Défilés für Prix L’Atelier des Matières und Igor Dieryck

Text & Bilder: Gerhard Paproth

Für den Prix L’Atelier des Matières entwerfen die zehn Kandidaten des Modewettbewerbes ein zusätzliches Outfit zu ihrer Kollektion. Der Preis zeichnet einen davon aus für seine Kreation aus „ruhenden“ (bei Produktionen übrig gebliebenen) und recycelten Materialien mit einer Auswahl an entsprechendem Material für nachfolgende Arbeit im Wert von 10.000 Euro. Die Ergebnisse werden in einer eigenen Schau vorgestellt und zeigen nicht selten so etwas wie jeweils eine Quintessenz des Gestaltungs- und Herstellungsprinzips.

Der Gewinner des Preises ist Romain Bichot (auch Prix le19M des Métiers D’Art), ebenfalls Belgier wie Igor Dieryck, der letztes Jahr gleich drei Preise gewann. Das überrascht etwas, denn Belgien ist eigentlich kein Land, in dem Mode eine herausragende Rolle im internationalen und auch nicht im nationalen Kontext spielt. Andererseits kennen wir durchaus renommierte Namen aus Belgien: Ann Demeulemeester, Dries Van Noten, Kris Van Assche, Glenn Martens, Raf Simons, Julien Dossena und Martin Margiela, der auch auf dem Festival anwesend war.
Mit einer abschließenden Schau von Igor Dieryck wird seine seit letztem Jahr erarbeitete Kollektion gezeigt.

Die beiden jungen Designer versuchen, das belgische Modeverständnis im Vergleich zu anderen Modegetrieben zu erklären. Es fängt damit an, dass die Modeschöpfung sich nicht als Teil der trendigen alljährlichen Veränderungen sieht, die international vorgeführt werden. Vielmehr suchen die Schulen und die Designer aus dem Zeitgeist ihres Umfelds Kreationen und Konzepte zu entwickeln, wobei besonderen Wert auf Grundverständnis von Kleidung und ihre Herstellung gelegt wird.

Romain Bichot: „Wir lernen drei Berufe in einem. In der Schule La Cambre werden wir auf eine etwas extreme Art und Weise ausgebildet, aber vor allem sind wir sehr gut in der Technik und in der Herstellung eines Kleidungsstücks geschult. Wir entwickeln ein ausgeprägtes Gespür für Kleidungsregeln. Ich glaube, das ist es, was uns stark macht, denn wir wissen, wie man an einem echten Kleidungsstück und gleichzeitig an einem echten Konzept arbeitet. Wir machen ein Bekleidungskonzept, es sieht nie nur wie ein Konzept oder nur wie ein Kleidungsstück aus.“*)

Igor Dieryck: „Belgische Schulen funktionieren ganz anders als die meisten anderen Schulen. In Antwerpen besteht das Ziel darin, dass der Schöpfer sich selbst entdeckt und die Botschaft versteht, die er vermitteln möchte. Der Arbeitsaufwand ist unglaublich, aber meiner Meinung nach notwendig, um sich in diesem intensiven Umfeld weiterzuentwickeln. Dank seiner Isolation von den Modewochen stellt Belgien eine Blase dar, in der wir uns selbst entdecken, unsere persönliche Identität finden und gleichzeitig die Kleidung respektieren können“.*) Seine neue, hier gezeigte Kollektion „Ad Fundum“ widmet er dem belgischen Ritual der Studententaufe (Bier griffbereit). Betont bodenständig.

PRIX DE L’ATELIER DES MATIÈRES

Romain Bichot, Belgien
*Prix L’atelier des matières:

Dolev Elron, Israel:

Fabian Kis-Juhasz, Ungarn:

Logan Monroe Goff, USA:

Tal Maslavi, Israel:

Lilian Navarro, Frankreich:

Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich:

Kenshiro Suzuki, Japan:

Gaëlle Lang Halloo, Frankreich:

July Mouly-Pommerol, Frankreich:

*

SHOW PREISTRÄGER GRAND PRIX, HYÈRES 38, 2023

Igor Dieryck:

*) Zitat aus Harpers Bazaar, Sahrah Renard: https://www.harpersbazaar.fr/mode/nicolas-di-felice-anthony-vaccarello-romain-bichot-belges-et-hyeres-histoire-d-art-et-d-amour_3761, 15.10.24

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival International de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode beruht im Wesentlichen auf Sponsorengeldern aus der Modebranche, die, neben Prestigeinteressen, damit ihren Nachwuchs zu rekrutieren sucht. Das Konzept, wir schrieben es mehrfach, ist einfach und klar, abgesichert durch kompetente Jurys aus der Branche und organisatorisch wie ausstattungsmäßig auf hohem Level. Zu den Sponsoren, das sei hier auch einmal erwähnt, weil sie zum Teil wirklich tragende Funktionen übernehmen (also nicht nur Geld geben, sondern konkrete Nachwuchsunterstützung und -weiterbildung bieten), gehören CHANEL, le19M, Première Vision, LVMH, Hermès, American Vintage, la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, le Défi, Galeries Lafayette, L’Atelier des Matières, Mercedes-Benz und auch kleinere Unternehmungen.

