Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

In der Feuerle Collection – einem düsteren „Kunsttempel“ – wurde die erste Kollektion des Labels Unvain um den Gründer und Creative Director Robert Friedrichs präsentiert. Die brutale Betonästhetik des Weltkriegsbunkers erweist sich als kongenialer Ort für die Designästhetik von Unvain, die in der Berliner Club- und Subkultur verwurzelt ist, welche ebenfalls eine Affinität zu solchen Orten hat. Die minimalistische und konstruktivistische Gestaltung der Kleidung fügt sich so, mit einer fast kultischen Inszenierung, in den brutalistisch definierten Raum.

Fern vom Tageslicht und bei spärlicher Ausleuchtung wirkt die Schau kathedral, was durch Accessoires der Modelle, die Thuribula (schwenkbare Rauchgefäße) über den Laufsteg trugen, verstärkt wurde. Damit platzierten sie eine eigens für die Schau (in Zusammenarbeit mit RYOKO Berlin) entwickelte Duftinstallation. Man assoziiert mit dieser Inszenierung eine Messe für das antike Göttliche der Mode – vielleicht sogar mit Athene, die als Schutzpatron in der Webkunst und des Spinnens gilt. Bei der stilistisch auf Formgebung und Konstruktion ausgerichteten Kollektion von Unvain wäre das immerhin passend, mit einer Suche nach Schönheit jenseits von Glamour und Hochglanz.

Bei aller Härte der Formgebung leben die Looks, denn sie sind mit gezielten Akzentuierungen versehen und sie spielen mit harten Übergängen von unterschiedlichen Materialien oder Nuancierungen in der Hell-Dunkel-Farbgebung. Die Formen zeigen jeweils klare Kanten, grenzen ab und sind kompositorisch durchdacht arrangiert. Für die Wirkung spielt es dabei keine Rolle, ob harte, abgrenzende Materialien zum Einsatz kommen oder mit Transparenz und dem Durchscheinen bis auf die Haut gespielt wird. So kann ein transparenter Damenlook mit applizierten Posamentenborten, die an Zirkus-Uniformjacken erinnern, gleichrangig neben einem Herren-Look mit einer weißen Uniformjacke, ebenfalls mit solchen Posamentenborten, stehen. Die ist wiederum mit einer Used-Demin-Hose kombiniert.

Insgesamt vermittelt die Kollektion eine eher düstere, raue Note, die auch durch die weißen Teile und die wenigen spielerischen Applikationen nur bedingt aufgefrischt wird: hier lebt Brutalismus in mode-designter Perfektion. Verbunden wird diese formale Gestaltung mit einer gewissen Note von „benutzt und befleckt“, wenn Jeans manuell bearbeitet und verschlissen sind oder Flecken appliziert wurden. Das unterstreicht einerseits das Rohe und löst andererseits die formale Strenge, die zu Sterilität neigen könnte, geschickt auf.

2020 hat der Designer Robert Friedrichs das Label Unvain in Berlin gegründet und fügt damit dem Modeimage der Stadt eine ausgeprägte Note hinzu, die sich entsprechend aus dem Geist der Subkultur ableitet. Seine erste Kollektion auf der Fashionweek versucht die charakteristische Rauheit mit Raffinesse und Sinnlichkeit zu veredeln und die Anknüpfung an die Architekturästhetik des Brutalismus modisch neu zu beleben.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Das Berliner Label Heroin Kids von Christian Kaiser und Corinna Engel präsentierte passend in einem typischen Berliner Club. Wer in den 1990er Jahren seine Jugend verbracht hat, wird bei dem subversiven Hauch von Grunge schmunzeln und sich freuen, dass es diese Lebensart zwischen Provokation, Wildheit und sexueller Selbstbestimmung in einer durchkommerzialisierten Gesellschaft mit einem durchdringenden Instagram-Lifestyle als Gegenentwurf noch gibt. Wenn nicht in Berlin, wo sonst wäre sie so authentisch? Im Kern wird hier eine Sehnsucht nach Authentizität in einer Welt, die von Perfektionismus, Selbstoptimierung und digitaler Inszenierung geprägt ist, gezeigt. Menschen, die sich hiermit identifizieren, wenden sich bewusst von Hochglanzästhetik ab und suchen das Ungefilterte, das Unfertige, das Echte. Und das Eigene. Dysfunktionales Verhalten zeigt sich in Aussagen wie: „Ich mache nicht mehr alles mit“, was weniger aggressiv, dafür umso konsequenter wirkt.

Das Unperfekte wird zum Stilmittel, und die Kleidung wirkt bewusst unfertig mit übergroßen Schnitten – nicht, weil man „lässig wirken“ will, sondern weil das Unpolierte als ehrlich empfunden wird und etwas darstellt, wozu man persönlich steht.

Die Entwürfe sind geprägt von applizierten Flächen mit Statement-Skizzen auf Tops bis hin zum Katzenbild, schimmernd metallischen Jacken, auch bauchfrei, und vielen schweren Stiefeln. Die Stoffe sind manuell bearbeitet, durchlöchert, oft asymmetrisch konzipiert. Es wird mit Transparenz gespielt und viel Haut gezeigt, bei einem wilden Materialmix. Das kommt greifbar und echt daher.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

80 Absolventen von 12 renommierten Hochschulen in Modedesign präsentierten ihre Arbeiten auf der Neo.Fashion, die dieses neunte Mal umständlich als „Neo.Fashion. presented by Potsdamer Platz“ im Atrium Tower am Potsdamer Platz im Verlaufe von zwei Tagen mit verschiedenen Programmpunkten stattfand. Zum Abschluß gab es eine Prämierung der besten, gegliedert in verschiedenen Kategorien und auch von verschiedenen Jurys bewertet.

Das Format Neo.Fashion war schon am Start eine gute Idee des repräsentativen Zusammenschlusses von Modeakademien und sie hat sich über die Jahre konzeptuell stets weiter ausgebaut. Inwieweit das ambitionierte Projekt als relevante Talentschmiede taugt, läßt sich von außen schwer einschätzen, als Termin mitten in der Fashionweek ist die Groß-Schau für Profis und Medien noch immer eine konkurrierende Veranstaltung, vielleicht finden sich terminlich einmal klügere Positionierungen. Und mit der Berlin Curated Schau im offiziellen Programm ist nun noch ein weiteres Format eingebracht, das man als Konkurrenz zu Neo.Fashion betrachten könnte, besser aber als Brücke zum offiziellen Fashionweekprogramm geeignet ist. Mit seinem eigenständigen und geschlossenen Konzept wäre, unserer Einschätzung nach, Neo.Fashion eine ideale Einleitung zur Fashionweek.

Denn auch die gezeigte Mode ist ein innovatives Momentum „auf dem Weg“. Vorwiegend experimentell und gleichzeitig modernen Anforderungen genügend, umfassen die Looks sehr verschiedene Perspektiven und Schwerpunkte, was die Vergleichbarkeit erschwert und weswegen auch die Preise in vier verschiedene Kategorien gesplittet wurden: In diesen gingen die Preise an:

• Best Digital Fashion Design: Flora Schwöppe, AMD Akademie Mode & Design Hamburg
• Best Craftsmanship: Melanie Parzenczewski, HTW Berlin
• Best Design: Wiebke Lendewig, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle
• Best Sustainability Concept: Azura Barber, Hochschule Macromedia
• Best Global Concept: Jon Liesenfeld, AMD Akademie Mode & Design
• Zusätzlich wurden zwei Sonderpreise verliehen:
  Potsdamer Platz Award: Laurin Schuler (KH Weißensee)
  Brisbane Showcase: Lennart Bohle (HS Pforzheim)

Nicht nur aus der großen Diversität gezeigter Looks sondern auch aus dem Beurteilungssplitting kann man ableiten, dass diese Modekonzepte noch am Anfang oder vor dem Anfang stehen und eine runde Komplexität eher noch aussteht. Fachhochschulspezifische Schwerpunkte lassen sich für Aussenstehende nicht herauslesen. Insofern, als die Kommerzialisierung als zwingendes Kriterium hier noch keine nennenswerte Rolle spielt und das Experiment noch freie Hand haben dürfte, sind die Neo.Fashion-Schauen allemal spannend, auch die große Diversität. Manchmal merkt man, dass die individuelle Gestaltforschung noch sehr studentisch geprägt ist, machmal bemerkt man die aktuell zunehmende Politisierung des Gestaltungsstrebens innerhalb der Hochschulen – irgendwie anregend und interessant entwickelt sind die gezeigten Ergebnisse dann soweit doch meistens. Der schnelle Wechsel der gestalterischen Ansätze läßt manchen Zuschauer leicht irritiert zurück, ein orientierender Trend ist höchstens im Nachhinein beim Betrachten der Bilddokumentation zu verspüren.

Wir fotografierten die letzte Award-Schau des zweitägigen Neo.Fashion Programms.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Hinter dem Label Orange Couture steht der aus Nigeria stammende Designer Adebayo Oke-Lawal. Das Label wurde von ihm bereits 2011 gegründet. Ursprünglich trat Adebayo Oke-Lawal an, in der Finanzwelt beruflich Fuß zu fassen. Dass es dann Mode wurde, ist ein Glück, denn mit der neuen Kollektion für den Sommer 2026 hat das in Lagos geborene Talent die Berliner Modewoche mehr als bereichert, vielmehr die Internationalität unterstrichen, die Berlin modisch bieten kann. Kurz vorweggenommen: eine der spannendsten und ansprechendsten Kollektionen, die gezeigt wurden.

