1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Auf der zwölften Positions stellt das neue Kuratorenduo Diandra Donecker und Dao Tran zwanzig Designer und Designerinnen für den Bereich Fashion vor. Manche sind wie zuvor wieder dabei aber spannende Neuentdeckungen gibt es auch und die Schnittstellen von angewandter Kunst und freier Kunst zeigen sich dabei scheinbar noch evidenter und vielseitiger als bisher, umso mehr, als auch in der freien Kunst auffällig viele Modebezüge eine wichtige Rolle spielen. Im Gefüge der Kunstmessen erscheint die Positions wie eine Entdeckermesse, denn auffälliger als anderswo wird sie nicht nur von Fachpublikum frequentiert sondern auch von sehr diversen Interessierten, nicht zuletzt weil die Positions sich noch im Zusammenhang mit der Berliner Art Week aufstellt. Diese etwas populärere Zielgruppenorientierung setzt weniger auf große Namen sondern eher auf künstlerische Trends und auch in der Fashionabteilung wird das deutlich. Und gerade hier, bei der Mode, zeigt sich, dass die Berliner Kulturszene doch eigen und zugleich herausragend ist.

Die Vielseitigkeit im künstlerischen Ansatz der Modedesigner ist bemerkenswert und offenbart sich nicht mehr nur als quasi erweiterte Installationsgestaltung einer Modeposition sondern dezidierter in den inhaltlichen Ansätzen – mehr oder weniger offen oder gezielt. Und nicht nur die geläufigen zeitrelevanten Themen (Umwelt etc.) kommen zum Zuge sondern auch rein künstlerische Ansätze stellen textiles Gestalten in neue beziehungsweise deutlichere Zusammenhänge, die über Mode hinausgehen. Das entspricht letztlich auch einem allgemeinen Trend der Gegenwart, wo Mode mit Kunstausstellungen zusammen geht und wo Kunsthandwerk und bildende Kunst näher zusammen rücken. Dem jungen Publikum kommt dieses Kulturverständnis sehr entgegen, denn das entspricht seiner Vorstellung eines kreativen Lebensumfeldes mehr als elitäre Abgrenzungen von Gebieten.

Erfreulich ist auch die Beobachtung, dass das Berlinspezifische sich nicht auf einen subkulturellen Kern berufen muss, sondern im Anspruch mittlerweile weit darüber hinaus ein kreatives Selbstverständnis entwickelt. Renommierte Repräsentantinnen wie Claudia Skoda und Esther Perbandt haben das zwar schon längst vorgeführt, aber die neuen beschreiten den gleichen Weg in ihrem Selbstverständnis. Und dieser Anspruch läßt die flüchtige Insta-Kultur hinter sich. Selbst Labels wie Haderlump, die sich eher dem modischen Zeitgeist verschrieben haben, versuchen, einen essentiellen Kern herauszustellen oder wie Danny Reinke die verzaubert-romantisch verklärte Märchen- und Naturwelt seiner eher pragmatischen Mode als ideelle Basis des Schaffens zuzuspitzen. Interessant sind auch Bezüge zur Kunst- und Kulturgeschichte wie auf gotische Altäre (Elodie Carstensen) und, besonders faszinierend mit Stillleben erarbeitet, das Thema Les liaisons dangereuses von Laclos bei Plaid-á-Porter. Auf die Faszination eleganter und schillernder Zweckverfremdung von Schneidermaterial verweist Maximilian Gedra, Krankenhaus-SM thematisiert äußerst witzig Lilian Brade und die Gestaltaffinität zu Autodesign als ästhetische Spezifik überträgt Selva Huygens in Kleidung. Besonders erwähnenswert sind die groß angebrachten, aufschlussreichen Texte zu den Designern und Designerinnen und zu ihren jeweiligen Arbeiten. Die sind sorgfältig kuratiert und kommen besonders dem kunstaffinen Publikum zugute, das damit anspruchsvoll an das Thema aktuelles Modedesign herangeführt wird.

Stets zeigt sich, dass die Modedesigner ihr Selbstverständnis am liebsten im künstlerisch-kreativen Tun verorten, was bekanntlich schwierig ist, weil Mode als angewandte Kunst eben kommerziell funktionieren muss. Bei der Herausforderung dieser Kunstmesse kann und muss diese Selbstreferenz zu einer überzeugenden Demonstration herausgearbeitet werden. Und das fällt natürlich den ganz jungen noch leichter als den bereits etablierten. Spannend bleibt dann auch die Frage, inwieweit ein künstlerischer Ansatz in der Mode in ein kommerzielles Gefüge überführt wird oder werden kann. Im umgekehrten Sinne hatte die Kunstgeschichte nie ein Problem damit, Mode war immer ein Teil ihrer Bildwelten. Und wie man hier in der freien Gegenwartskunst beobachten kann, ist sie gerade besonders präsent (siehe Bildbeispiele unten): Cranach-Modelle tragen Chanel-Bikinis (Ieva Il Tnere), Modestickerei überdeckt das Porträt (Idowu Oluwaseun) und Glasbläserei assoziiert textile Skulptur (Maria Bang Espersen) – nur zum Beispiel.

