4. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the runway end. Am letzten Tag der Fashionweek wohl auch im RAUM.Berlin. Nachdem zwölf Designer an diesem Ort mit diesen Leitfragen ihre Kollektion mit experimentellem Format vorgestellt haben, wird deutlich, dass hier ein gutes alternatives Format kreiert wurde, das viele von ihnen optimal und kreativ zu nutzen wussten. Zu den spektakulären gehörte auch Karin Brettmeisters Ritual Unions mit einem tableau vivant, das wirklich Spass machte, sowohl den Darstellern als auch dem Publikum. Ein Bankett, angerichtet für Frauen, die in den edlen Dessous beziehungsweise Brautkleidern des Labels erscheinen. Ähnlich wie Bildwelten (und Lifestyle-Fantasien) von Ellen von Unwerth und von Agent Provocateur entwirft Ritual Unions hier eine lebendige Anschauung ihrer modernen, alternativen Braut- und Couture-Kleider, die fast übergangslos aus edlen Dessous erwachsen und genau an dieser Schnittstelle Individualität, Einstellung und Selbstdarstellung ansteuern. Schwerpunktmäßig ist die Kollektion an Frauen gerichtet, aber nicht ausschließlich, und sie feiert den vergnügten Eros der Weiblichkeit, der in der Produktion stets individuell ausgelegt wird. Das tableau vivant (lebendes Bild) war im ausgehenden 19. Jahrhundert groß in Mode und es dürfte, wenn es kreativ angelegt ist, durchaus als Leitformat für die RAUM.Berlin-Präsentationen attraktive Wiederauferstehung feiern. Wenn es gut war, war es allerdings auch sehr aufwändig, aber auf heute bezogen und verglichen mit schlicht inszenierten Runwayshows kann das die bessere Entscheidung für Modedesigner sein.  Das verbundene Lebensgefühl lässt sich besser szenisch evozieren und im Vergleich zum oft eigentümlichen Schauen-Großaufwand der großen Luxusmarken auch überschaubar finanzieren.

Letztlich hat jedes teilnehmende Label eine eigene Idee zur Konstellation einer Installation entwickelt, die zum jeweiligen Selbstverständnis des Modemachens passt, mal erscheint das dann spektakulär, mal weniger. Das ist nicht nur eine Frage, wie man jenseits der Mode auch kreativ denken und konzipieren kann. Es erfordert zuerst eine bewußte, eher konkrete Lifestyle-Philosophie für die eigene Mode, die eine fantasievollere, anschaulichere Lebenswelt im Kopf des Designers voraussetzt, als viele sich das gemeinhin vergegenwärtigen. Diesen Abstraktionsschritt haben früher Werbeagenturen mit Werbespots und Werbebildern übernommen. Hier macht das das Label selber.

Und, das ist wohl ein weiterer Vorteil, mehr Publikum kann dichter an den assoziierten Lifestyle herangeführt werden, als auf einer Catwalkschau.

Die exzentrischen und auch futuristisch anmutenden Kollektionen von Maximilian Gedra verstehen sich als skulpturale Kunstwerke und sollen auch wie solche erscheinen. Sie sind eher selbstbezogen und darum als monolithische Positionierungen jeweils für sich gestellt. Man erwandert diese Arbeiten wie Kunst im Museum von Piece zu Piece, jedes eine selbstbezogene Inszenierung für sich, die höchstens mit Licht und bizarren Accessoires (vorwiegend Headpieces) intensiviert wird.

Das Label Sveasøn von Svea und Shirin aus Hamburg gibt sich dagegen vergnügt, kommunikativ und gestalterisch bodenständiger. Die Figuren bevölkern entsprechend locker verteilt den Raum, abwechslungsreich, muster- und farbenfroh. Zusammen ergibt sich für die Mode ein großer Mix aus Materialien, Gestaltcollagen, Mustern, fantasievollen Bildzeichen und auch kleinen Scherzen, der gute Laune suggeriert. Diverse handgetöpferte und bunte Objekte dazwischen verweisen auf unprätentiöses „Gestalten mit den eigenen Händen“ und ergänzen die Vorstellung von einem bunt-fröhlichen Leben.