Das kommt aber nicht wie aus dem heiteren Himmel, sondern ist der aktuelle Höhepunkt einer langen Reise und Entwicklung. Das Label konnte schon in Paris, London und New York präsentieren und hat über die Jahre nicht nur eine Fangemeinde, sondern vielmehr eine Bewegung um sich herum von treuen, aber auch immer wieder neu begeisterten Menschen scharen können. Gezeigt wurden im „Fürst“ am Kudamm Herren- wie auch Damenkreationen, die vielfach stilistisch als emotional, androgyn und kulturell durchdrungen beschrieben werden können. Die Kollektion spricht mit sehr warm gestalteten, freundlichen und reflektiert positiven Impulsen Seele und Gefühl an. Die Silhouetten sind sowohl bei den Damen als auch bei den Herren verspielt, vermitteln durch die Konstruktionen Bewegungsfreiheit und sind sehr abwechslungsreich gehalten. Dabei geht die Bandbreite von klassischen und formellen Grundideen hin bis zu sportlich lockeren Freizeitassoziationen. Das ist nicht beliebig, sondern stets fein aufeinander abgestimmt und stilgetreu. Der Humor schwingt bei den Konstruktionen stets mit, wenn zum Beispiel ein Damenrock direkten Bezug zu einem Blazer nimmt und der Bund auch die Überreste von einem Revers sein könnten.

Schön kombiniert werden solche flächigen Konstrukte mit Transparenz, die eng anliegend den Körper betont, ohne aufdringlich zu sein. Da zeigt sich, dass mit der Materialwahl schöne Kombinationen aus Regenesis-Stoffen aus recyceltem Plastikmüll, handgewebtem Aso-Oke aus dem Südwesten Nigerias, Baumwolle und Wolle realisierbar sind. Nachhaltigkeitsaspekte und Regionalität sind hier selbstverständlich. Besonders stolz kann man auf die Textildrucke sein, die extra für die Kollektion entwickelt wurden und sich gut integrieren. Die Modelle tragen Blumensträuße oder die Looks abrundende Taschen. Das Herz, großflächig appliziert auf mehreren Oberteilen, setzt bewusst einen Bezug zur Emotionalität: Man lebt und fühlt, ist nicht von der Umgebung und Umwelt isoliert.

Adebayo Oke-Lawal hat in der Vergangenheit immer wieder durch solche Symbole zu vermitteln versucht, dass es ihm um mehr als nur um Bekleidung geht, sondern auch um ein gesellschaftliches Statement auf der emotionalen Ebene.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Oft wurde schon in das modische Wirken von Andrej Gronau hineininterpretiert, er würde seine Kollektionen auf einem Material- und Mustermix , wilden Farbkombinationen und Details aufbauen – er würde mit Augenzwinkern nostalgisch mit Begriffen wie Heimat und dem Ländlichen spielen.

Oberflächlich betrachtet kann man zu dem Schluss kommen, wenn man Bauernkaros – auch bekannt unter Vichy-Karo – als Sternstunde der Textilgestaltung ansieht, das würde schon irgendwie passen. Das muss man aber nicht verstehen.

Sicherlich finden sich neben diesen Karos – auch nicht immer in Weiß-Rot daherkommend – diverse verspielt-naive Details wie Sternchen, Schleifen und Bänder in der neuen, in Berlin vorgestellten kleinen Kollektion, die passend in einer (ehemaligen) Industriebrauerei stattfand. Damen und Herren tragen einen wilden Mix aus verschiedensten konzeptionellen Ansätzen. Da steht eine Strickkombination für eine junge Dame, angelehnt an die Formgebung der 1960er , neben übergroßen Boxershorts-Unterhosen – in Karo! –, mit denen sich der urbane Mann neuerdings in der Öffentlichkeit zur Schau stellen soll. Das braucht Mut, mag witzig sein, kann aber nicht wirklich überzeugen. Hochgeschnittene Hosen stehen hier neben rustikalen Pullovern. Der Cowboy-Stiefel kommt öfter zum Einsatz. Warmherzig ist hingegen die Farbpalette, und die Flächenkombinationen laden dazu ein, einzelne Looks auseinanderzunehmen und die Einzelstücke isoliert zu betrachten. Dann werden viele Aspekte in der Einzelbetrachtung wieder stimmig. Da ist zum Beispiel ein „Purple“-Herrenpullover, der mit feiner Silhouette und farblicher Lautstärke punkten kann. Auch andere Strickoberbekleidung ist ansprechend kombinierbar, lebt indes aber vor allem durch Haptik, Silhouette und die bereits angesprochene warme Farbpalette. Ob dies alles in eine neue Interpretation der zeitgenössischen Jugendkultur verallgemeinernd passt, erscheint fraglich. Dafür ist die zeitgenössische Jugendkultur – auch mit einer Sehnsucht nach Tradition und Verbundenheit – zu heterogen.

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Bilder und Text: Boris Marberg

Am Kurfürstendamm wurde die fast nostalgische Sommerkollektion des jungen Labels COLRS dem interessierten Publikum präsentiert. Als Inspiration hat dem Designer, Zec Elie-Meiré, das idealisierte und emotional aufgeladene Strandleben in Brasilien gedient – maskulin und verspielt, körperbewusst und bereit für den Spaßfaktor, auch mal Grenzen auszutesten.

Für die Umsetzung sehr passend ist, dass man weiterhin auf Upcycling und Vintage-Stücke – neugestaltet und umkonstruiert – setzt. Plakativ und jugendlich kommen auf dem Laufsteg die Modelle mit T-Shirts entgegen, welche Schlagwörter und prägende Sprüche tragen: „Boys“, titelgebend, über den Zaun springen – „JUMPING FENCES“ – und des Swimmingpools wegen irgendwo nächtlich einbrechen, um sich von der Sommerhitze abzukühlen. Das Erwachsenwerden wird hier thematisch aufgearbeitet und idealisiert. Ja, solche Bilder und Stimmungsmotive erscheinen heutzutage in einer Jugend, die durch soziale Medien geprägt ist, schon nostalgisch – die guten alten Zeiten. Wenige Kontrapunkte in der Kollektion stehen dem frischen und jugendlichen Look entgegen. Alles, was gezeigt worden ist, ist technisch sehr gut umgesetzt und generiert ein einheitliches Erscheinungsbild, welches auf den ersten Blick an „Selbst an die Nähmaschine gesetzt“ erinnert, aber stringent, unkompliziert durchdacht wirkt. Das kommt sehr frisch daher.

In Bezug auf die verwendeten Materialien basiert die Kollektion auf Patchwork-Denim, leichter Baumwolle und Mesh. Zudem vermitteln transparente Stoffe und geknotete Bänder Dynamik und Sportlichkeit, ein Schwerpunkt auch der vorangegangenen Kollektion, der weiterentwickelt wird. Weiß und Denim sahen wir viel auf dieser Fashionweek, so auch hier. Ganz klar findet bei der noch jungen Marke eine Ausrichtung auf Streetwear und Freizeitmode für junge Männer statt. Auch das passt zum urbanen, jugendlich geprägten Berlin, dessen Seen mit den Ufern natürlich nicht mit der Copacabana in Rio de Janeiro konkurrieren können. Ein einziger, lockerer Herrenanzug in klassischer Anlehnung erweitert die Linie um formellere Aspekte – auch das passt und rundet die Kollektion ab.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Schau zur neuen Kollektion für den Sommer 2026 von Haderlump Atelier Berlin fand im Haus der Visionäre, einer Veranstaltungshalle mit industriellem Charme, Bauhaus-Architektur und historischem Backsteinbau statt. Die vergilbten Wände werfen ein warmes Licht auf die Kleidung und vermitteln Vergänglichkeit. Auf künstliches, hartes Licht wurde verzichtet. Damit ist der Raum auch ein greifbarer Ort geworden, der sehr gut zum thematischen Überbau der Kollektion passt, einer Auseinandersetzung mit vergehenden Kulturgütern und der Fragestellung, was für Folgen und Auswirkungen das digitale Zeitalter haben könnte.

In der Halle wurden mehrere Kuben platziert, die gespickt waren von mit Text bedruckten Bücherseiten und die einen räumlichen Rahmen für die ansonsten klassische Modenschau boten. Das passt alles sehr gut zu dem einrahmenden Themenfeld Autorschaft, Identität und Vergänglichkeit. Symbolhaft werden die Ex Libris, die individuellen Kleinode in Büchern, als Aufhänger genommen – in der Modegestaltung selbst ist der Bezug allerdings nur selten und schwer zu erkennen. Musikalisch hat man technisch innovativ mit sich rhythmisch an die Bewegung der Modelle anpassender Musik experimentiert.

Die Kollektion richtet sich an eine weibliche sowie männliche Kundschaft, der es wichtig ist, greifbar im Raum die eigene Identität zu bewahren und sich dezent abzugrenzen. Neben dem Haptischen des Materials – Leder, Leinen, Baumwolle – wird sehr spannend mit Konstruktionen gespielt, die sowohl klassische Silhouetten bieten als auch provokante Brüche in den Konstruktionen zeigen. Die verwendeten Materialien stehen oft in lautem Kontrast zueinander, was farblich abgemildert wird. Die Palette basiert auf Weiß, Beige, Schwarz und Grau – ab und zu Anlehnungen an Brauntöne – alles eine Frage der Interpretation und zurückhaltender Gestaltung.

