Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Die Designerinnen haben die Präsentation dieser Saison in einen Baumarkt verlegt. Die Frage, ob damit die Kollektion konzeptionell einem Baukastensystem im Sinne des „DIY“ (do it yourself) entspricht, wurde damit allerdings nicht beantwortet.

Seit einiger Zeit wird das Label medial im Sinne einer nationalen Unterstützung von Leitmedien in der Mode in Deutschland unterstützt. Deutsches Modedesign soll insbesondere auch in Deutschland bewusster und wohlwollender in der Breite wahrgenommen werden. Dies stellt einen Ansatz dar, sich der geballten Front von Mode-Großkonzernen entgegen zu stellen. In immer drängenderer Form stellt sich entsprechend die Frage, was Modedesign ist, und ob es zutreffend ist, dass die Determination dessen heutzutage in der Funktion lediglich dem Kommerz, der Gewinn- und Umsatzmaximierung unterworfen ist. Was Mode ist, wird anhand von Kerngrößen im betriebswirtschaftlichen Sinne gesehen. Gerade in der deutschsprachigen, wissenschaftlichen Literatur zu diesem Gesichtspunkt kristallisiert sich immer mehr heraus, dass die Funktionsbestimmung von Mode immer mehr in Verschiebung zu geraten scheint.

Auch in der medialen Rezeption nimmt man dies wahr und thematisiert eine „Krise“ der Modeindustrie in ihrem Anpassungsprozess an globale Marktmechanismen und einer ungebremsten Beschleunigung des Konsumdrucks durch das Internet, welches mit seinen „Onlineshops“, die immer und überall im „Ausverkauf“ sind, die klassischen Kollektionsrhythmen in Frage stellt – immer neu, immer aktuell, immer ist irgendwo Sommer, Herbst, Winter oder Frühjahr.

PERRET SCHAAD spinnt die neue Kollektion um zwei Attribute, die diese Kollektion in stilistischer und zeitlicher Abgrenzung zu vorangegangenen definiert: Das Eichenblatt und das Gittermuster. Beide Elemente kommen in nahezu allen Looks und Kombinationen vor. Das Eichenblatt in herbstlichen Farben stellt Solidität ebenso dar, wie das Verwelkende, was den Herbst prägt und auf das Neue, Kommende hindeutet. Das Gittermuster, fängt, sperrt und trennt – es gibt ein Raster der Ausrichtung und Orientierung. Darüber hinaus sind die Kreationen kombinierbar und tragbar, auch in stetiger Kontinuität zu den Kollektionen der beiden Designerinnen, die wir schon gesehen haben. Eine saisonale Trennung ist hier de facto schon vollzogen, da die Kollektionen untereinander wenig Trennschärfe bieten.
Zurückkommend auf die Fragestellung nach der Definition und dem Sinn von Design, muss man dann anknüpfen, was gerade Deutsches Design explizit ausmachen soll und muss, um als solches wahrgenommen zu werden und klären, was die Kriterien hierfür sein können?

Zurückkommend auf die Fragestellung nach der Definition und dem Sinn von Design, muss man dann anknüpfen, was gerade Deutsches Design explizit ausmachen soll und muss, um als solches wahrgenommen zu werden und was die Kriterien hierfür sein können?

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Ein Live-Dj am Start des Laufstegs ist schon einmal ein Statement für die kulturelle Präsenz der begleitenden Musik und was dann musikalisch die Schau begleitete war genauso hinreißend, geschmackvoll und klar wie die Defilees des Designers Manuel Kirchner (Hamburg).

Nicht unbedingt herbst- oder winterlich sondern eher leicht und luftig kam der Großteil der Kollektion daher, aber auch Pelze und schwerere Stoffe waren dabei. Viele elegante Schwarz-Weiß-Kompositionen, zum Teil in recht grafischer Manier, prägten die klare Gestaltungsvorstellung, manchmal eher streng aber doch auch so form- und körperbewusst, dass die elegante Weiblichkeit stets Thema war. Neben den Schwarz-Weiß/Beige-Kombinationen gab es auch Braun, Rosé und wenige kräftige Farben in stimmigen Kombinationen mit klugen und sicheren Akzentuierungen. Überhaupt war Geschmackssicherheit durch Reduktion, Klarheit, Präzision und Proportionierung ein auffälliges Merkmal, edle, mit viel Gespür ausgesuchte, verschiedenste Materialien das weitere. (Bei sehr dünnen, transparenten Stoffen funktionierte aber das Konzept stellenweise weniger gut, heißt nicht ganz so vorteilhaft für die Gestalt der Trägerin in der Bewegung.)
Die wenigen, ausgesuchten Muster gaben stellenweise dem Schlichten eine sanfte, unaufdringliche Lebendigkeit und schöne Akzente. Röcke (und Kleider) in allen Längen dominierten, Hüften sind fast immer betont – häufig proportionierten schmale Gürtel oder Nähte die Figur entsprechend. Jacken, Mäntel und Capes ergänzten die Teile kongenial, stets edel und geschmackvoll.

Nach dem auffällig eleganten Schauenabschnitt kamen dann noch etwas lässigere Outfits für den Alltag hinzu, hier lösten manchmal flache Boots die Heels ab, jedoch ohne dass das Prinzip der Grazie verloren ging.

Insgesamt zeigte Tulpen eine sehr umfangreiche Kollektion, wo der Ideenreichtum dann vielleicht etwas nachließ, der qualitative Anspruch aber nicht. Jedenfalls war sie eine sehr überzeugende Bereicherung der Eleganzfraktion der Berliner Fashionweek.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Die junge ukrainische Designerin präsentierte ihre Sommerkollektion 2016 in Lviv auf der Fashion Week erstmals dem Fachpublikum. Gerade für junge Marken sind diese regionalen Fashion Weeks interessant und eine gute Option an die Öffentlichkeit zu gehen. Burdina ist mit ihrem erst in diesem Jahr gegründeten Label in Odessa angesiedelt. Sie hatte mit dieser Kollektion das Ziel schlichte, und dennoch elegante Sommerkleider zu entwerfen und anzubieten. Dabei setzte sie den Fokus auf leichte und gängige Silhouetten, die durch eine luftige Materialwahl unterstrichen wird. Die Kleider sind fließend gehalten und gut tragbar. Viele der fast bodenlangen Kreationen sind gewickelt und mit raffiniertem Verschluss an der Vorderseite auch detailliert um einen Blickfang zu generieren. Farblich dominieren sommerlich helles Blau und dezentes Geld sowie erdfarbene Nuancen. Viele der Kreationen erinnern an Nachtwäsche, wie Negligés für sehr laue Sommernächte.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Vor einigen Wochen haben wir die Kollektion von Claudia Bertini kennen gelernt. Im ganzen Trouble der Fashion Weeks und Veranstaltungen der vergangene Wochen hat es etwas gedauert, sich wieder diese schöne Kollektion bewusst zu machen, die wir auf der Mode Suisse gesehen haben.

