Text & Bilder: Boris Marberg

Zehn Finalistinnen mit drei Preisträgerinnen wurden in Berlin aus diesem Wettbewerb heraus präsentiert. Der Wettbewerb wird veranstaltet von ACTE, European Textile Collectivities Association, einem Netzwerk von Städten, aus mehreren europäischen Ländern. Ziel dieser Vereinigung ist es, grob auf den Nenner gebracht, die lokal Textilindustrie zu fördern. Schwerpunktmäßig kommen die Finalistinnen von der iberischen Halbinsel oder aus Skandinavien.

Es wurden drei Preise verliehen. Die Kategorien waren, studentische Arbeiten, junge selbständige Designer, und ein Publikumspreis. Die Finalistinnen waren: Anastasiya Stepanenko (Spanien), Andrea Bou (Spanien), Carolina Rönnberg (schweden), Cristina Soriano Arrasa (Spanien), Emelie Svensson (Schweden), Julia Velázquez Charro (Schweden), Malin Busck (Schweden), Miriam Prat Gutierrez (Spanien), Rita Rodrigues de Sá (Potugal) und Sanna Schubert (Deutschland).

Neben dem Preisgeld werden auf der Internetpräsenz der Vereinigung die Finalistinnen ansprechend visuell und inhaltlich kurz präsentiert. Interessierte können sich daher schnell einen Überblick verschaffen.

Das Schöne an den allermeisten Wettbewerben ist, dass der künstlerische Drang der Designer ausgelebt und präsentiert werden darf – Gestalten fern kommerzieller Zwänge und Überlegungen, die Masse ansprechen zu müssen um Erfolg zu haben. Visuell und auch von der innewohnenden Funktionalität stechen die Entwürfe von Anastasiya Stepanenko hervor.  Diese sind sowohl was das Spiel mit den Volumen im Raum, mit den Silhouetten, als auch mit den Farben sehr ausgewogen und legen einen kreativen Umgang mit Mode an den Tag.

Die drei Priese gingen hingegen an die schwedische Jungunternehmerin Malin Busck, die Studentin Sanna Schubert und an Julia Velázquez, welche den Publikumspreis zugesprochen bekommen hat.

Das weniger Schöne an den allermeisten Wettbewerben ist, dass die gelebte Kreativität oft nur in kleinen elitären Zirkeln der Mode-Insider gefeiert und gewürdigt wird. Alleinfalls schafft es ein (späterer) Stardesigner wie zum Beispiel Alexander Wang (Teilnahme 2009 Stella Fashion Award) nachhaltig sich am Markt zu platzieren. Das mag zum einen daran liegen, dass weltweit in sehr großem Umfang Absolventen ihr Studium zum Modedesigner komplettieren und auf den Markt drängen. Zum anderen aber auch daran, dass sehr viele Gesichtspunkte bei Wettbewerben nicht den Schwerpunkt bilden. Insbesondere gilt dies immer noch für Aspekte der Nachhaltigkeit und für ökologische Produktion. Dabei muss nicht einmal auf das Spannungsfeld des „Geschmacks“ des Massenmarktes und dem innewohnenden Diktat der Konsumgesellschaft als Argument eingegangen werden, um sichtbar zu machen, dass Wettbewerbe oft in einer künstlerischen Blase existieren, eine Nische bilden, die wohlweislich ihren eigenen Wert hat.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Berlin bezeichnet sich seit einiger Zeit gerne als das aufstrebende Zentrum der ökologischen und nachhaltigen Mode, mit attraktiven, konzentrierten Messen, Show-Rooms, ansässigen Marken und kleinen Manufakturen. Im Rahmen der Fashion-Week spielen diese Messen immer eine Rolle, auch wenn die Verbindung zu den zentralen Schauen nicht wirklich eng ist. Diese Saison wurde die Verbindung sichtbarer geknüpft und in einer eigenen Schau im Plan der Mercedes Benz Fashion Week (MBFW) eingebettet. Konzeptionell ist dies nicht das erste Mal, dass diese Verbindung in dieser Weise initiiert wurde, aber bisweilen die konsequenteste. Beibehalten wurde, dass nicht ein einzelnes Label präsentiert wurde, sondern ein wilder, teilweise auch stark kontrastierter Querschnitt an Marken, welche in jener Woche in Berlin ihre neuen Kreationen den Einkäufern und den Interessierten nahebringen wollten.

Immer wieder wirft die Auseinandersetzung mit „ökologischer“ Mode Grundfragen auf, die es wert sind auch immer wieder diskutiert zu werden und im Vergleich zu Vorjahren neue Aspekte und Strömungen erkennen lassen. Oft wird „ökologischer“ Mode vorgeworfen, sie sei nicht repräsentativ genug, nicht schick, wandle immer noch – oder immer wieder – in Klischees der offensichtlichen Erkennbarkeit als „Öko“. Grundsätzlich ist immer noch festzuhalten, dass es weder für ökologisch produzierte Bekleidung keinen anerkannten Standard gibt, der landläufig bekannt wäre und etabliert ist. Abgesehen von GOTS sind die Ansätze für Zertifizierungen weiterhin noch sehr fragmentiert. Aber auch bei dem weiteren Begriff der „nachhaltigen“ Mode sind Zertifizierungen noch nicht weit verbreitet und vielen Konsumenten ist auch nicht immer klar, was der Unterscheid zwischen ökologisch, nachhaltig, oder fair produziert bedeutet. Das macht es weder den Kunden leicht, noch Marken, die ihre Ansätze breiter kommunizieren wollen. Geradezu im Kontrast dazu stehen eigene Initiativen von Konzernen und internationalen Volumenhändlern, die sich gerne als vorbildlich in Szene setzen. Der oft erhobene Vorwurf des „Greenwashings“ liegt da nahe, wenn zum Beispiel „Bio-Baumwolle“ verarbeitet werde, aber Recherchen ergeben, dass in just der Konzern in Fabriken teilweise nicht existenzsichernde Löhne seit Monaten ausstehend waren, bis die Fabrik insolvent war und immer noch die Arbeiterinnen auf ihr Geld warten mussten. Wieder andere Konzerne mussten sich dem Vorwurf aussetzen, containerweise neue Ware vernichtet zu haben. Sicherlich spiegeln diese Fälle und Beispiele, die leider in der Industrie eine gewisse Routine darstellen, dass Bekleidung von vielen Kundinnen und Kunden als kurzfristiger „Verbrauchsgegenstand“ wahrgenommen wird. Dies wirft leider immer noch die ungeklärte Frage auf, was ist Mode, welche Funktion hat diese und wo ist die klare Abgrenzung zur Bekleidung. Wenn man davon ausgeht, Mode dient unter anderem auch einer repräsentative Funktion in dem Sinne, dass die Person, die sich bewusst für eine Produkt entschieden hat, damit unter Umständen auch etwas ausdrücken will, und nicht lediglich die Produktfunktion nutzen möchte, dann hat Modedesign mehr zu bieten als die „Massenware“, dient also einem weiteren Zweck. Zwingend schön muss das nicht sein, Design ist ja auch nicht zwingend Kunst, steht jener aber nahe. Damit ist aber auch klar, dass neben dem ideologischen Statement von ökologischer, oder nachhaltiger Mode auch immer der darstellende Charakter innewohnen sollte, eigentlich zwingend muss. Kurz und knapp: Öko darf auch mal ästhetisch sein und sollte sich von den Klischees endlich lösen.

