Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Sehr gespannt waren wir auf die Präsentation der neuen Kollektion von Damur Huang im Rahmen der Modewoche in Berlin. Präsentiert wurde in der Kirche St. Elisabeth. Gespannt deswegen, weil wir uns im Vorfeld der Schau dazu entschieden, uns mit den Auswirkungen der aktuellen Entwicklungen rund um künstliche Intelligenz im Bereich Modedesign zu beschäftigen. Dazu haben wir die vorangegangenen Kollektionen von #Damur in unser Experiment einbezogen, um dann zu sehen, wie nahe wir in unserer „Prognose“ an die neue Kollektion von DAMUR herangekommen sind. Nun aber eins nach dem anderen.

Weiterhin bleibt der „Hashtag“ ein Markenzeichen und findet sich gestalterisch in der Kollektion eingestreut. Dennoch kann man diese Kollektion als einen radikalen Neuanfang betrachten. Damur Huang wendet sich, wie viele andere Designer, welche auf der Modewoche in Berlin präsentiert haben, dem „Up- und Recycling“ zu. Ein Neuanfang hat uns in mehreren Hinsichten überrascht. Die Kreationen sind zwar nach wie vor an ein jüngeres, sportliches und urban orientiertes Publikum gerichtet, brechen aber formal die Flächenkonstruktionen immer wieder radikal auf, sind dekonstruktiv gehalten und setzen sich aus Fragmenten neu zusammen. Dabei werden viele Ein- und Durchblicke auf die Haut generiert und sowohl mit Farbflächen als auch mit Flächen aus unterschiedlichen Materialien verspielte Schichtungen aufgebaut. Das ist insoweit neu, als Damur in den vergangenen Kollektionen stets eine Ausrichtung auf eine klare und formelle Handschrift bei den Silhouetten, wie auch Schnittkonstruktionen an den Tag legte. Die Farbpalette ist weitestgehend in Blau gehalten, ergänzt durch Beige, Lachsrot bis Rot und Schwarz.

Erwartet haben wir aber, dass sich die vorgestellte Kollektion näher an jenem ist, was wir in unserem Experiment versucht haben zu prognostizieren. Mit dem sind wir davon ausgegangen, dass in den kommenden 2-3 Jahren sich die Produktions- und Kreativprozesse durch den Einfluss von künstlicher Intelligenz (KI) massiv verändern werden.

Es klingt, wie aus einem Sciencefiction Roman zitiert. Eine kurze verbale Beschreibung dessen, was man heute anziehen möchte und die Maschine produziert ad hoc die Kleidung für den Tag – selbstverständlich modisch, individuell und im Zeitgeist schwingend. Weit sind wir hiervon nicht mehr entfernt, dass die KI die klassische Tätigkeit des Modedesigners ersetzen werden kann. Dabei ist die Verwendung von KI in der Modeindustrie nichts mehr, was fremd ist. Bisher hat sich die Verwendung aber darauf beschränkt, Kundenpersonalisierungen der Produkte zu ermöglichen, Trendvorschauen zu erstellen, um das Volumen der Produktion zu optimieren (z.B. Anzahl der Produkte und Größen), Virtuelles Marketing – insbesondere Werbeplatzierungen in Sozialen Medien zu optimieren, oder auf der technischen Ebene bei der Produktionsunterstützung zum Beispiel den Materialeinsatz und Verschnitt zu optimieren. Nun stehen weitere Möglichkeiten vor der Tür.

Seit knapp einem Jahr verbreitet sich KI-basierte visuelle Kunst und Kreativität massiv und das hat für tiefgreifende Diskussionen und Befürchtungen gesorgt. Auf dem Markt und in der Szene tummeln sich mittlerweile zahlreiche Softwarekomplexe und Projekte wie midjourney oder Dall-E 2, die es zu einer gewissen Bekanntheit gebracht haben und Nutzer mit sehr verblüffenden Bildergebnissen überraschen, die zumindest bei Illustratoren die existenzielle Sinnfrage in den Raum stellen.
Kurz zusammengefast generieren diese Programme, basierend auf der verschlagworteten Bilderflut im Internet, anhand von textbasierten Beschreibungen aus konkreten Beispielsbildern neue Bilder, die fotorealistisch daherkommen. Entscheidend ist hierbei zu verstehen, dass es sich nicht um Kollagen handelt, sondern um Interpolationen dessen, was die Maschine anhand dessen, was wir Menschen an begrifflichen Zuordnungen visuell ableiten. An dieser Stelle wollen wir nicht vertieft beschreiben, wie diese Systeme konzeptionell funktionieren. Wichtig ist aber für das Grundverständnis die Erkenntnis, dass, wenn der Nutzer zum Beispiel als Bildbeschreibung in das System eingibt: „generiere ein Bild von einer Banane auf einem Skateboard“, das System nicht ein beliebiges Bild von einer Banane und einem Skateboard aus einer Datenbank nimmt und diese zusammenfügt, sondern frei assoziiert, was wir Menschen unter einer Banane und einem Skateboard verstehen und versucht zu interpretieren, was wir uns darunter vorstellen könnten, wenn diese beiden Begriffe in Relation zu einander stehen.

