Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sehr jung, sehr hip und sehr optimistisch präsentieren die Schweden zum vierten Mal in ihrem Kulturzentrum eine recht breit gefächerte Vielfalt der Jahresabsolventen des Beckmans College of Design Stockholm. Dabei scheinen in einigen Kollektionen, subjektiv wahrgenommen, skandinavische Charakteristika durch, manchmal eine Neigung zu romantischer Introspektive, manchmal eine gewisse Bodenständigkeit mit zum Teil sehr schweren Stoffen, sehr kräftigen Schnitten und Kombinationen.

Aber das kam einem nur gelegentlich in den Sinn, gerade in Paris, und war als ästhetisches Konzept eher nicht bewusst herausgestellt. Besonders spannend wurden solche Ansätze bei Kollektionen wie der asiatischen von Fo Phan, wo der kulturelle Crossover eine faszinierende Synthese hervorbringt oder bei Sandra Saeidi, deren leichte Exzentrik sich zwischen Blümchen und aufgebauschtem Volumen bewegt.
Überhaupt ist die geschickte Raffung in allen Varianten wohl eine Spezialität der Schule.

Wie so oft, die studentischen Arbeiten waren insgesamt stilistisch inspirierter und damit spannender als kommerziell orientierte Designs. Auch hier machten die experimentellen Vergnügungen mit anspruchsvollem Verarbeitungsniveau Spaß und fütterten die Lust auf Neues. Zugegeben, es sind konzeptuelle Ansätze und erfahrungsgemäß sind die Zukunftsoptionen damit nur begrenzt einschätzbar. Manche ungewöhnlichen Stilpositionen werfen aber immerhin einen lustvolleren, optimistischeren Blick auf eine gedachte Zukunft als die Konzepte Berliner Schulen, die eher eine soziale Haltung (Correctness) programmatisch ausgestalten wollen.

Der Showroom fand sehr viel aufmerksames und sympathisierendes Publikum, was nicht nur dem Charme der Kollektionen zuzuschreiben war, sondern auch dem ihrer Macher und der Liebenswürdigkeit des Gastgebers. Der Präsentation der neun Absolventen (Fo Phan, Jon Allensten, Sofia Isdahl, Sandra Saeidi, Erik Olsson, Adam Swärd, Emma Wåhlin, Felicia Åström, Benedicte Eggesbø) haben sich auch zwei bereits etablierte Marken angeschlossen, Rave Review und Per Götesson.

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Benedicte Eggesbø (Yours Truely):
Die modernen Konstruktionen scheinen eng mit dem Alltagsumfeld der jungen Designerin aus Norwegen verbunden zu sein, darüber hinaus atmet der Style auch etwas Punkattitüde des leicht Abgerissenen. Die verfremdende Kollage von vorgefundenen Kleidungsstücken und Teilen zu einem neuen führt oft zu vergnügten und überraschenden Effekten und trägt zugleich mit der Wiederverwertung zu einem nachhaltigen Anspruch bei.
„Im Gestaltungsprozess bin ich sehr damit beschäftigt, mein Konzept durchzuspielen und zu diskutieren und so Lösungen an unvorhergesehenen Orten zu finden. Ich denke, es ist wichtig, es zu wagen, außerhalb der eigenen Komfortzone zu arbeiten, da dann interessante Dinge passieren.“(Interview Modeskolan STHLM)

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Fo Phan (Clothing in (Intimate) Mourning):
Mit dieser Abschlussarbeit aus diesem Jahr hat der Designer bereits Preise gewonnen, darunter einen vom Swedish Fashion Council. Das Traurige und Dunkle, die Schönheit des Verblassten und eine Hommage an die Trauer ist der gesuchte Ausdruck einerseits, die Verknüpfung der japanischen Ästhetik (in Bezug auf Traditionen des Ortes, wo Fo Phans Verwandten leben) mit ganz zeitgenössischen westlichen Design-Vorstellungen das eigentlich Faszinierende an den Arbeiten. Bilder aus einer Schau sieht man hier.

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Jon Allensten (My Inner Voice):
Nach eigener Auskunft hat Jon Allensten aus den Dresscodes der Geschäftswelt seine Gestaltungskonzept abgeleitet, aus Gesprächen mit befreundeten, erfolgreichen Businessleuten. Dies führte zu der Vorstellung, den Anzug als Schutzhülle zu betrachten und das anschließende Experiment, was optisch passiert, wenn die Schutzhülle aufreißt und eine geplante Karriere verwüstet wird.
Rüschen und florale Muster als grundlegende Gestaltungselemente treten hinzu.

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Sofia Isdahl (Clairvoyance):
„Hellsehen“ als Begriff für die Wahrnehmung über das Gegenwärtige hinaus befrachtet das Design im Vorfeld mit Sinnhaftigkeit. An der Gestalt der Teile der vorgestellten Kollektion ist das wenig nachvollziehbar, immerhin verweisen Tarot-Motive auf das Spiel mit der Vorhersehbarkeit von Zukunft, hier wohl eher der Designerin selbst, und sie waren damit gestalterischer Ausgangspunkt. Im extrovertierten Sinne betrachtet sind die Schnitte dagegen schlicht-elegant und emanzipieren sich angenehm von philosophisch vertrackten Implikationen.

