Text: Gerhard Paproth
Bilder: Gerhard Paproth, Boris Marberg

Wenn ein Label beziehungsweise ein Modedesigner in der Fashionweek zu einem Date in ein Restaurant einlädt, ist das schon fast ein neues Format. Handverlesene Gäste, kaum Presse und ein eher intimes Ambiente rücken eine solche Veranstaltung im Vergleich zu einer großen Modenschau schon fast in einen intimen Charakter, wo der Modedesigner und seine Arbeiten scheinbar dicht am Publikum (sprich Kunden) dran sind.

Die Wahl der Location folgt hier anderen Massgaben, Niveau und Ambiente spielen eine große Rolle und in der Folge auch die angebotenen Speisen und Getränke, die Bedienung, das Licht und letzten Endes sogar der Stadtteil. Das muss imagegerecht geplant sein und so haben wir das auch wahrgenommen.

Die erste Veranstaltung dieser Art zur Berliner Fashionweek SS2021 war schon am vorausgehenden Sonntag, ein Brunch mit #Damur in Kreuzberg. Ein großer, eher etwas nüchterner Saal mit Bühne vor den großen Fenstern, langen Tischreihen, einer Bar und einem Büffet sowie einem Ausgang zum bestuhlten Garten. Eher unauffällig in einer Ecke platziert zwei Kleiderstangen locker gefüllt mit ein paar verschiedenen Outfits der jüngeren Produktion und einem riesigen Eyecatcherkleid aus Patchwork daneben. Alles eher schlicht, nicht unbedingt fotogen das Ganze, aber thematisch nüchtern, denn es geht nicht um Stil sondern um Upcycling. Wie bei Damur üblich, werden die aktuellen Schlagworte der jungen Generation optisch konsequent in eine Modeidee übertragen und variiert, wobei man dann um diese Schlagworte, also hier UPCYCLING, noch geistige Konstrukte bauen kann und darüber reden. Diese Gespräche und Ansprachen wurden dann auch von der Bühne ins Publikum lanciert, kommentiert und ausgeweitet. Zwischendurch wurde auch mal ein Outfit von einem Modell gezeigt, für die Kameras.

Ein typisches Damur-Konzept, ein symbolischer Begriff wird so direkt wie möglich visuell auf Kleidung übertragen und verbal gefüllt und ausgeschmückt. Ästhetische Konzepte haben laut Shih-Shun Huang ohnehin abgedankt und werden heutzutage durch aktuell ideelle ersetzt, was auch direkt auf die Mode zu übertragen sei. Wenn aktuelle Begriffe Mode werden, also zur sprachlichen Formel (Prinzip „Propaganda“), kann man sie auch zur Formel in der Modegestaltung transferieren und das hat dann auch zwingend Erfolg. Das nur scheinbar einfache Verfahren gelingt Huang Damur immer sehr schlüssig. Und in dem Sinne war die Veranstaltung auch ein gelungener Treffer.

Ganz anders positionierte sich die Lana Mueller – Veranstaltung. In einem hochkarätigen Restaurant: ambitioniertes Innendesign, mit runden Tischen, exquisiter Ausstattung, stilbewußtem Personal und eher intimer Beleuchtung. Gutes Essen, hochwertige Getränke (und ein guter Weinhändler als Sponsor) sowie erlesene Gäste, denen man auch das Bewußtsein zu exquisiter Mode ansah. Dazu eine professionelle Animatrice, der immer Text einfiel und die durch den zeitlich etwas gedehnten und damit entspannten Abend führte. So wurden die Pausen zwischen den drei Modevorführungen mit je vier Kleidern unterhaltsam gefüllt und die Designerin im Gespräch zu diesem und jenem vorgestellt. Schöner Aufenthalt, Modenschau und animierte Unterhaltung im Kreis geladener Gleichgesinnter erwiesen sich als stimmiges, imagegerechtes Konzept.

Die vorgeführten Modellkleider stammen aus den letzten 13 Kollektionen von Lana Mueller, jetzt nachhaltig neu produziert, elegant, aber nicht so spannend wie bei den saisonalen Schauen, die wir bisher von ihr sahen.

Die charmanteste Veranstaltung war die „Japanische Nacht“ des Labels Susumu Ai in einer eher winzigen Sake-Bar in der Ludwigkirchstrasse. Mit zurückhaltendem Charme und großer Aufmerksamkeit wurden alle Gäste periodisch in die Nomu Sake Bar (die erst nächste Woche offiziell eröffnet) geführt und mit exotischen Getränken (Kyushu Gimlet – japanischer Gin, Lime, Sakura; Green Planet – japanischer Whisky, Matcha, Vermouth) und exquisiten japanischen Häppchen versorgt.