Die zentrale Funktion des Festivals sind die Preise, ist also die Idee des Wettbewerbs. Einerseits sind sie durch Geldbudgets definiert, andererseits durch geldwerte Leistungen (Material o.ä.) oder durch praktische Hilfestellungen für einen Zeitraum von zwei Jahren, die viele Bereiche abdecken: Finanzierung, Produktion, Handwerk, Materialien, Verlag, Recht, Presse, Ausstellung, Workshop und Residenz.

Die herausragenden vier Preise für Mode sind

der GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION,
der PRIX DU PUBLIC VILLE DE HYÈRES (Publikumswahl),
der PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES,
der PRIX LE19M,
der PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ

und für Accessoires

der GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES,
der PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE,
der PRIX DU PUBLIC – VILLE D’HYÈRES.

Weitere Bereiche wie für Photographie kommen dazu.

Die Mode-Preise werden am Ende des Défilés am Samstag Abend von den jeweiligen Jurys ermittelt und umgehend bekannt gegeben. Grundsätzlich spielen Kompetenzen in der Experimentierbereitschaft, der ökologischen Konsequenz, die Einfallsoriginalität, die ästhetische Überzeugungskraft und ein überdurchschnittliches handwerkliches Können die entscheidenden Rollen, natürlich aber auch ein treffendes zeitgeistiges Gespür.

Wir zeigen Auszüge aus dem Défilé der Wettbewerber, näheres auch in dem vorangegangenen Artikel (Showroom der Wettbewerber).

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Jenny Hytönen (Finnland), Unisex Kollektion – GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION und PRIX DU PUBLIC VILLE DE HYÈRES:

Juha Vehmaanperä (Finnland), Herren Kollektion:

Valentin Lessner (Deutschland), Herren Kollektion, PRIX DE LA COLLECTION ECO RESPONSABLE MERCEDES-BENZ + PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART:

Lora Sonney (Frankreich), Damen Kollektion:

Tim Suessbauer (Deutschland) Herren Kollektion:

Alix Habran Jensen (Frankreich-Dänemark), Damen Kollektion:

Antonia Schreiter (Deutschland), Unisex Kollektion:

Alizée Loubet & Fernando Miró (Frankreich & Brasilien), Herren Kollektion:

Sini Saavala (Finnland), Damen Kollektion, PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES:

Priss Niinikoski (Finnland), Damen Kollektion:

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Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Im vergangenen Jahr haben Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh den Grand Prix du Jury PREMIÈRE VISION für ihre Männerkollektion „Fish or Fight“ gewonnen, strahlend und ausgelassen feiernd, dann ging alles Schlag auf Schlag, Schau in Berlin Umzug von Antwerpen nach Paris, weitere Preise, Kollektion für Petit Bateau, neue Sachen fürs eigene Label, Art-Direction-Jobs bei Nina Ricci, zusätzlicher Einstieg bei Accessoires und vieles mehr. Dieses Jahr nun eine erneute Schau in Hyères und Präsenz im Shop mit der neuen Kollektion, die in mancher Hinsicht etwas zurückgenommener in der verspielten Herangehensweise ist, kontrollierter zwar, aber ohne die grelle Kraft und den Touch Streetwear aufzugeben. Im Shop und im Showroom findet man auch die eher populäreren Dinge, Basecaps, T-Shirts, schlichte Accessoires. Der Sprung vom verrückten Studentendesign zur kommerziell orientierten Kollektion ist stets ein komplizierter Balanceakt, den das lebhafte Designerduo auch im Interview vergegenwärtigt.

modaCYCLE: Was hat der Preis euch fürs letzte Jahr gebracht?

Lisi Herrebrugh: Die Entwicklung der neuen Kollektion, Jobs bei Nina Ricci, neue Stores, neue Kunden für Botter, viele Dinge letztlich. Und wir sind nach Paris umgezogen, das war auch nicht ohne.
Rushemy Botter: Wir mussten einerseits eine neue Struktur in unser eigenes Unternehmen bringen, das war vorher etwas offen, andererseits haben wir gelernt, wie es in der Fashion-Industrie selbst funktioniert. Wir waren vorher Studenten, da war es wie in einer Mode-Blase, das ist schon was anderes, wenn man in die Industrie geht.

modaCYCLE: Dieser Preis in Hyères gibt einem also eine echte Chance. Der Sprung in die Industrie ist ja nicht so einfach zu bewerkstelligen.

Lisi Herrebrugh: Also wenn man als Graduate die Schule verlässt ist es nicht einfach. Man findet keinen Job, schon Praktika sind schwierig – also da fühlen wir uns schon sehr privilegiert, dass uns das passiert ist. Und wir fühlen uns auch verbunden gegenüber denen, die nicht in derselben Situation sind. Das alles ist uns sehr bewusst.
Rushemy Botter: Richtig, das vergessen wir nicht und wir müssen auch für die eine Stimme sein.
Lisi Herrebrugh: Es ging schon alles sehr schnell.

modaCYCLE: Was hat sich stilistisch verändert seit letztem Jahr? Wir sehen, der Ansatz ist nun ein etwas anderer geworden, hat der industrielle Anspruch das bewirkt?