In unserem Experiment haben wir nun versucht vorauszusehen, wie eine zukünftige Kollektion und entsprechende Entwürfe von einem Designer aussehen könnten, wenn man dessen bisheriges Werk, seine Art kreativ zu arbeiten und seine kreativen Prozesse anhand von bereits vorliegenden Werken möglichst genau beschreibt. Im Falle von Damur Huang haben wir also eines unserer Bilder von einem typischen Look seiner vorangegangenen Kollektion genommen und sein vorliegendes Werk und das, was wir darunter verstehen, der KI beschrieben:

Damur, Fashionweek Berlin Kollektion ss2020, E-Werk

Basierend auf der Beschreibung und dem der KI neben der Bildfülle im Internet mit entsprechender Verschlagwortung sind in Bezug auf eine mögliche Winterkollektion aw2023 von der KI diese Beispiele generiert worden:

KI-Vorschläge aus Damur: Kollektion ss2020

Unserer Meinung nach ist es der KI verblüffend gut gelungen, basierend auf der Beschreibung eine Ergänzung dessen, was Damur Huang bisher an Looks vorgestellt hat, zu generieren. Etwas eigenständig Neues ist dabei unserer Meinung nach noch nicht herausgekommen. Dieser Eindruck wird auch noch verstärkt, wenn man sich die tatsächlich in Berlin vorgestellte neue Kollektion anschaut. Diese ist offensichtlich auch stilistisch ein erheblicher Bruch und Neuanfang des Designers im Vergleich zu den vorangegangenen Kollektionen.

Im Fazit bedeutet dies hinsichtlich unseres Experimentes: Die KI unterschlägt kreative und innovative Erneuerungen, die ja letztlich gute Mode ausmachen sollten. Das macht Hoffnung, solange dieses grundlegende Credo aufrecht erhalten bleibt und wir freuen uns, dass gerade dieses Beispiel nun so schlagend ist. Was wir allerdings trotzdem im Hinterkopf behalten müssen, ist, dass diese Technologie die Möglichkeit eröffnet, im Volumenmarkt noch schneller Looks zu generieren, die auf kreativen Vorlagen basieren. Das heißt, die neue, innovative Vorlage kann schnell in Varianten ausgebaut werden. Im nächsten Schritt würde die digitale Bearbeitung von der zweidimensionalen Darstellung in eine dreidimensionale Umsetzung übergehen, in welcher die KI direkt Schnittmuster und Konstruktionspläne generiert, die wiederum direkt in den Produktionsprozess übergehen.

Das berührt natürlich noch nicht die Überzeugungskraft des Neuen, sondern nur des Prinzips. In Bezug auf die kreative Gestaltung überlassen wir es darum den Lesern zu entscheiden, welche Ergebnisse die gefälligeren sind. Hier nun die tatsächliche Kollektion REVIVER von #Damur:

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Gerhard Paproth, Boris Marberg

Wenn ein Label beziehungsweise ein Modedesigner in der Fashionweek zu einem Date in ein Restaurant einlädt, ist das schon fast ein neues Format. Handverlesene Gäste, kaum Presse und ein eher intimes Ambiente rücken eine solche Veranstaltung im Vergleich zu einer großen Modenschau schon fast in einen intimen Charakter, wo der Modedesigner und seine Arbeiten scheinbar dicht am Publikum (sprich Kunden) dran sind.

Die Wahl der Location folgt hier anderen Massgaben, Niveau und Ambiente spielen eine große Rolle und in der Folge auch die angebotenen Speisen und Getränke, die Bedienung, das Licht und letzten Endes sogar der Stadtteil. Das muss imagegerecht geplant sein und so haben wir das auch wahrgenommen.

Die erste Veranstaltung dieser Art zur Berliner Fashionweek SS2021 war schon am vorausgehenden Sonntag, ein Brunch mit #Damur in Kreuzberg. Ein großer, eher etwas nüchterner Saal mit Bühne vor den großen Fenstern, langen Tischreihen, einer Bar und einem Büffet sowie einem Ausgang zum bestuhlten Garten. Eher unauffällig in einer Ecke platziert zwei Kleiderstangen locker gefüllt mit ein paar verschiedenen Outfits der jüngeren Produktion und einem riesigen Eyecatcherkleid aus Patchwork daneben. Alles eher schlicht, nicht unbedingt fotogen das Ganze, aber thematisch nüchtern, denn es geht nicht um Stil sondern um Upcycling. Wie bei Damur üblich, werden die aktuellen Schlagworte der jungen Generation optisch konsequent in eine Modeidee übertragen und variiert, wobei man dann um diese Schlagworte, also hier UPCYCLING, noch geistige Konstrukte bauen kann und darüber reden. Diese Gespräche und Ansprachen wurden dann auch von der Bühne ins Publikum lanciert, kommentiert und ausgeweitet. Zwischendurch wurde auch mal ein Outfit von einem Modell gezeigt, für die Kameras.