Alexander Gigl:

Cbui:

Claudia Skoda:

Cruba:

Danny Reinke:

Elodie Carstensen:

Esther Perbandt:

Fiona Bennett:

Format: :

Haderlump Atelier Berlin:

Karen Jessen:

Lilian Brade:

Maximilian Gedra:

Nadine Aurin:

Plaid-À-Porter:

Raufaser:

Selva Huygens:

Vanessa Baernthol:

Yannic Pretzlaff:

Modebezogene Kunst aus den Galerien der Positions 2025:

Carolina Bazo:

Carole Feuerman:

Henry James:

Idowu Oluwaseun:

Ieva Il Tnere:

Jonathan Esperester:

Maria Bang Espersen:

Norman Gebauer:

Sarah Geppert:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Eine Installation ist für Esther Perbandt ein gutes Format, um ihre künstlerischen Ambitionen mit den Modeentwürfen zusammenzuführen, und dabei hat sie stets faszinierende und ausgefallene Ideen. Sehr gelungen ist ihr das auch mit der aktuellen Kollektion “Concrete Jungle” in Zusammenarbeit mit dem Veranstaltungsort Acht Berlin.

Sie nutzt den Ort brutalistischer Architektur, in den ein großes Oval, quasi ein begrünter ein Hof mit Glaswand, ein Lichthof, eingelassen ist. Darin die Präsentations-Installation, die dann vom eigentlichen Nutzraum her betrachtet werden kann – wie ein Terrarium, in dem die Exoten sich am Schaufenster, still oder mit leicht skurillen Bewegungen, selbst vorführen. Das Draußen wird zum Drinnen oder umgekehrt. Das Innenlicht reflektiert auf den Scheiben ebenso wie das Außenlicht. Auf dem Boden des Lichthofs Naturrasen, in der Luft große scharze Luftballons, darüber der sommerliche Himmel, in der Mitte sitzt eine Cellospielerin und an den Glasfenstern stehen die Modelle mit der Kollektion.

Exotisch ist die Mode von Esther Perbandt meistens, sie ist schon lange aus der Gothic-Szene herausgewachsen, auch wenn man die Wurzeln deutlich erkennt beziehungsweise erkennen soll, aber die Designerin hat sich entwickelt, hin zu mehr Eleganz und zu zeitgemäßem Erscheinungsverständnis. Dabei bleiben alle ihre Entwicklungsperioden sichtbar enthalten und das macht die Kollektionen erfahren im Geschmack und differenziert in der Anschauung, ohne dass sie sich nun ganz auf trendy Ausdrucksformen stützt. Das Differenzierte zeigt sich nicht nur in der Unterschiedlichkeit der Looks sondern auch innerhalb eines solchen.

Zeitgemäß, wie auch bei vielen anderen Designer(inne)n, sind die vielen Transparenzen, ausgespielt in allen möglichen Varianten für alle Geschlechter, dazu noch immer Bänder, Strippen und Schichtungen, ausgefranste Konturen, Risse in den Flächen und stark modifizierte klassische Standards. Schwarze Kordeln und Gold als Kontrast sah man allerdings nicht mehr. Bemerkenswert ist, dass die Designerin nun die Strenge und die geometrische Selbstverpflichtung weitgehend aufgegeben hat und stattdessen viele lockere, formale Verspieltheiten zuläßt. Und dass sie nun die hermetische Verschlossenheit als Leitprinzip oft aufgebrochen hat und den Menschen (beziehungsweise den Körper) als Teil der modischen Inszenierung zulässt, ja, sogar feiert. Das ist, selbst wenn man es als Prozess beobachtet, schon ein radikaler Wandel, den sich Perbandt auch deswegen leisten kann, weil sie längst bei einer souveränen Stilistik angekommen ist, die sich von formalen Selbstverpflichtungen weitgehend emanzipiert hat. Und trotzdem bei sich bleibt. Die Looks von Esther Perbandt erkennt man unschwer immer als solche auch jenseits des Standards „Schwarz“.

Referenzen zum Klassischen (Anzug, Kostüm etc.) sind – im Vergleich zur dekonstruktivistischen und konstruktivistischen Phase – modisch zwar minimiert, aber als eher unbewegte Installation mit Cellobegleitung noch atmosphärisch relevant. Der Touch von Mystik und Ernsthafigkeit ist noch erhalten und die zugelassene Erotik erscheint, trotz aller Transparenz, zurückhaltend und distanziert. Im Vergleich zu früheren Saisons ist der Schritt ins Gegenwärtige mutiger und entschiedener geworden und es zeigt sich, dass das mitnichten den Perbandt-Style beeinträchtigt, sondern als Gewinn zu verbuchen ist.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Frau Perbandt gibt sich mit einer Garagenlocation nicht zufrieden, aus dem Stadium ist ihre Arbeit herausgewachsen: im Gebäude der Gemäldegalerie präsentierte sie diese Saison eine Schau mit Performancecharakter und das natürlich in Schwarz. Komplett dunkel ist der große, klare Raum, diverse LED-Spots, links und rechts je drei Diaprojektionen in aufgestellten Rahmen und eine Minibühne in der Mitte, eher ein kleines Podium und eine Dia- und Videoprojektion dahinter. (Fast) keine Farben, minimalistische Klarheit in diesem sogenannten Astro Noir Lab.