Rushemy Botter: Ich denke wir haben uns mehr angestrengt für diese Herausforderungen, wir machen zwar konzeptuelle Kleidung, aber wir machen immer Kleidung, die man tragen kann.
Lisi Herrebrugh: Wir waren nie Designer, die fürs Museum entworfen haben. Dafür sind wir zu sozial verankert, wir werden von den Menschen inspiriert, wie sie leben, wie sie sich emotional äußern, auch von ihren Beziehungen. Das ist relevant dafür, was man tragen kann. Und das geht hin bis zu den verwendeten Materialien. Die müssen unkompliziert herstellbar sein. Auch das war eine Veränderung, denn da muss man eine Brücke zu verrückten Ideen finden.

modaCYCLE: Wie kann man die konträren Pole der freien Kreativität, die ja bei euch sehr ausgeprägt sichtbar ist, mit den kommerziellen Notwendigkeiten unter einen Hut bringen?

Lisi Herrebrugh: Wir haben die Kollektion jetzt mehr oder weniger geteilt. Wir entscheiden, was wir auf dem Laufsteg wollen und daneben das, welche Stücke wir in den Showroom herein nehmen. Im Showroom wollen wir alles Mögliche zeigen.

modaCYCLE: Man zeigt also Sachen um des Schaueffekts willen und im Verkauf alles Mögliche, was man so macht?

Rushemy Botter: Ja, das muss man trennen.
Lisi Herrebrugh: Das hat mehrere Aspekte. Wir brauchen zum Beispiel ja auch Presse. Und die Presse will nicht die T-Shirts sehen, sondern was Extravagantes. Ihr gegenüber ist es ein wenig geben und ein wenig nehmen.

modaCYCLE: Der Umzug nach Paris, war das eine Notwendigkeit?

Rushemy Botter: Nun ja, Paris hat eine Infrastruktur für das, was wir machen und machen wollen, die wir in Antwerpen vergleichbar nicht einmal im Ansatz haben. Das ist uns sehr schnell deutlich geworden. Es war schon die richtige Entscheidung, auch wenn wir damit einiges neu regulieren mussten.
Lisi Herrebrugh: Wir mögen die Stadt auch, das hat uns die Entscheidung erleichtert. Auch wenn wir szenemäßig nicht so viel auf Achse sind, also kulturell und privat nicht so viel herumkommen. Wir leben da etwas zurückgezogener, weil wir viel mit unseren Dingen beschäftigt sind, aber das bringt der Stand der Dinge eben so mit sich und wir sind sehr zufrieden damit. Auch das ist ein Vorteil des eingangs erwähnten Privilegs.

City:

Shop und Showroom:

Das Défilé (hauptsächlich Kollektion für Petit Bateau):

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Spektrum der Gestaltungsansätze ist wie immer groß und reicht von jugendkulturellen Grundstimmungen bis hin zu träumerisch-romantischen Textilarchitekturen. Auch verschiedene kulturelle Backgrounds der Modegestalter aus verschiedensten Ecken der Welt bereichern das Panorama der Gestaltungsphilosophien, ganauso wie die verschieden gerichteten Ausbildungsorientierungen, die grundsätzlich und gerade bei den vorwiegend frischen Absolventen deutlich sichtbar bleiben. Ebenso reizvoll ist die Verschmelzung von nationalen Mentalitäten und internationalem Zeitgeist, sowohl bei jedem Einzelnen als auch im gesamten Spektrum der zehn Beispiele. Wir versuchen, die verschiedenen Konzepte näher zu erkunden (manchmal nur aus dem Gesehenen heraus, manchmal mit Hilfe der Erläuterungen ihrer Protagonisten):

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan) – „Polomani“ (MENTION SPÉCIALE DU JURY MODE):
Im Gespräch schichtet das gut gelaunte und kommunikationsfreudige Trio aus Japan die Auskünfte zu seinem Gestaltungsanliegen ähnlich wie das Erscheinungsbild seiner Modekombinationen aus unzähligen Aspekten und Anliegen zusammen, schnell, frisch und rasant und das in kompliziertem Japan-Englisch. Sie beziehen ihre Ansätze aus den 90ern, besonders aber aus japanischer Schnittkultur, berufen sich auf Kimonos, Sustainability und Handarbeit. Die waghalsige Schichtung der Schnitte und Silhouetten ist unabhängig vom Körper und bildet eine eigene Architekturgestalt. Kontrastierende Stoffe, Farben und Muster folgen dem gleichen Prizip, wobei eben spannend ist, dass die klassische japanische Kimonokultur stets den Kern des Denkens ausmacht.

Tsung-Chien Tang (Taiwan) – „Sleepwalker“:
Einerseits ist Tsung-Chien verliebt in luxuriöse Textiloberflächen aus handwerklich perfektionistischer Fabrikation, andererseits pflegt er eine Aversion gegen Perfektion eines Ganzheitlichen. Daraus entstehen asymmetrische, übertriebene und dekonstruktivistische Stücke, zusammengefügt aus Dutzenden von Möbelstoffen. Ergänzt mit Brokat, Organza und Kristallen entwickelt der Jungdesigner aus dem seltsamen Patchwork eine Mischung aus Romantik und Exzentrik, die obendrein noch mit asiatisch-historisierenden Stilismen versetzt ist. Das Gestaltungsprinzip setzt sich sogar in der Fußbekleidung fort, die, handgemacht, entsprechend opulent und bizarr das Erscheinungsbild komplettiert.

