Text & Bilder: Boris Marberg

Seit 1997 ist der ukrainische Designer Viktor Anisimov mit seinem gleichnamigen Label tätig und hat sich kontinuierlich auf Herrenmode spezialisiert, was ihn nicht davon abhält, auch immer wieder Damen-Looks in die Kollektion aufzunehmen. In Berlin präsentierte er seine neue Kollektion für den Sommer 2026 in der Galerie Feuerle Collection, einem massiven Telekommunikationsbunker des Zweiten Weltkriegs. Das passt – dazu aber später.
Wenn man sich mit den letzten Kollektionen von Anisimov auseinandersetzt, wird eine klare und konsequente Linie und Thematik seines Schaffens deutlich: Funktionalität und Adaptierbarkeit. Seine Kollektionen tragen mal Titel mit aktuellem Bezug zur Lebensrealität des Designers, oft aber nur die konkrete Zuordnung zu einer allgemeinen Modesaison. Die 36 Looks umfassende Sommerkollektion für 2026 sei demnach von der Arbeit des Designers zu einem minimalistischen Garderobenkonzept für Präsident Volodymyr Zelenskyy abgeleitet.

Da schwingt die Provokation gegenüber Zelenskyy und Herabsetzung „Why don’t you wear a suit“ im Oval Office von Brian Glenn, einem US-amerikanischen, rechtskonservativen Journalisten, mit – Ehemann der ebenfalls rechtskonservativen US-Abgeordneten Marjorie Taylor Greene. Eine Inszenierung, die aber in Bezug auf Mode aus der Ukraine im zeitgenössischen Kontext fehlgeht und schlussendlich nur ein Anknüpfungspunkt ist, sich mit dieser aktuellen Mode aus der Ukraine und dem politischen Kontext auseinanderzusetzen.
Weder ist der ukrainische Präsident Volodymyr Zelenskyy ein Modemuffel, noch ist Viktor Anisimovs Mode reine funktionale Streetwear. Dies alles muss im entsprechenden Kontext gesehen werden und ist ein klares gesellschaftliches und auch politisches Statement.

Die Inszenierung im Bunker deutet den täglichen Beschuss der Heimat an – den russischen Terror gegen die Zivilgesellschaft – und das sich-dem-Entgegenstellen, Hoffnung schöpfen und weiter wehrhaft zu sein, um zu leben. Aber auch funktional angepasst sein an die täglichen Herausforderungen.

Die jeweiligen Looks sind nicht zwingend als feste Einheiten zu interpretieren. Die Einzelstücke können aus den kreierten Looks herausgelöst werden und frei mit anderer Bekleidung kombiniert werden. Es wird geschichtet, gewickelt und dekonstruiert in dieser Kollektion. Die Volumen spielen bei der Gestaltung nicht wirklich eine zentrale Rolle, ebenso wenig die meist vertikal orientierten Silhouetten.

Das meiste der Kleidung fällt locker und bietet Bewegungsfreiheit, und man sieht die Leichtigkeit der Materialien ebenso wie deren haptische Robustheit. Einundzwanzig der präsentierten Looks werden von weiblich gelesenen Modellen präsentiert – viel für ein sich auf Männermode ausgerichtetes Label.
Im urbanen Kontext gesehen könnten aber auch viele der Looks als Unisex bezeichnet werden, und es wäre spannend, wie dann die Wirkung ist oder ob die Looks dann deplatziert sind.
Das durchgehende Schwarz der Kollektion steht ohnehin für sich und eine Distanzierung der tragenden Person von ihrer Umwelt. Das mag mal neutral interpretiert sein, einem Formalismus folgend, ist aber auch nicht zwingend. Vielmehr ist das konventionell in der zeitgenössischen Mode und nicht designerspezifisch zu werten. In der Vergangenheit hat Viktor Anisimov auch schon kräftigere Farben genutzt.

The post Viktoranisimov – „Why don’t you wear a suit“ appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

Die Präsentation von Irina Dzhus‘ neuer Kollektion regt dazu an, sich mit grundsätzlichen Fragen auseinanderzusetzen, die sich mit dem Werk, dem zu vermittelnden Inhalt, der Künstlerin selbst und dem gesellschaftlichen Umfeld, in welchem diese Kunst stattfindet, aufkommen.

In Bezug auf das modische Werk folgt die Kollektion technisch, wie auch in Bezug auf die reine Präsentation, dem Muster der vorangegangenen Kollektionen. Das Grundkonzept der Wandelbarkeit und Veränderung der Looks während der Präsentation ist das modische Wesensmerkmal. Mit dem Krieg gegen die Ukraine ist Irina Dzhus in Berlin angekommen. Die Heimat verlassen zu müssen hat selbstverständlich einen großen emotionalen Einfluss auf das Wirken der Künstlerin. Ihrer Linie ist sie gestalterisch und technisch indes treu geblieben, eine Zäsur zu ihrer Mode vor 2022 ist nicht sichtbar.

Betrachtet man den gesamten Kontext – also Künstlerin, Werk und Rahmenbedingungen – wird klar, dass das Werk von Irina Dzhus weiter als die eigentliche Modeschöpfung gehen soll und die Kleider im Zusammenspiel mit der Performance als Gesamtwerk zu betrachten sind. Dies wird insbesondre deutlich, wenn man berücksichtigt, dass das gesprochene Worte während der Performance, wie auch alle anderen Texte die zur Verfügung gestellt werden, mit zu berücksichtigen sind (Pressemitteilungen, Blogeinträge auf der Homepage, Beschreibungen von Kooperationen, Interviews u.a.). Was Irina Dzhus während der Performance gesprochen hat, stand nur in der Muttersprache zur Verfügung und ist damit an das entsprechend sprachkundige Publikum gerichtet.

Inhaltlich soll die Kollektion und die Performance eine Auseinandersetzung mit Utopie-Gedanken sein und sich mit kollektiven, spirituellen und emotionalen Quellen für utopische Sehnsüchte, wie zum Beispiel Heimat auseinandersetzen. Zurückgegriffen wird auf jüdische Mystik und Zahlenmystik, die als „Kabbala“ allgemein aus einer esoterischen, theosophisch motivierten Bewegung stammt.
Neben dem Tierschutz als Grundthema, der sich in Dzhus Werk immer wieder als Anliegen findet, kann man das Thema „Heimat“ sehr wohl auch als eine Reflektion der individuellen Situation der Designerin sehen, die ihr künstlerisches Wirken nun außerhalb der Ukraine praktiziert. Sie steht, nach eigener Auskunft, in einem Prozess der Bewältigung persönlicher Traumata. Betitelt wurde die Kollektion mit dem Begriff „Anticon“, der überwiegend für „anti-conventional“, beziehungsweise „anti-conformity“ im Amerikanischen verwendet wird. Der Titel kann entsprechend als widersprüchlich zu der der Kollektion zugrundeliegenden Idee einer kollektiven Utopie gesehen werden. Sich und sein Wirken so zu verstehen, dass man eine Position gegen Konventionen und Konformität bezieht, ist heutzutage in unserer pluralistisch bis hin zur von Beliebigkeit geprägten Gesellschaft nichts Besonderes mehr. In der vielfach als wertkonservativer wahrgenommenen Ukraine mag der sozio-kulturelle Kontext anders interpretierbar sein.

