Text und Bilder: Gerhard Paproth

Wie bereits bekannt, sind die Nebenprogramme des Hyères-Festivals eine kongeniale Ergänzung zu den reinen Modepräsentationen, zum Beispiel zeigen die Ausstellungen eher die Arbeit an den Schnittstellen zwischen freier Kunst und angewandter Gestaltung. Das entfernt sich nicht von den Nachwuchsdesignern, die sich, kurz nach Studienabschluss, auch noch mehr oder weniger an diesen Schnittstellen bewegen. Ein paar Zugänge zu den gezeigten Ausstellungen wollen wir hier vorstellen.

BETTINA RHEIMS – Sonderausstellung Fashion Projekte:

Über die Fotografin brauchen wir an dieser Stelle sicherlich nichts längst Bekanntes erzählen. Neben ihrer Ausstellung war sie selbst als Gast zum Publikumsgespräch geladen, wo sie unter anderem erzählte, dass sie, obwohl ihre Bilder dies suggerieren, nur wenig persönlichen Kontakt zu den abgebildeten Personen hat, auch beim Machen des Fotos selbst kaum. Ihre persönliche Nähe ist eher zum Projektkonzept, das sie im Vorfeld genau ausarbeitet und vorbereitet bzw. vorbereiten läßt.

Das mag zunächst irritieren, hat aber eine deutliche Entsprechung zur Modefotografie, der sie sich ja auch oft, wie in der Ausstellung zu sehen, auf die eine oder andere Weise genähert hat. Die Ausstellung als großer, bunter Panoptikumsmix belegt ein recht rasantes Themensurfing mit starken Akzenten, in dem dieses Projektdenken durchscheint und den eher oberflächlichen Moderezeptionen gelegentlich einen leichten Touch von Tiefgang beifügt. Motivmäßig erscheinen ihre Modestrecken allerdings inspirierter, als die eher strengen, konzentrierten Konzepte im Sinne zeitgenössischer Kunst.

LIFE STILL:

Mit den Grenzgängen zwischen angewandter Kunst bzw. Fotografie und freier Kunst bzw. Fotografie beschäftigt sich auch eine Ausstellung mit 10 Fotografen aus dem eher künstlerischen Bereich. Quasi als Wettbewerb deklariert hatten sie den Auftrag, 4 Bilder mit Accessoires eigener Wahl zu schaffen.Gedacht ist die Verbindung von Design und freier Kunst, indem der Stil des Fotografen – als ein Ideen- und Bildumfeld – Designstücke integriert. Damit wird der „Produktwerbeauftrag“ künstlerisch-kreativ besetzt. Die originell präsentierten Ergebnisse waren teilweise sehr verblüffend bis amüsant, darum stellen wir einen Teil der abfotografierten Exponate hier vor.

MARINA CHEDEL – A Raised Line That Moves Across the Surface:

Eine sehr kleine Installation des Versuches, den künstlerischen Leitgedanken zu forcieren, bis die praktische Funktion des Design- bzw. Modeobjektes zu verschwinden droht, findet sich von Marina Chedel, die im letzten Jahr den Grand Prix du jury Accessoires de mode Swarowski gewann. Natürliche Reliefs inspirieren sie offenbar stets, letztes Jahr die Schweizer Berge, dieses Jahr das Phänomen Welle. Bei Holz als Material bleibt sie trotzdem. Fein ausgeschnittene Streifen stützen den Schuh und machen den Schritt weich (offenbar doch noch praktisch gedacht). Hinzu kommt Neopren, verziert von Maison Montex. Auf vergleichbare Weise ist der Rucksack konzipiert, aber mit der Verbindung unter Wasser – letztlich will A Raised Line That Moves Across the Surface die Spannung vermitteln,die sich aus der Verbindung mit dem Wasser und dem Surfen darüber ergibt.

PIERRE MARIE – les Pyjamas de Pierre Marie

Für Insider ist Pierre Marie vielleicht ein bekannter Name, denn er zeichnet Dekors u. a. für agnes b, A.P.C., Chloé, Sonia Rykiel und schon seit zehn Jahren für Hermès. Ein eigenes Projekt beschäftigt sich mit dem Bestiarium von Tierkreisen der Astrologie, sowie den dekorativen Elementen, die sie umgeben. Verschiedene Kulturkreise haben sich damit auch künstlerisch beschäftigt. Daraus entwickelt er sich wiederholende Muster, die auf dem Körper getragen werden sollen, um die Beziehung dazu herzustellen. Bestes Kleidungsstück dafür ist der Pyjama, den der Künstler in einem schlichten und gleichbleibenden Schnitt gehalten hat, der aber jeweils aus verschiedenen edlen Stoffen angefertigt ist. In der Präsentation rotieren nun alle diese pittoresken Pyjamas in einem großen Kreis von oben, quasi eine Einladung an den Betrachter, sich träumend in himmlische Sphären zu begeben.