Die Designerin aus der Schweiz ist produziert auch Vorort und fällt insbesondere mit schön konstruierten und zeitgenössischen Entwürfen zum kommenden Herbst auf. Besonders die Mäntel haben es uns angetan und können sowohl mit den Volumen, als auch mit der allgemeinen Qualität überzeugen. Die urbane Erscheinungsform wirkt streng und dennoch auch modern und lebendig. Die Farben sind klassisch gehalten und gedeckt neutral. Gezogenen Hosen schließen am Torso geschickt gewickelt und geschleift ab und unterstreichen die femininen Silhouetten.

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MBFW SS2015

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Auf der Modeschau in Hyères gewann sie den Chloé-Preis und auch sonst ging schon viel Lob der Berliner Schau voraus, die ja auch von Elle mitpräsentiert wurde. Mit Abschluss 2013 an der Universität für Angewandte Künste Wien tritt wieder eine von vielen auftauchenden, sehr jungen Österreicherinnen, die erfolgreich in Berlin präsentieren( z.B. Hoemanseder, Rebekka Ruétz) auf den Berliner Schauenplan. Und auch Roshi Porkar zeigt eine ungewöhnliche und faszinierende Kollektion. Nicht ganz so exzentrisch und spannend wie in Hyères kamen recht streng konzipierte und deutlich gegliederte Kleider und Kombinationen auf den Berliner Laufsteg, Zusammenstellungen von fellartigen, grau melierten und strukturierten, meist aufgebauschten Oberflächen, die sich bei näherem Hinsehen als geschickt aufbereitetes bzw. aufgedröseltes Gewebe erweisen und sich auch sehr sanft und hautfreundlich anfühlen. Ein weiteres Kleid, das wie eine wunderbar-federbestückte Textur erschien, war auf vergleichbare Weise realisiert. Kein Fell, keine Federn und dennoch bestechend.

Kontrastierend dazu leichte und glatte Stoffoberflächen wie Organza und sogar floureszendierende Elemente im systemischen Aufbau, meistens noch mit strukturierenden Farbstreifen abgesetzt.

Die Formen sind streng strukturiert, ausgehend von einer Mittelsenkrechten und einer Waagerechten etwa in unterer Brusthöhe, die manchmal eine hohe Taille andeutet, aber auch Ausschnitttiefe oder eine Gliederung der Ärmel festschreibt. Abgeleitet ist die Gesamtform aus klassischen Amphoren und Vasen, sodass sich im unteren Hüftbereich eine ausfallende Breite ergibt, die dann schräg nach unten wieder zusammenläuft.

Schon die früher von der Designerin erwähnten „Musen“, nämlich die Baktrischen Prinzessinnen (sehr alte, hockende bzw. sitzende Stein-Figuren mit extrem ausladenden Gestalten) führten zu einer ungewöhnlichen Formgebung mit zwar schöner Gliederung aber nicht immer idealer Proportionalität. Das ist vielleicht auch Geschmackssache, immerhin repräsentieren die Stücke eine gewisse Erhabenheit und auch nicht unspannende Klarheit. Darüber hinaus fühlt man sich bei einigen Stücken auch an japanische Ästhetik erinnert, sogar an das, was man mit Samurai und straffer Körperverpackung assoziieren kann. Sanft gebrochen wird die strenge Gliederung mit eingebauten, sanften Kurven, besonders im Hals- bzw. Kragenbereich, meistens abgesetzt mit himmelblau kontrastierenden Einlagen.

Insgesamt sahen wir auf dieser Schau der Modedesignerin ein durchaus ungewöhnliches und elegantes Kleiderkonzept, gut durchdacht und geschmackvoll gemacht. Einer Presse-Einladung ins „Fashion-Studio im Bikinihaus“ folgend, sahen wir dann gleich nach der Schau noch eine interessant gestaltete, schöne Installation der Designerin, fotografieren war uns dort merkwürdigerweise PR-organisatorisch streng verboten. Schau und Schau, das lernten wir hier auch noch, sind wohl nicht dasselbe.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Marcello Rubini

Es ist nicht nur der schöne Sommerspätnachmittag mit dem wunderbaren Sonnenlicht in der Werkstatt, der den privilegierten Besucher betört: Ein Besuch im Atelier von Marina Hoermanseder, der charmanten Newcomerin der Berliner Modeszene aus Österreich, ist sowieso etwas sehr Besonderes.

Hier geht es weniger um Stoffe und subtile Modetrends, sondern um Leder und Extravaganz und um Handwerkskunst. Leder ist hier das zentrale Material, duftend, fest, formbar, vielfarbig, mit einer ganz eigenen Haptik und ziemlich komplizierter Verarbeitungstechnik, die viel Know-How, Gespür und Erfahrung voraussetzt.
Klassische Lederjacken oder –hosen, die wie Stoff behandelt werden, sind kein Thema.

Seit einem Jahr nun ist die junge Esmod-Absolventin im Gespräch, in der Szene der exzentrischen Stars ist sie mittlerweile ein lauter Geheimtipp und auf der letzten Fashionweek wurden ihre innovativen Stücke als Entdeckung gefeiert. Jetzt bei der zweiten Schau wird sich zeigen, wie innovativ, entwicklungsfähig und solide der Gestaltungsansatz sein wird. Aber nicht nur dort: Marina Hoermanseder wird auch auf der Premium vertreten sein und kann nun auch dem kommerzielleren Bedarf mit Accessoires und tragbareren Alltagsstücken etwas Interessantes anbieten. Handtaschen, breite Gürtel, Caps (Streetware) ergänzen die Leitidee gürtender und geformter Lederobjekte, die in Kleinserie in einer spanischen Produktionswerkstatt hergestellt werden.

Wie bei fast jeder Designwerkstatt kurz vor der Schau erweist sich die verbleibende Zeit von einer Woche als absehbar knapp, so auch hier. Aber die Designerin hat optimistisch noch einen kleinen Auftrag für exklusive Ledermasken für einen Maskenball angenommen, der daneben auch noch pünktlich fertigzustellen ist. Wir kommen dazu, als sie die fast fertigen Masken einfärbt.

Das Atelier versammelt alle Arbeitsschritte für die Stücke gleichzeitig und überall und macht damit schon den ganzheitlichen Ansatz der Gestaltung/Herstellung erkennbar: Unterschiedlichste Lederqualitäten auf großen Rollen im hohen Regal, massenhaft Entwürfe und Schnittbögen, Foto-Inspirationen und Dokumentationen an den Wänden, Teile mitten im Herstellungsprozess an Modellen überall, Schnittstücke, fertige Teile in Boxen und schon verpackte am Kleiderständer. Dazwischen die gut gelaunte Designerin mit ihren drei stillen Helferlein, mysteriöse Gerätschaften, Nieten, Schlaufen, Schnallen, Chemikalien und Farben – für den Besucher unverständlich, aber doch spürbar gut organisiert.