Auf dem kleinen Podium zeigen die Modelle nacheinander die Kollektion, dahinter sieht man Projektionen von ihren Outfits, sich bewegend ohne menschliche Körper darin im Wechsel mit abstrakten, unbewegten Science-Fiction-Körpern. Die Leitidee der Kollektion ist damit schon angedeutet: das Bekleidungsobjekt als abstrakte Gestalt; im Wesentlichen wird damit aber nichts bemerkenswert Neues aus dem Gestaltungskosmos der Designerin vorgeführt. Der üppige Goldschmuck ist allerdings verschwunden, statt dessen gibt es häufiger ausladende bauschige Formen, die mit der strengen Geometrie der Kleiderarchitektur stark kontrastieren. Das Schwarz bleibt bei sich und ist dieses Mal auch weniger variantenreich beziehungsweise raffiniert ausgespielt.

Im zweiten Abschnitt der Veranstaltung tritt eine Sängerin auf, deren schöner Mezzosopran vor elektronisch leicht modifizierten Streicherklängen kühl und zugleich melancholisch den Raum füllt wohl etwa für drei bis vier Songs. Auf ihrem ausladenden Kleid geben bewegte Astroprojektionen sphärische Assoziationen hinzu und im kaum beleuchteten Hintergrund stehen die Modelle mit ihren Kleidern.

Wie so oft gelingt es der Designerin, die sich selbst gerne in Verbindung mit Kunst sieht, einen Raum optisch und auch atmosphärisch mit ihren gestalterischen Leitvorstellungen souverän und eigen zu prägen und mit ihrer darin vorgeführten Mode die passenden Akzente zu setzen.

Streng unterkühlte Melancholie, pointiert und elegant vorgeführt und sicherer und zugleich exzentrischer Geschmack verleiht Esther Perbandt nach wie vor den verdienten und herausragenden Status als Berlin-typischste Designerin.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Lange hat man nichts gesehen von Esther Perbandt, jetzt ist sie wieder da. Schleichend und behutsam hat sich die Marke verändert, musste sie ja auch, die Urprungsära von Postpunk, Goth und Post-Industrial ist ja längst vorbei. Immerhin gezielt zum Eleganteren hin, was im Hinblick auf die Startkonstellation vielleicht etwas verquer anmutet, aber grudsätzlichen Gestaltungsstilismen ist die Designerin schon treu geblieben. Besonders dem Schwarz.

Esther Perbandt entdeckt gerne Printmotive, die sie dann in verschiedenen Aufdrucken und Applikationsformen verwendet, in diesem Falle Blaupausezeichnungen mit Erläuterungen zu Seidenproduktionsmachinen aus alten Zeiten und aus Frankreich. Früh-Industrial, könnte man anmerken, das ist noch ein origineller Rückbezug. Aus den gefundenen Motiven sind in Lago di Como, Italien, Jacquardstoffe aus Seide-Leinen entstanden, Jacquard-Foulards aus Wolle und Seide und hochwertige Drucke auf Seide. Ebenso inspirierten sie zu einer neuen Schmucklinie aus teilweise überdimensionierten goldenen Zahnrädern als Ohrringe, Halsketten, Armcuffs und Gürtelbeschlägen. Dazu kommt ein Faible für schwarzseidene Kordeln (siehe ganz unten) mit goldenen Versatzstücken (Enden), wie überhaupt die Kombination Schwarz mit Gold ein wichtiges Gestaltungselement der Kollektion sind.

Hinzu treten Schuhe mit blockartigen Podesten unter den Sohlen (mit denen man aber noch ganz gut laufen kann) und Hüte aller Art von Fiona Bennett, oft sehr hoch wie seinerzeit bei Hoss von „High Chapparal“. Wir lieben Fiona Bennett, aber für diese Kollektion erschienen die Kopfbedeckungen weniger passend, da hätte man sich vielleicht kongruentere Entwürfe zur Kollektion gewünscht. Besonders bei den beiden Milchbubi-Modellen wirkten die Hüte schon ziemlich unernst.

Kaum jemand beherrscht die Gestaltung mit Schwarz in Schwarz und das Lichtspiel darauf so gut wie Esther Perbandt, diese Kompetenz hat sie in bestechender Weise kultiviert. Auch mit eleganten, feinen Textilien und schimmernden, eingewebten Mustern sowie mit den Kontrasten zu dem erwähnten schweren Goldschmuck. In den Schnitten bleibt sie ihren herkömmlichen Verfahren im Wesentlichen treu, aber die Schichtungen mit den stets gekonnten Effekten sind nicht mehr so zwingend die entscheidenden Wirkungsaspekte. Andere Gliederungen und Regulierungen, wie zum Beispiel mit den eleganten Schärpen, haben an Wichtigkeit gewonnen, vorteilhafterweise.

Auch die konsequente Geschlossenheit von dem Füßen bis zum Hals ist jetzt gelegentlich aufgegeben und man entdeckt damit die Erlaubnis zu mehr Sexyness und Hinwendung zum menschlichen Körper, der die Sachen trägt.