Ein typisches Damur-Konzept, ein symbolischer Begriff wird so direkt wie möglich visuell auf Kleidung übertragen und verbal gefüllt und ausgeschmückt. Ästhetische Konzepte haben laut Shih-Shun Huang ohnehin abgedankt und werden heutzutage durch aktuell ideelle ersetzt, was auch direkt auf die Mode zu übertragen sei. Wenn aktuelle Begriffe Mode werden, also zur sprachlichen Formel (Prinzip „Propaganda“), kann man sie auch zur Formel in der Modegestaltung transferieren und das hat dann auch zwingend Erfolg. Das nur scheinbar einfache Verfahren gelingt Huang Damur immer sehr schlüssig. Und in dem Sinne war die Veranstaltung auch ein gelungener Treffer.

Ganz anders positionierte sich die Lana Mueller – Veranstaltung. In einem hochkarätigen Restaurant: ambitioniertes Innendesign, mit runden Tischen, exquisiter Ausstattung, stilbewußtem Personal und eher intimer Beleuchtung. Gutes Essen, hochwertige Getränke (und ein guter Weinhändler als Sponsor) sowie erlesene Gäste, denen man auch das Bewußtsein zu exquisiter Mode ansah. Dazu eine professionelle Animatrice, der immer Text einfiel und die durch den zeitlich etwas gedehnten und damit entspannten Abend führte. So wurden die Pausen zwischen den drei Modevorführungen mit je vier Kleidern unterhaltsam gefüllt und die Designerin im Gespräch zu diesem und jenem vorgestellt. Schöner Aufenthalt, Modenschau und animierte Unterhaltung im Kreis geladener Gleichgesinnter erwiesen sich als stimmiges, imagegerechtes Konzept.

Die vorgeführten Modellkleider stammen aus den letzten 13 Kollektionen von Lana Mueller, jetzt nachhaltig neu produziert, elegant, aber nicht so spannend wie bei den saisonalen Schauen, die wir bisher von ihr sahen.

Die charmanteste Veranstaltung war die „Japanische Nacht“ des Labels Susumu Ai in einer eher winzigen Sake-Bar in der Ludwigkirchstrasse. Mit zurückhaltendem Charme und großer Aufmerksamkeit wurden alle Gäste periodisch in die Nomu Sake Bar (die erst nächste Woche offiziell eröffnet) geführt und mit exotischen Getränken (Kyushu Gimlet – japanischer Gin, Lime, Sakura; Green Planet – japanischer Whisky, Matcha, Vermouth) und exquisiten japanischen Häppchen versorgt.

Die Mode des Labels war wie Kunst an die Wände montiert, vier Beispiele, die den Kunstcharakter durchaus einlösen können. Eine Mischung aus klassisch japanischem und westlichem Styling, aus hochwertigen, nachhaltigen Materialien, extrem sorgfältig verarbeitet und geschmacklich ausgewogen kombiniert – auf seine Weise außerordentlich elegant. Das Designerduo Keiho und Alisa Menkhaus mit seinem kleinen Team ist erst seit letztem Jahr auf den Markt getreten und verkauft zur Zeit per Internetorder aus Berlin.

Keine Übertreibung, klein und delikat, bescheiden aber große Klasse – in jeder Hinsicht korrespondierte auch diese Veranstaltung mit dem Selbstverständnis des Labels.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die vom Berliner Senat geförderte Showroom-Veranstaltung DACH zu den Fashionweeks verteilt sich, noch real, in der Fashionweeksaison auf mehrere große Städte, angesichts der Tatsache, dass Reisen zu Pandemiezeiten ja problematisch bis unmöglich ist. Die Showzeiten sind entsprechend versetzt, aber dennoch reisen nicht alle teilnehmenden Kollektionen in alle fünf Städte, leider, die Label-Präsenzen sind verschieden gemischt.

Die per Jury zusammengestellte Gruppe, die diese Saison insgesamt vertreten ist, besteht aus #Damur, Aline Celi, Esther Perbandt, Franzius Hänska, Johanna Gauder, Marcel Ostertag, Perlensau, Schmiede Bosslau und Starstyling. Angeschlossen aus Österreich (AFA Agency) sind Florian Jewelry, Güç, Margaret and Hermione, Miyagi, Modus Vivendi, Scotria und aus der Schweiz (Mode Suisse) Luca Xavier Tanner, Yvy.

Paris wurde nach Berlin verlegt und die Teilnehmerzahl auf neun reduziert. Parallel zum realen Ort präsentiert sich der DACH Showroom auch im Internet, aber leider funktioniert da nicht alles.