Zuvorkommend zeigt uns die Künstlerin die Handhabung diverser geheimnisvoller Geräte und Werkzeuge, Herstellungsschritte und Materialunterschiede.

Auch Teile der neuen Kollektion dürfen wir sehen und erfahren, dass die gestalterische Leitidee sich von den 50er Jahren hat inspirieren lassen: Wellen, Wasser, Unterwasser und besonnte Creme-Farben wie Rosa, Himmelblau, Gelb und leicht gebrochenes Weiß sowie interessante Faltungen und Schichtungen bestimmen einen Teil der leichter und launiger wirkenden Kollektion, ohne dass das Prinzip der Korsetts und Schnürungen verloren geht. Auch die Bewegungsfreiheit darin ist ein gedanklicher Schwerpunkt. Dieser konzeptuelle Spagat ist durchaus überzeugend gelungen. Sogar ein bezauberndes Lederoutfit im Badeanzugstyle ist dabei, das wir auch schon fotografieren durften. Rasant, exklusiv und durchaus tragbar.

Die zweite Linie ist eine ungewöhnliche Entdeckung: Ursprünglich für luxuriöse Badezimmerausstattung entwickelt, gibt es Stoffe aus Microfaser, die mit hauchdünn abgeschälten Gesteinsschichten beschichtet sind. Der visuelle Effekt ist frappierend und die durchaus nicht leicht zu verarbeitende Sperrigkeit des Materials hat eine ganz eigene, faszinierende Form und Oberflächenhaptik gefunden. Sieht fantastisch aus!

Die Abendsonne taucht das große Ensemble der sichtbaren gestalterischen Momente in optimistisches Hell-Dunkel und die gut gelaunte Marina Hoermanseder beseelt das Ganze mit ihrer erfrischenden Art und österreichischem Sprachduktus, dass man sich schon richtig auf diese ungewöhnliche Schau mit diesen wunderbaren Teilen und Ideen freut, wenn man schließlich beeindruckt und guter Dinge das Atelier verlässt.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Die beiden Designer hinter dem Schweizer Label Huber Egloff haben sich mit der neuen Kollektion – Herbst / Winter 2014 – einem furchtlosen Bild der modernen Frau gestellt. Die Kollektion wurde im Rahmen der Mode Suisse in Zürich dem Fachpublikum präsentiert.

Leider bietet die Veranstaltung Mode Suisse den präsentierenden Labels nur die Möglichkeit einen kleinen Ausschnitt aus dem aktuellen Wirken zu präsentieren. Die Anzahl der gezeigten Looks muss ich bereist konzeptionell auf eine jeweilig überschaubare Auswahl beschränken, werden doch innerhalb kürzester Zeit eine Vielzahl an Kreationen unterschiedlichster Designer gezeigt. Gerade bei Huber Egloff wäre es sehr interessant gewesen die volle Palette der Linie zu sehen zu bekommen. Der Einstieg in die Präsentation war in klaren hellen Tönen, sportlich und fast sommerlich gehalten. Erst im Verlauf dieses Teiles der Schau wurde es dann saisonaler.

Stilistisch zeigt sich bei den Silhouetten eine klassische Ausrichtung mit einem differenzierten Spiel bei den Volumen und den Schichtungen. Sehr ansprechend ist der Materialmix, der Interesse weckt und Verspieltheit vermitteln kann, ohne dabei eine nüchterne, urbane Ausrichtung zu durchbrechen.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Marios Schwab zeigte seine neue Kollektion für den Sommer und das Frühjahr 2014 im Rahmen der London Fashion Week. Seine Präsentationen sind dort seit Langem ein fester Bestandteil des Programms.

Mit der neuen Kollektion zeigt der Designer sein ausgesprochenes Talent beim kreativen Umgang mit Materialien und Strukturen. So gehören zu den Key-Looks diverse Hosen und Tops, die mit feinsten Webstrukturen thematisch an die klassischen Freischwinger-Stühle mit Rohrgeflecht Erinnern, wie sie in den 1930er aufgekommen sind. Daneben sind die groben Paillettenoberflächen markant, welche die jeweiligen Kreationen fast harnischen. Entsprechend ist die metallische Wirkung gewählt. Daneben sind dir Drucke sehr dezent und lediglich die Silhouetten feminin unterstreichend. Insgesamt kann man die Silhouetten las klassisch feminin und stringent klassifizieren.

Die Farbpalette ist klar, in den Lichtern warm gehalten und angenehm reduziert. Schwarz bildet eine Basis für traditionelle Kontrastpaare. Vereinzelt wird die Kollektion durch Rot und Blau abgerundet. Sehr ansprechend fanden wir auch den Umgang mit geschichteter Transparenz und vertikalen Überlappungen bei Kleidern.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Riani präsentierte erstmals im Rahmen der Berliner Mercedes Benz Fashion Week mit einer großangelegten Schau eine Kollektion. Dem Fachpublikum wurde eine ansprechende auf viel Interesse treffende Kollektion für das kommende Frühjahr und den kommenden Sommer präsentiert.

Schon oft wurde das „schwäbische“ Label als eine Kombination aus deutscher Funktionalität und italienischem Flair & Clique tituliert. Ganz von der Hand ist das nicht zu weisen. Mit ausschließlich in Europa produzierten Produkten und Materialien aus Italien hat sich seit den 1970er die Marke einen gewissen Ruf erarbeitet. Im Markt ist die Marke am oberen Rand des qualitativen Volumenmarktes angesiedelt und findet sich auch in den Abteilungen größerer Modehausketten ebenso wie in Einzelboutiquen. Nachdem Rena Lange nicht in Berlin präsentiert hatte, und nun mehr Schumacher und Laurèl die Speerspitze in Berlin markieren, kommt diese Unterstützung in diesem Segment der Modewoche in Berlin gerade zum richtigen Zeitpunkt zur Unterstützung.

Die Kollektion bietet eine weit gefächerte Palette an Kleidern und Kombinationen mit unterschiedlichsten ausgeprägten Silhouetten und stilistischen Adaptionen. Ein leichter Hauch von 1950er und 60er Jahre ist ebenso zu finden wie Konstruktionsansätze, die aus den 1980er Jahren stammen. Farblich ist die Palette klar bis kühl gehalten und verzichtet völlig in der Präsentation auf leuchtende Farben. Unklar bleibt bis jetzt, ob es nach der Musterung auch diverse Kollektionsteile auch in warmen Farben für Einkäufer zu ordern geben wird, was erfreulich wäre. Die Muster geben zwei Pole wieder – organisch kühle floare Prints und strenge Geometrie. Abgerundet werden die Looks vielfach mit passenden Accessoires, zum Beispiel Taschen.