Dita Enikova (Littauen) – „Avoiding The Void“:
Hinter der Kollektion steht die Forschung zu nordischer (Kleidungs)kultur, genauer der Arbeitskleidung von Fischern – grau und introvertiert, eher abweisend und sich dem urbanen, ruhelosen Leben widersetzend. Die Designerin erzählt, dass sie sich monatelang in den entlegenen, eher unwirtlichen Gegenden aufgehalten hat und ihr Leben dort nun in eine allgemeines Gestaltungs-Konzept zu überführen sucht. Dabei sind keineswegs nur grobe Gummischürzen und -kapuzen aus Leder, Wolle, Gummi, Latex und wetterfesten Materialien entstanden, sondern es wurden auch sehr filigrane Naturbestandteile wie Federn eingebracht und reizvolle Oberflächenstrukturen zusammen gefügt. Intensives Blau und scharfe Schwarz-Weiß-Kontraste sowie lockere Teile-Kombinationen geben den komplizierten Konstruktionen Lebendigkeit und durchbrechen die Introvertiertheit kontrastierend.

Lucille Thièvre (Frankreich) – „Les Esplaces 19120“:
Eine nach eigenen Worten „elegante, aber auch sehr eigenwillige“ Kollektion zeigt Lucille Thièvre, die sich nach der Arbeit in verschiedenen Modehäusern nun selbständig gemacht hat. Sie läßt sich von der Mode der 80er Jahre inspirieren, elastische Stoffe, knapp sitzend und Haut zeigend. Damit sind ihre Sachen bewusst körperbetonend und beweglich. Vieles ist gerafft und der betont knappe Sitz erfordert Maßschneiderung auf den betreffenden Körper. Zusätze kunsthandwerklicher Art bereichern das Konzept und geben weitere vitale Akzente. Sexyness ist ein eher wenig vertretener Aspekt des jungen Modedesigns und wenn, wird sie am ehesten von französischen Vertretern/Vertreterinnen propagiert. Ganz tot ist Eleganz noch nicht da hat die Modestadt Paris noch ein Ass im Ärmel.

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz) – „Inked“ (PRIX CHLOÉ):
Die Schweizerin Tina Schwizgebel ist passionierte Tatooliebhaberin (auf einer Berlinreise hat sie das Handwerk dafür erlernt) und versucht, ihre Liebe dazu in Kleidung zu transferieren. Ausgebildet an Modeschulen in Lausanne und Genf bringt sie die Voraussetzungen dafür mit. Dabei geht sie sogar in drei entsprechenden Etappenkategorien der Entwicklung ihrer Outfits vor, nämlich mit 1. dem Motiv als Stoffprint, 2. recyceltem Pelz, rasiert wie vor dem Tätowieren die Haut und 3. Plastik, das das Cellophan zum Schutz des fertigen Tatoos repräsentiert. Gleichzeitig – vielleicht geschmacklich auch aus Berlin mitgebracht – trägt das Erscheinungsbild der Kollektion einen Touch von Punk und Gothic, der aber hinter der Feinheit der großflächigen Musterung eher zurücktritt. In rätselhaftem Kontrast dazu stehen die platten Sandalen und Strandlatschen auf der Schau, denn die sind weder Punk, noch elegant, noch tatooszenig.

Christoph Rumpf (Austria) – „Sans Titre“ (GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION):
Der Designer erzählt, dass hinter der Kollektion eine Geschichte steht, in der es um einen Jungen geht, der im Dschungel aufwächst, alleine ist und sein Leben lang kämpfen muss – und der, zurück bei den Menschen realisiert, dass er ein Prinz ist. Märchenfiktionen und besonders Fantasie haben also die Erscheinungsbilder der Kollektion geprägt, mit übertriebenen Größen, fantastisch prachtvollen Brokatstoffen und Goldprints sowie romatisierenden Uniformen. Und auch hier findet das Schuhwerk seine gestalterische Fortsetzung im Sinne einer ganzheitlichen Kreation.
Die sorgfältige Verarbeitung, die gekonnte Zusammenstellung und hochwertige Textilien distanzieren die Outfits gleichwohl von theaterkostümhaftem Auftritt. Der Österreicher engagiert sich darüber hinaus für nachhaltige Mode, er verwendet recycelte Stoffe (inklusive alte Teppiche unf Gardinen), die er oft auf Flohmärkten auftreibt.
Das Anliegen, den Träumen und Sehnsüchten des Menschen, in dessen Erwachsensein das Kindliche ja nur zwanghaft zurückgedrängt ist, wieder einen Platz im Designgetriebe zu geben, erhält sehr viel sympathisierendes Feedback. Anders gesehen betonen die Entwürfe den Kontrast zwischen praktischer Schutzfunktion und dem gesellschaftlichen Zeichen einer Rollenzuweisung bzw. einem Schönheitsideal. Insofern enthält diese Kollektion auch einen philosophischen Gedanken zur Mode und gewann wohl nicht von ungefähr den großen ersten Preis.

