Text und Bilder: Gerhard Paproth

Mit über zwanzig Kleidern aufwändiger Couture präsentierte Jasmin Erbas eine recht große und abwechslungsreiche Kollektion direkt auf dem Bürgersteig des Kurfürstendammes, die letzte Schau der Fashionweeksaison und für sehr gehobenen Anspruch.

Eher für ganz besondere Anlässe wie große Feste, Bälle, Hochzeit oder den roten Teppich ist jedes Unikat individuell konzipiert, gestaltet und hergestellt, ganz offenkundig sehr delikat und wertvoll für sich und im Detail. Haute Couture im klassischen Sinn eben, für die Berlin Fashionweek schon eine Besonderheit. Darüber hinaus setzen die Kreationen aber nicht auf Sicherheiten im konventionellen Sinn sondern sind mutig und, deutlich zeitgemäß, sehr sexy und körperbetont und auch dies nicht im üblichen Modus verbleibend. Jedes Kleid ist ein eigenes kleines Feuerwerk aufwändiger Verarbeitung der Stoffe, Schnitte und Applikationen, stets ornamental geprägt und schillernd. Die Verknüpfung mit Corsagen und pfiffigen Oberteilen aus der Dessouswelt assoziiert unverbrämt erotische Konnotationen und ist, gottseidank, auch so angelegt, dass man es beim Tragen nicht anders modifizieren kann als hier vorgeführt. Aber es gibt gelegentlich Transparenzen, die mit Stoffen in Nudetönen unterlegt sind, das hilft den weniger Mutigen. Das letztgezeigte „Korsettkleid“ zeigt dann noch ungewöhnlichen Witz im Arrangement – auch hier wird Sex im Agent-Provokateur-Style deutlich betont. Wenn dies als Hochzeitskleid fungiert, sind Eheerwartungen deutlich mitformuliert.

Dem Anspruch von Haute Couture verpflichtet  sind die Materialien stets edel: transparente Stoffe, Spitze, Seide, Chiffon, Rüschen sowie eine Menge Glitzer und Perlen addieren sich zu atemberaubenden Oberflächen und skulpturalen Gebilden. Die lebendig gehaltenen Schnitte bestehen vorwiegend auf der erwähnten erotischen Freizügigkeit, auch bei langen Kleidern und mit opaken Stoffen. Der Kollektionstitel La Reine et la fleur verweist allerdings auch auf eine romantische Seite der Gestaltung, die sich ebenfalls durch die Kollektion zieht.

Es ist natürlich schön, dass im Rahmen der Fashionweek nun auch eine Haute Couture Veranstaltung hinzugetreten ist, denn eine solche ist ja für sich schon immer ein Hochgenuss. Inwieweit das konzeptionell für die Ausrichtung des Berliner Modestandortes relevant ist, kann man gut diskutieren. Insoweit sie aber gar nicht konventionell auftrat sondern dem Zeitgeist der anderen Schauen in nichts nachstand, kann man sie sicher so und so als Bereicherung verstehen.

Bei schwankendem Wetter fand die Veranstaltung auf einem offen abgesperrten Bereich des Bürgersteigs vor dem präsentierenden Unternehmen von Medicalthree (5-jähriges Jubiliäum) statt. Das gab sich durchweg als großzüger Gastgeber und verpflichtete sogar als musikalische Einleitung den deutschen Event-Geiger David Garrett für einen kleinen Auftritt vor einem Publikum, das mit VIPs aller Grade und potentieller Klientel reich bestückt war. Aber Kudamm-Zaungäste kamen auch auf ihre Kosten, der Touri trägt diese zufällige Berlinerinnerung dann aufgeregt per social Media in alle Welt. Auch das ist, als Randerscheinung, nicht schlecht für das internationale Image der Berliner Fashionweek.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Drei Designerinnen profitieren von der besonderen Ukraine-Unterstützung des Fashion Council Germany und zeigen erneut ihre Kollektionen auf der Berliner Fashionweek: Bobkova, Dzhus und Litkovska. Sie präsentieren an verschiedenen Orten und treten dabei auch nicht anders oder spezifischer auf als alle anderen.

Dabei scheint es nicht ganz so leicht zu sein, den Spagat zwischen dem eher innovativ geprägten Westen und der eher konservativ ausgerichteten Klientel in der Heimat zu bewerkstelligen. Während Dzhus bei ihren ungewöhnlichen, experimentellen Verwandlungs-Abenteuern bleibt, orientiert sich Bobkova eher an traditionellen, kommerziellen Leitideen, die lediglich mit ein paar kecken Ideen aufgefrischt sind. Litkovska erweitert und interpretiert die klassischen Standards in Schnitt und Architektur schon deutlich rasanter und experimenteller und positioniert ihre Kollektion kraftvoll und mit lässigerem, aufgeschlossenerem Auftritt. Immerhin, drei verschiedene Positionierungen von Modemacherinnen, die sich ihrer Herkunft verbunden fühlen und, selbst wenn sie schon eine Weile hier leben, in dieser Zugehörigkeit auch – mit Erwartungen – wahrgenommen werden. Eine modische Bereicherung aus dem Osten zeichnet sich dadurch noch nicht wirklich ab, eher stellen sie sich dazu.

Neu hinzugekommen ist das ukrainer Label Podyh, das haben wir bereits extra besprochen, nicht mehr dabei ist Jean Gritsfeldt.

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BOBKOVA im Garten des Kronprinzenpalais:

Bei Bobkova dominiert eine einfache Kombination aus zartbunten und dünnen Stoffen mit eher festeren, schlichten Materialien für klassische Jacken und Hosen oder Strick und Häkel, also eine Mischung aus Romantik und Business, manchmal auch als Zwischenkonzept. Keine nennenswerte Überraschung, höchstens ein paar hinzugefügte lockernde Akzente oder mal eine coole Sonnenbrille. Dabei gibt es hie und da ein paar Auffälligkeiten im Schnitt oder der Silhouette, aber grundsätzlich wird die bürgerliche Grenze der praktischen oder der ästhetischen Toleranz nicht berührt. Bequemlichkeit, Tragbarkeit, nur leichte Verschiebungen, folkloristische Anleihen und ein Touch weiblicher Grundromantik mit Natursehnsucht sind der Schlüssel für den lieber braven als ungewöhnlichen Stil. Diese Schau war vermutlich die konservativste Schau der Fashionweek, aber es ist gleichwohl unbestreitbar, dass auch eine westliche, eher in der Mitte der Gesellschaft angesiedelte Klientel sich durchaus von der klassischen Linie angezogen fühlt.

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DZHUS in der The Feuerle Collection:

Das Grundprinzip der Verwandlungsfähigkeit ihrer Outfits hat Dzhus (Label seit 2010) beibehalten, dabei sind die praktischen Herausforderungen des Transfers anscheinend etwas kleiner geworden und der Effekt scheint oft schlüssiger. Bei den unbunten Farben Schwarz/Anthrazit und Weiß/Beige ist sie geblieben, denn der skulpturale Effekt ist das Wesentliche und es ist stets erstaunlich, zu welchen Lösungen ihre Experimente gelangen. Natürlich sind die Spielereien um integrative Kopfbedeckungen als Teil dieses skulpturalen Denkens noch vertreten aber die Oberflächen der verwendeten Textilien haben nun deutlich mehr optische Attraktivität.

Neben dem plastischen Gestalten ist die Transformation des Einen in ein völlig Anderes entscheidender Teil der Inszenierung, dekonstruierend und konstruierend, das ist der konstruktive Ansatz, das Statement zu stets möglichen Veränderungen. Wie nahezu alle Designer der Fashionweek verfolgt auch Irina Dzhus eine entschieden nachhaltige Linie und bemüht sich um Auflösung sexueller Zuordnungszwänge.
Verweise auf die Notsituation in der Ukraine sind in der Kollektion nicht offenkundig verankert (abgesehen von dem Schwarzmarkt-Umhang mit Luxusuhren), in der Inszenierung ist sie aber schon angedeutet mit den zunächst im Raum wie Wachsfiguren abgestellten, zum Teil etwas zerzaust wirkenden Models und durch den aktiven Verwandlungseingriff vor Ort durch die Künstlerin.

In jedem Fall hat Dzhus mit ihrem Verwandlungskonzept eine eigene, kreative und zunehmend überzeugende Gestaltungslinie gefunden, die man als eine Bereicherung für die ökologische und die konzept- und gestaltsuchende Gegenwart im westlichen Aufbruch verstehen kann.

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LITKOVSKA im Kraftwerk:

Im Gegensatz zu Bobkova nutzt Litkovska die Freiheiten westlicher Gestaltungsverfahren vergleichsweise ausgiebig um ein eigenes Bild zu finden. (De)konstruktivistische Bearbeitungen mit voluminösen Schichtungen führen zu Kombinationen geschlossener Bekleidung mit offener Lässigkeit und bringen recht kraftvolle, manchmal wuchtige Erscheinungsbilder hervor. Geschichtet: quasi innen gepanzert und aussen dynamisch, halboffen, fast offensiv. Düsteres Schwarz dominiert die Farbpalette. Mit den großzügigen Volumina werden die Frauenkörper visuell aufgerüstet und es ist offenkundig, dass das Empowerment der modernen Frau hier anders definiert wird als mit sexueller Befreiung durch den blanken Körper. Im Gegenteil, der ist vom Hals bis zu den Zehenspitzen hermetisch geschützt. In der Frühjahrs- Sommerkollektion. Es gibt, zugegeben, auch Ausnahmen in allen Aspekten, das ist aber doch das Resultat der meisten Gestaltungsexperimente. Führt man diese Wahrnehmung spekulativ noch etwas weiter, ließe sich durchaus ein Statement vermuten, wie eine Vorstellung der kraftvollen ukrainischen Frau in diesen Zeiten zu denken ist. Die übrigen Beobachtungen können das bestätigen: Die Modelle wirken ungeschminkt und eher alltäglich und herb, ihre Frisuren sind leicht zerzaust und der schwarz-rote Background weckt eher düstere Gefühle als sommerliche Frische und Lebensspass. Und nicht zuletzt ist das Kraftwerk dafür der passendere Ort als der Garten im Kronprinzenpalais.

