Text & Bilder: Boris Marberg

Das Designer-Duo Otto Drögsler und Jörg Ehrlich ist schon seit langem mit ihrem Label Odeeh ein fester Bestandteil der deutschen Modeszene und kann immer wieder mit ausgeprägter Stilsicherheit punkten. Für die Präsentation der neuen Kollektion hat man in den Berliner Hauptsitz der Marke an die Potsdamer Straße eingeladen. Keine klassische Modenschau wurde hier gezeigt, sondern eine kreative Installation, die den Charme, den gestalterischen Ansatz der beiden Designer sowie die konkreten Looks als Ergebnisse der neuen Kollektion vermitteln sollte. Skizzen zu Entwürfen, Stoffballen, ein Nähmaschinen-Arbeitsplatz, alles, was man im Atelier so findet und benötigt, bildete den Rahmen für diese Installation, in welcher zwölf Modelle sportlich elegante und individuelle Looks dem geladenen Publikum zeigten.

Bis auf einen der gezeigten Looks sind diese Damenkleidung. Das ist meistens so bei Odeeh. Oft sind die Herrenlooks nur eine sinnvolle Ergänzung, ein Kontrapunkt oder die kreative Spiegelung. Hier wurde für die neue Kollektion viel mit leicht angedeuteten A-Silhouetten gespielt, geschickt schwere Materialien bei Mänteln in Kontrast zu leichten, fast sommerlichen und fließenden Stoffen gesetzt. Das wirkt verspielt und dennoch vermitteln die Konstruktionen eine grundsolide Basis, nichts wird überzogen dargestellt, nichts wird karikiert. Hier stimmt, wie auch in den letzten Jahren, alles zusammen – die flauschige Applikation greift die Farben des großflächigen Drucks auf, und ein Reiterhut ist die konsequente Abrundung eines robusten, sportlichen asymmetrischen Damenmantels in Grau, unter dem frech eine gescheckt gemusterte leichte Hose hervorscheint. Die Drucke und Muster überzeugen durch Individualität. Ein kleines Repertoire an fransigen Kleidchen in leuchtendem hoffnungsvollem Grün oder in kühlen, schimmernden Blaugrau ist ebenfalls sehr ansprechend. Als Akzent finden sich immer mal wieder aus verschiedenen Steinen, Perlen und Anderem zusammengestellte Broschen. Die Details machen es aus. So sind die meisten Schnürsenkel der Schuhe offen und vermitteln einen Hauch von Improvisation und einen nicht ganz finalisierten Look, der noch in Entwicklung ist.

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Text & Bilder: Boris Marberg for BFW

Avenir, gegründet von Sophie Claussen, setzt auf einen nachhaltigen Produktionsansatz, grundsolides Handwerk und Mode, die tragbar und zeitlos ist. Die Kollektion „Commute“ richtet sich dabei an ein Publikum, das sich im städtischen Umfeld bewegt, Alltag und Arbeitswelt zusammenbringt und den erfrischenden Auftritt schätzt.

Präsentiert wurde die Kollektion mitten in der Innenstadt, auf der Varian Fry Straße, nahe dem Potsdamer Platz. Das passt, denn die Kleidung soll ja auch auf der Straße getragen werden, zum Beispiel beim Pendeln. Sommerliches Wetter hatte sich zur Schau leider nicht eingestellt, dafür herrschten dann gleich realistische Bedingungen für die Modelle, welche die Kleidung präsentierten.

Farblich hingegen kommt die Kollektion angenehm warm und pastellig daher: Lavendel, Mint, Grün und Cremetöne prägen die Looks. Die lockeren Oberflächen und Volumen vermitteln eine gute Tragbarkeit und sind auch ideal für unterschiedliche Konfektionsgrößen umsetzbar, so dass ein weites Publikum erreicht werden kann, auch generationenübergreifend. Sehr ansprechend sind Kleider und Kombinationen mit kleinen ausgestanzt wirkenden Oberflächenstrukturen, die gewoben wirken aber handgestrickt sind – umgesetzt bei Damenkleidung. Für Herren werden einige fein transparente und körperorientierte Kreationen gezeigt. Männer dürfen sich mit Avenir auch in der kommenden Saison sehr luftig zeigen, was bisher eher Frauen vorbehalten war. Für diese stehen ein paar sehr raffiniert umgesetzte Schlauchkleider bereit, die insbesondere feine, eingedrehte Drapierungen an der Taille und an den Halsbündchen aufweisen, die sehr feminine Silhouetten bilden.

Daneben stehen Denim-Konstruktionen, Patchwork, reliefartige, nach außen tretende Nähte um schachbrettartige Oberflächen bei Rock, Hose und Blazer. Das wirkt auf den ersten Blick reptilienartig und erinnert an Krokodilleder, wenn auch in Denim-Look. Eine gestalterisch besonders innovative Linie läßt sich nicht ausmachen, eher verhaltene Experimente mit den nachhaltigen Materialien. Die letzten beiden präsentierten Looks bilden einen Kontrast dazu: Zwei Mäntel, kurz und lang gehalten, wirken wie aus wild geschichteten, groben große Papierfetzen zusammengesetzt, ausgefranst und geschichtet. Eine spannende Konstruktion, die sehr hell und licht gehalten ist und damit zum Eye-Catcher avanciert.