Milla Lintilä (Finnland) – „Metadance“ (KOLLEKTIONSGESTALTUNG FÜR GALERIES LAFAYETTE):
Mit Unterstützung von Ghioldi, Luxury Jersey, Sfate & Combier, Guigou – Première Vision Paris Puntoseta and Swarovski entstand die eher bodenständig erscheinende Kollektion, die schon nahe an Prêt-a-Porter-Design heranrückt. Das Interesse der Designerin an ausgefeilten Webverfahren und schöner Textur in Kombination mit Farbstreifen, die zum Teil etwas ungewöhnlichen Schnitten folgen führt zu einer eher „stillen“ Raffinesse in bunter, aber eben auch zurückgenommener matter Farbgebung. Die in Paris ansässige Finnin versucht lässigen Tragekomfort mit kleinen sexy Akzentuierungen zu versehen, die aber auch eher schlicht als extravagant auftreten. Unaufdringlicher Luxus.

Emilia Kuurila (Finnland) – „Taped on the Skin AW19“:
Nicht ganz so körpernah, wie der Titel der Kollektion suggeriert, sind die aktuellen Entwürfe von Emilia Kuurila konzipiert, aber die menschliche Gestalt spielt durchaus die entscheidende Rolle. Mit eleganten,, schimmernden Stoffen wie Seide, kräftigen Farben wie Rot, Gelborange und Azurblau und vor allem Streifen als Richtungsakzentuierungen und -spiele hat sie eine Herrenkollektion vorgestellt, die stellenweise recht elegant daherkommt. Besonders eindrucksvoll sind dabei die vielen kunstfertigen Fältelungen, Säume und flachen, eher feinen Schichtungen, die eine komplexe Oberfläche herstellen und den großen monochromen Flächen lebendige, offene und interessante Strukturen verleihen. Roh bleibende Schnittkanten verhindern übermäßige Glattheit. Die Silhouetten und Schnitte zeigen diverse Ansätze, vom kontraststarken Kurze-Hosen-Anzug mit transparentem Cape über kreuzquer gestreifter Hemd-Hose-Kombination bis zum vollständigen Anzug in fast klassischem Schnitt. Bei letzterem erscheint die komplexe Verarbeitung dann auch am raffiniertesten, auch wenn die monochrome Kombination mit dem Hemd da nicht die überzeugendste Entscheidung sein mag. Sie bewirkt einen Touch von „zu viel“, folgt aber immerhin dem Titel konsequent.

Róisin Pierce (Irland) – „Mna I Bhlàth (Women in Bloom)“ (PRIX DU PUBLIC, VILLE D’HYÈRES und PRIX DES MÈTIERS D’ART BY CHANEL):
Ohne klassische ästhetische Grundlagen zu verlassen oder zu negieren, versucht Róisín Pierce experimentelle Erweiterungen. Dies beginnt bei den Silhouetten und setzt sich fort in der Behandlung und Manipulation von Textilien und Schnitten. Sie versucht, experimentell auf der Basis des Begriffes Schönheit Herkömmliches mit Innovativem zu verschmelzen und dabei überraschende Erscheinungsbilder zu kreieren, wobei mit dem monochromen Weiß die Hauptaufmerksamkeit auf die differenzierend gestalteten Oberflächen geführt wird, die wie Skulpturen oder Reliefs ein veredelndes Eigenleben entwickeln. Das erstreckt sich sogar bis hin zum Schuhwerk, das hier feiner und eleganter daherkommt als bei den Konkurrenten/innen. Eine etwas spielerische Romantik scheint bei allem durch, man denkt zum Beispiel an Hochzeitskleider, trotzdem setzt die Designerin damit einen auffälligen Akzent im Getriebe der Jungen, der den Fine Gout nicht aufgeben will. Der Preis von Chanel und der Publikumspreis überraschen darum auch nicht besonders.

Yana Monk (Russland) – „Amderma“:
Die Designerin setzt deutlich auf jugendkulturelle Bewegungen und auf darin erscheinende düstere Stimmungen. Einschließende, verbergende Kapuzen, wallende, bodenlange Kutten, skulpturale, körperüberwindende Verformungen bestimmen die Erscheinungsbilder der Männerkleidung, ergänzt mit Bändern oder großen Überlappungen. Vorwiegend monochrome Grautöne unterstreichen das Mystische – oft allerdings eher heller als ganz dunkel.
Trotzdem bleibt stets etwas Haut sichtbar, wie eine Öffnung in der Abschottung.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die zehn Finalisten des Nachwuchswettbewerbes werden von einer kompetenten Jury nicht zuletzt danach ausgesucht, inwieweit ihr gestalterischer Leitgedanke in der Lage ist, einen eigenen Stil zu kreieren, der zukunftsträchtig ist und auch handwerklich solide vorzugehen weiß. Mit dem Prix Chloé, dotiert mit mittlerweile 20.000 Euro, ist allerdings eine zusätzliche Herausforderung verbunden, nämlich die, einen überzeugenden Brückenschlag zu finden zwischen dem eigenen Stil und der klassischen Silhouette des berühmten Modehauses. Ein eigener Entwurf muss dafür gemacht werden, der dann in Konkurrenz mit den anderen neun Wettbewerbern in einem speziellen Défilé auf den Laufsteg gebracht wird. Der Preis ist sehr begehrt, entsprechend engagiert wird die besondere Aufgabe bearbeitet. Je revolutionärer der eigene Gestaltungsansatz ist, desto größer wird die scheinbare Unvereinbarkeit mit der klassischen Marke sein, gleichzeitig aber entstehen genau damit Vorschläge, die auch das Traditionshaus in innovative Richtungen denken lässt. Und umgekehrt ist der Designer verpflichtet, seine Freiheit in die Entwicklungsgeschichte einzubinden und sein gestalterisches Ego auf eine vorfindliche Fährte zu setzen.

