Text & Bilder: Boris Marberg

Die Schau zur neuen Kollektion für den Sommer 2026 von Haderlump Atelier Berlin fand im Haus der Visionäre, einer Veranstaltungshalle mit industriellem Charme, Bauhaus-Architektur und historischem Backsteinbau statt. Die vergilbten Wände werfen ein warmes Licht auf die Kleidung und vermitteln Vergänglichkeit. Auf künstliches, hartes Licht wurde verzichtet. Damit ist der Raum auch ein greifbarer Ort geworden, der sehr gut zum thematischen Überbau der Kollektion passt, einer Auseinandersetzung mit vergehenden Kulturgütern und der Fragestellung, was für Folgen und Auswirkungen das digitale Zeitalter haben könnte.

In der Halle wurden mehrere Kuben platziert, die gespickt waren von mit Text bedruckten Bücherseiten und die einen räumlichen Rahmen für die ansonsten klassische Modenschau boten. Das passt alles sehr gut zu dem einrahmenden Themenfeld Autorschaft, Identität und Vergänglichkeit. Symbolhaft werden die Ex Libris, die individuellen Kleinode in Büchern, als Aufhänger genommen – in der Modegestaltung selbst ist der Bezug allerdings nur selten und schwer zu erkennen. Musikalisch hat man technisch innovativ mit sich rhythmisch an die Bewegung der Modelle anpassender Musik experimentiert.

Die Kollektion richtet sich an eine weibliche sowie männliche Kundschaft, der es wichtig ist, greifbar im Raum die eigene Identität zu bewahren und sich dezent abzugrenzen. Neben dem Haptischen des Materials – Leder, Leinen, Baumwolle – wird sehr spannend mit Konstruktionen gespielt, die sowohl klassische Silhouetten bieten als auch provokante Brüche in den Konstruktionen zeigen. Die verwendeten Materialien stehen oft in lautem Kontrast zueinander, was farblich abgemildert wird. Die Palette basiert auf Weiß, Beige, Schwarz und Grau – ab und zu Anlehnungen an Brauntöne – alles eine Frage der Interpretation und zurückhaltender Gestaltung.

Diese Zurückhaltung zeigt sich in der entstandenen Bandbreite von weichen Looks bis hin zu harten, skulpturalen Entwürfen, ohne zu „erschlagen“. Hier treffen breite Schultern, Korsettblusen und drapierte Röcke auf wuchtige Schichtungen, massive, in den Raum greifende A-Silhouetten, voluminös schwingende Mäntel. Kombiniert wird viel mit adoleszenten „Schildmützen“ und Taschen, die aus einer Kooperation mit „Liebeskind Berlin“ stammen. Funktional ausgelegter Streetstyle steht hier bei Haderlump ganz selbstverständlich neben wilder, aber auch edler Abendgarderobe für Damen, die mit Leichtigkeit auch repräsentativ genutzt werden kann. Bei mehreren Looks sind in Jacken integrierte Kapuzen spannend gelöst und vermitteln ein interessantes, sehr bedrängtes Stimmungsbild. Da duckt sich jemand im Großstädtischen weg und schützt sich vor den Eindrücken. Das rundet die insgesamt urbanen Looks ab und knüpft gekonnt an die letzten Kollektionen an. Johann Ehrhardt ist damit wieder eine sehr ansprechende Kollektion mit seinem erst 2021 gegründeten Label gelungen, die mit vermehrt eigenen Akzenten aktuelle Trends zusammenfasst. Damit stellt der Lette-Verein-Absolvent erneut unter Beweis, dass er zu den vielversprechendsten zeitgenössischen Berliner Designern gehört.

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Text & Bilder: Boris Marberg

In der St. Thomas Kirche in Berlin Kreuzberg zeigte Clara Colette Miramon ihre neue Kollektion mit dem Titel „Maria hat geholfen“ dem interessierten, geladenen Publikum.

Ihr Label besteht seit 2021 in Berlin. In ihrer Designsprache fühlt sich Clara traditionellen Techniken verbunden und will diese in der zeitgenössischen Popkultur platzieren.

In den letzten Jahrzehnten wurden immer wieder von Modeschaffenden Elemente des Marienkults stilistisch aufgegriffen und in Kollektionen künstlerisch bearbeitet. Dabei wurden religiöse Symbole wie das Kreuz, die Hamsa-Hand oder das Auge der Vorsehung als modische Accessoires oder als Dekoration auf Kleidungsstücken verwendet. Humoristisch konnotiert wurde dies zum Beispiel schon von Jean Paul Gaultier, der sich an sakraler Malerei orientiert hatte, oder von Gianni Versace, der in einigen Kollektionen religiöse Symbole in seine Looks integrierte, insbesondere sehr oft Kreuze und andere christliche Symbole verwendet hat. In der christlichen Kunst wird traditionell Blau mit der Jungfrau Maria assoziiert. Diesem geistlichen steht farblich oft Purpur als Symbol für Reichtum und Dekadenz stilistisch gegenüber und es ist der Platzhalter für die irdischen Mächte. Mode und Spiritualität finden immer wieder zusammen. Oft wird Mode als (politischer) Ausdruck von Spiritualität und innerer Ausgeglichenheit verwendet und Designerinnen und Designer integrieren religiöse Symbole, um eine tiefere Bedeutung und Geschichte in ihren Kreationen zu vermitteln.

Clara Colette Miramon zeigt den Namen der Kollektion – „Maria hat geholfen“ – als peppiger, gedruckter Schriftzug auf einzelnen Looks (insbesondere dem einzigen Herrenlook der Kollektion) und geht damit einen plakativen Weg eines konkreten Statements. Diese sakrale Ausrichtung wird stilistisch durch die Einarbeitung von gotischen Bögen, zum Beispiel als obere Abschlüsse von Dekolletés, ergänzt. Diese Bögen symbolisieren die architektonischen Innovationen und das Streben nach Höhe und Licht in der gotischen Zeit des 12. bis zum 16. Jahrhundert. Weltliches und Geistiges stehen verbunden nebeneinander, und das Streben nach höheren Werten bedeutet nicht, Körperlichkeit zu verneinen. Die Looks fühlen sich schmeichelnd und sinnlich an und vermitteln ertastbare Empfindungen und Eindrücke. Es schwingt eine leichte Rebellion des Individualismus mit. Ein Marienkult ist nicht zwingend asexuell, sondern kann auch lustvoll sein. Das zeigt sich auch bei der Wahl des Materials. Gerade dem Haptischen von Kleidung wird oft nicht der Stellenwert zugesprochen, den es haben müsste. Neben Kunstpelz und Samt kommt Denim zum Einsatz. Es wird drapiert, geschichtet und mit Transparenz und Volumen werden kreative Abwechslungen geschaffen. Selbst geharnischt wird ein Model auf den Laufsteg geschickt, ein handgefertigter aufpolierter Brustpanzer, der als Blickfang dient und als die Wehrhaftigkeit des Femininen interpretiert werden kann. Abgeschlossen wird die Schau mit einem Look, einem schwarzen, schlichten Hochzeitskleid in Erwartung einer baldigen Niederkunft.

Die Kollektion ist gelungen, macht Spaß und vermittelt humorvoll Sinnlichkeit und Tragbarkeit und wird ihr Publikum und ihre Fans finden.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg for BFW

In der Aufwärmhalle des Berliner Olympiastadions präsentierte der Designer William Fan seine neue Kollektion „Off Duty“ für Herbst/Winter 2024 und eröffnete damit „quasi kalendarisch“ die Berliner Modewoche. Eine Woche, die neben dem offiziellen Kalender eine Vielzahl von Nebenveranstaltungen geboten hat und oft von Professionellen als von eine vom gefühlten Zerfall des Einzelhandels getragene Institution gesehen wird.

Gerade der Einzelhandel in den Innenstädten leidet an einem massiven Umsatzschwund, rasant steigenden Mieten, exemplarischen Pleiten wie jene des KaDeWe in Berlin, was alles zusammen ein toxisches Umfeld für den Handel in den Zentren manifestiert. Kleine Labels setzen deshalb vermehrt auf eigenen Vertrieb. Und dennoch ist zeitgenössische Mode weiterhin urban ausgerichtet. Hier pulsiert die Kreativität, insbesondere modisch in Berlin, wie in keiner anderen deutschen Großstadt. Auch deshalb legitimiert dies weiterhin, dass Berlin mit seiner Modewoche für Deutschland und deutsche Mode tonangebend ist.