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1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Die vielen unterschiedlich konzipierten Ausstellungen sind das Wesentliche des Festivals Hyères, auch wenn die Wettbewerbe und die abschließende Catwalk-Schau imagemäßig den Ruf bestimmen. Die ausgesuchten Themen, Konzepte und Spezifika und das jeweilige Ausstellungsdesign sind sorgfältig pointiert und jeweils auch originell präsentiert.

In den letzten Jahren wurden allerdings schon einige Ausstellungsformate ausgespart, etwas weniger an der Zahl sind es jetzt und diverse Highlights findet man nicht mehr. Bis dahin gab es zum Beispiel Präsentationen aus den letzten Haute-Couture-Schauen der großen Marken wie Chanel, Chloé oder Swarowski, mit wenigen aber sehr edlen und aus der Nähe höchst beeindruckenden Exponaten, die nun entfallen sind. Auch die atemberaubenden Ausstellungen mit den Métiers d’Art, exquisie Handarbeit der Details für Haute Couture, gibt so nicht mehr. Und letztes Jahr gab es noch eine rasante, große Installation von De Vilmorin, kitschig und campy zwar, aber doch sehr beeindruckend inszeniert.

Dieses Jahr wird der besonders zentrale Ort in der Villa, der Indoor-Pool auf der oberen Etage, eher nüchtern von einer Präsentation des Labels Courrèges besetzt, mit einem kleinen, quasi geschichtlichen Abriß seiner geometrischen Designs (in Neuinterpretationen), die ab den 60er Jahren den futuristischen Touch in der Haute Couture wesentlich prägten und die Mode der 60er und frühen 70er mit symmetrischen Geometrien einflußreich mitbestimmten. Space Design war eines der kennzeichnenden Schlagworte. André Courrèges brachte innovative Technologien und neue Materialien in die Mode, er erfand die Gogo-Boots und auch seine Designerin Mary Quant ist aus den Londoner Swinging Sixties nicht wegzudenken. Wesentlich weiter entwickelt wurde das Konzept vom Label dann aber nicht mehr und tauchte nur noch in Revival-Kontexten wieder auf oder am Rande. Bezugnehmend auf den architektonischen Stil der Villa Noailles von Robert Mallet-Stevens hat der Art Direktor von Courrèges (und Jury-Vorsitzende) Nicolas Di Felice nun eine postmoderne Kollektion von sechzehn Designs, die Courrège-Kreation repräsentieren, vorgestellt, mit nur wenig innovativen Aspekten allerdings, und Szenograf Rémy Brière hat sie im Kreis aufgestellt und mit lautem Rhythmussound ergänzt.

Nicolas Di Felice: Géométrie d’une rencontre – Wenn Courrèges auf Noailles trifft

Achilles Ion Gabriel, Direktor von Camper, Camper Lab und eponymous (Sponsoren) und Präsident der Jury Accessoires, hat eine Art Darkroom inszeniert, also zu dunkel um zu fotografieren, mit raumhohen, dunklen Fotos von dreieckig arrangierten Zwei-Personenkonglomeraten, woraus sich ein riesiges, kaleidoskopartiges Gebilde ergibt, durch das man sich hindurchbewegen kann.

Achilles Ion Gabriel: Title of the Show.

Le19M präsentiert Exponate verschiedener Designer in einem weiteren Ausstellungsraum, jeweils Preisträger der vergangenen Jahre,  darunter Gabrielle Huguenot und Igor Dieryck. Es sind handwerklich elaborierte Werke, die in Zusammenarbeit mit Lesage (le19M) in den letzten Jahren realisiert wurden.