Den diesjährigen Prix Chloé hat Tina Schwizgebel-Wang aus der Schweiz errungen, klug hat sie das Farbenproblem auf Weiß und Grau-Beige reduziert und damit einen beherrschten Kontrast der Teile hergestellt. Im Ganzen hat sie eine elegante Kombination aus raffiniertem Schnitt und eher klassischen Elementen geschaffen, die eine stimmige Gesamtwirkung erreicht. Über die etwas spießig anmutenden Strümpfe lässt sich geschmacklich streiten, die auch noch mit Sandalen kombiniert werden, das Schuhwerk ist aber immerhin behutsam modifiziert um Vergleich zu ihren dahingehend eher anspruchslosen Gestaltungen in der Hauptschau. Stellvertretend an diesem Beispiel lässt sich auch bei den anderen Wettbewerbern sehen, dass der dort vorfindliche Trend zum Groben, zum Teil auch Primitiven nur schwer zu einer gewissen Eleganz zu modifizieren ist.

Die Schau zeigt darum, besonders im Vergleich zu den Wettbewerbskollektionen, aufregende Verständniskonzepte und Stilmodifikationen, von denen zum Beispiel der Entwurf von der Russin Yana Monk eine beeindruckende Wandlung aufzeigt – von der Kutte zum Kurzkleid mit Gazeschleier-Cape.

Letztlich vielleicht ungewollt, hat Chloé mit dieser Herausforderung gut das Problem der Gegenwart hinsichtlich ästhetischer Gestaltungskriterien und des Gespürs für Eleganz auf die Tagesordnung gesetzt und fordert einen Spagat heraus, der für so manchen Designer unerwartete Konflikte heraufbeschwört, besonders dann, wenn Anti-Ästhetik eigentlich Teil seines Konzeptes ist.

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan):

Tsung-Chien Tang (Taiwan):

Dita Enikova (Littauen):

Lucille Thièvre (Frankreich):

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz):

Christoph Rumpf (Austria):

Milla Lintilä (Finnland):

Emilia Kuurila (Finnland):

Róisin Pierce (Irland):

Yana Monk (Russland):

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Highlight des Festival International de Mode, de Photographie et d’Accessoires de Mode in Hyères ist am letzten Tag das Défilé der von der Jury vorausgewählten Kandidaten für die verschiedenen Preise. Gut dotiert und stets mit Partizipation im Business bei renommierten Modehäusern ausgeschrieben sind die Auszeichnungen auch zugleich eine sehr konstruktive Förderung, die die Startchancen erheblich beschleunigen. Eine eigene, kommerzialisierte und beworbene Kollektion für ein bekanntes Label ist die Regel.

– Le Grand Prix du Jury de Première Vision ist mit 20.000 Euro dotiert und bevorzugter Präsentation bei Première Vision Paris Schau im September.  Außerdem die Gelegenheit, mit Chanels Métiers d’art ein Projekt bis zu 20.000 Euro zu realisieren.

– Eine Zusammenarbeit mit Petit Bateau für 10.000 Euro plus Royalities für die Gestaltung mehrerer Modelle, die produziert und kommerzialisiert werden.

– Der Chanel nouveau Prix des Métiers d’art. Mit ihm verstärkt Chanel sein Engagement als Hauptpartner des Festivals seit 2014. Er ist mit 20.000 Euro dotiert für ein neues Gestaltungsprojekt eines aus den 10 Kandidaten kombinierten Designerduos und wird im Folgejahr ausgestellt.

– Der Prix du public der Stadt Hyères (Publikumspreis) wird vom anwesenden Publikum per Stimmzettel gewählt.

– Außerdem gibt es eine Mention spéciale du jury mode, die dank eines besonderen Potentials als Belobigung ausgesprochen wird.

– Die Marke Galeries Lafayettes lädt einen Kandidaten ein für eine Kollektionsgestaltung, welche produziert, kommerzialisiert und beworben wird.

– EXCEPTION lädt einen Kandidaten seiner Wahl ein, in China zu arbeiten und auszustellen mit vereinbarten Projekten und Themen.

