeiten transferiert. Ester Manas hat – jetzt in Partnerschaft mit Balthazar Delepierre – sowohl ihre Leitgedanken neu modifiziert als auch ein kommerzielles Umsetzungskonzept gefunden und damit eine überraschend anders geprägte Kollektion erarbeitet. Geblieben ist ihr Interesse, nicht nur für Größe 34 zu entwerfen, sondern für alle Frauengestalten ein gutes und reizvolles Angebot zu schaffen und zugleich einen ökologisch verantwortungsvollen Anspruch dabei im Auge zu behalten.

modacycle: Ester Manas, Ihre neue Kollektion hat sich im Ansatz sehr gewandelt seit Ihrer Präsentation hier vor einem Jahr.

Ester Manas: Ja, als wir uns vor einem Jahr hier trafen, war das eine Kollektion die ein Bild repräsentierte. Während sie Versionen für verschiedene Größen von 34 bis 50 vorführte, hat die jetzige Kollektion Kleidung kreiert, die für alle Körper passt, es gibt nur noch eine Größe. Mittels verschiedener Systeme – Schnitt, Knöpfe, Raffungen u.a. – passen sich die Kleidungsstücke jetzt den individuellen Frauenkörpern an. Sogar wenn der Körper sich verändert im Leben, wirft die Frau das Kleidungsstück nicht mehr weg. Es ist wichtig heutzutage, sich diesem Prinzip gegenüber aufzuschließen. Ich glaube, gerade in Hinsicht auf den Konsum in ökologischer Hinsicht ist eine solche Überlegung wichtig, das heißt, nicht mehr in der Produktion alle Größen herstellen zu lassen und am Ende der Saison einen großen Teil wegzuwerfen, weil der nicht verkauft wurde. Es geht also um ein Vorgehen, das zugleich ökologisch und ökonomisch sinnvoll ist. Und gleichzeitig geht es um größere Dauerhaftigkeit, insofern als das Produkt auch wechselnden Anforderungen gerecht werden kann und nicht so schnell weggeworfen und Neues gekauft wird. Es ist mir wichtig, mit meiner Arbeit eine solche Position zu vertreten.

modacycle: Was hat Ihnen die Anwesenheit hier im letzten Jahr gebracht, und der gewonnene Preis?

Ester Manas: Ja, ich habe den Preis der Galeries Lafayette letztes Jahr gewonnen, der mir erlaubt hat, eine Kollektion für sie zu machen – man kann die Sachen zum Beispiel hier im Festivalshop sehen – und auch jenseits dessen bin ich mit meiner Arbeit sichtbarer geworden. Aber es sind nun auch Erwartungen auf mich zugekommen, was manchmal schon fast beängstigend ist. Immerhin sind damit auch Investitionen verbunden, bei einer so eine großen Gruppe wie Galerie Lafayette dreht sich halt viel um Geld. Und dem gegenüber steht eben auch die eigene Philosophie (siehe oben), die nun damit korrespondieren muss. So ganz leicht ist das nicht.

Und grundsätzlich hat mir der Start hier halt viel Freude in der Folge beschert.

modacycle: Und Sie glauben, dass das anhält?

Ester Manas: Ja, sicherlich. Zum Beispiel vorhin hatte ich wieder ein Interview mit dem Französischen Fernsehen, das uns seitdem begleitet. Und auf der kommenden Fashionweek werden wir Teil des Designers Apartement im Palais de Tokyo in Paris sein, welches eine wichtige Einrichtung ist, da sie ihre Designer auch weiter begleitet. Mit ihnen fühlt man sich wirklich unterstützt und ermutigt, auch konzeptionell, denn sie glauben an unser Projekt.

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Das Schmuckdesigner-Duo Räthel-Wolf wurde ein zweites Mal nach Hyères eingeladen, um nun die im vergangenen Jahr neu entwickelten Produkte vorzustellen und damit auch sichtbar zu machen, wie das Konzept der Nachwuchsförderung der Hyères-Veranstaltung konkrete Früchte trägt.

Das betrifft auch andere Designer, die zuvor in Hyères waren, dies Prinzip illustriert nicht nur sich selbst, sondern trägt die Förderung auch weiter. Dabei ist die Entwicklung der Designer in dieser „Startphase“ durchaus unterschiedlich gerichtet, wir berichteten ja schon, wie zum Beispiel Vanessa Schindler die Chance und den Preis zur experimentellen Entwicklung ihrer Materialien genutzt hat oder Botter-Herrebrugh sofort nach dem Wettbewerbssieg ihr Businesskonzept in Paris aufgebaut haben.

Wir sprachen mit Sari Räthel und Ricarda Wolf in Hyères über ihre Initiativen im vergangenen Jahr. Sie sind nach London gezogen, um sich dort zentral zu etablieren, leben aber nicht kontinuierlich an diesem Ort zusammen. Und – nicht gerade typisch fürs klassische Schmuckdesign-Gewerbe – sie suchen ein kreatives Umfeld eher in der rein künstlerischen Prägung, ohne die Ambition aufzugeben, sich gleichzeitig im Business fest zu etablieren. Balanceakte zwischen freier Kreativität und Geschäft, die von außen nicht ganz einfach erscheinen und die durchaus Teil einer jungen Orientierung sind, welche vorgegebene Fahrwasser des Vorankommens nicht mehr als zwingend auffasst, sondern neue Wege und Positionierungen erprobt. Auch die kreative Arbeit als homogenes Team zu begreifen und nicht als zufällig passende Addition individueller Richtungen, ist letztlich ein unkonventionelles Konzept im Schmuckdesign.

modacycle: Ein Jahr ist vergangen seitdem ihr hier schon anwesend wart, was hat es gebracht?

Räthel und Wolf: Einfach super viel. Zuerst mal gute Verbindungen zur französischen Modeszene, aber auch international, weil Hyères ein Magnet ist für alle, die in Fashion arbeiten. Die kommen hierher zu dem Festival. Das merkt man auf jeden Fall deutlich. Über Gespräche, die man führt, dann auch anhand der Kontakte im Nachhinein, also das ist schon toll.

modacycle: Hattet ihr jetzt einen speziellen Auftrag, konntet ihr im vergangenen Jahr etwas Konkretes arbeiten oder habt ihr weiter gemacht wie immer?