Gabrielle Huguenot: La femme serpent (ein Fuß im Grab, der andere ausrutschend):

Gabrielle Huguenot: Chaos en fleurs (11 Schmuckclippaare, 2024)

Christoph Rumpf: Celibacy (Jacke, Hemd und Hose Kollektion, 2020)

Igor Dieryck: Ad Fundum (2024)

Rukpong Raimaturapong: Light Life, (Hemdenkollektion 2021)

Annelie Schubert: Twinset (Mantelkollektion 2016)

Erwähnenswert ist noch die Außeninstallation von Remi Calmont und Gabriel Figueiredo (De Pino), die dieses Jahr bei einem Stipendium des art center aus Watte entstand. Eine witzige und sehr dekorative Interpretation der grandiosen Aussicht von der Villa Noailles auf die Stadt Hyères und das Mittelmeer.

Rémi Calmont und De Pino: Amuse-Bouche (Sommer 2024)

Die Kunstpräsentationen in den Gängen konnten wir leider nicht eindeutig einem Künstler zuordnen, vermutlich stehen sie im Zusammenhang mit dem Atelier des Matières:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die diversen Ausstellungen, kleine und größere, sind über den ganzen labyrinthisch verschachtelten Baukomplex der Villa verteilt und die meisten, sofern es sich nicht um den Fotografiebereich im Erdgeschoss handelt, agieren auf Schnittstellen zwischen Mode, Kunst und manchmal Fotografie. Oft sind es Installationen, die von Mode- oder Accessoiresentwürfen ausgehen und diese dann in meist surrealistische Traumwelten transferieren.

Die Ausstellungen sind bis 14. Januar 2024 geöffnet.

Dieses Jahr feiert die Villa Noailles ihren hundertsten Geburtstag und viele Fotoprints, zugeeignete Kunstwerke und Dokumentationen erstrecken sich über Treppenhäuser und Gänge. Oft sind die Kunstwerke direkt auf ihre Gründer Charles und Marie-Laure de Noailles bezogen, die wohl ambitioniertsten Kunstförderer Frankreichs des letzten Jahrhunderts.

*

Die zentrale künstlerische Design-Installation, „Le Chaos“, wird dieses Jahr von Charles de Vilmorin gestaltet, einem jungen (26 Jahre alt) französischen Modedesigner, der vor drei Jahren seine erste Kollektion, unter anderem mit einer auffälligen Bomberjacke, vorstellte, was ihm ihm eine Anstellung bei Rochas für zwei Jahre als Art-Director einbrachte. Dieses Jahr ist er Präsident der Jury für Mode des Festivals, eine ungewöhnliche Entscheidung – erstaunlich für so eine noch junge Karriere in den Anfängen. „Ich betrachte meine Rolle hier mehr als Austausch als als Urteilsvermögen“, sagte de Vilmorin dazu während eines Interviews. „Es geht um eine Diskussion unter Gleichgesinnten.“ Dies rückt von der klassischen Position des erfahrenen Juryleiters ab und setzt einen Designer an die Stelle, der selbst nicht weit weg von den jungen Preisbewerbern ist.

De Vilmorins eigene Modeentwürfe sind ausgreifend barocker Natur, bestimmt von Naturelementen, Körperbemalung und Neonmakeup und manchmal voluminösen Silhouetten („Everything related to the body and movement inspires me“). Einflüsse von Popkultur wie Niki de Saint Phalle und surrealistischen Arrangements erweitern die Modeentwürfe zu kleinen Phantasmen und dekorativen Spielereien. Hart an der Grenze zu Kitsch und sehr campy macht diese Kreation aber Spass beim Umgehen: Schwäne, Rösser, Flügel und Feenzauber liegen als Gipsskulptur auf dem Boden, als Tod und Himmelssturm, umgeben von Teufel und Eros und ornamentalem Zauber. Inmitten dessen schlichte Gewänder und laute, knallbunt und poppig dekorierte Outfits an Mannequins, die die Märchenwelt des Künstlers beleben und die Mode als Teil einer größeren Fantasiewelt kennzeichnen.