In jedem Fall aber hat sich Litkovska zunehmend selbstbewusst aus ihren recht konventionellen Anfängen (vgl. unseren Bericht von 2019) gelöst, wo sie noch, eher auf trendbewußte Weise, Gegenwartsideen kopierte und erprobte und der ukrainischen Klientel damit etwas modische Frische ins Land brachte. Auch wenn sie diverse Verfahrensaspekte wie offene Nähte, geschichtete Architekturen, eingreifende Formbeschnitte und widersprechende Gestalt und -Materialmixe noch immer etwas klischeehaft einbaut, steht das nicht mehr im Zentrum der Gestaltphilosophie, sondern die kraftvolle Selbstermächtigung im Auftritt dominiert die Anschauung und findet einen eigenen Platz in der optischen Auslegung für ein weibliches Selbstbild.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Auf den Donnerschlag letzte Saison folgte nun das radikale Gegenkonzept: eine eher entspannte Gartenparty. Die rasante Schau in der düsteren, lauten und monströsen Techno-Höhle mit offensivem, subkulturellem „Berlin“- Konzept hatte ein Zeichen gesetzt, das weitere Erwartungen ausrichtete. Aber Olivia Ballard setzte nicht auf diese Schiene sondern ließ elfenhafte Gestalten durch den großen Garten gleiten.

Ganz so entspannt ließ das Konzept die Stimmung aber nicht verharren, das Défilé wurde begleitet von härteren Techno-Beats und sogar von einem kleinen Live-Konzert der New Yorker Postpunk-Ladies-Band cumgirl8 unterbrochen. Die vier Musikerinnen traten auch als Models auf, damit war die ungewöhnliche Liaison zwischen Punk und den zarten Feen zumindest optisch hergestellt und als modephilosophisches Statement fixiert.

Die Looks selbst setzten, wie schon zuvor, sehr oft auf Reduktion, besonders in den Schnitten, aber auch in der Präsentation von viel Haut und weiblicher Gestalt mit Transparenz und Offenheit. Dynamische Schrägen mit One-Shoulder-Kreationen, Knitterstoffen, Faltenwürfen und Verknotungen machten die Erscheinungsbilder lebendig und auch abwechslungsreich in den Ideen und im gestalterischen Vorgehen. Die Kollektion gibt sich etwas skulpturaler als zuvor, damit gewinnen die Stücke an Eigenqualität. Der Körper – als sexy Erscheinungsbild an sich – ist stets Ausgangspunkt und Thema der auf- und umgelegten Bekleidung, die Leben und Individualität herausstellen und erotische Präsenz unterstreichen soll. Alle Stücke sind und bleiben demzufolge auch Unikate und das Handgemachte bleibt, konzeptgerecht, sichtbar. Trotz gelegentlicher Schichtungen und komplexerer Schnittideen, zum Beispiel bei den Hosen, setzt Ballard aber nur begrenzt auf Raffinesse oder Eleganz. Lediglich die verknoteten und verwobenen Stoffstreifen zu höchst spannenden Oberflächen und Strukturen ergeben faszinierende Konstruktionen, die sich radikal von den schlichten Transparenzgewändern absetzen und ein schillerndes Eigenleben entwickeln. Aber Olivia Ballard sieht das alles ganzheitlich, wie schon das Schauenkonzept an sich, und darin liegt nicht nur eine Irritation, sondern ein ziemlich beeindruckend gelungener Spagat. Damit manifestiert die Schau auch einen reizvollen Ausblick auf eine Schaffensorientierung, die zunehmende Klarheit und Entschiedenheit im Gestaltenkanon bieten wird und neue Massstäbe setzt.

Besonders aber die Besinnung auf den Körper und seine attraktive Schönheit als Ausgangspunkt und Zentrum der Bekleidung, lange negiert mit formalem Konstruktivismus und Dekonstruktivismus, ist für die Humanität der Mode ein großer Rückgewinn, um so mehr, als nun auch Individualität, Selbstbewußtsein und sexuelle Selbstverortung eine große Rolle dabei spielen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Verdrehung, Neuinterpretation, Irritation: Avenir zeigt das klassische Verfahren pfiffiger Gestaltung mit Upcycling. Kreativität im Sinne von „die Dinge neu denken“ ist Grundvoraussetzung für das Vorgehen und bedarf, wenn etwas stilistisch Eigenes dabei herauskommen soll, eines geschmacklich und gestalterisch sicheren Gespürs.

Die Gründerin des Labels (2020) Sophie Claussen beherrscht  das Verfahren ziemlich vorbildlich, um so mehr, als es ihr gelingt, auch noch den Körper, respektive die Haare, in das gestalterische Konzept einzubinden und auf diese Weise zusätzlich überraschende, originelle Effekte zu erzielen. Denim ist der Stoff, mit dem sie sich bevorzugt beschäftigt, weil er einerseits stabil und verbreitet ist, andererseits weil seine Produktion die Umwelt besonders belastet. Aber natürlich betrifft das die ambitioniert-ökologische Seite, die allein noch keine attraktive Kollektion ausmacht. Für die gestalterische Herausforderung sind viele andere Textilien interessant und Claussen zeigt, dass auch scheinbar unscheinbare Stoffe „wertvoll“ auftreten können.

Farblich bleibt die Kollektion eher bedeckt, viele helle, natürlich erscheinende Erdfarben dominieren (abgesehen von akzentuierendem Neongrün und Blau) und damit ist der oft hergestellte Bezug zu Haarfarben eine naheliegende und zugleich sinnliche Gestaltungsoption. Formal ist freilich die neue Sicht auf die geschneiderten Konstellationen des vorfindlichen Materials die entscheidende Voraussetzung, die mit Arrangements, Verdrehungen, Umfunktionalisierungen, interessanten Applikationen oder Ergänzungen  eine neue, tragfähige Gestalt hervorbringen muss. Ästhetisch überzeugend und in der Realität tragbar und gut funktionierend. Weitere Ansprüche fügt die Designerin hinzu: geschlechtsneutrale Mode, deren Größen von S bis XL reichen und die individuelle Anpassungen möglich macht. Da jedes Stück ein Unikat ist, ergibt sich daraus schon ein gewisser praktischer Luxus, dem die Gestaltung im ästhetischen Anspruch zu folgen hat.

Und mit dem gewissen Pfiff, der bei einigen Looks noch hinzugefügt wird, nämlich die Einbindung der langen Haare – durch Schlaufen und Schlitze laufend, frisiertechnisch gestaltergänzend und ineinander übergehend etc. – meist erst in der rückwärtigen Ansicht zu sehen – fügt die Designerin abschließend noch einen sympathischen Aha-Effekt hinzu, neben der Bezugnahme auf Natürlichkeit.
Das merkwürdige Schuhwerk ist eher ein gestalterischer Apercu als ein realer Vorschlag. Eine kleine, symbolische Randnote.

Die Not, zumindestens in der deutschen Designer-Szene, besteht zu einem wesentlichen Anteil darin, die ideologischen Nachhaltigkeits-Zwänge (beziehungsweise das entsprechende Wollen) zu transferieren in eine mehr als ansprechende Gestaltung, und damit auch auf dem kommerziellen Markt zu reüssieren. Wenn Nachhaltigkeit laut als Qualitätskriterium Nummer Eins propagiert wird, kommt die Überraschung dann, wenn ein teures Stück gekauft werden soll und es sich zeigt, dass Öko nicht reicht sondern für diesen Preis der Look auch richtig cool aussehen muss. In anderen Ländern geht man eher umgekehrt vor: Bei Gefallen kommt erst dann die Frage nach dem ökologischen Background auf. So herum gilt der Wert des Produktes als „vollständig“ überzeugend.

Mit der Avenir-Kollektion gelingt der Designerin der Schritt zu einer überzeugenden, ganzheitlichen Lösung ziemlich gut.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das war eigentlich vorher klar: Namilia werden nicht enttäuschen. Und so kam es dann auch – sie legten eine sehr große und einfallsreiche Kollektion hin und hatten, im Gegenzug, ein so großes und hingerissenes Publikum wie nie.

Bei allen Looks hatte man den Eindruck, die Designer hatten unglaublichen Spass daran, ja sogar, dass der die Triebfeder für alle Facetten der Gestaltungselemente und -aspekte, kurz für die das gesamte kreative Tun, ist. Damit meine ich nicht die übliche Freude, die ein Schöpfer bei seiner Arbeit hat, sondern richtig vergnügten Spass. Natürlich überträgt sich das auf den Betrachter und wenn, wie hier, die Sache dann auch noch richtig gut und mit Sorgfalt gemacht ist, wird sie leicht erfolgreich.