Die Aufwärmhalle des Stadions bot eine angemessene Mischung aus kühler Nüchternheit und sportlich-dynamisch warmem Ambiente. Die Tartanbahn wurde zum Laufsteg für die Modelle, mit denen William Fan zeigt, dass er Altersgrenzen mühelos überwindet und ein weites Publikum ansprechen kann. Seine neue Kollektion ist auf Freizeit und Distanz zum Arbeitsalltag ausgerichtet. Das ist nicht so selbstverständlich, denn dem Berliner Designer wird nachgesagt, ein Liebling derer zu sein, die einen Faible für hochwertige Eleganz hätten. Jedenfalls werden seine Kreationen leger getragen. Die Volumina sind weit und locker, wie auch die Silhouetten. Lange Hosen und Oberbekleidung lassen sich untereinander kombinieren und die Looks können mit Taschen unterschiedlichster Größe und Form aus dem selben Modehaus abgerundet werden. Diesen herbstlichen Kombinationen von Hosen, Blusen / Hemden, wie auch Jacken, Pullundern und Mänteln steht eine kleine Reihe von langen und weiten Kleidern für festlichere Auftritte zur Seite. Teilweise sehr dunkel gehalten mit griffiger in den Raum wirkender Struktur.

Die Kleidung wirkt tatsächlich edel, trotz oft gröberer Struktur im Gewebe, die Textilien sind griffig und angenehm auf der Haut. Farblich spielt der Designer wohltuend mit der Palette eines warmen Herbstes, eines Winters, der eher mediterran daherkommt. Warme Grüntöne, Beige, blasses Gelb, Abstufungen von Grau bis zu tiefem Schwarz finden sich bei den Looks und in zwei Varianten grobe Karos bei Mantel-Kleidern. Im Kontrast zur Tartanbahn stehen die zahlreichen fluffigen Pantoffeln, welche von vielen Modellen getragen wurden – für Freizeit im Winter sicher ein passendes Accessoire.

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Text & Bilder. Boris Marberg

Im Rahmen der Veranstaltungsserie „Fashion and Food Festival“ in Freiburg konnte die Designerin Kim Schimpfle am 29.9.2023 ihre Kreationen im Rahmen einer Präsentation im Augustinermuseum dem interessierten Publikum vorstellen.

Schön aufgearbeitet wird das Thema Schwarzwald und Trachtenmode momentan und bis zum 24. März 2024 in der Ausstellung „Wilhelm Hasemann und die Erfindung des Schwarzwalds“. Diese Ausstellung hat einen idealen Rahmen und eine gute Plattform für die Präsentation der Mode von Kim Schimpfle geboten, und diese Kooperation wurde erfreulicherweise vom Publikum angenommen und hat die Gesamtveranstaltung „Fashion and Food Festival“ bereichert.

Seit mehr als 20 Jahren arbeitet die Modedesignerin Kim Schimpfle in Freiburg mit Atelier und Ladengeschäft. Spezialisiert hat sie sich dabei auf zeitgenössische Interpretationen von Trachten und Dirndl mit regionalem Bezug. Das Ganze firmiert unter dem Label Schwarzwald Couture. Seit einigen Jahren schon erfahren Trachten und Dirndl vermehrt Aufmerksamkeit und Nachfrage. Gerade in diesen Tagen sieht man landauf und landab Damen und Herren in entsprechender Aufmachung, überwiegend in der Nähe von Biergärten und Festwiesen. Die Nachfrage nach dieser Kleidung ist aber nicht nur dem herbstlichen Bedürfnis nach „Oktoberfesten“ geschuldet, sondern auch einer schleichenden Idealisierung ländlichen Lebens als Kontrastentwurf zum Hyperurbanen. Mit Wohnaccessoires und Gemütlichkeit soll das Bedürfnis nach Naturverbundenheit zum Ausdruck gebracht werden. Dies spiegelt sich in Zeitschriften wider, die das regional Ländliche als Kulturraum thematisieren und inhaltlich bedienen und den entsprechenden Lifestyle artikulieren. Bekannt sind zum Beispiel die überregionale „Landliebe“, die „Servus“ und das Magazin „Mein Schwarzwald“ oder „#heimat“. Auch in der Mode hat dieser Trend Einzug gefunden und wird oft unter dem Titel Landhausstil geführt.

Gerade in Bezug auf den Schwarzwald spielen auch der Tourismus und die Idealisierung der entsprechenden Bilder- und Ideenwelten eine wichtige Rolle – und es sind nicht nur die typischen Souvenirs wie eine Kuckucksuhr oder ein Bollenhut, die nachgefragt werden – denn mit dem Schwarzwald wird ein Lebensgefühl verbunden.

Es ist selbstredend nicht von heute auf morgen passiert, dass der Schwarzwald als Thema weltweit Fuß gefasst hat. Dem muss mehr als ein Jahrhundert Vorlauf attestiert werden. Mirja Straub, Kuratorin am Augustiner Museum, hat dabei an Werken und dem künstlerischen Wirken von Wilhelm Hasemann analysiert, dass bereits seinerzeit ähnliche Mechanismen der Themen- und Trendsetzung gewirkt haben, wie wir sie zeitgenössisch in den aktuellen digitalen „sozialen Medien“ sehen und von deren Protagonisten und Multiplikatoren kennen. „Influencer“ und „Content Creators“ gäbe es demnach schon im ausgehenden 19. Jahrhundert.

Die Motive von Wilhelm Hasemann und seinen Kollegen aus der Gutacher Künstlerkolonie haben viel dazu beigetragen, den Schwarzwald und seine Trachtenmode und deren idyllische Motive bekannt zu machen. Auch seine Post- und Ansichtskarten hatten hierbei sicher dazu beigetragen und hatten seinerzeit die Funktion dessen, was heute „Postings auf Instagram oder Facebook“ kommunikativ sind. Bilder und Inhalte werden weitergetragen und verfestigen sich in der visuellen und emotionalen Wahrnehmung.

Solche idyllischen Motive finden sich auch auf den Textildrucken, Applikationen und Stickereien bei den Entwürfen von Kim Schimpfle wieder. Die Basis der aktuellen Kreationen ist dabei stylisches Schwarz, welches mit Akzenten aufgebrochen wird. Knallbunte Bommel und schimmernde Drucke und Paillettenapplikationen kontrastieren. Gerade ein Bommelhut in Regenbogenfarben passt gut als „woke“ Aussage in Bezug auf die eigene gesellschaftliche Verortung – hat aber auch schon im Ländle für Kontroversen gesorgt (Stichwort CSD und ANTIFA). Klassisch Rot steht eigentlich für die Unverheiratete, schwarze Bommel für die Hutträgerin, die unter die Haube gekommen ist. Fein sind Details wie Gürtel mit dem Schriftzug Schwarzwald und Lackstiefel heben das schwarze Dirndl in einen modernen Kontext mit Sexiness und selbstbewusster Ausstrahlung.

Auch bei vielen tradierten Trachten des Schwarzwaldes ist Schwarz oft die Basis und wird nur mit weißen Blusen bei den Damen, oder weißen Hemden bei den Herren aufgebrochen und mit roten Akzenten bei Applikationen pointiert. Die Silhouetten bei den Entwürfen von Kim Schimpfle sind durchgängig in A-Form – kurz, oder lang und spielen mit den Volumen. Hier wird oft geschichtet. Die Hüte und anderer Kopfschmuck sind ein Pflichtprogramm, welches durch Accessoires mit Motivtaschen abgerundet wird. Passendes an Kissen findet sich dann zudem noch im Atelier der Designerin.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Adidas auf der Berliner Modewoche mit einer revolutionären Vision von neuen Wegen in der Modeindustrie? Kaum. Und schon gar nicht bei PLATTE.Berlin. Denn das Berliner Label versteht sich als ein Raum für Nachhaltigkeit in der Modeindustrie und Konsum. Eine etwas täuschende Ankündigung dieser Veranstaltung sorgte im Vorfeld für irritierte Erwartungen, die auch in den Medien geschürt wurden.
Mit der Mode- und Kunstperformance „own the Reality -Realitywear“ mit The Yes Men (dieser Partner wurde verschwiegen) hat PLATTE.Berlin nämlich keine eigene Modenschau im üblichen Verständnis veranstaltet, sondern im solidarischen Sinne Ort und Gelegenheit bereitgestellt, gleich zu Beginn der Modewoche in Berlin mit einer sinnverkehrenden, spektakulären und irritierenden Laufstegschau den Kritikern eine neue Deutungsversion über den Konzern Adidas zugespielt.