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Text: Boris Marberg und Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg für BFW

Im Jahr 2020, als Sophie Claussen ihr AVENIR gründete, war der Anspruch einer konsequenten ökologischen Ausrichtung noch ein herauszuhebendes Merkmal für ein Kollektionskonzept, inzwischen aber steht man damit längst nicht mehr allein. Infolgedessen gerät ein zeitgemäß nachhaltiges Label in Zugzwang zur Konkurrenz, entweder mit spezifischer Verarbeitung oder mit distinguierter Gestaltung.

In dieser Hinsicht aber bietet Avenir eher nichts Atemberaubendes, vielmehr finden wir in der Herbst-/Winterkollektion 2024, Sweat, einen Querschnitt gestalterischer Trends und Moden der letzten paar Jahre – solide gemacht und eher konventionell-modern angelegt. Architektonische Schichtungen machen noch immer das Wesentliche der Entwürfe aus, dazu lose, lange Bänder, offene Nähte, verlängerte Ärmel und variierende Angebote zwischen Klassisch und Alltagstreetwear. Eine Orientierung an Jahreszeiten zeigt, auch bei der Funktionalität der Ausrichtung, eher keine nennenswerten Unterschiede. Gleichwohl möchte sich das Label mit der Kollektion Sweat mit den Auswirkungen der Erderwärmung auseinandersetzen und geht davon aus, dass sich hieraus modische Bedürfnisse ergeben. So ganz erkennbar wird das Anliegen über den Titel hinaus aber noch nicht.

Gestalterisch wird viel mit Schichtungen gearbeitet, so dass die jeweiligen Looks sich leicht an die sich geänderten Situationen und Wetterlagen über den Tag hinweg anpassen lassen. Dabei sollen sich auch in der Farbpalette die Temperaturschwankungen widerspiegeln. Diese ist in den klassischen Herbstfarben gehalten, welche auch aus ökologischen Aspekten heraus mit am nachhaltigsten umsetzbar sind. Umgesetzt wird dies mit Strickkleidung, Jeans und viel Patchwork bei Jacken. Die Konstruktionen sind großflächig angelegt mit lockeren und bewegungsfreundlichen Volumen. Viele Looks sind vertikal in die Länge gezogen und legen die Schichten dynamisch frei. Hierdurch entstehen Brüche, welche die Silhouetten und das Konstruktive betonen. Durchgängig wirkt die Kollektion tragbar, funktionell und sehr individuell, ohne abgehoben zu sein und Bodenhaftung zu verlieren. Sie ist damit zu verschiedensten Anlässen und sozialen Umfeldern passend.

Avenir bietet zwei Linien an, eine für maßgeschneiderte Kreationen und eine „konventionelle“ Kollektion.

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Text & Bilder: Boris Marberg

„braveNEWworld“ nennt Rebekka Ruétz mutig ihre neue Kollektion.
Wuchtige Silhouetten und Asymmetrien in den Konstruktionen prägen die meisten der 34 Looks. Vielfach wird auf Stoffe der Raumausstattung zurückgegriffen, die schimmernd sind oder griffige, räumliche Strukturen und Texturen haben. Gepaart wird dies mit den Oberflächen von Überbleibseln funktioneller Stoffe für Wintersportbekleidung, die isolierend sind. Die vielen A-Silhouetten sind in die Breite gehend mit teilweise üppigen Volumen und die Flächen sind gebrochen oder öffnen den Blick auf  Spitzenunterwäsche. Dies bringt eine neckische, sexy Sichtweise in die Kreationen. Es stellt sich der Eindruck eines kubistischen Ansatzes bei den Flächenkompositionen ein – insbesondere bei der Oberbekleidung. Die Kreationen werden fast durchgängig mit Bändern und Gürtel abgeschlossen, so dass Konturen entstehen, welche die Flächen hervorheben und dass das Styling unterstreichend mit Blickfängen auflockert wird. Die Designerin greift als Quelle für das Material in dieser Kollektion ausschließlich auf vorhandenes recyceltes Material und Reste zurück.

Farblich spielt Ruétz mit dem Wechsel von warmen und kühlen Farben. Neben Lila und Türkis finden sich Schwarz, cremiges Weiß, Rot und Gelb bis Ocker.

Der Titel der Kollektion impliziert radikale Änderungen und Sichtweisen, um (vermeintlich) als Kulturgesellschaft bestehen zu können und ist aktuell mit Vorsicht zu genießen. Es werden Erwartungen an Mode und Konsum thematisiert. Die „schöne neue Welt“ ist als Begriff geprägt von der vermeintlichen Dystopie einer Gesellschaft, die Aldous Huxley 1932 literarisch als ein Gesellschaftsmodell beschreibt, welches alle Impulse und Bestrebungen zu Veränderung von gesellschaftlichen Strukturen wie Indoktrination, Konsum, Drogen und primär der Unterdrückung aller sexueller Befriedigung auslöscht. Aus dieser Sicht wäre das Kollektionsmotto kontraproduktiv. Mode ist per se körperlich und Mode lebt von der Lust sich auszudrücken und wird von Modedesign in einen vorhandenen zeitgenössischen Kontext gebracht und formiert.