Hinsichtlich der gebotenen Performance erscheinen die vielen symbolischen und textgeprägten Elemente, die Aktion und die Zeichen, für hiesiges Publikum in vielem unverständlich. Der zur Verfügung gestellte Pressetext (nur für die Presse) dazu holt in viele Richtungen erklärend aus, um trotzdem wesentliche Aspekte der Performance am gewählten Ort verständlich zu machen. Das betrifft über die oben beschriebene Konstellation hinaus auch religiöse Verweise und den Bezug zur Kabbala – was wir hier nicht alles wiederholen wollen.

Unsere Gesellschaft hat sich dazu entschieden, Künstlerinnen und Künstlern aus der Ukraine Möglichkeiten zu bieten, ihr Wirken und Werk weiterzuführen und aufrecht zu erhalten. Dabei spielt der Gedanke eine Rolle, dass die kulturelle Identität der ukrainischen Gesellschaft gesichert werden soll, dass Räume für die Weiterentwicklung entstehen, um in Zukunft in der Ukraine Anknüpfungspunkte zu ermöglichen, so dass Protagonisten dort wieder fortgesetzt tätig sein können. Dies wird unter anderem finanziell vom Senat Berlin gefördert und Irina Dzhus ist eine der geförderten Künstlerinnen.

The post DZHUS – Anticon appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Trauer und Schmerz haben den Entstehungsprozess der neuen Kollektion des Ukrainers Mitya Hontarenko geprägt. Die Stadt Berlin wurde dem Designer mittlerweile zu einem vertrauten Zuhause, auch wenn die Gedanken oft vom Krieg in der Heimat geprägt sind. Es ist das zweite Mal, dass das 2021 gegründete Label seine Arbeit im Rahmen der Modewoche in Berlin präsentierte.

Stilistisch kommt die Kollektion zunächst sportlich, erfrischend peppig und urban daher. Die Looks wirken frech und kokettieren gut mit dem Credo Upcycling, einem der Fundamente der Marke. So bunt wie zuletzt ist die Farbpalette nicht mehr, sie ist ernster, gedeckter und reifer, spiegelt eine Bedrücktheit wider, die authentisch nachvollziehbar ist aber auch trotzige Töne hat.

Es gibt viele gedankliche Bezüge zum Krieg. Kompressionsanzüge lehnen sich an funktionelle militärische Kleidung an. Oberflächen werden aufgebrochen und mit reliefartigen Strukturen versehen. Fransen setzen Akzente und lockern die Silhouetten auf. Fast bockig wird neben Lebendigkeit auch die Wehrhaftigkeit gestellt, die aber auch offen ist für Verletzungen, die sichtlich gezeigt werden. Zwei der präsentierenden Protagonisten gehen mit Beinprothesen über den Laufsteg. Banner werden präsentiert. Das Statement ist klar: Russland ist ein Terrorstaat. Für Außenstehende sind solche ästhetischen Formulierungen in der Mode bedrückend und erscheinen in der hippen Stadt, die sich gerne feiert, befremdend, wenn auch nicht mehr so sehr wie zu Beginn 2022. Der 1. Juli ist Tag 859 des Krieges, der Zerstörung und des Leides. Kunst, Kreativität und Mode stellen sich dem hier entgegen.

Das Reha-Zentrum „Unbroken“ in Lwiw wird in den Nachrichten immer mal wieder thematisiert. Versehrung wird zusehend diese Gesellschaft prägen. Dies wird in dieser Kollektion auf verschiedene Weise angesprochen. Man erinnert sich an Kunst der 1920er Jahre in Deutschland, wo diese Thematik vielfach aufgegriffen wurde – zum Beispiel im Dadaismus.

In welche Richtung sich Mitya Hontarenko stilistisch entwickeln wird, wird sich noch zeigen. Die Herausforderungen sind gesellschaftlich groß und werden Ausdauer abverlangen. Man lebt!

The post PLNGNS – Sneaker Riot appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Label PLNGNS (Palingenesy) des Designers Mitya Hontarenko aus Kiev hat sich zuvor ausschließlich mit Schuhen beschäftigt und lanciert nun seine erste Total-Look Kollektion. Die Erweiterung bleibt schlüssig, denn Ästhetik und die Wiederverwendung von entsprechenden Materialien sind gleich geblieben.

Der Ansatz, gebrauchte Kleidung analytisch in kleine Elemente zu zerlegen und diese anschließend zu einer neuen Gestalt aufzubauen – das heißt zusammenzunähen – ist ein pfiffiges, aber auch aufwendiges Gestaltungsprinzip und emanzipiert sich, wenn es strategisch zielgerichtet genutzt wird, entschieden von dem Patchwork der Hippie-Ära. Es ist eher eine geplante Collage. Denn der Zufall spielt eher eine sehr nachgeordnete Rolle, umso mehr, als eine eigene Ästhetik des Erscheinungsbildes zu einem unverwechselbaren Style führt. Es versteht sich von selbst, dass jedes Teil ein Unikat ist und das mit umso aufwändigerer Schneiderarbeit, je kleiner die Einzelteile sind und je exzentrischer ihre Form ist.  „Es ist Kunst, die man tragen kann“, sagt Mitya Hontarenko – zumindestens sind die Verfahren ihr entlehnt und der Aufwand tendiert zu Haute Couture.

Mit dem Verfahren entstehen aus alten Sneakern, Turnschuhen, Stiefeln und diversen gebrauchten Kleidungsstücken neue Schuhe, Jacken, Hosen und Caps – das ist das ökologische Prinzip und die gestalterische und handwerkliche Herausforderung, bei der schon mit Blick auf Details eine beeindruckende Faszination erzielt wird (siehe auch hier):

Entscheidender aber ist dann das Ganze, nämlich wie die Gesamterscheinung daher kommt, und die ist, wie gesagt, alles andere als beliebig. Grundlegend ist die allgemeine Ästhetik von (Turn-)schuhdesign, die sich im Laufe der letzten Jahre ausgeprägt und spezifiziert verselbständigt hat, bis hin zu Sammler- und Künstlerexemplaren. Unter modebewußten Konsumenten hat sie bekanntlich große Aufmerksamkeit und ein eigenes, sehr differenzierendes Stilverständnis etabliert. Mitya Hontarenko erweitert dieses bislang eher für sich agierende Genre auf einen Style für die Gesamtkleidung. Auch da, wo die Elemente ihre Herkunft nicht verraten, werden sie so zurechtgeschnitten und so ins Ganze eingefügt, dass die optische Referenz Schuh als Dekor sichtbar wird und sogar im Gesamtschnitt zumindestens eine Anlehnung daran erkennbar ist. Die Kollektion zeigt sehr verschieden gestaltete Erscheinungsbilder dieser Leitidee, abgesehen von den Sturmhauben, die vielleicht als Acessoire so etwas wie zusätzlichen Vollschutz symbolisieren.