Die Mode des Labels war wie Kunst an die Wände montiert, vier Beispiele, die den Kunstcharakter durchaus einlösen können. Eine Mischung aus klassisch japanischem und westlichem Styling, aus hochwertigen, nachhaltigen Materialien, extrem sorgfältig verarbeitet und geschmacklich ausgewogen kombiniert – auf seine Weise außerordentlich elegant. Das Designerduo Keiho und Alisa Menkhaus mit seinem kleinen Team ist erst seit letztem Jahr auf den Markt getreten und verkauft zur Zeit per Internetorder aus Berlin.

Keine Übertreibung, klein und delikat, bescheiden aber große Klasse – in jeder Hinsicht korrespondierte auch diese Veranstaltung mit dem Selbstverständnis des Labels.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Während der Fashionweek wird alljählich der FASH-Award verliehen, für den sich Studierende und gerade fertige Studenten aus ganz Europa bewerben können. Der European Fashion Award FASH wird ausgelobt von der gemeinnützigen Stiftung der Deutschen Bekleidungsindustrie (SDBI). Wir berichteten gelegentlich darüber, nun ist die kleine Exposition und der Verleihungsakt vom Griechischen Hof des Neuen Museums Berlin in den Berliner Bahnhof umgezogen, nicht mehr ganz so feudal der Ort, aber trotzdem ambitioniert. Drei Preise werden vergeben an „Studierende“, „Abschlussarbeiten Bachelor“ und „Abschlussarbeiten II“, mit 1000 bzw. 2000 Euro Preisgeldern, Büchern, individuellen Coachings, Praktika und Publikationen sowie einer kleinen Präsentation und Kleinpreisen für alle Finalisten. Zitat SDBI: „Erfahrungsberichte und Workshops zum Schwerpunkt Schnittentwicklung. Die Jury aus unterschiedlichen Bereichen der Mode gibt in den Workshops eine detaillierte Stärken/Schwächen Analyse zum Portfolio wie zu den realisierten Kleidern. Die Finalisten erhalten so Hilfen zu klaren, realistischen Erwartungen und Zielsetzung für den Berufseinstieg. Daneben gibt es viel Zeit für den individuellen Austausch.“

Neu hinzugekommen ist ein Preis für Modefotografie.

Eine Förderaktion für den Nachwuchs, vielleicht nicht ganz so effektiv wie die großen Förderaktionen mit starkem industriellen und renommiertem Sponsoring, dafür aber ebenso engagiert, kompetent ausgerichtet und hilfreich zum entscheidenden Ausbildungszeitpunkt. Und interessant sind die Arbeiten der Finalisten allemal, denn sie haben bereits ausgeprägte stilistische Orientierungen und handwerkliches Finish.

Mit dem Abgang des Berliner Salons und dem Rückzug des Vogue-Salons in exklusivere Sphären sind solche – für uns sichtbare – Fördermaßnahmen konkrete Hilfen für gerade jene Nachwuchsdesigner, die nicht von Haus aus über genügend Geld verfügen, um die Wendepunkte und langen Startzeiten fürs Weiterkommen zu finanzieren, professionelle Starthinweise einzuholen und ein paar relevante Netzwerkkontakte aufzutun.

Preisträger waren dieses Jahr:
Ecehan Altikardes, Hochschule Pforzheim
Katharina Heinze, Universität der Künste, Berlin
Elisa Herrmann, Accademia di Costume e Moda, Rom
Jakob Tillmann, Lette Verein, Berlin (Modefotografie)

16 von 22 Finalisten des European Fashion Award FASH 2019 in ausgewählten Präsentationen:

Stina Sophie Peters:

Carla Herrig:

Ecehan Altikardes + Jurian Haas:

Christian Begaso-Walg:

Julia Schürmann:

Friederike Stanitzek:

Marcel Rosenberg:

Elixabeth Perdiguero:

Friederike Snelting + Yana Monk (s. auch in Hyères):

Katharina Heinze + Sandra Eden:

Aleftina Karasyova + Stina Sophie Peters:

not named:

Preisträger und Veranstalter:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Ein letzter, kurzer Spaziergang führt uns zunächst in das 9. Arrondissement – ungewöhnlich für einen Fashionweekbezug. Nähe Pigalle, Nähe Barbès. Esther Perbandt beweist mit der ausgesuchten Location typisch Berliner Arbeitsstrategie: Es muss nicht immer das Teuerste und Übliche sein, wenn eine gute, ausgefallene Idee zu mindestens gleichwertigen und auch ungewöhnlichen Ergebnissen führt. In einer gepflegten Bier-Bar hat sich die Designerin für ein paar Stunden tagsüber zwei Tage lang einquartiert, um hier ihre Kollektion TIT FOR TAT* (auf deutsch „wie du mir, so ich dir“ ) für ss 2019 zu präsentieren.
Aus unserer Sicht ist die Wahl der Location in einer Pigalle-Bierbar ein genialischer Schachzug mit Alleinstellungsmerkmal im großen Pariser Fashionweekgetriebe und seinen unzähligen Präsentations- und Showroom-Veranstaltungen, die immer edel, teuer, sicher platziert und etwas aufgedreht daherkommen. Jedenfalls ist diese Präsentation eine sehr kluge Idee, Berliner Künstlermentalität auf der Fashionweek Paris treffend vorzuführen. Und dass diese Strategie vielleicht am Stromlinienkommerz vorbei geht, kann man da durchaus in Kauf nehmen, Qualität und eigenwillige Prägnanz sind Kriterien, die eine Fanschaft rekrutieren (und bedienen), die eben nicht so flüchtig und anpasserisch drauf ist, aber dennoch anspruchsvoll. Das war den Besuchern vor Ort auch anzumerken.

Perbandts Kollektion erscheint dagegen nicht ganz so exzentrisch wie gewohnt sondern eher schlicht und geradlinig zurückgenommen, ohne den typischen Stil aufzugeben. Man hat sogar den Eindruck, dass gelegentlich veredelnde Aspekte hinzutreten (z.B. die Sicherheitsnadel als Glanzstück) und dass das nach wie vor eigenwillige und innovative Perbandt-Terrain für den Pariser Geschmack geöffnet wird. Die Designerin hat ja auch geraume Zeit in Paris gearbeitet und weiß sehr genau, wie der Kommerz und die Konsumenten dort ticken. Verraten hat sie sich damit keineswegs.
Sie ist natürlich selbst anwesend und ihr eigener Kleidungsstil ist darüber hinaus ein unmissverständliches Grundsatzstatement.

* „Tit for Tat“ ist eine Spielstrategie, die zwischen Kooperation, Rache, schneller Provozierbarkeit und Vergeltungsautomatismus navigiert.

***

Das zweite Rendez-Vous haben wir im K I OZ lab Showroom ( Galerie Christophe Gaillard) im 3. Arrondissement. Interessant war uns die Kollektion in der Vorschau als Post-Goth-Konzept erschienen, doch bei näherer Betrachtung vor Ort änderte sich unsere Einschätzung erheblich. Die Designerin Tsolo Munkh ist in der Mongolei aufgewachsen und lebt seit 2005 in Paris. 2010 hat sie in Hyères den Publikumspreis gewonnen und ihr eigenes Label gegründet. Die mongolische bzw. buddhistische Kultur sind ihr stete Inspiration in der Behandlung der Stoffe, der Oberflächen und auch der Schnitte. Stickerei, Verzierungen und Brüche in Körper und Fläche sind ebenso Kennzeichen der Gestaltung wie bewusst rohe Schnitte bzw. Silhouetten, so dass stets etwas „Natürliches“, Raues, in sich aber raffiniert Organisiertes die Gestaltung bestimmt. Folkloristische Feelings kommen mitnichten auf, im Gegenteil, die Kollektion kommt sehr zeitgemäß bis avantgardistisch daher und erweist sich als sehr komplex im scheinbar Groben.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der Arnhemer Modedesigner Irving Vorster sucht die Balance zwischen dem täglich Tragbaren und dem exzentrischen Auftritt. In seinem Heimatland Holland zählt seine Mode schon geraume Zeit zu den arrivierten Labels im gehobenen Segment, im „Atelier Neerlandais“ im 7. Arrondissement präsentierte er seine aktuelle Kollektion „Con-Tour-Noir I“ für ss 2019 nun auch auf der Paris Fashionweek.

Immerhin, das internationale Modeparkett betrat er schon 2008 in London, seit 2010 existiert sein eigenes Label. Kennzeichen sind luxuriöse Stoffe, gelegentlich auch mal natürliche, sowie ein grafisches, herausstechendes Linienspiel, das mit seinem streng geometrischen Charakter manchmal auch scharfkantige Formgebungen akzentuiert. Die Formen verschieben sich meist zueinander und geraten dadurch in Bewegung. Zu diesem klaren Leitgedanken fügt der Designer exzentrische „Ausbrüche“ hinzu, stets spielerisch dynamisierend, sowohl mit Zickzack-Linien, richtungsbrechenden Schichtungen oder rasanten Abschlüssen am Hals, die dann letztlich das gesamte Erscheinungsbild prägen.