Getragene Elektromusik und langsame Bewegung der Modelle ist schon eine ungewöhnliches Schaukonzept, aber Esther Perband kann tolle Inszenierungsideen auf die Beine stellen, insofern reiht sie sich leider trotzdem in die üblichen Laufstegrituale ein, das fanden wir etwas schade, denn, wenn nicht sie, wer soll diese gleichförmig banalen Rituale endlich mal etwas ideenreicher aufbrechen?

Alles in allem ist die durchdringende Veredlung des Ersther-Perbandt-Styles ein absoluter Gewinn, die Geschmacksverfeinerung und Zuwendung zu Eleganz und ästhetischer Aura ist ein echtes Sehvergnügen, gerade da wo das Schwere und Verpackende leichter und raffinierter in der Zurücknahme geworden ist. Damit ist Esther Perbandt mit ihrem „Comeback“ auf dem Schauenzirkus nach wie vor die relevanteste Berliner Modedesignerin aus Berlin.

Esther Perbandt ist auch gerne anderweitig gestalterisch unterwegs, jenseits der Bekleidung und des Schmucks. Wir berichteten schon anläßlich der Positions von diesen Ambitionen, die sich an der Grenze zwischen Kunst und Modedesign bewegen. Es ist schwierig, diese Arbeiten einzuordnen, man könnte es vielleicht zweckfreies Design nennen. Anläßlich der Fashionweek hat Esther Perbandt eine kleine Installation aus drei Teilen in die Fußgängerpassage des „Bikini“ gestellt, wo sie dann auch der oben erwähnten Lust auf schwarze Kordeln ausführlich frönen konnte. Sieht schön aus.

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Bilder: Boris Marberg
Text: Gerhard Paproth

Die Stylistin und Co-Gründerin des Fashion Council Germany Claudia Hofmann war wieder die Schlüsselfigur der beeindruckenden Schau der „Alternativen“. Sie hatte eine Folge von 51 Multi-Label-Looks aus über 80 nachhaltigen Designerkollektionen, die auf der Neonyt-Messe vertreten sind, zusammengestellt, eine Schau, die aus oft sehr banalen Alltagsdesigns etwas Besonderes herauskehrte.

Das Grundprinzip, nämlich mit konstruktivistischer Manier, sicherem Geschmack, Witz und diversen Anspielungen ein komplexes Gesamtbild zu entwerfen, das gleichzeitig auch die avantgardistische Leitidee eines zukünftigen Modebewußtseins bzw. Selbstverständnisses vergegenwärtigt, konnte wie schon in der letzten Saison das Publikum überzeugen und sorgte für viel Beifall.

Der typische Protagonist bzw, die typische Protagonistin ist im Prinzip ein moderner Nomade. Sein Lebensentwurf ist bestimmt durch Unterwegssein, ob in der Natur oder im urbanen Irgendwo, er hat seine alltäglichen Notwendigkeiten und flüchtigen Besitztümer stets im Gepäck bei sich und versteht sich ansonsten unabhängig. Seine Kleidung ist für alles gewappnet, allen Witterungen gewachsen, also praktisch, warm oder locker genug, solide und natürlich nachhaltig, und der modische Sinn ergibt sich nicht (mehr) aus modeindustriellen Vorgaben, sondern aus der eigenen Kreativität der Zusammenstellung bzw. „Präsentation“, die seine Persönlichkeit mehr oder weniger erkennbar werden läßt. Das Individuum schafft aus dem Vorhandenen seine eigene Gestalt(ung).
Der typische Protagonist denkt die Zukunft mit, demonstriert mit seiner Kleidung eine Philosophie der grenzenlosen Welt und hat sich von modischen Trends unabhängig gemacht. Und Teil der Philosophie ist es eben gerade, selbst kreativ zu sein, quasi eine späte Erfüllung des Beusschen Kunstbegriffes, aus dem Bodenständigen, Energetischen eine ästhetische Gestalt abzuleiten.

Der besondere Reiz und der Pfiff des optischen Auftritts ergibt sich aus der kontrastierenden Kombination der Teile und in diesem Mix werden die gedeckten, eher unattraktiven Farben plötzlich zu reizvollen Qualitäten und mit witzigen Hinzufügungen werden banale Outdoorjacken plötzlich zu individuellen Betrachtungsweisen. Die Genderfrage braucht nicht weiter betont oder herausgestellt zu werden, sie ist impliziter Bestandteil des erweiterten philosophischen Selbstverständnisses.
Eine großartige und auch glaubwürdige Vorstellung, die mit der Modenschau hier optisch aufbereitet wird und damit avantgardistischer ist, als alles andere, was es auf der Fashionweek bisher zu sehen gab bzw. gibt, die Eröffnungsschau der südafrikanischen Designer mal ausgenommen. Beeindruckend ist zudem die ungeheure Vielfalt, die dieses Konzept ermöglicht, der differenzierte Spaß daran, der sichtbar wird und die verborgene Wildheit im Mix, der die pragmatische Grundhaltung aufmischt. Das so für eine Schau selbstbewusst, stimmig und geschmackvoll aufzubereiten ist eine hohe Kunst und der Stylistin Claudia Hoffmann als größten Verdienst an der Sache und an der Perspektive zuzuschreiben. Gleichzeitig verkehrt sie damit schließlich den muffigen Beigeschmack alternativer Gestaltungsschwächen in eine überzeugende Stärke, deren Perspektive mit größter Glaubwürdigkeit und deutlicher Attraktivität daherkommt.