In der globalen Krise wettstreiten Konzepte der Nachhaltigkeit mit dem nicht bremsbaren Wuchern des Konsumdiktats. Rebekka Ruétz fühlt sich einer nachhaltigen und verantwortungsvollen Produktion verpflichtet und griff wie beschrieben für diese Kollektion komplett auf recyceltes Material zurück. Die Materialwahl und die Präsentation mit Ski-Brillen führt uns zur Assoziation mit alpinem Wintersport – der nicht gerade als ein Paradebeispiel für Nachhaltigkeit und verantwortungsvolle Lebensweise verstanden wird. Er ist mit Klischees behaftet und massiv die Umwelt belastend. Die Überreste dieser funktionalen Sportbekleidung versöhnlich in neue Formen und Verwendungen zu bringen vermag hier womöglich einen Impuls zu setzen.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Adidas auf der Berliner Modewoche mit einer revolutionären Vision von neuen Wegen in der Modeindustrie? Kaum. Und schon gar nicht bei PLATTE.Berlin. Denn das Berliner Label versteht sich als ein Raum für Nachhaltigkeit in der Modeindustrie und Konsum. Eine etwas täuschende Ankündigung dieser Veranstaltung sorgte im Vorfeld für irritierte Erwartungen, die auch in den Medien geschürt wurden.
Mit der Mode- und Kunstperformance „own the Reality -Realitywear“ mit The Yes Men (dieser Partner wurde verschwiegen) hat PLATTE.Berlin nämlich keine eigene Modenschau im üblichen Verständnis veranstaltet, sondern im solidarischen Sinne Ort und Gelegenheit bereitgestellt, gleich zu Beginn der Modewoche in Berlin mit einer sinnverkehrenden, spektakulären und irritierenden Laufstegschau den Kritikern eine neue Deutungsversion über den Konzern Adidas zugespielt.

Adidas-Kleidung wurde von den beiden Designerinnen Isabell Schnalle und Paula Keilholz, welche das kreative Duo „Threads and Tits“ bilden, zerlegt, bizarr wurden Elemente zusammengefügt und rabiat wurde das Markenlogo den Modellen auf die Haut eingebrannt – „Branding“ hier ganz wörtlich dargestellt. Die Personen werden damit nach außen als Eigentum des Konzerns kenntlich gemacht. Ein Besitz- und Eigentumsanspruch, der demzufolge im Denken und im Selbstverständnis des neoliberalen Unternehmers als tief verwurzelt gebrandmarkt wird und sich nur marginal von der menschenverachtenden Gesinnung von Sklavenbesitzern der Kolonialzeit unterscheide. Das Logo von Modemarken – im Falle von Adidas die drei Streifen – werden zu Gitterstäben eines kapitalistischen Gefängnisses umgedeutet.
Sowohl der Arbeiter(sklave) in seiner Abhängigkeit, als auch der Konsument, der sich mit dem Logo „schmückt“, sind dem Diktat des Konzerns auf unterschiedlichen Ebenen verhaftet.

Viele solcher visuellen Um- und Ausdeutungen führten zu bizarren Bildern, regten zum Nachdenken an und diese Schau legte den Finger in die Wunde des solcherart verzerrten und demontierten Konzernbildes. Ohne Frage kann und muss viel Kritik an den internationalen Konzern, dessen Ressourcenverschwendung und den Umständen der Produktion, der Lieferketten und dem Ausbeutungssystem in der Herstellung geübt werden.
Die irreführende Ankündigung und die spektakuläre Wende mit der Performance hat ihr Ziel nicht verfehlt, denn zahlreiche Modeblogger und Journalisten haben die lancierten (diffusen und gefälschten) Pressemitteilungen und -informationen für bare Münze genommen, eifrig in ihren Medien weiter geleitet um dann – nach der Schau – in Windeseile zurück zu rudern und ihre Artikel aus dem Netz zu nehmen.

Bekanntlich ist Adidas nicht der erste Konzern, der ins Visier des Formates von The Yes Men und deren Kreativumfeld gekommen ist. Dass Adidas sich bei Kritik auch bewegen kann, wurde im Falle von Kanye West im Zusammenhang mit antisemitischen Äußerungen klar. Das schadete bislang aber nachhaltiger dem Firmenimage, als die ebenfalls bekannte ausbeuterische Produktion und Ressourcenverschwendung.

Zu Recht wird diese Kritik auf der Modewoche in Berlin, die sich seit Jahren als zentrale Veranstaltung für insbesondere Nachhaltige Mode verstehen möchte, geübt. Unter anderem Upcycling wird hier von verschiedenen Designern als geeignetes alternatives Herstellungskonzept betrieben und weiterentwickelt.

Ein spannender, geistreicher und interessanter Einstieg in die Modewoche.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Mit Laura Gerte präsentierte sich auf der großen Bühne der Modewoche in Berlin jemand, auf die zahlreiche Modebegeisterte in der Branche seit knapp zwei Jahren ihre Hoffnungen setzen. Seinerzeit fiel die Bachelor Studentin von der Weißensee Kunsthochschule Berlin bereits mit ihren Entwürfen auf.

Es sei der neue Berliner Look, in welchem sich auch die Mode der Nullerjahre wiederfinden würde, liest man zum Beispiel. Ja, die Kollektion, der Stil hat etwas von Post-Punk und New-Pop, ausgelassenem Spass in jedem Fall. Die Looks sind von zeichenhaften Bildpartikeln und wilden  Silhouetten geprägt. Es entstehen bei der Designerin Schnitte, die mutige und schräge Flächenkompositionen ermöglichen und viele Richtungswechsel zusammen fügen. Durchlöchert sind die Looks ebenso wie zerfetzt. Wulstig wird in den Raum gegriffen, Bänder und Fetzen beleben die Konturen. Nachhaltig soll es sein und das soll man auch sehen. Denim prägt und fokussiert die Mode von Laura Gerte auf die Straßen der Großstadt und die Clubs der Stadt, in denen Multisex der neue Kristallisationspunkt der eigenen Identität ist. Rollen und Geschlechterzugehörigkeiten verschwimmen, humorvoll wird ihre Lebensfreude hervorgekehrt und Minderheiten wird eingeräumt, durch Diversität die zeitgenössische Deutungshoheit zu haben. Die Asymmetrien in den Looks spiegeln das zeichenhaft in dieser modischen Wahrnehmung wieder.