In Berlin ist das teilweise immer wieder sichtbar, einen richtigen Trend kann man leider noch nicht sehen (mal abgesehen, dass die Akzeptanz, das Interesse und der Marktanteil kontinuierlich wächst). Aktivistische Beiwerke, wie zum Beispiel die „Fashion Revolution (Day/Week)“ werden dem Thema nur bedingt mit ihren Aktionen gerecht und vor allem in der Breite, trotz Berichterstattung in „Leitmedien“ wie dem Deutschlandfunk, nicht wirklich von der Masse der Bevölkerung wahrgenommen. Zum einen braucht es für die Durchbrechung des Massenkonsums wesentlich mehr, zum anderen würde dies auch wieder die Frage der Demokratisierung der Mode aufwerfen. Ein leidiges Thema, das an inneren Konflikten völlig durchfressen ist, denn die Frage, ob das Individuum ein integraler Bestandteil der Masse sein kann ist in diesem Zusammenhang nicht aufklärbar. In Bezug auf Modedesign bleibt da immer noch nur die Uniform als ultima ratio – wenn man unterschlägt, dass der klassische Anzug in der Herrenmode schon seit fast 200 Jahren dies manifestiert und Herrenmode ganz anderen ästhetischen Kriterien unterliegt und sich ideologisch kaum zu befreien vermag.

Was wünscht man sich also von nachhaltiger, ökologischer Mode für die Zukunft und was ist jetzt schon sichtbar? Als Idealist wünscht man sich natürlich eine breitere Akzeptanz und ein aufgeschlossenes Bewusstsein für Fairness, also dass Mode nachhaltiger wird, existenzsichernde Löhne in der Produktion bezahlt werden und umweltschonend produziert wird – eigentlich eine Selbstverständlichkeit, sollte man meinen – aber das klappt nicht, jedenfalls nicht in der Breite der Gesellschaft und schon gar nicht beim jungen Publikum, denn dieses unterliegt gruppendynamischen Individualisierungsprozessen und ökonomischen Rahmenbedingungen, die maßgeblich durch die Konsumgeschwindigkeit beeinflusst werden – schade, leider – und wirft auf, sich in der näheren Zukunft wieder mit dem Thema zu befassen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Akzentuierend-kontrastierende Streifen, senkrecht, waagerecht oder v-förmig, sind das auffälligste Gestaltungsmittel der Sommerkollektion für 2019 von Maisonnoée. Damit werden die Formen in sich strukturiert und die häufig eingesetzten Transparenzen formal reizvoll gebunden. Gleichzeitig löst die Designerin Sophie Oemus damit auch die eher konventionelle Schlichtheit der Kleidungsfiguren etwas auf, ohne exzentrische Experimente machen zu müssen.

Lockerheit durch die weich fallenden, dünnen und edlen Stoffe kombiniert sie mit diesen breiten Streifen als geometrisch geradlinige Gefüge zu einer reizvollen Gestaltungseinheit, die sich farblich auf Weiß/Beige und Schwarz reduziert (und Silber). Dank der stilistischen Geradlinigkeit sind die Teile auch gut kombinierbar und mit dem konventionellen Grundtypus der Kleider, Tops und Röcke recht alltagstauglich, wenn man von den Transparenzen mal absieht. Die Leichtigkeit macht die Sachen sehr feminin und angenehm sommerlich, die hochwertigen Stoffe, schönen Plissées und sorgfältige Verarbeitung verleihen luxuriöse Eleganz.
Ausserdem sah man wieder tolle Blousons und enge Hosen, meist in schwarz, bekanntes Element der Maisonnoée-Kollektionen, das die selbstbewusste, emanzipierte Sexyness der modernen Frau herausstellt.

Und dann war da noch eine Kinderkollektion („Maisonnoée Kids“). Schon mal ganz abgesehen davon, dass die Kindermodels ihre Sache mit großem Vergnügen und gleichzeitig ernsthafter Hingabe verrichteten, verbreitete das großen Spaß und kam sehr überzeugend daher. Auch hier waren die Outfits locker und teilweise sogar bunt – eine wirklich gekonnte Mischung der oben beschriebenen Eleganz und altersgerechter Gestaltung, und zwar so wie Kinder das mögen und selbst Modernität verstehen. Es war jedenfalls offenkundig, dass sie das mochten, was sie da vorführten (mit einem Touch von launiger Coolness) – und die Erwachsenen auch.

Und dann noch eine Kollektion für Jugendliche, bei der die Designerin genauso deutlich den Bedürfnissen moderner Adoleszenten entsprechen konnte – schwarz, ledrig, tough aber lebendig und bequem. Für die Vorführung hatten sie sich dann auch eine eigene ballettartige Performance ausgedacht, die den Laufsteg gut aufmischte. Neben der Live-Jazz-Gesangsaufführung (Nova Miller, siehe erstes Bild) war diese Einlage eine wirklich gute Idee, die sonst eher eintönigen Catwalks neu zu beleben und den üblichen versteinerten Gesichtern der Modelle etwas Frisches entgegenzusetzen. Mit diesen beiden Sonderkollektionen hat Maisonnoée sehr einfühlsam und anspruchsvoll Marktlücken gefüllt.

Eine Schau also aus drei verschiedenen Segmenten eigener Zielrichtungen, die übergreifend ein Grundanspruch geschmackvoller Eleganz mit durchgehenden Stilmitteln verbindet und die im Einzelnen sehr markt- und generationsgerecht orientiert sind, ohne sich stilistisch verbiegen zu müssen. Es wäre auch schön, wenn das bis zu den Jugendlichen durchdringt, denn eine geschmacklich kultivierte Gestaltungsqualität wäre in europäischen Regionen doch mal eine wirklich nötige Alternative zu den groben US-Rapper-Vorlagen ….

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Sehr locker fallende, dünne und geschmeidige Stoffe sind das wesentliche Gestaltungspotential von Lana Müller, daraus macht sie zarte Verhüllungen in unaufdringlicher Eleganz. Die Leichtigkeit des Stoff-Fallens ist für Lana Müller die Herausforderung einer konsequenten Gestaltung, die nicht nur ihren Stil kennzeichnet, sondern auch für ein weibliches Lebensgefühl steht.

Der Luftigkeit der Kleidung für den Sommer entspricht subtile Farbgebung mit blassen Tönen und offene, sich unterschiedlich bauschende Formen, die wie im Luftzug flatternd den Körper umspielen. Der Effekt wird in dieser Kollektion verstärkt mit Bordüren, Rüschen und Stoffapplikationen, die – teilweise abgelöst – frei wie zugehörige Bänder eigene Bewegung hinzu fügen und etwas entschiedeneren Formen Spielerisches verleihen. Zarte, fein gestreute Blumenmuster beleben den unbeschwerten Charakter von Frühlings- und Sommerduft und romantischen Feelings.

Transparenz ist hier nicht nur eine romantisch erotisierende Note, die den dünnen Stoffen quasi folgerichtig entspricht, sondern evoziert insbesondere ein feminines Freiheitsgefühl der selbstbewussten und zugleich unbeschwerten Frau der Gegenwart. Verhaltene Eleganz und verfeinerter Geschmack dominieren die Freude an der Lockerheit (und Verspieltheit) der Gestaltungen und vermitteln darüber hinaus eine Sexyness, die in ihrer Unkompliziertheit konsequent aus weiblicher Perspektive konzipiert ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Deutlich extrovertiert und experimentell in den Kombinationen und Oberflächen kommt auch die neue Kollektion von Rebekka Ruétz daher. Die zuletzt etwas aufdringlichen Textbotschaften per Aufdruck sind sparsam geworden, auch wenn z.B. die Trump-Referenz mit „Make Love Great Again“ noch modischen T-Shirt-Populismus simpler Slogans assoziiert.

Doch die österreichische Modeschöpferin hat mehr zu bieten. Mondrian, zum unzähligsten Male wieder entdeckt und neu in geometrische Muster mit farbkombinierenden Kontrasten ausgelegt, ist die oberflächliche Referenz geometrischer Gestaltung bei den ersten Kleidungsstücken, die aber danach doch raffinierter und freier genutzt wird, um großflächige Decors, Elemente und Oberflächenerscheinungen gegeneinander zu setzen.