Adidas-Kleidung wurde von den beiden Designerinnen Isabell Schnalle und Paula Keilholz, welche das kreative Duo „Threads and Tits“ bilden, zerlegt, bizarr wurden Elemente zusammengefügt und rabiat wurde das Markenlogo den Modellen auf die Haut eingebrannt – „Branding“ hier ganz wörtlich dargestellt. Die Personen werden damit nach außen als Eigentum des Konzerns kenntlich gemacht. Ein Besitz- und Eigentumsanspruch, der demzufolge im Denken und im Selbstverständnis des neoliberalen Unternehmers als tief verwurzelt gebrandmarkt wird und sich nur marginal von der menschenverachtenden Gesinnung von Sklavenbesitzern der Kolonialzeit unterscheide. Das Logo von Modemarken – im Falle von Adidas die drei Streifen – werden zu Gitterstäben eines kapitalistischen Gefängnisses umgedeutet.
Sowohl der Arbeiter(sklave) in seiner Abhängigkeit, als auch der Konsument, der sich mit dem Logo „schmückt“, sind dem Diktat des Konzerns auf unterschiedlichen Ebenen verhaftet.

Viele solcher visuellen Um- und Ausdeutungen führten zu bizarren Bildern, regten zum Nachdenken an und diese Schau legte den Finger in die Wunde des solcherart verzerrten und demontierten Konzernbildes. Ohne Frage kann und muss viel Kritik an den internationalen Konzern, dessen Ressourcenverschwendung und den Umständen der Produktion, der Lieferketten und dem Ausbeutungssystem in der Herstellung geübt werden.
Die irreführende Ankündigung und die spektakuläre Wende mit der Performance hat ihr Ziel nicht verfehlt, denn zahlreiche Modeblogger und Journalisten haben die lancierten (diffusen und gefälschten) Pressemitteilungen und -informationen für bare Münze genommen, eifrig in ihren Medien weiter geleitet um dann – nach der Schau – in Windeseile zurück zu rudern und ihre Artikel aus dem Netz zu nehmen.

Bekanntlich ist Adidas nicht der erste Konzern, der ins Visier des Formates von The Yes Men und deren Kreativumfeld gekommen ist. Dass Adidas sich bei Kritik auch bewegen kann, wurde im Falle von Kanye West im Zusammenhang mit antisemitischen Äußerungen klar. Das schadete bislang aber nachhaltiger dem Firmenimage, als die ebenfalls bekannte ausbeuterische Produktion und Ressourcenverschwendung.

Zu Recht wird diese Kritik auf der Modewoche in Berlin, die sich seit Jahren als zentrale Veranstaltung für insbesondere Nachhaltige Mode verstehen möchte, geübt. Unter anderem Upcycling wird hier von verschiedenen Designern als geeignetes alternatives Herstellungskonzept betrieben und weiterentwickelt.

Ein spannender, geistreicher und interessanter Einstieg in die Modewoche.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Neo.Fashion ist als eigenständige Veranstaltungsplattform nicht mehr in Sachen Modedesign aus Berlin wegzudenken und fasst die Präsentationsmöglichkeiten einer Vielzahl von Hochschulen in Deutschland zusammen. Sie bietet dabei ein einheitliches Präsentationskonzept für deren Absolventen, wie auch einen Zugangs- und Treffpunkt mit dem Fachpublikum, welches nach dem Nachwuchs Ausschau hält.

Bereits zum sechsten Mal konnte die Veranstaltung stattfinden. Diese Saison fand in Berlin-Oberschöneweide, in den Reinbeckhallen statt. Der Ort ist fernab der Stadtmitte und damit auch räumlich offensichtlich getrennt vom übrigen Modetreiben während der Berliner Modewoche. Ein kurzes Vorbeischauen, um nach neuen Talenten zwischen den anderen Präsentationsterminen zu suchen, gestaltet sich damit während der dreitägigen Veranstaltung schwierig. Auch das Angebot Gastkollektionen von Designern, aus zum Beispiel Äthiopien in Kooperation zu präsentieren, oder Absolventen von der Nationalen Universität für Technologie und Design Kiew zuzuschalten und in einer eigenen Schau Teilnehmenden der „Ukrainian Fashion Week“ eine Plattform zu bieten, konnte die Distanz zur allgemein sehr ausgedünnten Berliner Modewoche nicht überzeugend überwinden. Die mehr als ein Duzend Schauen können deshalb als eigenständige Veranstaltungsreihe gesehen werden.

Auch die AMD Akademie Mode & Design hat im Rahmen der Neo.Fashion Absolventen die Möglichkeit geboten, ihre Abschlusskreationen einem interessierten Fachpublikum zu präsentieren. Die AMD steht dabei mit ihren fünf Standorten in Hamburg, München, Düsseldorf, Berlin und Wiesbaden und insgesamt 12 Studiengänge, die als Master oder Bachelor-Studiengänge ausgestaltet sind, bilden ein weites Spektrum um sich im Wirtschaftsbereich Mode akademisch zu positionieren. In der entsprechenden Schau präsentierten neun junge Talente ihre Entwürfe. Pascal Garcian Dyrna, Helen Eisen, Lisa Faust, Lea-Sophie Hein, Klara Kazani, Rachel Sitting, Liv-Paulina Sailer, Deniz-Can Sayim und Joyce To zeigten jeweils eine Handvoll Looks, die ein weites, kreatives Spektrum darstellten.

Liv-Paulina Sailer
Mit der Betitelung HIRAETH – Polarities of nostalgia and its influence on today‘s society trifft die junge Designerin einen nostalgischen Punkt in der zeitgenössischen Sichtweise auf Mode und die Rückbesinnung auf Formgebungen der vergangenen Jahrzehnte. Weite Schulterpatien und üppige Silhouetten zeichnen die Looks ebenso aus wie klare Brüche bei den Flächen auch durch die Farbwahl.

Lisa Faust
Die Designerin wurde noch vor ihrem Studium 2018 als beste Näherin des Ausbildungsgangs in NRW ausgezeichnet. Dass solides Handwerk hier bei der Kollektion mit dem Titel Anomalia eine große und überzeugende Rolle spielt, fällt sofort angenehm auf. Sehr schön gelingt es der Designerin wuchtige Volumen und stimmige Silhouetten umzusetzen. Farblich findet sich ein klarer Roter Faden im Konzept, der auch visuell in den Looks zu finden ist. Bis zu den Schuhen ist die Abschlusskollektion durchdacht und stimmig.

Deniz-Can Sayim
Der junge Designer benennt seine Kollektion „Alman Kanacken“ und spielt damit auf Doppelidentitäten in Milieus von Menschen mit Migrationshintergrund an. Nicht angekommen sein in einer Gesellschaft und dabei eigene Werte und Normen unterdrücken nennt er als thematischen Hintergrund. Die Abschottung und Verpanzerung zeigt sich auch in den mehrsichtigen Looks, die auf grobe und feste Materialien zurückgreifen. Die Werke wirken wie in der Zeit steckengeblieben, sich lösen wollen – aber es dennoch nicht schaffen. Stabilität wird in den Raum gestellt.

Helen Eisen
Perfect Human – Der Titel wirkt etwas losgelöst von der Kollektion und konstruiert. Die zeitgenössische Auseinandersetzung mit der Perfektion kann nicht gelingen, das Ziel könnte stattdessen die Makellosigkeit sein, die von verschiedenen Standpunkten aus betrachtet Diversität und Vielfalt ermöglicht. Geschickt wird mit Details und Flächenschichtungen gespielt. Eleganz wird aufgetragen und soll durchdringen.

Joyce To
Verspieltheit drückt sich in der Kollektion „Protagonist between earth and nowhere“ aus und setzt dies visuell durch die Wechselbeziehung von Mustern und Flächen um. Volumen und Silhouetten bleiben vergangenen Jahrzehnten verhaftet und kokettieren mit modischen Sichtweisen der Arcade-Generation der 1970er und 80er.