Man kann diese Kollektion durchaus als ein Statement beziehungsweise Beitrag verstehen, wie das nachhaltige Upcycling-Verfahren zu ästhetisch anspruchsvoller und sehr zeitgemäßer Mode geführt werden kann. Hinzu kommt der Anspruch des Designers „Mir ist es wichtig, dass jedes Kleidungsstück anders und einzigartig ist.“ Inwieweit all das vom teuren, aufwändigen Unikat in industrielle Fertigung übertragen werden könnte, ist noch offen, der Auftrag an die Industrie, hier Lösungen zu finden, wird zunehmend dringlicher werden. Die Designer machen jedenfalls ihre Arbeit – und das inzwischen richtig gut.

The post PLNGNS – Ain’t it different? appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Zehn Outfits in knapp 30 Minuten – das war vielleicht die slowest Fashion Show ever. Eine recht deprimierende Veranstaltung mit sehr langsamen Bewegungen, gleichmäßig dahinplätscherndem Text als Begleitsound und durchweg ernsten Gesichtern. Das ursprünglich ukrainische Konzeptlabel (jetzt ansaässig in Berlin) der Designerin Irina Dzhus ist im wesentlichen ökologisch geprägt und versucht der nachhaltigen Garderobe größtmögliche Wandlungsfähigkeit auf den Weg zu geben.

Bisher war das bei allen Outfits so und das vollzog sich gleichzeitig in einer atemberaubenden, skulpturalen Kreativität, so dass der überraschende Effekt der Verwandlung auf der Bühne auch als künstlerischer Prozess verfolgt werden konnte, eine Option, die danach imaginär an den Besitzer übergeben wird. Dieses eher dynamische Konzept wird jetzt, besonders in seiner Wahrnehmung, abgelöst durch einen eher gegenteiligen Effekt. Die geradezu schleichende Performance verhindert bewusst jeden erfrischenden Aspekt und betont stattdessen eher das Unbewegliche, Dröge und geradezu Pessimistische. Die Langsamkeit wird nicht im Sinne von „zur Ruhe kommen“ erlebt, sondern als Negation des pulsierenden Lebens. Und der Verwandlungszauber ist damit sehr dämpfend herunter gefahren.

Die Designerin sitzt mit versteinerter Mine und geradezu unbewegt am Rand der Mitte des Laufstegs, steht gelegentlich auf und arrangiert langsam und konzentriert die meisten der Outfits neu, aber nicht mehr alle, wie früher, und auch nicht mehr so spektakulär im Erscheinungsbild. Währenddessen bewegen sich die Models langsam schreitend über den Laufsteg, ernst und verhalten. Der von einer Frauenstimme im Hintergrund tonlos eingesprochene Text erzählt persönliches Erleben und Befinden zu „Gott und die Welt“, von Hoffnungslosigkeit geprägt und mit depressiver Anmutung ohne Höhen und Tiefen.

Aber innovativ sind die vorgestellten Outfits noch immer. Tops aus Hüten, eine Hose mit vier Beinen und anderes mehr. Die Gestaltungsprinzipien folgen keinem einheitlichen Gestaltungsmotto, sind aber noch immer skulptural gedacht. Flächen werden aufgebrochen und als Teile sich wandelnder Architekturkonstruktion verstanden. Die Stoffe sind nicht mehr so eingeschränkt in der Auswahl, andere als grobes Leinen sind hinzugekommen, zum Beispiel Chintz (dennoch ausschließlich ethische Materialien). Die Kontraststärke von Schwarz und Weiß wird prägnant ausgespielt, Farbe gibt es noch immer eher nicht. Auffällig ist die Verwendung von Hüten in der Bekleidung, manchmal ganz, manchmal aufgeschnitten, manchmal nur noch aus formalen Elementen bestehend. Hier ist die Dekonstruktion für Verwandlung am ausgeprägtesten angelegt – inwieweit sich daraus eine weiterreichende Interpretation ablesen ließe, bleibt aber nicht wirklich erkennbar. Dem Unisex Konzept ist die Designerin im Großen und Ganzen treu geblieben, ein ästhetischer Bezug zum Körper und zu Sinnlichkeit bleibt ohnehin aus, fest, stark und dauerhaft wirkt die Garderobe nach wie vor.

Inwiefern die Position als ukrainische Designerin unter den besonderen Umständen des Krieges hier in der Kleidung eine Rolle spielt, kann man höchstens noch mutmaßen, zwingend erscheint das aber nicht. Der Pressetext erklärt: „Ein makaberes Rendezvous mit den heiligsten Ängsten, das in einer tiefen Trauer um eine körperlose Lebensprojektion mündete, zwang sie, den bereits vertrauten Überlebensmodus einzuschalten und die angesammelten kreativen Kräfte in vollem Umfang als dringenden Bewältigungsmechanismus zu nutzen.“ Deutlicher, so scheint es eher, als bei der Kleidung kriecht die hoffnungslose, starre Atmosphäre der Performance unter die Haut. Das deprimierende Erleben einer gleichförmig schleichenden Modenschau ist dann doch, wenn man es im Rahmen der Modewoche sehen will, ein Statement, das den großen Kontext infrage stellt.

The post DZHUS – Absolute Collection appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Drei Designerinnen profitieren von der besonderen Ukraine-Unterstützung des Fashion Council Germany und zeigen erneut ihre Kollektionen auf der Berliner Fashionweek: Bobkova, Dzhus und Litkovska. Sie präsentieren an verschiedenen Orten und treten dabei auch nicht anders oder spezifischer auf als alle anderen.

Dabei scheint es nicht ganz so leicht zu sein, den Spagat zwischen dem eher innovativ geprägten Westen und der eher konservativ ausgerichteten Klientel in der Heimat zu bewerkstelligen. Während Dzhus bei ihren ungewöhnlichen, experimentellen Verwandlungs-Abenteuern bleibt, orientiert sich Bobkova eher an traditionellen, kommerziellen Leitideen, die lediglich mit ein paar kecken Ideen aufgefrischt sind. Litkovska erweitert und interpretiert die klassischen Standards in Schnitt und Architektur schon deutlich rasanter und experimenteller und positioniert ihre Kollektion kraftvoll und mit lässigerem, aufgeschlossenerem Auftritt. Immerhin, drei verschiedene Positionierungen von Modemacherinnen, die sich ihrer Herkunft verbunden fühlen und, selbst wenn sie schon eine Weile hier leben, in dieser Zugehörigkeit auch – mit Erwartungen – wahrgenommen werden. Eine modische Bereicherung aus dem Osten zeichnet sich dadurch noch nicht wirklich ab, eher stellen sie sich dazu.

Neu hinzugekommen ist das ukrainer Label Podyh, das haben wir bereits extra besprochen, nicht mehr dabei ist Jean Gritsfeldt.