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Adam Swärd (Mada):
Adam Swärd ist ein Trans-Modell mit einer eigenen Modevorstellung und demonstriert seine subtilen Modearbeiten entsprechend oft beispielhaft selbst. Eine kleine und durchaus überzeugende Transgenderkollektion also, die eher einen Leitgedanken beherbergt als eine gestaltungsästhetische Innovation.

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Sandra Saeidi (I Reach to Where the Sun Shines):
Auch Sandra Saeidi ist etwas träumerisch unterwegs mit ihren Entwürfen, gelangt dabei aber durchaus zu gestalterischen Phantasmen mit aufgelösten Oberflächen, flirrenden Farben und sich verselbständigenden Applikationen. Die Neigung zur Exzentrik hat bereits eine selbstbewusste Orientierung gefunden und reicht auch über das Modedesign hinaus zu Schmuck und weiteren spannenden Ergänzungen.

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Erik Olsson (Bojskaut):
Die Männer-Kollektion kommt schwergewichtig und sehr schützend daher. Im Zentrum steht das Leitinteresse an kommunikativer Kraft der Kleidung, die er aus seiner subkulturellen Peergroup ableitet und die er mit deutlich praktischer Funktionalität und Nachhaltigkeit verbindet. Die Nähe zu Arbeitskleidung für harte Männerberufe scheint dabei auf, stets kraftvoll und großzügig. Manche Teile waren so schwer, dass man sie kaum heben konnte.

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Emma Wåhlin (Self8 Love):
Es geht der Designerin um verschiedenen Persönlichkeiten eines Individuums. Wie man sich basierend auf emotionalen Bedingungen, sozialen Codes, Objekten und Kontexten präsentiert: Freiheit, Stärke, Verletzlichkeit und ihre Körperstellen. „Meine Experimente zielen darauf ab, eine freie, starke und verletzliche Liebe zum Ego zu erhellen. Das Recht, sich in der gewünschten Erscheinung darzustellen.“ (Auszüge aus Selbstauskunft)

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Felicia Åström (Distorted Emotions):
Mit integrierten Verknüpfungen von Innen und Aussen, Auflösung der ebenen Oberfläche und geschickten Richtungswechseln sind die Arbeiten dieser Kollektion zugleich sehr experimentell und dennoch tragbar-körperbewusst. Die Varianten dieser Gestaltungsphilosophie sind sehr abwechslungsreich und gleichzeitig auch stiltypisch, sehr haptisch angelegt, emotional und körperlich.

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Rave Review:
Das schwedische Label, das sich den neun Absolventen für den Showroom angeschlossen hat, wurde 2017 von Josephine Bergqvist und Livia Schück gegründet und macht Kleidung aus recycelten Materialien. Der exklusive Herstellungsprozess produziert nur Einzelstücke. In den Erscheinungsbildern steckt eine Menge Hippie- und Raveästhetik, worin sich letztlich auch der Labelname begründet.

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Per Götesson
ist das andere Label, das hier vorgestellt wird. Per Götesson ist gebürtiger Schwede und jetzt in London ansässig. Genderübergreifende Gestaltung ist Teil des Programms, der Designer lässt sich vom Alltag gesehener Trends inspirieren, aus denen er einen schlichten Ansatz für funktionale Mode ableitet.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Annika Klass aus Deutschland macht Strickmode. Für diese Kollektion „An Archive Of The Sunflower“ arbeitete sie mit der Firma Stoll aus Reutlingen zusammen, die für innovative und auch spezialisierte High-Tech-Prozesse in der Textilverarbeitung (resp. Strick) und entsprechend elaborierter Software steht. Mit diesem computerbasierten Verfahren kann man sofort und „on demand“ innerhalb weniger Stunden auch sehr komplizierte Kleidung in beliebiger Stückzahl produzieren – das ist auch fortschrittlich in dem Sinne, dass damit Überproduktion verhindert wird und wenig Abfall entsteht. Ein sehr zukunftsträchtiges Verfahren.

Annika Klass hat sich für diese Kollektion auch mit der Künstlerin Madeleine Mesam zusammengetan, die für die Prints verantwortlich ist. Stilistisch sind die Sachen insofern recht deutsch geprägt als die konstruktivistischen Schnitte und Farb- bzw. Musterkombinationen die Gestaltung bestimmen.

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Pariha ist ein Label der Designerin Parinitha aus Bangalore. Es wurde 2016 gegründet und sucht Verknüpfungen zwischen indischer Tradition und modernen Trends. Der Reiz entsteht dabei weniger aus einer Synthese sondern vielmehr aus Kombinationen in Schnittstilen, Farben und Materialien – und entsprechend heißt die Kollektion auch „Two Halfes“.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Global Fashion Collective (GFC) zeigte zum ersten Mal vier Schauen plus Showcases in Paris, im repräsentablen Palais de la Décoverte (im Westflügel des Grand Palais) im 8. Arrondissement. Neun internationale Labels waren vertreten: Kirsten Ley (Kanada), Annika Klaas und Madeleine Mesam (Deutschland), Ozlana (Australien), Faun Studio (Kanada), Pariha (Indien), EmulEos (USA), Erxi x MrHuaMrsHua (China), Sarah Kosinski (Frankreich), Devotion Designs (Kanada). Der Herstellerverband ist eine Erweiterung der Vancouver Fashion Week und zeigt in halbjährlichem Rhythmus in wechselnden Modestädten der Welt vielversprechende Nachwuchsdesigner, und das bereits in der 34. Saison. Manchmal sind sehr überraschende Designkonzepte vertreten, in der Regel aber marktfähige Gestaltungen. Der Verarbeitungsanspruch ist hoch, ausgesucht wird sowohl Prêt-à-Porter als auch Erleseneres förderungswürdiger Designer. Kurz vor der Paris Fashion Week war das Global Fashion Collective schon auf der New York Fashion Week mit anderen Kollektionen aufgetreten.