Die Schichtungen und Verzahnungen des Gegensätzlichen – nicht selten bewusst waghalsig – bieten dann auch gelegentlich sehr überraschende Effekte bis hin zu optischen Irritationen. Auch bei den Materialzusammenstellungen gibt es z.B. mit Baumwolle vs. Kunststoff stimmige und schöne Lösungen. Doch das Motto, dass eigentlich alles mit allem gehen kann, geht nicht überall überzeugend auf – nicht nur weil der Touch der Beliebigkeit die zum Teil sehr schönen Muster eher abwertet, sondern auch weil das konstruktivistische Konzept oft keine Ganzheit findet und der dekonstruktivistische Charakter keinen Eigenreiz gewinnt.

Dagegen sind eher einfache, konzentrierte und besonders kontrolliert ausgeführte Konstruktionen, die mit wenig auskommen, oft sehr überzeugend gelungen.

Körperbetonte Schnitte sind eher selten, dennoch sind einige Rock-Bluse-Kombinationen, Kleider oder Mäntel recht sexy ausgefallen. Doch dieser Aspekt erscheint aufs Ganze gesehen eher zweitrangig, bei anderen Beispielen sieht man auch das Gegenteil davon, wenn die Gesamtgestalt eher autonome Architektur repräsentiert. Es gibt – gegenüber den experimentellen Gestaltungen – auch recht konventionelle Kleider mit Sommerblumenmuster oder wirkungsvollen computergenerierten Motiven, die sich in der konstruktivistischen Verve der Designerin deutlich zurückhalten und eher dem klassischen Geschmack entgegen kommen. Ein „sowohl – als auch“ findet man eigentlich überall in der Kollektion, was vielleicht kundengerecht, aber der Überzeugungskraft eines stilistischen Konzeptes nicht immer dienlich ist.

Zum Schluss dann zeigte Rebekka Ruétz noch sehr aufregende Oberflächendekos in Gelb-Schwarz-Kombination, grafisch kreativ, großflächig und kontrastbewußt ausgeführt, wie es in den 80er Jahren gerne gemacht wurde. Diese offensive, charakterstarke Wirkungsqualität hat seitdem an Reizen nichts eingebüßt und passt gut in das ziemlich rasante Portfolio der Künstlerin.

Sie ist schwer, diese Suche nach dem Heftigen, das auch mit geschmacklicher Sicherheit daher kommt und im Experiment nicht an Überzeugungskraft verliert. Teilweise ist Rebekka Ruétz das durchaus gelungen, teilweise aber wohl auch nicht so gut.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Ivan Mandzukic experimentiert mit Verbalisierungen in Sachen Herrenmode. Seit Jahrzenten arbeiten große Marken daran, mit ihren Aufdrucken, die auf sich selbst bezogen sind, eine gewisse Identifikation zu generieren – Neudeutsch wird das „Branding“ genannt. Um den Begriff sind ganze Wirtschaftszweige entstanden, die suggerieren, mit der Namensnennung könne eine Person sich mit einem vermeintlichen Glamour oder Wert einer Marke assoziieren. Nicht ich trage Mode, sondern ich bin Mode liegt da auf der Zunge. Der digitale Narzissmus lässt grüßen, und soziale Medien mögen nicht unbedingt ein Garant für eine positive Weiterentwicklung demokratischer, pluralistischer Gesellschaften sein. Mode mag aber schon immer egoistisch bis egozentrisch gewesen sein – oder funktional. Bei der in Berlin vorgestellten Herrenkollektion von Ivanman kommt nicht der Markenname zum Zuge, sondern Schlagwörter der Herrenmode und die Postulierung von Besitzstände. „Jacke“ „Meins“, „Hemd“ „Seins“. Das kann verwirren, irritieren auch formalgestalterisch. Text auf Kleidung ist anerkannt und kann Inhalt vermitteln. Hier spalten sich die Geister. Was typisch für Ivan Mandzukic ist, sind die Farben, Muster und Schichtungen. Da bleibt sich der Designer treu. Ebenso finden sich minimalistische Silhouetten wieder, die seit Jahren geschätzt werden. Männlichkeit unterliegt in der Definition einem Diskurs und einer stetigen Veränderung. Das zeigt sich nicht von Saison zu Saison, aber über die Jahrzehnte hinweg umso deutlicher. Da mag man den Vergleich mit Herrenmode der 1980er wagen: Pastellfarbene Anzüge und weiße Basic T-Shirts, ein beginnender Verlust der Förmlichkeit, Karottenhosen, Übergrößen. Anlehnungen hieran kann man in der Kollektion von Mandzukic finden, wenn man will, oder auch ignorieren und sich einreden, dass alles sei neu. Neu ist das im klassischen Sinne sicher nicht, aber in einem neuen Kontext zu sehen, eben der digitalisierten Persönlichkeit; kein Bar-Code, aber wohl die Produktnummer offen getragen, und damit identifizierbar.
Der Hedonismus der 2010er Jahre trägt seinen Kampf mit den Intellektuellen der Mode auf anderen Ebenen aus, als in den Nullerjahren und den immer noch prägenden 1990er. Das Individuum verliert seinen Charakter. Mode kann hier ein Medium sein, wieder zu einer Ausgangsbasis zurück zu finden. Gerade die Herrenmode muss heutzutage sinnstiftender sein, als in den vergangen drei Jahrzehnten, den die Individualisierung der 1980er bis zur Jahrtausendwende wird und wurde durch die Beliebigkeit der digitalen Gesellschaft und Sozialisierung dahingerafft. In diesem Kontext betrachtet ist die in Berlin vorgestellte Kollektion, mutig, sinnstiftend und irritierend genug um tragbar zu sein – zumindest für ein sich jugendlich definierendes Publikum.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Endlich wieder Hüte, habe ich innerlich gerufen, keine Caps und keine Pseudohüte. Es war ein erster Indikator der Schau von Maison Common, dass Eleganz ein Faktor des Gestaltungsanspruches ist, und die Hut-Musterungen geben trotzdem eine sportliche Note dazu, ohne diesen Anspruch zu negieren. Durchgehend in schwarz-weiß/beige assoziierten sie außerdem einen Touch von Chanel, der überhaupt in der gesamten Kollektion als ein internalisierter Geschmacksfaktor durchschimmerte.

Aber die Kollektion kommt keineswegs zurückgenommen-schlicht daher, schon die Farben und Farbkombinationen stehen eher für leuchtende Präsenz, für Frische und Lebendigkeit. Mint und kräftiges Pink bestimmen einen Großteil der Kollektion, als Komplementärkontrast entsprechend intensiv, aber auch Orange, Himmelblau und Schwarz-Weiß-Kontraste hat die Palette, die den Kleidern Lebensfreude und aktive Präsenz vermittelt. Dazu ebenso kräftige Musterungen, gleichmäßig, lebendig oder beides gemixt, sehr präsent aber nie aufdringlich.

Die Schnitte sind feminin, gern auch klassisch, hier schimmerte die Chanel-Assoziation besonders oft durch, was wir aber nicht als kopiert empfanden, sondern als schöne, gediegene Inspiration des sicheren Gestaltens femininer Kleidung. Mit der akzentuierten Farbgebung und der Leuchtkraft ist ohnehin ein eigenständiger Stil gegeben, der außerdem etwas von Galerie-Lafayette-Frische atmet und sich auch deutlich von den anderen Berliner Schauen absetzt, die nicht selten eher romantisch sanft und verhalten erscheinen.

Manchmal assoziierte man auch etwas Retro-Style, 50s, 80s, 60s, 90s – (Orange, Neonleuchten, maritime Versatzstücke, T-Shirt-Aufdrucke etc.), aber das kann auch täuschen, denn letztlich erschien die Kollektion doch meistens eher innovativ mit Kenntnis der klassischen Werte eleganten Gestaltens. Das ist eigentlich eher französisch als deutsch.