Klara Kazani
Schlicht „married to my body“ – ein Statement. Aus dem eigenen Körper kommt die Protagonistin nicht so leicht raus. Muss sie auch nicht. Sehr fein schafft es die Designerin ansprechende minimalistische Looks zu kreieren, die sowohl verspielt als auch tief ausdrucksvoll sind.

Lea-Sophie Hein
Konzeptionell eine der interessantesten Kollektionen im Rahmen der Gesamtveranstaltung. SKIN HUNGER “The power that touch exerts on us humans” – umfasst einen wichtigen Aspekt von Mode, das Haptische -menschliches Grundbedürfnis nach Berührung und Begegnung. Dick eingepackt und geschützt stiefeln Protagonisten durch die Zeit mit ihren Herausforderungen und wollen doch Mensch sein. Keine einfache Aufgabe, aber sie ist es wert behandelt zu werden.

Pascal Gracian Dyrna
MASC – eine tiefgehende Auseinandersetzung mit dem Bild von Männern und Mode, dem Bild von sich selbst im Kontext des Zwanges der Uniformität des Maskulinen versus der gewonnen (vermeintlichen) Freiheit des Werblichen in der Mode. Die Polarität und Dualität ist schon lange im Schwanken, denn es gibt diverse andere Pole welche Anziehungskraft haben.

Rachel Sitting
Mit der Kollektion „RISS – Beauty’s Beast“ zeigte die junge Designerin ein gekonntes Spiel mit tradierten Sichtweisen auf Mode und das Weibliche. Verspielte Silhouetten und luftige Materialien suchen nach Kontrasten und finden diese.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Schwungvoll und goldig – so hat sich die neue Frühjahrs- und Sommerkollektion der österreichischen Designerin Rebekka Ruétz beim ersten Blick eingeprägt. Präsentiert wurde die Kollektion wieder im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin. Hier freut man sich immer wieder über die gelungen modischen Statements und Ideen für die kommende Saison.

Die Designerin kreiert aus dem puristischen und poetischen Ansatz der Kollektion heraus ein weites Repertoire an unterschiedlichsten Looks, die dennoch alle zusammenhängen und eine einheitliche Linie und Aussage vermitteln. Hier wird mit dieser Kollektion (friederIKE) an eine bereits erfahrene Emotionalität angeknüpft, die geprägt ist von Sehnsüchten nach Wärme und verspielter Lebendigkeit, ohne belastet zu sein mit Mühe und mit Leichtigkeit punkten kann. Dennoch ruht in dieser Kollektion wieder eine klare, wenn auch nicht wie in der Vergangenheit direkte Aussage. Es ist das Grundthema des Schaffens der Designerin – ein sowohl reflektiertes selbstbewusstes Leben mit Sinnlichkeit und Ästhetik ebenso zum Ausdruck zu bringen, wie eine stabile und bewusste Haltung auch über die Flüchtigkeit des Zeitgeistes hinaus zu zeigen.

Würdevoll und anmutend und dennoch dynamisch kommen die Kleider und Kombinationen daher – fliegen geradezu mit lockeren, weiten und langen Ärmeln. Bewegungsfreiheit und Luftigkeit wird durch die leichten Materialien ebenso umgesetzt wie durch asymmetrische Schnitte, die viel Beinfreiheit ermöglichen. Es finden sich zahlreiche Tops, die sehr schön kombiniert werden können und sich in einen Reigen an wundervollen Kleidern passend einfügen. Diese sind teilweise raffiniert transparent mit Struktur und Textur, aber auch mit blickdichten, klassischen, an Etuikleidern angelehnten Kreationen in tieferdigem Schwarz ausgestaltet. Farblich ist die gesamte Kollektion warm, erdend und liebevoll emotional gehalten. Selbst marmorne Drucke wirken wärmend, was durch das Volumen bei den Kreationen unterstrichen wird. Ebenso raffiniert und aufgeweckt wirken die Schichtungen. Diese kommen besonders bei den transparenten Kleidern zur Geltung, wenn unter einem weiten Dekolleté die entsprechend kontrastierte Wäsche getragen wird.

Sehr schön und besonders ins Auge gesprungen sind die floralen Drucke mit großen Rosen in warmen goldigen Tönen, die auch ansprechend für die Einladung zur Schau verwendet wurden. In vielen Kulturen steht die Rose für emotionale Bindung, Liebe, Romantik und Zuneigung. Hier zeigt sich prägend für die gesamte Kollektion wieder die Grundstimmung und positive Haltung zum Leben. Spannenderweise wird dieses Druckmotiv sehr schön ergänzt durch einen marmorierten Druck, der nicht kühl wie Stein und distanziert wirkt, sondern vielmehr auch eine warme Grundstimmung vermittelt und eine solide Basis bietet.

In Bezug auf die Accessoires fallen bunt gestreifte Gürtel und Träger auf, die schöne pointierte Akzente setzen. Üppiger Goldschmuck rundete das Styling ab.

In der Gesamtschau lässt sich unterstreichen, dass es Rebekka Ruétz wieder gelungen ist, eine sehr emotional ansprechende und schöne Kollektion für den kommenden Frühling und Sommer auf den Laufsteg zu bringen, die viel Lebensfreude vermittelt und gleichzeitig auch viele individuelle Gestaltungsmöglichkeiten eröffnet.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Über die Fasnachtstage hat es mich aus persönlichen Gründen in die Steiermark verschlagen und per Zufall bin ich auf den jungen Designer Manuel Essl gestoßen, der in der Münzgrabenstrasse sein Atelier und Verkaufsraum betreibt. Der liebevoll eingerichtet Showroom lädt zum Verweilen und Stöbern ein. Hier konnte ich den Designer treffen, der am Kolleg für Mode und Design an der Modeschule Graz seinen bodenständigen Zugang zum Handwerk fand.

In den letzten Jahren ist eine Reihe von Kleinkollektionen mit modularem Charakter entstanden, die thematisch konsistent sind. Manuel Essl hatte schon mehrfach die Gelegenheit seine Kreationen mit Fördermitteln international zu präsentieren.

Ein Ausflug nach Seoul zur Seoul Fashion Week, als auch die Auszeichnung als bester Jungdesigner bei der Fürstenfeld Fashion Week zeigen, dass sein Talent und sein Enthusiasmus gesehen und gewürdigt werden.

Essl produziert seit 2015 seine Kreationen von Hand im eigenen Atelier und spricht ein Publikum an, welches Wert auf regionalen Ursprung der Kleidung ebenso legt, wie auf individuelle Ausdrucksmöglichkeit. In seinen Kollektionen verarbeite er visuell bisher unterschiedliche Themen und postuliert grafische Statements. Vom Thema Meer bis hin zur kosmologischen Deutung und Darstellung der Welt im Universum finden sich vielerlei Anknüpfungspunkte. Immer wieder finden sich Blumen und Florales in den Looks. Die Formgebung ist klassisch in den Silhouetten – feminin – von Edel bis Streetwear. Dabei rundet er seine Linie mit Basics ebenso wie mit passende Taschen und weiteren Accessoires ab. Gerade die kleinen Auflagen und die individuelle Produktion unterstreichen die Wertigkeit ebenso wie die Exklusivität mit jungem Charme und Verspieltheit.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Auf dem Flughafengelände Tempelhof fand im Januar im Rahmen der Berliner Modewoche die Messe Neonyt statt. Ausgerichtet auf ökologische Mode wurden, neben einer im Kraftwerk präsentierten Schau, viele kleine Veranstaltungen platziert, die sich um den gesamten Bereich von „nachhaltiger Mode“ drehten. Als erste Messe zu dieser Thematik in Deutschland in diesem neuen Jahrzehnt wollen wir eine Reihe zentraler Fragen in den Raum stellen und uns schrittweise möglichen Antworten annähern –  was erwarten wir in diesem Jahrzehnt von Mode in unserer Gesellschaft?