Was man normalerweise bei der Großauswahl in Paris sieht, hat auch nur immer einige wenige Highlights, der Rest oszilliert meist im Mittelmäßigen, vorsichtiger formuliert im stark kommerziell Ausgerichteten. Jetzt, wo nun also der Showroom in Berlin (statt Paris) auf vergleichsweise wenig Designer zusammengezogen wurde, merkt man diese Verhältnisse schon deutlicher, umso mehr, als einige Fashion-Highlights wie Esther Perbandt stattdessen in Tokyo zeigen. Kurz, für lokale Einkäufer sicherlich eine durchaus attraktive Auswahl, für die Suche nach innovativer Gestaltung eher wenig spannend. Der Schwerpunkt liegt ohnehin mehr auf nachhaltigen Konzepten.

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Im Zentrum des Showrooms zeigt Damur eine große Kollektion und, wie immer, hat Shih-Shun (Damur) Huang der Gegenwart wieder das Aktuellste abgeschaut, was er so direkt wie es geht umgehend in Kleidungsgestaltung umwandelt. Und im Handumdrehen in Taiwan produzieren läßt. Lieferzeit: ein paar Tage. Und was ist das Aktuellste für uns? Richtig, Pandemie mit Masken, betrifft jeden! Wenn Mode ihrem ursprünglichen Anspruch folgt, so dicht und pointiert up to date zu sein wie möglich, dann ist das bei Damur der Fall. Nach seiner Philosophie ist kein aktuelles Thema unverwertbar für Mode. Schlagkräftige Begrifflichkeiten dürfen auch nicht fehlen: Schon auf der SS21 Taipei Fashion Week zeigte er im Oktober 2020 diese, seine achte Kollektion mit dem Titel “008 Epidemic-Free Fashion Era” in Kollaboration mit der Kalifornischen Marke Brothers Marshall. „Pandemie-sichere Travelwear“, wie immer in plakativem Design, unkomplizierten Unisex-Schnitten und jetzt aus dünnem Maskenstoff, der mit zusätzlicher Beschichtung wasserfest gemacht wurde. Reinigung: nur mit kaltem Wasser abwischen. Damurs Überzieher der Gegenwart zeigen, was angesagt ist in diesen Zeiten (und dass man damit voll dabei ist).

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Die Bademode von Margaret and Hermione ist vom Erscheinungsbild her wenig ungewöhnlich oder attraktiv, eher betont neutral. Aber das Material ist ungewöhnlich, statt aus Polyamid bestehen die Teile aus recycleten Fischernetzen: „Nach langer Recherche bin ich auf die Fischernetze gestoßen und fand das eine sehr schöne Geschichte: aus dem Meer zurück in das Meer“. Ein gutes Beispiel für Produktphilosophie, die den Geist der Dinge und die ideologische Haltung über den Gestaltungsauftrag stellt: „Man sollte nichts machen, was einfach nur schön oder gefällig ist.“

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Auch die Produkte des Berliner Taschenlabels HÄNSKA sind von Nachhaltigkeit geprägt, besonders der Baumwollschulranzen fällt auf. Hier ist aber Design des praktischen Nutzens mindestens gleichwertiger Anspruch, wenn auch nicht Chic und Eleganz verpflichtet, sondern eher zurückhaltend.

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Arbeitskleidung als Mode zu kreieren ist das Anliegen von Luca Xavier Tanner (Schweiz). In Assoziation mit Beuys und vielleicht auch Jonathan Meese ansprechend entwickelt er pragmatische Unisex-Kleidung für Künstler: Die „Teile der Kollektion sollten auch in der Lage sein, einen kreativen Menschen bei seiner täglichen Arbeit zu begleiten. Die Funktionen einer Utility-Jacke werden aufgegriffen und in die Kollektion integriert. Teile sollten den Träger bei seiner Arbeit unterstützen – nicht behindern. Viel Bewegungsfreiheit ermöglicht auch das Arbeiten auf dem Boden …“ teilt der Pressetext mit. Auch hier steht der pragmatische Anspruch für das ästhetische Konzept, immerhin bekommen manche Strukturmuster ein reizvolles Eigenleben. Wenn Bildende Künstler als ein Marktsegment für Mode erkannt werden oder als Protagonisten, gibt das jedenfalls zu denken.

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Das Wiener Strickwaren-Label Modus Vivendi bietet im eigenen Atelier (hand-)gefertigte Kleidung, teils mit eleganter Note, teils sehr lässig im Design, teils als bewusst plumpe Homewear.