Schleifen in allen Variationen gehörten auch dazu, ebenso Bommeln und anderer Schnickschnack, was stets eine verspielte, weibliche Note hinzufügt und auch mit den gelegentlichen Folkloreanspielungen einhergeht. Der Bonboncharakter mancher Erscheinungen, dieses Jahr auch bei anderen Designern angesagt, drängte sich hie und da etwas auf, eher aber im Sinne frischer Mintbonbons und nicht wirklich kitschig; die folkloristischen Anleihen kippen noch nicht ins Spießige. Das leichte, unkomplizierte T-Shirt spielte auch eine Rolle in der Kollektion, bedruckt mit Schlagwörtern, wie es gerade viele machen und mögen, an solchen Stellen erschien uns die Gestaltungskraft etwas unter Wert eingebracht.

Insgesamt ist die stilistische Positionierung von Maison Common eine echte Bereicherung in der jungen deutschen Modeszene, lebensbejahend und klassische Werte nicht verleugnend – wir hoffen sehr, dass das Label auch in den künftigen Fashionweek-Saisons diese Anschauung prägnant vertritt, ohne vorzeitig von Otto oder ähnlichen bürgerlichen Branchen-Vertretern vereinnahmt zu werden.

Vive le Goût Français!

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Der Berliner Salon und der Vogue Salon (in Partnerschaft mit Swarowski) in Veranstaltungseinheit war auch diese Saison ein Highlight der Fashionweek, dank der weiterhin engagierten Ausführung dieses Konzeptteils zur Förderung junger, deutscher Designtalente. Auf zwei Etagen des Gebäudes und Erweiterung auf die Terrasse bekommen vielversprechende Designer (Mode, Accessoires, Schmuck, Wandgestaltung) Gelegenheit, ihre Arbeit in elegantem Ambiente und viel Publikum vorzustellen. Und sie sind persönlich präsent. Das ist für alle Beteiligten ein erfolgreiches Veranstaltungskonzept – eigentlich gedacht für Branchenzugehörige (Händler etc.) ist die Ausstellung dennoch auch ein Leckerbissen für interessiertes, breiteres Publikum. Wir dokumentieren bzw. berichten darum gerne darüber, denn die Präsentationen zusammen genommen ergeben ein recht umfassendes Bild vom State of the Art.

Von der Zeitmagazin & Vogue Konferenz im Kronprinzenpalais können wir dieses Mal leider nicht berichten. Das PR-Büro dieser ambitionierten und gesellschaftskritischen Veranstaltung verlangte von uns und Journalistenkollegen dieses Mal die Entrichtung einer beachtlichen Anwesenheitsgebühr, warum wissen die Götter. Dabei kennen wir die Veranstaltung aus den vorangegangenen Saisons durchaus als selbstkritisch und thematisch spannend, gesellschaftsbezogen und eben als ein Format, das sich Öffentlichkeitswirksamkeit auf die Fahnen geschrieben hat.

Während die Schauenvielfalt der Berliner Fashionweek insgesamt etwas heruntergefahren wurde und auch der Berliner Salon nur noch drei Schauen betreute, blieb die Gruppenausstellung umfangreich. Sie wurde nun sogar durch eine kleine Fotoausstellung ergänzt. Allerdings: auch wenn andere Veranstalter das anderswo sinnvoll zusammenführen, war diese Einfügung einer kleinen Bildabteilung in großem Raum hier doch etwas befremdlich. Inhaltlich ging uns das schon mit den Wanddekos oder den Objekten des Meissener Porzellan so, immerhin war deren Kombination mit den Odeeh-Exponaten geschmacklich geschickt arrangiert. Sie bringt nicht viel, diese integrierte Fotoausstellung  eines Fotowettbewerbes von Vogue und Huawei, wie wir finden, zu klein und zu wenig schlüssig im Zusammenhang.

Nicht wenige Designer haben wir hier schon näher vorgestellt, die vormals Schauen ausgerichtet hatten, dies aber nicht mehr tun. Darum war es gut, zu sehen, wie sie ihre Arbeit weiter entwickeln, so z.B. Julia Seemann, Lou de Bertoly (Ex Augustin Teboul), Allude, Dorothee Schumacher, Hien Le. Andere Designer sahen wir nur in diesen Ausstellungen im Fashionweek-Kontext, sie waren im Berliner Salon oft präsent wie Horror Vacui, Belize, Iris von Arnim, Rianna und Nina und viele mehr, sie alle sind ebenfalls mit ihrer Arbeit anspruchsvoll und sehenswert geblieben. Und bei denen, die parallel auch diesmal Défilés ausgerichtet haben, z.B. I’VR Isabel Vollrath, war es noch einmal spannend, dieselben Stücke vom Laufsteg nun von Nahem betrachten zu können.
Neue Designer sind auch hinzu gekommen, Insidern schon oft bekannt, weil sie international mehr Aufmerksamkeit bekamen als hierzulande, ausgestellt oder publiziert wurden; in diesem Zusammenhang haben sie jetzt auch eine verdiente Präsenz im Berliner Präsentationskontext. Auch da reicht die Palette der verschiedenen Ansätze von künstlerisch-experimentell wie bei Nhu Duong bis zu Fair-Trade-Konzepten wie bei 8 Eden Avenue oder eher konventionellen Streetwear Basics wie bei MCM.

Insofern ist letztlich das große Spektrum der Gruppenausstellung der eigentliche Reiz für den Besucher, umso mehr, als die Laufsteg-Schauen ja weniger wurden. Wir stellen die meisten Designpräsentationen nachfolgend vor:

Sminfinity:

Dawid Tomaszewski:

Und Gretel:

Ayede:

Catharina Mende:

Claudia Bertini:

Horror Vacui:

Lara Krude:

Lou de Bertoly:

MCM Worldwide:

Nhu Duong:

Odeeh und Meissener Porzellan:

Phylyda:

Roeckl:

Lala Berlin:

Marina Hoermanseder:

Mykita:

Peter O. Mahler:

Philomena:

Rianna und Nina:

Steinrohner:

Stiebich & Rieth:

Talbot Runhof:

Treuleben:

Unützer:

Werkstätte Carl Auböck:

William Fan:

Working Title:

8 Eden Avenue:

Antonia Zander:

Aoiro:

Belize:

Brachmann:

Gabriele Frant:

I’VR Isabel Vollrath:

Iris von Arnim:

Julia Seemann:

Kathrin Eckhardt:

Strenesse:

König Souvenir:

Dorothee Schumacher:

Allude:

in der Fotoausstellung:

Jan Kath:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Vogelzwitschern, Khaki, sanftes Grün, New Age Sounds – woran denken Sie, wenn Sie in eine solche Atmo eingetaucht werden? Damit ist schon mehr oder weniger deutlich, wohin die Gestaltungsreise mit der Kollektion von Danny Reinke geht. Egal ob man an Urwald oder weite Steppen denkt, Naturerfahrung oder -assoziation bestimmt den künstlerischen Ausdruckswillen – zuvorderst mit der Farbigkeit, die wesentlich von verhaltenen, sehr zarten Nuancierungen von Khaki, Hellgrau, Violett und Grün bestimmt ist und gelegentlich Akzente von Rot und Gras- oder Tannengrün hinzufügt.

Damit zieht sich eine zarte Stimmung durch ein sehr subtiles Naturerleben, das sich nicht konkret in entsprechenden Mustern oder Stilisierungen darstellt, sondern auf rein atmosphärischem Klang der Farbenspiele beruht. Die Formen bzw. Schnitte sind ebenso verhalten, eher verschlossen als lässig, aber mitnichten langweilig. Schlichtes wird durch verhaltene Formspiele und Kontraste individualisiert, auch unaufdringliche Muster führen bei jedem Look zu sehr eigenständigen Variationen. Integrierte Extras wie Schleifen und Gurte bestimmen die Charakteristik ebenfalls.