Die 20er Jahre des 21. Jahrhunderts haben begonnen (auch wenn über die Zählweise teilweise gestritten wird) – eine neue Dekade steht an – nicht nur von der Zählweise, sondern von einem generellen Wandel der Ausrichtung von Wertebilder und Strömungen. Das vergangene Jahr und auch Jahrzehnt hat einige grundlegende Sichtweisen und Ereignisse hervorgebracht, die einen Wandel in die Wege geleitet haben, Fragen aufgeworfen haben und Bewegungen initiierten.

Politisch war zu beobachten, dass zum Beispiel sich Populismus sich breit etabliert hat  und ein Spannungsfeld von Trennung und Integration in Europa bildete. Wirtschaftlich zeichneten sich die letzten Jahre durch ambivalente Entwicklungen aus. Produkte und Innovationen haben die Gesellschaft geprägt und verändert, wie man sich das vor zehn Jahren nicht hätte vorstellen können. Das Mobiltelefon in seiner ausgereiften Funktionalität ist zu einem prägenden Gegenstand von Milliarden von Menschen geworden und hat eine ganze Generation verschluckt und den Sprachgebrauch und die Art zu kommunizieren nachhaltig verändert. Ideologisch wurde das Individuum zum Konsumgut stilisiert und alles in einen kommerziellen Kontext gestellt, wie seit den 1980er Jahren nicht, einhergehend mit Konservatismen die auch von großen Teilen der Jugend getragen werden. Das Bewusstsein für „Gender“ hat sich weiter ausgeprägt, während der Feminismus eine komplette Generation junger Frauen verloren habe und auf der Stelle träte. Die letzten 10 Jahre waren durch große Designer geprägt, die gegangen sind und Lücken hinterlassen. Schnelle Mode breitet sich aus, mit immer mehr Kollektionen in Wochenrhythmen, zum Verbrauchen, in internationalen Konzernen für die Masse gemacht, zu unerträglichen Arbeitsbedingungen. Brennende und einstürzende Fabriken mit Hunderten von Toten und endlosem Leid und breiter Perspektivlosigkeit. Eine Perspektivlosigkeit, die sich in ungehemmtem Konsum zeigte und nach Überwindung schreit. Programmiert war die große Krise der Modeindustrie, die dann auch heute noch vielleicht nicht groß genug scheint.

Wurden unsere Erwartungen, nach Ausdruck, Sinnhaftigkeit und Entwicklung in den letzten Jahren erfüllt, oder nur Leere zelebriert? Eine ambivalente Jugend schreit nach Veränderung, polarisiert, bewirkt indes nur wenig – zum Beispiel an Freitagen, oder auch mal unter der Woche. Steine fliegen keine, vielleicht virtuelle – Hass und Spott im Netz. Die Körperlichkeit und das Bewusstsein für die eigene Sexualität haben sich durch das Smartphone und die allumfassende ungehemmte Verfügbarkeit von Pornographie verändert – „Sex sells“. Kommunikation reduziert sich, Schrift wandelt sich zu neuen Hieroglyphen auf dem Display – Satzfragmente werden per App ausgetauscht. Was will man heute noch mit Mode ausdrücken? Vielleicht die Zugehörigkeit zur Masse in der Illusion des Individuums? Wer zappelt bekommt eine Pille, die meisten jedenfalls, andere brechen aus wollen andere Wege gehen. Hatten wir alles schon. Die 1990er – noch radikal im kommunikativen Aufbruch, meist reduziert und dunkel gekleidet, Dekonstruktion. Nullerjahre und 10er – Stagnation und Verfestigung, doch was kommt jetzt?

Von der gefühlten Ausgangslage her zeigt sich, dass sich eine gewisse Differenzierung in der Sichtweise auf Konsum herauskristallisiert (hat). Gerade im Bereich der sich breiter aufstellenden ökologischen Mode kann man Klärung finden. Diese Klärung zeigt sich vor allem in einem Abgrenzungsprozess und einer Stärkung des Selbstverständnisses. Immer international agierende Marken sehen  sich einer zunehmenden Konsumverdrossenheit gegenüber – Modemacher, die nicht bereit sind Wachstumsziele des Kapitals zu erfüllen, wollen sich in die Nische von nachhaltiger Mode retten und diese kommerzialisieren. Der Markt frisst alles und tarnt sich gerne – der Wolf im Schafsfell – hier bezeichnet als Greenwashing – wird in den kommenden Jahren wohl entlarvt werden und die Modebranche weiter in eine Sinnkrise zwängen. Kreativ werden sicher nur kleine Marken überleben. Der Massenmarkt, schnell wie er ist, wird sicher weiter existieren, aber von Mode wird man nicht mehr sprechen können, da das sich kleidende Individuum zu einer Illusion wird.

Auf vielen der kleinen Veranstaltungen und Diskussionen der Kreativen auf der Messe wurde über die Ansätze der vergangenen Jahre hinausgehend klar, dass ökologische Mode mehr ist als schadstoffarme Textilien und auch mehr sein muss. Ökologische Mode reicht schlicht nicht aus. Auch fair produzierte Mode ist nur ein nicht weit genug reichender Ansatz. In noch stärkerem Masse wird der Begriff des Gemeinwohls ins Zentrum rücken, da hier mit einer dem Gemeinwohl „verträglichen“ Mode noch weitere, soziale Aspekte einbezogen werden können. Neben fair, ökologisch, nachhaltig kann auch der gesamte Bereich der emotionalen Ausrichtung und der emotionalen Bedürfnisse berücksichtigt werden, wie zum Beispiel die Interaktion mit anderen und das visuelle Ausdrücken dieses Bedürfnisses, dass eine andere Art zu wirtschaften als notwendig erachtet wird.

Hier werden in den kommenden Jahren die modischen Konfliktlinien zu finden sein und die Abgrenzung stattfinden (müssen). Wenn Gesellschaft Entwicklung (nicht aber Fortschritt) möchte, wird sich auch der Berich Mode diesen Fragestellungen intensiver widmen müssen. Verantwortung wird eingefordert werden, über die gesamten Produktionsketten hinweg. Die ersten Schritte in diese Richtung sind real zu sehen. Während in Frankreich schon konkrete Regelungen für größere Firmen eingeführt wurden, wird hier in Deutschland noch zaghaft diskutiert, fürchtend, die Wirtschaft bloß nicht zu sehr zu belasten. In der abstrakten Gesamtschau, ähnlich der Mobilitätskrise, wird diese Sinnkrise in der Mode neue Strukturen herausbilden müssen.

Der Reigen an Ausstellern, die in Berlin zu sehen waren und vor allem die Diskussionen, die geführt werden, zeigen, dass der Umbruch gerade beginnt.

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Text: Boris Marberg

Bilder:
Schau – Andreas Hofrichter
Messe – Boris Marberg

Mit der Messe NEONYT, die diesen Sommer zum zweiten Mal  die bisherigen Veranstaltungen zu nachhaltiger Mode in Berlin zusammengefasst hat, entsteht ein Schwerpunkt, der mittelfristig in Berlin zum wesentlichen Fundament der Modewoche werden kann. Der Schrumpfungs- und Bereinigungsprozess, den die verschiedenen Formate und Veranstaltungskonzepte in Berlin durchgemacht haben und der auch noch immer in Transformation ist, findet damit die aktuelle Chance in noch nicht gesehener Klarheit. Neben der Messe an sich im Kraftwerk an der Köpenicker Straße, wurde nachhaltige Mode auch am zentralen Ort, dem eWerk, in einer kuratierten Schau präsentiert. Dabei bewährt sich das Konzept, die Vielzahl der Labels als Fundus zu verstehen und hieraus Looks zu kreieren, die mit Leichtigkeit das Klischee – welches sich hartnäckig hält – zu überwinden, ökologische Mode könne nicht den Charme und den Chique bieten, wie konventionelle Mode.

Ja – diesem Thema haben wir uns in den letzten Jahren immer wieder widmen müssen, und es wird Zeit, einen Haken hinter den nachhaltigen Anspruch setzen zu können. Der Diskurs ist aber zu komplex und ähnlich wie in der Politik muss man noch hoffen, dass von den konventionellen Produzenten vielleicht die Rufe gehört und die Bedürfnisse aufgegriffen werden, gelingen will das allerdings noch nicht wirklich.