Diese Zurückhaltung zeigt sich in der entstandenen Bandbreite von weichen Looks bis hin zu harten, skulpturalen Entwürfen, ohne zu „erschlagen“. Hier treffen breite Schultern, Korsettblusen und drapierte Röcke auf wuchtige Schichtungen, massive, in den Raum greifende A-Silhouetten, voluminös schwingende Mäntel. Kombiniert wird viel mit adoleszenten „Schildmützen“ und Taschen, die aus einer Kooperation mit „Liebeskind Berlin“ stammen. Funktional ausgelegter Streetstyle steht hier bei Haderlump ganz selbstverständlich neben wilder, aber auch edler Abendgarderobe für Damen, die mit Leichtigkeit auch repräsentativ genutzt werden kann. Bei mehreren Looks sind in Jacken integrierte Kapuzen spannend gelöst und vermitteln ein interessantes, sehr bedrängtes Stimmungsbild. Da duckt sich jemand im Großstädtischen weg und schützt sich vor den Eindrücken. Das rundet die insgesamt urbanen Looks ab und knüpft gekonnt an die letzten Kollektionen an. Johann Ehrhardt ist damit wieder eine sehr ansprechende Kollektion mit seinem erst 2021 gegründeten Label gelungen, die mit vermehrt eigenen Akzenten aktuelle Trends zusammenfasst. Damit stellt der Lette-Verein-Absolvent erneut unter Beweis, dass er zu den vielversprechendsten zeitgenössischen Berliner Designern gehört.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Das Designer-Duo Otto Drögsler und Jörg Ehrlich ist schon seit langem mit ihrem Label Odeeh ein fester Bestandteil der deutschen Modeszene und kann immer wieder mit ausgeprägter Stilsicherheit punkten. Für die Präsentation der neuen Kollektion hat man in den Berliner Hauptsitz der Marke an die Potsdamer Straße eingeladen. Keine klassische Modenschau wurde hier gezeigt, sondern eine kreative Installation, die den Charme, den gestalterischen Ansatz der beiden Designer sowie die konkreten Looks als Ergebnisse der neuen Kollektion vermitteln sollte. Skizzen zu Entwürfen, Stoffballen, ein Nähmaschinen-Arbeitsplatz, alles, was man im Atelier so findet und benötigt, bildete den Rahmen für diese Installation, in welcher zwölf Modelle sportlich elegante und individuelle Looks dem geladenen Publikum zeigten.

Bis auf einen der gezeigten Looks sind diese Damenkleidung. Das ist meistens so bei Odeeh. Oft sind die Herrenlooks nur eine sinnvolle Ergänzung, ein Kontrapunkt oder die kreative Spiegelung. Hier wurde für die neue Kollektion viel mit leicht angedeuteten A-Silhouetten gespielt, geschickt schwere Materialien bei Mänteln in Kontrast zu leichten, fast sommerlichen und fließenden Stoffen gesetzt. Das wirkt verspielt und dennoch vermitteln die Konstruktionen eine grundsolide Basis, nichts wird überzogen dargestellt, nichts wird karikiert. Hier stimmt, wie auch in den letzten Jahren, alles zusammen – die flauschige Applikation greift die Farben des großflächigen Drucks auf, und ein Reiterhut ist die konsequente Abrundung eines robusten, sportlichen asymmetrischen Damenmantels in Grau, unter dem frech eine gescheckt gemusterte leichte Hose hervorscheint. Die Drucke und Muster überzeugen durch Individualität. Ein kleines Repertoire an fransigen Kleidchen in leuchtendem hoffnungsvollem Grün oder in kühlen, schimmernden Blaugrau ist ebenfalls sehr ansprechend. Als Akzent finden sich immer mal wieder aus verschiedenen Steinen, Perlen und Anderem zusammengestellte Broschen. Die Details machen es aus. So sind die meisten Schnürsenkel der Schuhe offen und vermitteln einen Hauch von Improvisation und einen nicht ganz finalisierten Look, der noch in Entwicklung ist.

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Text und Bilder: Boris Marberg

Berlin braucht Balletshofer – hier ist der urbane Mann. Nahe lag es deshalb für diese Saison, dass der junge Designer mit der Berliner Zeitung für die Präsentation seiner neuen Kollektion kooperierte. In der kleinen Auguststraße auf dem Laufsteg ein Kiosk, mit Bestuhlung wie in einem Straßencafé aufgebaut und es wurden urbane Rituale zelebriert. Der mondäne junge Mann stärkt sich mit einem Kaffee und Croissant und schnappt sich die Extraausgabe der Berliner Zeitung – genießt beides und taucht dann wieder nach einem Ruhepunkt  in der Stadt ein.

Alan Balletshofer setzt sich für die kommende Herbst und Wintersaison zum Ziel, mit seiner Mode einen Moment der Ruhe inmitten des Chaos dieser Welt zu schaffen. Sein Design steht für klar konstruierte Linienführung, die Eleganz vermittelt. Die Silhouetten sind zeitlos und bei der Produktion setzt das Label auf Materialqualität, die man meist bei Sportswear findet. Der Designer interpretiert diese hier programmatisch neu und überrascht dabei mit klassischer Produktionstechnik. Verarbeitet wird unter anderem auch Wolle und Tweed. Wolle ist ein nachhaltiges und natürliches, atmungsaktives und warmhaltendes Material, das elastisch, langlebig und bis zu einem gewissen Grad wasserabweisend ist, während Woll-Tweed dichter und besonders robust ist. Das passt sehr gut zu der Haptik dieser Kreationen und ist sehr funktional ohne Charme zu verlieren.

Die Looks werden einer Vielzahl von Situationen und Anlässen gerecht und bieten dem Träger eine große Bandbreite an Variationen. Gestalterisch setzt Balletshofer erstmals Trompe-l’œil-Effekte ein, um Texturen, Muster oder sogar Teile der Kleidung zu simulieren, die nicht wirklich vorhanden sind. So entsteht noch mehr Varianz. Der Mann trägt bei Balletshofer sehr geradlinige Schnitte, die eine körpernahe Passform aber nicht ausschließen. Beispielhaft – auch für die Verknüpfung des Klassischen mit dem Sportlichen mit Schnitt und Material –  ist ein dunkler Lederlook, der spontan an Stilikonen männlicher Mode der 1970er erinnert. Bei der Farbpallette dominiert eine angenehme zurückhaltende Wirkung. Im Vordergrund stehen Formen und Silhouetten.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg für BFW

Mit einer auf Tragbarkeit ausgelegten Herbst- und Winterkollektion, welche mehr als 30 dezidierte Looks umfasste, präsentierte die Ukrainerin Kristina Bobkova bereits zum dritten Mal auf der Berliner Modewoche ihre Interpretation von zeitgenössischer Damenmode.

Dabei spielen wieder mal Volumen und lässig fallende Stoffe die Hauptrolle. Weich fallend, gradlinig geschnitten mit zahlreichen horizontalen Brüchen und Schichtungen warten einige Kombinationen aus Blusen und Röcken oder Hosen auf. Vielfach ist das Innenfutter bunt und in herbstlichen Farben gehalten. Aber auch bei den Oberflächen findet sich oft eine herbstlich bunte Vielfalt an warmen Tönen. Hier sollen Assoziationen mit Herbstfrüchten sich wiederfinden und Fülle und Üppigkeit vermitteln. Es dominieren Beige, Off-White und Schwarz, in Kontrast gesetzt zu Wein-, Brombeer-, Pflaumen-, Bordeauxtönen.

Der gestalterische Fokus dieser Kollektion liegt auf den Oberflächen und Silhouetten. Im Ansatz wird oft gerafft und drapiert, an Schultern ausgeprägt, und Flächen werden durch das Absteppen getrennt und durchbrochen. Es werden Schleifen und Asymmetrien bei zahlreichen Kreationen eingebunden und machen diese zu Alleinstellungsmerkmalen. Vor allem bei dunklen Looks wird von der Textilstruktur in den Raum hineingegriffen und dadurch werden Reliefs herausgeprägt. Viele Silhouetten sind monolithisch und stehen neben A-Formen von kombinierbaren Röcken. Das kommt locker und verspielt daher ohne aber abgehoben und extrovertiert zu wirken.

Der Stil ist weiterhin selbstbewusst, feminin dominant und bleibt einer dezidiert weiblichen Identifikation treu. Für visuelle Narzissten ist die Kollektion nichts. Dafür ist sie alltragstauglich und auch für klassische Konventionen im Büro geeignet. Die Gesamtlinie bleibt weiter stringent und will einen zeitlosen und klassischen Stil bieten. Viel Material kommt aus dem Upcycle wird durch eine Basis aus natürlichen Textilgeweben von Seide, Baumwolle, Wolle bis hin zu Kaschmir untermauert.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg for BFW

In der Aufwärmhalle des Berliner Olympiastadions präsentierte der Designer William Fan seine neue Kollektion „Off Duty“ für Herbst/Winter 2024 und eröffnete damit „quasi kalendarisch“ die Berliner Modewoche. Eine Woche, die neben dem offiziellen Kalender eine Vielzahl von Nebenveranstaltungen geboten hat und oft von Professionellen als von eine vom gefühlten Zerfall des Einzelhandels getragene Institution gesehen wird.