CHRISTELLE KOCHER, MAISON LEMARIÉ – Les Univers de Lemarié:

Eine Schau des Hauses Chanel ehrt die unglaublichen Künste des Maison Lemarié. Das war 1880 als kleine Werkstatt entstanden im Zuge des Kultes, Kopfbedeckungen raffiniert mit Federn zu schmücken und auch Cabarets mit Boas auszustatten (was allerdings auch unzählige Vögel das Leben kostete). Allein dreihundert „plumassiers“ gab es in diesen verrückten Zeiten in Paris. Mit wachsender Reputation erweiterte das Haus sein Angebot auf feinste Arbeit mit Blüten, ab 1960 arbeitete es bereits für Chanel mit handwerklich und künstlerisch höchst anspruchsvollen Herausforderungen. Seit 1996 liierte sich das Unternehmen mit Chanel’s Métier d’Art, was die kreative Reputation noch einmal steigerte und dann zum steten Begleiter der jährlich 10 Kollektionen Karl Lagerfelds machte. Führend im Anspruch des Hauses ist mittlerweile die französische Designerin Christelle Kocher, die seit 2010 Artdirektorin ist.

Die Ausstellung der Arbeitsbeispiele ist enorm vielfältig und absolut atemberaubend. Unsere Fotos von den Exponaten können leider nur eine Ahnung vermitteln, was da an kreativer Raffinesse und Perfektion gezeigt wurde:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Einen separaten und sehr renommierten Preis für die Wettbewerber in Hyères lobt das Haus Chloé aus, er ist dotiert mit einer „bourse de création“ über 15 000 €. Dieses Jahr gewann ihn Marie-Ève Lecavalier aus Canada. 

Alle Teilnehmer haben einen speziellen Entwurf dafür gefertigt, der den Stil des Hauses zu berücksichtigen sucht.

Regina Weber:

Anna Isoniemi:

Jef Montes:

Rushemy Botter:

Linda Kokkonen:

Ester Manas:

Marie-Eve Lecavalier:

Ela Fidalgo:

Sarah Bruylant:

Antonina Sedakova:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Visionäre Qualitäten sind vermutlich ein wesentlicher Gesichtspunkt, nach dem die Jury die Wettbewerber um den Grand Prix aussucht. Da es um Nachwuchsförderung geht, macht das viel Sinn, gelegentlich kommen aber auch Geschichten hinter den Kollektionen oder zeitgeistige Statements zum Zuge, wie das Siegerteam Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh bewiesen.

Da die Konzepte sehr unterschiedliche Richtungen zeigten, habe wir uns nachfolgend bemüht, kurze Erläuterungen zu den vorgestellten Kollektionen zusammenzutragen, wie in dem Bericht zu den Défilés bereits angekündigt wurde und ein paar Extra-Bilder hinzugefügt.

Marie-Eve Lecavalier, Womenswear (COME GET TRIPPY WITH US), Kanada:

Marie-Eve Lecavalier liebt den Reiz subtiler Prints und Oberflächen. Leder erscheint bei vielen ihrer Arbeiten, sei es als Material an sich oder zu grafisch zerschnittenen und zusammengesetzten Mustern als Oberflächenstruktur. Gelegentlich verarbeitet sie auch recyceltes Material aus Second-Hand-Beständen. Stilistisch sucht sie klare und schlichte Formen, die sie ursprünglich aus Arbeitskleidung abgeleitet hat, also sehr Diesseitiges einerseits, andererseits Träumerisches, das sie als Kontrast oder Ambivalenz dagegen setzt. Die kontrastierende Mischung aus Sinnlichem, Einfachem, Funktionellem und Recycling stellt den Reiz der Erscheinung her, die letztlich durch große Klarheit bestimmt bleibt. Ihre Kollektion gewann den Prix Chloé.

Ester Manas, Womenswear (BIG AGAIN), Frankreich:

Ester Manas ist eine temperamentvolle Person und sie mag „echte Frauen“. Ein lustgeprägtes Körpergefühl ist Ausgangspunkt für ihre Kleidungsentwürfe und dabei spielen auch kräftigere Frauen eine deutliche Rolle. Sie läßt sich dabei wenig beeindrucken von subtiler Raffinesse, die für einen bestimmten Frauentyp bestimmt ist, sondern Materialien (z. B. Tüll) und Farben (von Weiß bis Rot) sollen für alle Frauentypen offen stehen, letztlich auch Schnitte, was man an den mutigen Gestaltungen für kräftige Frauentypen vorgeführt bekommt. Spaß hat die Designerin auch an direkter Bemalung der Stoffe, auch dies dick und kraftvoll und farbkräftig aufgetragen. Nicht immer überzeugen die unkonventionellen, zum Teil exzentrischen Designergebnisse, aber was überzeugt, ist die (Woll-)Lust und das physische Selbstbewusstsein, das sie alle transportieren und damit einen unbedingt positiven Beitrag zu feministisch-emanzipierten Bewegungen der Gegenwart darstellen.