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Die Eröffnungsschau „Fractura“ war von Kirsten Ley aus Canada und das war auch optisch die spannendste der Serie. Die Teile waren ungewöhnlich und einfallsreich in den Schnitten und Strukturierungen, die Farbpalette auf Kontraste mit Blau und Gelb bzw. Grün konzentriert. Diverse Materialien, darunter Seide, Chiffon und auch Leder wurden ebenfalls vorsichtig kontrastierend eingesetzt, fließende Stoffe gegen harte Linien und Schnitte. Alle Teile sind, soweit wir erfahren konnten, in Eigenarbeit handgenäht.

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Das Label Faun von Marisa P Clark startete erst 2018, seitdem hat die Kanadierin (London College of Fashion Graduate) schon auf den Fashionweeks in Vancouver, New York und Los Angeles gezeigt. Ihre Kollektion „The Collectors“ verbindet einfache, moderne Silhouetten mit tropischen Mustern. Die Sachen sind sehr weiblich mit einer Note Eigenwilligkeit (z.B. hoch ansetzende Shorts und Röcke), im Wesentlichen aber auch recht konventionell.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Tranoï ist wohl die größte Messe / Showroom-Veranstaltung (Fashion Tradeshow) während der Fashionweek Paris und ist deswegen auch an zwei großen Orten und weiteren kleinen untergebracht. Geordnet ist sie in mehrere Sektionen von Suborganisatoren, die jeweils ca. vier bis acht Designerlabels vertreten, meist an Herkunftsländern orientiert. Das Spektrum ist entsprechend groß und bevor man sich darin verliert tut man gut daran, sich auf bestimmte Interessen zu konzentrieren. Wir fanden, dass „exotische“ Herkunftsländer ein interessanter Focus wäre, deren kulturell bedingte Gestaltungsansätze sich in unseren Breiten wenig Geltung verschaffen können, die aber doch stark inspirierende Kraft haben. So landeten wir in einem Bereich aus Südkorea, wo asiatischer Charme, Kitsch, Farbenfreude und großes Know How in der Couture einen bestimmten Aspekt asiatischen Lifestyles repräsentieren, aber auch allgemein zeitgenössische Lifestyleinteressen. Die Label Greedilous, Vegan Tiger (beide Korea) und Yumi Katsura (Japan) fielen uns besonders ins Auge, wobei Yumi Katsura allerdings eher eine traditionsbewusste Ausprägung repräsentiert.

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Greedilous ist das Label von Youn Hee Park , eine jungen Designerin mit aufregendem, rebellischem Schaffensgeist und einem breiten Ansatz verschiedener Ideen, Verfahren, Objekte und Materialien. Eine Neigung zu Glamour und Auffälligkeit und zu leicht psychedelischen Erscheinungsbildern (Digitalprints) verbindet sie mit gestalterisch sorgfältiger Systematik und geschmacklich klaren Formulierungen, die letztlich auch ungewöhnliche Kombinationen stimmig erscheinen lassen. Die Bandbreite der Schnitte reicht von Oversized über Hippielook bis hin zu vielen klassischen Anteilen. Der Topf der Motive ist ebenfalls groß, von Drogenästhetik der 70er Jahre über Fiorucci der 80er bis zu strengen Geometrien bringt sie alles geschickt zusammen, der PC als Gestaltungsinstrument macht’s möglich.

Ihre aktuelle Kollektion ss2020 zeigte Greedilous kürzlich auch auf einer Schau auf der Seoul Fashionweek und in Südkorea ist es ein recht angesagtes Modelabel.

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Vegan Tiger aus Seoul ist ein engagiertes Label pro Tierschutz, auch in Korea gibt es einen konkreten „Vegan fashion trend“. Streng genommen unterscheidet sich vegane Mode von umweltfreundlicher Mode, obwohl die Ausdrücke oft synonym verwendet werden. Etwas Veganes folgt möglicherweise nicht unbedingt den Best Practices für die Umwelt oder umgekehrt, aber die beiden gehen oft Hand in Hand. Die pelzfreien Pelzmäntel und seidenfreien Seidenroben sind weich und luxuriös, aber „ohne die Kosten der Brutalität gegen Tiere“.

Die Kollektion von Yoona Yang verzichtet also explizit auf tierische Materialien (z.B. Seide, Daunen und Angora, besonders Tierfell) aber mit dem Anspruch, auf die entsprechenden Looks (Leder, Seide, Wolle sowie Fell) nicht zu verzichten. Ein Teil der Einnahmen fließt in die Kampagnenkosten für „Tiere und Umwelt“. Damit demonstriert der Käufer ein weltanschauliches Statement und das für unsere Anschauung vielleicht etwas kindliche Gespenst als saisonales Kollektionsmotiv versteht die Designerin auch als übertragendes Symbol aus der asiatischen Kultur im Sinne einer lebensphilosophischen Haltung. Ansonsten sind die Schnitte und Erscheinungen eher klassisch. Auch Vegan Tiger ist in Korea bereits ein etabliertes Label im Prêt-á-Porter Segment.