Räthel und Wolf: Wir haben weiter gemacht, sind ganz gut gewachsen und vorwärts gekommen. Es ist schwierig, weil wir ja erst 1 ½ Jahre alt sind, in der Phase wächst man eigentlich, es explodiert sogar wenn es gut läuft und wir sind ganz froh wie es läuft. Wir können nicht genau sagen ob das nur passiert ist wegen Hyères, aber ich glaube schon, dass die Credibility auch durch Hyères kam. Wir sind aber auch super aktiv: Wir zeigen auf der Pariser Fashionweek, wir haben eigene Events in London, wo wir mit anderen Künstlern kollaborieren, Veranstaltungen zu körperbezogener Kunst, was uns zu unserem körperbezogenen Schmuck inspiriert, kurz, durch die vielen Aktivitäten haben wir viel Interesse bekommen und auch Aufträge.

modacycle: Das Neuartige an eurem Schmuck hat zunächst den Körperbezug als Basis, Schmuck soll bestimmte Körperelemente akzentuieren, wie zum Beispiel durch die Art und Weise, wie der Fingernagel eingerahmt wird.

Räthel und Wolf: Genau, das ist richtig. Der Körper ist unsere Inspirationsquelle, wir designen immer direkt am Körper, „im Material“. Wir sind beide geschulte Goldschmiede (wir haben Schmuckdesign studiert), und ich glaube aus dem Prozess, mit Metall direkt am Körper zu arbeiten, finden wir andere Ergebnisse, andere Positionen am Körper wo der Schmuck getragen wird, als herkömmlich. Wie zum Beispiel diese Nagelringe (die wir von Anfang an dabei hatten), die den Nagel rahmen und auch das Gefühl der Intimität unter dem Nagel hervorheben, was man sonst eigentlich nicht so spüren würde. Oder eine kühles Objekt hinter dem Ohr: wie das Material sich an den Körper da anschmiegt, das sind einfach Sensationen die man, wenn man den Schmuck von einer Zeichnung her entwickelt, so nicht erreicht.

modacycle: Neu hinzu gekommen sind jetzt Steine.

Räthel und Wolf: Jetzt haben wir Edelsteine in unsere Kollektion eingebracht. Dadurch, dass wir immer nach neuen Wegen suchen, wie der Schmuck am Körper sitzt, ergibt sich nun auch die Aufgabe, wie der Stein mit dem Schmuckstück korrespondiert. Wir haben in Deutschland einen Produzenten gefunden, einen erfahrenen „prestigious Manufacturer“, der schneidet uns die Edelsteine von Hand im Sinne unseres Konzeptes und die fassen wir jetzt. Die werden aber nicht gefasst in dem Sinne wie man Diamanten fasst, sondern sie sind elementarer, integrativer Teil des Schmuckstückes und sitzen somit im Ohr oder um den Finger. Damit wird das bisher mit Metall entwickelte Konzept weitergetragen.

modacycle: Noch eine Frage zur gemeinsamen Arbeit: Ihr wohnt ja nicht am selben Ort. Wie macht man das dann praktisch? Macht die eine dies und die andere das, oder entwerft ihr die Stücke gemeinsam? Wie muss man sich das vorstellen, wenn die kreative Kommunikation über Entfernung stattfindet, gerade bei dieser Art von Konzept mit der Entwicklung am Körper?

Räthel und Wolf: Wir sind eigentlich an einem gemeinsamen Ort. Wir leben beide in London. Die Freiheit, individuell auch mal drei Wochen unabhängig an anderem Ort zu sein, nehmen wir uns aber auch. Generell sind wir zusammen in London und so wie das Business bis jetzt aufgestellt ist, designen wir alles zusammen. Die komplette kreative Vision ist von uns beiden, sie entsteht direkt und kommunikativ, auch wenn im täglichen Leben jeder seine spezifischen besonderen Fähigkeiten ins gemeinsame Entwickeln einbringt – die eine ist vielleicht spezialisierter auf die Social Media und die andere auf Webproduktion businessseitig. Dass aber die kreative Arbeit in der Kommunikation zwischen uns passiert, ist uns sehr wichtig und auch besonders.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth
 

Seit 1936 gibt es die Hutmacherei Maison Michel, und die träumt stets aufs Neue davon, dass der Hut über den durchschnittlichen Acessoirecharakter hinauswächst. Als Reflexion auf seine Gegenwart, im Dialog mit den Moden und sich weiter entwickelnd, wie die Köpfe, die er bekleidet.

Doch leider leider hat der Hut in der Gegenwart wenig Chancen auf ein angemessenes Comeback, die modische Kopfbedeckung ist auf das Niveau primitiver Basecaps mit Werbeslogan gesunken – wer mit elegantem Hut in die Öffentlichkeit geht, hat, so unterstellt man, wohl die kritische Altersgrenze überschritten. Vorher noch hatte er bei Männern der Ska-Ära immerhin eine Chance als Spießer-, Kleingärtner- oder Anglerausführung, danach musste er für allerlei Designerkasperei herhalten, bis heute. Bei Frauen waren die Chancen auf ein würdiges Erscheinungsbild noch etwas größer, aber eine Grandezza wie in den Zwanzigern oder frühen Sechzigern war ihm nicht mehr beschieden. Lediglich das englische Königshaus hat ihn nicht aufgegeben und es rüttelt dabei auch nicht am Niveau. Alle anderen Wiederbelebungsversuche der großen Modehäuser erscheinen zwar nicht unbedingt anachronistisch, schaffen aber auch keinen Durchbruch. Obwohl man da wirklich grandiose Stücke sehen kann. Das ist ungerecht und schade.

Dabei haben die großen Designer stets begriffen, dass der Hut ein ebenso krönender Abschluß eines Outfits oben ist, wie die Schuhe unten, tonangebend bleiben auf dem Markt aber stets die Schuhe und nicht der Hut – obwohl der Hut immerhin das Gesicht ziert. Das Handwerk des Hutmachers ist bis auf seltene Ausnahmen ausgestorben, ein paar romantische Frauen, die das noch können oder erlernen, fristen ein eher unbeachtetes Dasein in ihren kleinen Ateliers. Es ist aber, genauso wie Schuhe, in der kunsthandwerklichen Herstellung ein durchaus schwieriges und aufwändiges Fach, besonders dann, wenn komplizierte Gestaltung und komplexe Materialgestaltung ein beeindruckendes Ergebnis hervorbringen sollen.