Gerade der Einzelhandel in den Innenstädten leidet an einem massiven Umsatzschwund, rasant steigenden Mieten, exemplarischen Pleiten wie jene des KaDeWe in Berlin, was alles zusammen ein toxisches Umfeld für den Handel in den Zentren manifestiert. Kleine Labels setzen deshalb vermehrt auf eigenen Vertrieb. Und dennoch ist zeitgenössische Mode weiterhin urban ausgerichtet. Hier pulsiert die Kreativität, insbesondere modisch in Berlin, wie in keiner anderen deutschen Großstadt. Auch deshalb legitimiert dies weiterhin, dass Berlin mit seiner Modewoche für Deutschland und deutsche Mode tonangebend ist.

Die Aufwärmhalle des Stadions bot eine angemessene Mischung aus kühler Nüchternheit und sportlich-dynamisch warmem Ambiente. Die Tartanbahn wurde zum Laufsteg für die Modelle, mit denen William Fan zeigt, dass er Altersgrenzen mühelos überwindet und ein weites Publikum ansprechen kann. Seine neue Kollektion ist auf Freizeit und Distanz zum Arbeitsalltag ausgerichtet. Das ist nicht so selbstverständlich, denn dem Berliner Designer wird nachgesagt, ein Liebling derer zu sein, die einen Faible für hochwertige Eleganz hätten. Jedenfalls werden seine Kreationen leger getragen. Die Volumina sind weit und locker, wie auch die Silhouetten. Lange Hosen und Oberbekleidung lassen sich untereinander kombinieren und die Looks können mit Taschen unterschiedlichster Größe und Form aus dem selben Modehaus abgerundet werden. Diesen herbstlichen Kombinationen von Hosen, Blusen / Hemden, wie auch Jacken, Pullundern und Mänteln steht eine kleine Reihe von langen und weiten Kleidern für festlichere Auftritte zur Seite. Teilweise sehr dunkel gehalten mit griffiger in den Raum wirkender Struktur.

Die Kleidung wirkt tatsächlich edel, trotz oft gröberer Struktur im Gewebe, die Textilien sind griffig und angenehm auf der Haut. Farblich spielt der Designer wohltuend mit der Palette eines warmen Herbstes, eines Winters, der eher mediterran daherkommt. Warme Grüntöne, Beige, blasses Gelb, Abstufungen von Grau bis zu tiefem Schwarz finden sich bei den Looks und in zwei Varianten grobe Karos bei Mantel-Kleidern. Im Kontrast zur Tartanbahn stehen die zahlreichen fluffigen Pantoffeln, welche von vielen Modellen getragen wurden – für Freizeit im Winter sicher ein passendes Accessoire.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Und wieder bietet Namilia die lockerste und hedonistischste Schau der Welt und zieht in Berlin auch das wohl coolste Publikum an. Gleichzeitig, so hat man jedenfalls den Eindruck, zielt nicht mehr alles auf das queer gesonnene Club-Publikum der Hauptstadt, nicht mehr jedes Stück ist konsequent auf humorvolle und erotische Provokation angelegt.

Das dämpft die Radikalität des bekannten Entwurfskosmos‘ ein wenig. Trotzdem sind das eher keine Zugeständnisse, denn die Leitlinie des Designerduos wird nicht verlassen, alle Outfits sind noch der offensiven Wirkung verpflichtet, wenn auch nicht mehr ganz so detailverliebt und so innovativ wie zuvor. Während die Schauen der vorangegangenen Saisons noch geradezu verschwenderisch mit originellen Ideen daher kamen, finden sich jetzt viele Neuauflagen davon und auch die eine oder andere leicht variierte Wiederholung. Die Mittel werden noch mal verstärkt oder übertrieben. Der kreative Esprit bestimmt die Kollektion noch immer entschieden genug, um diversen Nachahmungen anderer Designer eine gehörige Länge voraus zu sein und genügend neue Experimente vorführen zu können. So zum Beispiel die weit ausufernden, bodenlangen Röcke für Männer und Frauenkleider, angelegt wie riesige Abendkleider, nicht selten mit Schleppe, helmartiger Kopfputz, neu gedachter „Tarnfleck“ oder „Naturmuster“, erotisch zugespitzter Barbie-Style oder knappe, aber originelle neue Abdeckungen bei Nacktheit. Hinsichtlich der Bequemlichkeit, die vielleicht mit dem Clubauftritt gefordert ist, erscheinen jetzt mit den ausufernden (Reif-)Röcken beziehungsweise Kleidern, den großen Mänteln und den eher unpraktischen Kopfbedeckungen auch gestalterisch sperrige Positionen, die aber wohl besonders zwingend die Blicke auf sich ziehen sollen und neben der sexy Sparsamkeit auch das überbordend Üppige feiern sollen. Die hedonistische Grundhaltung wird im Nebeneinander nicht aufgegeben.

Die Farbe Pink – meist kombiniert mit Schwarz – ist dominant vertreten und die frechen Schlampen-Sprüche werden oft mit Aufmerksamkeits-Gelüste ergänzt (FAME BITCH). Das steht für den wunderbaren, klugen und hintergründigen Humor der Selbstbespiegelung, der die hedonistische Haltung so attraktiv und überzeugend macht. Er entkräftet das Billige und stärkt das Sinnliche. Besonders reizvoll ist auch die Pointierung der sexuellen Kräfte, sowohl geschlechtsspezifiziert und dennoch nach dem Motto Alles für Alle. Darin liegt die besondere Kunst bei Namilia, die die Designer so souverän und zugleich spielerisch beherrschen wie kein anderes Label. Hinzu tritt die freche, unverschämte Übertreibung, die, ohne das zu betonen, mit einem gewissen Augenzwinkern formuliert ist. Hierin liegt der eigentliche Kern der kreativen Gestaltung, der zugleich ermutigt, sich auf die Gestaltungssprache einzulassen und der den eigentlichen Sympathiefaktor ausmacht.

Das Unaggressive der Offensiven, der heftigen Angriffe aufs Moralische ist ebenfalls eine entscheidende Grundlage der Haltung. Insofern ist Namilia vielleicht auch ein pädagogisches Programm, dessen Wirkung auch im Publikum ablesbar ist. Da sieht man die Hardcore-Fans in ihrem vollen Ornat queerer Erotik neben den sympatisierenden Durchschnittsjugendlichen, alle von der philosophischen Grundlinie des Namilia-Designs begeistert.

Das, was als sehr äußere Gestaltkennzeichnung den Namilia-Style am simpelsten ausmacht und mittlerweile häufig in Kollektionen anderer Designer aufgegriffen ist, nämlich die hochgezogenen Schultern auf Flügelforn, findet sich in dieser Kollektion kaum noch. Die Schultern sind jetzt noch breiter, aber nicht mehr hoch gezogen und der Thierry-Mugler-Effekt wird mit Übertreibung noch einmal neu ausgespielt. Jedenfalls haben die Designer dieses „Markenzeichen“ schon wieder aufgesteckt und setzen auf ihren Style allgemein. Das exzentrische Pulver ist sicher noch nicht verschossen.

Das Publikum sorgt schon für eine eigene Schau-Atmosphäre grundvergnügter Betrachtung und erotisierter Spannung. Die Models wirken wie aus dem Leben gegriffen und marschieren angenehmerweise auch recht individuell über den Laufsteg, das sorgt sehr passend für reduzierte Distanz und hat sympathisierenden Effekt. Dass die Veranstalter allerdings den Filmer zulassen, der auf dem Laufsteg vor, hinter und neben den Models filmend mitläuft, hat laut zu berechtigten Unmutsäußerungen aus dem Publikum geführt, in der Hinsicht sind lockere Präsentationsformen dann doch eher kontraproduktiv.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Positions Art Fair feierte dieses Jahr ihr 10. Jubiläum und das vierte Mal ist die „Fashion Positions“ angeschlossen. Anfänglich wurden die Modedesigner eingeladen, weil so viele Formate wegen Corona Shutdowns hatten, mittlerweile hat das Miteinander zu einer sehr spannenden Präsentation der künstlerischen Sicht von Modedesignern und -designerinnen gefunden.

Nicht zuletzt dank einer sehr ambitionierten Kuratierung von Esther Perbandt und Fiona Bennett dieses Jahr. Besonders die Vorzeigedesignerin Berlins, Esther Perbandt, erweist sich dafür als sehr kompetent, denn sie agiert selbst schon immer sehr gern in allen künstlerischen Gefilden der exzentrischen Stadt und erprobt die eigene Gestaltungslust stets auch jenseits der kommerziellen Interessen.
21 Modedesigner und -designerinnen waren eingeladen, ihre kunstaffinen Statements zu präsentieren und dabei die nachvollziehbaren Berührungspunkte mit freiem Kunstschaffen aufzudecken. Sehr viele Positionen wurden gut herausgearbeitet und auch durch jeweils einführende Texte interessant kommentiert (allerdings nur englisch).