Es besteht zwar das Interesse, Verantwortung zu übernehmen und Konzepte für eine nachhaltigere Wirtschaft umzusetzen, die ganz klaren Forderungen, die von der jungen Generation auf die Straße getragen werden, werden allerdings noch immer nicht ernst genug genommen. Der Widerspruch ist aber auch systemimmanent. Bedarf und Bedürfnis wollen bedient werden und neue Kleidung soll auch konsumiert werden – mit möglichst gutem Gewissen. Gleichzeitig will Innovation sich äußern, sichtbar werden in neuen Produkten. Aus diesem Dilemma zu entkommen ist nur über noch radikalere Wege möglich, als nachhaltig zu produzieren. Denn es würde nachhaltigen Konsum verlangen, bis hin zum Konsumverzicht.

Vielleicht ist auch aus diesem Gedanken heraus zu verstehen, dass die zugehörige Schau im eWerk sehr Denim-lastig war. Jeans lässt sich extrem nachhaltig produzieren, unter der Akzeptanz der Langlebigkeit des Materials und unter der Voraussetzung der Wiederaufbereitung der Rohstoffe. Das individuelle Verantwortungsgefühl der Konsumenten anzusprechen und dennoch im Wirtschaftssystem in der bisherigen Form eingebunden zu sein ist mehr als eine Gradwanderung. In Bezug auf Jeansware konnten sich Interessierte auf der Messe gut bei MUD Jeans informieren.

Wieder auf die eigentliche Modenschau kommend, bleiben ein paar Punkte ganz augenscheinlich. Zum Beispiel können nachhaltige Accessoires, insbesondere Taschen und Schuhe gestalterisch mittlerweile durch ansprechende Materialien nicht nur mit Konventionellem mithalten, sondern übertreffen diese bereits. Neue Produktionsmethoden für Fasern und Aufbereitung über Recycling sind da nur ein paar Punkte. Heutzutage ist die Behauptung schlicht nicht mehr nachvollziehbar, dass nachhaltige Materialien nicht die gleichen kreativen Spielräume bieten würden, wie konventionelle Fasern oder Farben – blass und Beige als einzige Alternative war gestern. Bunt, laut und kontrastreich, sogar Transparenz ist nicht nur möglich, sondern kann im geschmackvollen Arrangement auch überzeugen:

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Ivan Mandzukic experimentiert mit Verbalisierungen in Sachen Herrenmode. Seit Jahrzenten arbeiten große Marken daran, mit ihren Aufdrucken, die auf sich selbst bezogen sind, eine gewisse Identifikation zu generieren – Neudeutsch wird das „Branding“ genannt. Um den Begriff sind ganze Wirtschaftszweige entstanden, die suggerieren, mit der Namensnennung könne eine Person sich mit einem vermeintlichen Glamour oder Wert einer Marke assoziieren. Nicht ich trage Mode, sondern ich bin Mode liegt da auf der Zunge. Der digitale Narzissmus lässt grüßen, und soziale Medien mögen nicht unbedingt ein Garant für eine positive Weiterentwicklung demokratischer, pluralistischer Gesellschaften sein. Mode mag aber schon immer egoistisch bis egozentrisch gewesen sein – oder funktional. Bei der in Berlin vorgestellten Herrenkollektion von Ivanman kommt nicht der Markenname zum Zuge, sondern Schlagwörter der Herrenmode und die Postulierung von Besitzstände. „Jacke“ „Meins“, „Hemd“ „Seins“. Das kann verwirren, irritieren auch formalgestalterisch. Text auf Kleidung ist anerkannt und kann Inhalt vermitteln. Hier spalten sich die Geister. Was typisch für Ivan Mandzukic ist, sind die Farben, Muster und Schichtungen. Da bleibt sich der Designer treu. Ebenso finden sich minimalistische Silhouetten wieder, die seit Jahren geschätzt werden. Männlichkeit unterliegt in der Definition einem Diskurs und einer stetigen Veränderung. Das zeigt sich nicht von Saison zu Saison, aber über die Jahrzehnte hinweg umso deutlicher. Da mag man den Vergleich mit Herrenmode der 1980er wagen: Pastellfarbene Anzüge und weiße Basic T-Shirts, ein beginnender Verlust der Förmlichkeit, Karottenhosen, Übergrößen. Anlehnungen hieran kann man in der Kollektion von Mandzukic finden, wenn man will, oder auch ignorieren und sich einreden, dass alles sei neu. Neu ist das im klassischen Sinne sicher nicht, aber in einem neuen Kontext zu sehen, eben der digitalisierten Persönlichkeit; kein Bar-Code, aber wohl die Produktnummer offen getragen, und damit identifizierbar.
Der Hedonismus der 2010er Jahre trägt seinen Kampf mit den Intellektuellen der Mode auf anderen Ebenen aus, als in den Nullerjahren und den immer noch prägenden 1990er. Das Individuum verliert seinen Charakter. Mode kann hier ein Medium sein, wieder zu einer Ausgangsbasis zurück zu finden. Gerade die Herrenmode muss heutzutage sinnstiftender sein, als in den vergangen drei Jahrzehnten, den die Individualisierung der 1980er bis zur Jahrtausendwende wird und wurde durch die Beliebigkeit der digitalen Gesellschaft und Sozialisierung dahingerafft. In diesem Kontext betrachtet ist die in Berlin vorgestellte Kollektion, mutig, sinnstiftend und irritierend genug um tragbar zu sein – zumindest für ein sich jugendlich definierendes Publikum.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Zur Vorstellung ihrer neuen „collection №13″ für den Sommer und das Frühjahr 2019 hat Ewa Herzog in den Showroom ihres Ateliers eingeladen. Bei wundervollem Wetter in Berlin-Wilmersdorf stellte sich eine ruhige und familiär freundliche Atmosphäre ein, die Charme vermittelte und einen offenen Austausch ermöglichte. Diese Stimmung machte den Besuch der Präsentation sehr angenehm und ermöglichte eine intensivere Auseinandersetzung mit den neuen Entwürfen, als es eine klassische Modenschau geboten hätte.

Wer wie wir bereits die Kollektionen der letzten Saisons schätzt, wird auch diese Kollektion sehr ansprechend finden. Die grundsolide Umsetzung, das Handwerk und die dezente und stilvolle Weiblichkeit und Eleganz kann nach wie vor überzeugen. Den klassischen Farben bleibt Ewa Herzog treu – Weiß, Schwarz und weiche, oft leicht pastell wirkende Töne und ein kräftiges Blau bei einem Kleid bieten hinreichend Abwechslung.

Prägend sind wieder fein verarbeitete Spitzen und Volants. Bei einigen Kleidern wurde unter die Spitze hautfarbene Transparenz eingebracht, was die elegante Wirkung keineswegs beeinträchtigt.  Auch abseits des roten Teppichs kommen die Kleider stilvoll zur Geltung. Bei Abendanlässen oder „Events“ genauso wie bei persönlichen Anlässen bereiten sie sicher Freude. Speziell die Kleider in Hellblau, Ocker, Rosé und die Kombinationen von Weiß mit blauen Applikationen und Ornamentik laden dazu ein, bei Sommerfesten, beim Flanieren in der Stadt, und sogar an der Arbeit getragen zu werden. Denn auch bei den Längen und Volumen bietet diese Kollektion zahlreiche Variationen. Sogar eine kecke Short fügt sich stilistisch gut in ein Gestaltungskonzept ein, das Extravaganz mit Alltag verknüpfen will.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Mode darf Spaß machen und trotzdem eine politische Meinung ausdrücken. Rushemy-Botter und Lisi Herrebrugh haben wir dieses Jahr bereits in Hyères kennen lernen dürfen. Wer dort Punkten kann, kann es auch in Berlin – sollte man denken.

Zum ersten Mal wurde die Kollektion „Al Fombra“ auf den Laufsteg in Berlin gebracht, die gemischt wurde mit Looks aus der in Hyères preisgekrönten Kollektion „Fish or Fight“. Stilistisch bricht dadurch das Gefüge nicht auseinander, macht es aber etwas schwerer einen differenzierten Blick auf das junge Schaffen zu werfen. Bei „Fish or Fight“ war das Statement noch das (verkürzt) karibische Fischer ihre Existenzgrundlage verloren hätten. Botter und Herrebrugh haben karibische Wurzeln und die neuen Looks sollen auf Losbuden in der Dominikanischen Republik und auf Curaçao verweisen, die keine Gewinne auszahlen würden und ein Magnet für die Sehnsüchte vieler Menschen seien, ihrem Schicksal und der Armut zu entfliehen – bunt, luftig frisch und verspielt – dennoch eine Lebensfreude und ein Bejahen, dem zu entfliehen die fremde, uns aber näher liegende Sehnsucht entgegensteht, Lebendigkeit aufzusaugen.