Bei aller geometrischen Klarheit und verspielten Strenge behält Voster neben der Eleganz auch das Weibliche im Blick, Sexyness, Mystik und emanzipierter Auftritt bestimmen den Grundcharakter der Schnitte und letztlich auch die Farbgebung, die im Wesentlichen auf Schwarz und Violett beschränkt ist.

Alles in allem führt der Designer ein Konzept vor, das aus der Kombination dynamisierter Geometrie und luxuriöser Weiblichkeit seine ästhetische Spannung bezieht, mit deutlichen Akzentuierungen und diversen Zusätzen – auch bei den Frisuren und dem Makeup, die durch kontrastierende Masken ergänzt werden. Zeitgeistig ist dieses optische Konzept allerdings wenig, eher eine Neuinterpretation oder Weiterschreibung der 60s von Dior oder YSL, die sich damit vielleicht einem Selbstverständnis von „zeitlos“ nähert. Aber das darf im Luxussegment des Prêt-À-Porter auch so sein.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Erneut präsentiert der Schweizer Designer Marc Stone seine neue Herrenkollektion auf dem Laufsteg in Berlin. Düster und dunkel gehalten, wurden dem Publikum konzeptionelle Ansätze zu Silhouetten und Schichtungen gezeigt.

Tiefes Blau, Grau und Schwarz sind die wesentlichen Assoziationen, welche sowohl die Kollektion an sich, als auch das Konzept der Schau prägten. In der Kollektion sollten „zivilisationsbedingte Entwicklungen“ in einem „beinahe philosophischen Ansatz“ thematisiert werden. In Relation zu den vorangegangenen Kollektionen ist deutlich sichtbar, dass man sich androgyner ausrichtet, dies aber durch pointierte Akzentuierungen nicht durchgängig aufrecht erhält. So durchbricht die ebenfalls kooperativ präsentierte Herrenunterwäsche diese Ansätze deutlich. Bei den Silhouetten fällt die teilweise voluminöse „Verhüllung“ auf, die sich auch in Pluderhosen niedergeschlagen hat. Die Körperlichkeit tritt funktionell und als Mittel der individuellen Expression in den Hintergrund. Bei den Konstruktionen gefallen scharfkantige Trennungen der Flächen, wie auch die Schichtungen. Herausstehend sind sportliche Anoraks und gröbere Pullover.

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Text und Bilder: Boris Marberg

Auch Julia Heuse ist eine ESMOD Absolventin, welche hinter dem Label Juliaandben steht. Das 2008 gegründete Label präsentierte im Rahmen der Mercedes Benz Fashionweek in Berlin je eine Kollektion, welche sich sowohl an Herren, wie auch Damen richtet.

Die Entwürfe sollen zwischen den Polaritäten Kommerz und Avantgarde unter Einflussnahme von Elementen stilistischer und funktionaler Sportbekleidung pendeln. Beide Kollektionen (oder Kollektionsteile) sind farblich düster und dunkel konzipiert und akzentuieren handgefärbte Teilflächen die entsprechend inhomogen sind. Thematisch richtet man sich an einer unvollkommenen, städtischen Landschaft aus, die Berlin zugeschrieben wird. Entsprechend hat man bei der Materialwahl auf Wollmischungen, Kaschmir, Seide, Leder und Baumwollmischungen zurückgegriffen. Bei den Accessoires, respektive bei den Details finden sich Ansätze von Lederharnischen – ein „Trend“, welcher in den vergangen Jahren vielfach als Kontrastmittel und Blickfang eingesetzt wurde. Die Kollektion ist im Ergebnis explizit auf Berlin als Stadt ausgelegt und stellt sich den Frage der Mode in der Urbanität.