Sexy kommt die Kollektion eher nicht daher, jedoch ungemein feminin. Das Zarte geht einher mit Blässe, die Schminke ist nude, wie auch die Kollektion vorsichtig in allem dosiert. Aber auch die eher üppige Version mit viel ausladendem Tüll in kräftigem Tannengrün präsentiert sich nicht überspannt, sondern mit der formalen Kombination aus Rechteck und Dreieck ruhig und kontrolliert bewegt. Auch modernere Gestaltungsmittel wie die hohen Röcke oder Shorts mit Aufsätzen oder eingefügten Musterstreifen integrieren sich schlüssig in das Gesamtbild und setzen, ebenso wie die bunten Kniestrümpfe, gelegentlich frische Akzente. Eine sehr überzeugende Realisierung der klassischen Leitidee von Einheit aus Ruhe und Bewegung.

Es war die zweite Schau des Jungdesigners auf der Berliner Fashionweek, und sie positionierte sich sehr klar und auch souverän im großen Kontext der Innovationen. Zurückhaltend ohne Understatement, von subtilem Geschmack und vor allem sehr stimmungsvoll. Im großen Geschrei um Aufmerksamkeit der Auftritte ist Danny Reinkes Kollektion eine eher kontemplative und reich nuancierte Entführung in Natürlichkeit und Unaufdringlichkeit – das Helle und atmosphärisch Klare entspricht einer landschaftlichen Weite, die mehr innere Ungebundenheit vorstellt, als die Neupositionierung gesellschaftlichen Tuns.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

„High and Low, Tag und Nacht“ – die Kombination von Gegensätzen ist ein Schwerpunkt des gestalterischen Willens, der die Arbeiten von Lutz Huelle prägt. Und das schon seit der Labelgründung im Jahr 2000. Seinerzeit war die Verschmelzung von Widersprüchlichem noch ein Geschmackssakrileg, obwohl die Lust darauf sich schon vorher abzeichnete (z.B. Smokingjacke zu Jeans). Die lustvolle Provokation an sich mit dem Herunterbrechen von tradierten Zuordnungen ist natürlich nicht neu – wenn die ungewohnte Kombination jedoch im zweiten Schritt zum beliebten Stilmittel wird, verschwindet das Provokative und es bleibt zunächst der Gedanke des Spannenden – und eventuell des sich ergebenden Neuen.

Das Sampling in der Musik war sicher der erste Ansatz in unserer Gegenwartskultur, der diese neu verstandene Freiheit auf die Tagesordnung setzte und damit nicht unerhebliche Irritationen hervorrief. Dabei war die folgende Urheberschutzdebatte auch hintergründig ein Versuch, gesellschaftliche bzw. kulturelle Positionen nicht über Bord zu werfen und der beliebigen Nutzung zu übergeben. Das ist heute mehr oder weniger Geschichte, der freiheitliche Gedanke hat sich durchgesetzt und findet, etwas zeitverzögert, nun auch seinen Ausdruck in der Mode.

Die Möglichkeiten in diesem Spannungsfeld auszuloten ist also das Konzept- und Gestaltungsprinzip Lutz Huelles, der in Paris lebt und arbeitet und dort längst zur Fashionweek dazu gehört. Nach eigener Aussage geht es ihm weniger um Provokation als vielmehr um interessante Umsetzungen zeitgeistiger Anschauung. Es ist sicher richtig, dass gegenwärtig High und Low, Tag und Nacht und alle möglichen anderen Gegensätze und zuverlässige Zuordnungen in ihren Eigenheiten verschwinden und Raum geben für freie (und beliebige) Entfaltung mit allem, was vorfindlich und machbar ist. Unerwartete Effekte, die so entstehen, sind Qualitäten, die die Spannungsmomente ergänzen, das zeigt die Präsentation der Beispiele in dieser Schau sehr anschaulich. Es sind ungewohnte ästhetische Statements.

Die Einladung Lutz Huelles vom German Fashion Council nach Berlin zu einer Schau in den als zeitgeistig verstandenen Vorzeigeort Berghain kommt darum nicht von ungefähr und demonstriert die Relevanz seiner Gestaltungsposition für die Mode. Er selbst freut sich über diese Zeit-Ort-Event-Kombination, nicht nur weil ihn persönliche Erlebnisse mit Berlin und dem Berghain verbinden und weil er noch nie in Deutschland zeigte.

So führte die Schau eine Zusammenstellung seiner „favorite Looks“ insbesondere aus den letzten zwei Kollektionen vor und man merkte sehr schnell, dass der Designer damit verschiedene, besonders gelungene Ansätze zum selben Leitgedanken demonstrieren wollte.
In Parkas, Sweaters und Denimstücke integrierte Felder aus gestepptem Nylon in Gold und Silber verändern unerwartet das Volumen und fügen Wärmeempfindungen hinzu, auch eingefügte Silberfolien oder Seidenteile führen zu solchen Brechungen und Effekten. Riesige Überstülpungen („Oversleeves“) bewirken Dramatisierung und gleichzeitig die Suggestion von Bewegungsfreiheit, Einsätze von metallischem Jacquard oder auch Wolle verschlanken oder blähen gewohnte Schnittlinien auf. Stofflichkeiten, Muster, Schnitte, kulturelle Bezüge und modegeschichtliche Eigenheiten, möglichst Verschiedenes wird integrativ oder kombinierend – und sich relativierend – miteinander verbunden.

Innovativ ist das Vorgehen schon, auch wenn das radikale Dekonstruktivistische und Konstruktivistische sich mittlerweile auch bei Jungdesignern wie Rushemy Botter wiederfindet und vielerseits Publikumserfolge verbucht. Es erzeugt aber ähnliche Irritationen wie vor hundert Jahren Picassos und Braques konsequent durchgezogener Kubismus in der Kunstwelt und es dürfte spannend werden, ob damit nun ein Umbruch in der Modegeschichte einher gehen wird, vergleichbar wie seinerzeit in der Kunstgeschichte. Und ob die gesuchte „Befreiung“ von gewohnten Zusammenhängen sich mit diesen Mitteln ästhetisch dauerhaft etablieren kann oder ob diese Experimente lediglich einen momentanen Freiheitsgedanken einer jungen Generation repräsentieren.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Mit einer sehr kultivierten Schau demonstriert die Künstlerin bzw. Designerin auch diese Saison wieder eine komplexe und subtile Auseinandersetzung mit einem schillernden Thema, nämlich „Venedig und sein Gesicht“. Das Kultivierte ihrer Transformation in Mode liegt eben darin, dass nicht, wie so oft, die alten Fassaden und Motive einfach als Anschauungs- und (touristische) Sehnsuchtsträger in Form von Printelementen appliziert werden, sondern im Versuch, die atmosphärische Besonderheit und ästhetische Feinheit zu fassen und mit gestalterischen Mitteln zu reflektieren.

Schon das Thema ist schnell sehr komplex, wenn man sich damit beschäftigt, Geschichte, Ästhetik, geografische Besonderheit, spezifische Kultur, Pracht und Glanz, das optische Oszillieren im mediterranen Licht, der morbide Zerfall und nicht zuletzt der architektonische Stil sind Teile eines großen Puzzles der Individualität dieser Stadt, die zu begreifen sind, wenn man das Ganze angemessen erleben und aufbereiten will.

Das „Gefühl von freierem Leben, höherer Existenz, Leichtigkeit und Grazie“ (Goethe), das Venedig vermittelt, soll also die Kollektion heraufbeschwören, und das ist Isabel Vollrath auf faszinierende Weise und sehr poetisch gelungen.