Das betrifft freilich viele kunsthandwerkliche Modeateliers, von denen Chanel immerhin eine ganze Reihe eigener, höchst anspruchsvoller Zulieferer hat (Mitglieder der „Métiers d’art de Chanel“) und mehr oder weniger am Leben hält. Ein solches Unternehmen darf jedes Jahr in Hyères ausstellen und sich präsentieren, und diese Ausstellungen sind stets atemberaubend. Sie repräsentieren den absoluten Haut-Gout, perfektestes Kunsthandwerk und das Edelste, was man sich gegenwärtig so vorstellen kann. Darüber hinaus wirken sie an den aktuellsten Kollektionen der großen Marken mit, sind also keineswegs nur Verwalter alter, angestaubter Modewerkstätten. Es sind eigenständige Labels mit kreativen Ambitionen im Gegenwärtigen und verarbeitungstechnischer Raffinesse.

Priscilla Royer ist künstlerische Directrice seit 2015-16 im Maison Michel und engagiert sich für zeitgemäßen Kopfschmuck, der auf das Individuum und seinen Stil bezogen ist. Das bedeutet, dass die Zielgruppe Männer und Frauen sind, die starke Individualität verkörpern und dabei sowohl technische Innovation, kulturelle und historische Referenzen und den Kult eigener Attitüde verbinden. Das kommt einem fast wie anspruchsvolle Exzentrik vor.

Aus dem Atelier in Paris kommen spektakuläre Formulierungen in der Gestaltung und die klassischen Normen werden neu aufgemischt. Das kann dann sogar das Basecap als originelle und zugleich elegante Edelfassung betreffen. Die Vielgestaltigkeit der Formen und mögliche Zusätze modulieren die eigentlichen Basics stets neu, ohne den klassischen Qualitätsanspruch aufzugeben. Damit setzt das Maison Michel in seinem Anliegen fort, was der Hut eigentlich immer wollte und sollte, nämlich dem Gesicht in seiner individuellen Besonderheit einen Rahmen zu geben, der es feiert.

Nimmt man diesen Auftrag zum Anspruch, wird deutlich, dass das übliche Bascap und das Kleingärtnerhütchen da eher ein Mißverständnis sind und entsprechend scheitern. Hoch leben die Hutmacher!

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Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Im vergangenen Jahr haben Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh den Grand Prix du Jury PREMIÈRE VISION für ihre Männerkollektion „Fish or Fight“ gewonnen, strahlend und ausgelassen feiernd, dann ging alles Schlag auf Schlag, Schau in Berlin Umzug von Antwerpen nach Paris, weitere Preise, Kollektion für Petit Bateau, neue Sachen fürs eigene Label, Art-Direction-Jobs bei Nina Ricci, zusätzlicher Einstieg bei Accessoires und vieles mehr. Dieses Jahr nun eine erneute Schau in Hyères und Präsenz im Shop mit der neuen Kollektion, die in mancher Hinsicht etwas zurückgenommener in der verspielten Herangehensweise ist, kontrollierter zwar, aber ohne die grelle Kraft und den Touch Streetwear aufzugeben. Im Shop und im Showroom findet man auch die eher populäreren Dinge, Basecaps, T-Shirts, schlichte Accessoires. Der Sprung vom verrückten Studentendesign zur kommerziell orientierten Kollektion ist stets ein komplizierter Balanceakt, den das lebhafte Designerduo auch im Interview vergegenwärtigt.

modaCYCLE: Was hat der Preis euch fürs letzte Jahr gebracht?

Lisi Herrebrugh: Die Entwicklung der neuen Kollektion, Jobs bei Nina Ricci, neue Stores, neue Kunden für Botter, viele Dinge letztlich. Und wir sind nach Paris umgezogen, das war auch nicht ohne.
Rushemy Botter: Wir mussten einerseits eine neue Struktur in unser eigenes Unternehmen bringen, das war vorher etwas offen, andererseits haben wir gelernt, wie es in der Fashion-Industrie selbst funktioniert. Wir waren vorher Studenten, da war es wie in einer Mode-Blase, das ist schon was anderes, wenn man in die Industrie geht.

modaCYCLE: Dieser Preis in Hyères gibt einem also eine echte Chance. Der Sprung in die Industrie ist ja nicht so einfach zu bewerkstelligen.

Lisi Herrebrugh: Also wenn man als Graduate die Schule verlässt ist es nicht einfach. Man findet keinen Job, schon Praktika sind schwierig – also da fühlen wir uns schon sehr privilegiert, dass uns das passiert ist. Und wir fühlen uns auch verbunden gegenüber denen, die nicht in derselben Situation sind. Das alles ist uns sehr bewusst.
Rushemy Botter: Richtig, das vergessen wir nicht und wir müssen auch für die eine Stimme sein.
Lisi Herrebrugh: Es ging schon alles sehr schnell.

modaCYCLE: Was hat sich stilistisch verändert seit letztem Jahr? Wir sehen, der Ansatz ist nun ein etwas anderer geworden, hat der industrielle Anspruch das bewirkt?

Rushemy Botter: Ich denke wir haben uns mehr angestrengt für diese Herausforderungen, wir machen zwar konzeptuelle Kleidung, aber wir machen immer Kleidung, die man tragen kann.
Lisi Herrebrugh: Wir waren nie Designer, die fürs Museum entworfen haben. Dafür sind wir zu sozial verankert, wir werden von den Menschen inspiriert, wie sie leben, wie sie sich emotional äußern, auch von ihren Beziehungen. Das ist relevant dafür, was man tragen kann. Und das geht hin bis zu den verwendeten Materialien. Die müssen unkompliziert herstellbar sein. Auch das war eine Veränderung, denn da muss man eine Brücke zu verrückten Ideen finden.

modaCYCLE: Wie kann man die konträren Pole der freien Kreativität, die ja bei euch sehr ausgeprägt sichtbar ist, mit den kommerziellen Notwendigkeiten unter einen Hut bringen?