Alan Crocetti ist Vorsitzender der Jury für Accessoires und Schmuckdesigner. Er gilt als der mutigste und interessanteste Schmuckdesigner der Gegenwart und ist bekannt für seine experimentellen und ungewöhnlichen, nicht geschlechtsspezifischen Kreationen im Zusammenhang mit der Anatomie, wie etwa sein berühmtes silbernes Nasenpflaster. Er wurde in Goiânia, Brasilien, geboren und wuchs in Belo Horizonte auf, wo seine Eltern ein Strumpfwarengeschäft betrieben, bevor er nach Europa zog. Sein Label gibt es seit 2014. Die Installation „Body Politics“ mit Schmuck auf nackten, künstlich-realistischen Körperoberflächen führt ebenfalls zu einer etwas übersteigerten, geradezu unheimlichen, superrealen Anmutung, ähnlich wie das die Neue Sachlichkeit (z.B. Christian Schad) schon in den 20er Jahren und später, noch extremer, der Hyperrealismus zu evozieren suchten.

Der Frontmann des Labels Pigalle, Stéphane Ashpool, wurde zum künstlerischen Leiter und leitenden Designer der Olympischen Spiele in Paris 2024 ernannt, der zusammen mit Le Coq Sportif arbeiten wird, um die französischen Teams zu kleiden. Dabei geht es um die Herausforderung, (französische) Tradition und Moderne harmonisch in Einklang bringen. Ashpool sucht dafür einen subtil ausgewogenen Gestaltungsweg, farblich, formal und mit pfiffigen Akzenten, und dieser Raum zeigt Zwischenergebnisse, er soll quasi ein Eintauchen in diesen Entwicklungsprozesses ermöglichen, mit Zeichnungen, Proben, Versuchen, Material-, Schnitt- und Farbexperimenten.

Eine kleine Installation zeigt die neuen Arbeiten des letzten Preisträgers des le19M Métiers d’Art Preises Valentin Lessner. Der mit Chanel verbundenen Organisation le19M Métiers d’Art gehören die 10 wichtigsten französischen Kunsthandwerksunternehmen der Mode an; der Preis von 20.000 Euro ging zusammen mit einem Gestaltungsprojekt mit einem der beteiligten Häuser nach Wahl, das wir hier sehen.

Eine recht originelle Installation ist der „Salon de Musique“ des Ehepaares Marie-Laure und Charles Noailles. Die Instrumente haben sich einer künstlerischen Metamorphose unterzogen und die anwesenden Personen auch. Musik verkehrt sich ins Surreal-Optische.

Aus der Ausstellung zu 100 Jahre Villa Noailles:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Eine Installation ist für Esther Perbandt ein gutes Format, um ihre künstlerischen Ambitionen mit den Modeentwürfen zusammenzuführen, und dabei hat sie stets faszinierende und ausgefallene Ideen. Sehr gelungen ist ihr das auch mit der aktuellen Kollektion “Concrete Jungle” in Zusammenarbeit mit dem Veranstaltungsort Acht Berlin.

Sie nutzt den Ort brutalistischer Architektur, in den ein großes Oval, quasi ein begrünter ein Hof mit Glaswand, ein Lichthof, eingelassen ist. Darin die Präsentations-Installation, die dann vom eigentlichen Nutzraum her betrachtet werden kann – wie ein Terrarium, in dem die Exoten sich am Schaufenster, still oder mit leicht skurillen Bewegungen, selbst vorführen. Das Draußen wird zum Drinnen oder umgekehrt. Das Innenlicht reflektiert auf den Scheiben ebenso wie das Außenlicht. Auf dem Boden des Lichthofs Naturrasen, in der Luft große scharze Luftballons, darüber der sommerliche Himmel, in der Mitte sitzt eine Cellospielerin und an den Glasfenstern stehen die Modelle mit der Kollektion.

Exotisch ist die Mode von Esther Perbandt meistens, sie ist schon lange aus der Gothic-Szene herausgewachsen, auch wenn man die Wurzeln deutlich erkennt beziehungsweise erkennen soll, aber die Designerin hat sich entwickelt, hin zu mehr Eleganz und zu zeitgemäßem Erscheinungsverständnis. Dabei bleiben alle ihre Entwicklungsperioden sichtbar enthalten und das macht die Kollektionen erfahren im Geschmack und differenziert in der Anschauung, ohne dass sie sich nun ganz auf trendy Ausdrucksformen stützt. Das Differenzierte zeigt sich nicht nur in der Unterschiedlichkeit der Looks sondern auch innerhalb eines solchen.