Dabei bedient sie sich nicht nur gestalterischer Zitate sondern nutzt ein großes Gestaltungspotential, stets ohne zu dick aufzutragen. Zarte und lichte Farbigkeit, ausgehend von Weiß und Transparenz, immer nuanciert und zurückhaltend eingesetzt, lokal beobachtet und transzendiert (auch Gold, Kupfer, Orange und Erdtöne), bestimmt die atmosphärische Leichtigkeit der Stücke, kräftigere Farbgebungen sind den lokalen Erscheinungen entlehnt. Das gotische Maßwerk der Architektur, an sich schon sehr feingliedriger ästhetischer Ausdruck, ist übertragen in minimalisierte, computerisierte feine Linienmuster (reduziert auf Säulen, Spitzbögen, Vierpässe und schmale Gitter), die mal vorsichtig den Gewebeglanz strukturieren, mal etwas pointierter die Oberfläche besetzen. Schlicht aufscheinend oder mehrfach übereinander gedruckt suggerieren diese Muster die repräsentative Oberflächenprägung der Stadt auf der Kleidung.

Die Stoffe, oft zart, schimmernd und edel (z.B. Wildseide, Seidenorganza, Gaze) sind meist dünn und fein in ihrer haptischen Wirkung und eher dann etwas fester, wenn der Oberflächenpracht gehuldigt oder durch komplizierte Fältelungen Kraftvolles wieder differenziert wird. Isabel Vollrath liebt raffinierte Fältelungen, auch dabei hat sie sich manchmal der Vorbilder aus Spätgotik und Renaissance bedient, also eher klar strukturierend und die Oberfläche öffnend (Fältelungen, Biesen, Plissées) oder als Kontrapunkt zu den geradlinigen Korsagen. Mit großen Faltenbewegungen erzielt Isabel Vollrath aber auch üppige Formgebung, die von Körpernähe bis zu körperunabhängigen Ausbuchtungen Inspirationen und Ideen durchspielt und dabei gelegentlich andere modehistorische Zitate nutzt, die sich locker von der eher strengen Renaissance entfernen (zum Beispiel die Krinoline). Dabei folgt sie ihrer grundlegenden Lust am skulpturalen Spiel mit neu organisierenden Volumen bzw. Plastizitäten.

Hinzu fügt die Designerin elegante, der Historie entlehnte  Modeelemente, Puffärmel oder lange, schmale Manschetten, Korsagen, Stehkrägen und zitiert Proportionen bzw. Gestaltideale (Taille, Rücken-Hals etc.), wie sie en vogue waren. Sogar ein sakral anmutendes Kleid ist dabei. Von Schleifen hat sich Isabel Vollrath noch nicht ganz verabschiedet, sie sind nach wie vor ihre Option auf gestalterische Akzente.

All das fügt sie mutig und subtil zu stimmigen und durchaus „modernen“ Erscheinungsbildern zusammen, mehr bestimmt von der sich ergebenden grazilen Ausstrahlung als vom Zitat, das darin aufgeht und vom präzisen Handwerk, das selbstredend Teil der ästhetischen Vorstellung ist.

Sie schaut genau hin, was die historischen Qualitäten und Eigenheiten angeht, lässt sich tragen von den atmosphärischen Reizen und überträgt sie in eine moderne, freie Gestaltung, die das vermittelt, ohne plakativ-historisierend daherzukommen. Dass diesem Empfinden eine klassische Zeitlosigkeit zugehört, hat Isabel Vollrath mit ihrer Kollektion nicht nur bewiesen, sondern sie verpasst damit unseren eher groben optischen Realitäten eine subtile Infusion verfeinerten Geschmacks, und das auf ganz zeitgemäße und letztlich eher künstlerische Weise.

Anmerkung: Isabel Vollrath hat einen von Projekt Zukunft geförderten Fashionshow-Slot auf der MBFW gewonnen.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Zur Vorstellung ihrer neuen „collection №13″ für den Sommer und das Frühjahr 2019 hat Ewa Herzog in den Showroom ihres Ateliers eingeladen. Bei wundervollem Wetter in Berlin-Wilmersdorf stellte sich eine ruhige und familiär freundliche Atmosphäre ein, die Charme vermittelte und einen offenen Austausch ermöglichte. Diese Stimmung machte den Besuch der Präsentation sehr angenehm und ermöglichte eine intensivere Auseinandersetzung mit den neuen Entwürfen, als es eine klassische Modenschau geboten hätte.

Wer wie wir bereits die Kollektionen der letzten Saisons schätzt, wird auch diese Kollektion sehr ansprechend finden. Die grundsolide Umsetzung, das Handwerk und die dezente und stilvolle Weiblichkeit und Eleganz kann nach wie vor überzeugen. Den klassischen Farben bleibt Ewa Herzog treu – Weiß, Schwarz und weiche, oft leicht pastell wirkende Töne und ein kräftiges Blau bei einem Kleid bieten hinreichend Abwechslung.

Prägend sind wieder fein verarbeitete Spitzen und Volants. Bei einigen Kleidern wurde unter die Spitze hautfarbene Transparenz eingebracht, was die elegante Wirkung keineswegs beeinträchtigt.  Auch abseits des roten Teppichs kommen die Kleider stilvoll zur Geltung. Bei Abendanlässen oder „Events“ genauso wie bei persönlichen Anlässen bereiten sie sicher Freude. Speziell die Kleider in Hellblau, Ocker, Rosé und die Kombinationen von Weiß mit blauen Applikationen und Ornamentik laden dazu ein, bei Sommerfesten, beim Flanieren in der Stadt, und sogar an der Arbeit getragen zu werden. Denn auch bei den Längen und Volumen bietet diese Kollektion zahlreiche Variationen. Sogar eine kecke Short fügt sich stilistisch gut in ein Gestaltungskonzept ein, das Extravaganz mit Alltag verknüpfen will.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Tüll, vorwiegend in Rosa, Herzchen und Rüschen bestimmen den wesentlichen Teil der aktuellen Kollektion von Marina Hoermanseder. Das Défilé ist eine romantische Reise durch ein Traumland – manchmal dezent, manchmal recht heftig geht es durch Las Vegas oder Barbie-Land, durch Alices Welt oder landet auf dem Jahrmarkt. Süße Bonbons, Pralinen oder bezaubernde Törtchen aus der Confiserie gibt es auf den Weg der Sweetness. Kindlich ist es nicht, dieses flirrende Panoptikum in sommerlichen Tagen, es ist eher eine sehnsüchtige Romantik, die manche Frauen nie verlässt.

Auch wenn es auf den ersten Blick so scheinen könnte, ganz aus der Zeit gefallen ist dieser ästhetische Ansatz nicht, aus der Realität wohl schon. Zartes und Verträumtes sahen wir oft auf den Schauen dieser Saison, und einen gewissen Eskapismus kann man uns in dieser etwas rauer gewordenen Wirklichkeit nicht verdenken. Erwachsen ist es durchaus auch, denn nicht zuletzt hat Marina Hoermanseder neben ihrem romantischen Sinn auch ein wundervolles Gespür für Sexyness. Schnitte und Gestalt ihrer kurzen Röcke zum Beispiel haben immer noch atemberaubende Ausstrahlung und die festen Leder-Corsagen formen stets ideale Oberkörper. Das wird jetzt etwas verspielter gebrochen mit dem Tüll und leichten Zugaben, aber noch nicht so weit, dass die rasante Anmutung verloren ginge: das schwarze Rüstungs-Outfit aus Corsage und Tüll ist wohl das am überzeugendsten gelungene Experiment.