Lisi Herrebrugh: Wir haben die Kollektion jetzt mehr oder weniger geteilt. Wir entscheiden, was wir auf dem Laufsteg wollen und daneben das, welche Stücke wir in den Showroom herein nehmen. Im Showroom wollen wir alles Mögliche zeigen.

modaCYCLE: Man zeigt also Sachen um des Schaueffekts willen und im Verkauf alles Mögliche, was man so macht?

Rushemy Botter: Ja, das muss man trennen.
Lisi Herrebrugh: Das hat mehrere Aspekte. Wir brauchen zum Beispiel ja auch Presse. Und die Presse will nicht die T-Shirts sehen, sondern was Extravagantes. Ihr gegenüber ist es ein wenig geben und ein wenig nehmen.

modaCYCLE: Der Umzug nach Paris, war das eine Notwendigkeit?

Rushemy Botter: Nun ja, Paris hat eine Infrastruktur für das, was wir machen und machen wollen, die wir in Antwerpen vergleichbar nicht einmal im Ansatz haben. Das ist uns sehr schnell deutlich geworden. Es war schon die richtige Entscheidung, auch wenn wir damit einiges neu regulieren mussten.
Lisi Herrebrugh: Wir mögen die Stadt auch, das hat uns die Entscheidung erleichtert. Auch wenn wir szenemäßig nicht so viel auf Achse sind, also kulturell und privat nicht so viel herumkommen. Wir leben da etwas zurückgezogener, weil wir viel mit unseren Dingen beschäftigt sind, aber das bringt der Stand der Dinge eben so mit sich und wir sind sehr zufrieden damit. Auch das ist ein Vorteil des eingangs erwähnten Privilegs.

City:

Shop und Showroom:

Das Défilé (hauptsächlich Kollektion für Petit Bateau):

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Spektrum der Gestaltungsansätze ist wie immer groß und reicht von jugendkulturellen Grundstimmungen bis hin zu träumerisch-romantischen Textilarchitekturen. Auch verschiedene kulturelle Backgrounds der Modegestalter aus verschiedensten Ecken der Welt bereichern das Panorama der Gestaltungsphilosophien, ganauso wie die verschieden gerichteten Ausbildungsorientierungen, die grundsätzlich und gerade bei den vorwiegend frischen Absolventen deutlich sichtbar bleiben. Ebenso reizvoll ist die Verschmelzung von nationalen Mentalitäten und internationalem Zeitgeist, sowohl bei jedem Einzelnen als auch im gesamten Spektrum der zehn Beispiele. Wir versuchen, die verschiedenen Konzepte näher zu erkunden (manchmal nur aus dem Gesehenen heraus, manchmal mit Hilfe der Erläuterungen ihrer Protagonisten):

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan) – „Polomani“ (MENTION SPÉCIALE DU JURY MODE):
Im Gespräch schichtet das gut gelaunte und kommunikationsfreudige Trio aus Japan die Auskünfte zu seinem Gestaltungsanliegen ähnlich wie das Erscheinungsbild seiner Modekombinationen aus unzähligen Aspekten und Anliegen zusammen, schnell, frisch und rasant und das in kompliziertem Japan-Englisch. Sie beziehen ihre Ansätze aus den 90ern, besonders aber aus japanischer Schnittkultur, berufen sich auf Kimonos, Sustainability und Handarbeit. Die waghalsige Schichtung der Schnitte und Silhouetten ist unabhängig vom Körper und bildet eine eigene Architekturgestalt. Kontrastierende Stoffe, Farben und Muster folgen dem gleichen Prizip, wobei eben spannend ist, dass die klassische japanische Kimonokultur stets den Kern des Denkens ausmacht.

Tsung-Chien Tang (Taiwan) – „Sleepwalker“:
Einerseits ist Tsung-Chien verliebt in luxuriöse Textiloberflächen aus handwerklich perfektionistischer Fabrikation, andererseits pflegt er eine Aversion gegen Perfektion eines Ganzheitlichen. Daraus entstehen asymmetrische, übertriebene und dekonstruktivistische Stücke, zusammengefügt aus Dutzenden von Möbelstoffen. Ergänzt mit Brokat, Organza und Kristallen entwickelt der Jungdesigner aus dem seltsamen Patchwork eine Mischung aus Romantik und Exzentrik, die obendrein noch mit asiatisch-historisierenden Stilismen versetzt ist. Das Gestaltungsprinzip setzt sich sogar in der Fußbekleidung fort, die, handgemacht, entsprechend opulent und bizarr das Erscheinungsbild komplettiert.

Dita Enikova (Littauen) – „Avoiding The Void“:
Hinter der Kollektion steht die Forschung zu nordischer (Kleidungs)kultur, genauer der Arbeitskleidung von Fischern – grau und introvertiert, eher abweisend und sich dem urbanen, ruhelosen Leben widersetzend. Die Designerin erzählt, dass sie sich monatelang in den entlegenen, eher unwirtlichen Gegenden aufgehalten hat und ihr Leben dort nun in eine allgemeines Gestaltungs-Konzept zu überführen sucht. Dabei sind keineswegs nur grobe Gummischürzen und -kapuzen aus Leder, Wolle, Gummi, Latex und wetterfesten Materialien entstanden, sondern es wurden auch sehr filigrane Naturbestandteile wie Federn eingebracht und reizvolle Oberflächenstrukturen zusammen gefügt. Intensives Blau und scharfe Schwarz-Weiß-Kontraste sowie lockere Teile-Kombinationen geben den komplizierten Konstruktionen Lebendigkeit und durchbrechen die Introvertiertheit kontrastierend.

Lucille Thièvre (Frankreich) – „Les Esplaces 19120“:
Eine nach eigenen Worten „elegante, aber auch sehr eigenwillige“ Kollektion zeigt Lucille Thièvre, die sich nach der Arbeit in verschiedenen Modehäusern nun selbständig gemacht hat. Sie läßt sich von der Mode der 80er Jahre inspirieren, elastische Stoffe, knapp sitzend und Haut zeigend. Damit sind ihre Sachen bewusst körperbetonend und beweglich. Vieles ist gerafft und der betont knappe Sitz erfordert Maßschneiderung auf den betreffenden Körper. Zusätze kunsthandwerklicher Art bereichern das Konzept und geben weitere vitale Akzente. Sexyness ist ein eher wenig vertretener Aspekt des jungen Modedesigns und wenn, wird sie am ehesten von französischen Vertretern/Vertreterinnen propagiert. Ganz tot ist Eleganz noch nicht da hat die Modestadt Paris noch ein Ass im Ärmel.