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Der deutsche König der begleitenden Botschaften in der Mode, Marcel Ostertag, kann auch in dieser aktuellen Kollektion nicht gerade mit gutem Geschmack oder ausgefeiltem Stil punkten. Einige weniger auffällige Mäntel aber sind durchaus gelungen im Schnitt und gehen als lässig und für sich stimmig noch durch. Immerhin legt der Modemacher Wert auf nachhaltige Produktion, hochwertige Materialien und faire Produktionsbedingungen. Dies, und dass Ostertag seit Beginn der Berliner Fashionweek dabei ist, mag Kriterium für die Jury gewesen sein, ihn hier als repräsentativ auszuwählen. Seinen Kollektionen hat man eine gewisse Classe aber nie angesehen, so auch nicht dieser.

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Sogar das Wiener Unterwäsche-Label Miyagi setzt in erster Linie auf Nachhaltigkeit. Less-Waste ist der Begriff, der hier fällt. Die Wäsche ist weich und komfortabel. Gestalterisch schwanken die Teile eigentümlich zwischen Sexyness (Highwaist-Panties und Cut-Out Bras) und eher biederer Häkelapplikation sowie groben Formen.

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Rudolf, ebenfalls aus Wien, stellt “langlebige Stücke aus natürlichen Materialien her, die in Wien immer pflanzengefärbt werden.“ Also auch dieses Label stellt wesentlich heraus, „in punkto Ökologie, Nachhaltigkeit und sozialer Verantwortung neue Wege zu gehen.“ Gestalterisch sind die breiten Streifen auf den sehr schlicht geschnittenen Teilen allerdings durchaus attraktiv und kontrastreich, wenn auch in den farbigen Varianten eher gedeckt und zurückgenommen.

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Schmiede Bosslau ist ein Schmucklabel, das so heißt, weil der Werkstattvorläfer vor 7 Generationen eine Schmiede war. Dies zu wissen erklärt die teilweise rustikalen Rückgriffe des Designs parallel zur handwerklichen Faszination der Schmuckdesignerin für japanisches Kunsthandwerk. Handgemachte Maschinen, handgemachter Schmuck und Rohstoffe wie faires, recyceltes Silber, Gold und Messing sind auch hier eine nachhaltige Ausgangsbasis, mit der Susann Bosslau „einen bewussteren Lebensstil inspirieren“ möchte, der den Schwerpunkt auf die Bewertung perfekt unvollkommener Details, Qualität, Tradition und Handwerkskunst legt. Es gelingt ihr (teilweise), dieses Anliegen in eine ästhetische Qualität zu überführen, die über Öko-Touch hinausreicht. Dies, muss man einschränkend hinzu fügen, betrifft aber leider nicht alle Schmuckstücke: die kindischen Smiley-Herzchen wirken eher wie ein Verrat an dieser eigentlich anspruchsvollen Zielvorstellung.

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Aline Celi sucht sich auch in Paris einen Namen zu machen, dabei bedient sie allerdings eher konventionelle Geschmacksorientierungen. Dennoch gelingen ihr stets ein paar auffällige Akzente und sehr weibliche, akzentuierende Schnittentscheidungen, Musterapercus und kleine, kesse Wagnisse, die etwas herausstechen. Vorteilhaft ist, dass viele ihrer Entwürfe auch weniger schlanke Größen berücksichtigen und da auch funktionieren. Das abgebildete Kleid und andere sahen wir allerdings schon vor einem Jahr in ihrer Kollektion  – insofern gibt es da wohl nichts Neues für die Saison aw2021 zu berichten.

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Unterm Strich bleibt festzustellen, dass fast alle teilnehmenden Designer des DACH-Showrooms in Berlin Nachhaltigkeit (oder Weltbilder) als entscheidendes Wesensmerkmal für ihre Kollektion herausstellen. Die modische Gestaltung tritt hauptsächlich in den Dienst dieser Prämisse und es gelingt deswegen noch immer nicht, nachhaltige Mode aus dem Nimbus des „Alternativen“ zu befreien. Dabei belegt der Blick auf die Pariser Fashionweek sehr wohl, dass die Labels mittlerweile fast alle umgedacht haben oder zumindest im entsprechenden Wandel sind, ohne dafür den übergreifenden ästhetischen Anspruch aufzugeben.
Man kann vermuten, dass die hier gezeigten Labels den lokalen oder nationalen Raum nicht werden überwinden können und darauf setzen müssen, dass ihren Kunden die Demonstration ideologischer Ausrichtung wichtiger ist, als eine geschmacksgeprägte Umwelt mit optischer Attraktivität und der Freude daran.

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Text: Boris Marberg
Bilder: Andreas Hofrichter

Damur versteht sich als Berliner Modelabel. Konsequent fand dementsprechend im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin auch die erste Schau des Designers Shih-Shun Huang statt, der mit seinem Label auch Mitglied des „Facion Council Germany“ ist. Im vergangen Winter hatten wir noch das „Atelier“ von Damur in Berlin besucht um den Designer, sein Label und seine Design-Philosophie kennenzulernen und vorstellen zu können.