IN LOVING MEMORY OF MY SUGAR DADDY heißt die Kollektion des Design-Duos Nan Li und Emilia Pfohl und eine triefend ironische Verwendung des Christus‘ am Kreuz auf unzähligen Bekleidungselementen und Schmuck tritt ebenso rätselhaft hinzu. Der Pressetext gibt eine Verständnishilfe: „In the Bible, women are ditpicted in one of two mutually exclusive ways: as the virgin or as the whore. The myth of Adam and Eve establishes women as the demonic seductress responsible for the downfall of mankind. Western European society’s inequality and rigid views on gender have been oppressively enforced across the globe, a legacy that remains throughout modern society.” Aha, die schillernde Symbolik am sexualisierten Outfit angebracht entwirft also keinen ironischen, sondern zutiefst sarkastischen Blick auf die Religion, ihre Doppelbödigkeit und ihre aufgeladene Symbolik, nicht selten wird sie auf dem Hintern getragen. Religion als Anschauungsträger der gesamten westlichen Kultur(geschichte) wird zum Ziel schwerer Vorwürfe und Verachtung, besonders was das Menschenbild hinsichtlich Frauen angeht. Das ist eine heftige Politisierung der Mode, die allerdings sehr klug und amüsant gestaltend, geradezu unterhaltsam formuliert wird. Richtig gut wird es aber, weil der Gegenentwurf gleich mitgeliefert wird, und der ist nun sexuell aufgeladen, propagiert freien und gleichberechtigten Umgang, positives Selbstbewußtsein und vor allem kreative Selbstbestimmung.

Und zum Titel macht das Einladungsmotiv klar: der klassische Sugardaddy wird hiermit beerdigt.

Die bisherigen Kollektionen waren wesentlich von der Berliner Nachtclubszene inspiriert und das ist auch jetzt noch so. Hinzugetreten ist eine Öffnung zu Modehistorie und ikonischen Schnitten und Objekten aus der Grande-Class-Fashion und zu Eleganz. Auch dies nicht ohne (Selbst-)Ironie. Wir finden die Birkin-Bag als überdimensionierte Tasche, vor allem als verbleibende Henkel mit Schließe an sehr vielen Kleidern, Röcken, Tops und sogar auf Strumpfbändern und Slips. Wir sehen überall ironische Zitate, Exklamationen, Assoziationen, Details – sexy eingebaut oder als fette, glitzernde Schriftzüge aufgebracht. Und immer wieder das Fakematerial Krokoleder in gelacktem Silber, Pink, Weiß und Schwarz als verdrehten Luxusverweis. Fell, Spitze – viele sexuell aufgeladene Materialien kommen zum Einsatz und parallel dazu Schnitte und Kombis, die viel Haut frei lassen, fast immer in Ergänzung mit einem symbolischen Seitenhieb, sei es Schleier, religiöser Schmuck, Nonnentracht oder ein knappes, ordinäres Wort in Applikation.

Ein sehr komplexes und detailverliebtes Gestaltungsprinzip, stets verwoben mit kritischer Haltung, politischer Forderung, sexueller Lust und ironischem Humor. All das in dieser entschiedenen Konsequenz ist schon ein radikales Novum auf der Fashionweek und es funktioniert auch perfekt, weil die Ausführung höchst anspruchsvoll bis ins Detail ist und weil der subtile, gute Geschmack hier, nach dem langen Abschied in der Mode-Szene, nun wieder entscheidendes und unterscheidendes Kriterium ist. Insofern setzt Namilia neue Massstäbe auf der Berliner Fashionweek und man kann hoffen, dass sie auch hier bleiben und dass die Designer- und Organisatorenszene das auch begreift und weiter unterstützt. Amen.

Hinweis: Das Werbebild im Text stammt von der Namilia Pressestelle.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Eine Installation ist für Esther Perbandt ein gutes Format, um ihre künstlerischen Ambitionen mit den Modeentwürfen zusammenzuführen, und dabei hat sie stets faszinierende und ausgefallene Ideen. Sehr gelungen ist ihr das auch mit der aktuellen Kollektion “Concrete Jungle” in Zusammenarbeit mit dem Veranstaltungsort Acht Berlin.

Sie nutzt den Ort brutalistischer Architektur, in den ein großes Oval, quasi ein begrünter ein Hof mit Glaswand, ein Lichthof, eingelassen ist. Darin die Präsentations-Installation, die dann vom eigentlichen Nutzraum her betrachtet werden kann – wie ein Terrarium, in dem die Exoten sich am Schaufenster, still oder mit leicht skurillen Bewegungen, selbst vorführen. Das Draußen wird zum Drinnen oder umgekehrt. Das Innenlicht reflektiert auf den Scheiben ebenso wie das Außenlicht. Auf dem Boden des Lichthofs Naturrasen, in der Luft große scharze Luftballons, darüber der sommerliche Himmel, in der Mitte sitzt eine Cellospielerin und an den Glasfenstern stehen die Modelle mit der Kollektion.

Exotisch ist die Mode von Esther Perbandt meistens, sie ist schon lange aus der Gothic-Szene herausgewachsen, auch wenn man die Wurzeln deutlich erkennt beziehungsweise erkennen soll, aber die Designerin hat sich entwickelt, hin zu mehr Eleganz und zu zeitgemäßem Erscheinungsverständnis. Dabei bleiben alle ihre Entwicklungsperioden sichtbar enthalten und das macht die Kollektionen erfahren im Geschmack und differenziert in der Anschauung, ohne dass sie sich nun ganz auf trendy Ausdrucksformen stützt. Das Differenzierte zeigt sich nicht nur in der Unterschiedlichkeit der Looks sondern auch innerhalb eines solchen.

Zeitgemäß, wie auch bei vielen anderen Designer(inne)n, sind die vielen Transparenzen, ausgespielt in allen möglichen Varianten für alle Geschlechter, dazu noch immer Bänder, Strippen und Schichtungen, ausgefranste Konturen, Risse in den Flächen und stark modifizierte klassische Standards. Schwarze Kordeln und Gold als Kontrast sah man allerdings nicht mehr. Bemerkenswert ist, dass die Designerin nun die Strenge und die geometrische Selbstverpflichtung weitgehend aufgegeben hat und stattdessen viele lockere, formale Verspieltheiten zuläßt. Und dass sie nun die hermetische Verschlossenheit als Leitprinzip oft aufgebrochen hat und den Menschen (beziehungsweise den Körper) als Teil der modischen Inszenierung zulässt, ja, sogar feiert. Das ist, selbst wenn man es als Prozess beobachtet, schon ein radikaler Wandel, den sich Perbandt auch deswegen leisten kann, weil sie längst bei einer souveränen Stilistik angekommen ist, die sich von formalen Selbstverpflichtungen weitgehend emanzipiert hat. Und trotzdem bei sich bleibt. Die Looks von Esther Perbandt erkennt man unschwer immer als solche auch jenseits des Standards „Schwarz“.

Referenzen zum Klassischen (Anzug, Kostüm etc.) sind – im Vergleich zur dekonstruktivistischen und konstruktivistischen Phase – modisch zwar minimiert, aber als eher unbewegte Installation mit Cellobegleitung noch atmosphärisch relevant. Der Touch von Mystik und Ernsthafigkeit ist noch erhalten und die zugelassene Erotik erscheint, trotz aller Transparenz, zurückhaltend und distanziert. Im Vergleich zu früheren Saisons ist der Schritt ins Gegenwärtige mutiger und entschiedener geworden und es zeigt sich, dass das mitnichten den Perbandt-Style beeinträchtigt, sondern als Gewinn zu verbuchen ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Es ist die erste Schau des Jungdesigners Mario Keine (Köln), gefördert vom Fashion Council, um Kunstinstallationen herum. Das entfaltete schon im vorderen Bereich einen ironischen Sinn: das Publikum musste stehen, während sich in der Mitte ein scheinbar labiles und chaotisches Konstrukt aufgetürmter Stühle des Stylisten-Designer-Künstlers Yannic Joel Hohaus befand.

Die Gegensätze konnten deutlicher kaum sein: So chaotisch, verschachtelt und raumgreifend die Installationen wirkten, so klar und stabil kamen die Look-Konzepte des Designers daher, formal streng, geometrisch, selbstreferentiell und eher flächig wirkend. Kräftige und damit eher steife Stoffe wie Denim werden, vorwiegend von rechteckigen Formflächen ausgehend, großzügig über den Körper gelegt und dann zurückhaltend strukturiert, mit kontrastierenden Abschnitten wie Manschetten, Krägen und aufgesetzten Taschen (auch mal bemalt), besonders auffällig aber mit neu gedachten und interessanten Verschlußmechanismen. Mehr als mit Farben (vorwiegend Blau und Weiß) arbeitet Keine lieber mit kräftigen Hell-Dunkel-Kontrasten, die für beherrschte Lebendigkeit sorgen. Die sehr maritim angelegte Kollektion wird ergänzt durch modifizierte Fischermützen mit tief herabgezogener Krempe, die einen großen Teil des Gesichts verbergen.