Die Schnittstellen zwischen jungem Modedesign und freier Kunst finden sich auf sehr verschiedenen Ebenen und in unterschiedlichen Perspektiven, sei es da, wo die Lebensrealität das gestalterische Schaffen thematisiert (zum Beispiel Krieg bei Dzhus) oder auch da, wo Gestaltungsprozesse und innere Strukturen in der Bildenden Kunst, Architektur oder visuellen Medien dazu inspirieren, das eigene Vorgehen in der kreativen Textilgestaltung darauf zu beziehen (zum Beispiel Brachmann). Darüber hinaus gibt es viele weitere Schnittstellen, oft gerade da, wo Mode nicht nur eine ästhetische Aussage treffen will, sondern auch eine Aussage im Sinne des Zeitgeistes anstrebt, also sich als Botschafterin gesellschaftlicher Ideen versteht (zum Beispiel Jenny Haas).

Gesellschaftlich Position beziehen

Angesichts der vielfältigen Problemlagen unserer Gegenwart sieht sich Mode heute bemüßigt, auch mit Aussagen Positionen zu beziehen. Das hat mit gesellschaftlicher Kritik an dem schnellen und unökologischen Modegeschäft angefangen und reicht heute über Nachhaltigkeitsverpflichtungen und inzwischen auch Genderfragen weit hinaus. Gesellschaftliche Positionierungen werden via Mode auf den Konsumenten projiziert und umgekehrt wird von ihm auch offensichtlicher Positionierungswille erwartet. Entsprechende Slogans auf T-Shirts gedruckt machten den Anfang, inzwischen ist die ganze (junge) Modeindustrie mehr und mehr darauf ausgerichtet.

Die Frage, warum nun die Modeindustrie sich in gesellschaftspolitische Debatten einmischt, kann auch damit beantwortet werden, dass schon die Mode-Studiengänge glauben, gesellschaftskritischer Stellungnahme im Studium großen Raum einrichten zu müssen. Und natürlich setzt dies sich in der zeitgemäßen Forderung fort, alles gesellschaftliche Tun auch moralisch und soziokulturell zu positionieren – eben auch in der Modegestaltung.
Damit wird Modemachen gewissermassen politisiert: Die gesuchte Zeitgeistigkeit kreativen Modegestaltens wird nicht mehr nur über rein ästhetische Idealismen formuliert, sondern zunehmend mit kommentierenden, konkreten Begriffen bzw. Schlagworten leicht verständlich aufgefüllt (oder sogar ersetzt). Damur ist ein gutes Beispiel dafür. Das kann auch der mitgelieferte Begriff „nachhaltig“ sein. Ob so allerdings Mode tatsächlich mit Sinnstiftung oder Bedeutung aufgefüllt wird, was ihrem eigentlichen Wesen ja widerspricht, bleibt vorerst dahingestellt. Zunächst ist es wohl eher eine Verschiebung der Codes, eine (ersehnte) Transzendenz der Erscheinungsbilder ergibt sich daraus eben nur scheinbar. Aber genau die soll Mode in die Nähe von Kunst rücken.

Die Infragestellung ästhetischer Relevanz

Reines Art pour Art hat im Kontext der jungen Modeszene eigentlich nicht mehr viel zu suchen und insofern beschleunigt das natürlich auch die abnehmende Relevanz ästhetischer Maßstäbe im Sinne dessen, ob etwas einfach nur hinreißend aussieht, besonders elegant daherkommt oder vielleicht ein pfiffiger Streich in Sachen Sexyness ist. Solche Kriterien sind mehr oder weniger außer Kraft gesetzt beziehungsweise dürfen oft nur noch am Rande der Chicness der Schlagworte ihre Wirkung hinzufügen.

Aber das  Problem der Aufgabenverortung im gesellschaftlichen Leben stellt sich nicht allein in der Mode, die vorher vorwiegend sinnlich mit Geschmacksargumenten arbeiten musste.  Auch die Bildende Kunst riskiert es, teilweise die Bedeutung ästhetischer Wahrnehmung einzubüßen, wenn sie beispielsweise Themen wie soziale Ungerechtigkeit, Feminismus, Krieg, Klima- und Naturkatastrophen als Spiegel gegenwärtiger Lebensrealitäten und der heutigen Zeit zugrunde legt oder über den Schöpfungsprozess stülpt. Kurz: es geht in der jungen Mode (und oft in der Kunst) momentan nicht darum, die Welt schöner zu machen, sondern besser. Inwieweit diese Art Chic erfolgversprechend ist, bleibt abzuwarten. Jedenfalls ist es in der Zusammenschau eine neue und bemerkenswerte Schnittstelle, wenn auch nicht die einzige.

Digitalisierung und andere Schnittstellen

Gleichzeitig spielt die durchdringende Digitalisierung eine nicht zu unterschätzende Rolle in allen künstlerischen Bereichen, sowohl in angewandten Verfahrensprozessen als auch als Thema. Blicke auf die Zukunft und digitale Innovationen tauchen als Faszinosum und Experimentierfeld auf und auch hier – zumindestens in der Mode – müssen ästhetische Belange erst einmal zurückstehen. Immerhin sind die Erwartungen ästhetischer Erfahrung an Bildende Kunst dabei noch vergleichsweise hoch gesteckt.

Andere Schnittstellen, wie zum Beispiel das Skulpturale oder auch die Zeichnung, folgen ganz klassischen Gestaltungsmotivationen. Das sind oft sehr spannende Auseinandersetzungen, sinnlich, prozessual und manchmal nur auf rein formaler Ebene. In Sachen Konnotation verhält es sich umgekehrt: Symbolische Aussagemomente der Bildenden Kunst werden leicht als (scheinbar ausreichende) künstlerische Aussagemittel für sich genommen und damit oft von Designern abflachend mißverstanden und inflationär eingesetzt, um Sinnstiftung zu demonstrieren. Man findet leider mehrere Beispiele dafür in der Ausstellung.

Fragwürdiges Kunstverständnis

Was die Nutzung medialer Präsentation betrifft, droht die Vergleichbarkeit zwischen Kunst und Mode ebenso schnell fragwürdig zu werden. Die reine Übernahme eines künstlerischen Mediums macht die Darstellung noch nicht zu Kunst. War die Installation einst ein Medium der Bildenden Kunst – mit der Einführung des realen Raumes -, gilt sie hier per se als künstlerisch. Es bleibt aber durchaus offen, ob eine Installation mit Modeelementen, Fotos und symbolischen Objekten schon eine kunstidentische Darstellung ist. Diese Unterstellung erweist sich an vielen Stellen als besonders problematisch.

Es ist ein großer Verdienst der Kuratorinnen, eine breitere Palette abzubilden, als diese kritisch beschriebenen Aspekte – wie die nachfolgenden Erkundungen im Einzelnen deutlich machen. Leider zeigt das kleine Begleitheft zur Positions die Komplexität der künstlerischen Modepositionierungen nicht sehr kompetent auf. Hier gibt es statt der Allgemeinplätze noch Ergänzungsbedarf bei den künftigen Fashion Positions. Ein sympathisches Interview mit Danny Reinke ist da wenig stellvertretend für den inhaltlichen beziehungsweise künstlerischen Anspruch der Sektion, der ja durchaus vielschichtig ist und mit vielen tollen Beispielen auch überzeugt.

Die ausstellenden Modedesigner

BRACHMANN: Zeichnungen von den Capsule Collections „Cube“ and „Skins„.

Die Designerin Jennifer Brachmann hat außer Mode auch Architektur studiert und ist dem Bereich nach wie vor sehr verbunden. Sie sieht ihr Modedesign als gleichberechtigte Kunstform wie Architektur, Industriedesign oder Malerei ganz im Sinne der Bauhausphilosophie und entsprechend legt sie ihre Gestaltungskunst an und aus. Nicht die Trennung der Eigenheiten sondern den Zusammenhang mit den anderen Fachbereichen will sie aufdecken und so sind die aktuellen Zeichnungen mit der Durchdringung von Mode und Architektur grundlegendes Statement ihres Verständnisses und auch ihres gestalterischen Vorgehens. Sie sieht Architektur und Kleidung als jeweils eine Haut des Menschen, in der er lebt und die ihre Gestaltung ihm zueignet.

Bauhaus-Minimalismus prägt noch immer ihr Credo und die Grundlage ihrer puristischen Eleganz.

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KAREN JESSEN: „Liquid Bloom 2023„. Installation, Skulptur, tragbare Kleidung, neu erfundene Häkeltischdecke.

Handwerkskunst prägt die Arbeit der Designerin grundlegend und die Lust an skulpturaler Kreation führt sie ebenso in abstrakte Dimensionen wie Bildhauerei. Dabei entwickeln die subtilen Material-Gespinste in ihrer Leichtigkeit bewegte und anmutige Formen, die sowohl wie digitale Träumereien sich in und durch den Raum bewegen als auch (als tragbare Kleidung) den menschlichen Körper umschmeicheln können.
Karen Jessens Mode besteht aus Upcycling, hier verwandelte Tischdecken-Elemente.

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CRUBA: „Trash on Snow„, 2023. Videoinstallation. Holz, Papier, Bio Zellulose.

Mira von der Osten überführt den Modeprint auf Stoff in eine mediale Vision, wo aufprojizierte, bewegte und wechselnde Elemente die Oberfläche zu träumerischem Leben verwandeln. Chaotisch auftauchende und verschwindende Trash- und Körper-Fragmente („auf schwarzem Schnee“) suggerieren kreative Erscheinungsverwandlungen auf und in der Oberfläche des Textils.

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DAMUR: „77 lucky charms for 77 people„. Schuhe, Pflanzen, Textilien.