Der Designer eröffnete mit einem persönlichen Statement seine Schau und nutzte die Gelegenheit, seinen Dank an all jene zum Ausdruck zu bringen, die sein kreatives Wirken in Berlin und diese erste Schau ermöglicht hatten. Shih-Shun Huang versteht seine Mode und Mode im Allgemeinen als Kommunikationsform. Die Bekleidung könne eine Vokabular für die Teilhabe sein – also auszudrücken man „gehöre dazu“. Symbolisch und symptomatisch steht hierfür der Hashtag. Die Wirkung und Funktion eines Hashtags ist es, ein Bezugssystem zu generieren und auch eine lexikalische Verschlagwortung zur Verfügung zu stellen. Das Doppelkreuz ist eine universelle, über Sprachbarrieren hinweg wirkende Markierungsmethode. Der dem # folgende Begriff bedarf indes der Determinierung in einem konkreten Diskurs. Bei Damur ist die dargestellte Teilhabe ein modisches Statement aufzugreifen und sich partizipativ anzueignen. Diese Saison bilden die Konstruktionen der Kleidung selbst den eigentlichen gestalterischen Rahmen – der Hashtag kommt jetzt zwar immer wieder vor, ist aber in der konkreten Umsetzung doch recht dezent in der Kollektion eingestreut.

Die Bekleidung von Damur lebt bei dieser Kollektion weitestgehend von starken Kontrastbildungen. Dies bezieht sich sowohl auf die Flächen, Schwarz und Weiß, wie auch Volumen in den Silhouetten oder Größenverhältnissen. Erst das letzte Drittel der vorgestellten Kreationen entwickelt eine Farbigkeit und spielt mit Ornamentik und Applikationen. Hier lockern bunte Fransen, fast leuchtende reflektierende Flächen die formale Strenge auf. Die Konstruktionen wirken überwiegend wie frisch aus dem CAD (Computer aided design), aus dem Rechner direkt in die Laser-Schneidemaschine übertragen und umgesetzt. Eine haptische Erfahrung, welche sich bereits im Schaffensprozess im Umgang mit dem Material anlegt, nimmt man diesen Kleidern nicht wirklich ab.

Das Steife in den formalen Entwürfen kann dennoch als konsequent in der Konzeption überzeugen. Diese Strenge vermittelt Sicherheit oder befriedigt scheinbar ein Bedürfnis nach Sicherheit, wie auch Teilhabe – wenn sie ostentativ und programmatisch postuliert wird – ein (soziales) Sicherheitsgefühl vermitteln kann. Die Individualität wird domestiziert und formiert sich programmatisch in der Form und der Determinierung der Zugehörigkeit des Individuums, welches sich per getragener Kleidung in ein Deutungssystem einklinkt und Teil dessen Wirkungswelt wird. Der #Hashtag kann damit auch alleine stehen und verschlagwortet so gesehen die Leere, die als Gefühl zeitgenössisch und epochenprägend sich breit macht: #__

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Geplant war ein Atelierbesuch, aber es gab gar kein solches im herkömmlichen Verständnis. Das Atelier von Damur Huang ist ein Office, Showroom und Besprechungsraum in Kombination, und damit ist im Grunde das Interesse am Designprozess schon ungewöhnlich beantwortet: Damurs Mode versteht sich in erster Linie als eine zeitgemäße Businessunternehmung, das Produkt Mode wird als Kommunikationsträger betrachtet und der kreative Gestaltungsakt vollzieht sich vornehmlich als Prozess on the fly. Auch der Ort mitten in Kreuzberg ist einerseits eine Situierung im sozialen Kontext – und von daher kulturell inspiriert, andererseits ist er gleichzeitig auch autonom im geschäftlichen und gestalterischen Tun am Laptop. Drei Mitarbeiter sitzen an dem zentralen Tisch in dem eher kleinen Ladenlokal an ihren Laptops – Stoffrollen, Nähmaschinen, Zeichnungen, Werkzeuge, Schneiderpuppen, Unikate und Prototypen, all das gibt es hier nicht mehr.

Dabei hatte Shih-Shun Huang seinen Weg zum Designer durchaus auf klassischem Weg über verschiedene Mode-Ausbildungsstätten in Belgien, Frankreich und anderswo beschritten, doch seit der Selbständigkeit des Labels vor ca. drei Jahren ist die künstlerische Ambition dem Geschäftlichen nachgeordnet, sie ist nur noch ein konzeptuelles Bestandteil. Schon vor der ersten Frage stellt der gesprächige Designer klar, dass die medialen Erwartungen mit romantischen Vorstellungen vom kreativ-gestalterischen Prozess und von ästhetisch geprägter künstlerischer Arbeit bei ihm an falscher Adresse sind, was aber nicht bedeutet, dass dem keine kulturbezogene Philosophie zugrunde liegt.