Umfassend betrachtet kann man exemplarisch von der Fashion Week in Berlin in Bezug auf die stilistische „Mischung“ von Herren- und Damenmode ein paar grundsätzliche Entwicklungen ableiten, welche sich schon seit mehreren Saisons sich etablieren. Der urbane Charakter und das entsprechende Selbstverständnis werfen entscheidende Definitionsfragen auf. Dies sind auf der einen Seite die funktionellen Aspekte von Kleidung im öffentlichen, städtischen Raum und zum anderen in Bezug auf die Geschlechterdifferenzierung, welche Kollektionslinie sich an der anderen (stärker) orientiert und was bei „Unisex“ überhaupt der gemeinsame (kleinste) Nenner ist. Zusehends wird der öffentliche Raum von denjenigen Menschen visuell geprägt, welche entweder nicht dem kollektiven Diktat der Erwerbstätigkeit –  mit einhergehender kollektiver Uniformierung – unterworfen sind, oder jenen (unfreiwillig), welche von diesem ausgeschlossen sind.
Für die Feststellung der Prägung ist massgeblich, von welchem Ausgangspunkt man die Einflussnahme jeweils betrachtet. Seit spätestens Ende des 19. Jahrhunderts dominiert die funktionelle Uniformität in der Herrenmode. Die Damenmode hat sich indes stetig emanzipiert und wurde körperbetonter, freier und flexibler. Auch die „Eroberung“ der Arbeitswelt, hat anders als in der Herrenmode, nicht zu einer verstärkten Normierung und Konditionierung der Damenmode geführt. Entsprechend stellt die Parallelstellung von Damen- und Herrenkollektionen, gipfelnd in „Unisex-Kollektionen“ nahezu ausschließlich eine Anlehnung und Aufnahme von maskulinen modischen Elementen bei den Damen dar. Die Herrenmode kann dem gegenüberstehend nur sehr begrenzt sich bei Elementen der Damenmode bedienen. Meist erschöpft sich dies dezent darin, dekorative Elemente wiederzugewinnen, welche ohnehin jahrhundertelang für Herrenmode prägend war.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Andreas Hofrichter

Zoe Ona AW13

Für das Label Zoe Ona, hinter dem die Designerin Andrada Ona steht, war die Schau mit ihrer Kollektion für den Herbst und Winter 2013 die Premiere auf der Mercedes-Benz Fashion Week. Das Label wurde vor zwei Jahren erst gegründet und Andrada Ona ist geradezu eine Paradebeispiel für den kreativen Quereinstieg in die Modewelt.

Gerne bezeichnet sich die Designerin als Modemensch und gelernte Realistin. Ihre Designansätze sind schlicht und basieren auf schlichtem Luxus, ohne viel Schnörkel. Dass dabei die Tragbarkeit ebenso im Mittelpunkt steht sieht man ihren Entwürfen sofort an, die fern vom Glamourösen sind. Das Spiel mit schlichten und geometrischen Oberflächenkonstruktionen gelingt der Designerin ebenso gut wie der Umgang mit dezenten Applikationen und Details. Im Mittelpunkt der Kollektion stehen Blazer, Jacken und Mäntel, die in verschiedenen Materialmixen umgesetzt sind und zum Beispiel Strick, Leder und Fell kombinieren. Daneben stechen auch angenehm fallende leichte lange Röcke mit eine zarten Dynamik ins Auge. Die Farben sind klassisch herbstlich grau in der Palette gedeckt und werden mit warmen Erdtönen in der Basis aufgelockert. Dies steht neben einer Reihe von Looks, die farblich laut mit kräftigen Rottönen aufwarten. Weitere Einzelstücke wie Miniröcke bringen Glanz in die Kollektion und unterstreichen die luxuriöse Ambition. Einen Höhepunkt bilden Kostümkombinationen in silber- / bronzefarbener Oberfläche, die fast schon eine charakteristische Festigkeit und Griffigkeit vermitteln ohne die Grundformen zu durchbrechen und in den Oberflächen schön geschichtet sind.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

Der Besuch des African Fashiondays war, muss ich gestehen, begleitet von der Erwartung, den faden Farben und Schnitten diverser Berliner Designer entfliehen zu können und stattdessen in eine Welt frischer, mutiger und origineller Modekonzepte überzuwechseln. So ganz ging dieses Vorhaben aber nicht auf, nicht zuletzt auch deshalb, weil die vertretenen Modeschöpfer afrikanischer Herkunft großenteils in europäischen Großstädten leben und arbeiten, was bestenfalls einige interessante Crossover-Ästhetiken aufscheinen lässt, die Kollektionen gestalterisch aber doch eher auf den europäischen Markt zu schielen scheinen.

Ausnahmen davon, zumindest in diversen Aspekten, konnte man in dem angeschlossenen Showroom mit sechs Designern finden, beispielsweise bei Malaika Designs (Adowa Ode-Dombrowe, Rosemary Dede – Ghana, jetzt Berlin), Hunadi Bespoke (Mabothokgong Mathole und Chantel Fourie – Johannesburg), José Hendo (GB) oder Afromania (Nkwo Onwuka – Nigeria). Neben der Womenswear gab es Schmuckkollektionen und Accessoires, die auf moderne Weise alte Traditionen der Webtechnik, Handfärberei und Stickereien mit unterschiedlichsten Materialien sowie afrikanische Prints aufleben lassen und damit nicht nur Naturverbundenheit suggerieren, sondern auch vom Treiben der Frauen auf dem afrikanischen Kontinent inspiriert sind. Die Fusion mit westlichen Schnitten und Stoffen und urbaner Ästhetik führt dann doch zu überraschenden Gestaltungen, auch bei den Accessoires und besonders beim Schmuck, dem eine reiche Vielfalt an Materialien eignet. Die beiden repräsentierenden Modelle für José Hendo dagegen zeigten spannend zusammengesetzte und gebrochene Schnitte und Formen, die durchaus modernes Körper- und Lifestyleverständnis repräsentieren und den Bezug zu Afrika kaum vermuten lassen. Allerdings:  Hendo fertigt die skulpturalen Kollektionen aus Baumrinde und die Ergebnisse interpretieren diese alte afrikanische Handwerkskunst aus dem 15. Jahrhundert neu. In der Anschauung bleibt der Bezug aber verborgen.