*

BOBKOVA im Garten des Kronprinzenpalais:

Bei Bobkova dominiert eine einfache Kombination aus zartbunten und dünnen Stoffen mit eher festeren, schlichten Materialien für klassische Jacken und Hosen oder Strick und Häkel, also eine Mischung aus Romantik und Business, manchmal auch als Zwischenkonzept. Keine nennenswerte Überraschung, höchstens ein paar hinzugefügte lockernde Akzente oder mal eine coole Sonnenbrille. Dabei gibt es hie und da ein paar Auffälligkeiten im Schnitt oder der Silhouette, aber grundsätzlich wird die bürgerliche Grenze der praktischen oder der ästhetischen Toleranz nicht berührt. Bequemlichkeit, Tragbarkeit, nur leichte Verschiebungen, folkloristische Anleihen und ein Touch weiblicher Grundromantik mit Natursehnsucht sind der Schlüssel für den lieber braven als ungewöhnlichen Stil. Diese Schau war vermutlich die konservativste Schau der Fashionweek, aber es ist gleichwohl unbestreitbar, dass auch eine westliche, eher in der Mitte der Gesellschaft angesiedelte Klientel sich durchaus von der klassischen Linie angezogen fühlt.

*

DZHUS in der The Feuerle Collection:

Das Grundprinzip der Verwandlungsfähigkeit ihrer Outfits hat Dzhus (Label seit 2010) beibehalten, dabei sind die praktischen Herausforderungen des Transfers anscheinend etwas kleiner geworden und der Effekt scheint oft schlüssiger. Bei den unbunten Farben Schwarz/Anthrazit und Weiß/Beige ist sie geblieben, denn der skulpturale Effekt ist das Wesentliche und es ist stets erstaunlich, zu welchen Lösungen ihre Experimente gelangen. Natürlich sind die Spielereien um integrative Kopfbedeckungen als Teil dieses skulpturalen Denkens noch vertreten aber die Oberflächen der verwendeten Textilien haben nun deutlich mehr optische Attraktivität.

Neben dem plastischen Gestalten ist die Transformation des Einen in ein völlig Anderes entscheidender Teil der Inszenierung, dekonstruierend und konstruierend, das ist der konstruktive Ansatz, das Statement zu stets möglichen Veränderungen. Wie nahezu alle Designer der Fashionweek verfolgt auch Irina Dzhus eine entschieden nachhaltige Linie und bemüht sich um Auflösung sexueller Zuordnungszwänge.
Verweise auf die Notsituation in der Ukraine sind in der Kollektion nicht offenkundig verankert (abgesehen von dem Schwarzmarkt-Umhang mit Luxusuhren), in der Inszenierung ist sie aber schon angedeutet mit den zunächst im Raum wie Wachsfiguren abgestellten, zum Teil etwas zerzaust wirkenden Models und durch den aktiven Verwandlungseingriff vor Ort durch die Künstlerin.

In jedem Fall hat Dzhus mit ihrem Verwandlungskonzept eine eigene, kreative und zunehmend überzeugende Gestaltungslinie gefunden, die man als eine Bereicherung für die ökologische und die konzept- und gestaltsuchende Gegenwart im westlichen Aufbruch verstehen kann.

*

LITKOVSKA im Kraftwerk:

Im Gegensatz zu Bobkova nutzt Litkovska die Freiheiten westlicher Gestaltungsverfahren vergleichsweise ausgiebig um ein eigenes Bild zu finden. (De)konstruktivistische Bearbeitungen mit voluminösen Schichtungen führen zu Kombinationen geschlossener Bekleidung mit offener Lässigkeit und bringen recht kraftvolle, manchmal wuchtige Erscheinungsbilder hervor. Geschichtet: quasi innen gepanzert und aussen dynamisch, halboffen, fast offensiv. Düsteres Schwarz dominiert die Farbpalette. Mit den großzügigen Volumina werden die Frauenkörper visuell aufgerüstet und es ist offenkundig, dass das Empowerment der modernen Frau hier anders definiert wird als mit sexueller Befreiung durch den blanken Körper. Im Gegenteil, der ist vom Hals bis zu den Zehenspitzen hermetisch geschützt. In der Frühjahrs- Sommerkollektion. Es gibt, zugegeben, auch Ausnahmen in allen Aspekten, das ist aber doch das Resultat der meisten Gestaltungsexperimente. Führt man diese Wahrnehmung spekulativ noch etwas weiter, ließe sich durchaus ein Statement vermuten, wie eine Vorstellung der kraftvollen ukrainischen Frau in diesen Zeiten zu denken ist. Die übrigen Beobachtungen können das bestätigen: Die Modelle wirken ungeschminkt und eher alltäglich und herb, ihre Frisuren sind leicht zerzaust und der schwarz-rote Background weckt eher düstere Gefühle als sommerliche Frische und Lebensspass. Und nicht zuletzt ist das Kraftwerk dafür der passendere Ort als der Garten im Kronprinzenpalais.

In jedem Fall aber hat sich Litkovska zunehmend selbstbewusst aus ihren recht konventionellen Anfängen (vgl. unseren Bericht von 2019) gelöst, wo sie noch, eher auf trendbewußte Weise, Gegenwartsideen kopierte und erprobte und der ukrainischen Klientel damit etwas modische Frische ins Land brachte. Auch wenn sie diverse Verfahrensaspekte wie offene Nähte, geschichtete Architekturen, eingreifende Formbeschnitte und widersprechende Gestalt und -Materialmixe noch immer etwas klischeehaft einbaut, steht das nicht mehr im Zentrum der Gestaltphilosophie, sondern die kraftvolle Selbstermächtigung im Auftritt dominiert die Anschauung und findet einen eigenen Platz in der optischen Auslegung für ein weibliches Selbstbild.

The post Ukraine SS24 – drei Positionen appeared first on modaCYCLE.

Text und Bilder: Boris Marberg

Der junge, ukrainische Designer Jean Gritsfeld ist einer der vier Kreativen der Branche aus seinem Land, welche auf der Berliner Modewoche im Rahmen der öffentlichen Förderung durch den Senat zusammen mit dem Berliner Salon seine aktuellen Werke präsentieren konnten. Anders als DZHUS, Bobkova, Litkovska zeigte Gritsfeldt seine Werke weit im Berliner Osten, in einer ungenutzten kleinen Kraftwerkshalle in Schöneweide, unsaniert, idealisierend heruntergekommen, schwach beleuchtet und improvisiert – ziemlich versteckt. Ein erlesenes Fachpublikum fand dennoch den Weg dorthin. In sehr düsterer und dunkler Industrieromantik zeigte Gritsfeld seine Kollektion SCULPTOR OF LOVE, die im Grunde nichts Neues des Designers zeigte, sondern vielmehr Neuinterpretationen seiner bisherigen Kreationen. Diese stehen für sein bisheriges Werk. Die gekonnte und selbstbewusste Inszenierung geht dem ehemaligen Model auch leicht von der Hand. Der Star des Werkes ist nicht die Mode, sondern der Schaffende selbst, der in seiner aktuellen Lebenssituation, konfrontiert mit dem Krieg in seiner Heimat, sich spirituell geprägt sieht und erneut ein Statement für Frieden, Liebe und Harmonie, heraus aus den Wunden, die geschlagen wurden, dem Publikum mit auf den Weg geben möchte.