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz) – „Inked“ (PRIX CHLOÉ):
Die Schweizerin Tina Schwizgebel ist passionierte Tatooliebhaberin (auf einer Berlinreise hat sie das Handwerk dafür erlernt) und versucht, ihre Liebe dazu in Kleidung zu transferieren. Ausgebildet an Modeschulen in Lausanne und Genf bringt sie die Voraussetzungen dafür mit. Dabei geht sie sogar in drei entsprechenden Etappenkategorien der Entwicklung ihrer Outfits vor, nämlich mit 1. dem Motiv als Stoffprint, 2. recyceltem Pelz, rasiert wie vor dem Tätowieren die Haut und 3. Plastik, das das Cellophan zum Schutz des fertigen Tatoos repräsentiert. Gleichzeitig – vielleicht geschmacklich auch aus Berlin mitgebracht – trägt das Erscheinungsbild der Kollektion einen Touch von Punk und Gothic, der aber hinter der Feinheit der großflächigen Musterung eher zurücktritt. In rätselhaftem Kontrast dazu stehen die platten Sandalen und Strandlatschen auf der Schau, denn die sind weder Punk, noch elegant, noch tatooszenig.

Christoph Rumpf (Austria) – „Sans Titre“ (GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION):
Der Designer erzählt, dass hinter der Kollektion eine Geschichte steht, in der es um einen Jungen geht, der im Dschungel aufwächst, alleine ist und sein Leben lang kämpfen muss – und der, zurück bei den Menschen realisiert, dass er ein Prinz ist. Märchenfiktionen und besonders Fantasie haben also die Erscheinungsbilder der Kollektion geprägt, mit übertriebenen Größen, fantastisch prachtvollen Brokatstoffen und Goldprints sowie romatisierenden Uniformen. Und auch hier findet das Schuhwerk seine gestalterische Fortsetzung im Sinne einer ganzheitlichen Kreation.
Die sorgfältige Verarbeitung, die gekonnte Zusammenstellung und hochwertige Textilien distanzieren die Outfits gleichwohl von theaterkostümhaftem Auftritt. Der Österreicher engagiert sich darüber hinaus für nachhaltige Mode, er verwendet recycelte Stoffe (inklusive alte Teppiche unf Gardinen), die er oft auf Flohmärkten auftreibt.
Das Anliegen, den Träumen und Sehnsüchten des Menschen, in dessen Erwachsensein das Kindliche ja nur zwanghaft zurückgedrängt ist, wieder einen Platz im Designgetriebe zu geben, erhält sehr viel sympathisierendes Feedback. Anders gesehen betonen die Entwürfe den Kontrast zwischen praktischer Schutzfunktion und dem gesellschaftlichen Zeichen einer Rollenzuweisung bzw. einem Schönheitsideal. Insofern enthält diese Kollektion auch einen philosophischen Gedanken zur Mode und gewann wohl nicht von ungefähr den großen ersten Preis.

Milla Lintilä (Finnland) – „Metadance“ (KOLLEKTIONSGESTALTUNG FÜR GALERIES LAFAYETTE):
Mit Unterstützung von Ghioldi, Luxury Jersey, Sfate & Combier, Guigou – Première Vision Paris Puntoseta and Swarovski entstand die eher bodenständig erscheinende Kollektion, die schon nahe an Prêt-a-Porter-Design heranrückt. Das Interesse der Designerin an ausgefeilten Webverfahren und schöner Textur in Kombination mit Farbstreifen, die zum Teil etwas ungewöhnlichen Schnitten folgen führt zu einer eher „stillen“ Raffinesse in bunter, aber eben auch zurückgenommener matter Farbgebung. Die in Paris ansässige Finnin versucht lässigen Tragekomfort mit kleinen sexy Akzentuierungen zu versehen, die aber auch eher schlicht als extravagant auftreten. Unaufdringlicher Luxus.

Emilia Kuurila (Finnland) – „Taped on the Skin AW19“:
Nicht ganz so körpernah, wie der Titel der Kollektion suggeriert, sind die aktuellen Entwürfe von Emilia Kuurila konzipiert, aber die menschliche Gestalt spielt durchaus die entscheidende Rolle. Mit eleganten,, schimmernden Stoffen wie Seide, kräftigen Farben wie Rot, Gelborange und Azurblau und vor allem Streifen als Richtungsakzentuierungen und -spiele hat sie eine Herrenkollektion vorgestellt, die stellenweise recht elegant daherkommt. Besonders eindrucksvoll sind dabei die vielen kunstfertigen Fältelungen, Säume und flachen, eher feinen Schichtungen, die eine komplexe Oberfläche herstellen und den großen monochromen Flächen lebendige, offene und interessante Strukturen verleihen. Roh bleibende Schnittkanten verhindern übermäßige Glattheit. Die Silhouetten und Schnitte zeigen diverse Ansätze, vom kontraststarken Kurze-Hosen-Anzug mit transparentem Cape über kreuzquer gestreifter Hemd-Hose-Kombination bis zum vollständigen Anzug in fast klassischem Schnitt. Bei letzterem erscheint die komplexe Verarbeitung dann auch am raffiniertesten, auch wenn die monochrome Kombination mit dem Hemd da nicht die überzeugendste Entscheidung sein mag. Sie bewirkt einen Touch von „zu viel“, folgt aber immerhin dem Titel konsequent.