Laura Gerte vermittelt spielerisch und fundiert mutig, wie Neues entstehen kann, ohne die Wurzeln in nicht allzu Vergangenem zu ignorieren. Darüber hinaus liegt ein Verlangen in der Luft, sich ausdrücken zu können, ohne damit ästhetischen Normen verpflichtet zu sein. Der Mix aus vorgefundenen Alltagstrends, Fantasie und Schneiderkunst frappiert zuweilen, eine ostentative Provokation des Establishments findet sich damit aber ebenso wenig wie eine radikale Positionierung der Jungen Generation. Diese kann sich zwar in ihrer Eigendefinition der Geschlechtlichkeiten austoben, die ideologische Stellungnahme gegenüber der gesamten Gesellschaft wird zwar impliziert, im expliziten Sinne aber anders, politisch auf der Straße ausgetragen – so lässt sich Laura Gertes Kollektion als integratives Gestaltungsstatement verstehen: Fridays for Future um die Welt zu retten und Multisex für die Party im Club.

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Text und Bilder: Boris Marberg

Wider alle Hemmnisse geht Rebekka Ruétz mit ihrer erneut vom Zillertal inspirierten Frühjahrs- und Sommerkollektion mit einer optimistischen Grundhaltung in das Jahr 2022. Konzeptionell bleibt sich die Österreicherin treu und setzt konsequent auf eine nachhaltige Produktion und Entwicklung, die getragen ist von einem Grundoptimismus, dass es nicht schon zu spät ist und Wandel nicht nur notwendig, sondern auch möglich ist. Diese positive Lebenseinstellung zeigt sich im Ansatz, Neues zu schaffen und auf Altem aufbauen. Die vorgestellte Kollektion verzichtet – abgesehen vom Slogan „life is beautiful“- auf Textdrucke, Schlagworte und politische Statements, mit welchen Rebekka Ruétz in der Vergangenheit immer wieder auch ihre Sichtweise direkt in der Kollektion mitgeteilt hat.

Die Kollektion vermittelt greifbar das Streben nach Freude und Sinnhaftigkeit bei unvoreingenommenen Begegnungen mit anderen und ist durch die naturgewaltigen Erfahrungswelten des alpinen Landschaftsraumes geprägt. Licht und Schattierungen des Waldes, der Steine und des Himmels vermengen sich zu einer warmen und leichten Farbpalette. Bei den Textildrucken zeigt sich dies in Assoziation zu Birkenrinde, Wolkenspielen am strahlenden Himmel, erleuchteten Steinmaserungen und kaleidoskopischen Musterungen, die an die Visualität von sommerlichen Insekten erinnern. Auch in den nun vorgestellten Kreationen finden sich wieder großflächige Farbanordnungen, mit denen gekonnt gespielt wird. Dabei bleiben die Konstruktionen weich, fließend und bei angenehmen Volumen locker und frei zu tragen. Viele A- und X-Silhouetten vermitteln gelebte Präsenz im eingenommen Raum ohne erdrückende Ausstrahlung aufkommen zu lassen. Dies macht es möglich, sich in kraftvoller Präsenz zu zeigen und dabei eben auch gelebte Freude zum Ausdruck bringen zu können.

Für einen angenehmen Tragekomfort setzt die Kollektion bei den Materialien auf Baumwolle, Mesh und Viskose. Dabei werden die Stoffe oft gerafft, spielerisch gefaltet und intelligent geschichtet. Dies unterstreicht die Freiheit in der Bewegung und in der Präsenz.

Damit ist es Rebekka Ruétz wieder gelungen eine sehr ansprechende und wohltuend freundliche Kollektion auf dem Berliner Laufsteg zu bringen, die Vorfreude auf das kommende Jahr ebenso vermittelt, wie auch die Gewissheit, dass Mode auch auf andere Art möglich ist.

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Text: Boris Marberg

Bilder:
Schau – Andreas Hofrichter
Messe – Boris Marberg

Mit der Messe NEONYT, die diesen Sommer zum zweiten Mal  die bisherigen Veranstaltungen zu nachhaltiger Mode in Berlin zusammengefasst hat, entsteht ein Schwerpunkt, der mittelfristig in Berlin zum wesentlichen Fundament der Modewoche werden kann. Der Schrumpfungs- und Bereinigungsprozess, den die verschiedenen Formate und Veranstaltungskonzepte in Berlin durchgemacht haben und der auch noch immer in Transformation ist, findet damit die aktuelle Chance in noch nicht gesehener Klarheit. Neben der Messe an sich im Kraftwerk an der Köpenicker Straße, wurde nachhaltige Mode auch am zentralen Ort, dem eWerk, in einer kuratierten Schau präsentiert. Dabei bewährt sich das Konzept, die Vielzahl der Labels als Fundus zu verstehen und hieraus Looks zu kreieren, die mit Leichtigkeit das Klischee – welches sich hartnäckig hält – zu überwinden, ökologische Mode könne nicht den Charme und den Chique bieten, wie konventionelle Mode.