Die Kollektion kommt (dank Thema) einheitlicher daher und verzichtet auf diverse Ausflüge in andere Gefilde (z. B. Streetwear), wie Marina Hoermanseder sie bei der vorangegangenen Schau vorführte, und wir vermissen die nicht, auch wenn sie gelungen gemacht waren. Teil des Experiments ist es wohl auch, das Spielerische elegant zu machen und umgekehrt. Im Ansatz zeigte sie dieses Streben schon früher, aber es ist um so mehr ein schwieriger Balanceakt, als dabei nun an der Grenze zum Kitsch balanciert wird. Unsere Redaktion war sich spontan nicht so ganz einig im Urteil, ich finde aber, dass Marina Hoermanseder auf genügend Geschmackssicherheit bauen konnte, eine solche Traumreise zu wagen und dass stellenweise Überpointiertes durchaus auch ironisch gesehen werden konnte.

Die Lust auf Disco-Shine ist geblieben und bei vielen Stücken subtiler konzipiert als zuvor. Die Hoermansederschen Schnallen sind jetzt schmal und filigran wie schöne Uhrarmbänder und finden wieder geschickte Gestaltungsmöglichkeiten zwischen offen und geschlossen. Die Power-Bustiers gibt es noch immer, meistens aber auch etwas weicher. Und während die großen, an die 60s erinnernden Muster ein wenig aus der Linie herauszufallen schienen, war dann der Transparentlook am Schluss ein kleines Wagnis im vertrauten Style, das wunderbar leicht, sexy und bezaubernd das Defilé abschließen konnte. Anderen Experimenten, von konventionellen Zutaten bis zu schier unmöglichem Ganzen, wurde weiter eine Chance gegeben und damit werden über die letzten Jahre aufgebaute Erwartungen eingelöst. Nicht zuletzt ist sie darin auch am besten.

Alles in allem ein etwas mutiges Unterfangen mit den romatischen Traumwelten, aber sympathisch und konzentrierter orientiert als zuvor. Bleibt abzuwarten, wie die große Fanschaft reagieren wird.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mode darf Spaß machen und trotzdem eine politische Meinung ausdrücken. Rushemy-Botter und Lisi Herrebrugh haben wir dieses Jahr bereits in Hyères kennen lernen dürfen. Wer dort Punkten kann, kann es auch in Berlin – sollte man denken.

Zum ersten Mal wurde die Kollektion „Al Fombra“ auf den Laufsteg in Berlin gebracht, die gemischt wurde mit Looks aus der in Hyères preisgekrönten Kollektion „Fish or Fight“. Stilistisch bricht dadurch das Gefüge nicht auseinander, macht es aber etwas schwerer einen differenzierten Blick auf das junge Schaffen zu werfen. Bei „Fish or Fight“ war das Statement noch das (verkürzt) karibische Fischer ihre Existenzgrundlage verloren hätten. Botter und Herrebrugh haben karibische Wurzeln und die neuen Looks sollen auf Losbuden in der Dominikanischen Republik und auf Curaçao verweisen, die keine Gewinne auszahlen würden und ein Magnet für die Sehnsüchte vieler Menschen seien, ihrem Schicksal und der Armut zu entfliehen – bunt, luftig frisch und verspielt – dennoch eine Lebensfreude und ein Bejahen, dem zu entfliehen die fremde, uns aber näher liegende Sehnsucht entgegensteht, Lebendigkeit aufzusaugen.

Ja, auch die neuen Looks haben etwas dekonstruktives, aber fallen nicht so extrem wie die vorhergegangenen Kreationen aus. Große Volumen, Schwung und Farbe darf ebenso sein, wie Asymmetrie. Die Hüften und Taillen bei den Damenlooks sind betont, ebenso die Schultervolumen bei den Herren. Zwischen den verwendeten Materialien entstehen Spannungen und Dynamiken. Gerade die massiven Volumen bei den Herrenjacken können befremden. Sie verlieren aber nie den Bezug zum gesamten Erscheinungsbild. Gerade auch wenn die beiden unterschiedlichen Themen ganz klar zu erkennen sind. Sie gehören dennoch zusammen. Die freudige Farbpalette spiegelt genau das Licht der Karibik wieder, nach welcher sich in Europa gesehnt wird. Eine sympathische Wärme kommt den Betrachtenden entgegen und kann vereinnahmen, auch wenn die Kollektion noch nicht wirklich umfassend ist und die thematischen Ansätze weiter differenziert werden könnten. Aber allein die Fragmente machen eben den zu Beginn erwähnten Spaß aus, den Mode vermitteln kann und soll. Jedenfalls ist mit den beiden Niederländern auch in der Zukunft sicher noch zu rechnen und man wünscht dem Paar viel Erfolg und viele spannende Erfahrungen auf dem modischen Weg.

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Präsentation der Analyseergebnisse: Lotte Schuurmann

Diskussion: Tony Tonnaer, Daniel Luger, Vera Köppen

Moderation: Jana Kern

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Auf der Fashion Week präsentiert sich die nachhaltige Mode auf verschiedenen, eigenständigen Ebenen (unter anderem: Green Showroom / Ethical Fashion Show ) an eigenständigem Ort (Kraftwerk). Dafür haben sie in dieser Saison mit ausgedehnter PR-Arbeit besondere Anstrengungen unternommen, dieses Modesegment der Öffentlichkeit nahe zu bringen. Die Pressekonferenz der Fair Wear Foundation engagierte sich beispielsweise besonders, viele Journalisten für ihre Veranstaltung zu gewinnen.

Andere Konferenzen auf der Fashion Week könnten sich hieran ein positives Beispiel nehmen. Irritierend ist zum Beispiel, dass der Veranstalter der ZEIT-magazin – Vogue – Konferenz (Convent Kongresse), die ebenfalls Mode im gesellschaftlichen Kontext kritisch beleuchtet, von Journalisten einen Anwesenheitsbeitrag von 100€ einfordert. Der Selbstanspruch gesellschaftlich relevant wirken zu wollen erscheint uns damit nicht überzeugend.

Dieses gesellschaftliche Anliegen wird von der Fair Wear Foundation dagegen überzeugend dargelegt. Sie agiert seit rund fünf Jahren, ist unabhängig, eine Non-Profit-Stiftung und in elf Ländern aktiv, darunter Indien, Indonesien, Myanmar und Bangladesch. Aktuelle Schwerpunkte sind sind Aktivitäten in der gesamten Herstellungs- und Vertriebskette. Damit versucht die Stiftung die Verantwortungen in dem komplexen und zum Teil undurchsichtigen System herauszuarbeiten. Es ist ihr gesellschaftspolitischer Anspruch, dies transparent zu machen.Außerdem hat sie es sich zur Aufgabe gemacht, neben der Überprüfung von allen Abläufen auch Business und Know-How zu vermitteln.

Zur Zeit vereint die Fair Wear Foundation 130 Marken aus zehn europäischen Ländern als Mitglieder. Im einleitenden Bericht zur Pressekonferenz beschreibt ihre Sprecherin  die Bilanz der Evaluierungen seit 2011 als positiv. Dennoch sei es problematisch, ein 100%-Fair-Siegel zu vergeben, das heißt mit Garantien für faire Abläufe gerade zu stehen.

Faire Bekleidung bedeutet nicht unbedingt, dass die Materialen allein einem definierten ökologischen Standard entsprechen. Nachhaltigkeit hat weitere Aspekte und Facetten. Mindestens genauso wichtig wie eine ökologische Produktion von Textilien ist, dass die Produkte im ersten Schritt fair und vielleicht in einem weiteren Schritt dem Gemeinwohl dienend hergestellt und vertrieben werden. Die Fair Wear Foundation stellte sich in der Pressekonferenz und Diskussionsrunde zusammen mit drei teilnehmenden Unternehmen dem Diskurs und bot Erfahrungen und Ansichten aus erster Hand. Die unternehmerische Motivation, sich einem Prozess zu unterwerfen, der transparent und auch kritisch die gesamte Produktionskette unter die Lupe nimmt, kann schon sehr unterschiedlich sein.  Dabei zeigen sich Defizite, aber auch Potentiale. Ethische Überzeugungen und der Wille, ein in allen Aspekten hochwertiges Produkt anbieten zu können, schließen sich hierbei nicht aus. Auch die Annahme, schlussendlich (bewusst, oder unbewusst) habe der Endverbraucher die Entscheidungs- bzw. Marktmacht, bleibt gegenwärtig.