Linda Kokkonen, Womenswear, Finnland:

Linda Kokkonen ist mit ihren Designs stark der Gothic-Szene verhaftet, etwas verwunschen, viktorianisch, vampiresk, romantisch 70iesmäßig. Rot und Schwarz sind die zentralen Farben. Viele der Gestaltungscodes übernimmt sie direkt, manche Experimente fügt sie hinzu. Die ganze Generation der Fashion Design Programme der Aalto Universität, wo sie studierte, liegt auf ähnlicher Linie. Besonders faszinierend erscheint die Auflösung der Oberflächen, die den Stücken eine eigene, ästhetische Charakteristik verleiht.

Jef Montes, Womenswear (TORMENTA), Niederlande:

Jef Montes hat schon auf der Amsterdamer Fashionweek 2016 ein Konzept vorgestellt, das eine (persönliche) Neuorientierung des Modemachens nach verbreiteten Parolen wie „Fashion is Dead“ darstellte. Einerseits dienten ihm ungewöhnliche, fließende Kunststoffmaterialien als gestalterische Startvorgaben, andererseits der Prozess der Auflösung und formalen/materiellen Transformation am Körper als Reiz. So spektakulär wie in der Amsterdam-Performance erscheinen die Stücke nun nicht mehr, geblieben und weitergeführt aber ist das Experiment mit den luftigen, futuristisch anmutenden Materialien und Gestaltungen, die auf sehr elegante Weise Erotik herstellen, ohne sich um Gegenwartsrealität zu scheren. Mutige, äußerst faszinierende und sehr sinnliche Visionen, die eine Gegenposition zur sampelnden Ratlosigkeit vieler Kollegen darstellen, Tech-Future als eine geschmacksverfeinerte Perspektive.

Ela Fidalgo, Womenswear (EATHWORK), Spanien:

Der Spanier Manijela Fidalgo liebt üppige Ausstattung, in jeder Hinsicht. Auch er ist ein Visionär, ein Utopist, der mit komplizierten Patchworkgestaltungen neue Ansätze einer Zukunft nach dem Nachhaltigkeitsproblem und übertriebenem Konsumismus zu gestalten sucht. Die voluminösen Silhouetten und die komplexen Zusammensetzungen erzeugen eine ungewohnte Pracht aus Recyclematerial, das ursprüngliche Banalitäten in ein Feuerwerk erneuerter Betrachtungsweise überführt. Zum Teil hergestellt auf Mallorca und von einem 45-köpfigen Workshopteam in unendlich detaillierter Handarbeit genäht, ist aus unzähligen kleinen Stoffresten ein Panoptikum schillernder Kleidungsstücke entstanden.

Antonina Sedakova, Menswear (COMMUNICATION TUBE), Russland:

Eher aus der Rückwärtswendung konzipert Antonina Sedakova ihre Kleidungsstücke. Aus den Erinnerungen und Vorstellungen der Sowjetrealität der 80er Jahre aus Jugendperspektive kollagiert sie aus einer Mixtur von Uniformteilen, Partyexzessen, Träumen und Ideencodes so etwas wie eine Retro-Neuaufage kultureller Versatzstücke im Postpunk-Stil, gebeamt in die Gegenwart. Das handwerklich grob Erscheinende, Derbe und Schmutzästhetik Zitierende führt zu einer bestechenden Schlüssigkeit im Konzept. Besonders die aufgenähten Schwarz-Weiß-Fotos geben den Stücken eine enorme Anziehungskraft. Die Kollektion steht für einen Aufbruch, der russische (Jugend-)Vergangenheit positiv zitiert und in eine gegenwärtige Ausrichtung transferiert. Dabei liegt die Gestalterin letztlich gar nicht weit weg von dem, wie westliche Partyszene-Designer ihre Kollektionen zusammensampeln.

Rushemy Botter, Menswear (FISH OR FIGHT), Niederlande:

Sie sind ein Team, Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh, das sich einer sozialen Betrachtung verschrieben hat und daraus ein lebensfrohes Konzept entwickelt. Die gegenwärtige Kollektion erzählt mehr oder weniger eine Geschichte, nämlich der von karibischen Fischern, deren Lebensperspektive infrage steht, obwohl sie an einem der schönsten Orte der Welt leben. Versatzstücke dieser Vorstellung werden mit bunten, lebensfrohen Teilen verknüpft und das wiederum gesteigert bis zum karnevalesken Auftritt. In der Kombination wird konstruiert und dekonstruiert, Jacke kann auch Hose sein, kurz, lang, eng, weit – alles wird möglich und alles ist gleichzeitig und vervielfacht. Der Gesamteindruck führt einen großen Mix ins Feld, lieber zu viel als zu wenig. Leider bleibt darüber die ursprüngliche Geschichte eher auf der Strecke. Ein wenig pseudokritisch und „very instagrammable“ (iconist Welt) mutet das an, laut, bunt, schräg und vielschichtig – das war es wohl, was die Jury als zeitgeistgerecht ansah und damit des Grand Prix de la Jury für würdig befand.