Dramaturgisch, von Presse und Publikum zelebriert, gelingt dies und kann die Anwesenden situativ begeistern. Gritsfeldt ist inzwischen – überspitzt und vielleicht zynisch formuliert – ohnehin quasi der „Darling“ aus dem Kriegsgebiet. Modisch und visuell betrachtet bleibt leider bei dieser Präsentation vieles (auch wortwörtlich) im Dunkeln. Die Herren- und Damenlooks sind sichtlich voneinander und auch untereinander isoliert zu betrachten. Fast biedere, klassisch-funktionale Herrenanzüge stehen neben wilden, metallisch schimmernden Damenlooks, die an Oversized Jacketts der 1980er von Designgrößen wie Gianni Versace erinnern. Außerdem die klassischen Material- und Stilcollagen. Es finden sich viele Brüche bei den Kreationen, eine einheitliche Stilistik ergibt sich mit der Kollektion kaum. Zur Herstellung eines Gegenwartsbezuges werden mehrfach Sprüche auf den Textilien appliziert oder direkt auf den Körper geschrieben, welche einen inhaltlichen Kontext zum Krieg und der Sichtweise des Designers auf die aktuellen Ereignisse zeigen. Interessant ist dies allemal, gibt es doch viel Einblick in die individuelle Realität und den erzwungenen Anpassungsprozess des schöpferischen Schaffens an schwierige, äußere Umstände.

The post Jean Gritsfeldt – neue Akzente appeared first on modaCYCLE.

Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Kristina Bobkova möchte mit ihrer neuen Kollektion Mriya starke Frauen darstellen, die ihren Lebensalltag mit allen Wirren und Herausforderungen ihrer Heimat meistern und dennoch gesellschaftlich eine aktive Rolle einnehmen. Die Verwirklichung eines Lebenstraumes wird eingefordert, auch wenn das Bürgerliche tragisch erschüttert wird und zwischen (geforderter) Stärke und Zerbrechlichkeit pendelt.

Neben DZHUS, Jean Gritsfeldt, und Litkovska ist Kristina Bobkova eine der ukrainischen Designerinnen, die im Rahmen des Berliner Salons präsentiert wurden und diese Präsentation mit einer eigenständigen Schau erweiterte.

Wie bei zahlreichen anderen in Berlin präsentierten Kollektionen wird auf Upcycling und die Verwendung von Verschnitten an Stoffen und Strickwaren zurückgegriffen. Hier zeigt sich ein ausgesprochener Pragmatismus, denn die Kollektion wurde im Atelier in Kiew erstellt – unter widrigen Umständen, wie Kälte, Stromausfällen und Luftalarm. Die Aufrechterhaltung der wirtschaftlichen Tätigkeit und der Produktion in der Heimat ist für jetzt und besonders auch für die Zukunft von entscheidender Bedeutung.

Typisch für eine Kollektion von BOBKOVA ist, dass konsequent minimalistisch und stakt reduziert gestaltet wird. Die Silhouetten sind stringent vertikal locker fallend und spielen wenig mit Volumen, bieten dennoch viel Bewegungsfreiheit. Brüche in den Looks finden sich, wenn an den Taillen bei zum Beispiel Blazern und Overalls durch breitere monoton gehaltene Gürtel die Durchgängigkeit unterbrochen wird. Spitze wird dezent appliziert. Auch die Farbpalette ist stoisch dezent und basiert weitestgehend auf Braun, Beige und cremigen Tönen. Farbliche Akzente finden sich nur bei einem Stricktop und bei einem langärmeligen Schlauchkleid. Glänzende Materialien schaffen etwas Leuchtkraft und die divers eingestreuten Keckheiten geben der ansonsten eher konservativ angelegten Kollektion etwas Esprit auf den Weg.

The post Bobkova – Stoisches Pflichtbewusstsein appeared first on modaCYCLE.

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Von den vier auf der Fashionweek vertretenen Designern aus der Ukraine gibt sich Litkovska als die von den nationalen Umständen unberührteste. Wie schon in den vorangegangenen Kollektionen, z.B. in Paris, kommt die Kollektion Vesnianka eher etwas bodenständig daher und ist kommerzieller orientiert. Dementsprechend sind die Outfits geschmacksmäßig breiter aufgefächert, die folkloristischen Aspekte sind etwas zurückgenommener als sonst. Viele Anleihen aus klassischer Herrenmode sind in das Design eingeflossen, Anzugjacken und -hosen, Anzugfutter als grafische Akzente sowie, wenn auch meistens verschoben konstruiert, Schnittstilismen.

Die Mode von Lilia Litkovskaya begründet die geschmacklich verschiedenen Ansätze in dem Bemühen, eine radikal realistische Garderobe für die Frau von heute, die die Freiheit hat, sowohl zerbrechlich als auch wild zu sein, bereitzustellen, und da ist vom romantischen bis zum etwas derben Auftritt eben alles möglich. Sie entwickelt ihre Arbeit aus der handwerklichen Schneiderkunst, schon von Hause aus, und will über dekonstruktivistische Methoden, die nicht selten zu etwas eigentümlichen Silhouetten führen, etwas Dynamik generieren, besonders aber gängige Bilder aufbrechen und durch den Zeitgeist gebrochene Anschauungen erreichen. Hinzutreten Apercus und kontrastierende Einfügungen, Häkelelemente oder üppige Schmuckstücke, die das Ganze leicht konterkarieren und die Abweichung von Normvorstellungen einmal mehr akzentuieren. Sie versucht, Traditionen, gerne auch folkloristisch geprägte, in einen modernen Style zu überführen, wobei aber der eher bodenständige Anspruch stets sichtbar und grundlegend bleibt.

Lilia Litkovskaya ist bekannt für ihren Geschmack für etwas kühnere Formen, raffinierte Schneiderei und komplizierte Handwerkskunst und erkundet damit die Idee der zeitgenössischen Kleidung durch leicht ausgefallene, aber nicht übermäßig sperrige Designs. Ihre handwerkliche Durcharbeitung erlaubt darüber hinaus den optischen Verweis, dass man innen auch nach außen kehren kann (siehe Beispiel Anzugfutter) und dass Additionen auch zu einer Einheit gefügt werden können. Auch wenn Litkovska mit ihrer Ausrichtung noch sehr dem Dekonstruktivistischen im Modedesign verhaftet ist, ist sie in der internationalen Szene gegenwärtig und umtriebig. Sie zeigte in Paris auf der Womenswear fashion week und präsentiert ihre Arbeiten mittlerweile auch international in Geschäften.

The post Litkovska – bodenständige Kühnheit appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

DZHUS (Irina Dzhus) gehört zu den vier eingeladenen Designern beziehungsweise Designerinnen aus der Ukraine und wenn man diese Einladung über die solidarische Geste hinaus rezipert, stellt sich natürlich die Frage, ob die vorgestellte modische Leitidee die Besonderheit der Umstände auch reflektiert. Bei DZHUS ist das ganz offenkundig und sehr überzeugend der Fall.