– Der Prix Chloé ist mit 20.000 Euro dotiert. Das Haus Chloé ist offizieller Partner des Festivals. Im Anschluß an die große Schau gibt es eine kleine, bei der die 10 Wettbewerber je ein Outfit im Stile des Modehauses entworfen haben, dies ist die Grundlage für die Preisvergabe. Wir zeigen die Schau im nächsten Artikel.

– Weitere Modeunternehmen nehmen später die Ergebnisse zum Anlass, den Wettbewerbern Jobs, Projekte und Kooperationen vorzuschlagen, so hat zum Beispiel Botter letztes Jahr einen Stelle als Kreativ-Direktor bei Nina Ricci erhalten. Die Fashionweek Berlin übernimmt seit neuestem die Schau des Hauptpreisträgers. Darüberhinaus ist auf dem Festival viel professionelles Publikum unterwegs, das nicht selten Nachwuchs sucht und zumindestens recht umfangreiches Networking ermöglicht.

Insgesamt ist das Festival (dieses Jahr das 34te) ein sehr kluges und mittlerweile bewährtes Fördersystem, oft kann man die neuen Karrieren im Handel und auf den großen Schauen in Paris und anderswo wenige Jahre später wiederfinden.

Das Défilé zeigte die 10 Wettbewerber in dieser Folge:

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan) – „Polomani“ (MENTION SPÉCIALE DU JURY MODE):

Tsung-Chien Tang (Taiwan) – „Sleepwalker“:

Dita Enikova (Littauen) – „Avoiding The Void“:

Lucille Thièvre (Frankreich) – „Les Esplaces 19120“:

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz) – „Inked“ (PRIX CHLOÉ):

Christoph Rumpf (Austria) – „Sans Titre“ (GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION):

Milla Lintilä (Finnland) – „Metadance“ (KOLLEKTIONSGESTALTUNG FÜR GALERIES LAFAYETTE):

Emilia Kuurila (Finnland) – „Taped on the Skin AW19“:

Róisin Pierce (Irland) – „Mna I Bhlàth (Women in Bloom)“ (PRIX DU PUBLIC, VILLE D’HYÈRES und PRIX DES MÈTIERS D’ART BY CHANEL):

Yana Monk (Russland) – „Amderma“:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Einen separaten und sehr renommierten Preis für die Wettbewerber in Hyères lobt das Haus Chloé aus, er ist dotiert mit einer „bourse de création“ über 15 000 €. Dieses Jahr gewann ihn Marie-Ève Lecavalier aus Canada. 

Alle Teilnehmer haben einen speziellen Entwurf dafür gefertigt, der den Stil des Hauses zu berücksichtigen sucht.

Regina Weber:

Anna Isoniemi:

Jef Montes:

Rushemy Botter:

Linda Kokkonen:

Ester Manas:

Marie-Eve Lecavalier:

Ela Fidalgo:

Sarah Bruylant:

Antonina Sedakova:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Mit den sehr verschiedenartigen Ansätzen, Kleidung zu entwerfen, die letztlich Zeitgeist reflektieren (oder sein) sollen, wird es schwierig, ein sinnvolles Resumée zu ziehen, wenn man solch eine ambitionierte Präsentation wie Hyères überfliegt. Konsequenter Bruch mit Geschmackslinien, Experimente in allem, mehr oder weniger radikale Dekonstruktion formaler Errungenschaften, Versuche in Anti-Ästhetik, das ist die eine Seite, die andere ist die Lust am Machen an sich, hie und da durchaus ziellos, Partylaune als Permanentzustand und noch immer Sampling, was das Zeug hält und das Vorfindliche hergibt. Die vorfindliche Freiheit als riesige Spielwiese zwingt nicht unbedingt zu einem wegweisenden Statement, sie zu nutzen macht aber sichtlich Spaß. Die Zukunftsvisionen gehen, soweit sie erkennbar sind, in verschiedene Richtungen – widersprüchliche oder parallele.

Auffällig ist dabei die Rücknahme der erotischen Würze, die das Kreative bisher als alles verbindenden, sensualen Reiz begleitete und oft thematisierte. Nur sehr selten scheint sie mal auf, als attraktiver Bestand- oder Anteil hat sie ihr Potential aber wohl verloren. Sexy ist kein relevantes Kriterium mehr, und das, obwohl Mode und menschliche Körperlichkeit bisher sich gegenseitig und raffiniert spielerisch bedingten. Das war durchaus ein Leitgedanke der Modegeschichte.

Der Sieger des Grand Prix du Jury Grand Vision Rushemy-Botter vereint jedenfalls alle diese Aspekte in seiner etwas verrückten und spaßgeprägten Kollektion, auch hier tut sich ein ernsthaft zukunftsträchtiger Leitgedanke noch nicht auf. Soll auch nicht (und genau das ist sicher die entscheidende Haltung).

Die zehn Wettbewerber um die ausgeschriebenen Preise, die die kompetente Jury (es ist übrigens immer der Hauptpreisträger des vorangegangenen Jahres mit vertreten) aussucht, haben zumeist kaum Entsprechungen in ihren Leitmotiven, sie zeichnen sich vielmehr aus durch Konsequenz eines bestimmten tragfähigen Ansatzes, der durchaus auch in die eine oder andere Zukunft weisen könnte, und durch stimmige Realisierung, die auch handwerklicher Sorgfalt verpflichtet ist.