Die Frage, wie ein Kölner Modedesigner auf die Idee kommt, eine maritime Kollektion zu entwickeln, klärt sich durch Keines Auskunft, dass der Ausgangspunkt seiner gestalterischen Absicht die Referenz auf eigene Kinderträume und -erlebnisse sei und die Reflexion, was davon in seine gegenwärtige Kreativität noch immer fließt, unbewußt und wohl auch nostalgisch prägend. Wesentlicher Teil sei das hemmungslose Kinderspiel im Wasser am Meer, das nun thematisch wieder aufleuchte und konkret zu neuen Formulierungen findet.

Die Idee, interessante Verschlüsse zu denken und zu erproben, begegnete uns häufig auf dem Berliner Salon, oft als akzentuierende Gestaltungsgedanken herausgestellt, und bei Marke findet dieser experimentierende Gedanke eine besonders auffällige Prägung, die nicht selten sogar so weit geht, nur als optisches Phänomen aufzutreten und praktisch fast nutzlos zu sein. Kontrastierende Bänder und Ösen, auffallende Verschlussleisten, eine sinnlose Knopfreihe oder verdoppelte Bandverschluß-Linien suggerieren lediglich ein eigenes Prinzip, bei rechter Überlegung werden sie bestenfalls umständlich oder unzulänglich für dichten Verschluß. Aber der Einsatz mit diesen optisch reizvollen Varianten gibt den Looks die gewünschte Verspieltheit auf den Weg, die, wie oben erklärt, das scheinbar pragmatisch daherkommende Bekleidungskonzept fast unmerklich mit der kindlichen Wahrnehmung und Fantasie verknüpft.

Insofern, als hier die scheinbar funktionale, streng formale und ästhetisch betonende Gestaltung auf den zweiten Blick mit Fantasmen durchsetzt ist, ergibt sich ein eher reflexives Konstrukt, das der Kollektion unerwarteten Charme verleiht. Und letztlich verbirgt sich dahinter, wie der Designer auch im Gespräch andeutet, eine gewisse Sehnsucht, den pragmatisch und technisch orientierten Zeitgeist subtil und mit positiver Absicht aufzubrechen.

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Text, Interview und Bilder: Gerhard Paproth

Wie schon seit Langem organisiert die Hochschule für Technik und Wirtschaft Berlin eine kollektive Modenschau mit Abschlussarbeiten ihrer Viert-Semester im Fachbereich Mode Design. Mit circa 70 Looks von verschiedenen Designern ist die aufmerksame Beobachtung schon eine kleine Herausforderung, für die betreuende Organisatorin Prof. Anke Schlöder aber auch.

MODACYCLE: Eine Schau von Studentenabschlussarbeiten hat ja nicht nur etwas mit der Beglückung der Absolventen im realen Auftritt zu tun, sondern in erster Linie ist das als Nachwuchsförderung gedacht. Richtig?

PROF. ANKE SCHLÖDER: Richtig. Aber das ist nicht der Hauptantrieb. Das Erlernen der verschiedensten Abläufe einer Modenschau gehört zu meinem Unterricht „Modepräsentation“. Ich bringe hier über 30 Jahre Erfahrungswerte mit ein. Dieses Modul beinhaltet ausserdem, das die Studierenden mit dem dort erlernten Wissen unter meiner Leitung eigenständig eine Show organisieren und durchführen – ohne dass ihnen ein Budget dafür zur Verfügung steht. Was ja in den meisten Fällen auch im realen Modebusiness so ist.
Dieser Unterricht „Modepräsentation“ findet im 4. Semester statt. Daher werden in diesen Schauen immer die finalen Arbeiten des 4.Semesters gezeigt. Das Bachelor Studium an der HTW endet aber nach dem 7. Semester. Wir zeigen also praktisch eine Art „ Zwischenstand“.

M: Die Schau soll vermutlich auch zeigen, was ein Studium der Bekleidungstechnik/Konfektion an sachdienlicher Befähigung leistet, Schnitte, Nähen, Textilwahl usw. Welche Rolle spielt bei der Beurteilung der Prüfungsarbeit die kreative Idee?

A. S.: Ich bin Professorin am Studiengang Modedesign; nicht Bekleidungstechnik. Die Arbeiten, die Sie in der Show gesehen haben, stammen überwiegend aus meinem Unterricht „Creative Identity“. Hier liegt der Schwerpunkt ausschliesslich auf Kreativiät, Innovation und Einzigartigkeit des jeweiligen Studierenden. Das ist der Kern meines Unterrichts. Und das soll sich auch in den dort gezeigten Arbeiten wiederspiegeln.

M: Im Verlaufe der Schau sieht man nicht, wer der Schöpfer beziehungsweise die Schöpferin des jeweiligen Kleidungsstückes ist. Man weiß nicht einmal, ob die Paar-Auftritte von verschiedenen Gestaltern sind. Ist es nur eine Gesamtleistungsschau, wo Namen keine Rolle spielen oder ein organisatorisches Problem?

A.S.: Natürlich spielen Namen eine Rolle, aber da es ein No-Budget Projekt ist, fehlen uns hier die Mittel. Wir lösen das Problem, indem wir später alle Fotos auf Social Media mit den zugehörigen Accounts der Designer veröffentlichen. Das ist nachhaltig jederzeit einsehbar.

M: die.PLATTE ist eine Plattform für avantgardistischen und gesellschaftspolitischen Zeitgeist in der Mode, spielt das für Ihre Schauenorganisation eine bestimmte Rolle, zum Beispiel im Vergleich zur Teilnahme bei Neo.Fashion?

A.S.: Auf jeden Fall! Abgesehen davon, dass wir hier vollkommen freibestimmt eine Show zu 100% nach unserem Gusto und Vorstellungen gestalten können. Vor allem auch auf den Hinblick von Diversity bei Models und bei unseren Gästen. Neo.Fashion ist in erster Linie ein Geschäftsmodell, was sich rechnen muss. Da spielt die Kreativität – sei es bei den gezeigten Kollektionen oder auch bei den Showkonzepten – erstmal eine untergeordnete Rolle. Jeder der bezahlt, darf seine Kollektionen zeigen. Aber es kann auch nur jeder zuschauen, der zahlt.

M: Abgesehen von den modeideologischen Forderungen bei PLATTE sprechen Sie im Studium doch sicher auch über gesellschaftspolitische Ziele des Modemachens, jenseits von Technik und Kreativität. Wie relevant wird das, wenn die Studenten dann in einen Beruf übergehen?

A.S.: Ich denke eine sehr grosse Rolle. Genauso wie das Thema Nachhaltigkeit. Uns ist es sehr wichtig, dass die Studierenden sich schon sehr früh im Studium damit auseinandersetzen. Daher haben wir in unserem Curriculum verschiedene, theoretische Module verankert, die von erfahrenen Lehrenden unterrichtet werden.

M: Das deutsche Fashioncouncil hat sich Nachwuchsförderung auf die Fahnen geschrieben, sind die Programme da Ihrer Meinung nach optimal? (Wir sind jedes Jahr in Hyères und finden, dass deren Verfahren super ausgedacht sind und auch super funktionieren. Kreativ, anspruchsvoll und vorwiegend industriefinanziert.)

A.S.: Ich kenne auch den Hyéres Wettbewerb und finde ihn herausragend, was die Nachwuchsförderung angeht. Aber ich denke, die Voraussetzungen in Frankreich sind etwas anderes. Dort ist die kreative Mode ein Kulturgut und wird dementsprechend ernst genommen und unterstützt von vielen bedeutenden und traditionellen Modefirmen wie Chanel etc.
Das ist hier leider nicht der Fall und es gibt daher noch viel zu tun. Doch in den letzten zwei Jahren hat sich in Berlin einiges getan, dank des Fashion Councils. Meiner Meinung nach sollte das Council aber enger mit den Universitäten zusammen arbeiten, um hier einen direkten Einblick in die Arbeiten und auch einen direkten Zugang zu den begabtesten und leistungsfähigsten Absolventen zu bekommen. Denn direkt hier muss die Unterstützung ansetzen. Viele halten sonst aus finanziellen Gründen nicht lange genug durch, bis dass sie für das Fashion Council sichtbar werden.

M: Wie hoch ist Ihrer Erfahrung nach der Breiteneffekt einer solchen Schau? Medien, Publikum, Profipublikum?

A.S.: Sehr hoch. Ich mache die 4.Semestershow seit 13 Jahren und durch die immer grösser werdende Bedeutung der sozialen Medien wie Instagram und Tiktok in den letzten Jahren bekam dieses Projekt auch eine immer grössere Aufmerksamkeit. Allein unser „Werbe-Reel“ als Ankündigung zur Show wurde über 12.000 mal angeklickt. Es gab über 600 Besucher und wir mussten einige draussen lassen. Die Presse (z.b auch Sie) wurde auch mehr auf uns aufmerksam und das bedeutet für die HTW eine bessere Aussenwirkung, auch im Hinblick auf neue Bewerber.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die clowneske Performance, die die Schau eröffnet, begleitet und schließt, spiegelt in ihrer Bizzarerie wohl das hektische und chaotische Leben, in dem die Outfits zu denken sein sollen und ist damit auch Teil des modischen Konzeptes. Eine Kollektion, die den urbanen Alltag pragmatisch meistern hilft.