Regina Weber, Womenswear (FLEUR INVADER), Deutschland:

Die deutsche Wettbewerberin Regina Weber verbindet High-Tech mit Natur. Sie arbeitete zum Beispiel mit Silikon bzw. ähnlichem Kunststoff, in den sie echte Blüten und Blätter eingoss und so eine sehr zartes und individuelles Material für Kleidung herstellte, das vernähbar ist: „Fleur Invader“. Der Moment der Vergänglichkeit scheint dabei auf, auch die Applikationen und die Farbgebung von Rosa über Gelb zu Lindgrün wirken eher zart und verhalten – stets bleibt ein romantisierender Bezug zu Natur gegenwärtig, manchmal mit leicht mahnendem Touch.

Anna Isoniemi, Womenswear (RACING STRIPES), Finnland:

Die Designerin Anna Isoniemi hat sich den schillernden Oberflächen verschrieben und gewissermaßen die Diskomaterialien der 60er (Geoffrey Beene Collection ) und 80er Jahre zeitgemäß fortentwickelt. Inspiriert fühlte sie sich mit der gegenwärtigen Kollektion außerdem von Autorennen und den spezifischen Designelementen, die man dort antrifft. Dynamik und Geschwindigkeit sowie strenge Kraft sind Qualitäten, die sie in der Frauenmode sichtbar machen will, um damit der Frauenpower eine optische Positionierung hinzuzufügen. Obwohl dieses futuristisch anmutende Design eher visionären Impact hat, versucht die Modemacherin es so anzulegen, dass es auch alltagstauglich tragbar ist.

Sarah Bruylant, Womenswear (MEET ME IN ANOTHER WORLD), Belgien:

Sarah Bruylant hat den Prix Publique in Hyères gewonnen. Obwohl sie Gegenwartstrends und Üblichkeiten ignoriert und ihre Sachen aus der eigenen Fantasie und Traumwelt entwickelt, hat dem Publikum wohl dieser Zauber aus Emotion und Gefühl besonders gefallen. Mit dem Pinsel und Acrylfarben trägt sie die pointillistischen Muster auf Stoffe auf, auch auf feste Materialien. Sie sucht den direkten Bezug zwischen Kleid und Trägerin, so sind die Formen und Farben wie angefügt, was den leicht märchenhaften Charakter der Kollektion begründet. Unsere erste Assoziation war Alice im Wunderland und es erschien uns beruhigend, dass sich solche Positionierungen auch heute noch als Faszinosum behaupten können.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Mit den sehr verschiedenartigen Ansätzen, Kleidung zu entwerfen, die letztlich Zeitgeist reflektieren (oder sein) sollen, wird es schwierig, ein sinnvolles Resumée zu ziehen, wenn man solch eine ambitionierte Präsentation wie Hyères überfliegt. Konsequenter Bruch mit Geschmackslinien, Experimente in allem, mehr oder weniger radikale Dekonstruktion formaler Errungenschaften, Versuche in Anti-Ästhetik, das ist die eine Seite, die andere ist die Lust am Machen an sich, hie und da durchaus ziellos, Partylaune als Permanentzustand und noch immer Sampling, was das Zeug hält und das Vorfindliche hergibt. Die vorfindliche Freiheit als riesige Spielwiese zwingt nicht unbedingt zu einem wegweisenden Statement, sie zu nutzen macht aber sichtlich Spaß. Die Zukunftsvisionen gehen, soweit sie erkennbar sind, in verschiedene Richtungen – widersprüchliche oder parallele.

Auffällig ist dabei die Rücknahme der erotischen Würze, die das Kreative bisher als alles verbindenden, sensualen Reiz begleitete und oft thematisierte. Nur sehr selten scheint sie mal auf, als attraktiver Bestand- oder Anteil hat sie ihr Potential aber wohl verloren. Sexy ist kein relevantes Kriterium mehr, und das, obwohl Mode und menschliche Körperlichkeit bisher sich gegenseitig und raffiniert spielerisch bedingten. Das war durchaus ein Leitgedanke der Modegeschichte.

Der Sieger des Grand Prix du Jury Grand Vision Rushemy-Botter vereint jedenfalls alle diese Aspekte in seiner etwas verrückten und spaßgeprägten Kollektion, auch hier tut sich ein ernsthaft zukunftsträchtiger Leitgedanke noch nicht auf. Soll auch nicht (und genau das ist sicher die entscheidende Haltung).

Die zehn Wettbewerber um die ausgeschriebenen Preise, die die kompetente Jury (es ist übrigens immer der Hauptpreisträger des vorangegangenen Jahres mit vertreten) aussucht, haben zumeist kaum Entsprechungen in ihren Leitmotiven, sie zeichnen sich vielmehr aus durch Konsequenz eines bestimmten tragfähigen Ansatzes, der durchaus auch in die eine oder andere Zukunft weisen könnte, und durch stimmige Realisierung, die auch handwerklicher Sorgfalt verpflichtet ist.