Beteiligte Labels der Schau:

AA Gold, Ackermann Ledermanufaktur, Africa 254 (FA254) Samra, After March, Alinaschuerfeld, Ambiletics, An Buermans, Andy-Wolf, Anek., Angela Ciobanu, Anna Schuster, Annette Rufeger, Antonia Zander, Armedangels, Arys, Balütta, Before 7 am, Biker-Zone, Boochen, Brachmann, Church of the Hand, Cloudy – Berlin, Dopper, Ecoalf, Esther Perbandt, Fade Out, Falke, Fjällräven, Folkdays, Forever, Friedrich Dippmann, Fub, Graciela Huam, Hanna Fiedler, Hessnatur, Hi on life, Høyem, Icebreaker, Ida & Volta, Imarit, Informis Studio, Iriedaily, Klättermusen, Langer Chen, Lani Lees, Lanius, Lara Krude, Layla De Mue, Lemon Jelly, Lil‘ Lapel, Saheli Women, Afterlife Project, Manakaa Project, Mandala, Marco Scaiano, Marria Roslova, Marita Moreno, Mies Nobis, Mimycri, Miomartha, Nakt, Natascha von Hirschhausen, National Geographic, Neubau Eyewear, Noah, Opaak, Paladium, People Berlin, Phyne, Pulva Jewelry, Quite Quiet, Recto Verso, Reer 3, Rhuuma, Sandermann, Schmidttakahashi, Scoop, Sepideh Ahadi, Skarabeos, SKFK, Skua, Sonja Tafelmeier Couture, Spatz Hutdesign, Stoffbruch, Swedish Stockings, Tata Christiane, The North Face, Timberland, Tretorn, Trippen, Vaude, Veja, Wayk´s, Wolfskin Tech Lab, World Pearls Love und Wunderwerk.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die Showcases der Berliner Fashionweek werden in der allgemeinen Wahrnehmung stets etwas stiefmütterlich behandelt – solange das rauschhaft Aufgedrehte einer Laufstegpräsentation mit Musik, Bühnenlicht und Zuschauerreihen entfällt, werden Präsentationen und Installationen eher als beiläufige Veranstaltungsdekoration abgetan. Manchmal sogar von den vertretenen Künstlern selbst. Dabei ist gerade dies eine Gelegenheit, den Detailreichtum und raffinierte, anspruchsvolle Verarbeitung zu inszenieren und vorzuführen und längere Betrachtungsdauer anzupeilen.
Zugegeben, das Designerteam hört keinen frenetischen Beifall, die Presse berichtet kaum und das Publikum mustert die Exponate genau so schnell wie bei einer Schau. Und sogar in unserer Redaktion bin ich mit meiner Freude an der stillen und aufmerksamen Betrachtung alleine. Aber ich gehe auch viel in Kunstausstellungen und seltener ins Theater.

Vier verschiedene Designer präsentierten sich auf den Showcases diese Saison, Esther Perbandt und Isabel Vollrath, beide statisch auf Puppen, Ivanman mit choreographierten Live-Modellen und Lana Müller im MBFW Livestream und via Public Viewing vor Ort. Letzteres ging eher etwas unter in den vielen gezeigten Livestreams am laufenden Band, die Ivanman-Schau war immerhin zu einem bestimmten Zeitpunkt für dafür geladene Gäste und damit eher eine Veranstaltungsart zwischen den Möglichkeiten.

Esther Perbandt hatte noch einen Empfang mit angeschlossenem Panel Talk mit Geza Schön arrangiert, aber die Kleinstausstellung war den ganzen Tag zu sehen. Der angekündigte Installationscharakter der „Zeremonienmeisterin“ war eher nicht zu bemerken, die lange Erfahrung (ihr Berliner Label feiert dieses Jahr seinen 15. Jahrestag) in Gestaltung und Ausarbeitung dagegen schon. Soweit wir erkennen konnten waren die Ausstellungsexponate aktuelle Arbeiten, die sich nicht unbedingt als saisonale Positionierungen verstehen müssen.

Der explizit dekonstruktivistische Charakter ist mittlerweile nicht mehr so exponiert wie früher (als das ja kaum einer machte – im Gegensatz zu heute) , die Verschachtlungen der Textilelemente sind systematischer und klarer geordnet und die Schnitte erlauben sich hie und da etwas mehr Sexyness. Besonders exzentrische Elemente erscheinen nur manchmal, wie die blasenförmigen Oberflächen, die den Kleidungsstücken an- oder eingefügt sind. Zwei senkrechte Streifen im Oberkörperbereich tauchen dagegen oft auf – am stärksten als Träger – strukturieren aber auch im unteren Bereich Flächen und Formen. Monochrom versteht sich, und das ist bei Esther Perbandt eben immer schwarz und gelegentlich auch weiß. Schichtungen, Bänder, die wie Gurte erscheinen und auch einen Beigeschmack von BDSM andeuten, und gothic-artige, hochgeschlossene Kleider wie aus der vorvergangenen Jahrhundertwende gehörten schon immer zu Perbandts Repertoire sind sind auch jetzt wieder vertreten. Abgesehen von der größeren Klarheit und einem Schritt hin zu allgemeinerer Tragbarkeit ist also nichts besonders Neues anzumerken, auch wenn die gestalterische Konsequenz Esther Perbandt noch immer zur Berliner Avantgarde zählen lässt und sie damit auch international eine viel beachtete Position besetzt.