Róisin Pierce (Irland) – „Mna I Bhlàth (Women in Bloom)“ (PRIX DU PUBLIC, VILLE D’HYÈRES und PRIX DES MÈTIERS D’ART BY CHANEL):
Ohne klassische ästhetische Grundlagen zu verlassen oder zu negieren, versucht Róisín Pierce experimentelle Erweiterungen. Dies beginnt bei den Silhouetten und setzt sich fort in der Behandlung und Manipulation von Textilien und Schnitten. Sie versucht, experimentell auf der Basis des Begriffes Schönheit Herkömmliches mit Innovativem zu verschmelzen und dabei überraschende Erscheinungsbilder zu kreieren, wobei mit dem monochromen Weiß die Hauptaufmerksamkeit auf die differenzierend gestalteten Oberflächen geführt wird, die wie Skulpturen oder Reliefs ein veredelndes Eigenleben entwickeln. Das erstreckt sich sogar bis hin zum Schuhwerk, das hier feiner und eleganter daherkommt als bei den Konkurrenten/innen. Eine etwas spielerische Romantik scheint bei allem durch, man denkt zum Beispiel an Hochzeitskleider, trotzdem setzt die Designerin damit einen auffälligen Akzent im Getriebe der Jungen, der den Fine Gout nicht aufgeben will. Der Preis von Chanel und der Publikumspreis überraschen darum auch nicht besonders.

Yana Monk (Russland) – „Amderma“:
Die Designerin setzt deutlich auf jugendkulturelle Bewegungen und auf darin erscheinende düstere Stimmungen. Einschließende, verbergende Kapuzen, wallende, bodenlange Kutten, skulpturale, körperüberwindende Verformungen bestimmen die Erscheinungsbilder der Männerkleidung, ergänzt mit Bändern oder großen Überlappungen. Vorwiegend monochrome Grautöne unterstreichen das Mystische – oft allerdings eher heller als ganz dunkel.
Trotzdem bleibt stets etwas Haut sichtbar, wie eine Öffnung in der Abschottung.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Nicht immer verweisen innovative Accessoires nur auf ästhetische Trends, manchmal verweisen die Gestaltungsideen auch auf gesellschaftliche Visionen mit frappierendem Überraschungseffekt, der über den vordergründigen Gag hinausgeht. Gleich zwei Designerinnen (Sarah Levy und Noelia Morales) stellten den halben BH vor, einmal aus Leder und über der Kleidung zu tragen, einmal subtil-soft als Lingerie auf der Haut anzulegen. Beide Varianten erscheinen wie eine feministische Manifestation, die an kolportierte Amazonenbräuche erinnert und Sexyness eher aus Frauensicht formulieren als aus männlicher. Aber auch Eun-Song Joo oder Kexuan Li nutzen sexuelles Selbstbewusstsein mit ihren Handtaschen, die jenseits von plumper Anzüglichkeit elegant und zugleich pfiffig gestaltet sind.

Die offiziellen Präsentationsfotos der Accessoires der 10 Wettbewerbs-Finalisten von Jorge Perez Ortiz verbinden – quasi in einer vorgelagerten Ausstellung – nackte Menschen mit den betreffenden Accessoires, kultiviert und „ungeschminkt-natürlich“ arrangiert. Schon die erstmalige Beauftragung eines Fotografen, die Schau konzeptionell zu fotografieren, ist ein visuelles Staement, das allem einem ideellen Geist beifügt.

Unabhängig davon sind die meisten Gestaltungskonzepte von pfiffiger Innovationskraft geprägt und zugleich auch zeitgeistigen Stilismen verpflichtet. Die Schuhmode sieht sich großflächigen, groben Formen verpflichtet, sie kommen zum Teil als individuelle Skulpturen daher und haben manchmal auch austauschbare Elemente (Maria Nina Václavková).  Der Gestaltung der Sohlen wie riesige Stempel wird besonderes Augenmerk gewidmet (Dorian Cayol & Quentin Barralon). Diese Aspekte hatten Rushemy Botter & Lisi Herrebrugh schon letztes Jahr einfallsreich demonstriert und mittlerweile weiter ausgebaut.

Opulenz in der Stoff(wieder)verwertung mit üppigen und schillernden Applikationen als Manifest der Gestaltungslust und handwerklicher Verspieltheit (Martial Charasse) kontrastiert mit puristisch hartem, glattem Leder (Mathilde Le Gagneur) und geometrischen Formen mit traditionellen, hochwertigen Materialverarbeitungstechniken (Wei Hung Chen & Raiheth Rawla). Ein Comeback der spiegelnden Sonnenbrillen verschafft Fanny Aigroz mit einer poppig-kantigen, bunten Gestaltung mit 50s-Retro-Flair, das Spass macht.

Letztlich fächern die Gestaltungsansätze ein großes Panoptikum von Perspektiven auf, was die Nominierung eines Wettbewerbssiegers a priori erschwert. Den Grand Prix du Jury Accessoires de mode Swarowski gewann Noelia Morales mit der Lingerie-Kollektion „Anna Bonny, The Mastectomy Patch“, den Prix Public – Ville d’Hyères erhielt Sarah Levy mit ihrer Lederwarenkollektion „Creatures of Habit“ und die Mention Spéciale du Jury d’Accessoires de Mode bekamen Dorian Cayol & Quentin Barralon mit der Schuhkollektion  „Ò-pan6“.

Sara Levy (Belgien) – Creatures of Habit (Lederwaren-Kollektion):

Noelia Morales (Spanien) – Anna Bonny, The Mastectomy Patch (Lingerie-Kollektion):

Eun-Song Joo (Deutschland) – Eve (Lederwaren-Kollektion):

Kexuan Li (China) – Rhythm (Taschen- und Hüte-Kollektion):

Maria Nina Václavková (Tschechien) – OffCuts (Schuh-Kollektion):

Dorian Cayol & Quentin Barralon (Frankreich) – Ò-pan6 (Schuh-Kollektion):

Martial Charasse (Frankreich) – La ferme (Taschen-Kollektion):

Mathilde Le Gagneur (Frankreich) – [O] (Taschen-Kollektion):

Wei Hung Chen & Raiheth Rawla (Taiwan) – Khaore (Taschen-Kollektion):

Fanny Aigroz (Schweiz) – Spacing by the Pool (Brillen-Kollektion):

Rushemy Botter & Lisi Herrebrugh (Niederlande/Frankreich) – Schuhe (außer Konkurrenz):