Es handelt sich im Grunde um sehr raffinierte Funktionskleidung, weniger im Sinne von klimatischer Referenz als im Sinne der Nutzbarkeit und Vielgestaltigkeit. Letzteres führt die Schau in frappierender Weise vor: Das Modell läuft mit einer Kleidungsgestalt einmal den Laufsteg auf und ab, kurz vor Ende wartet die Designerin auf dem Laufsteg und beginnt dann, die Kleidung zu demontieren, umzustülpen, aufzubrechen in der Architektur und aus den Bestandteilen eine völlig neue Gestalt zu schaffen. Damit geht das Modell dann ein zweites Mal den Laufstegweg.

Der Soundtrack zur Schau suggeriert immer wieder Sirenenklänge, klagende Gesänge und chaotischen Krach, nicht simpel und klischeehaft, sondern als kompositorisches, elektronisch leicht modifiziertes, dissonantes Arrangement. Die Modelle tragen Verschmierungen in den Gesichtern, die mal durch Kapuzen oder Stoffmasken geschützt werden, mal frei und offen erscheinen. Ihre Kleidung „hängt“ mehr am Körper als dass sie sich auf ihn bezieht, abgesehen von den primären funktionalen Standards wie Ärmel, Kopfbedeckung etc. Zwei Basics begründen die Funktionalität: erstens viele, viele Taschen, manche Outfits bestehen quasi aus der Aneinanderreihung großer und kleiner Taschen, zweitens viele, viele Reißverschlüsse zur Demontage und Montage des Zusammenhanges beziehungsweise der Zusammenhänge. Und das ist sehr komplex konzipiert, so dass der Träger oder die Trägerin schon gut Bescheid wissen muss, welche Zusammenhänge möglich und intendiert sind und wie man sie kombinierend herstellt. Zum Teil kann die Trägerin das gar nicht selbst am Körper modifizieren, die Kenntnis der Designerin, die hier die Transformationen auf dem Laufsteg vorgenommen hat – und zwar so, dass es auch passt und funktioniert – ist zentrale Voraussetzung. Sogar die großen Taschenkombinationen lassen sich manchmal auflösen in Flächen, genauso aufbauschende Elemente und geschichtete Ebenen. Es ist bei genauerem Hin- und Zusehen der Transformation schon recht vertrackt und man sieht auch gelegentlich, dass Reißverschlüsse sich manchmal sperrig aufführen. Die Funktionalität der Taschen bleibt eher der Fantasie überlassen, bei einem Beispiel zog die Designerin aus einer Tasche ein aufs Minimale zusammengelegtes Unterkleid heraus, feuchtigkeitsabweisend und eine weitere Ergänzung.

Sowohl der Leitgedanke der komplexen Transformation eines einzigen Kleidungsstückes als auch die schwierige Umsetzung in so vielen Details sind pfiffig und durchaus – in gewissem Maße – praktikabel. Alles scheint optimal aus- und durchgedacht und erprobt. Das Erscheinungsbild, so sehr die Sachen auch angehängt wirken, funktioniert auch, angesichts der Tatsache, dass Kleidung sich schon längst in vielen Designströmungen vom Körper emanzipiert hat und gestaltend oft eigene Wege geht, ist das keine Überraschung im Erscheinungsbild mehr. (De)konstruktivismus ist bei DZHUS keine ästhetische Fragestellung oder ein Antistatement sondern die Öffnung zu neuem, konstruktivem Denken der Gestaltung, durchaus auch im ästhetischen Sinn.

Natürlich ist die ästhetische Komponente hier auch noch der Tradition verhaftet, man könnte sagen gottseidank, denn der rein transformatorische Gedanke trüge einen entsprechenden Anspruch nicht. Weiß und verschieden Beigetöne schaffen, zum Teil in Kombination mit Schwarz, farblich sehr ansprechende Anmutungen, ähnlich Grau und Schwarz. Die silbernen Reißverschlüsse bilden ordnende Linien oder große Liniengeflechte auf und unter der Oberfläche und die zum Teil abenteuerlichen Ausformungen und flächigen Konstrukte folgen ebenfalls einem deutlich anspruchsvollen Gestaltungswillen in der plastischen Gesamtarchitektur. Und letztere ist eben nicht nur von Outfit zu Outfit verschieden, sondern auch in den jeweiligen Transformationen.

Insofern ist das DZHUS-Design ein wirklich innovativer Fortschritt in Hinsicht auf den Stand zeitgenössischen Designs, wenn auch aus besonderen Umständen heraus geboren. Die Kombination aus Ästhetik, Funktionalität, Gestalt und Materialwahl wurde weitgehend aus einer neuen Perspektive gedacht und überzeugend konzipiert. Wenn man so will, ist das ein Impuls für das westliche Modedesign, der sich durchaus konstruktiv verwerten und ausbauen läßt.

Erwähnenswert ist noch, dass DZHUS – inzwischen international aktiv und erfolgreich, mehrfach ökologisch preisgekrönt – seit Kriegsbeginn 30% seines Gewinns an ukrainische Tierrechtsorganisationen und die Armee spendet.

The post DZHUS – Intelligenz in Notzeiten appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Die Ukrainische Designerin Kristina Bobkova präsentierte ihre neue Kollektion für das Frühjahr und den Sommer 2023 im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin. Der zentrale Veranstaltungsort dieser Saison war das historische ehemalige Haupttelegraphenamt, welches nun im Rahmen einer Grundsanierung zu einem Hotel umgebaut wurde und in Kürze eröffnen wird. Die Modewoche ist hierbei die erste Großveranstaltung im Gebäude an der Oranienburger Straße (Adresse Monbijoustraße) im Herzen von Berlin.

Die Kollektion von Kristina Bobkova orientiert sich thematisch an einer wichtigen Straße in ihrer Heimatstadt Kiew – der Chreschtschatyk-Straße, dem zentralen Boulevard in der ukrainischen Hauptstadt – eine wichtige Verkehrsachse und Flaniermeile. Diese Straße war die Inspiration für die Farbpalette der Kollektion: erdiges Braun, Cremeweiß und Smaragdgrün, dazu blasses Rosa und Minze. Kontrastiert wird die Farbgebung durch metallischen Schimmer auf den Oberflächen. Dies soll „metaphorisch auf den unerschütterlichen Charakter des ukrainischen Volkes verweisen“, so die Pressemitteilung zu dieser Kollektion.

Die Widersprüchlichkeit der aktuellen Situation der Ukraine und der dortigen Modebranche kommt hier gut ans Licht und wird unterstrichen. Es fühlt sich paradoxerweise normal an, wenn Kreative wider die externe Aggression, die bis hin zur Existenzgefährdung gehen kann, trotzen und selbstbewusst Mode schaffen.

Die Schnitte sind minimalistisch gehalten und vielfach in den Silhouetten weit bis hin zu „oversize“ ausgestaltet. Dies sticht gerade bei Blazern und Kombinationen ins Auge. Neben plissierten Röcken und Kleidern fallen insbesondre grobe Webstrukturen bei Schlauchkleidern angenehm  auf. Die Flächengestaltung ist üppig und vermittelt Bewegungsfreiheit und Präsenz im Raum. Asymmetrische Kleider in Schwarz bringen in die Gesamtkollektion Kontrapunkte ein.  Die Hosenanzüge sind lässig und spielen thematisch mit Unisex. Dabei sind die eleganten und sportlichen Kreationen durchgängig alltagstauglich für Business und Alltag und dienen auch als repräsentative Freizeitkleidung im urbanen Umfeld.