Ja – diesem Thema haben wir uns in den letzten Jahren immer wieder widmen müssen, und es wird Zeit, einen Haken hinter den nachhaltigen Anspruch setzen zu können. Der Diskurs ist aber zu komplex und ähnlich wie in der Politik muss man noch hoffen, dass von den konventionellen Produzenten vielleicht die Rufe gehört und die Bedürfnisse aufgegriffen werden, gelingen will das allerdings noch nicht wirklich.

Es besteht zwar das Interesse, Verantwortung zu übernehmen und Konzepte für eine nachhaltigere Wirtschaft umzusetzen, die ganz klaren Forderungen, die von der jungen Generation auf die Straße getragen werden, werden allerdings noch immer nicht ernst genug genommen. Der Widerspruch ist aber auch systemimmanent. Bedarf und Bedürfnis wollen bedient werden und neue Kleidung soll auch konsumiert werden – mit möglichst gutem Gewissen. Gleichzeitig will Innovation sich äußern, sichtbar werden in neuen Produkten. Aus diesem Dilemma zu entkommen ist nur über noch radikalere Wege möglich, als nachhaltig zu produzieren. Denn es würde nachhaltigen Konsum verlangen, bis hin zum Konsumverzicht.

Vielleicht ist auch aus diesem Gedanken heraus zu verstehen, dass die zugehörige Schau im eWerk sehr Denim-lastig war. Jeans lässt sich extrem nachhaltig produzieren, unter der Akzeptanz der Langlebigkeit des Materials und unter der Voraussetzung der Wiederaufbereitung der Rohstoffe. Das individuelle Verantwortungsgefühl der Konsumenten anzusprechen und dennoch im Wirtschaftssystem in der bisherigen Form eingebunden zu sein ist mehr als eine Gradwanderung. In Bezug auf Jeansware konnten sich Interessierte auf der Messe gut bei MUD Jeans informieren.

Wieder auf die eigentliche Modenschau kommend, bleiben ein paar Punkte ganz augenscheinlich. Zum Beispiel können nachhaltige Accessoires, insbesondere Taschen und Schuhe gestalterisch mittlerweile durch ansprechende Materialien nicht nur mit Konventionellem mithalten, sondern übertreffen diese bereits. Neue Produktionsmethoden für Fasern und Aufbereitung über Recycling sind da nur ein paar Punkte. Heutzutage ist die Behauptung schlicht nicht mehr nachvollziehbar, dass nachhaltige Materialien nicht die gleichen kreativen Spielräume bieten würden, wie konventionelle Fasern oder Farben – blass und Beige als einzige Alternative war gestern. Bunt, laut und kontrastreich, sogar Transparenz ist nicht nur möglich, sondern kann im geschmackvollen Arrangement auch überzeugen:

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Präsentation der Analyseergebnisse: Lotte Schuurmann

Diskussion: Tony Tonnaer, Daniel Luger, Vera Köppen

Moderation: Jana Kern

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Auf der Fashion Week präsentiert sich die nachhaltige Mode auf verschiedenen, eigenständigen Ebenen (unter anderem: Green Showroom / Ethical Fashion Show ) an eigenständigem Ort (Kraftwerk). Dafür haben sie in dieser Saison mit ausgedehnter PR-Arbeit besondere Anstrengungen unternommen, dieses Modesegment der Öffentlichkeit nahe zu bringen. Die Pressekonferenz der Fair Wear Foundation engagierte sich beispielsweise besonders, viele Journalisten für ihre Veranstaltung zu gewinnen.

Andere Konferenzen auf der Fashion Week könnten sich hieran ein positives Beispiel nehmen. Irritierend ist zum Beispiel, dass der Veranstalter der ZEIT-magazin – Vogue – Konferenz (Convent Kongresse), die ebenfalls Mode im gesellschaftlichen Kontext kritisch beleuchtet, von Journalisten einen Anwesenheitsbeitrag von 100€ einfordert. Der Selbstanspruch gesellschaftlich relevant wirken zu wollen erscheint uns damit nicht überzeugend.

Dieses gesellschaftliche Anliegen wird von der Fair Wear Foundation dagegen überzeugend dargelegt. Sie agiert seit rund fünf Jahren, ist unabhängig, eine Non-Profit-Stiftung und in elf Ländern aktiv, darunter Indien, Indonesien, Myanmar und Bangladesch. Aktuelle Schwerpunkte sind sind Aktivitäten in der gesamten Herstellungs- und Vertriebskette. Damit versucht die Stiftung die Verantwortungen in dem komplexen und zum Teil undurchsichtigen System herauszuarbeiten. Es ist ihr gesellschaftspolitischer Anspruch, dies transparent zu machen.Außerdem hat sie es sich zur Aufgabe gemacht, neben der Überprüfung von allen Abläufen auch Business und Know-How zu vermitteln.

Zur Zeit vereint die Fair Wear Foundation 130 Marken aus zehn europäischen Ländern als Mitglieder. Im einleitenden Bericht zur Pressekonferenz beschreibt ihre Sprecherin  die Bilanz der Evaluierungen seit 2011 als positiv. Dennoch sei es problematisch, ein 100%-Fair-Siegel zu vergeben, das heißt mit Garantien für faire Abläufe gerade zu stehen.