Jorge Perez Ortiz – Fotografie der Kollektionen:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die zehn Finalisten des Nachwuchswettbewerbes werden von einer kompetenten Jury nicht zuletzt danach ausgesucht, inwieweit ihr gestalterischer Leitgedanke in der Lage ist, einen eigenen Stil zu kreieren, der zukunftsträchtig ist und auch handwerklich solide vorzugehen weiß. Mit dem Prix Chloé, dotiert mit mittlerweile 20.000 Euro, ist allerdings eine zusätzliche Herausforderung verbunden, nämlich die, einen überzeugenden Brückenschlag zu finden zwischen dem eigenen Stil und der klassischen Silhouette des berühmten Modehauses. Ein eigener Entwurf muss dafür gemacht werden, der dann in Konkurrenz mit den anderen neun Wettbewerbern in einem speziellen Défilé auf den Laufsteg gebracht wird. Der Preis ist sehr begehrt, entsprechend engagiert wird die besondere Aufgabe bearbeitet. Je revolutionärer der eigene Gestaltungsansatz ist, desto größer wird die scheinbare Unvereinbarkeit mit der klassischen Marke sein, gleichzeitig aber entstehen genau damit Vorschläge, die auch das Traditionshaus in innovative Richtungen denken lässt. Und umgekehrt ist der Designer verpflichtet, seine Freiheit in die Entwicklungsgeschichte einzubinden und sein gestalterisches Ego auf eine vorfindliche Fährte zu setzen.

Den diesjährigen Prix Chloé hat Tina Schwizgebel-Wang aus der Schweiz errungen, klug hat sie das Farbenproblem auf Weiß und Grau-Beige reduziert und damit einen beherrschten Kontrast der Teile hergestellt. Im Ganzen hat sie eine elegante Kombination aus raffiniertem Schnitt und eher klassischen Elementen geschaffen, die eine stimmige Gesamtwirkung erreicht. Über die etwas spießig anmutenden Strümpfe lässt sich geschmacklich streiten, die auch noch mit Sandalen kombiniert werden, das Schuhwerk ist aber immerhin behutsam modifiziert um Vergleich zu ihren dahingehend eher anspruchslosen Gestaltungen in der Hauptschau. Stellvertretend an diesem Beispiel lässt sich auch bei den anderen Wettbewerbern sehen, dass der dort vorfindliche Trend zum Groben, zum Teil auch Primitiven nur schwer zu einer gewissen Eleganz zu modifizieren ist.

Die Schau zeigt darum, besonders im Vergleich zu den Wettbewerbskollektionen, aufregende Verständniskonzepte und Stilmodifikationen, von denen zum Beispiel der Entwurf von der Russin Yana Monk eine beeindruckende Wandlung aufzeigt – von der Kutte zum Kurzkleid mit Gazeschleier-Cape.

Letztlich vielleicht ungewollt, hat Chloé mit dieser Herausforderung gut das Problem der Gegenwart hinsichtlich ästhetischer Gestaltungskriterien und des Gespürs für Eleganz auf die Tagesordnung gesetzt und fordert einen Spagat heraus, der für so manchen Designer unerwartete Konflikte heraufbeschwört, besonders dann, wenn Anti-Ästhetik eigentlich Teil seines Konzeptes ist.

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan):

Tsung-Chien Tang (Taiwan):

Dita Enikova (Littauen):

Lucille Thièvre (Frankreich):

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz):

Christoph Rumpf (Austria):

Milla Lintilä (Finnland):

Emilia Kuurila (Finnland):

Róisin Pierce (Irland):

Yana Monk (Russland):

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Highlight des Festival International de Mode, de Photographie et d’Accessoires de Mode in Hyères ist am letzten Tag das Défilé der von der Jury vorausgewählten Kandidaten für die verschiedenen Preise. Gut dotiert und stets mit Partizipation im Business bei renommierten Modehäusern ausgeschrieben sind die Auszeichnungen auch zugleich eine sehr konstruktive Förderung, die die Startchancen erheblich beschleunigen. Eine eigene, kommerzialisierte und beworbene Kollektion für ein bekanntes Label ist die Regel.

– Le Grand Prix du Jury de Première Vision ist mit 20.000 Euro dotiert und bevorzugter Präsentation bei Première Vision Paris Schau im September.  Außerdem die Gelegenheit, mit Chanels Métiers d’art ein Projekt bis zu 20.000 Euro zu realisieren.

– Eine Zusammenarbeit mit Petit Bateau für 10.000 Euro plus Royalities für die Gestaltung mehrerer Modelle, die produziert und kommerzialisiert werden.

– Der Chanel nouveau Prix des Métiers d’art. Mit ihm verstärkt Chanel sein Engagement als Hauptpartner des Festivals seit 2014. Er ist mit 20.000 Euro dotiert für ein neues Gestaltungsprojekt eines aus den 10 Kandidaten kombinierten Designerduos und wird im Folgejahr ausgestellt.

– Der Prix du public der Stadt Hyères (Publikumspreis) wird vom anwesenden Publikum per Stimmzettel gewählt.

– Außerdem gibt es eine Mention spéciale du jury mode, die dank eines besonderen Potentials als Belobigung ausgesprochen wird.

– Die Marke Galeries Lafayettes lädt einen Kandidaten ein für eine Kollektionsgestaltung, welche produziert, kommerzialisiert und beworben wird.

– EXCEPTION lädt einen Kandidaten seiner Wahl ein, in China zu arbeiten und auszustellen mit vereinbarten Projekten und Themen.

– Der Prix Chloé ist mit 20.000 Euro dotiert. Das Haus Chloé ist offizieller Partner des Festivals. Im Anschluß an die große Schau gibt es eine kleine, bei der die 10 Wettbewerber je ein Outfit im Stile des Modehauses entworfen haben, dies ist die Grundlage für die Preisvergabe. Wir zeigen die Schau im nächsten Artikel.

– Weitere Modeunternehmen nehmen später die Ergebnisse zum Anlass, den Wettbewerbern Jobs, Projekte und Kooperationen vorzuschlagen, so hat zum Beispiel Botter letztes Jahr einen Stelle als Kreativ-Direktor bei Nina Ricci erhalten. Die Fashionweek Berlin übernimmt seit neuestem die Schau des Hauptpreisträgers. Darüberhinaus ist auf dem Festival viel professionelles Publikum unterwegs, das nicht selten Nachwuchs sucht und zumindestens recht umfangreiches Networking ermöglicht.