Im Hyères-Défilé rauscht das als nahezu ununterbrochene Schau in einem Zuge am Betrachter vorbei und es ist von Vorteil, dass man sich auf der Ausstellung in der Villa Noailles die Sachen im Showroom einen Tag lang in Ruhe vorher ansehen kann (und auch mit den Designern reden). Die Fotos, die wir da gemacht haben, können den Zugang zum jeweiligen Konzept manchmal etwas erleichtern, darum zeigen wir – quasi als Ergänzugsartikel – diverse Beispiele in den kommenden Tagen noch einmal von Nahem.

Regina Weber (Deutschland):

Anna Isoniemi (Finnland):

Jef Montes (Niederlande):

Rushemy Botter (Niederlande), Grand Prix du Jury Première Vision:

Linda Kokkonen (Finnland):

Ester Manas (Frankreich):

Marie-Eve Lecavalier (Kanada), Prix Chloé:

Ela Fidalgo (Spanien):

Sarah Bruylant (Belgien), Prix du Public de la Ville d’Hyères:

Antonina Sedakova (Rußland):

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Text, Interview und Bilder: Gerhard Paproth

Letztes Jahr waren Thibaut Rodde & Sandrine Paskusz-Koffi mit ihren Brillen bei den Wettbewerbern der Abteilung Accessoires de Mode vertreten und erlebten viel Aufmerksamkeit. Auch wenn man den großen Preis dann nicht gewinnt, ist es ein wichtiger Erfolg. Denn die Vorauswahl zum Wettbewerb respektive die Präsentation auf dem Festival gibt der Karriere von Jungdesignern anschließend einen beachtlichen Kick. Außerdem kann es sein, dass die Festivalleitung im Folgejahr noch einmal zu einer kleinen Showroomausstellung  der „Formers“ einlädt, wenn die neuen Arbeiten außergewöhnlich zeigenswert sind, wie das jetzt für die beiden Kreativen der Fall war.

ModaCYCLE: Wir sind neugierig welche positiven Folgen die Teilnahme am Wettbewerb hier in Hyères hat. Was hat es euch gebracht?

Sandrine Paskusz-Koffi: Wichtig war für uns, dass wir den professionellen Markt kennen gelernt haben. Sowohl während des Festivals als auch danach haben wir viele professionelle Kontakte knüpfen können, sowohl mit den Medien als auch mit der Branche. Die Lunetterie (Brillenbranche) ist recht speziell, das war schon sehr wichtig für unsere Weiterarbeit. Nicht zuletzt sind wir Autodidakten und hatten bis dahin keine Berührung mit dem Markt.

Zweitens, und auch das war für uns als Autodidakten wertvoll, erhielten wir einmal Kritik der Profis. Und da war die positive Resonanz ebenso überraschend wie die des Publikums, das ja selbst überrascht reagierte.

Und wir hatten ein unerwartetes Medien-Echo, sogar ziemlich international – bis nach Japan. Damit hatten wir auch nicht gerechnet.

Thibaut-Rodde: Der entscheidende Impuls war sicher, dass wir mit der Handarbeit weiter machen. Wir haben mittlerweile auch klassischere Modelle gemacht, quasi als Erweiterung des Spektrums. Ich selbst trage so ein Beispiel im Alltag. Wir stehen aber noch zum Einzigartigen. Die Ausweitung des Programms erlaubt uns gleichzeitig, die Industrialisierung auszuprobieren.

Positionierung, Bekanntheit, Kontakte, das sind wesentliche Ergebnisse unserer Teilnahme am Wettbewerb gewesen.

ModaCYCLE: Eure Brillen sind schon sehr speziell. Wie könntet ihr das Publikum, das auch diese Modelle kauft, beschreiben?

Thibaut-Rodde:Es sind sehr viele junge Modedesigner interessiert. Die möchten gerne mit uns kooperieren. Ansonsten überhaupt alle, die die Evolution der Dinge schätzen und die sinnliche Kraft von Form und Material lieben. Zum Beispiel die Modelle aus Holz fanden sehr viel Aufmerksamkeit.

Sandrine Paskusz-Koffi: Außerdem natürlich Menschen, die das Seltene lieben und einen Sinn für Ausgefallenes haben. Da ist kleine Handarbeitsproduktion möglich.

Thibaut-Rodde: Abgesehen von denen, die das mit Vergnügen tragen, gibt es Sammler. Das kleine Format als „objet d’art“ hat viele leidenschaftliche Interessenten.

ModaCYCLE: Das ist eine mutige Perspektive, auch den eher exzentrischen Markt bedienen zu wollen. Die meisten passen sich schnell und weitgehend den Marktregularien an, wenn es darum geht, wirtschaftlich gut zu überleben.

Thibaut-Rodde: Das Credo ist für uns: Das Produkt soll lange halten und gute Kenntnis von Handarbeit repräsentieren. Wir verfolgen die Kombination von Tradition und dem Schritt in die Zukunft. Das zeigt sich durchaus als eine tragfähige Perspektive.