Shih-Sun Huang liegt neben der inclusiven Einebnung von sexuellen, kulturellen und auch modespezifischen Unterschieden die weitestgehende Gleichstellung von Allem am Herzen – insofern sind auch Kunst und Mode für ihn keine verschiedenen Aktionsfelder. Ästhetische Kategorien hält er für längst überholte Perspektiven:  ideele Statements prägen als Symbole die Essenz aller Erscheinungen. Der Formulierung dieser Wahrnehmung gilt sein gestalterisches Interesse, auch in der Mode. In seiner Installation stehen die Schuhe als Träger des öffentlich Erlebten am Tage und die Zimmerpflanzen für  häusliches Leben, alles fügt sich irgendwie zu einem offenen Tableau des (Er-)Lebens.

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DANNY REINKE x MANUELA KARIN KRAUT: „Lustgarden“ 2023.

Danny Reinke entnimmt gelegentlich aus der Bildenden Kunst Motivelemente für seine Musterprints. Größere Nähe zu Gegenwartskunst hatte seine Kollektionsschau auf der Fashionweek ss23 Berlin: Hier gab er der Künstlerin Manuela Karin Knaut kooperative Gelegenheit für eine Live-Performance, wo sie ein Recycling-Brautkleid auf dem Laufsteg bemalte. Die Installation verweist aber auch auf den starken Naturbezug, mit dem seine Modekollektionen entstehen.

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DEAD WHITE MEN’S CLOTHES: „DWMC No. 267 – No. 287„, 2023. Installation.

Jojo Gronostay hat Ghanaesische Wurzeln und lebt und arbeitet in Wien. Sein Label ist ein Kunstprojekt und Modemarke zugleich und beschäftigt sich mit den Mechanismen interkulturellen, -ökonomischen und -politischen Austausches. Indem er ausrangierte Kleidung aus dem Westen auf Ghanaesischen Märkten aufkauft, neu manipuliert und auf dem westlichen Modemarkt verkauft, kehrt er das Dominanzgefüge um.
Die Videoinstallation zeigt ein Fußballspiel, aufgenommen in seiner Heimat Accra und die Tricots der Spieler sind mit Überdrucken hin- und hermanipulierte Spielkleidung europäischer Clubs. Die Wechselbeziehung von Kleidung als Ausdruck einer Machtkonstellation dominanter Kultur zu einer aneignenden wird hier im politisch-künstlerischen Sinne hinterfragt und neu formuliert.

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DZHUS: „Thesaurus„, Collection 2023.

Irina Dzhus ist Ukrainerin und ging mit Kriegsausbruch in den Westen. Der Krieg hat in der Selbstreflexion eine Neubewertung tradierter Selbstverständlichkeiten ausgelöst und die Grundlagen der Modegestaltung neu und ganz anders positioniert. Nicht nur die inzwischen berühmte Multifunktionalität ihrer Kleidungsstücke rückt ihre Arbeit in den Bereich Konzept-Art, sondern auch die skulpturale und manchmal quasi dialektische Ästhetik sowie das Referentielle der Materialien.

Thematisch geht es Dzhus auch um Gender-Dresscodes, die sie auflösen und durch einen egal-archetypischen ersetzen will; dem folgt auch die ästhetische Klarheit, welche auch die originellen und verspielt-witzigen Einfälle dominiert.

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ESTHER PERBANDT: „curse and blessing„, 2-teilige Installation mit künstlichem Haar und Schuhen auf Holzblock.

Die fragile Kopfputzkonstruktion aus schwarzem Kunsthaar schwebt frei in der Höhe und die mit goldenen Nägeln auf einem schweren Holzblock befestigten Schuhe drücken auf den Boden. Der freie Raum dazwischen steht für die Lücke zwischen Utopie und Realität. Perbandt versteht sich als visionäre Performerin und Künstlerin, wobei ihre Mode, die sie oft in installativen Arrangements präsentiert (zuletzt auf der Fashinweek Berlin ss 2024), als ein Teil der ästhetischen Konstrukte verstanden werden soll.

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FADE OUT LABEL: „You Wear What You Are„, 2023. Upcycled Jeans, Macro Pailletten aus Tomatendosen, Wegwerfmaterialien

Das Victoria&Albert Museum beschreibt in einer Publikation Andrea Bonfinis Label als die innovativste  Patchwork-Marke der Gegenwartsmode und seine Arbeiten finden sich auch in diversen Kunstgalerien. Die rein abstrahierende Präsentation der mosaikförmlich zusammengefügten Denim-Stofffelder entwickelt eine selbständige formalästhetische Qualität, die auf Kleidungsstücke übertragen wird, so dass quasi getragene Kunst daraus wird. Hinzu tritt die Eigenschaft des gelebten und symbolischen Charakters (Rock-Rebellion) des Jeansstoffes, die die Objekte auflädt.

Inspiriert ist die Arbeit von der Dada-Künstlerin Elsa von Freytag Loringhoven (1874-1924) , die unter anderem Wegwerfkunst als Bekleidung entwarf.

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FIONA BENNETT: „Two Souls. One Hat„. 2023. Filz, Stroh, Seide, Papier.
Tales of a Travelling Milliner, Chapter 3, Justine Lauefer.

Die Hutmacherin Fiona Bennett versteht ihre Kopfbedeckungen auch als symbolische Objekte (Stichwort „unter einen Hut bringen“) und in dieser interaktiven Installation sollen sich zwei Menschen unter einem Hut verbinden. Gemeinsam mit Justine Lauefer, Fotografin, entwickelt Bennett Visualisierungen von Begegnungen, bei denen Kopfbedeckungen dann die Rolle eines „Storytelling“ einnehmen. Mit der symbolischen Funktion von Kleidung und der interaktiven Präsentation in diesem Sinne repräsentiert der Sinn von Mode aus dieser Sicht eine übergeordnete, quasiphilosophische Ebene. Mit den dadaähnlichen Fotocollagen werden weitere Bezüge zu Kunst angedeutet.

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THE OTHER GODS: „Gaia – an Ode to Earth’s Spirit„. 2022/23. Leinen Wolle, Baumwolle, Pailetten.

Einen mobilen Tempel als Ode an Mutter Erde und Natur, mit Aura und Evokation höheren Bewußtseins, haben die Textilkünstler Lena Voutta und Thoas Lindner gefertigt. Das handwerkliche Gebilde aus textilem Baumaterial, das eher behausende Kleidung assoziiert, und sein archetypisches Raumkonstrukt verbinden hier im spirituellen Leitmotiv Mode und Kunst.

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ISABELLA RUDZKI

Isabella Rudzki gehört zu den wenigen Kunstschaffenden, die sich gerne in allen medialen Ausdrucksformen bewegen und Mode und Schmuck gehören wie selbstverständlich auch dazu. Der Mensch und sein Körper stehen im Zentrum der Ideen, die physische Nonkonformität des Individuums und die Sensibilität der Mensch-Welt-Beziehungen sind Gegenstand ihrer umfassenden Auseinandersetzungen. Dem Körper, als Behausung von Geist und Seele verstehend, sind Normen, Gleichberechtigung, Lebensumstände, soziale Beziehungen und zeitgenössische Bilder davon inhärent – nicht zuletzt die existenziellen Grundlagen und Erfahrungen der Gegenwart. Mythen  aus der Vergangenheit interessieren Rudzki auch, denn die kreisten schon um dasselbe.

Mode und Schmuck für den Körper können als eine Facette, sich mit der Wesenheit Mensch zu beschäftigen, verstanden werden und dann liegt hier die Schnittstelle mit Bildender Kunst in demselben Leitinteresse.

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JENNY HAAS: „Be Lilith Not Eve„. 2023. Materialmix.

Jenny Haas‚ Label gibt es seit diesem Jahr und sie sieht sich damit inhaltlich sozialen Fragen und besonders dem Feminismus stark verpflichtet. Gleichzeitig testet sie die Grenzen zwischen künstlerischer Botschaft und tragbarer Mode und diese Installation mit Elementen ihrer Master-Kollektion will davon Zeugnis ablegen. Mit einer etwas eigen ausgelegten Vorstellung vom Lilithmythos aus der talmudischen Überlieferung (Adams erste Frau, geheimnisvoll, verführerisch und zugleich unheildrohend), führt die Jungdesignerin in einer erzählerischen, ideell geprägten Material-, Objekt- und Bildcollage mit symbolischem Brautkleid angesagte Slogans („be xxx!“, „My dress is not a Yes!“) vor, die Frauen aufrufen sollen, ihr Selbstbild vom Patriarchat zu befreien und emanzipiert neu zu bestimmen. Damit liegt frau ja immer richtig. Die kreative Vielseitigkeit gestalterischer und handwerklicher Darstellungsformen kann hier als junger, künstlerischer Impuls verstanden werden.

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Vera KOCHUBEY: „Magicians Dream„. 2023, Installation.

Im Kontrast zum Grau ihres Heimatlandes (geboren in der UdSSR) findet Vera Kochubey eine künstlerische Alternative mit farbenfrohen, lebensbejahenden Motiven, die der Pop-Art der 80er Jahre entspringen und bei ihr als Gemälde oder Prints sowohl auf Leinwand als auch auf Kleidung  und Objekten erscheinen. Camp in Reinform und wie er Spass macht und ähnlich wie man ihn zum Beispiel auch bei dem Berliner Künstler Kiddy Citny findet.

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LAURA OBST: „A Game of Dualities“. 2023, Steinpaste, Bauschaum, Karton, Lack.