Optisch eher westlich orientiert war es dann auch bei den Shows der drei Designer(innen) auf dem Laufsteg. Adama Paris (Designerin: Adama Amanda Ndiaye, geboren in Kinshasa) startete mit einer rein schwarzen Kollektion aus schwarz in schwarz gemusterten Seiden bzw. Satinstoffen, meist sehr raffiniert geschneidert mit hautengen, akzentuierenden Silhouetten – glatt und gekräuselt kontrastierend. Sehr körperbetonte und elegante Cocktailkleider, vielleicht in den zurückhaltenden Mustern konnte man gelegentlich noch Spuren afrikanischer Einflüsse ausmachen, sofern man die suchte. Vielmehr fühlte man sich mit den kurvenbetonten Silhouetten an die Körperkultur brasilianischer Weiblichkeit erinnert, sehr lebendig und sophisticated sexy.

Afrikanische Farbenfreude dann bei Nomi by Naomi. Kräftige, farbige Muster in akzentuiertem Kontrast zu monochromen Flächen, die wiederum in einfachen Farbe-An-Sich-Kontrasten auf große Leuchtkraft setzen. Eher lässige Volumen für genügend Bewegungsfreiheit und gänzlich auf einen lebensfrohen Alltag gerichtet. Dazu auch afrikanisch anmutende Armreifen, großzügig kombiniert und farbig gemustert.

Der männliche Kollege Romero Bryan zeigte dann die abschließende Show, der DJ legte dazu fantastischen Afro-Techno auf. In London groß geworden, startete der Modeschöpfer mit jamaikanischen Wurzeln seine Karriere sehr jung und entschieden, seine großen Erfolge hat er heute hauptsächlich in den USA, wo Berühmtheiten und Stars seine eher zeitlos angelegten Kreationen lieben. Der weibliche Körper steht dabei sowohl bei den klassischen Kleidern als auch bei den gewagteren, mit viel transparenten, zum Teil raffinierten Cutouts versehenen Abendkleidern im Zentrum der Beachtung und Gestaltung. Souverän beherrscht Romero Bryan alle Raffinessen der Schneiderkunst, ohne sich dabei auf besonders kennzeichnende Merkmale festzulegen. Eine manchmal fast lässige, aber stets akzentuierende Eleganz bestimmt alle Schnitte und Applikationen, ob schlicht oder komplex, ob weit oder eng, großflächig oder filigran, stets suchen die Stücke, einen besonderen, individuellen Auftritt zu sichern. Bemerkenswert tolle Schuhe und oft auffällig schöner Schmuck rundeten die  abwechslungsreichen Auftritte ab.

Romero Bryans ist ein Star der afrikanischen Modeszene, allerdings sieht man seiner Mode keinen Herkunftsbezug an.

Unterm Strich ist der African Fashion Day eine Bereicherung der Berliner Fashionweek, auch wenn ich mir etwas mehr afrikanisch inspirierte Akzente gewünscht hätte. Vor den Schauen wurden – um diese Vorstellung etwas zu konkretisieren – sehr beeindruckende Projektionen gezeigt, die die kulturelle Verbindung von Mode und afrikanischem Alltag und Selbstverständnis sehr originell vorführten. Einige davon haben wir fasziniert mitfotografiert und hängen sie unten an die Catwalk-Strecken an.