Faire Bekleidung bedeutet nicht unbedingt, dass die Materialen allein einem definierten ökologischen Standard entsprechen. Nachhaltigkeit hat weitere Aspekte und Facetten. Mindestens genauso wichtig wie eine ökologische Produktion von Textilien ist, dass die Produkte im ersten Schritt fair und vielleicht in einem weiteren Schritt dem Gemeinwohl dienend hergestellt und vertrieben werden. Die Fair Wear Foundation stellte sich in der Pressekonferenz und Diskussionsrunde zusammen mit drei teilnehmenden Unternehmen dem Diskurs und bot Erfahrungen und Ansichten aus erster Hand. Die unternehmerische Motivation, sich einem Prozess zu unterwerfen, der transparent und auch kritisch die gesamte Produktionskette unter die Lupe nimmt, kann schon sehr unterschiedlich sein.  Dabei zeigen sich Defizite, aber auch Potentiale. Ethische Überzeugungen und der Wille, ein in allen Aspekten hochwertiges Produkt anbieten zu können, schließen sich hierbei nicht aus. Auch die Annahme, schlussendlich (bewusst, oder unbewusst) habe der Endverbraucher die Entscheidungs- bzw. Marktmacht, bleibt gegenwärtig.

Spannend ist die Erkenntnis, dass es sowohl für den Verbraucher, aber auch für die Marke an sich in keiner Weise per se überschaubar ist, wie sich die Produktionskette gestaltet und in der Tiefe der Komplexität verzweigt. Die Herausforderungen sind vielschichtig. Es geht darum, grundlegend nachhaltige Praktiken bei allen Schritten der Herstellung und des Vertriebs zu berücksichtigen. Im sogenannten Perfoming Check der Fair Wear Foundation ( FWF) werden rund vierzig Indikatoren herangezogen um diese Evaluation unternehmerischen Handelns und Produzierens zu gewährleisten und Defizite wie auch positive Entwicklungen aufzudecken. Vieles dreht sich dabei darum, gerechte Löhne und Arbeitsbedingungen zu gewährleisten. So könnte zum Beispiel schon eine gute und zeitnahe Planung sicher stellen, dass durch Termindruck nicht regelmäßig in den Fabriken bis zu 16 Stunden am Tag für Arbeiterinnen und Arbeiter anfallen. Dabei muss sich vor Augen gehalten werden, dass die Lohnkosten in den Fabriken teilweise nur im unteren einstelligen Prozentbereich der Gesamtkosten bei der Herstellung eines Kleidungsstückes anzusiedeln sind – Mindestlöhne und existenzsichernde Löhne sind bei weitem nicht die Regel und können auch nur sehr schwer überprüft werden. Eine Zusammenarbeit mit regionalen Gewerkschaften ist deshalb für die FWF sehr wichtig. Kinderarbeit und Sklaverei sollten in unserem Jahrhundert eigentlich kein Thema mehr sein. Wichtig ist aber auch die Erkenntnis, dass selbst nachhaltig ausgerichtete Unternehmen eine gewisse Marktmacht bei ihren Bezugsquellen und in den Fabriken benötigen um wirklich entscheidend darauf einwirken zu können die Arbeitsbedingungen real zu verbessern. Die FWF geht dabei davon aus, dass der Schwellenwert bei etwa 10% liegt. Stellt die Produktion für eine Marke rund 10% der Produktionskapazität einer Fabrik dar, so kann davon ausgegangen werden, dass diese Marke tatsächlich bereits Einfluss auf die Arbeitsbedingungen nehmen kann. Wichtig ist deshalb die Fluktuation von Bezugsquellen zu durchbrechen und langfristig nicht immer wieder wechselnd andere Fabriken als Produzenten zu haben und so zu einer stabilen Produktionskette zu kommen. Die Übersicht zu behalten ist herausfordernd. Eine Lösung muss sein, regelmäßig vor Ort zu sein und die Produktionsbedingungen in den Fabriken, Wäschereien, Färbereien, Webereien und so weiter direkt im Auge zu behalten.

Produktionsstätten in Fernost erfordern darüber hinaus wesentlich mehr Reiseaufwand, als Produktionsstätten in Ländern, die an Europa angrenzen, zum Beispiel der Türkei, eines von dreien exemplarischen Ländern, das neben China und Indien aktuell mit spezifischen Problemen im Fokus steht. Während es in der Türkei Kinderarbeit ist, welche durch den Zustrom von Flüchtlingen aus Syrien in den tieferen Segmenten der Produktionskette sogar zugenommen hat, ist zum Beispiel in Indien die verbreitete sexuelle Belästigung von Frauen weiterhin ein gravierendes Thema. In China, dem immer noch größten Exporteur von Bekleidung weltweit, sieht die FWF den Schwerpunkt auf übermäßigen Überstunden durch Termindruck und fehlenden Arbeitskräften in der Produktion.