Besonders sind strenge Etuikleider und Tunika positiv aufgefallen, die in Schwarz gehalten waren und sehr grobe quadratische Ausstanzungen mit harten Kanten vorgewiesen haben.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Mode Suisse ist ein sich immer mehr etablierendes Forum für Modedesign in der Schweiz und aus der Schweiz. Mit halbjährigen Schauen und Showrooms (Zürich und Genf) will man das Fachpublikum ansprechen und die Marken und Designer mit ihren Kollektionen am regionalen Markt kommunizieren. Mit der momentan stattfindenden Design Miami / Basel in Basel hat man eine Veranstaltung gefunden, die sich anbietet nochmals das kreative Wirken vorzustellen. Bis zum 16. Juni haben alle Interessierten die Möglichkeit sich einen Einblick zu verschaffen und die Ausstellung und Installation in der Halle 4 unentgeltlich zu besuchen.

Darüber tritt der Migros-Genossenschafts-Bund mit dem Förderprojekt ENGEGEMENT als weiterer Akteur auf. Ziel ist es auf der reichhaltigen Designtradition in der Schweiz aufbauend eine neue Plattform zu installieren, die zur Förderung von Design antritt. Informationen hält die migros für Interessierte online bereit. Am Donnerstagabend wird in einer Performance dann auch einem eingeladenen Publikum ein Querschnitt der Mode der Teilnehmenden Labels präsentiert werden.

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Bilder: Marcello Rubini

Von afrikanischen Designern hört man ja eher selten, umso weniger, wenn die Bezüge ihrer Gestaltung deutlich Bezug nehmen zu afrikanischer Kultur und Lebensalltag. Eine Ausstellung im Musée Dapper, Paris „Design en Afrique“ (bis 14. Juli 2013) hat sich dem Thema angenommen und zeigt verschiedene Designansätze, die einerseits mal mehr, mal weniger über die kulturspezifischen Nutzungsgrenzen hinausreichen, andererseits aber ästhetische und auch ideelle Statements bereitstellen, wie man das im Bereich der Bildenden Kunst oder der populären Musik längst kennt und zu genießen weiß.

Neben den formalen Gestaltungsmitteln, die man zum Beispiel aus der Bildenden Kunst und Ethnologie kennt, findet man bei diesen Sachen zwar viele westliche Designgedanken wieder, aber auf erfrischend andere Weise. Allein der Ökogedanke in Form von Recyclingstoffen wird nicht selten dem knappen Material geschuldet, weswegen man auf Schrott-, Fund und Wegwerfgegenstände zurückgreift, die dann auch oft noch erfrischende und gelegentlich humorvolle Inspirationen liefern – mit ihrer Geschichte (Lebensmittelverpackung), ihrer ursprünglichen Funktion (Ölrohr) und der veränderten Materialität (Rostspuren).

Der Gedanke der Funktionalität folgt zwar nicht immer westlichen Ergonomievorstellungen, aber die konkave Visualisierung des Gedankens des Sitzens ist oft elegant.

Ganz anders als in den Industriestaaten gilt die liebevolle Aufmerksamkeit noch dem Handwerk, dessen hochwertige Qualität und dessen individuelle Entstehungsprozesse eine bemerkenswerte Rolle spielen, sogar wenn größere Serien gefertigt werden.

Holz bleibt nach wie vor ein zentrales Material. Dies nicht nur wegen seiner Schönheit, sondern auch weil es dem skulpturalen Denken am ehesten gerecht wird und weil es in seiner Originalität, Verfügbarkeit und Wärme viele Vorteile birgt.

Inwiefern westliche Designer nicht nur ökologisch, sondern auch ästhetisch aus den kulturbezogenen und handwerklich gefertigten Stücken eine interessante Inspiration ziehen können, müssen wir nicht diskutieren, rückblickend sind wesentliche Aspekte des Art-Deco jedenfalls ohne diese Einflüsse aus Afrika gar nicht zu denken und gerade diese eleganzbetonte Epoche hat vorgeführt, wie reizvoll das europäisch-afrikanische Crossover gelingen kann.

Wenn also europäisches Design sich wieder mit sich selbst langweilt und seiner funktionsbetonten Gestaltungsprämissen überdrüssig wird, bei den afrikanischen Sachen kann es wieder Inspiration finden, die dem Nutzer Spass macht, die Materialität und selbstverständliche Ökologie nach vorn rückt – auch ohne die Funktion aus dem Auge zu verlieren.

Die Bibliothek von Christian Ndong Menzamet und Antonio Pépin referiert gestalterisch auf „Ngil“ (und den zugehörigen Masken). Ngil sind frühere Geheimgesellschaften mit rechtssprecherischer Kraft, dort waren Wissen und Werte verankert. Gleichzeitig arbeitet die Herstellung des Möbels selbstbewusst mit modernen Thermotechniken und Laserschnitt.

Vincent Niamien wurde an der Elfenbeinküste geboren und hat mit seinem Sessel „Fauteuil Sie“ bereits 1996 einen renommierten Preis für afrikanisches Design errungen. Auch hier ist die Maske noch ein wesentliches Gestaltungselement in der Rückenlehne, die niedrige Sitzhöhe entspricht afrikanischen Gewohnheiten.

Iviart Izamba mit seinem beräderten Sessel (2005), Alessandro Drabo mit seinem Fahrradsattelstuhl (2004) und Cheik Diallo mit dem Holzlederstuhl (2009) zeigen Beispiele der witzig-originellen Herangehensweise, die mit spielerischen Gedanken und Zitaten kulturelle Aspekte verknüpft und ästhetische Brüche zu reizvollen Einheiten verbindet. Aber was wir oberflächlich gesehen als Spaß erleben, hat auch ernste Seiten, denn auch hier spielen symbolische Bezüge eine Rolle – Leopardenfell steht für Macht und Respekt, der Rollstuhl gehört in ähnlicher Gestalt zum öffentlichen Leben Behinderter.

Issa Diabathé (Elfenbeinküste) verzerrt seinen Stuhl „Chaise trop courte“ mit zu langen Beinen vorn und fehlenden hinten, womit das Sitzen eher unangenehm erscheint. Nicolas Sawalo Cissé (Senegal) dem gegenüber präsentiert mit seinem humoristischen Kindersessel (aus Recyclingmaterialien) einen Thron der Konsumartikel des täglichen Gebrauchs und damit die schöpferische Verankerung im Alltag.

Aus recycelten Eisenrohren für Öl- und Wasserleitungen schweißt Ousmane Mbaye (Senegal) seine soliden Möbel zusammen. Aus einem betont ökonomischen und funktionalen Konzeptverbund in Verbindung mit afrikanischem Formsinn gewinnt er dabei eine sehr eigene, originelle, aber schlüssige Ästhetik.

Sessel rechts: Produktionsbedingungen und -techniken sowie Materialknappheit sind Teil der Gestaltungs- und Herstellungskonzepte bei Balthazar Faye (Senegal). Auch bei Verwendung digitaler Entwurfs- und Herstellungsprozesse sucht der Designer die Einheit zwischen Entwurf, Material und handwerklicher Herstellung, aus der sich dann in Kooperationen die endgültige Gestalt des Objektes ergibt, die durchaus in der seriellen Produktion noch Unterschiede hervorbringt.