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Isabel Vollrath hat ihre Installation „Retrospective19“ benannt und zeigte damit auch so etwas wie Typisches oder Best Ofs ihres Modeschaffens seit 2015. Sie versucht mit ihrer Kleidung so etwas wie eine Transzendierung zu skulpturaler Kunst zu erzielen, Abstraktionen zum menschlichen Körper, die ihn als Bekleidung modifiziert. Gestalterisches Experimentieren bestimmt die Ergebnisse sehr wesentlich und ist noch nicht sehr an einem stilfindenden Ganzen orientiert, das aber schon erkennbar wird. Mit manchmal verspielten Hinzufügungen wie ihre oft ergänzenden Schleifen, die auch straffen und auflockern, verbinden sich die disparaten Entwürfe zu etwas Zusammengehörigem, außerdem bleibt sie  bei der Farbgebung vorzugsweise auf Schwarz, Weiß und Rot beschränkt.

In jedem Fall sind die verschiedenen Ergebnisse spannend und gut gemacht, es bleibt abzuwarten, inwieweit das künstlerische Herangehen ein dichtes Designrefugium bilden wird.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Ein letzter, kurzer Spaziergang führt uns zunächst in das 9. Arrondissement – ungewöhnlich für einen Fashionweekbezug. Nähe Pigalle, Nähe Barbès. Esther Perbandt beweist mit der ausgesuchten Location typisch Berliner Arbeitsstrategie: Es muss nicht immer das Teuerste und Übliche sein, wenn eine gute, ausgefallene Idee zu mindestens gleichwertigen und auch ungewöhnlichen Ergebnissen führt. In einer gepflegten Bier-Bar hat sich die Designerin für ein paar Stunden tagsüber zwei Tage lang einquartiert, um hier ihre Kollektion TIT FOR TAT* (auf deutsch „wie du mir, so ich dir“ ) für ss 2019 zu präsentieren.
Aus unserer Sicht ist die Wahl der Location in einer Pigalle-Bierbar ein genialischer Schachzug mit Alleinstellungsmerkmal im großen Pariser Fashionweekgetriebe und seinen unzähligen Präsentations- und Showroom-Veranstaltungen, die immer edel, teuer, sicher platziert und etwas aufgedreht daherkommen. Jedenfalls ist diese Präsentation eine sehr kluge Idee, Berliner Künstlermentalität auf der Fashionweek Paris treffend vorzuführen. Und dass diese Strategie vielleicht am Stromlinienkommerz vorbei geht, kann man da durchaus in Kauf nehmen, Qualität und eigenwillige Prägnanz sind Kriterien, die eine Fanschaft rekrutieren (und bedienen), die eben nicht so flüchtig und anpasserisch drauf ist, aber dennoch anspruchsvoll. Das war den Besuchern vor Ort auch anzumerken.

Perbandts Kollektion erscheint dagegen nicht ganz so exzentrisch wie gewohnt sondern eher schlicht und geradlinig zurückgenommen, ohne den typischen Stil aufzugeben. Man hat sogar den Eindruck, dass gelegentlich veredelnde Aspekte hinzutreten (z.B. die Sicherheitsnadel als Glanzstück) und dass das nach wie vor eigenwillige und innovative Perbandt-Terrain für den Pariser Geschmack geöffnet wird. Die Designerin hat ja auch geraume Zeit in Paris gearbeitet und weiß sehr genau, wie der Kommerz und die Konsumenten dort ticken. Verraten hat sie sich damit keineswegs.
Sie ist natürlich selbst anwesend und ihr eigener Kleidungsstil ist darüber hinaus ein unmissverständliches Grundsatzstatement.

* „Tit for Tat“ ist eine Spielstrategie, die zwischen Kooperation, Rache, schneller Provozierbarkeit und Vergeltungsautomatismus navigiert.