Zeitgemäß, wie auch bei vielen anderen Designer(inne)n, sind die vielen Transparenzen, ausgespielt in allen möglichen Varianten für alle Geschlechter, dazu noch immer Bänder, Strippen und Schichtungen, ausgefranste Konturen, Risse in den Flächen und stark modifizierte klassische Standards. Schwarze Kordeln und Gold als Kontrast sah man allerdings nicht mehr. Bemerkenswert ist, dass die Designerin nun die Strenge und die geometrische Selbstverpflichtung weitgehend aufgegeben hat und stattdessen viele lockere, formale Verspieltheiten zuläßt. Und dass sie nun die hermetische Verschlossenheit als Leitprinzip oft aufgebrochen hat und den Menschen (beziehungsweise den Körper) als Teil der modischen Inszenierung zulässt, ja, sogar feiert. Das ist, selbst wenn man es als Prozess beobachtet, schon ein radikaler Wandel, den sich Perbandt auch deswegen leisten kann, weil sie längst bei einer souveränen Stilistik angekommen ist, die sich von formalen Selbstverpflichtungen weitgehend emanzipiert hat. Und trotzdem bei sich bleibt. Die Looks von Esther Perbandt erkennt man unschwer immer als solche auch jenseits des Standards „Schwarz“.

Referenzen zum Klassischen (Anzug, Kostüm etc.) sind – im Vergleich zur dekonstruktivistischen und konstruktivistischen Phase – modisch zwar minimiert, aber als eher unbewegte Installation mit Cellobegleitung noch atmosphärisch relevant. Der Touch von Mystik und Ernsthafigkeit ist noch erhalten und die zugelassene Erotik erscheint, trotz aller Transparenz, zurückhaltend und distanziert. Im Vergleich zu früheren Saisons ist der Schritt ins Gegenwärtige mutiger und entschiedener geworden und es zeigt sich, dass das mitnichten den Perbandt-Style beeinträchtigt, sondern als Gewinn zu verbuchen ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Angesichts des Umstands, dass die zentralen Schauen der Fashionweek in die frisch renovierten Kantgaragen gelegt worden sind, war es für den Berliner Salon wohl opportun, daselbst auch seine aktuelle Präsentation relevanter Gegenwartsdesigner aus dem deutschsprachigen Raum einzurichten. So sorgfältig die historischen Kantgaragen nun auch renoviert sind, dass da sogar das Stilwerk eingezogen ist, so parkhausmäßig sind die offenen, niedrigen Räumlichkeiten doch verblieben. Denkmalschutzmäßig aufgefrischt und andere Nutzung ermöglichend.

Der Berliner Salon ist ja nun mehrmals in verschiedenste Architekturkonstellationen gezogen und hat daraus jeweils viel Gewinn und auch Verlust für das Repräsentative gezogen. Der zweite Faktor, der dazu kam, war die mehr oder weniger liebevolle Auswahl und Präsentation der Modebeispiele. Nachdem schon einige Abstriche nach dem Auszug aus dem Kronprinzenpalais hinzunehmen waren, überraschte letzte Saison ein tolles Konzept für die Inszenierung (wir berichteten), es schien wieder aufwärts zu gehen. Aber jetzt im Parkhaus war kaum Inszenierung wahrzunehmen, unmerklich geordnet standen die Kleiderständer mit Designer-Beschriftung im großen Raum herum, ergänzt mehr oder weniger unvorteilhaft mit jeweils einer eigenen Leuchte, das wars. Soweit nüchtern, bestenfalls sachlich und kritisch betrachtet enttäuschend.