Aktuelle Arbeiten von Thibaut-Rodde und Sandrine Paskusz-Koffi:

  Wettbewerbsbeitrag 2017:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Sie findet zwar stets auf engstem Raum statt, die Präsentation der Wettbewerber, die die Jury ausgesucht hat, das zwingt aber auch zu Nähe und sorgfältiger Betrachtung. Gerade für die Schmuckdesigner ist das vorteilhaft, denn Blingbling, das einen aus der Ferne anspringt, ist eher selten. Feine und poetische Entwürfe mit viel Liebe zum manuellen Herstellungsprozess und besonders eher ungewöhnliche Ausgangsideen prägen die Produktionen, handwerklich perfekt sind sie sowieso alle.

Aus sechs Ländern stammen die jungen Designer und Designerinnen, und das Ungewöhnliche, das ihre Arbeitskonzepte kennzeichnet, reicht von Naturverbundenheit (z.B. Claire O’Keefe & Eugenia Oliva) bis hin zu Umwandlung des Praktisch-Unschönen ins Bezaubernde (z.B. Kate Fichard, Flora Fixy & Julia Dessirier). Ausgeschrieben ist der Grand Prix Accessoires de Mode Swarovski, der besteht aus 15000 Euro Preisgeld und der Möglichkeit, ein Projekt mit Chanel’s Métiers d’art bis 15000 Euro zu realisieren. Das ist für einen Nachwuchsdesigner eine beachtliche Förderung.

Und da alle diese ziemlich innovativen Ansätze so verschieden in ihren Leitgedanken sind, erscheint es umso schwieriger, hier nur den bzw. die  einen oder anderen herauszustellen, Spitzenkandidaten zu küren sowieso. Wir zeigen sie darum alle.

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Letztes Jahr hat die Schweizer Designerin gleichzeitig den Grand Prix du Jury Première Vision und den Prix Publique in Hyères gewonnen und damit nicht nur Preisgeld, sondern auch Angebote mit bzw. für Chanel und Petit Bateau Kollektionen zu entwerfen. Dieses Jahr war sie allgegenwärtig. Kurz zuvor hatte Vanessa Schindler erst ihre Ausbildung beendet (Diplom Head Genève) und der Segen kam wohl mehr als überraschend: Experimentierfreudige Menschen mit unzulänglichem Interesse an Kommerzialität freuen sich ja meistens schon sehr, wenn sie irgendwo bei Wettbewerben Beachtung finden und mit Preisen rechnen sie eher nicht.

Sicher hat die Anerkennung für einen zusätzlichen Auftrieb gesorgt, aber die lebhafte Jungdesignerin ist ohnehin sehr fleißig und engagiert und auch neugierig und umtriebig. Auf der Fashionweek Berlin SS2018 hatte sie schon kurz danach ein Défilé.

Auf vielen Ebenen war sie in dem Jahr seither aktiv: Auf dem Festival in Hyères sah man jetzt einen Film von ihr und eine Installation, gemeinschaftlich erarbeitet mit Marine Giraudo. Alle Festivalmitarbeiter (und auch viele Besucher) trugen Outfits ihrer maritimen Kollektion für „Petit Bateau“ (hauptsächlich Kindermode), die man auch im Shop erwerben konnte. Ein Showroomabteil war mit ihren spannenden, neuen Kreationen („Chapitre3-La Frivolité“) ausgestattet, ziemlich aufwändigen und experimentellen Arbeiten mit Kunststoffen (besonders Uréthan) und Materialmixturen sowie ungewöhnlichen Applikationen sowie ein raffiniert-schlichtes Schmuckensemble für „Chanel – Maison Lesage“. Vor Ort erklärte sie unermüdlich dem Publikum die verschiedenen Teile, ohne die gute Laune zu verlieren. Und an drei Abenden hatte sie außerdem ein eigenes Défilé zu betreuen, ein paar Kilometer entfernt, wo diese Teile auf den Laufsteg zu bringen waren. Und nicht zuletzt kann man selbstverständlich auf mehreren ihrer Webseiten die verschiedensten Orientierungen ihrer Produktivität verfolgen.

Installation Vanessa Schindler und Marina Giraudo „URÉTHANE“ 2017:

aus der Kollektion für „Petit Bateau“ (im Shop):

für Chanel – Maison Lesage (Showroom):

Kollektion 2018 „Chapitre3-La Frivolité“ (Showroom):

Wir waren morgens rechtzeitig zum Gespräch verabredet, danach war ihr Showroomabteil schon überfüllt. Für mein Oldschool-Aufnahmegerät, das heute drohte, seinen Geist aufzugeben, hatte die entspannte Nachwuchsdesignerin nicht einmal einen kritischen Blick übrig, sondern meinte nur schmunzelnd „wenn’s schief geht, müssen Sie halt ein Gedächtnisprotokoll schreiben!“ Eine zutreffende Prognose.

modaCYCLE: Sie haben letztes Jahr gleich zwei Preise gewonnen – neben dem Geld ist damit eine Zusammenarbeit mit Chanel und eine mit dem Haus Petit Bateau verbunden. Das erscheint als sehr vorteilhafte Nachwuchsförderung, darum sind wir neugierig, wie sich das gestaltet hat.