José Hendo

Malaika Designs

Hunadi Bespoke

Nkwo Onwuka

Adama Paris

 ***

Nomi by Naomi

*** 

Romero Bryans

Projektionen vor der Schau

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die junge Designerin Khrystyna Rachytska aus Lviv präsentierte auf der Fashion week in der ukrainischen Heimatstadt ihre neue Kollektion Sommer / Frühjahr 2012. Viele Interessiert auch aus Fachkreisen waren an dieser Kollektion sehr interessiert, nachdem die Designerin bereits dieses Jahr den nationalen Grand Prix XIII für junges Design in der Ukraine gewinnen konnte. Ihre Kollektion betitelt die Designerin mit „Women of my family’“ und greift damit thematisch klassische Themen und Traditionen in der Galizischen Kultur der Westukraine, genauer gesagt der fruchtbaren und landwirtschaftlich geprägten Region Podolia auf. Entsprechend werden Muster und Applikationen in die Entwürfe eingearbeitet, wie Schleifen und Krägen. Auch bei den Mustern setzt sie dezente farbliche Akzente ohne eine reserviert zurückhaltende Grundstimmung aufzubrechen. Die Silhouetten basieren auf locker fallenden und dynamischen Volumen, die mehr umhüllen als einzuhüllen. 

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Kaska Hass Couture ist ein Berliner Label das für dynamische Mode mit Gradlinigkeit nach ökologischen Gesichtspunkten steht.

Im Rahmen der Schauen auf dem von Lavera, einem der weltweit führenden biologischen Kosmetikherstellern, gesponserte Berlin Showfloor, präsentierte die Berliner Designerin Kaska Hass ihre neue Kollektion für Herbst und Winter 2012. Vor vollem Haus, was bei mittlerweile rund 800 Sitzplätzen wirklich nicht zu verachten ist und sich nicht hinter den Veranstaltungen der Mercedes Benz Fashion Week verstecken muss, wurde uns eine sehr klar ausgestaltete Damenkollektion gezeigt. Ähnlich wie schon bei der letzten Herbst- / Winterkollektion stechen Designmerkmale hervor, welche für die Handschrift der Designerin stehen.

Markante großflächige Krägen bei Mänteln und asymmetrische geführte Frontflächen bei Jacken lockern die sehr klaren Konstruktionen auf und vermitteln einen zeitgenössischen urbanen Look. Die Farbpalette ist zum einen maritim gehalten, zum anderen zeigt sie  facettenreich Grautöne. Insbesondere  die Textildrucke haben zwei große Themen. Da sind ganz in Assoziation zu dem Titel der Kollektion WavePower, wellenartige horizontale Streifen in Blau, die in direktem Kontrast zu grauen Strukturen bei den Drucken stehen, die aber nicht in einer Ornamentik gehalten sind. Vielmehr wirken die grauen Flächen wie Steine und Felsen, die als Projektionsflächen für die blauen Wellen fungieren, auf die diese auftreffen. Bei den Silhouetten wird oft auf lockere Volumen gesetzt die viel Bewegungsfreiheit geben, so zum Beispiel bei Variationen von Ballonröcken. Die Kollektion wirkt sehr frisch und jugendlich. Sie bietet eine gute Auswahl an zahlreichen Looks, die sich kombinieren lassen und für vielerlei Situationen geeignet sind. Neben vielen Kreationen die alltagstauglich und sportlich sind, finden sich auch elegante Kleider und Hosenkombinationen die sich für Abendanlässe anbieten.

Kaska Hass ist eine Modelabel das auch anspricht weil es sowohl ökologische Gesichtspunkte und qualitativ hochwertiges Design bietet. Zudem setzt das  Label auch auf Textilien nach GOTS Standard.

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Text &Bilder:  Boris Marberg

„Chincha“, so ist die neue Kollektion des Labes Under Queen, der Designerin Roksolana Baran betitelt. Beeinflusst ist die Kollektion von Motiven aus Latein Amerika, was sich in den Mustern und in der Verwendung von Details wie zum Beispiel Schmuck und Applikationen. Roksolana Baran setzt bei der Materialwahl ganz auf Seide, Satin und Chiffon. Ziel ist es weiche und schwingende Silhouetten mit Volumen zu schaffen, was sich bei einigen Kleidern gut widerspiegelt. Die Farbpalette ist geschichtet und verwendet zumeist Weiss als Untergrund, auf dem dann Blaut und Rot aufsetzen. Abgerundet wird farblich durch Türkis und Orange. Insgesamt eine kleine Kollektion, die sehr tragbar und kombinationsfreudig ist. Für den Einstieg, das Label ist aus der Teilnahme am Designwettbewerb Euro 2012 Fashion Day 2010, entstanden ein sehr ansprechender Erster Schritt.