Nicht enttäuschend waren dagegen die Exponate selbst, stellvertretend und aussagestark ausgesucht und sehr prägnant in der individuellen ästhetischen Philosophie. Ungewohnt und erfreulich dazu vorwiegend neue Teilnehmer, insgesamt etwa 47, die „üblichen Kandidaten“ blieben bis auf wenige unberücksichtigt. Damit wird auch schon der frische Wind, der auch aus dem wieder größeren Fashionweekprogramm erkennbar wird, hier schon vorgestellt. Und der ist auch sehr überzeugend, denn es gibt offensichtlich wieder viele noch kaum bekannte Designer mit sehr attraktiven Modevorstellungen. Wenn es die Berliner Fashionweek, nunmehr ohne Mercedes Benz als einflußreichem Hauptsponsor, gelingt, ein neues Konzept mit jungen und ungewöhnlichen Designern zu programmieren, hat sie der internationalen Fashionweek-Aktivität etwas voraus, nämlich die wirkliche Innovation aus den jungen Ateliers heraus. Dann besteht die Chance, dass die internationale Modewelt aufmerksam nach Berlin schaut.

Einen Abschnitt der Ausstellung bildete die Gruppe der vier ukrainischen Designer (DZHUS, Jean Gritsfeldt, Bobkova, Litkovska), die auf der Fashionweek auch Schauen bestreiten. Und da zeigt die konzentrierte Präsentation schon sehr verschiedene Gestaltungskonzepte, mit der Prägung durch die aktuelle Kriegssituation und dem eigentlichen Selbstverständnis des Landes. Gegenwartsverortung auf künstlerischer Ebene sozusagen.

Karen Jessen:

Juliana Maurer:

Working Title:

Lani Lees:

Jean Gritsfeldt:

DZHUS:

PB0110:

Litkovska:

Bobkova:

Maryam Keyhani:

Avenir:

Stiebich & Rieth:

Fade Out Label:

Konrad:

Oftt:

Vaust Studio:

Julia Leifert:

Christian Metzner Brandenburg:

Richert Beil:

Susumu Ai:

Odeeh:

Rita in Palma:

Valentin Lessner:

Tim Süssbauer:

LML Studio:

Antonia Schreiter:

Assembled Half:

Fiona Bennett:

Studio 163:

Rianna + Nina:

The Twins:

Anne Bernecker:

Horror Vacui:

Société Angelique:

Tatjana Haupt:

Sofia Hermes Fernandez:

Nanyi Li:

Tebton:

SF10G:

Nari Haase:

Chelsea Jean Lamm:

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Umzug des Berliner Salons in das Kulturforum hat der Veranstaltung mehr als gut getan, nachdem sie die letzten Saisons ein eher untergeordnetes und damit völlig unterbewertetes Dasein fristen musste. Viel Platz, eine neue Struktur und eine nach wie vor liebevolle Konzeption sicherten der Ausstellung das, was sie beansprucht: Eine Schau der besten Modemacher Deutschlands (+ Accessoires) mit hoch kultiviertem Präsentationsniveau. Dabei liegt das Augenmerk besonders auf lokale Nachhaltigkeit, Zukunftsorientierung und Qualität als Kennzeichen gerade deutscher Modeideologie. Mit vornehmem Grau und guter Beleuchtung lehnt sich die Präsentation der Gruppenausstellung an moderne Techno-Ästhetik an und bietet zugleich einen cool-eleganten Flair, die den Exponaten durchweg gut tut und die ästhetische Qualität wieder stärker in die Wahrnehmung rückt.

Wesentlich ist diese Ausstellung auch deswegen, weil viele wirklich gute Designer sich nicht in Form einer eigenen Schau auf dem Laufsteg der Fashionweek-Veranstaltungen präsentieren können und wollen. Man kann leicht vergessen, dass das Programm der Berliner Fashionweek keineswegs repräsentativ ist und gerade darum ist der Berliner Salon so wichtig. Auch wenn hier jeweils nur wenige Kollektionsmodelle gezeigt werden, ist der Einduck der Schaffensleistung doch sehr prägnant, nicht zuletzt weil man in Ruhe betrachten kann. Und an relevanten Teilnehmern sehr umfassend. Erstaunlicherweise war bei unserem Besuch nicht viel Publikum zugegen, vielleicht muss der gute Ruf erst wieder etabliert werden und die Werbung dafür bei den Fashionweek-Organisatoren den Platz einnehmen, den die Veranstaltung verdient.