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Yumi Katsura ist in Japan ein Klassiker, sowohl im Bereich der Luxus-Couture als auch in Prêt-à-porter, Men’s Couture und Hochzeitsmode. Exquisite Abendkleider und Haute-Cuture mit komplexer Raffinesse sind ihre eigentliche Domäne, mit der sie seit langem erfolgreich ist und auch im letzten Jahr eine Schau zur ss2019 Haute Couture in Paris hatte.

Mit der aktuellen Kollektion „The Poetry of Suminagashi“ experimentiert Yumi Katsura focussierter mit der Verbindung traditioneller japanischer (Kleidungs)Ästhetik bzw. kunsthandwerklichen Motiven und Techniken (Marmoriertusche, Kalligrafie, Verlaufsfärbung) und zeitgenössischer, internationaler Eleganz.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist bemerkenswert, dass der holländische Modedesigner Irving Vorster auch dieses Jahr die Gelegenheit ergreift, auf der Fashionweek Paris eine Schau anzubieten, die immerhin mit vielen groß und teuer angelegten konkurrieren muss und es ist auch kulturpolitisch richtig, dass in solchem Kontext eine staatliche Institution wie das Institut Néerlandais da Unterstützung gibt. (Irgendwie ist es auch schade, dass man vom Goethe Institut diesbezüglich nichts hört.)

Irving Vorster hat seine Arbeit mittlerweile vorteilhaft weiter entwickelt, er hat die grobe geometrische Grundformulierung seiner Damenkollektion in mancherlei Hinsicht tiefer ausdifferenziert und verfeinert. Das rechtfertigt die Beteiligung am Luxussegment erheblich, denn damit bewegt sich die eher platte Formulierung des Konzeptes hin zu einer detailverliebteren Auseinandersetzung mit ästhetischem Raffinement, zumindestens teilweise. An dem Punkt ist bekanntlich viel Luft nach oben und die Klientel entsprechend verwöhnt, gerade auf dem französischen Parkett.

In den gestalterischen Details und Teilsegmenten der Gesamtgestalt bringt Irvinx mit Contour Noir II auch spielerische Formexperimente an kulminierenden Stellen unter (z.B. im Hals-Schulterbereich). Neben den zusammengefügten Formen tauchen nun auch feine (rote) Linien auf, die geometrischen Streifen verzahnen sich oft besser und wirken nicht mehr so aufgesetzt. Die Farbpalette ist nach wie vor eingeschränkt auf Schwarz, Weiß, Silber und Violett, also unterkühlt, neu sind ein paar vorsichtige Einsprengsel in Rot. Die Direktheit der Flächenarrangements berücksichtigt zunehmend die Weiblichkeit der Gestalt, es bleibt aber unentschieden zwischen eigenständiger Form und Anpassung. Der modehistorische Bezug zu den 60er Jahren emanzipiert sich etwas eigenwilliger vom bereits Bekannten (die schräge Linienführung zum Beispiel kommt a priori dynamischer daher als die orthogonale Geradlinigkeit eines Yves Saint Laurent). Gleichwohl bleibt der konstruktivistische Ansatz durchweg prägend und transferiert die modische Grundidee der Gegenwart in ein gehobenes Segment. Die wilden und experimentell radikalen Ansätze beispielsweise des „Berliner Styles“ sind hier nicht wirklich von Interesse, es wäre aber durchaus spannend, wie man die auf dieser Ebene geschmackssicher kultivieren könnte (denn das Interesse haben die Berliner ja eher nicht). Es wird sich in Zukunft zeigen, wenn Irvinx den eingeschlagenen Weg experimentell bzw. innovativ ausbaut und das Kriterium der Raffinesse dabei die entscheidende Rolle spielt. Sein Grundkonzept gibt das gut her.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Auf der Suche nach jungen, aussagestarken Modedesignern in Paris war das Berliner Label Namilia ein absoluter Flash. Und das, leider, ohne eine eigene Schau. Sie präsentierten ihre Kollektion „Join the Resistance“ stattdessen im DACH-Showroom, der diverse junge Labels aus Deutschland, Österreich und der Schweiz in Paris während der Fashionweek vorstellt.

Nan Li und Emilia Pfohl, die beiden Designer von Namilia, haben bereits eine beachtliche Fangemeinde, nicht zuletzt auch wegen des Umstandes, dass sie bereits auf der New York Fashionweek Schauen hatten, wofür sie auch angemessene Unterstützung im Vorfeld bekamen. Eine Berlinschau können sie sich (noch) nicht leisten, mangels solcher Unterstützung. Dabei arbeiten sie dort und haben dort auch studiert.

Nach ihrem Studium an der UdK zogen beide nach London, machten da einen Masterabschluss und diverse Praktika und fanden von dort aus den Kontakt zur New York Fashionweek. In London selbst gelang der Anschluss in die Modewelt weniger, weshalb sie nach Berlin zurückkehrten.