Ästhetische Kriterien sind für den Designer ein unzeitgemäßer Ansatz, Kulturgeschichte bestünde eben nicht aus stets neuen Leonardo da Vincis, sondern aus zeitgemäßen, innovativen Konzepten, die sich aus sozialen Kontexten ableiteten. Die Gegenwart ist wesentlich von kommunikativen Neuerungen geprägt und Damurs Gestaltung von Kleidung soll genau das reflektieren und im besten Fall Teil dieses interaktiven Austausches sein. Und die verschiedenen Aspekte dieses Phänomens liefern die Leitgedanken für seine jeweilige Kollektion.

Die letzte Kollektion war vom Hashtag # geprägt, das Kennzeichen für kurze Mitteilungen und Austausch, an dem jeder beteiligt ist und das demokratisch jedem Individuum Platz für seine Selbstdarstellung bereitstellt. Überhaupt versteht Damur Kleidung als Teil der Selbstdarstellung, aber er liefert dafür keine Interpretationsoptionen, sondern die Dokumentation dieser Beobachtung, in der man sich positionieren kann. Und darum steht für ihn zwar das Individuum im Focus, aber nicht seine Individualität. Seine Mode ist Ausdruck der Identifikation mit der gelebten (und geliebten) Gegenwart.

Das Handwerkszeug der Gestaltung – Farbe, Form, Material etc. verliert seine ursprünglichen Anwendungskonnotationen und steht für anderes zur Verfügung. Denim zum Beispiel ist ein bevorzugter Stoff, der sich mittlerweile von seinen ursprünglichen sozialen Implikationen (Blue Jeans) völlig emanzipiert hat und bis hin zu Chanel-Kollektionen zum Allerweltsgut geworden ist: ein Signum für pluralistische Aneignung bei gleichzeitigem Konnotationsverlust. In Kombination mit anderen Stoffen relativiert sich deswegen die Kontrasthaftigkeit auf allgemeingültigen Konsens. Denim erhält eine neue, konsensuelle Wertigkeit, die unsere (Groß-)Mütter, die Blue Jeans bügeln wollten (mit Bügelfalte!), angestrebt aber nicht erreicht haben.

Damur schätzt Kontraste. Die werden zwar bei seiner Kleidung in Farbigkeit und Formgebung sichtbar, sind aber ebenfalls eher als gesellschaftliche Statements verstanden und angelegt, quasi der nonverbale Ausdruck des kommunikativen Miteinanders und Gegeneinanders. Das Erscheinungsbild eines Damur-Outfits soll im Kontrast zu allen anderen Outfits der Umgebung stehen und damit unsere Umwelt um eine Position reicher machen. Auch in sich sind viele Stücke gegensätzlich, vorne und hinten sind wie zwei unterschiedliche Seiten einer Medaille, was vorne die üblichen Insignien eines Anzugs aufweist, kann hinten die eines Trenchcoats haben oder einen derb formulierten Hashtag ins Auge springen lassen. Die Codes werden neu aufgemischt.

modaCYCLE: Shih-Shun Huang, Sie sagen, Sie arbeiten nicht mehr im klassischen, künstlerisch geprägten Atelier-Verfahren.

Damur: Infolge meiner Universitätsausbildung habe ich mehrere Jahre als Künstler im Fine-Art-Bereich gearbeitet. Aber mit dem Eintritt in das Design-Business hat sich die Herangehensweise geändert. Wenn man ein tolles Stück auf künstlerische Weise gemacht hat und dann feststellen muss,dass es schwer zu verkaufen ist, ändert sich die Sicht und die Lage. Mit der Gründung einer GmbH hier in Deutschland geht es zuerst darum, dass die Unternehmung überleben kann. Man muss sich um Herstellungsqualitäten kümmern, viel Zeit in Muster und Nähen für Varianten einer Kollektion investieren. Und hauptsächlich um die Vermarktung.

modaCYCLE: War der künstlerische Leitgedanke nicht der entscheidende Grund um in dieses Business zu gehen?

Damur: Nun, ja und nein, letztlich ist, wenn man sich für einen Künstler hält, alles, was man täglich als Modedesigner so macht, künstlerische Arbeit. Dafür muss man nicht etwas kreieren. Zum Beispiel muß man sein Produkt marktgerecht aufbereiten, so dass die Leute daran glauben können, also eine Geschichte dazu erzählen, das muss man auf verschiedene Teile übertragen (T-Shirt, Hose etc.), Kosten berechnen und Preise zuordnen, und das ist dann eben nicht mehr „Kunst“, sondern ein Business.
Man muss sicherstellen, dass die Investitionen wieder hereinkommen und das ganze funktioniert. Es stellt sich heraus, dass es Geschäft ist.

modaCYCLE: Wenn Designer den Medien erklären, es geht nicht wirklich um kreative Gestaltung, sondern um das Geschäft, würden dann nicht alle Modemagazine dicht machen müssen? Wir interessieren uns jedenfalls zentral für den künstlerischen Impact von Modedesign, zum Beispiel die Zeitbezogenheit der gestalterischen Ideenansätze.