Ja, auch die neuen Looks haben etwas dekonstruktives, aber fallen nicht so extrem wie die vorhergegangenen Kreationen aus. Große Volumen, Schwung und Farbe darf ebenso sein, wie Asymmetrie. Die Hüften und Taillen bei den Damenlooks sind betont, ebenso die Schultervolumen bei den Herren. Zwischen den verwendeten Materialien entstehen Spannungen und Dynamiken. Gerade die massiven Volumen bei den Herrenjacken können befremden. Sie verlieren aber nie den Bezug zum gesamten Erscheinungsbild. Gerade auch wenn die beiden unterschiedlichen Themen ganz klar zu erkennen sind. Sie gehören dennoch zusammen. Die freudige Farbpalette spiegelt genau das Licht der Karibik wieder, nach welcher sich in Europa gesehnt wird. Eine sympathische Wärme kommt den Betrachtenden entgegen und kann vereinnahmen, auch wenn die Kollektion noch nicht wirklich umfassend ist und die thematischen Ansätze weiter differenziert werden könnten. Aber allein die Fragmente machen eben den zu Beginn erwähnten Spaß aus, den Mode vermitteln kann und soll. Jedenfalls ist mit den beiden Niederländern auch in der Zukunft sicher noch zu rechnen und man wünscht dem Paar viel Erfolg und viele spannende Erfahrungen auf dem modischen Weg.

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Präsentation der Analyseergebnisse: Lotte Schuurmann

Diskussion: Tony Tonnaer, Daniel Luger, Vera Köppen

Moderation: Jana Kern

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Auf der Fashion Week präsentiert sich die nachhaltige Mode auf verschiedenen, eigenständigen Ebenen (unter anderem: Green Showroom / Ethical Fashion Show ) an eigenständigem Ort (Kraftwerk). Dafür haben sie in dieser Saison mit ausgedehnter PR-Arbeit besondere Anstrengungen unternommen, dieses Modesegment der Öffentlichkeit nahe zu bringen. Die Pressekonferenz der Fair Wear Foundation engagierte sich beispielsweise besonders, viele Journalisten für ihre Veranstaltung zu gewinnen.

Andere Konferenzen auf der Fashion Week könnten sich hieran ein positives Beispiel nehmen. Irritierend ist zum Beispiel, dass der Veranstalter der ZEIT-magazin – Vogue – Konferenz (Convent Kongresse), die ebenfalls Mode im gesellschaftlichen Kontext kritisch beleuchtet, von Journalisten einen Anwesenheitsbeitrag von 100€ einfordert. Der Selbstanspruch gesellschaftlich relevant wirken zu wollen erscheint uns damit nicht überzeugend.

Dieses gesellschaftliche Anliegen wird von der Fair Wear Foundation dagegen überzeugend dargelegt. Sie agiert seit rund fünf Jahren, ist unabhängig, eine Non-Profit-Stiftung und in elf Ländern aktiv, darunter Indien, Indonesien, Myanmar und Bangladesch. Aktuelle Schwerpunkte sind sind Aktivitäten in der gesamten Herstellungs- und Vertriebskette. Damit versucht die Stiftung die Verantwortungen in dem komplexen und zum Teil undurchsichtigen System herauszuarbeiten. Es ist ihr gesellschaftspolitischer Anspruch, dies transparent zu machen.Außerdem hat sie es sich zur Aufgabe gemacht, neben der Überprüfung von allen Abläufen auch Business und Know-How zu vermitteln.

Zur Zeit vereint die Fair Wear Foundation 130 Marken aus zehn europäischen Ländern als Mitglieder. Im einleitenden Bericht zur Pressekonferenz beschreibt ihre Sprecherin  die Bilanz der Evaluierungen seit 2011 als positiv. Dennoch sei es problematisch, ein 100%-Fair-Siegel zu vergeben, das heißt mit Garantien für faire Abläufe gerade zu stehen.

Faire Bekleidung bedeutet nicht unbedingt, dass die Materialen allein einem definierten ökologischen Standard entsprechen. Nachhaltigkeit hat weitere Aspekte und Facetten. Mindestens genauso wichtig wie eine ökologische Produktion von Textilien ist, dass die Produkte im ersten Schritt fair und vielleicht in einem weiteren Schritt dem Gemeinwohl dienend hergestellt und vertrieben werden. Die Fair Wear Foundation stellte sich in der Pressekonferenz und Diskussionsrunde zusammen mit drei teilnehmenden Unternehmen dem Diskurs und bot Erfahrungen und Ansichten aus erster Hand. Die unternehmerische Motivation, sich einem Prozess zu unterwerfen, der transparent und auch kritisch die gesamte Produktionskette unter die Lupe nimmt, kann schon sehr unterschiedlich sein.  Dabei zeigen sich Defizite, aber auch Potentiale. Ethische Überzeugungen und der Wille, ein in allen Aspekten hochwertiges Produkt anbieten zu können, schließen sich hierbei nicht aus. Auch die Annahme, schlussendlich (bewusst, oder unbewusst) habe der Endverbraucher die Entscheidungs- bzw. Marktmacht, bleibt gegenwärtig.

Spannend ist die Erkenntnis, dass es sowohl für den Verbraucher, aber auch für die Marke an sich in keiner Weise per se überschaubar ist, wie sich die Produktionskette gestaltet und in der Tiefe der Komplexität verzweigt. Die Herausforderungen sind vielschichtig. Es geht darum, grundlegend nachhaltige Praktiken bei allen Schritten der Herstellung und des Vertriebs zu berücksichtigen. Im sogenannten Perfoming Check der Fair Wear Foundation ( FWF) werden rund vierzig Indikatoren herangezogen um diese Evaluation unternehmerischen Handelns und Produzierens zu gewährleisten und Defizite wie auch positive Entwicklungen aufzudecken. Vieles dreht sich dabei darum, gerechte Löhne und Arbeitsbedingungen zu gewährleisten. So könnte zum Beispiel schon eine gute und zeitnahe Planung sicher stellen, dass durch Termindruck nicht regelmäßig in den Fabriken bis zu 16 Stunden am Tag für Arbeiterinnen und Arbeiter anfallen. Dabei muss sich vor Augen gehalten werden, dass die Lohnkosten in den Fabriken teilweise nur im unteren einstelligen Prozentbereich der Gesamtkosten bei der Herstellung eines Kleidungsstückes anzusiedeln sind – Mindestlöhne und existenzsichernde Löhne sind bei weitem nicht die Regel und können auch nur sehr schwer überprüft werden. Eine Zusammenarbeit mit regionalen Gewerkschaften ist deshalb für die FWF sehr wichtig. Kinderarbeit und Sklaverei sollten in unserem Jahrhundert eigentlich kein Thema mehr sein. Wichtig ist aber auch die Erkenntnis, dass selbst nachhaltig ausgerichtete Unternehmen eine gewisse Marktmacht bei ihren Bezugsquellen und in den Fabriken benötigen um wirklich entscheidend darauf einwirken zu können die Arbeitsbedingungen real zu verbessern. Die FWF geht dabei davon aus, dass der Schwellenwert bei etwa 10% liegt. Stellt die Produktion für eine Marke rund 10% der Produktionskapazität einer Fabrik dar, so kann davon ausgegangen werden, dass diese Marke tatsächlich bereits Einfluss auf die Arbeitsbedingungen nehmen kann. Wichtig ist deshalb die Fluktuation von Bezugsquellen zu durchbrechen und langfristig nicht immer wieder wechselnd andere Fabriken als Produzenten zu haben und so zu einer stabilen Produktionskette zu kommen. Die Übersicht zu behalten ist herausfordernd. Eine Lösung muss sein, regelmäßig vor Ort zu sein und die Produktionsbedingungen in den Fabriken, Wäschereien, Färbereien, Webereien und so weiter direkt im Auge zu behalten.