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Das zweite Rendez-Vous haben wir im K I OZ lab Showroom ( Galerie Christophe Gaillard) im 3. Arrondissement. Interessant war uns die Kollektion in der Vorschau als Post-Goth-Konzept erschienen, doch bei näherer Betrachtung vor Ort änderte sich unsere Einschätzung erheblich. Die Designerin Tsolo Munkh ist in der Mongolei aufgewachsen und lebt seit 2005 in Paris. 2010 hat sie in Hyères den Publikumspreis gewonnen und ihr eigenes Label gegründet. Die mongolische bzw. buddhistische Kultur sind ihr stete Inspiration in der Behandlung der Stoffe, der Oberflächen und auch der Schnitte. Stickerei, Verzierungen und Brüche in Körper und Fläche sind ebenso Kennzeichen der Gestaltung wie bewusst rohe Schnitte bzw. Silhouetten, so dass stets etwas „Natürliches“, Raues, in sich aber raffiniert Organisiertes die Gestaltung bestimmt. Folkloristische Feelings kommen mitnichten auf, im Gegenteil, die Kollektion kommt sehr zeitgemäß bis avantgardistisch daher und erweist sich als sehr komplex im scheinbar Groben.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Auch wenn die Einschätzung verfrüht erscheint, die Schau von Esther Perbandt in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz ist sicher das Highlight der aktuellen Fashionweek. Das Anliegen, Mode in einen größeren kulturellen Zusammenhang zu stellen und mit dem vorgeführten Konzept auch philosophisch aufzuladen, geht weit über die Selbstgenügsamkeit der meisten Schauen hinaus.

Der Saal war bis auf den letzten Platz gefüllt und es wurde schnell klar, das hier nicht nur modeaffines Publikum zugegen war. Esther Perbandt und ihre Kreationen sind ein sehr berlinerisches Phänomen und entsprechend in der Kultur-Szene verwurzelt.

Die Künstlerin nutzte die Theaterbühne auch mit dem entsprechenden Bewusstsein: Choreografie, Bühnenbild, Tanz, Darstellung, Musik, Lichtführung, Dramaturgie, Bühnentechnik – alles wurde bedacht und alles floss in einem zeitgemäßen und sinnstiftenden Konzept einer Aufführung schlüssig zusammen. Damit fand auch die Rolle der Mode zu einem gesamtkulturellen Bezug in unserer Gesellschaft. Und sogar auch zu Berlin, das diese Idee kultureller Relevanz von Mode ja nicht unbedingt verkörpert.

Auf der Drehbühne befanden sich die Fotografen hinten, also gegenüber dem Publikum, arrangiert wie ein klickender, griechischer Chor. Zentral und quer eine schwarze Mauer aus großen Steinblöcken mit Öffnung in der Mitte und große Rudimente von griechischen Säulen davor. Vorne links ein Streichquartett, rechts ein Elektronikmusiker, in der Mitte ein breiter Weg, der auch als Laufsteg diente. Die Modelle/Darsteller breiteten sich aber auch über den Bühnenraum (und das Bühnenbild) aus und der klassische Catwalk ging über in theatralische Aktionen und zog sich wieder zu Gruppen zusammen. Rund 40 Minuten dauerte die Aufführung, am Schluss schneite es und die Bühne begann sich einmal komplett zu drehen, womit der ganze Zirkus plötzlich wie auf einer Insel erschien und die Perspektiven neu relativierte. Auch ein Sinnbild für Theater-Welt. Überhaupt war die gesamte Schau von vielen selbstbezogenen Fragestellungen und philosophischen Gedanken geprägt, ohne dabei grobe Muster in den Raum zu stellen.

Schwarz ist Perbandts Schlüsselfarbe, die hier aber nicht nur für Nihilismus steht, sondern eher für den Mythos in der Dunkelheit. Und wie in der monochromen Kunst erweist sich Schwarz als faszinierend facettenreich. Alles ist in den Bekleidungen dualistisch gedacht und gemacht und folgt durchgehend einer dialektischen Betrachtungsweise, harte und weiche Stoffe, strenge Schnitte und verspielte Applikationen, Schlichtes und Komplexes, rau und glatt, schillernd und matt, dicht und aufgebrochen, schwarz und weiß (oder Haut bzw. Nicht-Schwarz), gemustert (Karo) und nicht gemustert, ausladend und zurückgenommen, streng und aufgelöst, symmetrisch und asymmetrisch, verschnürt und locker, beständig und unbeständig. Männlich – weiblich – androgyn. Es mündet immer in einem Ganzen.

Darüber hinaus trifft das Dekonstruktivistische der Westkultur (zerschnittene Formen, die wieder anders zusammengefügt werden) auf japanische Ästhetik des Ganzheitlichen (Kimonos, Obis bzw. Schärpen, Stoffstreifen), griechische Basics und moderne Experimente (undurchschaubare Konstruktionen aus Bändern, Bahnen und Teilen). Alles fließt dabei stets zu einer Synthese zusammen, die dann eine ganzheitliche Bekleidungsvariante hervorbringt und auch mit allen anderen Varianten korrespondiert. Alle Aspekte schließen sich stets in Ganzheitlichem zusammen (auch Kleidungsstücke, Röcke, Hosen, Mäntel etc.) lösen sich dann im Ganzen auf). Damit hat Perbandt nicht nur einen Stil kreiert, sondern auch eine Haltung visualisiert – das ist eigentlich das beste, was Mode hervorbringen kann.

Diese Haltung ist hier eindeutig kulturelles Bewusstsein und gedankliche Durchdringung.

Der Dialektik der Kleidung folgte auch das Ganze der Inszenierung, klassische Streichmusik und elektronische Sounds, Ruhe und Dramatik, Mensch und Schatten, bewegt und still, ernst und verspielt verschmolzen zu einem orchestrierten Ganzen. Der Dualismen ließen sich noch viele weitere hinzufügen. Insgesamt evozierte die Aufführung sehr viele kulturgeschichtliche Assoziationen, philosophische Gedanken und spielerische Konfrontationen.