Bei den Accessoires wurde die Präsentation mit Taschen der Manufaktur Chris Bader aus Uhingen abgerundet, welche im Rahmen einer Kooperation unter dem Titel Bader x BOBKOVA entstanden sind.

The post Bobkova – KYIV CHESTNUT appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Der Kiewer Modeschaffende Fedor Vozianov zeigte auf der regionalen Fashion Week in Lviv seine kommende Sommerkollektion 2018. Die Modenschau fand im nicht genutzten Teil des Terminal des Flughafens der westukrainischen Metropole Lviv statt. Es ist nicht das erste Mal, dass Vozianov seine Kollektion auch dem Fachpublikum hier zeigt. Stets strahlt Fedor Vozianov eine unglaubliche Ruhe und Gelassenheit aus, die sich bereits vor der Schau im Backstage-Bereich bei den Vorbereitungen zeigt und die gesamte Schau trägt und sich auch in der Konzeption der Kollektion wiederspiegelt. Die anstehende Sommerkollektion hat er mit dem Namen „Pretending a sea“ (“Імітація моря”) benannt. Der Name der Kollektion soll dabei nicht zwingend sinnstiftend im Visuelle inspirativ zum Ausdruck kommen, sondern viel mehr als inhärentes Konzept des Schaffens an sich stehen – Tiefe, Rauheit, Stille, Geruch – Eigenschaften, die auch haptisch erfasst werden können.

Visuell zeigen sich dann mit dem Meer assoziierbare Formen in den Strukturen der Kleider, der Linienführung und teilweise auch in den Volumen, wenn man weitläufig für die Betrachtung die Riffellungen von Muscheln und anderen Krustentieren ebenso heranzieht, wie das weiche Schwingen von pastellfarbenen Quallen die in Wellen hin und her driften. Farblich bleibt die Kollektion begrenzt, mit einzelnen lauteren Anschlägen in der Klaviatur der Farbpalette und den Mustern. Leicht fallende Kleidchen mit einer oft transparenten, oberen Schicht fließen nach unten locker aus und zeichnen sich durch eine luftige Dynamik aus. Den Gegenpol bilden harte Formen – teilweise in Schwarz und Blau –  die weiterhin sich an stringenten Formkonzepten, bis hin zu Anlehnungen an platonische Körper, ohne aber diese Volumen aufzunehmen. Interessant ist dabei, sich zu vergegenwärtigen, dass sich Fedor Vozianov in der Vergangenheit formgebend intensiv mit dem Suprematismus auseinandergesetzt hat und bei einigen Installationen und Performances in den vergangenen Jahren mitwirkte und die Kostüme kreierte. Die Konzeptionelle Durchdringung wirkt sich auch auf die Schau an sich aus. Auch wenn der Flughafenterminal in Lviv visuell keinerlei Charme zu vermitteln mag, fast schon eine abweisende Ästhetik vermittelt und rein als Örtlichkeit funktionellen Erwägungen geschuldet ist, bildet sich eine Rahmen für die Schau in Details, wie dass die Modelle zum Abschluss barfuß defilierten.

The post Vozianov SS18 appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Das aufstrebende ukrainische Label Lesia Semi war gleich mit zwei Veranstaltungen auf der regionalen Fashion Week in Lviv in der Ukraine vertreten. Bereits bei der Eröffnungsveranstaltung wurde die Gelegenheit genutzt, die neue Parfüm-Serie des Labels vorzustellen.

Dabei wurde im Rahmen einer Video-Präsentation der zugehörige Werbefilm zu dem neuen Parfüm vorgestellt. Dieses ist insofern klassisch, als dass es die herkömmlichen  genderspezifischen Klischees und Rollenverständnisse bedient. In einer sexualisierten, eleganten Darstellung ist die das Parfüm nutzende Frau einen ebenso elegant eingekleideten jungen Mann in einem Hotel bezirzend. Ablauf und Konventionen sind dabei typisch und vorhersehbar. Technisch korrekt umgesetzt, solides Handwerk.

Auf der wenige Tage später stattfindenden Modenschau wurde dann in Abrundung des Gesamtkonzeptes die neue Kollektion für Sommer und Frühjahr 2016 gezeigt. Mit eingeschlossen ist eine knapp gehaltene Accessoires Linie, die Taschen, Schuhe und Kappen beinhaltete und von den Muster und dem Stil angepasst ist.  Farblich liegen zwei Hauptgruppen bei den Kreationen vor. Umfassende Kreationen in Blau stehen, weichen und pastellen Tönen gegenüber. Dazu finden sich transparente Looks in Schwarz, die deutlich positiv herausstechen. Die Muster sind rhythmisch und konsistent auf Punkten und Rauten basierend. Bei den Silhouetten fallen diverse Kreationen mit üppigen Volumen auf, ohne zu sehr in die Extreme zu gehen. Der feminine Charakter bleibt erhalten. Die grundsätzlich vertikale Gestaltung wird durch wenige kurze und mittellange Röcke aufgelockert, die A-Formen vermitteln. Ziel war es laut Mitteilung der Designerin, eine ansprechende, elegant urbane Kollektion zu gestalten, die auch sportliche Noten beinhaltet. Dieses Ziel wurde auch konsequent erreicht. Etwas mehr Strenge und Gradlinigkeit hätte dieser Kollektion gut getan. So wirkt diese in der Präsentation etwas unförmig und die Körperbetonung hätte noch mehr unterstrichen werden können.

The post Lesia Semi SS16 appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Das Ukrainische Label KEKA präsentierte auf der regionalen Fashion Week in Lviv seine neue Kollektion für Sommer und Frühjahr 2016. „Lost in translation“ ist leider bei dieser Berichterstattung wieder sehr einprägsam. Im Rahmen der Recherchen zu diesem jungen Label ist es uns auch über Wochen nicht möglich gewesen, wichtige Informationen zu den beiden Designern und ihrer Marke herauszufinden und einen direkten Kontakt zu knüpfen. Eine eigenständige Website existiert bisher auch nicht in der Landessprache.

Die Kollektion an sich ist minimalistisch und funktional gehalten. Durchgängig dominiert Weiß mit flächigem Motivdruck. Der Hund als Muster zieht sich durch die gesamte Kollektion.  Die Silhouetten sind stringent und bieten wenig Volumen, dafür oft eine schöne figurbetonte Linie. Hosenkombinationen sind ebenso ansprechend wie Kleidchen in sommerlich frischem Look.  In ihrer gesamten Bandbreite sind die Kreationen sehr ansprechend und man wünscht sich dem Label und den beiden Designern, dass sie einen guten Start finden und ihre Werke besser kommunizieren und verbreiten können.

The post KEKA SS16 appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Die polnische Designerin Alicja Czarniecka hat unter dem Schlagwort monochrōmos eine grafisch und figurativ ansprechende Kollektion für das kommende Frühjahr und den Sommer 2016 präsentiert.