Aber so erscheint nun die New York-Berlin-Connection als ein prägender Gedanke, der nicht ganz oberflächlich sein muss. Bei dieser Mode wirkt die Achse der Westkultur als pointiertes Lifestyle-Agglomerat, denn in ihr verschmelzen Fantasy, Sex, Futurismus und vor allem Frauenemanzipation zu einem sehr überzeugenden Statement. Und das reduziert sich auch nicht nur auf Zugehörigkeitscodes, sondern vermittelt individuelle, expressionistische Aussagekraft auf sehr hohem und gewagtem Niveau. Dabei sind alle Teile sicher im Geschmack, innovativ in den Gestalten und sehr detailliert in den vielen besonderen Ideen, die alle zueinander passen und auch noch verschiedene Varianten anbieten. Die Verarbeitung der Materialien – zumeist festes Kunststoffgewebe und vermutlich nicht nachhaltig – ist perfekt und liebevoll. Und selbst wenn es bedauerlich sein mag, dass hier der Nachhaltigkeitsanspruch nicht einbezogen ist, so sind doch die vorgeführten Perspektiven auf eine Zukunft und ein gesellschaftliches Selbstverständnis sehr vielen anderen Modemachern um Längen voraus. Schon die herausgearbeitete Interpretation von Frauenemanzipation ist avantgardistisch und stark, ohne dabei die erotische Spezifik über Bord zu werfen – im Gegenteil! – oder sich in Kleinklein zu verlieren. Gendercrossing ist darum eher kein Problem, dem das Duo sich konzentriert widmen müsste, denn es lenkt vom zentralen Gedanken ab.

Die Kultur der PC-Fantasyspiele hat in dieser Hinsicht ohnehin schon längst unsere Gegenwart in Richtung Zukunft verlassen und dabei auch soziopolitisch neue Vorstellungen entwickelt. Aber auf andere Bereiche der Kultur hat sich das bisher nur randständig niedergeschlagen, weder ästhetisch, noch philosophisch. Die Mode von Namilia profitiert sehr vorteilhaft von solchen Vorstellungen und macht es vor. Sie tritt ebenso kosmopolitisch auf wie die Gamerkultur und es gelingt ihr, das Utopistische mit der Gegenwartsrealität zu verknüpfen.

Trotz allen Wettstreits um innovative Gestaltungslösungen der Modekultur der letzten zwei Jahrzehnte, in denen die Standpunkte der Designs eher auseinanderdrifteten als sich verdichteten, gab es unterm Strich nur Lösungen für dezidierte Gruppierungen und keine einheitliche Perspektive im Sinne einer Avantgarde. Die futuristischen Ansätze der 80er Jahre waren längst wieder verworfen (Mugler,  Gauthier & Co. fristen immerhin noch ein angesehenes Dasein im Rummel) und über lange Stecken verstrickten sich die ästhetischen Gestaltungsmodi in dekonstruktivistische und konstruktivistische Verfahren und Samplingmethoden, ohne zu einer wirklichen Linie zu finden – bis heute. Nan Li und Emilia Pfohl, die beiden Designer von Namilia, beteiligen sich nicht an dieser Strömung und schlagen sich auch nicht mit den anti-ästhetischen Statements vieler Berliner Kollegen herum. Ihre Sachen kommen sehr geradlinig und trotzdem differenziert daher. Schon die betont feministische Seite der Entwürfe legt sich durchaus attraktiv und weltanschaulich fest – sie nennen es neue „Religion“: „Eine Religion, die keine sexuellen Tabus kennt. Eine Frauenreligion.“ Patriarchismus und die „Ewige Sünde“ lassen sie hinter sich oder wollen zu mindestens mit der provozierenden Gestaltung das klassische Interaktionsmodell in Frage stellen und durch den Entwurf eines neuen, starken und hedonistischen Selbstbewusstseins ersetzen. Dabei jonglieren die beiden Designer stets bewusst auf der Kante zwischen rebellischer Provokation und utopistischer Vergegenwärtigung und genau das verleiht ihrer Mode diese starke Faszination. Und nicht zu vergessen: Der letztlich spielerische Umgang mit alledem ist wunderbar.

Zugegeben, die gestalterischen Einflüsse sind nicht neu, fast alle Gestaltungsmittel und -konnotationen der Namilia-Kollektion gab es schon, ob in den 80ern, den 00er Jahren, in der Fetischszene, in der Fantasy-Spielewelt, in der Gothicszene, in der Arbeitskleidung und sonstwo. Man erlebt sie hier aber nicht als zitierende Additionen sondern als klug gemachte Synthese, darin liegt ein entscheidender Unterschied, vielleicht sogar der Vorsprung gegenüber den elaborierenden (De)Konstruktivisten. Gleichzeitig legen die Gestalter auch noch wert auf guten Geschmack, der anderswo leichtfertig negiert wird.

Wenn Namilia gesellschaftsfähig wird, sind wir in mehrfacher Hinsicht schon einen guten Schritt weiter. Vorerst reicht es aber schon, wenn der verdiente Erfolg sichtbarer wird.

In Ermangelung besserer Anschauung verweisen wir ausnahmsweise auf die Videodoku der ss19 Schau in New York. Der Soundtrack dazu bestätigt außerdem die radikale Haltung.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es war ja so vielversprechend: Eine große Schau im Freien, mit großem Laufsteg unter dem Eiffelturm und Défilés vieler Designer – die repräsentative Abbildung im Internet mit magischer Abendbeleuchtung, großem Publikum und erhabener Atmosphäre machte große Lust auf die Veranstaltung. Fantastisch.