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Text: Marcello Rubini

Bilder: Andreas Hofrichter

Laurèl hält, was der französische Klang verspricht: eine Kollektion, die sich ganz bewusst auf französischen Stil bezieht. In einer Art Prolog sahen wir Filmausschnitte und Bilder mit Brigitte Bardot, die ja in den Sixties noch ein neues Modell der Freiheit verkörperte. Fast vergessene kulturelle Statements und Feelings; dieser Bezug sollte den roten Faden der nachfolgenden Schau (auch entsprechend musikalisch begleitet) bilden. Mit der Sommer-Kollektion hat Laurèl dann alle Register gezogen, die die modischen Referenzen auf die Sixties/Seventies herauskehren, von den Accessoires (z.B. Hüte, Gürtel) bis hin zu den Hosenanzügen bzw. Overalls, die seinerzeit für Frauen das lässige Must bedeuteten und gerade in den Sommermonaten an der schicken Cote-d’Azur allgegenwärtig waren. Brigitte Bardot war zweifelsohne Leitfigur des französischen Hippie-Chics – Schlapphut, grosse Sonnenbrille, enge Hosen, superkurze Röcke und lockere Blusen, der von ihr vorgeführte Stil weckte die Sehnsüchte der „Teens“ und „Twens“ überall in Europa und wurde aufgegriffen vom neuen „Jet-Set“, ob an der Cote d’Azur, auf den Aftershowparties der Rolling Stones oder in den französischen Filmen.

Laurèl allerdings kopiert nicht nur diesen seinerzeit sehr farbenfrohen bzw. bunten Stil mit wilden Mustern, die zum Teil nur mit den zugehörigen Drogen geniessbar waren, sondern beschränkt sich auf die Lockerheit der Schnitte (flatternde Kleider, lose Blusen, knappe Hosen), eher zurückgenommene Naturfarben (Grau, Sandtöne, Weiss und Schwarz mit gelegentlich erfrischend aufleuchtenden Komplementen von Blau bzw. Türkis, Gelb bzw. Limone, Rot), nur wenige Muster (maritime Querstreifen, gelegentlich aber auch Kreise und immer wieder graue Schlangenprints).

Fast alles, was die 60s/70s-Mode an Neuem bot, finden wir zwar irgendwie wieder, aber doch stilistisch unaufdringlich und konzentriert auf eine eher atmosphärische Anmutung der Erinnerungen an eine erfrischend lockere Zeit, mit der wir letztlich auch Brigitte Bardots Erfindung der modernen, freien und sinnlichen Frau assoziieren. Unsere Gegenwart kann mit der befreiten Ausgelassenheit der 60er vermutlich nicht mehr viel anfangen, aber bei Beobachtung der angestrengten Suche vieler Modemacher, wie die selbstbestimmte, selbstbefreite Frau sich modeoptisch darstellen lässt, hat Laurèl hier einen treffenden und sehr überzeugenden Gestaltungsansatz gefunden, erwachsen und trotzdem jung, kultiviert und sexy, geschichtsbewusst, ohne dem Retroaspekt Penetranz zu erlauben.

Ehedem Kind von Escada, ist diese Linie sowohl inhaltlich als auch gestalterisch eine gelungene und selbstbewusste Emanzipation.

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Text / Bilder: Marcello Rubini

Eine gute Portion Rückbesinnung auf’s Einfache liegt dem Macher-Ehepaar von Blacky Dress momentan sehr am Herzen, Befreiung von Tand und Aufgesetztem als Rückkehr zu reduziertem Design. Das erinnert nicht nur an die Bauhaustradition, sondern auch stark an die „Berliner Krankheit“ der frühen 80er, wo das Rohe in schwarz oder mit starken Farben die Musik und Kunstszene beherrschte. Gleichwohl versteht sich Blacky Dress nicht als Avantgardelabel, auch wenn mit der aktuellen Kollektion es für Kunden Überraschungen bereithalten will.

Zur Präsentation der aktuellen ss2012-Kollektion beobachteten wir die Entscheidung für einen einfachen Pagenschnitt und ein Makeup von Boris Entrup (L’Oréal/Maybelline), das mit Gloss die Lippen leuchten lässt und den Augen mit Silber und Grau linear akzentuiert.

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Text / Bilder: Boris Marberg

Kristin und Nika sind zwei junge Designer aus Lviv in der Ukraine, die dort erstmals eine Kollektion vorgestellt haben. Präsentiert wurde die kommende Herbst / Winter Kollektion.Die Kollektion wird von klassischen Wintermänteln und Kleidern dominiert, welche mit großzügigen Volumen und Silhouetten die zur A-Form neigen dominiert. Einzig eine Kombination aus Short und eine Top das mehr oder weniger nur aus Trägern bestand, fällt etwas aus der Linie heraus. Die Farben sind teilweise herbstlich gedeckt, auch wenn sich Rottöne eingeschlichen haben. Bei der Materialwahl wurde überwiegend auf schwere Materialen wie Wollmix zurückgegriffen, oder auch Baumwolle und Fleece. Markant sind teilweise die Jabonelemente bei Mänteln, die serh ansprechend auflockern.

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