Insgesamt ist das Festival (dieses Jahr das 34te) ein sehr kluges und mittlerweile bewährtes Fördersystem, oft kann man die neuen Karrieren im Handel und auf den großen Schauen in Paris und anderswo wenige Jahre später wiederfinden.

Das Défilé zeigte die 10 Wettbewerber in dieser Folge:

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan) – „Polomani“ (MENTION SPÉCIALE DU JURY MODE):

Tsung-Chien Tang (Taiwan) – „Sleepwalker“:

Dita Enikova (Littauen) – „Avoiding The Void“:

Lucille Thièvre (Frankreich) – „Les Esplaces 19120“:

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz) – „Inked“ (PRIX CHLOÉ):

Christoph Rumpf (Austria) – „Sans Titre“ (GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION):

Milla Lintilä (Finnland) – „Metadance“ (KOLLEKTIONSGESTALTUNG FÜR GALERIES LAFAYETTE):

Emilia Kuurila (Finnland) – „Taped on the Skin AW19“:

Róisin Pierce (Irland) – „Mna I Bhlàth (Women in Bloom)“ (PRIX DU PUBLIC, VILLE D’HYÈRES und PRIX DES MÈTIERS D’ART BY CHANEL):

Yana Monk (Russland) – „Amderma“:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Ein nicht unwesentlicher Teil des Festivalkonzeptes ist es, in einer Sonderausstellung zu zeigen, was die Preise des Wettbewerbes den Gewinnern gebracht haben. Neben ausgewählten anderen Kandidaten der Vorjahre haben sie in Showrooms Gelegenheit, die im Laufe des letzten Jahres entstandenen Kollektionen zu zeigen und es werden auch die kommerzialisierten Prêt-à-Porter-Teile im Shop zum Verkauf angeboten. Es ist eine kleine Erfolgsdemonstration des Wettbewerbverfahrens einerseits, andererseits begleitet die Veranstaltung seinen ausgesuchten Nachwuchs über die Startveranstaltung hinaus.

Wir sehen also, was die vergangenen Preisträger im letzten Jahr entwickelt und produziert haben, dank der diversen Chancen, die sich aus den Preisen ergeben haben. Botter und Manas waren dabei im Shop auch reichhaltig vertreten, die Gespräche mit ihnen erscheinen demnächst bei modaCYCLE.

Rolf Ekroth (Finnland) – Finalist 2016 für „Les Galeries Lafayette“:

Marianna Ladreyt (Frankreich) Prix Chloé 2017:

Marie Eve Lecavalier (Kanada) – Prix Chloé & Mention spéciale du jury mode 2018:

Maria Korkeila (Finnland) – Mention Speciale Jury 2017:

Ines Bressand (Frankreich) – Kandidatin 2018:

Mayeul Reignault (Frankreich) Finalistin 2017:

Sari Räthel und Ricarda Wolf (Deutschland, jetzt London) – Finalistinnen 2018:

Sara Emilie Terp Hansen (Dänemark) – Finalistin 2018:

Besonderer Raum auf dem Festival wurde Rushemy Botter & Lisi Herrebrugh eingeräumt, die 2018 den Grand Prix du Jury PREMIÈRE VISION für ihre Männerkollektion „Fish or Fight“ gewannen, mit der sie später dann auch auf der Fashionweek Berlin eingeladen wurden. Sie waren mit einem Showroom präsent, sowie im Shop und auch mit einer Installation. Botter hat inzwischen eine Stelle als Creative Director bei Nina Ricci und das Designerduo ist mitsamt seinem Label aus Antwerpen nach Paris gezogen, um dicht am Businessstandort zu arbeiten und von der Modedynamik der Stadt zu profitieren. Mit der kreativen und launigen Verspieltheit ihres Vorgehens haben sie viel gemacht und eine Kollektion für 2019 auf die Beine gestellt, die von eher klassisch geradlinig bis zu gewagtem Teile-, Material- und Schnittsampling verschiedenste Varianten ihres Vorgehens bereit hält.

Sehr konstruktiv weiter gearbeitet hat auch Ester Manas (Frankreich), Finalistin 2018. Sie hat die noch recht experimentelle Phase der 2018-Kollektion verlassen und sich darauf konzentriert, One-Size-Fits-All-Kleidung zu entwerfen und über diesen Ansatz eine eigene Linie zu finden, die nach wie vor die lebenszugewandte Frau im Focus hat. Sie arbeitet jetzt mit Balthazar Delepierre zusammen.

Bei allen Preisträgern und Finalisten wurde deutlich, dass die Teilnahme am Wettbewerb in Hyères der Weiterarbeit einen erheblichen Schub gebracht hat und die Absprungbasis in den kommerziellen Erfolg deutlich beschleunigt hat, sogar, wenn kein abschließender Preis damit verbunden war. Und gerade das ist vorbildliche Nachwuchsförderung, einfach im Konzept, wirkungsvoll im Ergebnis. Wir denken, dass die Berliner davon hätten lernen können, diese aber mit dem erfolgsversprechenden Berliner Salon leider zu kurzatmig (weil kommerziell kalkulierend) waren.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Wir haben es schon mehrfach beschrieben, der Ort Hyères mit den palmengesäumten Straßen an der Côte d‘Azur, blütenprächtig und architektonisch elegant, die Villa am Berg in einem schönen Park-Garten mit Blick über die Stadt zum Meer und zu den Bergen, es ist immer wieder eine Pracht, die Postkarten einfach nicht widerspiegeln können.

Und das 4-tägige Festival de Mode, de Phothographie et d‘Accessoires de Mode hat hier alljährlich den schönsten Ort, den man sich denken kann. Der lange Titel bedeutet schon, dass hier ein großes Spektrum thematisiert wird, das man mit einem Ein-Tages-Besuch gar nicht angemessen würdigen konnte. Zehn Preiskandidaten aus jedem Bereich präsentieren ihre Arbeiten, dazu ausgewählte Teilnehmer der Vorjahre, ergänzt von Ausstellungen und Installationen ausgesuchter und renommierter Künstler.

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