Acceptance Letter Studio gibt es seit 2021, der begründende Designer ist Jakeyoung Shim aus Seoul und schon dort hat er letzte Saison auf der renommierten Fashionweek teilgenommen (wo die Kollektion noch ganz anders vom Verwandlungspotential der Looks geprägt war). In Paris war er letztens bei der deutschen DACH-Präsentation mit dabei, hier in Berlin dann auf der Artweek und nun, als Mitausgewählter von Berlin Contemporary, im Berliner Salon und im Schauenprogramm. Bisher ist jede Kollektion wesentlich anders als die vorausgegangene, ein bestimmter Stil ist noch nicht erkennbar, aber eine Vorstellung: „Ich arbeite daran, Kleidungsstücke zu kreieren, die für eine Vielzahl von Körpertypen geeignet sind und auf viele verschiedene Arten getragen werden können, je nach den Vorlieben der Person, die sie trägt.“(J. Shim)

Ein recht schneller Aufstieg für das Berlin-Seoul-Label, das die Asia-Ästhetik eher kosmopolitisch sieht als mit kulturellem Tiefgang. Das geht mit dem Focus auf gehobene Streetwear  zusammen, wo, wie in dieser Kollektion, eher unkomplizierte Teile wie kurze Hosen und bunte Hemden charakteristisch sind. Wesentlich sind durch Gebrauch geknitterte Stoffe, robustes Denim, praktische Jacken-Hosen-Kombinationen, unkomplizierte Kleiderschnitte mit Bewegungsfreiheit. Ein wenig soziokultureller Zeitgeist ist auch dabei, Gendern der Looks, Konstruktivismus, neue Materialien und -mixe, herumhängende Bänder, sogar Humor: das Handtuch wird zum Hosenbein. (Die Schuhe mit dem Luftventil vorn in der Schuhspitze trug leider nur der Clown.)

Eine sehr urban gedachte, pragmatische Kollektion also, mit etwas gehobenem Gestaltungsanspruch und ganz im Sinne dessen, wie es die Seoul Fashionweek auf verschiedene Weise schon länger vorführt. Für Berlin ist das ein durchaus noch nicht gängiges Modekonzept, es wird sich zeigen, ob das eine willkommene Ergänzung ist oder tatsächlich ein Trend werden kann. Jedenfalls geht die Richtung von dort hierher, nicht einmal die Berliner PR-Abteilung versteht deutsch (obwohl der Designer in Berlin lebt), eine zeitgenössische Mischung der Kulturen ist das, eher universalistisch, ohne die verschiedenen Wurzeln noch erkennbar sein zu lassen.

Die Veranstaltung war überraschenderweise einigermassen exklusiv: etwa vierzig Gäste, wenig Presse, ein eher kleiner Raum. Das entspricht nicht ganz dem Stil der Kollektion, die eher auf ein breites Publikum abzielt. Der Veranstaltung tat diese Intimität aber gut und entspricht auch der Neigung des Designers. Was gut ist setzt sich bekanntlich sowieso durch.

Am Ende hat der aufgeregte Clown fast alle (Acceptance Letter-)Kleidung abgelegt, der Inhalt seines Reisekoffers ist über den Laufsteg verstreut, er kraucht halbnackt über den Boden und wir wissen nicht, wie es jetzt mit ihm weiter gehen soll. Aber Reisende soll man bekanntlich nicht aufhalten.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Eine gelassene, selbstverständliche Eleganz zeichnet die Arbeit von William Fan immer aus, und so ungewöhnlich wie manche Looks kreiert sind, so selbstverständlich gemacht sehen sie aus. Und niemals hat man den Eindruck, die Person sähe verkleidet aus.

In einem ausgewogenen Verhältnis von Ruhe und Bewegung, kleinen Asymmetrien und klarer Geradlinigkeit, Komplexität und Schlichtheit folgen die Gestaltungen einer Erscheinungsphilosophie der inneren Stimmigkeit, die alle möglichen Experimente überzeugen läßt. Sicher spielt auch der chinesische Einfluß eine wesentliche Rolle, der in Verbindung mit deutscher Kleiderkultur allen Stücken einen gewissen Nimbus auf den Weg gibt, der sogar bei dekonstruktiv angelegten Gestaltungen durchscheint und der die Sachen vielleicht typisch macht. Umso mehr, als diese Gestaltungsstilismen aus der eigenen Herkunft und Vita des Designers erwachsen und keine aufgepropfte Aneignung ausmachen. Bei den weiten Hosen scheint dieses Charakteristikum besonders auf und auch bei weit angelegten Silhouetten mit oft dünnen Stoffen (und klassischen bzw. natürlichen Materialien wie Seide, Kaschmir und Wolle). Blazer und Hosen, meist weit, lang und großzügig, sind oft vertreten (die Hosen oft mit pfiffiger Manschette unten) und Kleider und Röcke mit angedeuteter Ballonlinie setzen ungewohnte Formakzente. Weiche Hüte mit herunterfallender Krempe, abgeleitet von Fischerhüten, sind an sich eigentlich ein Graus, aber mit ein paar gestalterischen Modifikationen funktionieren sie schon mit den durchweg eleganten Looks.

Im Gegensatz zu den meisten Labels kann man die Kleidung schon direkt nach der Schau kaufen (See-Now-Buy-Now). Herstellungstechnisch ist das etwas riskant und erfordert viel Selbstvertrauen und auch etwas Erfahrung, versucht aber den „Instant“-Kaufimpuls zu bedienen. „Der Impuls, der von der Präsentation ausgeht, kann dadurch aber viel intensiver ausgeschöpft werden.“ (W.Fan) Entworfen werden die Stücke deswegen schon ein Jahr zuvor. Da William Fan aber relativ zeitlose, dauerhafte Kleidung macht und auch schnelle Modewechsel ablehnt, ist das zunächst kein Problem, das Verfahren aber wohl noch im Test.

Seit seinem Debüt mit seinen Studien-Abschlussarbeiten 2015 auf der Berliner Fashionweek ist die William Fan Schau stets begehrt und mittlerweile stellt sich auch internationales Renommee ein, auch in Paris. Die Stringenz seiner gestalterischen Anschauung läßt aktuelle Teile der Kollektion bruchlos mit solchen aus vergangenen kombinieren, auch das ist Teil des nachhaltigen Gedankens. Schnelle Mode geht jedenfalls ganz anders.

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Text und Bilder: Enrico Drews (Gastautor)

Die Neo.Fashion Show ist seit Jahren fest im Programm der Fashion Week Berlin etabliert. Auch in diesem Jahr luden über 80 junge Designer*innen ein zahlreiches Fachpublikum und Modeinteressenten in das historisch modernisierte Gebäude der„Alten Münze“ Berlin ein, um ihre Kreationen getreu dem Motto „Fashion for Future“zu präsentieren. Dabei zeigten die besten Bachelor-und Masterstudent*innen Ihre außergewöhnlich kreativen Abschlusskollektionen der Mode & Design- Akademien und Hochschulen in Berlin, München, Hamburg, Düsseldorf und Wiesbaden sowie weitere. An zwei Tagen wurden dabei bis zu 10 Show gezeigt der Laufsteg zur größten Bühne für Designtalente verwandelt – zur Präsentation ihrer Kollektionen, zur Weiterbildung, zum Knüpfen von Kontakten zu Modemarken und der Industrie und zum Netzwerken. Im Folgenden stellen wir acht verschiedene Kollektionen der Eröffnungs-Graduate-Shows der Hochschulen AMD und Hannover vor.

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Danata Shaikenova – Did I? (Dissociative Identity Disorder):

Durch den Drang Ihrer Eltern, Ihre Tochter zu einer Sportkarriere zu bewegen und den immensen Druck, der dahinter stand, distanzierte Shaikenova sich von anderen und vor allem auch von sich selbst. Dadurch entwickelte die junge Designerin eine dissoziative Identitätsstörung (DID). Diese zwang Sie, sich von Ihren positiven Gefühlen zu distanzieren und sich stattdessen durch körperliche und geistige Erschöpfung weiter zu pushen. Nach zwei Jahren intensiver Therapie schaffte Sie es, sich von Ihrer Last zu befreien. Heute möchte Sie vor allem anderen helfen, ihre DID in den Griff zu bekommen und setzt sich für eine korrekte Diagnostizierung der Krankheit ein. Mit Modegestaltung versucht sie nun, konstruktive und kreative Wege zu nutzen. In dieser Kollektion greift Sie das Thema Sport aus Ihrer Kindheit auf und verbindet es mit Eleganz und Schönheit, die Ihrer Meinung nach immer objektiv ist.

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Solange Richter – Solangism:

Diese Kollektion zeigt einen surrealen, jungen, handwerklichen Charakter und dient gleichzeitig einer höheren Idee von einer nachhaltigen Modeindustrie. Dafür wurden keine neuen Ressourcen verwendet, sondern ausschließlich Zero-Waste Patterns, Prevolved-Kleidung und Deadstoffe verarbeitet. Dadurch soll dem massivem globalen Konsumverhalten entgegengewirkt werden, indem Waren nun nicht mehr als bloße Gegenstände angesehen werden.  Kleidung soll vermenschlicht und Gegenstände emotionalisiert werden. Jeder Look soll beim Verbraucher durch Geruch, Klang und Optik Emotionen wecken. Die Vielfalt der Materialien wie Denim, Mohair, Schafwolle, Angora und Spitze bedient darüber hinaus das sensorische Erlebnis.