Mit ihren Modeentwürfen (Material ist vorzugsweise gebrauchtes Leder) sucht die junge Master-Aspirantin von der Kunsthochschule Berlin Weißensse ihre Verbundenheit mit der Natur auszudrücken. Die Rauheit und Strukturen von Stein und die Grandiosität von Bergen sind besonders kraftvolle Motive, die sowohl die Oberflächen wie die skulpturalen Formen ihrer Darstellungen beziehungsweise Entwürfe prägen und die als gestalterisches Kraftfeld sowohl für sich stehen als auch in bildhauerisch geprägter, abstrakt-modischer Stoffkonstruktion formuliert werden.

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PUGNAT: „Unstrickbar & Pieces – autumn/winter 23/24„, 2023. Zeichnung auf Papier, handgestricktes Kaschmir.

Antja Pugnat entwickelt beim Stricken genau wie beim Zeichnen Gebilde, die während des Tuns entstehen. Ab einem bestimmten Punkt notiert sie die experimentellen Stichkombinationen ähnlich wie ein Komponist seine entstehende Musik.
Den Prozess des Zeichnens und den des Strickens versteht sie als gleich.

Gleichwohl geht die Zeichnung mit ihren gestischen Möglichkeiten und ihrer frei-autonomen Linie über die Grenzen einer gestrickten Konstruktion hinaus. Die hier gezeigte Arbeit bezeichnet Pugnat entsprechend als „unstrickbare“ Entwürfe.

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SIRÉE SOLAN: „Asphyxia„, 2020. Gips, Alginat, Stoff, Schaufensterfigur.

Die Installation illustriert Darstellungen aus Dantes „Göttlicher Komödie“. Mode, Theater und Skulptur werden hier medial verknüpft, um ein künstlerisches Idealwerk der italienischen Frührenaissance zu versinnbildlichen und in die Moderne zu transferieren. Die Kleidung erhebt sich aus den rettungsuchenden Händen des höllischen Infernos und wird zu einem skulpturalen Gebilde (Vergil), das über sich hinaus wächst und damit eine höhere Authenzität erreicht. Die Kleidungsentwürfe transzendieren die kulturelle Erfahrung und das Erleben ihres Lebenswegs, wie die Designerin selbst erklärt.

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STEFAN UHR: „Babiosch Bojka – Uhraufführung“ 2023. Installation. Organisches Popeline auf Leinwand, Holz, Bügel, Bluse, Kleid, bestickter Holzrahmen.

Stefan Uhr studierte Kunstgeschichte vor Modedesign, das repräsentiert seine vielseitigen künstlerischen Interessen – Popkultur, Mode, moderne Kunst. Babiosch Bojka (schlesisch) bezeichnet laut Ausstellungstext „das Märchen über den femininen Mann“. Uhr reflektiert damit Genderproblematiken und indem er seine Kleiderentwürfe von geschlechtsspezifischen Models befreit, stellt er sie nicht nur frei, sondern heftet sie auf eine Leinwand, um die ästhetische Aura an sich zu zeigen, ohne geschlechtlichen Bezug. Doch damit nicht genug, das Weitere ist viel spannender.

Uhr beläßt die Präsentation nicht nur als „Kunstbild“ sondern formt das aufgeheftete Objekt prägnant neu und gestaltet die Untergrundfläche wie das aufgetragene, abstrakte Blusenmuster. Dekoration und Malerisches kommen damit zur Deckungsgleichheit, das ist der eine Aspekt, der andere stellt den skulpturalen Reiz des (plastisch ausgeformten) Kleidungsobjektes gegenüber der Fläche heraus. Es erscheint wie ein Wahrnehmungsspiel zwischen Malerei, Plastik und Modekleidung.

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THE HUMAN TOUCH (Juliet Seger): „Installation„. 2023. Textilfarbe auf Baumwolle, Polyesterfaden, synthetische Knöpfe, Metallbügel, Nägel und Nadeln, Nähmaschine, Hohlblöcke, Digitaldruck auf Karton.

Die Labelgründerin Juliet Seger beschäftigt sich mit menschlicher Arbeit bei der Herstellung von Kleidung und dem aktuellen Einfluss, den der digitale Wandel moderner Industrie auf die Produktion hat. Sie versteht Nähtechnologie als eine soziale Technologie, die den „Human Touch“ vermittelt. Mit „Paint-Sewing“, also „malendes Nähen“, bei dem die in Farbe getauchten Finger beim Arbeiten Spuren auf dem Objekt hinterlassen (und auch auf der Maschine), macht sie das Handwerkliche sichtbar und  drei der Hemdfragmente an der Wand zeigen dies, bei dem vierten, weißen, bleiben die Fingerspuren (ohne Farbe) unsichtbar.  Ähnlichkeiten der drei Erscheinungsbilder kennzeichnen die Massenproduktion. Die komplette Fertigstellung eines Hemdes ist nur von Hand möglich, ein Exemplar wird auch gezeigt.

Das scheinbar Aleatorische der Farbspuren verselbständigt sich zu einer ästhetischen Anmutung, die nur durch den handwerklichen Prozess entstehen kann und denselben damit gewissermaßen adelt. Erst die Kenntnis dieses demonstrativen Verfahrens enthüllt die didaktische Botschaft dahinter.

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INGRATO: „Babel: The Lockdown Collection„. 2023. Wolle, Metall, Steine, Video.

Sebastián Plaza Kutzbach alias Ingrato ist ein Textilartist aus Chile, der sich von der Aussagekraft symbolischer Darstellung angezogen fühlt. Die Installation zeigt Elemente seiner während des Lockdowns gezeigten Babylon Fashion Show: ein mit dem Jokerkartenmotiv versehener Sweater auf einem Metallgerüst, drei gestrickte Teufelsmasken sowie ein Videoscreen dazwischen, auf dem die Show gezeigt wird. Während der Lockdown allgemein eher für Chaos, Gefangenschaft und Entwurzelung steht, sieht Ingrato diesen unter dem Aspekt „Babylon“ ins Positive gewendet, nämlich als Fähigkeit zu Inspiration, Anpassung und Improvisation – also als Essenz kreativen und künstlerischen Tuns.

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VICTORIA ROST: „Object Oriented„. Kollektion 2022. Neue Wolle, Schaum.

Die Modedesignerin beschäftigt sich mit reinen Formen und der Frage, ab wann diese als Kleidung tragbar sind. Also der Unterscheidung von (Skulptur-)Objekt und Kleidung. Welchen Effekt hat die Auflösung der entsprechenden Grenzen? Mit neuen Formen, Funktionen und Volumen werden Kleidung neue Parameter der Wahrnehmung zugeteilt, die sich eher auf der Ebene des Künstlerisch-Abstrakten vollzieht und Fashiondesign ästhetisch neu und rein formalistisch befragt.

Dies rettet 100 Jahre alte Basisüberlegungen in die Gegenwart, denn es knüpft an Oskar Schlemmers ähnlich gedachtes Bauhausballett an, auch die Modeabteilung des bauhauses und die russischen Konstruktivisten der 1920er Jahre konzipierten Modeentwürfe vergleichbar.

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Das Konzept von Victoria Rost und der Bezug zum Beispiel zu den russischen Konstruktivisten (z.B. Ljubow Popowa und Warwara Stepanowa) zeigt auch, dass Mode und Kunst nicht zum ersten Mal Schnittstellen ausloten und nutzen. Der Gedanke hat seitdem unter anderen mit Yves Saint Laurent, Jil Sander oder Stella McCartney eine Fortsetzung gefunden, zumindestens in den formalen Zugriffen. Und auch Überlegungen zu funktionalen und industriellen Perspektiven sind nicht ganz neu, wenn auch diese früher eher industrie-fortschrittlich ausgerichtet waren, was heute zu Recht ganz gegensätzlich infrage gestellt wird. Gesellschaftlich revolutionär waren sie immerhin auch, schon insofern, als die Identität von Kunst und Design behauptet und gelebt wurde, sogar als soziales Konstrukt (welches dann allerdings im Gang der Geschichte scheiterte). Dieser Ansatz liegt vielen Designern offenbar wieder sehr am Herzen.

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Aus der Sektion Positions, umgekehrte Bezugnahmen

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Liegestuhl-Installation des Veranstalters (interaktiv):

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Text & Bilder: Boris Marberg

„braveNEWworld“ nennt Rebekka Ruétz mutig ihre neue Kollektion.
Wuchtige Silhouetten und Asymmetrien in den Konstruktionen prägen die meisten der 34 Looks. Vielfach wird auf Stoffe der Raumausstattung zurückgegriffen, die schimmernd sind oder griffige, räumliche Strukturen und Texturen haben. Gepaart wird dies mit den Oberflächen von Überbleibseln funktioneller Stoffe für Wintersportbekleidung, die isolierend sind. Die vielen A-Silhouetten sind in die Breite gehend mit teilweise üppigen Volumen und die Flächen sind gebrochen oder öffnen den Blick auf  Spitzenunterwäsche. Dies bringt eine neckische, sexy Sichtweise in die Kreationen. Es stellt sich der Eindruck eines kubistischen Ansatzes bei den Flächenkompositionen ein – insbesondere bei der Oberbekleidung. Die Kreationen werden fast durchgängig mit Bändern und Gürtel abgeschlossen, so dass Konturen entstehen, welche die Flächen hervorheben und dass das Styling unterstreichend mit Blickfängen auflockert wird. Die Designerin greift als Quelle für das Material in dieser Kollektion ausschließlich auf vorhandenes recyceltes Material und Reste zurück.