Sessel links und zwei Hocker: Der Architekt Cheick Diallo (siehe auch oben) aus Mali und Frankreich sucht ebenfalls und sehr experimentell die kombinierende Auseinandersetzung mit gefundenen Materialien, handwerklichen Methoden sowie Ergonomie und Ästhetik.  Die Verschränkung mit westlichen Vorstellungen fließt aber auch ein.

Die beiden Hocker von Jules Bertrand Wokam sind aus Edelhölzern, die von gestürzten und liegen gebliebenen Bäumen stammen (z.B. Iroko) und mit dem Schwung der Sitzschalen formal an die königlicher Thronsessel angelehnt sind.

Kossi Assou (Togo, Elfenbeinküste) zeigt mit „Slim Bed“ und einer Kopfstütze (2009) ein ästhetisch sehr elegantes, reduziertes Design. Wesentlich ist ihm aber die ökologische Materialverwendung als Respekt gegenüber traditionellen Werten und eine Multifunktionalität seiner Gegenstände.

Kopfstützen sind in der Ausstellung übrigens viele zu sehen, denn in der afrikanischen Kultur waren bzw. sind sie ein Element zivilisierten Ruhens (Abb. hier sind historische Objekte). Überhaupt ist bzw. war das Sitzmöbel in seiner Idealität ein königliches Privileg, wie schon eine Bilderausstellung mit wundervollen Fotos von Daniel Lainé im Vorraum variantenreich vorführt.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Auf der Mode Suisse in Zürich zeigte der Schweizer Designer Julian Zigerli seine Kollektion mit dem Titel “Happy Tears” für den Herbst und Winter 2013. Die reine Männerkollektion kommt jugendlich frisch und vor allem emotional daher.

Die Emotionalität, welche der junge Designer, der an der UdK in Berlin studierte in seine Kollektion und Entwürfe einfliesst läst kann polarisieren und Individualität ausdrücken. Der progressive Gestaltungsdruck und der fast schon typische „Berliner Style“, den wir so eigentlich gar nicht akzeptieren und vielmehr als global urbanen Style bezeichnen wollen, den er findet Freunde in allen Städten, zeigt unterschiedlichste Einflüsse und Richtungen. In Bezug auf die Silhouetten bleiben Volumen tendenziell eher reduziert, bieten aber lockeren Bewegungsraum ohne eine Körperbetonung zu verlieren. Farblich spiegelt sich eine kontrastreiche Polarität zwischen sehr hellen Konzepten, knalligen Farblichen Blickfängen und dunkler Distanziertheit wieder. Sehr interessant ist die Textur der Drucke. Hierbei wird auf magnetisierten Eisenstaub gesetzt, der Betrachter auch leicht irritieren kann und Interesse garantiert. Diese Innovation gefällt spontan sehr gut. Insgesamt kann diese auch sehr funktional angelegte Kollektion vollends überzeugen und unterstreicht das Talent des Designers, welches schon in mehreren Preiswettbewerben zur Kenntnis genommen und honoriert wurde.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Marcello Rubinbi & Boris Marberg

Unter verschiedenen Prämissen stellt sich bei dem Designerduo Augutsin Teboul die Frage, ob ein nachhaltiger Ausgleich zwischen Kontinuität und dem Progressionsdruck der Modeindustrie gelingen kann. Design das in der Schnittstellendefinition zwischen Alltags- und Kunstgegenstand eindeutig letzterem näher steht birgt Risiken, wie auch Chancen – schlussendlich wirft es aber die Frage nach der Selbstdefinition auf. Schwarz, düster, detailreich und dennoch verspielt sind die Assoziationen die fraglos in den Ring geworfen werden, wenn man sich mit dem Werk von Annelie Augustin und Odély Teboul auseinandersetzen will.

In der Grundthese lässt sich seit Bestehen des Labels eine sehr düstere, fast schon Endzeit orientierte Sichtweise und Thematik erkennen, die den Betrachtern ins Auge springt. Dabei verstehen es die beiden Designerinnen immer feinste handwerkliche Techniken in die emotional sehr aufgeladenen Entwürfe zu integrieren. Von einem saisonalen Werk kann man indes nicht sprechen. Vielmehr steht das gesamte bisherige Werk der beiden Kreativen zur Disposition und sollte in einen Gesamtkontext gestellt werden. So kann man die in Berlin in der Galerie Thomas Schulte präsentierte „Kollektion“ nur verstehen, als eine Erweiterung des Bisherigen, sozusagen eine weiteres Kapitel in der Erzählstruktur des Labels.

Teleologisch reduziert, und auf die in Berlin präsentierten Kollektionen ausgerichtet liegt ein Vergleich mit der neune Kollektion von Dawid Tomaszewski am nächsten. Leukipps „Programmatik“ – Nichts geschieht zufällig, sondern alles aus einem Grunde und mit Notwendigkeit – wirft automatisch im Modezirkus die absolute Sinnfrage auf. Dem Vernunftgebrauch nach zeigen Annelie Augustin und Odély Teboul eine intensive Auseinadersetzung mit den Dunkeln Seiten der Gesellschaft, Ängsten, Zweifeln, wie aber auch eine intensive Abgrenzung zu heller Individualität und Subjektivität. Dies zugrunde legend ist es auch konsequent, stetig konzeptionell auf Themen und Grundsätze des Surrealismus zurück zu greifen. Hier liegt der wesentliche Unterscheid zur Kollektion von Dawid Tomaszewski, auch wenn der oberflächliche Blick Parallelen nahelegt.

Um den Kreis zu schleissen, wirft dies alles aber auch die Frage auf, ist Kunst dann nachhaltig, wenn sie mit dem Topos Mode als Ausdrucksform spielt oder zwingt dies nicht unweigerlich dazu neue Definitionen in Betracht zu ziehen.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Patrik Gerber

Ida Gut, ist eine Schweizer Designerin, die im Rahmen der modesuisse präsentiert hat. Ihre Kollektion ist fortlaufend und entsteht aus einem permanenten kreativen Prozess. Es gibt keine eigentlichen saisonalen Kollektionen, vielmehr ein sich stetig änderndes Repertoire. Bereits 1993 hat die Designerin ihre erste Kollektion entwickelt und hat sich in den ersten Jahren nach ihrer Ausbildung an der Hochschule der Künste in Zürich auf Stoffdesign und Berufskleidung spezialisiert. 2007 wurde dann der Atelierladen in Zürich eröffnet, der auch architektonisch sehr ansprechend ist (Architekten Froehlich & Hsu) und in harmonischem Einklang mit der Handschrift der Designerin steht. Gerade diese puristische und klare Handschrift kann begeistern. Klare Flächen und Kompositionen stehen im Zentrum des kreativen Schaffens. Die Silhouetten sind sehr geometrisch gehalten und wechseln sehr angenehm zwischen reduzierten und üppigeren Volumen. Die Basis der Farbpalette der in Zürich präsentierten Looks sind dunkle und erdige Farbtöne, die aber auch punktuell mit leuchtenden Akzenten unterstrichen werden. Sehr gut gefallen haben uns insbesondere die weiten Mäntel mit ihren raffinierten Konstruktionen.