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Türkü Karaoglan – Emotional Textile:

Die Looks der jungen Modedesignerin sind aus Ihren Leidenschaften für das Strickdesign und das Philosophieren entstanden. Letzteres bildet die Grundlage Ihres künstlerischen Schaffens, indem der Anfang eines Kleidungsstückes nach philosophischen Fragen über das Leben und ihre eigene Existenz inspiriert sind. So schreibt Sie Ihre Gedanken zunächst in einer lyrischen Form nieder und transformiert aus Ihnen dann Strickwaren in Form von Textilien. Ihre Kollektion EMOTIONAL TEXTILE basiert auf einer Reihe von sechs Interviews und der Frage nach der Bedeutung von emotional aufgeladenen Textilien. Jedes Designelement entstand aus einer individuellen Erzählung über eine tiefe Verbindung zu einem Objekt, das die Seele des interviewten Individuums berührte. Die Designerin versteht sich als Vermittlerin und setzte die verschiedenen Emotionen jeder Geschichte intuitiv in Elemente wie Farbe, Form, Textur, Material und Gesamtästhetik um.

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Zoe Akalin – Mystique:

Das Motiv der Meerjungfrau mit Schwerpunkt auf dem Bild der Weiblichkeit ist der Leitfaden der Bachelor Kollektion von Zoe Akalin. Sie sieht das Bild einer Meerjungfrau als eine perfekte Projektionsfläche für Weiblichkeit und die Kraft und Unabhängigkeit einer Frau. Dennoch sieht sie Weiblichkeit nicht nur als reines Merkmal einer Frau sondern definiert so viele, als gesellschaftlich stereotypische weibliche Merkmale, nicht geschlechtsspezifisch. So ist für Sie Weiblichkeit allumfassend, welche sich frei von Grenzen der Geschlechter entfalten kann. Darüber hinaus möchte die Designerin mit Detailgenauigkeit und vielen Nuancen mit Ihrer Kollektion Mystique erreichen, dass sich der Besitzer wohl fühlt, indem vor allem auch seine/ihre Persönlichkeit darin zum Vorschein kommt.

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Lea Theres Lahr-Thiele – Potential of Two:

Auch in Potential of Two ist der Nachhaltigkeitsaspekt ein wesentlicher Bestandteil der Kollektion, indem die Couture Kollektion die Deadstockmaterialien durch Lasertechnik zu extravaganten, neuen Kreationen upcycelt. Dies stellt sicher, dass Materialen fast komplett genutzt werden können und selbst Verschnittreste zu einzigartigen Designerstücken werden. In Kombination mit graziler handwerklicher Arbeit wie applizierten Blüten, Stickereien und Drapagen werden aus einst als Überproduktionen, Mangelware und Anmusterungen großer Textilhersteller verworfene Textilien, neue Kreationen geschaffen. Sie setzt so den Grundstein ressourcenschonender Designmethoden und zeigt den zeitgenössischen Ausdruck einer nachhaltigen Textilindustrie.

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Patrick Brendan Hübbers – Ambra:

Der Designer Patrick Brendan ist für seine Entwürfe immer auf der Suche nach etwas Göttlichem. Für ihn ist der Weg bis hin zum Kleidungsstück ein spiritueller Prozess. Die aktuelle Kollektion des Designers soll eine Kritik an aktuell vorherrschende Trends sein, die der Mensch als seine eigene Authenzität verorten will. So wird die Vieldeutigkeit und die Unsicherheit, die jeder ertragen muss, mit dieser Kollektion zum Ausdruck gebracht. Viele Elemente seiner Inspiration gehen dabei auf das Antike Griechenland und vor allem dem Dionysos Kult zurück, indem der Mensch als gegensätzliches Wesen zelebriert wird. So ist nach seiner Vorstellung nicht nur der äußere Gegensatz an sich, sondern in sich gegensätzlich zu sein, das Konstrukt der Ambiguität, auf dem Dionysos und sein Gefolge im Kult funktionieren. Durch die Vielschichtigkeit der Ambiguitäten, werde die Eindeutigkeit untergraben und lasse sich als Kritik an eine konventionelle Wahrnehmung der Realität betrachten.

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Anna Toftgaard-Hansen – Eine Ritterfrau im Schwesterngewand:

Die Kollektion Eine Ritterfrau im Schwesterngewand soll die Erfahrungen der Frauen in der dänischen Minderheit in Deutschland widerspiegeln. Durch ihre lauten Muster sollen leise Frauen hervorgehoben werden und durch viele Symbole, die in der Kollektion verarbeitet wurden, Emanzipation gezeigt werden. So soll durch das Element der übergroßen Herrenkleidung die Abhängigkeit der Frau von ihren Männern symbolisiert werden. Der einhergehende Aktivismus der dänischenFrauen gipfelte im öffentlichen Widerstand, dessen Farben sich auch hier wiederfinden sollen. In Kombination mit silbernen Pailletten, die als Assoziation eines Ritters dienen, um den andauernden Kampf der Minderheitenidentität zu symbolisieren, wird das Thema abgerundet.

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Lara Stöbe – Ich gehe mit meiner Narbe spazieren:

Maria Gath – StrukturChaos:

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Eine Kollektion von Rianna + Nina ist selten spezifisch im Sinne von top aktuell, auch wenn sie aktuelle Arbeiten mit momentanen Neigungen zeigt. Mit dem Arbeitsprinzip,  Vintage-Stoffe, -Muster und -Objekte zusammenzufügen und neu aufzubereiten, macht das auch wenig Sinn. Das Duo hat das Prinzip perfektioniert und es damit (seit 2014) geschafft, sich unter die Luxusmarken einzureihen.

Der Erfolg ist nicht nur der Geschmackssicherheit zu verdanken, sondern der besonderen Ausstrahlung der Erscheinungsbilder: ein Feuerwerk der Farbenfreude, Sinnlichkeit der Muster, ungewöhnlicher Kombinationen und vor allem auch modehistorischer, folkloristischer und ethnischer Kenntnisreichtum bringen eine Assoziationsfülle hervor, die umgehend jede lokale Anbindung vergessen läßt. Und, ganz wichtig, stets kommen die Looks frisch und optimistisch daher, lebendig und vielschichtig, manchmal auch humorvoll; dann hier noch dies und da noch das, manchmal weit hergeholt, noch großartiger, noch launiger. Der schöpferische Reichtum aus wohl bodenlosem Fundus, überall zusammengetragen auf Flohmärkten, 2nd Hand und von vielen Reisen, gestöbert, gefunden, gesehen, mitgenommen. Und, in neuem Zusammenhang, vorgeführt und die eigene Kraft und Würde und Kultur der Teile, Muster, Materialien und Dekorationen sichtbar und erlebbar gemacht. Vieles davon, das muss man sich eingestehen, muß sehr aufwändig gefunden sein, ganz so einfach ist das mit den objets trouvés nämlich auch nicht, sondern schon hochprofessionelles Finden. Und eine nachlässige Verarbeitung würde vieles wieder kaputt machen. Da setzt sich die Hingabe fort und am Ende kommt der Begriff Luxus ganz von selbst heraus, es sind ja auch nur Unikate möglich. (Es gibt allerdings auch eine „Ready-To-Wear collection“, mit eigenen Prints und deutlich weniger komplex.)

Zu dieser Kollektion kamen noch originelle Kopfputze dazu, bunt, exotisch, kreativ. Dies i-Tüpfelchen fügt noch einen neuen Kick dazu. Schuhe dagegen brauchte es bei dieser Kollektion überhaupt nicht, ein paar vergnügte Farbschlenker auf den nackten Füßen (und Armen) gaben etwas Urlaubs- und Freiheitsfeeling dazu – was für eine originelle und überzeugende Idee!

Asiatische Inspirationen sahen wir diese Saison oft und bei mehreren Schauen, man könnte vermuten, dass nach all den Dekonstruktionen und Schichtungen nun etwas mehr Stilbewußtsein und Eleganz auf dem Vormarsch sind.  Aber Rianna + Nina hatten den Anspruch eigentlich von Anfang an und diese Schau unterstreicht vielmehr, dass gerade die asiatische Inspiration außerordentlich fruchtbar ist. Und der Lebensfreude den richtigen Anstoß gibt – verbunden mit sehr gutem Geschmack.

Und gottseidank kam nirgends ein kämpferischer Kommentar im Sinne negativer Appropriation. Das ist Appropriation im allerbesten Sinne, stets bereichernd, respekt- und würdevoll und liebevoll.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Es ist ein kleines Unternehmen, Familie und Freunde, das sich zum Ziel gesetzt hat, anspruchsvolle Schneiderkunst mit höchster Funktionalität und Belastbarkeit zu verknüpfen und dabei die zentrale Konzentration auf Nachhaltigkeit im ausgesuchtesten Sinne zu legen. Weniger ist mehr, das gilt grundsätzlich für Fassbender-Kollektionen, und so war die Präsentation zur Fashionweek auch eher klein, aber fein.

2017 wurde das Label von Christina Fassbender und ihrem Bruder Sebastian Steinhoff gegründet und hat sich immerhin einigermassen schnell zu einer renommierten Adresse in Hamburg entwickelt. Stets sucht Fassbender nach neuen Materialinnovationen, die von zertifizierten Produzenten unter höchsten ethischen Standards für alle Beteiligten entwickelt werden. Naturfasern wie Wolle und Alpaka von tierfreundlichen Farmen, Ahimsa-Seide ohne lebende Seidenraupen zu verletzen, vegane Lederstoffe aus organischen Materialen sowie recycelte Stoffe. Ebenso ausgesuchte Fabrikationen in Portugal und  Belgien.