VANESSA SCHINDLER: Die Arbeit mit Petit Bateau dauerte acht Monate, ich hatte gleich nach dem Festival letztes Jahr damit angefangen. Ausgangspunkt war das maritime Modethema, also zunächst die blauen Streifen, in das ich meine experimentellen Versuche integriert habe. Weil das Projekt auf industrielle Fertigung angelegt war, habe ich den technischen Herstellungsvorgang einbezogen, das war insofern neu für mich. Es gab aber keine Probleme, denn Petit Bateau hat mir von Anfang an alles offen gelassen und sich bei der Realisierung vollständig auf mich eingestellt. Das war sehr angenehm und verlief konstruktiv, ich habe dabei viel über so eine Prêt-à-Porter-Realisierung gelernt. Überhaupt war es ein sehr aktives Jahr, letztlich hatte ich ja gerade erst meinen Ausbildungsabschluss hinter mir und mit so viel Aufmerksamkeit nicht gerechnet.

modaCYCLE: Sie durften auch für Chanel arbeiten. Das stellen wir uns sehr herausfordernd und aufregend vor.

VANESSA SCHINDLER: Auch die Arbeit mit Chanel war sehr spannend, da habe ich eine Schmuckkollektion gemacht. Auch hier hat sich das Unternehmen ganz auf mich eingestellt, die Mitarbeiter waren total nett. Sie hatten überhaupt keine Vorbehalte gegenüber den material-experimentellen Besonderheiten und Herausforderungen. Alles war sehr entspannt – sie sagten mir gleich zu Beginn „Seien Sie unbesorgt, letztlich ist ALLES möglich!“ Der Einblick in die Arbeit des Hauses und die Kooperation waren auch sehr bereichernd.

modaCYCLE: Wie kommt man damit klar, wenn plötzlich so viel Erfolgsdruck an einen herangetragen wird? Ist das nicht eine enorme Beschleunigung, die einen erst einmal beunruhigt?

VANESSA SCHINDLER: Der Erfolg kam sehr überraschend für mich, natürlich habe ich mich sehr darüber gefreut. Gleichwohl verfolge ich weiterhin gelassen und neugierig mein experimentelles Interesse, das ist letztendlich das, was meinen Spass an dem Ganzen ausmacht.

modaCYCLE: Technische Experimente werden die Stoffe der Zukunft bestimmen, die Forschungen zum Tragekomfort (Atmung, Klimawirksamkeit etc.) sind schon sehr extensiv. Interessieren Sie sich dafür auch?

VANESSA SCHINDLER: Ja, das ist richtig. Das interessiert mich sehr und es berührt auch oft das, was ich mache. Letztlich aber ist meine Ausrichtung das experimentelle Vergnügen. Die stilistischen und ästhetischen und visuell spannenden Möglichkeiten und Ergebnisse sind für mich entscheidend und von praktisch orientierter Forschung unabhängig.

Runway 29. 4. 2018

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

„Ein flüchtiger Moment für eine beständige Mode“ ist die Installation überschrieben; bei der Suche nach einer bestimmten Eleganz versuchte, nach eigener Auskunft, Haider Ackermann einerseits den Austausch zwischen modeästhetischen Konzepten, die ihn beeindrucken, zu initiieren. Andererseits wünschte er sich dabei einen Moment des Chaos „durch die rebellische Vision eines Kamo“ (georgischer Revolutionär, ein Meister der Verkleidung). Insofern ginge es ihm mit der Installation nicht um Stellungnahme zu Bekleidung selbst, sondern um imaginäre Bezüge. Soweit die etwas kryptischen Anmerkungen in der Ausstellung selbst.

Die Idee, Modegestaltung frei als künstlerisch-abstraktes Terrain zu nutzen und daraus die verschiedensten Codes und Elemente zu neuen Kompositionen zu nutzen, birgt faszinierende Optionen. Als „Lien imaginaire“ wird der Bezug zwischen Bekleidung, Ästhetik, Pragmatik, soziokulturellem Kontext, Bedeutung und Kunst neu gemischt und zu einer Art surrealen Konstellation ausgearbeitet.

Die Installation deutet auch semantische Imaginationen an: Völlig verschiedene zeitgenössische Modeströmungen verbinden und konfrontieren sich zu einem phantasievollen, lockeren und auch offenen Ganzen. Dies verleiht den Teilen der verschiedensten Modedesigner*) erweiterte Wahrnehmungsaspekte und Interpretationen, ohne ihre Eleganz zu opfern. Die wird eher noch kontrastierend gesteigert.

An der Stelle, wo das Angewandte des Modedesigns mit dem Impetus Freier Kunst neu aufbereitet wird, verwischt die klassisch unterscheidende Grenze. Natürlich versuchen gute, mutige und experimentierfreudige Modedesigner stets, das Künstlerische der Arbeit an den Grenzen des Tragbaren auszuloten, mit dieser Installation ist Haider Ackermann aber ein komplexerer Ausflug ins Fantasieland gelungen, ohne den Bezug zu Gegenwartsrealitäten zu verlassen, soweit sie durch Mode sichtbar werden. Ein ziemlich faszinierendes ästhetisches Experiment.