Spannend ist die Erkenntnis, dass es sowohl für den Verbraucher, aber auch für die Marke an sich in keiner Weise per se überschaubar ist, wie sich die Produktionskette gestaltet und in der Tiefe der Komplexität verzweigt. Die Herausforderungen sind vielschichtig. Es geht darum, grundlegend nachhaltige Praktiken bei allen Schritten der Herstellung und des Vertriebs zu berücksichtigen. Im sogenannten Perfoming Check der Fair Wear Foundation ( FWF) werden rund vierzig Indikatoren herangezogen um diese Evaluation unternehmerischen Handelns und Produzierens zu gewährleisten und Defizite wie auch positive Entwicklungen aufzudecken. Vieles dreht sich dabei darum, gerechte Löhne und Arbeitsbedingungen zu gewährleisten. So könnte zum Beispiel schon eine gute und zeitnahe Planung sicher stellen, dass durch Termindruck nicht regelmäßig in den Fabriken bis zu 16 Stunden am Tag für Arbeiterinnen und Arbeiter anfallen. Dabei muss sich vor Augen gehalten werden, dass die Lohnkosten in den Fabriken teilweise nur im unteren einstelligen Prozentbereich der Gesamtkosten bei der Herstellung eines Kleidungsstückes anzusiedeln sind – Mindestlöhne und existenzsichernde Löhne sind bei weitem nicht die Regel und können auch nur sehr schwer überprüft werden. Eine Zusammenarbeit mit regionalen Gewerkschaften ist deshalb für die FWF sehr wichtig. Kinderarbeit und Sklaverei sollten in unserem Jahrhundert eigentlich kein Thema mehr sein. Wichtig ist aber auch die Erkenntnis, dass selbst nachhaltig ausgerichtete Unternehmen eine gewisse Marktmacht bei ihren Bezugsquellen und in den Fabriken benötigen um wirklich entscheidend darauf einwirken zu können die Arbeitsbedingungen real zu verbessern. Die FWF geht dabei davon aus, dass der Schwellenwert bei etwa 10% liegt. Stellt die Produktion für eine Marke rund 10% der Produktionskapazität einer Fabrik dar, so kann davon ausgegangen werden, dass diese Marke tatsächlich bereits Einfluss auf die Arbeitsbedingungen nehmen kann. Wichtig ist deshalb die Fluktuation von Bezugsquellen zu durchbrechen und langfristig nicht immer wieder wechselnd andere Fabriken als Produzenten zu haben und so zu einer stabilen Produktionskette zu kommen. Die Übersicht zu behalten ist herausfordernd. Eine Lösung muss sein, regelmäßig vor Ort zu sein und die Produktionsbedingungen in den Fabriken, Wäschereien, Färbereien, Webereien und so weiter direkt im Auge zu behalten.

Produktionsstätten in Fernost erfordern darüber hinaus wesentlich mehr Reiseaufwand, als Produktionsstätten in Ländern, die an Europa angrenzen, zum Beispiel der Türkei, eines von dreien exemplarischen Ländern, das neben China und Indien aktuell mit spezifischen Problemen im Fokus steht. Während es in der Türkei Kinderarbeit ist, welche durch den Zustrom von Flüchtlingen aus Syrien in den tieferen Segmenten der Produktionskette sogar zugenommen hat, ist zum Beispiel in Indien die verbreitete sexuelle Belästigung von Frauen weiterhin ein gravierendes Thema. In China, dem immer noch größten Exporteur von Bekleidung weltweit, sieht die FWF den Schwerpunkt auf übermäßigen Überstunden durch Termindruck und fehlenden Arbeitskräften in der Produktion.

Insgesamt ist es deshalb auch konsequent, nicht von einer 100%-igen Transparenz und Umsetzung auszugehen, sondern programmatisch darauf zu setzen, dass eine stetige Verbesserung stattfindet und sich die bei der FWF teilnehmenden Marken kontinuierlich verbessern und auch lernen, ihre eigenen Abläufe im Detail zu kennen. So hätten im Jahre 2017 87% der teilnehmenden ihre Produktion überprüft und 78% die Produktionsstandorte besucht. In Bezug auf Mindestlöhne hätten nach der FWF 97% der Marken eine Preispolitik, die es ermöglichen würde Mindestlöhne zu bezahlen. Mindestlöhen in diesen Ländern darf man aber nicht mit existenzsichernden Löhnen vergleichen. Hier geht die FWF von einer Rate von nur 44% bei den Anstrengungen dafür zu sorgen aus, dass in den Fabriken auch existenzsichernde Löhne bezahlt werden. Das klingt angesichts des geringen Umfanges des Kostenanteils am Endpreis nicht ermutigend und zeigt, dass noch viel Potential brach liegt – und erschreckt darüber, wie diese Quote wohl bei nicht teilnemenden Marken aussehen mag. Von Volumenhändlern und –marken mal ganz abgesehen. Positiv muss man aber festhalten, es gibt Möglichkeiten für Marken bewusster zu handeln und bei diesen Prozessen begleitet zu werden. Wenn nun auch der Endverbraucher bewusster handeln und nachfragen würde, könnte für das weltweite Gemeinwohl noch viel erreicht werden.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Zitronengelb ist schon die Farbe der Eintrittskarten, Reservierungen, Giftbags und der großen Laufsteg-Kulisse: Lena Hoschek denkt gesamtkonzeptionell und stets erfrischend. Tropische Flora und Fauna, Früchte und Bestiarium sind dieses Mal ihr Thema.  Aus solchen optischen Signalen und Assoziationen entwickelt sie Prints in Kombination mit ihrem umfassenden Schnittknowhow in unzähligen Varianten. Nicht nur dank entsprechender Musikbegleitung stellt sich exotisches Feeling ein. Ihren sehr direkten Focus auf 50s-Lifestyle und Ästhetik hat die Designerin ohnehin seit einigen Saisons sehr gelockert, diese Leidenschaft schwingt nur noch lose mit. Auch der furiose Verve ihrer Anfangsperiode ist einer Mischung aus Solidität und Frische gewichen, wie auch ihre kommerziellen Anfangsexperimente von einem soliden Geschäftsmodell abgelöst wurden.

Gleichwohl, Witz und Esprit blitzen noch gelegentlich auf und man findet, abgesehen vom Thematischen, immer noch gute neue Einfälle, zum Beispiel bei den Accessoires. Auch die klassisch-bürgerlichen Kleidungsstücke aus dem konventionellen Gestaltungsfundus sind zwar noch ausreichend vertreten, fallen aber weniger unangenehm auf als früher. Stattdessen ist ihr wieder ein Potpurri der guten Laune gelungen mit sehr frischer und sommerlicher Farbgebung und reizvollen Mustern. Der Hang zu österreichischer Folklore erscheint deutlich gemäßigter als gewohnt und ist eigentlich nur noch im Hoschekschen Schnittkanon zu finden. Stattdessen zeigt sie auch Inspirationen aus Afrika, Südamerika und Spanien.

Wie so oft ist die neue Kollektion von Lena Hoschek geprägt von Lebensfreude und positiver Kreativität, farbenfroh und freundlich, und sogar die Modelle durften wieder mit charmantem Habitus auftreten – lachen, schäkern und tanzen. Letzteres hoffentlich ein Signal an viele andere Designer, bei denen gewohnheitsmäßig Blässe, Trockenheit und Distanziertheit die Regel des Modelhabitus sein sollen.

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