Damur: Nun, was wir als „Serien“ mit den saisonalen Kollektionen herausbringen, ist zwangsläufig zeitbezogen. Denn wir betrachten unsere Kreationen, unsere Produkte als dokumentarisch. Wir bedienen uns bestimmter, aktueller Symbole, wie zum Beispiel des Hashtags, die dann die Gestaltung bestimmen. Das steht für die Art moderner Kommunikation. Mit den Farbkombinationen können wir zum Beispiel auch eine Genderposition formulieren. Was in den Social Media aktuell verhandelt wird, wie auch die #metoo-Debatte, soll sich in unseren Produkten wiederspiegeln. Wer sie trägt, demonstriert seiner Umwelt damit seine Teilhabe.

modaCYCLE: Die Unisex-Kreationen in Ihren Kollektionen spiegeln also in erster Linie eine gesellschaftliche Idee und eher nicht eine individuelle Position.

Damur: Ja, die Persönlichkeit definiert sich mit der persönlichen Wahl. Das Feld der Angebote ist groß, darin wählt man. Auf Instagram manifestiert sich die Bildung der Positionen mit den Likes, die man bekommt oder nicht. Gleichzeitig ist das ein Echo zu der Welt, in der ich lebe.

modaCYCLE: Die Widerspiegelung der Zeit, in der ich lebe, ist aber noch kein persönlicher Ausdruck.

Damur: Ich finde es interessant, wie Menschen sich austauschen. Mode ist Teil dieses Austausches.

modaCYCLE: So lange wie eine individuelle Haltung nicht die Grundlage ist, sondern nur übernommene Positionen – also was alle denken – die Interaktion bestimmen, inwieweit kann Mode, die das sichtbar machen soll, da etwas Besonderes ausdrücken?

Damur: Ich zeige Positionen und vor allem zeige ich das Austauschprinzip, mit dem diese jüngere Generation aufwächst und sich identifiziert. Instagram ist wichtiger Teil ihres Lebens. Und ich bediene mich dieses Prinzips. Man trägt es am Körper. Es ist, wie gesagt, ein Reflex auf die Welt, in der wir leben, so wie ich das Thema visuell übertrage.
In der nächsten Saison ist dann ein anderes Gegenwartsphänomen Thema. Es geht um die Oberflächenerscheinung von bestimmten Kleidungsstücken. Zum Beispiel des Trenchcoats, der bei uns verschiedene Kleidungsstücke im Mix in sich vereinigt. Es geht um die Rollen, die man anläßlich verschiedener Gelegenheiten vorführt. Ist es ein Kleid oder ist es ein Hemd?
Angesichts verschiedener Fragenen in Politik (z.B. Brexit) und Gesellschaft stellt sich permanent die Forderung nach einer Entscheidung. Fake News in den Social Media demonstrieren uns dauernd „richtig“ oder „falsch“, auch das kennzeichnet unsere Gegenwart. Und Mode reflektiert unsere Zeit, da zu sein, im Moment als Mensch, der bestehen muss.

modaCYCLE: Sie sagten einmal, Denim sei ein soziales Statement.

Damur: Ja, man findet Denim jetzt überall, auch bei Chanel. Es ist wie früher Jersey, man findet es überall in der Gesellschaft. Es ist jetzt ein historisches Textil.

modaCYCLE: „Wear it loud“ als Ausdruck expressiver Modehaltung ist ein Statement von Damur.

Damur: Loud ist ein Haltung der Jugend und ist hier als das Gegenteil von Invisible zu verstehen. Die Leute wollen gesehen werden, auch als Teil einer Gruppe. Und man kann die Signifikanz ausserhalb des Üblichen wählen, mit der man wahrgenommen wird. Klassische Ästhetik – wie häßlich und schön, tragbar und unmöglich – so wie unsere Kunstprofessoren das aus überkommender Philosophie (da Vinci wäre sowieso schwer zu erreichen…) übernommen haben, spielt eigentlich keine Rolle mehr. Das Ästhetische ist eine Idee der Vergangenheit.

modaCYCLE: Denken Sie, die Vorstellung von Schönheit ist nicht mehr eine allgemeine, sondern jetzt eine individuelle Angelegenheit?

Damur: Meine Mama rief manchmal aus „das ist ja so häßlich!“ wenn ich mir was ausgesucht hatte, aber wir haben jetzt eine andere Zeit. Die hat andere Maßstäbe. Sachen, die ich mache, folgen anderen Leitgedanken. Wir reden nicht von Balance der Materialien, der Farben, von Symmetrie und so weiter. Wir wollen nicht schöne Farben oder so. Die Entscheidungen werden auf anderer Ebene getroffen. Kontraste sind da schon wichtiger, in allem. Das hat mit dem allgemeinen Anliegen zu tun, aber für mich persönlich waren Kontraste schon immer meine Leidenschaft.

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