Angelehnt an frühere Formate des Berliner Salons war die Präsentation gegliedert in drei Bereiche: „Die Gruppenausstellung“, „Fashion and Craft“ und „Rising Voices Award“. Die Gruppenausstellung zeigte Exponate von insgesamt über 30 Designern. Diese Ausstellung wird mit einer sogenannten „Alumni-Installation“ von 24 Designern und Manufakturen erweitert, mit Fashion and Craft überschrieben, darunter – der Bezeichnung entsprechend – viele Labels, die schon lange auf dem Salon vertreten sind und mittlerweile auf ein solides Renommée zurückblicken können. Einen eigenen Platz bekam ausserdem Jean Gritsfeldt, der ukrainische Designer, der auch für ein Podiumsgespräch (mit Christiane Arp) anwesend war – auch dies ein Teilformat des Berliner Salons, das jetzt wieder angemessen in die Aufmerksamkeit gerückt wurde. Der dritte Bereich namens Rising Voices Award präsentiert das Ergebnis eines Schuhdesign-Wettbewerbes, der vom Fashion Council Germany und der kalifornischen Schuhmarke UGG ausgelobt wurde. Er soll die Nachwuchsdesigner-Generation im Sinne nachhaltiger Produktion unterstützen, motivieren und fördern. Aufgabe war es, ein Modell des ikonischen UGG “Classic Mini” Stiefel unter dem Aspekt von Nachhaltigkeit und Handwerkskunst neu zu erfinden. Zehn Teilnehmer kamen ins Finale und wurden ausgestellt, den ersten Preis gewann das Label Milk of Lime.

Die Gestaltung des Berliner Salons war seit seiner Gründung stets liebe- und geschmacksvoll ausgerichtet, die Wahl der Orte und damit des Raumes sowie die Integration in die Berliner Fashionweek dagegen nach dem Auszug aus dem Kronprinzenpalais oft stiefmütterlich behandelt (vgl. Beitrag). Außerdem war die Öffnung der Schau meistens nur kurz und nicht für jedermann. Das hat sich jetzt endlich geändert, der Ort ist wieder angemessen und die Öffnung war auch für mehrere Tage allgemein zugänglich.

Es wird Zeit, dass dieser ausgezeichneten Veranstaltung die Bedeutung auf der Fashionweek zugesprochen wird, die ihr gebührt.

DER BERLINER SALON
DIE GRUPPENAUSSTELLUNG

RITA IN PALMA

HORROR VACUI

FASSBENDER

RICHERT BEIL

MYKITA

SF10G

RIANNA + NINA

SUSUMU AI

SOCIÉTÉ ANGELIQUE

LML STUDIO

DETLEV DIEHM

MAISON BAUM

GOLPIRA

DANNY REINKE

KHULAN KLECKER (UDK BERLIN)

JONATHAN AUREL (UDK BERLIN)

JULIA LEIFERT

ODEEH

AVENIR

ATELIER BALAGANS

RENÉ STORCK

PB 0110

FADE OUT LABEL

STUDIO 163

OFTT

ALEXANDRA BIRON VON CURLAND

KONRAD

FIONA BENNETT

FASHION x CRAFT

JANA HEINEMANN / JULIA BALLARDT & NICO VERHAEGEN

PHILIP KOFI WAGNER

MIRJAM VON MENGERSHAUSEN

SVEA KATHARINA BECKEDORF

RISING VOICES AWARD

JEAN GRITSFELDT

ALUMNI INSTALLATION

DAWID TOMASZEWSKI

BRACHMANN

SMINFINITY

I’VR ISABEL VOLLRATH

ANTONIA ZANDER

VLADIMIR KARALEEV

WILLIAM FAN

WORKING TITLE

MICHAEL SONTAG

ALEKSANDRA VIKTOR

PETER O. MAHLER

TALBOT RUNHOF

ALLUDE

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