Insgesamt ist es deshalb auch konsequent, nicht von einer 100%-igen Transparenz und Umsetzung auszugehen, sondern programmatisch darauf zu setzen, dass eine stetige Verbesserung stattfindet und sich die bei der FWF teilnehmenden Marken kontinuierlich verbessern und auch lernen, ihre eigenen Abläufe im Detail zu kennen. So hätten im Jahre 2017 87% der teilnehmenden ihre Produktion überprüft und 78% die Produktionsstandorte besucht. In Bezug auf Mindestlöhne hätten nach der FWF 97% der Marken eine Preispolitik, die es ermöglichen würde Mindestlöhne zu bezahlen. Mindestlöhen in diesen Ländern darf man aber nicht mit existenzsichernden Löhnen vergleichen. Hier geht die FWF von einer Rate von nur 44% bei den Anstrengungen dafür zu sorgen aus, dass in den Fabriken auch existenzsichernde Löhne bezahlt werden. Das klingt angesichts des geringen Umfanges des Kostenanteils am Endpreis nicht ermutigend und zeigt, dass noch viel Potential brach liegt – und erschreckt darüber, wie diese Quote wohl bei nicht teilnemenden Marken aussehen mag. Von Volumenhändlern und –marken mal ganz abgesehen. Positiv muss man aber festhalten, es gibt Möglichkeiten für Marken bewusster zu handeln und bei diesen Prozessen begleitet zu werden. Wenn nun auch der Endverbraucher bewusster handeln und nachfragen würde, könnte für das weltweite Gemeinwohl noch viel erreicht werden.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Rebekka Ruétz ist seit 2011 mit auf der Mercedes-Benz Fashion Week in Berlin mit dabei. Auch diesen Januar stellte sie ihre neue Kollektion für den Herbst und den Winter 2015 dort dem Fachpublikum vor.

Auf den ersten Eindruck hin fällt ein deutlicher Ausflug in die 1930er und 1940er Jahre auf – Vintage. Dies zeigte sich insbesondere in den uniformen Ansätzen bei Jacken und Mänteln, welche bei den Schultern imposant durch die Einbindung von Metallfranzen und harnischem Schulterschutz unterstrichen wurde. Hierbei zeigt sich auch das kreative Potential der Designerin, die mit viel Witz und Charme diese Epochen in die neue Kollektion eingebunden hat. Die Muster sind wild und dynamisch. Inspiriert wurden diese Drucke von den Arbeiten von Dagmara Weinberg. Die Volumen sind lässig, sportlich und elegant. Den märchenhaften Ansatz findet man auch in den abstrakt rudimentär gehaltenen Make-Ups und Frisuren wieder, die für diese Schau gewählt und umgesetzt wurden. Bei den Materialien bleibt sich Rebekka Ruétz treu und setzt auf Kunstleder und –pelz, mit einem erfreulichen klaren und nachhaltigen Statement.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Rückbetrachtung (Neudeutsch Review), der Kollektion Herbst / Winter 2012 der Designerin Julia Starp, möchten wir dazu nutzen, ein paar grundlegende Gedanken zu nachhaltiger Mode und Design zu verfolgen und zu vertiefen.

Der Nachhaltigkeitsgedanke bei Mode beschäftigt uns nunmehr schon seit einigen Jahren und gespannt verfolgen wir, wie sich diese Art der Mode etabliert, im Alltag sichtbar wird, aber auch in theoretischen Designansätzen aufgegriffen wird. Zu letzterem hat es die „Wissenschaft“ (wenn man bei Modedesign überhaupt auch in Anbetracht von diversen internationalen Hochschulen von Wissenschaft sprechen kann) bisher nicht geschafft auch nur annähernd eine diskussionswürdige Grundthese zu postulieren. Vielmehr muss auf allgemeine Aspekte zu Nachhaltigkeit zurückgegriffen werden. Besonders im Bereich der theoretischen Ansätze bleiben Feuilletonisten und Essayisten eher aus dem Soziologischen heraus federführend. Modeschaffende leisten hier nur selten substantielle Beiträge, die über die Präsentation der reinen Kollektionen hinausgehen. Gerade in Berlin, wo nachhaltige Mode sich einen etablierten Platz im Modezirkus erarbeitet hat, sind die Erwartungen doch sehr hoch, die Schritte immernoch sehr klein.

Die Diskussion um Nachhaltigkeit in der Branche ist mittlerweile auch in der Breite angelegt und Kernmedien greifen regelmäßig dieses Thema kontrovers auf. Insbesondere verbraucherorientierte Fernsehberichterstattung ist hier federführend. Bei all diesen Reflektionen vermisse ich aber die Auseinandersetzung mit der Kernproblematik – wie gestaltet sich eine Lebensgefühl und ein Lebensentwurf aus und wie wirkt sich dies visuell auf die hiermit verbundene Mode aus? Wenn wir nun „ökologische“, oder besser nachhaltige Mode betrachten fällt auf, dass diese sehr oft sich an sogenannten Basics festkrallt, und lediglich tradierte Styles aus nun nachhaltiger Produktion bedient – quasi den Volumenmarkt im Visier hat, ohne selbständig beim Design innovativ zu agieren. Ein Durchbruch kann aber wohl erst dann gelingen, wenn prägende Labels und Designer sich ebenfalls nachhaltiger Mode widmen und ihre Innovationskraft dieser Entwicklung anheim werden lassen. Im Großen ist aber wohl zurzeit noch genau das Gegenteil der Fall, wenn eine „Premiummarke“ nach der anderen mit limitierten Sonderkollektionen in Kooperation bei dem Massenbediener H&M landet.

Julia Starp ist nun eine der deutschen Designerinnen, die sich seit Jahren in diesem Themenfeld kreativ und produktiv betätigt. Sie ist mit ihren Kollektionen kaum mehr von der Berlin Fashion Week wegzudenken. Dies wäre innerhalb von wenigen vorgestellten Kollektionen auch nicht denkbar, wenn nicht eine Reihe von Qualitätsmerkmalen für ihre Arbeit sprechen würde.  Zum einen die sehr stringente Handschrift. Zum anderen ein ausgesprochenes Talent für Kooperationen, wie z.B. aktuell mit OTTO (ECOREPUBLIC by Julia Starp).