Real war es dann doch entschieden anders: die Schau fand nachmittags in eher neutralem Ambiente statt, nämlich in einem Pavillon auf der ersten Etage des Eiffelturms (immerhin mit Ausblick), vor geschätzt 100 bezahlenden Gästen (jeder bekam einen VIP-Badge).

Vorher musste man unzählige Durchlass-Kontrollen passieren, die sogar das rechtzeitige Eintreffen von Modellen verhinderten. Der ziemlich nebulösen Organisation hatten wir zuvor wenig Beachtung geschenkt, ein bis zuletzt unbekanntes Programm von zwei mal neun Designerdéfilés reichte dann über vier Stunden und verlangte Durchhaltevermögen, auch wenn der Ablauf nach erwähnter Verzögerung recht glatt und zügig ging. Die Design-Labels waren alle amerikanischer Provenienz, die den Durchbruch auf dem europäischen Markt suchen, also in Europa nichts Bekanntes, nichts besonders Innovatives, so etwas wie amerikanischer Chic oder Lifestyle.

Das Publikum hatte manchmal Aufregenderes zu bieten.

Wie das tolle Ankündigungsfoto entstanden ist, wissen wir nicht, die betreffende Veranstaltung war zweifellos ein entschieden packenderes Kaliber. In der überraschend anders geprägten Realität dieser Vorstellung vergewisserten wir uns mit gelegentlichem Blick aus dem Fenster des besonderen Nimbus‘ und der Erhabenheit des Ortes mit Paris zu Füßen. Die Designer des Programms haben für diesen Event dennoch ihr Bestes gegeben, die Models auch und das Publikum nahm hin was kam und blieb freundlich. Wir auch. Ein paar Impressionen haben wir mitgebracht, es hat uns ja viele Stunden gekostet, und so zeigen wir von der ersten Hälfte jeweils ein paar repräsentative Beispiele:

Christo furs ist ein amerikanisches Label mit mehreren eigenen Geschäften, das auf exquisite Verarbeitung von Pelz und feine Lederwaren spezialisiert ist. In den USA ist Christos Taltsidis auf diversen Salons und Veranstaltungen vertreten.

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Sylvie Dahi hat Berichten zufolge nie eine Nähnadel in der Hand gehabt, ihre Entwürfe sind Projektionen aus der Fantasie. Entsprechend sitzen sie auch nicht immer gut, sind dafür aber eher großzügig ausgeprägt. Ausgebildet in Nizza hatte sie danach bereits Schauen in Ottawa (Canada) und Sidney (Australia).

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Jus10H wurde vor 8 Jahren von Justin Haynes gegründet. In den Vereinigten Staaten ist er mit Fashion Shows in TV-Sendungen präsent, und an vielen Orten mit Shops und Veranstaltungen unterwegs und im Internet mit Mode aktiv. 53 Kollektionen hat er bisher vorgestellt und mit Schauen in London und Paris sucht er dieses Jahr sich auch in Europa sich einen Namen zu machen. Very US-Style, wie wir finden.

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Femata Couture by Louise Tauali’i ist aus Melbourne, Victoria – und hat auf Twitter zu Gott gebetet, dass der Parisauftritt klappt. Auf der New York Fashionweek war sie diese Saison auch schon. Ihre Mode hat eine Botschaft: „Mode mit einem Ziel – Liebe dich selbst, liebe Gott und liebe Gottes Volk. Femata Couture ist ein Modelabel mit einem Zweck. Wir konzentrieren uns darauf, alle Generationen dazu zu bewegen, sich selbst und die Welt um sie herum wahrzunehmen.“ Das sieht man der Kollektion so nicht an, aber viel mehr gibt es dazu erst einmal auch nicht zu sagen.

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Nadia Azumi kommt ebenfalls aus den USA, hat allerdings einen kulturell breiteren Horizont, soweit er in ihre Mode einfließt. Mit vielen Japanern studierte sie in San Francisco. Mit einem Japaner verheiratet, hat sie enge Beziehungen zur japanische Kultur und Ästhetik, sie überträgt Färbungen, Muster, Farbholzschnitte auf Kleidung. Spezialität ist ihre Handbemalung unterschiedlichster Seiden, eine Leidenschaft, der sie seit 16 Jahren frönt und die diese Schau heraushebt.

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Tiffany Brown ist ein etabliertes US-Designlabel für Prêt-à-Porter, Schuhe und Handtaschen. Anspruch ist ein zeitloser Stil, für alle Generationen und Größen und bezahlbare Preise.

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Camellia Couture konzentriert sich auf Luxus-Kinderkleidung. Die Grundlagen (nähen, entwerfen) für ihre Arbeit hat die Designerin namens Debbie sich selbst beigebracht und die ideale Gestalt des Mädchenkleides sind nach eigenem Bekunden „the big princess styleball gowns“.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Das Designers Apartment ist ein Showroom im Palais de Tokyo bei der Fashionweek Womanswear im Spätsommer. Es ist das Supportprogramm für Nachwuchsdesigner der Fédération de la Haute Couture et de la Mode und wird von DEFI unterstützt. Teilnehmer sind zumeist Designer, die in Paris geschäftlich und gestalterisch Fuß fassen wollen und schon einen Abschluss und oft diverse Preise vorweisen können. Nicht selten wurden sie zuvor für Hyères entdeckt und die meisten waren schon im Vorjahr dabei. Sie haben mit ihrer Arbeit meist besondere Ansprüche, sei es im Ästhetischen, im sozialen oder im geschäftlichen Bereich – soweit die Selbstdarstellung der Institution.