*) Beteiligt: Madame Grès, Undercover, Louis Vuitton – by Nicholas Ghesquière, Rick Owens, Azzedine Alaia, Hermès – by Martin Margiela, Olivier Theyskens, Haider Ackermann

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Atmosphärisch betrachtet ist das Festival de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode Ende April in Hyères an der Französischen Côte d’Azur immer ein Highlight. Der Ort nennt sich selbst Hyères les Palmiers – palmen- und blumengesäumte Wege und Strassen, Orangen- und Magnolienbäume auf den Bürgersteigen sowie unzählige kleine, gepflegte Parkoasen berechtigen allemal dazu. Und oben, über der Stadt am Hang, in der großen Villa Noailles, findet vier Tage lang das besagte Festival statt, das seinen Focus auf die Nachwuchsförderung in den drei Bereichen Mode, Fotografie und Modeaccessoires gerichtet hat.

Hyéres April 2018:

Neben den Fotoausstellungen, Showrooms und Präsentationen gibt es die großen Défilés der Wettbewerber, Performances, Installationen, Filme, Konzerte, Atelier-Workshops, Künstler- und Branchengespräche, Empfänge, Parties und anderes mehr, man kann trotz der vier Tage gar nicht überall sein. Um der Diversität der Präsentationen gerecht zu werden, berichten wir dieses Jahr mit mehreren Artikeln etwa über die kommenden zwei Wochen hinweg.

Plakat:

Showroom:

Ausstellung „Life Still“:

Ausstellung ANDRÉ LEMARIÈ – „Les Univers de Lemarié“:

Ausstellung Kamo for HAIDER ACKERMANN „A Vanishing Act“:

Ausstellung Fotografie (Fashion-Retro) RICHARD AVEDON:

Das diesjährige Festival hatte einen selbsterkorenen Star im Programm, nämlich Vanessa Schindler, die letztjährige Preisträgerin des Grand Prix und des Prix Publique, sie war dieses Jahr mit einer eigenen Laufstegschau, einem Film und einer Installation sowie einem Showroom vertreten und ihre Ergebnisse der Zusammenarbeit mit „Petit Bateau“ konnte man im Shop betrachten. Die Angestellten und Helfer des Festivals waren mit der betreffenden maritimen Kollektion bekleidet und die Festivaltasche war auch von ihr gestaltet. Wir werden einen eigenen Artikel mit dem Interview der gut gelaunten und sympathischen Schweizer Designerin demnächst hier präsentieren.

aus Installation „Uréthane“, VANESSA SCHINDLER & MARINE GIRAUDO (CH):

im Shop -VANESSA SCHINDLER (CH, Kollektion für „Petit Bateau“ 2018):

Das Publikum ist vorwiegend jung und französisch, das Niveau ist leicht gehoben und trotzdem locker. Auf den vielen verschiedenen Terrassen der Villa entspannt man gut im Liegestuhl oder im Gespräch. Die Presse tritt eher unauffällig auf, internationale Branchenvertreter geben sich erst im Gespräch zu erkennen und VIPs trifft man erst in den Künstlergesprächen – die Boulevardpresse ist nicht zugegen. Aufregung wie in Berlin oder anderen Städten verspürt man nicht. Ab und zu fallen auch mal junge, selbstgefällig-vorlaute Architektenfrauen aus Deutschland auf, aber wenn sie mit Kind und Kegel die Terrasse verlassen haben, wird das Ambiente wieder inspirierend, ruhig und stilvoll. Zudem gibt es viele Nischen des Rückzuges, wo man recht ungestört die schöne Atmosphäre genießen, Infomaterial studieren oder schreiben kann. Eine Terrasse ist den Akteuren vorbehalten, besonders hier knüpfen die Künstler Kontakte untereinander und tauschen Erfahrungen aus. Auch das ist dem Festival ein wichtiges Anliegen.

VILLA NOAILLES, Terrassen und Orte:

Wichtig ist die Kommunikation, besonders der Künstler mit Interessenten. Sie knüpfen vor allem in den Ausstellungen und Showrooms viele Kontakte, die auch lange nach der Veranstaltung ihr Netzwerk auf- und ausbauen. Schon von daher ist die Teilnahme am Wettbewerb für die jeweils nominierten Zehn ein unschätzbarer Gewinn für den professionellen Einstieg in die Branche. Erhalten bleiben dem Festival auch viele vorjährige Teilnehmer, die ihre mittlerweile weiterentwickelte Arbeit vorstellen dürfen, Ex-Gewinner können so ihre frische Reputation festigen. Zu recht, wie man fast immer feststellen muss. Und auch im Shop kann man nun die professionell gefertigten Stücke sehen und erwerben.

im Shop -MARINE SERRE (F, Prix Chloé 2017):

im Shop – BLESS (D):

VILLA NOAILLES, Entrée:

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