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Shop-Opening im November

Fotos: Marcello Rubini

Text: Gerhard Paproth (Berlin)

Berlins “Düsseldorfisierung” (J.A.) schreitet schnell und nicht gerade still voran. Wer einmal nach Berlin kam, weil er Berlin wollte, und das sind ja noch die meisten hier, bedauert das natürlich, ja, eigentlich leiden wir nicht unerheblich darunter, aber dass die Stadt etwas guten Geschmack dringend nötig hatte, also auch Mode und gutes Design, das müssen wir natürlich auch zugeben.

Mit dem Opening ihres Stores in Berlin Mitte hat die Porsche Design Gruppe nun durchaus etwas von gutem Geschmack dem mittlerweile gewachsenen Bestand hinzugefügt. Man sieht dort das komplette Porsche-Design Produktportfolio – von den Modekollektionen, Sportkollektionen, Gepäck, Brillen, Uhren, Schmuck, Schreibgeräten bis hin zu Mobiltelefonen und erstaunlicherweise sind sogar noch „Smoking-Accessoires“ vertreten. Die Luxusmarke setzt besonders auf technisch-innovativ inspirierte Produkte und strebt dabei funktionelles, zeitloses und puristisches Design an, Leitgedanken, die eigentlich im Kontrast zu schnellebiger Mode stehen. Dennoch erscheint der Begriff Fashion 2012 recht dominant auf dem riesigen Leuchtdisplay im Laden. Aber das verbuchen wir mal als Zugeständnis an den Markt, das dieses Design eigentlich genauso wenig nötig hat, wie beispielsweise Montblanc oder Hermès.

Das technisch-innovative und zugleich puristisch geradlinige Gestaltungscredo spiegelt sich nicht nur im Design der Produkte wieder, auch die streng geometrische, sehr klare Präsentation im Laden bestimmt diesen Gesamteindruck. Auf diese Weise entdeckt man die Raffinessen und eleganten Proportionen der vorgestellten Stücke oft erst auf den zweiten Blick und ich musste mir mehrmals staunend eingestehen, dass hier das Image des Sportwagenklassikers eine bemerkenswerte Spiegelung erfährt, die in der Gesamtschau aller Aufdringlichkeit entbehrt. Abgesehen von einigen Produkten, zum Beispiel einigen futuristischen Schuhen, ist die puristisch-zeitlose Klarheit beeindruckend und wer noch immer an Dieter Rams Klassikern hängt, braucht mit Porsche-Design als einer durchaus zeitgenössischen Version funktionaler Gestaltung seine ästhetische Philosophie nicht aufgeben. 

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Text & Bilder: Zora Weber

Anfang Oktober besuchte ich die westukrainische Stadt Lemberg – in der Ortssprache kurz Lviv genannt. Seit 1998 sind die aus dem 16. und 17. Jahrhundert erhaltenen Häuser um den Marktplatz sowie die St. Georgskirche als Unesco Weltkulturerbe eingetragen. Neben der Besichtigung der Architektur wollte ich mein Augenmerk auch auf das landestypische Möbeldesign werfen. Hierzu ein kleiner Erfahrungsbericht. Beim ersten Gang durch die Innenstadt von Lviv überwiegt das Staunen über die erhaltene Bausubstanz. Auch beim zweiten Rundgang fällt zunächst nicht auf, was spätestens auf den dritten Blick zur unumstößlichen Tatsache heranreift: nirgends in der City von Lviv ist ein Möbelgeschäft zu sehen. Ungläubig fragend, wie das denn möglich sein kann, blieb ich zurück. Trotz zahlreicher Erkundigungen hat sich am Ende wirklich nur eines in der unmittelbaren Innenstadt gefunden, welches im gehobenen Segment angesiedelt ist. Neben einem Sanitärgeschäft findet sich erst im Übergang zur Peripherie ein weiteres Möbelgeschäft. Und das in einer Stadt, die fast eine Million Einwohner zählt. Die Frage nach den Hintergründen wurde eher größer, als dass sie sich in Wohlgefallen aufgelöst hätte. Deshalb führte ich zu diesem Thema einige Gespräche. Der Eindruck, den ich daraus gewonnen habe, ist nicht repräsentativ, hat es sich doch durchweg um Menschen aus der sog. Mittelschicht gehandelt. Dennoch entstand ein grober Überblick.

Allgemein scheint es so zu sein, dass all jene, die es sich leisten können, ihre Möbel über Kataloge bzw. im Internet bestellen oder sogar direkt ins Ausland reisen, um sie vor Ort zu kaufen. Gebracht werden sie mit Speditionen direkt vor die Haustür. Italienische Möbel liegen in der Beliebtheitsskala deutlich vorn. Ebenfalls gefragt sind Ikea-Möbel. Die nächsten Filialen befinden sich im benachbarten Polen. Es gab einen Versuch von Ikea sich in Lviv niederzulassen. Nachdem jedoch hohe Schmiergelder bezahlt werden sollten, ging der Konzern mit diesen Informationen an die Öffentlichkeit und zog sich zurück.

Wer sich nicht leisten kann im Ausland oder über Kataloge zu kaufen, ist stark bedarfsorientiert, d.h. die Funktion steht eindeutig im Vordergrund. Design, Marke oder Herstellungsverfahren sind nicht von Interesse. Anscheinend gibt es außer lokalen Schreinereien keine nennenswerte Möbelproduktion vor Ort. Und auch für die Schreinereien fehlen Vertriebsstrukturen, um über die örtliche Auftragsarbeit hinausgehend Möbel zu vermarkten. Versuche, solche Strukturen aufzubauen gibt es. So habe ich z.B. in einem Außenbezirk eine Art Möbelmall besucht. In einem zweigeschossigen Gebäude finden sich große Hallen mit jeweils unzähligen kleinen Möbelgeschäften, deren Angebot sehr begrenzt ist. Das Ganze hatte meiner Ansicht nach Messecharakter. Immerhin bietet sich dadurch für Zwischenhändler die Gelegenheit, einen Absatzmarkt aufzubauen, für Kunden der Vorteil, nicht mehr nur aus Katalogen bestellen oder ins Ausland fahren zu müssen, um an Möbel zu kommen, sondern direkte Ansprechpartner zu haben oder Möbel anfassen sowie Probe sitzen zu können. Da in der überwiegenden Mehrheit ausländische Designmarken angeboten werden, wäre dies also tatsächlich möglich. Nur – die Realität sieht anders aus. Kunden waren weit und breit nicht zu sehen, was einen fahlen Geschmack hinterlässt. Ob es solch eine Möbelhalle in ein paar Jahren noch gibt? Das dürfte wesentlich von der wirtschaftlichen Situation des Landes abhängen.