Aus der Reduktion ergibt sich keine Konzentration avantgardistischer Vorstellung von Mode, stattdessen eine eher klassische Prägung einer attraktiven Standard-Garderobe mit Gültigkeit und Haltbarkeit über gegenwärtige Trends hinaus. Ein paar kräftige Farbkontraste sind dennoch erlaubt, ohne auf die hanseatische Kühle und das Understatement zu verzichten. Besonders die Strukturen der Stoffe, die, laut Christina Fassbender, in Japan hergestellt wurden, machen, neben spezifischen Recycling- und Herstellungsverfahren, wohl die saisonale Besonderheit aus.
My Fassbender ist ein typisch hanseatischer Beitrag zur Fashionweek, aus welcher Perspektive auch immer man das sehen will.

Zur übersichtlichen Präsentation der Bekleidungskollektion gab es ein projiziertes Video zu sehen, in kühlen Farben und urbane Aktivität vorführend. Dynamisch und im Kontrast verlangsamt, um Gelassenheit und Souveränität der Fassbender-Mode zu veranschaulichen; eher kurz, eher prägnant, eher unaufgeregt. Slow Fashion.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Bisher waren die Schauen von Richert Beil sehr performancehaft konzipiert, oft düster und etwas mystisch-symbolisch geprägt, kontrovers diskutiert und damit auch geliebte Veranstaltungen für sehr treue Fans. Dieses Mal, nach langer Pause, war der Schaucharakter konventioneller.

Die Modelle absolvierten die Laufstegstrecke allerdings immer noch langsam schreitend, das setzte der gewohnten Hochdynamik üblicher Schauen eine angenehme Ruhe entgegen und richtete den Blick unverstellter auf die gestalterische Prägung. Die ist ausserordentlich klar und fühlt sich noch sehr der Dekonstruktion verpflichtet – ganz Berliner Tradition also, hier den sozialkritischen Background sehr deutlich in die Gestaltung einbeziehend. Tradierte Kleidungsstücke klassischen Zuschnitts werden infrage gestellt, indem sie neu oder umformuliert werden, Kravatten ad absurdum genutzt, Materialien widersinnig verwendet, Elemente zerschnitten und deplaziert angepasst, Lücken aufgetan beziehungsweise belassen, Hosenformeln neu erfunden und vieles mehr. Dazu, im Sinne des Kollektionstitels, bruchstückhafte religiöse Formeln in Fraktur aufgestickt und -gedruckt, die Labelinitialien symbolisch verbrämt – so ganz erschließt sich die Religionsironie allerdings nicht.

Insofern setzt das Designerduo Jale Richert und Michele Beil durchaus konsequent seine modische Visualisierung gesellschaftskritischer Ansichten fort, auch wenn das gelegentlich inhaltlich etwas oberflächlich anmutet. Mit der dekonstruierenden Referenz auf klassisch-elegante Traditionen in der Bekleidung rückt allerdings die gestalterische Form stärker in den Blick, und die überrascht etwas mit einer sorgfältig anmutenden Ästhetik. Das ist immerhin ein angenehmes Zugeständnis an die Betrachtungsfreude und vielleicht auch ein Überwindungsschritt weg von der Berliner Antiästhetik, die schon längst keinen Spass mehr macht – den Designern vielleicht auch nicht.
Vor weit über einem Jahr ist Aldi aus der 60er-Jahre-Location ausgezogen und es ist die erste Zwischennutzung des unrenovierten Raumes, wer weiß, ob damit auch noch ein hintersinniger Verweis auf deutsches Konsumklischee oder Architekturnutzung mitgedacht ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Odeeh gehört zu den „Klassikern“ der Berliner Fashionweek, im doppelten Sinn. Location, Publikum und Presse sind jedes Mal ausgesucht und haben dabei stets den Nimbus der gehobenen Klasse. Das Spektrum innerhalb dessen äußert sich in ihren großen Kollektionen in recht verschiedene Richtungen zeigend, eigentlich sind es mehrere Kollektionen in einer, die versuchen, zusammen ein großes Gebiet der „bürgerlich“ lebenden, erfolgreichen Frauen mit Geschmack und Stilbewußtsein abzudecken. Entsprechend groß ist das Interesse und entsprechend anspruchsvoll sind Location, Präsentationsstil und natürlich, in erster Linie, die Kollektion ausgerichtet.

Für das Programm der Berliner Fashionweek (dort präsentiert Odeeh seit 2010) ist das eine wichtige Position, denn schließlich ist das große Modepublikum nicht nur von avantgardistischer Exzentrik und innovativen Ideen geprägt, sondern, viel wesentlicher, von bürgerlicher Alltäglichkeit, wie überall in den Großstädten dieser Welt. Und daraus egeben sich für das Modedesign „klassischen Selbstverständnisses“ eigene Prämissen, allen voran tatsächliche Tragbarkeit, dazu eine gewisse Properness, Touches von Sportlichkeit, Aufgeschlossenheit (in Maßen), sparsame, aber prägende Apercus, ab und zu pfiffige Kontraste, ungewöhnliche und geschickt gebändigte Muster und Applikationen und nicht zuletzt aufgegriffene Gestaltungstrends, die geschickt und beherrscht eingebaut werden. All das gelingt Odeeh zunehmend perfekt. Alle Trends der letzten Jahre finden sich in ihren Gestaltungen wieder, sehr geschmackvoll und elegant integriert, meist spielerisch; darin besteht die Kunst des smarten Designerduos Jörg Ehrlich und Otto Drögsler.

Ein herausstechendes Stilmittel gibt es allerdings in jeder Kollektion, dieses Mal war es der geknotete Taillengurt aus Stoff, sehr auf den japanischen Obi bezogen, der bei vielen Outfits einen wesentlichen Gestaltungsakzent ausmacht. Auch manche Schnitte referierten auf asiatische Stilismen. Unkonventionell waren die wadenlangen Paillettenröcke, die mit schlichten Oberteilen oder verspielten Jacken kombiniert wurden.

Die innovative Kraft der Odeeh-Kollektion besteht also nicht zuletzt aus vorgefundenen und üblichen Trenderscheinungen, aber im Wesentlichen in der Fähigkeit, diese geschmackssicher, elegant und sympathisch für ein bürgerliches Publikum aufzubereiten, ohne ein exzentrisches „Zuviel“ zuzumuten. In der Hinsicht ist die Kreativität durch sehr weitreichende Möglichkeiten geprägt und inspiriert und das Spielfeld mit seinem großen Pool an zeitgenössischen Gestaltungsvarianten für kreative Designer fast unerschöpflich. Und da das Zeitgenössische auch den Zeitgeist in sich trägt, ist die Odeeh-Mode eben auch zeitgeistig, aber eben nicht aus sich heraus innovativ. Der Unterschied zur 08/15-Zeitgeist-Mode von Billigmarken besteht nämlich letztlich in der großen Differenz des Geschmacksniveaus des Tuns und des Ergebnisses und des Charismas. Da liegen das eigentliche Verdienst und die Qualität der Odeeh-Kollektionen. Der große Zuspruch und Erfolg demonstrieren zugleich, dass das Einreißen herkömmlicher ästhetischer Werte, wie anderswo gefeiert, noch längst nicht das Begehren der Allgemeinheit ist, das Mitgehen mit einem allgemeinen (wie durch Odeeh abgesegneten) Zeitgeist in gebändigter, ästhetisch anspruchsvoller Form aber durchaus ein Bedürfnis ist. Eben auch in Berlin.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Podyh liebt akzentuierende, kleingeometrische Formen in angeordneter Reihung, am liebsten Quadrate und Dreiecke, und erzielt damit die Wirkung großer Sorgfalt und sehr klarer Musterung. Nicht als Prints, sondern als Reihung textiler Applikationen. Also plastisch denkend. Dazu Streifen, die ebenfalls eine klare Ordnung suggerieren und – vertikal oder horizontal – der Kleidung so etwas wie belebte Ruhe verleihen. Die Schnitte sind recht klar gehalten und suggerieren Jugendlichkeit, manchmal verknüpft mit einem romantischen Touch oder einer sportlichen oder eleganten Grundnote. Somit macht der Reiz des Ganzen eine eher schlichte und zurückhaltende Präsenz aus, die aber immer sehr sorgsam austariert erscheint. Auf dieser Grundlinie leistet sich die Designerin dann auch kleine Verspieltheiten, in die eine oder andere Richtung, aber nie den Rahmen sprengend, eher behutsam.

Der dünn gestreifte Stoff ist zwar kontraststark, mit Schwarz und Beige aber eine elegante Farbkombination, die eher frisch als offensiv daher kommt. Überhaupt bleiben alle Farben – bis auf das Blau – eher blass beziehungsweise dezent und wirken behutsam abgestimmt.

Die Assoziation mit Architektur- und Fassadengestaltung liegt nahe und die ukrainische Designerin Daria Plaksyuk (Labelgründung 2020) gibt auch an, Erfahrungen in dem Bereich gesammelt zu haben und daher nicht nur ihre Inspiration zu ziehen, sondern auch die Liebe zur Sorgfalt im Vorgehen mitgenommen zu haben. Damit gelangt sie zu einer ästhetisch geradlinigen, recht konsequenten Kollektion.