Produktionsstätten in Fernost erfordern darüber hinaus wesentlich mehr Reiseaufwand, als Produktionsstätten in Ländern, die an Europa angrenzen, zum Beispiel der Türkei, eines von dreien exemplarischen Ländern, das neben China und Indien aktuell mit spezifischen Problemen im Fokus steht. Während es in der Türkei Kinderarbeit ist, welche durch den Zustrom von Flüchtlingen aus Syrien in den tieferen Segmenten der Produktionskette sogar zugenommen hat, ist zum Beispiel in Indien die verbreitete sexuelle Belästigung von Frauen weiterhin ein gravierendes Thema. In China, dem immer noch größten Exporteur von Bekleidung weltweit, sieht die FWF den Schwerpunkt auf übermäßigen Überstunden durch Termindruck und fehlenden Arbeitskräften in der Produktion.

Insgesamt ist es deshalb auch konsequent, nicht von einer 100%-igen Transparenz und Umsetzung auszugehen, sondern programmatisch darauf zu setzen, dass eine stetige Verbesserung stattfindet und sich die bei der FWF teilnehmenden Marken kontinuierlich verbessern und auch lernen, ihre eigenen Abläufe im Detail zu kennen. So hätten im Jahre 2017 87% der teilnehmenden ihre Produktion überprüft und 78% die Produktionsstandorte besucht. In Bezug auf Mindestlöhne hätten nach der FWF 97% der Marken eine Preispolitik, die es ermöglichen würde Mindestlöhne zu bezahlen. Mindestlöhen in diesen Ländern darf man aber nicht mit existenzsichernden Löhnen vergleichen. Hier geht die FWF von einer Rate von nur 44% bei den Anstrengungen dafür zu sorgen aus, dass in den Fabriken auch existenzsichernde Löhne bezahlt werden. Das klingt angesichts des geringen Umfanges des Kostenanteils am Endpreis nicht ermutigend und zeigt, dass noch viel Potential brach liegt – und erschreckt darüber, wie diese Quote wohl bei nicht teilnemenden Marken aussehen mag. Von Volumenhändlern und –marken mal ganz abgesehen. Positiv muss man aber festhalten, es gibt Möglichkeiten für Marken bewusster zu handeln und bei diesen Prozessen begleitet zu werden. Wenn nun auch der Endverbraucher bewusster handeln und nachfragen würde, könnte für das weltweite Gemeinwohl noch viel erreicht werden.

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Text: Susanne Beckmann (Gastbeitrag)

Bilder: Andreas Hofrichter

Gehärtetes Lackleder, Gürtel, Schnallen und Blümchen als Dekor. Das kennt man von Marina Hoermanseder, der Designerin, die seit Jahren die Highlightstellung der Fashion Week Berlin im Berliner Modesalon für sich beanspruchen darf. Immer wieder erfindet sich die Österreicherin neu, überrascht mit neuen Ideen und Interpretationen ihrer verspielten Visionen, die sie in die Mode übersetzt. Es wird einfach nicht langweilig. Hoermanseder spielt nach wie vor mit puppenhaften Attributen, ließ in den letzten Kollektionen wenig Bewegungsfreiheit für die Trägerinnen ihrer Korsetts und gehärteten Lederröcke. Doch schaffte sie auch, das scheinbar Untragbare ins Gegenteil zu verwandeln, ohne sich von ihrer Zeichensprache verabschieden zu müssen. Ihre Kollektionen trugen immer einen Hauch von Eleganz und nie gesehener Extravaganz mit ihrer ganz besonderen Handschrift.

Marina Hoermanseder erkundet neue Ufer

Nachdem M. Hoermanseder Ende Juni eine typische Hoermanseder Trachtenkollektion für das Traditionshaus Angermaier vorgestellt hat, nähert sie sich in der Kolletion SS 2018 dem urbanen Leben. Denim, feines Lackleder, Sweatshirtstoffe und feine Baumwolle reihen sich neben die ansonsten feine Materialwahl aus Seiden, Crêpes des Chine, Chiffon und hochwertigem leichten Lackleder und Leder. Wie vielfältig Marina Hoermanseder denkt und entwirft, kennt man bereits von ihr. Sie ist die perfekte Handwerkerin, die vor nichts Angst zu haben scheint. Mit Volants und Glockenröcken, Jumpsuits und Blusenkleidern in Lackleder, fließenden Stoffen und eigenem Stoffdesign setzt sie ihre Visionen um. Hier ist jedes Detail bedacht und entspringt dieser kindlichen Phantasie, die sie gekonnt in eine Erwachsenenwelt transportiert. Sogar Sweatshirtstoffe finden Einzug in die sonst so spezielle Materialwahl der Österreicherin. Damit wird die Kollektion urban und Marina erweitert ihr Repertoire auch für den lässigeren Geschmack.

Der Gürtel ist noch nicht ausgereizt

Mit XXL-Gürtelschnallen bis zum reinen Dekorelement in Miniformat scheint Marina Hoermanseder das Thema Gürtel noch nicht vollends ausgereizt zu haben. Pastellfarbene Lederröcke aus um die Hüfte gewundenen Breitbandgürteln, die in einer diagonal angeordneten Riesenschnalle enden, hat die ehemalige Esmodschülerin außergewöhnliche Kollektionsstücke kreiert.
Dabei fehlt selten das Blumenmeer, das immer wieder als Stickerei oder Applikation auf Tops, Handbeuteln, Handtaschen, Stiefeln, Gürtelbändern oder Haardekor auftaucht. Das macht die Kollektion leicht, unbeschwert und jung. Und wenn dies ein Défilé gewesen ist, dann sind wir gespannt, welche Bilder in der kommenden Saison an uns vorüberziehen.

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Fotograf: Anton Ryazanov

(Instagram)

Make-Up & Haare:: July Ryazanova

Modelle: Oleg Pastushkov & Alexey Kuleshov

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Fotograf: Carl David Jones

Mode: Lulu

Styling: Anees Petersen

Assistenz: Luke Cassar

Carl David Jones und sein Team haben wieder mit klassischem, analogen 35mm Filmmaterial eine Fotostrecke in Kapstadt, Südafrika produziert. Neben den Bildern sind auch ein paar animierte Gifs entstanden.
 

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Designerin zeigte auf der Bühne (Stage) im Rahmen der Fashion Week Berlin wieder ihre neue Herrenkollektion. Für den kommenden Herbst und Winter kleidet sie den Mann zeitgenössisch mit einer leichten Note an Widerspenstigkeit gegenüber der Uniformität der klassischen Herrenmode. Ihr gelingt dabei der Spagat zwischen Avantgarde und Establishment, was oft kein leichtes Unterfangen ist.

Eine Rumpfkollektion in saisonalen Farben

Bei den Farben sind saisonale, dunkel Töne von der Designerin verarbeitet worden. Abgerundet wird die Palette mit Beige und Weiß. Die Volumen sind relativ schulterbetont und greifen wieder vermehrt Applikationen auf. Sehr ansprechend ist die Mischung der unterschiedlichen Materialien. Hier wirken insbesondere gröbere Stoffe bei den Hosen sehr gut und vermitteln neben den lockeren Schnitten auch eine gewisse Bodenständigkeit, die man sonst im Urbanen Design nicht immer findet. Mehr Facetten und Variationen hätten dieser Kollektion gut getan und ein Plus an Kombinierbarkeit gegeben. So entsteht der Eindruck, es handle sich nur um einen Grundstock, der mit Bekleidung anderer Marken aufgefrischt und beim individuellen Styling ergänzt werden müsse. Im Vergleich zur Sommerkollektion, welche nun alsbald in den Geschäften zu haben ist, schließt die Herbst- und Winterkollektion systematisch gut an.

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Models (der Reihenfolge nach):
Codye, Alex, Seong Ui Ma, Sophia,
Baek, Song Hwa Oh

Styling: Vom Fotografen und den Modellen. Seong Ui Ma und Sophia wurden gestylt von Places and Faces   creators  – @ciesay und @soulzgram von @placesplusfaces

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Fotografin: Dasha Dare (Instagram)

Designer: Mozart (Instagram)

Creativdirector: Irina Pazniak

Haare & Make-Up: Vitalii Pleshkov

Modele: Veronika & Kristina Kart (Mädchen)

Mozart ist eine in Brest in Weißrussland beheimatete Marke für Damenmode.

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