Neben diesem aktuellen Projekt besticht die neue Kollektion von Julia Starp durch eine klare Handschrift. Die Oberflächen werden in der Regel nur dezent gebrochen und auf eine Ornamentik, die durch Applikationen auf die Volumen durchschlägt verzichtet die Designerin weitestgehend.  Vielmehr überlässt sie es geschickt dem Einsatz von Accessoires, Akzente im Volumen zu setzen. Die Oberflächenmuster sind entweder feingliedrig dezent oder geometrisch orientiert, die Horizontalen brechend. Insgesamt erscheint der erste große Block der Kollektion sehr tragbar, unaufdringlich und mit viel Understatement. An diesen Block hat die Designerin eine Hand voll Kreationen angehängt, die in Richtung Abendmode gehen (die letzten 5 Looks der Kollektion). Die Stärken der Kollektion liegen aber in der Alltagstauglichkeit.

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Bilder: Peter Becher, Boris Marberg

Julia Starp begeistert mit Green Fashion

Sie ist die neue deutsche Newcomerin unter den Modedesignern, die mit viel Talent und Kreativität Mode zu etwas ganz besonderem macht. Ihre Philosophie „Mode ist eine Kunst zum Anfassen“ ist für sie kein leeres Statement, sondern ein Versprechen an sich selbst und ihre anspruchsvollen Kunden. Erstmalig präsentierte die Designerin Julia Starp, nach der Gründung ihres gleichnamigen Modelabels im letzten Jahr, ihre neuste Kollektion „Desire“ auf der Berliner Fashion Week 2010 und begeisterte Fans und Kritiker. „Desire“ steht für das Spiel mit Emotionen, Farben und der Wandelbarkeit der einzelnen Kollektionsstücke. So wird hoffendes Grün, schwarze Trauer, gelber Neid, liebendes Rot, blaue Treue und weiße Reinheit zu einem Gesamtkunstwerk aus feinsten und sanftesten Materialien.

Julia Starp, die selbst Anhängerin von Green Fashion ist, verwendet für ihre Kollektionen ausschließlich hochwertige und nachhaltig zertifizierte Materialien und -stoffe wie Hanf, Peace Silk, Biowolle sowie Organic Cotton und zeigt damit, dass Green Fashion nicht nur umweltfreundlich, sondern auch modisch und exklusiv sein kann.

Liebevolle Details, Schnürrungen, Raffungen, sowie extravagante Schnitte sorgten für schmeichelnde Silhouetten und interessante Optiken.

Unterschiedliche Weiten, Längen, Volumen wie auch mehrlagig und verschiedenfarbig eingesetzte Stoffe, machten aus jedem Kollektionsstück ein echtes Unikat. Unterstützt wurde das junge Nachwuchstalent durch eine Patenschaft mit   Swiss Organic Fabrics, die zum TVS Schweizer Textilverband gehören und die erstmalig als Sponsor für einen Designer fungiert haben. Zudem wurden Julia Starp nicht nur die Stoffe für ihre neue Kollektion zur Verfügung gestellt, sondern auch die Kosten für ihre Fashion-Show beim Lavera Showfloor im Rahmen der Berliner Fashion Week, wurden übernommen.

Zum finalen Countdown der Show, hatte die Jungdesignerin sich noch etwas ganz besonderes einfallen lassen: Aus zusammengesetzten Recycling-Stoffen zauberte sie außergewöhnliche Abend- und Cocktailkleider, die so raffiniert und aufwendig drapiert waren, dass man gerne zweimal hinsah. Julia Starp vereint ökologisches Bewusstsein mit exklusiver Mode und beweist damit, dass auch Nachhaltigkeit trés chic sein kann.

Impressionen Backstage vom Lavera Showfloor im Rahmen der Berliner Fashion Week:

Getreu nach dem Motto wurden die Make-Ups natürlich ökologisch mit den Naturprodukten von Lavera umgesetzt.

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Bilder: Alexander Palacios

Maharishi – SS11

Im Berliner Tempodrom zeigte uns das Label während der Berlin Fashionweek seine neue Frühjahrs-/Sommerkollektion 2011.

‘Theatre of War’ – als Inspiration für diese Kollektion diente das Szenario des Wüstenkrieges der 1940er in Nordafrika. Staubig, trocken, in Erdtönen der Sonne und dem Widersacher trotzend? Verstanden will das Label diese Kollektion als klares Statement gegen den Krieg, was zum Ausdruck durch die Verwendung entsprechender Farbpaletten und Tarnelementen wie sie auch in der entsprechenden „Berufskleidung“ zu finden ist zum Ausdruck kommt. Bei Taschen, Jacken und Hosen finden sich auch entsprechende, praktische Möglichkeiten die eigenen Kleinigkeiten und Habseeligkeiten zu verstauen und am Körper zu tragen.

Die Schnitte sind bei den Herren weit, luftig und kühlend, geben Raum zur Bewegung. Auch die Damenoutfits kommen sehr sportlich bequem – aber auch funktional, aufgelockert mit weiblichen Details, wie Schnürungen.

Insgesamt wirkt die Kollektion extrem tragbar und funktional. Besonders hervorheben wollen wir, dass das Label sich seit 1994 an ökologische aktuellen ökologischen Standards orientiert, was die Herstellung und den Handel einschleisst, soweit in der Branche überhaupt von einer Standardisierung gesprochen werden kann. Unserer Auffassung nach greifen solche Standards immer noch nicht weit genug und sind oft auch nicht für den Endkunden, sofern dieser sich beim Einkauf daran orientieren will transparent genug.

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