Die von einer Jury bestimmte Teilnahme am Designers Apartment ist begehrt, denn damit einher geht ein professionelles Coaching und auch professionelle Betreuung über die Fashionweek hinaus. Wenn sie überzeugend arbeiten, bleiben die Designer auch zukünftig im Programm. Mit der „offiziellen“ Präsentation im Palais de Tokyo und im Internet geht es auch darum, kommerzielle Kontakte mit etablierten Unternehmen zu ermöglichen, was auch meistens gelingt (dieses Jahr z.B. eine Kollektion für La Redoute von Dawei).

Wie gesagt, das Designers Apartment ist eine Einrichtung, die einem Anspruch der Fédération de la Haute Couture et de la Mode, Nachwuchs zu fördern, gerecht werden soll. Das ist gut, gut gemacht und funktioniert darum. Aber die Ambition ist damit quasi ausgelagert, denn es passt wenig zu dem Image, das die große Institution uns sonst vermittelt hat: sie selbst zeigt sich in der Realität Sympathisanten und Unterstützern der Nachwuchsunterstützung gegenüber französisch unbeweglich, selbstherrlich und arrogant – mitnichten partnerschaftlich. An der Stelle ist der französische Dachverband noch nicht auf der Höhe internationaler Gepflogenheiten.

Aber die Fördermaßnahme Designers Apartment wird ambitioniert realisiert, funktioniert und wäre ein gutes Beispiel für Berlin.

Dieses Jahr vertreten waren immerhin 13 Teilnehmer: ALPHONSE MAITREPIERRE, ARTHUR AVELLANO, BOYAROVSKAYA, DAWEI, EGON LAB, ESTER MANAS, GAMUT, GNDR, KENTA MATSUSHIGE, MARIANNA LADREYT, MOSSI, SADAELS, SAVOAR FER, einige davon kennen wir schon aus Hyères, viele aus dem letzten Jahr am selben Ort.

Alphonse Maitrepierre war früher Assistent bei Jean Paul Gaultier und ist 24 Jahre alt, sein Label erst eins. Die Kollektion ist zwischen Prêt-à-porter und Couture angesiedelt. Upcycling ist ein Schlüsselprinzip dabei, Leder, Seide, Spitze und Kunststoffe sind bevorzugte Materialien. Konstruktion und Dekonstruktion, Kontraste, Epochen- und Verfahrensmixe interessieren ihn besonders und er schätzt die Bezugnahme zu berühmten Designern der Vergangenheit. Gestalterisch entstehen daraus Mischungen zwischen klassischem Verständnis und moderner Anschauung.

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Arthur Avellano war schon letztes Jahr unter den Teilnehmern. Hinzugetreten zu den Latexexperimenten sind große Streifenmuster, die er verschieden akzentuierend erprobt.

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Boyarovskaya war ebenfalls schon letztes Jahr vertreten, zu dem typischen Manteldesign sind nun ungewöhnliche Drucke hinzugetreten und kleine Experimente ungewöhnlicher Schnitte.

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Dawei sahen wir auch schon letztes Jahr, der Gestaltungsansatz ist eher klassisch mit innovativen Akzenten, hier ebenfalls Streifen.

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Egon Lab ist ein noch junges Label und zeigt hier seine erste Kollektion. Laut Selbstauskunft ist Sid Vicious eine Hauptinspiration, das große Schwarzweiß-Muster über Hosen und Mantel ist ein sichtbarer Bezug. In den eigenen Kollektionsbeschreibungen tauchen überhaupt diverse Plattitüden zu Zukunft und Unisex auf, die in der Gestaltung aber wenig durchschlagen. Irritierend dazu sind dann Kleidungsstücke mit romantisierenden Rokoko-Motiven.

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Ester Manas kennen wir aus Hyères mit ihrer One-Size-Fits-All-Philosophie. Überraschend war eine Vitrine, in der sie Alltagsprodukte witzig mit ihrem Namen vorführte und rätselhafte Accessoires zeigte.

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Gamut („Heute steht der Begriff im Zusammenhang mit der Farbpalette und ist die Menge aller Farben, die ein Gerät darstellen, wiedergeben bzw. aufzeichnen kann.“ Wikipedia) ist ein Pariser Modekollektiv mit drei männlichen und drei weiblichen Designern. Eine eher familiäre Verbindung mit trotzdem sehr individuellen Gestaltungsvorstellungen. Oft hat die Gestaltung spontan-intuitiven Charakter, die Kollektion an sich ist sehr verschieden. Jedes Einzelteil hat aber etwas Besonderes mit Pfiff und versteht sich als Element zwischen Menswear und Womenswear, zwischen Sportswear und Couture, alles als eine Art „Kaleidoscopic Style“.

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GNDR war letztes Jahr auch schon dabei, das Prinzip provokanter Textaufdrucke setzt sich fort.

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Kenta Matsushige hat die leicht japanisierende Gestaltungsästhetik aus dem letzten Jahr fortgeführt, besonders eine Hose zeigt da ein raffiniertes Experiment.