Aber jenseits aller architektonischer Zu- oder Ableitung im Formalen und im Prozess entwickelt Daria Plaksyuk so etwas wie einen diskreten Charme und erst der gibt den Teilen und der ganzen Kollektion das gewisse Etwas, einen wirklich liebenswürdigen Stil: er wirkt zuverlässig, geordnet, zurückhaltend und zugleich angenehm lebhaft – Tugenden, die eigentlich nicht gerade modern sind aber dafür umso sympathischer. Als Stilsetzung ist das eher bei ganz jungen Frauen wirkungsvoll vorstellbar, eine sehr unaufdringliche Bekleidung für den dezenten Typus, angenehm und trotzdem selbstbestimmt. Das klingt vielleicht etwas allgemein, ist aber doch ein prägnanter und charakteristischer Stil und eine echte Bereicherung im Getöse der aufgeregten „Berliner Bewegung“. Und auch völlig losgelöst von Ukraine-Assoziationen.

Ein schöner Start, wie zumindestens wir finden.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Angefangen als subkulturelle, aber berlinerische Veranstaltung, wo Anarchie zu Organisation und Erscheinungsbild das Wesen einer quasi gegenkulturellen Positionierung ausmachte, erweist sich das Konzept die PLATTE.Berlin seit wenigen Saisons als zunehmend erfolgreich.

Der Innenhof der Adresse als typischer Ort der öden berliner Plattenbauten mit seinem optischen, anarchisch aufgemotzten Erscheinungsbild war schon Location der ersten Platte-Veranstaltung und ist auch dieses Mal das kongeniale Locationkonzept. Ausserdem können sich die Veranstalter auch darauf verlassen, dass sich ein Großteil des Publikums dem subkulturellen Style angepasst hat und damit quasi der Schritt in die „Öffentlichkeit“ markiert ist. Und die verbleibenden Gegensätze stellen die Merkmale umso besser heraus. Als Veranstaltung im taghellen Freien ist es leicht, das Publikum in die Schau einzubinden, optisch, und das geniesst solche Situationen sehr: so ungewöhnlich und exzentrisch die Modebekleidung auf dem Laufsteg auch ausfällt, sieht man, dass das Publikum den Spass nicht nur im Zuschauen hat, sondern auch im Selbsttragen und im gegenseitigen Bewundern.

Dass die Wahl auf die Designerin Melisa Minca aus dem Platte-Kollektiv für eine ganze Schau fiel, folgte dem Gewinn des vorangegangenen, neuen Platte Award, der anhand der Prinzipen von Platte-Mode (Inklusion, Nachhaltigkeit, Innovation und Transparenz) vergeben wurde. Und wem es zu verdanken ist, dass die Platte überhaupt im offiziellen Programm erscheinen darf, auch letzte Saison schon, wissen wir nicht, vermutlich war dem Hauptsponsor Mercedes Benz die Subkultur kein imagefördernder Partner.

Melisa Mincas (Label 2018 gegründet) Konzept beruht im Wesentlichen auf Textilupcycling, stets sehr originell kombinierend, improvisierend und zugleich der gesellschaftspolitischen Haltung konsequent verpflichtet. Dass das Spielerische und auch Lustvolle den Ernst der politischen Positionierung weitgehend überdecken kann, ohne sie zu mindern, folgt natürlich auch dem gleichzeitigen  hedonistischen Anspruch. Das „eigentlich Nichttragbare“ wird zum Teil des spassorientierten Kontexts. Niemand ist verpflichtet alles trocken ernst zu nehmen und auch die Designerin nicht, alles ernst zu meinen. Neben dem Spass bleiben auch die plakativen politischen Statements quasi im Raum stehen. Von der handwerklichen Verarbeitung wird gefordert, dass sie solide, sorgfältig herstellt und nichts improvisiert, aber eben keine besonders hohe Schneiderkunst. Deutlich wird aber auch, dass der ästhetische Anspruch bei der Platte höher gehängt wird, als das in den ersten Saisons der Fall war, auch das ein Fortschritt.
Das romantische Schuhwerk wurde übrigens von merrfer unter Verwendung von Upcycled- und Deadstock-Materialien bereitgestellt.

Wie auch die Kleidungsstücke Unikate sind, so werden auch die vorführenden Modelle explizit individuell vorgeführt, mit der Schminke, den Frisuren, Tattoos, Ethnien und Körpern. Everybody United.

Wir schrieben es schon zuvor, in London sind diese Trends schon lange zu beobachten, hundertprozentig läßt sich also nicht sagen, dass Berlin in dieser Hinsicht nun etwas wirklich Neues geboren hätte. Aber es ist in mancher Hinsicht dann doch berlinerisch, umso mehr, als keine andere deutsche Stadt seine Subkultur so liebt und sich für ihr Selbstverständnis zu eigen macht. Und dass weitere Programmierungen aus der Szene in der aktuellen Fashionweek den Trend unterstreichen, bestätigt dieses Selbstverständnis endlich in gerechter Weise.

Grundsätzlich ist natürlich eine Provokation gegenüber dem klassischen Modeverständnis damit offiziell, darüber kann man vielleicht streiten oder die Nase rümpfen. Mit Punk hatten wir das ja ähnlich. Unbedingt überzeugend ist schon mal in jedem Fall, dass der Spass daran ein entscheidendes Kriterium ist und es auch ganz unkompliziert ist, den mit gesellschaftspolitischen Überzeugungen zu hinterlegen.

Gerade das ist eine besondere Erkenntnis, die die Platte.Berlin schon an sich besonders ehrt.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die lange ersehnte Rückkehr des Berliner Salons ins schöne Kronprinzenpalais löste zwar nicht alle Erwartungen an die liebevolle Ausstattung der frühen Jahre ein, gab aber endlich der großen Schau wieder ihre Würde zurück. Nüchterner zwar, ohne hinreißende Blumenarrangements und mit Wasser aus dem Kühlschrank aber geräumig und in angemessenem Raumambiente.

Insgesamt ist die Auswahl an Modedesignern und Modedesignerinnen, so hat man jedenfalls das Gefühl, kleiner geworden, aber nach wie vor erlesen und kenntnisreich (Christiane Arp). Das kommt wohl daher, dass jetzt auch allgemeinere Gestaltungspositionen aus Design im kunstverwandten Sinne hinzu gekommen sind, nicht immer versteht man da den Zusammenhang. Möbelstücke, Einrichtungsobjekte, Parfüme sind dabei und Schmuck hat wieder stärkere Präsenz. Was den gestalterischen Umgang mit Webstoffen und „textiler Kunst“ betrifft, ist die Brücke hin zum Künstlerischen eher verständlich und auch sinnvoll – da geht es auch um Öffnung des Blickes für die kreative Nutzung von Textil. Beim Einrichtungsdesign aber stellt man sich dann schon Fragen.

51 Designer und Designerinnen sind vertreten, verteilt auf zwei Etagen, der großzügige Treppenbereich wurde nicht mehr genutzt. Viele Designer waren bei ihren Exponaten anwesend, auch das ist eine wunderbare Tradition. Besonders im Focus der Auswahl war, so lasen wir, Nachhaltigkeit bei den ausgestellten Marken – mittels eines Fragebogens wurden die Labels konkret danach abgefragt. Dieser Aspekt ist bei der Berliner Fashionweek ohnehin seit geraumer Zeit zum dominierenden Kriterium geworden, wesentlich radikaler als auf anderen Fashionweeks, wo er eines unter mehreren ausmacht. Nicht immer dient das dem erbaulichen Erscheinungsbild, aber dies Phänomen ist selten geworden. Die Emanzipation von dem schlechten Image des „Bio-Alternativen“ ist längst vollzogen. Das Diktat der Nachhaltigkeit hat zu überraschend vielen Wegen geführt, sinnvoll und überzeugend damit umzugehen, nicht selten gerade zu sehr originellen Einfällen im Recycling. Wie zum Beispiel die Schuh-Handtaschen von Haram. Die Idee ist zwar nicht ganz neu, denn wir sahen das schon viel origineller 2018 in Hyères von der Südkoreanerin Jinah Jung (Conshoesness), aber das mindert den Pfiff der Gestaltung keineswegs.

Die große Schau hat als Übersicht den Vorteil, dass gewisse Trends offenkundig werden, dieses Mal fiel der gestalterische Spass an Verschlüssen und deren ungewöhnlichen Möglichkeiten auf, sowohl das Erscheinungsbild als auch die praktischen Optionen zu erkunden. Als kleiner Trend ist das nicht unbedingt neu, aber hier sah man doch viele coole Ideen und daraus resultierende eigene Schnitte. Und als leichte Übertreibungen mit Gurten, Knöpfen und Reißverschlüssen eben mehr als Akzente. Außerdem ist das Thema Dekonstruktion nicht mehr so experimentell herausgestellt, die gestalterische Methode ist selbstverständlicher geworden.

Prominenter war dieses Mal der „UGG Culture Changemaker Prize“ dabei, der an Namilia, Marke, SF 1 OG und Kasia Kucharska ging. Ebenfalls dabei waren wieder die drei ukrainischen Designerinnen Litkovska, Bobkova und Dzhus, zum Teil auch aus solidarischen Gründen. Sie richteten im Laufe der Fashionweek auch wieder eigene Schauen aus.

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