Des Weiteren fanden sich in Außenbezirken Geschäfte, die auf kleinster Fläche ein Sortiment anbieten, welches an unsere Baumärkte erinnert, sozusagen Tante – Emma – Läden für Innenausstattung, gar nicht unsympathisch.

Auch mit der Lviv Furniture Fair finden sich Ansätze, das Thema Möbeldesign auf den Tisch zu bringen. Leider war die diesjährige im September wohl recht klein und qualitativ schlecht. Immerhin findet sich die Bereitschaft, eine Messe zu organisieren.

Sicherlich hätte es noch viele interessante Aspekte zu erfragen gegeben. Zum Teil scheiterten die Gespräche an der Sprachbarriere, zum Teil an der Angst vor möglicher Konkurrenz im Möbelverkauf. Und natürlich war irgendwann die Zeit des Aufenthaltes in Lviv abgelaufen. Es hieß Abschiednehmen von dieser Stadt, an der ich so schnell und leicht Gefallen gefunden habe.

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Bilder & Text: Boris Marberg

Schon vor rund einem Jahr ist und Ivanna Yukhymchuk mit ihrer damaligen Kollektion als junge Designerin aufgefallen.  Umso erfreuter waren wir, dass sie wieder auf der Fashion Week in Lviv in der Ukraine präsentiert hatte. Auch heute ist die Designerin abgesehen von ihrem Heimatland nicht weiter bekannt geworden. Einer der Gründe warum sich Designer aus der Ukraine immer noch sehr schwer tun, auch wenn wegen der Fußball EM doch dieses Jahr mehr über das Land und die Kultur berichtet worden ist, sind Hemmschwellen und auf der kommerziellen Seite weitestgehend fehlende Vertriebs- und Marketingstrukturen. So haben insgesamt die wenigsten lokalen und regionalen Designer eine funktionierende PR in dem Sinne, wie wir das kennen. Vieles läuft unter der Oberfläche über informelle Kanäle.

Die neue Sommerkollektion von Ivanna Yukhymchuk ist wesentlich verspielter als die letzte Sommerkollektion und unterstreicht diesmal mehr feminine Züge. Besonderen Wert legt man auf eine herausragende Verarbeitung die weitestgehend in Handarbeit erfolgt und eine mutige Materialwahl und –mischung. So stehen neben Spitzen und Applikationen vor allem auch griffige, räumliche Strukturelemente bei der Oberflächen Gestaltung im Vordergrund. Abgerundet werden die Akzente durch blumige feingliedrige Muster, die sehr gut zu der Verwendung von Spitze und Transparenz passt. Neben Leder kommen auch glänzende Stoffe zum Einsatz.

Designerin: Ivanna Yukhymchuk

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Text: Zora Weber
Bilder: Abrams / Zora Weber

Kishani Perera, Interior Designer aus Los Angeles, hat im April diesen Jahres ihr erstes Buch über Raumgestaltung veröffentlicht. Es liest sich als Geschichte ihrer Projekte und gibt durch zahlreiche Photographien anschaulich Einblicke in ihre Arbeitsweise.

Ästhetisch sehr ansprechend zieht bereits das Photo auf der Buchvorderseite in den Bann. Das bislang ausschließlich auf Englisch erschienene Buch wird zunächst von Beiträgen zweier Schauspieler sowie Kishani Pereras Vorwort eröffnet. Das Werk ist klar in zehn Kapitel gegliedert, die anhand unterschiedlicher Aspekte die Vorgehensweise Kishani Pereras im Kontext einzelner Aufträge und Projekte schildern. Auf diesem Wege läßt die Autorin ein Bild der Eckpunkte ihrer Arbeit entstehen. Gleichzeitig sind diese Punkte als Anregung für den Leser zu verstehen, aktiv zu werden, um das eigene Zuhause zu gestalten.

Begleitet werden die Texte von zahlreichen, überwiegend großformatigen Photographien.

Lebendig und begeistert erzählt Kishani Perera von all dem, was sie inspiriert und somit die Ausgangsbasis für alle folgenden Arbeitsschritte bildet. Seien es Bauplätze, Wochenmärkte, Farbpaletten, Stoffmuster oder Landschaftsszenarien. Farben sind für sie einer der stärksten Impulsgeber.

Bei jedem neuen Kunden ist Kishani Perera bemüht, dessen Persönlichkeit, Neigungen und Bedürfnisse empfindsam zu erspüren, bevor sie sich daran macht, mit viel „Beinarbeit“ die passenden Möbel, Stoffe ect. „aufzuspüren“ respektive das Potential von Möbelstücken zu sehen, das sich durch eine zusätzliche Bordüre (z.B. an einem Lampenschirm), einer Farbänderung oder in Kombination mit anderen Gegenständen / Accessoires entfalten kann. Dabei durchstreift sie alle Kategorien von Geschäften, Low- und Highend ebenso wie Flohmärkte, Anbieter von Fertigmöbeln, Antiquitätenhändler oder surft bei Online-Adressen, wie eBay und Craigslist.

Falls sich nicht das Passende findet, bleiben immer noch Maßanfertigungen als Möglichkeit, das Arrangement zu vervollständigen. Gemäß des Satzes: „Money won´t buy you style.“ (Geld allein gewährleistet nicht Stil) hat sie keine Hemmungen, der Persönlichkeit des Kunden entsprechend Unterschiedlichstes zu kombinieren, um dessen ganz individuell zugeschnittene Raumkreation hervorzubringen. Im Focus steht der Kunde als Mensch. Jenseits abgetretener Pfade wird umgesetzt, was ihn am treffensten widerspiegelt. Nicht „Ausstellungsräume voller Design“ sollen verwirklicht werden, sondern Wohlfühl – Räume, in denen jeder Winkel genutzt wird. Dabei ermutigt sie immer wieder aufs Neue den Leser, den eigenen Geschmack zu finden.

Neben sorgfältiger Planung, legt Kishani Perera besonderen Wert auf Textilien und Lichtgebung und betont, daß es gerade oft die kleinen Veränderungen – wie neue Polsterungen – sind, die große Effekte bewirken. Außerdem fügt sie jedem Raum etwas hinzu, was den Eintretenden lächeln läßt, seinen Humor anspricht.

Es ist ein sehr persönliches Buch, bei dem der Mensch Kishani Perera greifbar wird. Wie sie in ihrem Vorwort schildert, hat sie bereits als Kind leidenschaftlich Flohmärkte und Hinterhöfe durchforstet auf der Suche nach außergewöhnlichen Gegenständen. Später hat sie sich daran erinnert und ihre Passion zum Beruf gemacht. Im letzten Kapitel ihres Buches stellt sie ihre eigenen Wohnräume vor – ein sehr sympathischer Zug.