Interessant ist auch, dass die Sicht auf die Aufführung ebenfalls dualistisch angelegt war: Das Publikum sah eine theatralische Performance mit der Kleidung, die Fotografen hauptsächlich die Kleiderkonzepte wie auf einem Laufsteg, wenn auch mit brechenden Lichteffekten.

Gleichzeitig ist die Vorführung – nicht zuletzt durch das Schwarz und die choreografierte Dramatik auch mystisch. Die Darbietung bekommt kultische Wirkung, und die Kleidung macht den Menschen darin zu einem Teil der geheimnisvollen Bedeutung(en). Und zu ihrem Repräsentanten.

Viele Anhänger der Esther Perbandt – Mode waren im Publikum vertreten und in ihrer Nähe hatte man das Gefühl, sie wären zu einer Kultveranstaltung gekommen. Das, muss man abschließend sagen, ist faszinierend, denn dieser Kult hat, im Gegensatz zu anderen Modekults, durchaus philosophisches und gedankliches Potential genau auf der Höhe der Zeit. Bekleidung und Mode in diesem Sinne zu nutzen bzw. zu adaptieren ist eine konsequentere Haltung als irgendwelchen hippen Strömungen zu folgen.

Blogger gab es anscheinend auch nicht viele im Publikum.

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Text: Meike Tietze

Bilder: Boris Marberg

Eindrucksvolle Inszenierung!

Esther Perbandt stellt ihre AW16 Kollektion auf der Fashion Week in Berlin vor. Das 2004 gegründete Label der Berlinerin wirkt inszeniert wie eine Theatervorstellung! Zu Beginn der Show treten Tänzer auf beiden Seiten des Laufstegs auf, welche sich zu psychedelischer Musik verbiegen. Sie hüllen sich in Tüchern, welgen sich, der Tanzstil wirkt roboterähnlich.

Nach Auftritt des ersten Models wird klar, dass diese Show keine klassische Laufstegnummer sein wird.

Die Modelle laufen mit starren Blicken, verharren meist mehrere Minuten an einem Ort, blicken wie versteinert in das Publikum. Es bleibt viel Raum für Gedanken, Interpretation, Beobachtung. Die Modelle sind speziell, wirken provokant, überheblich, teilweise gelangweilt, verbleiben in ausgefallenen Posen. Die meisten Modelle tragen hart geschnittene Perücken oder Kopfbedeckungen. Die Tänzer bleiben Teil der Show, interagieren laufend mit den Modellen.

Die Farben Schwarz und Weiß bestimmen die Kollektion von Esther Perbandt. Beherrschend sind hierbei schwarze Mäntel, Hosenanzüge und die dazu kombinierten Lackschuhe. Durch Bundfaltenhose, Krawatte, Kellnerweste oder geradlinigen Mänteln wirken die weiblichen Modelle sehr maskulin. Bei knielangen Hemdkleidern oder Röcken scheint versteckter Feminismus durch. Allgemein wirkt die Mode beherrschend, kühl und abgegrenzt. Häufig werden die Oberflächen durch Risse, harte Einschnitte oder durchgezogene Lederbänder unterbrochen. Zu den Accesoires zählen SM artige Armbänder, welche im Gegensatz zu den starken Outfits ein gewisses Ausgeliefertsein darstellen. Vielleicht eine Ausgeliefertheit gegenüber dem Mainstreams? Esther Perbandt grenzt sich klar von gängiger Fashion ab und präsentiert ihre Kollektion in minimalistischem Stil.

Die Show wird klassisch mit dem Auftritt der Designerin beendet, wobei die Modelle zum Großteil trotzdem in ihrer Rolle verbleiben. Eine durchweg gelungene Show mit eindrucksvoller Mode.

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Bilder: modaCYCLE

Der zweite Tag der Berlin Fashion Week brachte leider nicht wesentliche Höhepunkte und war visuelle gutes Mittelmaß ohne Ausschläge nach oben wie auch nach unten. Bodenständigkeit war wohl das Stichwort. Eine Ausnahme bildete die feine und mutige Kollektion von C’est tout. Neben Installationen (Frida Weyer und Augustin Teboul), besuchten wir einige Schauen im Zelt der Mercedes-Benz Fashionweek. Ebenfalls waren wir von der Designerin Esther Perbandt eingeladen, die auf dem Lavera Showfloor präsentierte. Leider war es wegen chaotischen Verhältnissen am Veranstaltungsort nicht möglich eine Berichterstattung zu realisieren. Der Veranstalter war nicht in der Lage die Möglichkeiten der Örtlichkeit dem kalkulierbaren Ansturm der Besucher anzupassen, so dass sich die Besucher nicht mehr bewegen konnten, geschweige den zu ihren Plätzen gekommen wären.

Anja Gockel

Augustin Teboul

Blacky Dress Berlin

C’est tout

Dimitri

Lavera Showfloor – Esther Perbandt

Frida Weyer

Holy Ghost

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