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Marianna Ladreyt hat in Hyères 2017 den Prix Chloé gewonnen und den frischen Badeurlaubsstil weiter ausgebaut. Das kleine Palmenmotiv als Aufdruck hat sie, quasi als Code des Gedankens, wieder in die neue Kollektion übrnommen.

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Mossi selbst stammt ursprünglich aus Mali und hat bereits seit einigen Jahren bei rennommierten Fashionschauen anderer Designer maßgeblich mitgewirkt. Ungewöhnliche Schnitte und innovative Ideen führen sonst eher bodenständig-klassische Kleidungsstücke zu ganz neuer Repräsentanz.

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Sadaels ist ein Belgisch-Argentinisches Label mit Sitz in Paris. Mit klaren Schnitten und Farben, ungewöhnlichem Material wie gelackte Oberflächen und einem deutlichen Touch Futurismus sucht das Label einen Platz zwischen klassischer Ästhetik und radikalem Modernismus. Kleine Akzente für Sexyness ergänzen die lebendigen Entwürfe.

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Savoar Fer war ebenfalls schon im letzten Jahr im Designers Apartment. Das Bodenständige ist den Kleidungsstücken erhalten geblieben aber das Raue in den Nähten und Schnitten ist deutlich zurückgenommen. Eliane Heutschi besetzt damit eine recht eigenständige Position, die, so kann es etwas verwundern, im eleganten Pariser Spektrum immerhin eine respektvolle Aufmerksamkeit erhält.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sie sind ein außergewöhnliches Phänomen der Berliner Modekultur der Gegenwart: Auf der Berliner Fashionweek sind Alexandra Roehler und Johanna Kühl mit Kaviar Gauche seit einigen Jahren nicht mehr präsent, umso konsequenter dafür jährlich auf der Fashionweek in Paris mit ihrer Bridal-Kollektion. In der Modestadt gelten sie mittlerweile als das relevanteste deutsche Label im Luxussegment. Dem Anspruch folgt das Designerduo auch mit einer Location, die selbst in Paris ihresgleichen sucht, dem Hôtel Le Marois France Amériques, ein opulenter Rokokopalast im edlen 8. Arrondissement gegenüber dem Palais de la Décoverte. Von der Strasse aus unauffällig zurückgesetzt, ist das höchst gepflegte Gebäude ein Traum an verfeinertem Luxus und eine Insel vergangener Geschmackskultur, an der die raue Gegenwart französischer Sozialprobleme gar nicht so weit unbemerkt vorbeirauscht – wie es vor 1789 ja auch schon so war.

Ein idealer Ort für die Schau der „Bridal Couture“ von Kaviar Gauche, und auf subtile Weise auch dem Labelnamen gerecht werdend. Dem entsprechend ist das historische Ambiente keineswegs ein Signal der Rückwärtsgewandheit ästhetischer Kategorien, sondern die Classe der Schönheit von Luxus an sich ist das optische Terrain, in dem sich die Kollektion mit durchaus zeitgenössischem Anspruch definiert. Brautmode kann das natürlich am Schlüssigsten, die erwähnte Traumhaftigkeit des edelsten Lebensmomentes materialisiert sich hier, wo der Alltag quasi zurückbleibt.

Es ist das zehnte Jubiläum der exklusiven Bridal-Couture-Linie von Kaviar Gauche. Die Ingredienzen der Gestaltung sind unverändert: Aufwändige Spitze verschiedenster Technik und Wirkung, verfeinerte Transparenzen – zart aufgetragen oder vervielfältigt gebauscht, schlichte aber wirkungsvolle Drapierungen, hautnah und voluminös im Wechsel und natürlich extrem reduziert im chromatischem Spektrum von verschiedenen Weißtönen. Neu sind aktuelle Einflüsse in der Proportionierung der Volumina (die ästhetisch nicht immer vorteilhaft sein müssen) und der gelegentlichen Schulterbetonung sowie große Ärmel. Die von Kaviar Gauche gewohnte Synthese aus romantischem Flair und streng-schlichter Formgestaltung bei gleichzeitig subtilem Anspruch an Eleganz ist nach wie vor die attraktive Besonderheit des Designs und läßt sich bei der Reinheit der Farbgebung auch besonders gut herausarbeiten. Kongenialer Schmuck und Accessoires ergänzen die stimmigen Looks. Auf Sexyness verzichten die beiden Designerinnen auch weiterhin nicht, besonders die Beine dürfen beim Ausschreiten oft offen hervortreten und geben der gesamten Linie einen zusätzlichen Drive. Das Spiel mit den Transparenzen und viele Schnittentscheidungen ergänzen diesen Anspruch: Die Braut ist und bleibt selbstbewußt, jung, weiblich und modern.

Unterm Strich ist es schon bemerkenswert, dass ein deutsches Label über den Umweg Paris im eigenen Land reüssiert. Aber angesichts des Umstands, dass Eleganz hierzulande eher ruchbar ist, scheint es wiederum ein schlüssiger Weg zu sein, den Umweg über die Station Paris als Ort des gelebten eleganten Chics zu nehmen, wenn man in der Stadt der Antiästhetik Berlin ein Terrain in der Modelandschaft erobern beziehungsweise behalten will.
Und sowieso: Kronprinzenpalais hin, Schloss Charlottenburg her – einen Ort wie das Hôtel Le Marois France Amériques findet man hier eben auch nicht, dagegen ist das Adlon ein modernistischer Pseudotempel.

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