Trotz ihrer undogmatischen Vorangehensweise, welche der Maxime folgt: alles ist erlaubt, was gefällt, verfällt sie in ihrer Arbeit jedoch nicht einer wie auch immer gearteten gestalterischen Beliebigkeit. Grundsätzliche Gestaltungsprinzipien umsetzend (bspw. bei der farblichen Abstufung) geht sie in ihrer Vorgehensweise jedoch weit über diese hinaus, was Räume ins Leben ruft, die oft fast schon eine magische Anziehungskraft besitzen, ästhetisch „abgerundet“ sind und inspirieren. Selbstverständlich ist ein Teil dieser Wirkung den Photographien geschuldet. Allein dafür lohnt es sich, das Buch einmal durchzublättern.

Bei aller Faszination, die das Buch auslöst, muss betont werden, dass die Projekte fast durchweg in sehr wohlhabenden Milieus stattfanden. Realistischerweise betrachtet, dürfte es schwer fallen, mit einem Schmalspurbudget, Raumkreationen, wie sie sich im Buch finden zu erschaffen. Dafür würde allein schon die Bausubstanz fehlen. Auch wäre es gerade bei großen Räumen hilfreich gewesen, Grundrisse zwecks Orientierung anzufügen. Dies entfiel völlig. Ebenso vermißte ich Vorher – Nacher – Bilder bei Beispielen, wo Geringfügiges mit großem Effekt verändert wurde. Sie hätten den Begleittext nachvollziehbarer gemacht.

Dennoch ist das Buch überaus bereichernd, da es die Möglichkeit bietet, neue Impulse zu bekommen und das Konzept von Kishani Perera zu verstehen. Ihr selbst eröffnet sich durch die Veröffentlichung sicherlich die Chance, ihre Arbeit nach über 10 –jährigem Engagment einem breiteren Publikum bekannt zu machen – und das zu Recht!

Allen übrigens, die es nach Los Angeles verschlägt, sei das erste Geschäft von Kishani Perera ans Herz gelegt. Vor zwei Jahren eröffnet trägt es den passenden Namen: Rummage.

Kishani Perera with Elizabeth Roehrig: Vintage REMIX. The interiors of kishani perera, New York 2012.
ISBN: 9780810997677
Herausgegeben von Abrams

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Text: Zora Weber

Bilder: MOX

Von dieser Parole ausgehend beschlossen zwei Freunde, die sich bereits seit der Schulzeit kennen, vor über 15 Jahren eine Möbelfirma zu gründen. Seitdem bietet MOX Designern eine Verkaufsplattform für minimalistische Entwürfe.

Die in Herrliberg, am Stadtrand von Zürich, niedergelassene Firma hat sich vor allem durch die Produktion von Anlehnmöbeln einen Namen gemacht. Diese besitzen ausschließlich an der Vorderseite Füße oder ein Standbein und lehnen, wie der Name sagt, an der Wand an, ohne befestigt zu sein.

Beim Regalklassiker Pool ruft dies zunächst Verwunderung hervor, denn das Regal steht senkrecht an der Wand. Dennoch ist die Konstruktion derartig ausgeführt, dass Pool desto stärker an die Wand gedrückt wird, je mehr Gewicht auf den einzelnen Tablaren ruht. Damit ist ein stabiler Stand garantiert bei gleichzeitiger optischer Akzentsetzung. Pool gibt es in verschiedenen Ausführungen, u.a. als Regal für CD- und DVD-Sammlungen.

Neben ihrer gradlinigen Ästhetik sind die Designstücke funktional penibel durchdacht. So lassen beispielsweise beim Bürotisch Storch, der gegen eine Wand lehnt, beidseitige Mulden am Rand der Fläche Platz für Stifte und andere Utensilien. Öffnungen an der Rückwand sorgen dafür, ein Kabel elegant zur Steckdose leiten zu können. Gerade weil die Möbel grazil gebaut sind, verströmen sie durch ihre schlichte und einfache Eleganz eine unaufdringliche Präsenz. Und dazu sind sie noch platzsparend und erschwinglich!

Über Anlehnmöbel hinaus bietet die Kollektion von MOX auch originelle Produktionen eines Schirmständers, Zeitschriftenhalters, Hockers sowie verschiedener Garderoben. Gemeinsam ist sämtlichen Einrichtungsstücken das Firmenmotto: „lieber einfach“.

Anschauen können alle neugierig Gewordenen die aktuelle Kollektion unter www.mox.ch

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter

Darüber, dass immer mehr osteuropäische Designer die Berlin Fashion Week als Sprungbrett und Präsentationsplattform wählen, haben wir schon mehrfach berichtet. Und es fällt auch immer stärker auf, dass diese Designer so manches heimische Label weit in den Schatten stellen. So konnte auch Irina Schrotter mit ihrer Präsentation AW12 in Berlin gut punkten.

Unter dem Namen „Romanian Designers“ zeigten mehrere sehr unterschiedliche Labels aus Rumänien ihre neuen Kollektionen für Herbst und Winter 2012. Das Label von Irina Schrotter wurde bereits vor rund 21 Jahren in Rumänien gegründet und kann auf eine entsprechende eigenständige Designtradition zurückblicken, die eine sehr individuelle, starke und einprägsame Handschrift herausgebildet hat. Ähnlich, aber von einer anderen Stoßrichtung wie Dawid Tomaszewski nähert sich Irina Schrotter dem Thema Apokalypse. Ein Vergleich mit der Kollektion von Tomaszewski lohnt sich (klick). Bei Schrotter dreht sich die ideologische Grundlage für das Design um ein  Konglomerat  an Emotionen, die mit dem Thema zeitgenössisch verbunden sind. Ihr geht es um ein Zusammenschmelzen von lockeren Assoziationen, die gebündelt werden.

Technisch betrachtet greift sie hierzu auf Bindungen zurück, welche sie durch unter den Kleidern getragene gewickelte schwarze Bänder realisiert, die vom Kopf bis zu der Taille eine Art Grundlage für die Kreationen bilden, die einmal durchschimmert, einmal verdeckt ist. Die Oberflächen werden hierbei dezent gebrochen und ermöglichen im übertragenen Sinne eine Assoziation mit einer ambivalenten und gebrochenen Gefühlslage. Ein Hauch von Desorientierung schwingt in den Looks mit, was durch Brüche in den Silhouetten in den Horizontalen noch unterstrichen wird. Die Volumen wirken sehr kräftig, allerdings ohne zu sehr aufzutragen und in den Bereich Oversize zu kippen. Schwung und Dynamik vermitteln sehr schön weite Kleider aus schimmernder Seide.

Farblich bleibt die gesamte Kollektion sehr dezent und geradezu farblos. Vielmehr wird auf Glanz und Schimmern bei den Materialien gesetzt.

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