Im Hyères-Défilé rauscht das als nahezu ununterbrochene Schau in einem Zuge am Betrachter vorbei und es ist von Vorteil, dass man sich auf der Ausstellung in der Villa Noailles die Sachen im Showroom einen Tag lang in Ruhe vorher ansehen kann (und auch mit den Designern reden). Die Fotos, die wir da gemacht haben, können den Zugang zum jeweiligen Konzept manchmal etwas erleichtern, darum zeigen wir – quasi als Ergänzugsartikel – diverse Beispiele in den kommenden Tagen noch einmal von Nahem.

Regina Weber (Deutschland):

Anna Isoniemi (Finnland):

Jef Montes (Niederlande):

Rushemy Botter (Niederlande), Grand Prix du Jury Première Vision:

Linda Kokkonen (Finnland):

Ester Manas (Frankreich):

Marie-Eve Lecavalier (Kanada), Prix Chloé:

Ela Fidalgo (Spanien):

Sarah Bruylant (Belgien), Prix du Public de la Ville d’Hyères:

Antonina Sedakova (Rußland):

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

An drei Tagen findet die Schau der Wettbewerber in einer großen umgebauten Scheune außerhalb der Stadt nahe am Meer statt, am letzten Tag gibt die Jury die Preisträger bekannt. Dabei handelt es sich um verschiedene ausgelobte Preise, neben dem Hauptpreis der Stadt  und dem Prix Publique sind das solche großer Modehäuser wie Chloé und Swarowski.

Die Preise

Die Preise sind finanziell unterschiedlich hoch dotiert und durchaus großzügig, viel wesentlicher sind sie als konkretes Sprungbrett in die Karriere. Denn damit verbunden ist jeweils auch begleitende Unterstützung (partenariat) der betreffenden Designer für das folgende Jahr bei der Verwirklichung einer Kollektion mit dem Know-How und der ganzen Logistik des Modehauses. Alle Preisträger bekommen außerdem auf dem Festival des Folgejahres noch einmal eine Möglichkeit, ihre Arbeit auszustellen („Formers“), im Gespräch mit ihnen kann man sich eine solche Entwicklung erzählen lassen und die Entwicklung von der kreativ ausgerichteten Gestaltung zum kommerziellen Potential beobachten. Auch auf der Modenschau präsentieren sie noch einmal.

Das Konzept

Ein kluges Konzept – auch Frankreich sucht intensiv nach fähigem Nachwuchs und begleitet ihn aufbauend in den Markt. Insofern ist das Festival in Hyères ein echter Startpunkt für professionellen Erfolg und der kompetente junge Designer benötigt nicht, wie zum Beispiel bei der Fashionweek, eine erste relevante Geldinvestition, um überhaupt vor Publikum auf dem Laufsteg zeigen zu können.

Erstaunlicherweise ist das Publikum wenig international, auch internationale Presse ist wenig präsent, obwohl die Veranstaltung relevant für das Modeland Frankreich ist und obwohl sich große Häuser eingeklinkt haben, Chanel zum Beispiel tritt als Hauptsponsor auf. Die Unterstützung hat natürlich – ohne dem Autokonzern der Fashionweeks zu nahetreten zu wollen – ein anderes Leitinteresse, als der Versuch kommerzieller Vereinnahmung modernen Zeitgeistes. Sponsoren haben immer Eigeninteressen und sind keine selbstlosen Mäzene. Sind sie aber vom Fach, tun sich ganz andere Strategien und Optionen auf, für sie selbst und für die Gesponsorten.

Die Schau

Das Défilé zeigt also in erster Linie Arbeiten von zehn vorausgewählten Wettbewerbern der Bereiche Mode auf dem Laufsteg, Sieger des letzten Jahres mit neuen Sachen und Filme der Wettbewerber Modeaccessoires kommen danach. In kurzen Filminterviews stellen sich anschließend die Designer vor, am letzten Tag werden dann die Preisträger gekürt.

Die Schau selbst ist professionell sehr ambitioniert, schon der Ort ist nicht nur technisch optimal ausgestattet, er wird auch künstlerisch gestaltet (Xenia Laffely). Hair/Makeup wird – wie auch bei der Fashionweek – gesponsort von L’Oréal und Maybelline, die Models werden eigens eingeflogen und der Ablauf ist gut durchorganisiert, bis hin zu wechselnden Lichtkonstellationen für die verschiedenen Kollektionen (atmosphärisch prima, schrecklich für Fotografen). Nicht zu vergessen die Tatsache, dass man die Kollektionen großenteils schon in der Villa Noailles als ausgestellte Stücke näher betrachten kann.

Hyunwoo Kim (Republic of Korea)

Fuhong Yang (China)

Gesine Försterling (Deutschland) – Prix Chloé

Hermione Flynn (Neuseeland)

Marine Serre (Frankreich)

Danial Aituganov (Russland-Niederlande)

Lotte van Dijk (Niederlande)

Marianna Ladreyt (Frankreich)

Vanessa Schindler (Schweiz) – Prix Publique, Prix Grand Jury

Maria Korkeila (Finland) – Prix Spécial

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