Die gezeigten Kreationen sollen unter dem stilistisch wenig greifbaren Begriff Boho verstanden werden. Schwarz und Weiß in geometrischen Mustern wechseln sich ab und spielen miteinander. Bohème als spielerische Variante mit dem Aufbruch der späten 1960er stellt an sich schon eine wilde und gewagte Kombination dar. Dabei bleibt die intellektuelle Ausrichtung als im klassischen Sinne verstanden gesellschaftliche Randgruppe unscharf und unpräzise. Der rebellische Einschlag der Hippie-Kultur ist leider weniger sichtbar. Nichtsdestotrotz ist Alicja Czarniecka eine ansprechende und formschöne Kollektion gelungen. Die wenigen farblichen Akzente in Blau, die sich nicht konsistent einreihen sind verzeihlich. Sehr ansprechend sind die Materialkombinationen, die zu starken femininen und fast sinnlichen Kleidern und Kombinationen geführt haben, die auch für lockere Abendanlässe geeignet sind.

The post SAX35TH by Alicja Czarniecka SS16 appeared first on modaCYCLE.

Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Nazar Stakhniv (alias Nazar Korsarr) präsentierte als Autodidakt erstmals eine Kollektion auf der regionalen Fashion Week in Lviv in der Westukraine.

Mit dem Label NAT gelingt Nazar Korsarr ein sehr guter Einstieg bei der Präsentation der kleinen Kollektion für das kommende Frühjahr. Nazar ist indes kein unbekannter in der ukrainischen Modeszene, so hat er in den vergangenen Jahren bei zahlreichen anderen regionalen Labels mitgewirkt, teilweise als Assistent, teilweise als Organisator von diversen Schauen und Präsentationsformaten anderer Designer im Rahmen der Lviv Fashion Week. Es lag also nichts näher, als dieses Wissen nun selbst einzusetzen. Die Handschrift lässt dabei die klare Linie wiedererkennen, und spiegelt die Grundeinstellung des Designers wieder, so wie wir sie in den vergangen Jahren in zahlreichen Fachdiskussionen Vorort kennengelernt haben. Dekonstruktion und Minimalismus stehen im Vordergrund und zeichnen sich bei der gekonnten Flächenkomposition und bei Schichtungen aus. Die Materialwahl setzt auf Naturfasern,  Kunstfasern und die Einbindung von Kunstleder. Auf Echtleder wird der Designer konsequent seiner Einstellung verzichten. Auch farblich zeigt sich der Minimalismus, Schwarz, Rot, Grau – mit leichten Blautönen, sind die Basis. Sehr ansprechend sind horizontale Brüche bei Kleidern und vertikal verlaufende Akzente. Die Herrenlooks sind sportlich urban, während hingegen die Damenlooks tendenziell eher locker und feminin sind, ohne dabei klassische Eleganz zu verneinen. Silhouetten und Volumen sind dezent, nicht sonderlich figurbetonend , was sehr positiv auffällt. NAT ist ein junges Label, das wir empfehlen im Auge zu behalten.

The post NAT SS16 appeared first on modaCYCLE.

Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Die junge ukrainische Designerin präsentierte ihre Sommerkollektion 2016 in Lviv auf der Fashion Week erstmals dem Fachpublikum. Gerade für junge Marken sind diese regionalen Fashion Weeks interessant und eine gute Option an die Öffentlichkeit zu gehen. Burdina ist mit ihrem erst in diesem Jahr gegründeten Label in Odessa angesiedelt. Sie hatte mit dieser Kollektion das Ziel schlichte, und dennoch elegante Sommerkleider zu entwerfen und anzubieten. Dabei setzte sie den Fokus auf leichte und gängige Silhouetten, die durch eine luftige Materialwahl unterstrichen wird. Die Kleider sind fließend gehalten und gut tragbar. Viele der fast bodenlangen Kreationen sind gewickelt und mit raffiniertem Verschluss an der Vorderseite auch detailliert um einen Blickfang zu generieren. Farblich dominieren sommerlich helles Blau und dezentes Geld sowie erdfarbene Nuancen. Viele der Kreationen erinnern an Nachtwäsche, wie Negligés für sehr laue Sommernächte.

The post Viktoria Burdina SS16 appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Die ukrainische Designerin hat ihre kommende Sommer- und Frühjahrskollektion „Photosynthesis“ benannt und dem Publikum in Lviv präsentiert.
Dem Grundsatz nach ist das Label auf Damenmode ausgerichtet. In der Schau waren dennoch vereinzelt Herren-Looks eingestreut. Die Linie ist konsistent und ausgereift. Die Silhouetten profitieren von den großzügigen Volumen und wirken spielerisch und geometrisch. Die Farbpalette ist kühl gehalten. Blau dominierte und wurde beim Styling, insbesondere beim Make-Up durch hellblaue Akzente an den Händen und den Ohren spielerisch unterstrichen. Die Bandbreite des verwendeten Materials ist weit gefächert und reicht von Leinen über Wolle hin zu Strickwaren und Kunstfaser.

The post Nedoshytko Uliana SS16 appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Die Designerin Liubov Chernikova präsentierte ihre folkloristische, traditionell geprägte Kollektion im Rahmen der Lviv Fashion Week. Seit rund fünf Jahren beschäftigt sich die ukrainische Designerin mit der traditionellen Tracht in ihrem Heimatland und bringt diese in zeitgenössische Formen. Für die in Lviv präsentierte Kollektion hat sie sich dem Stiel der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zugewendet und auf bäuerlich-ländliche Muster und Formen gestützt. Die Schau bestand aus zwei Durchläufen. Im ersten wurden die langen, weich fließenden Kleider gezeigt. Anschließend in einem zweiten Durchlauf präsentierten die Modelle diese Kleider mit den dazugehörigen Jacken und (Kurz-) Mänteln. Bei den Applikationen wurden klassische Muster aufgetragen. Die Röcke sind teilweise dezent mit floralen Verläufen unten versehen, oder stellen klare Brüche in den Silhouetten dar. Die Kollektion ist farblich weit gefächert und bietet leuchtende Ankerpunkte und Blickfänge.

The post Chernikova SS16 appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Boris Marberg

Die Ukrainische Designerin Kateryna Karol präsentierte ihre neue Kollektion für das Frühjahr und den Sommer 2016 im Rahmen der Lviv Fashion Week. Leichtigkeit in den Formen und Volumen treffen hier auf griffige und strukturierte Stoffe. Die Kollektion ist tragbar im Alltag und feminin-sportlich ausgerichtet. Die Silhouetten sind gradlinig, was sich auch in den Konstruktionen und der Anordnung der Oberflächen wiederspiegelt. Bei der Farbpalette ist die Designerin zurückhalten geblieben und hat weitestgehend auf natürliche Töne gesetzt – abgerundet mit Erdfarben und leichten Blautönen. Die ebenfalls präsentierten Schuhe sind von der Marke Kassandra.

The post Kateryna Karol SS16 appeared first on modaCYCLE.