Farblich spielt Ruétz mit dem Wechsel von warmen und kühlen Farben. Neben Lila und Türkis finden sich Schwarz, cremiges Weiß, Rot und Gelb bis Ocker.

Der Titel der Kollektion impliziert radikale Änderungen und Sichtweisen, um (vermeintlich) als Kulturgesellschaft bestehen zu können und ist aktuell mit Vorsicht zu genießen. Es werden Erwartungen an Mode und Konsum thematisiert. Die „schöne neue Welt“ ist als Begriff geprägt von der vermeintlichen Dystopie einer Gesellschaft, die Aldous Huxley 1932 literarisch als ein Gesellschaftsmodell beschreibt, welches alle Impulse und Bestrebungen zu Veränderung von gesellschaftlichen Strukturen wie Indoktrination, Konsum, Drogen und primär der Unterdrückung aller sexueller Befriedigung auslöscht. Aus dieser Sicht wäre das Kollektionsmotto kontraproduktiv. Mode ist per se körperlich und Mode lebt von der Lust sich auszudrücken und wird von Modedesign in einen vorhandenen zeitgenössischen Kontext gebracht und formiert.

In der globalen Krise wettstreiten Konzepte der Nachhaltigkeit mit dem nicht bremsbaren Wuchern des Konsumdiktats. Rebekka Ruétz fühlt sich einer nachhaltigen und verantwortungsvollen Produktion verpflichtet und griff wie beschrieben für diese Kollektion komplett auf recyceltes Material zurück. Die Materialwahl und die Präsentation mit Ski-Brillen führt uns zur Assoziation mit alpinem Wintersport – der nicht gerade als ein Paradebeispiel für Nachhaltigkeit und verantwortungsvolle Lebensweise verstanden wird. Er ist mit Klischees behaftet und massiv die Umwelt belastend. Die Überreste dieser funktionalen Sportbekleidung versöhnlich in neue Formen und Verwendungen zu bringen vermag hier womöglich einen Impuls zu setzen.

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Bilder: Boris Marberg

Text: Boris Marberg & Gerhard Paproth

Adidas auf der Berliner Modewoche mit einer revolutionären Vision von neuen Wegen in der Modeindustrie? Kaum. Und schon gar nicht bei PLATTE.Berlin. Denn das Berliner Label versteht sich als ein Raum für Nachhaltigkeit in der Modeindustrie und Konsum. Eine etwas täuschende Ankündigung dieser Veranstaltung sorgte im Vorfeld für irritierte Erwartungen, die auch in den Medien geschürt wurden.
Mit der Mode- und Kunstperformance „own the Reality -Realitywear“ mit The Yes Men (dieser Partner wurde verschwiegen) hat PLATTE.Berlin nämlich keine eigene Modenschau im üblichen Verständnis veranstaltet, sondern im solidarischen Sinne Ort und Gelegenheit bereitgestellt, gleich zu Beginn der Modewoche in Berlin mit einer sinnverkehrenden, spektakulären und irritierenden Laufstegschau den Kritikern eine neue Deutungsversion über den Konzern Adidas zugespielt.

Adidas-Kleidung wurde von den beiden Designerinnen Isabell Schnalle und Paula Keilholz, welche das kreative Duo „Threads and Tits“ bilden, zerlegt, bizarr wurden Elemente zusammengefügt und rabiat wurde das Markenlogo den Modellen auf die Haut eingebrannt – „Branding“ hier ganz wörtlich dargestellt. Die Personen werden damit nach außen als Eigentum des Konzerns kenntlich gemacht. Ein Besitz- und Eigentumsanspruch, der demzufolge im Denken und im Selbstverständnis des neoliberalen Unternehmers als tief verwurzelt gebrandmarkt wird und sich nur marginal von der menschenverachtenden Gesinnung von Sklavenbesitzern der Kolonialzeit unterscheide. Das Logo von Modemarken – im Falle von Adidas die drei Streifen – werden zu Gitterstäben eines kapitalistischen Gefängnisses umgedeutet.
Sowohl der Arbeiter(sklave) in seiner Abhängigkeit, als auch der Konsument, der sich mit dem Logo „schmückt“, sind dem Diktat des Konzerns auf unterschiedlichen Ebenen verhaftet.

Viele solcher visuellen Um- und Ausdeutungen führten zu bizarren Bildern, regten zum Nachdenken an und diese Schau legte den Finger in die Wunde des solcherart verzerrten und demontierten Konzernbildes. Ohne Frage kann und muss viel Kritik an den internationalen Konzern, dessen Ressourcenverschwendung und den Umständen der Produktion, der Lieferketten und dem Ausbeutungssystem in der Herstellung geübt werden.
Die irreführende Ankündigung und die spektakuläre Wende mit der Performance hat ihr Ziel nicht verfehlt, denn zahlreiche Modeblogger und Journalisten haben die lancierten (diffusen und gefälschten) Pressemitteilungen und -informationen für bare Münze genommen, eifrig in ihren Medien weiter geleitet um dann – nach der Schau – in Windeseile zurück zu rudern und ihre Artikel aus dem Netz zu nehmen.

Bekanntlich ist Adidas nicht der erste Konzern, der ins Visier des Formates von The Yes Men und deren Kreativumfeld gekommen ist. Dass Adidas sich bei Kritik auch bewegen kann, wurde im Falle von Kanye West im Zusammenhang mit antisemitischen Äußerungen klar. Das schadete bislang aber nachhaltiger dem Firmenimage, als die ebenfalls bekannte ausbeuterische Produktion und Ressourcenverschwendung.

Zu Recht wird diese Kritik auf der Modewoche in Berlin, die sich seit Jahren als zentrale Veranstaltung für insbesondere Nachhaltige Mode verstehen möchte, geübt. Unter anderem Upcycling wird hier von verschiedenen Designern als geeignetes alternatives Herstellungskonzept betrieben und weiterentwickelt.

Ein spannender, geistreicher und interessanter Einstieg in die Modewoche.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Neo.Fashion ist als eigenständige Veranstaltungsplattform nicht mehr in Sachen Modedesign aus Berlin wegzudenken und fasst die Präsentationsmöglichkeiten einer Vielzahl von Hochschulen in Deutschland zusammen. Sie bietet dabei ein einheitliches Präsentationskonzept für deren Absolventen, wie auch einen Zugangs- und Treffpunkt mit dem Fachpublikum, welches nach dem Nachwuchs Ausschau hält.

Bereits zum sechsten Mal konnte die Veranstaltung stattfinden. Diese Saison fand in Berlin-Oberschöneweide, in den Reinbeckhallen statt. Der Ort ist fernab der Stadtmitte und damit auch räumlich offensichtlich getrennt vom übrigen Modetreiben während der Berliner Modewoche. Ein kurzes Vorbeischauen, um nach neuen Talenten zwischen den anderen Präsentationsterminen zu suchen, gestaltet sich damit während der dreitägigen Veranstaltung schwierig. Auch das Angebot Gastkollektionen von Designern, aus zum Beispiel Äthiopien in Kooperation zu präsentieren, oder Absolventen von der Nationalen Universität für Technologie und Design Kiew zuzuschalten und in einer eigenen Schau Teilnehmenden der „Ukrainian Fashion Week“ eine Plattform zu bieten, konnte die Distanz zur allgemein sehr ausgedünnten Berliner Modewoche nicht überzeugend überwinden. Die mehr als ein Duzend Schauen können deshalb als eigenständige Veranstaltungsreihe gesehen werden.

Auch die AMD Akademie Mode & Design hat im Rahmen der Neo.Fashion Absolventen die Möglichkeit geboten, ihre Abschlusskreationen einem interessierten Fachpublikum zu präsentieren. Die AMD steht dabei mit ihren fünf Standorten in Hamburg, München, Düsseldorf, Berlin und Wiesbaden und insgesamt 12 Studiengänge, die als Master oder Bachelor-Studiengänge ausgestaltet sind, bilden ein weites Spektrum um sich im Wirtschaftsbereich Mode akademisch zu positionieren. In der entsprechenden Schau präsentierten neun junge Talente ihre Entwürfe. Pascal Garcian Dyrna, Helen Eisen, Lisa Faust, Lea-Sophie Hein, Klara Kazani, Rachel Sitting, Liv-Paulina Sailer, Deniz-Can Sayim und Joyce To zeigten jeweils eine Handvoll Looks, die ein weites, kreatives Spektrum darstellten.

Liv-Paulina Sailer
Mit der Betitelung HIRAETH – Polarities of nostalgia and its influence on today‘s society trifft die junge Designerin einen nostalgischen Punkt in der zeitgenössischen Sichtweise auf Mode und die Rückbesinnung auf Formgebungen der vergangenen Jahrzehnte. Weite Schulterpatien und üppige Silhouetten zeichnen die Looks ebenso aus wie klare Brüche bei den Flächen auch durch die Farbwahl.

Lisa Faust
Die Designerin wurde noch vor ihrem Studium 2018 als beste Näherin des Ausbildungsgangs in NRW ausgezeichnet. Dass solides Handwerk hier bei der Kollektion mit dem Titel Anomalia eine große und überzeugende Rolle spielt, fällt sofort angenehm auf. Sehr schön gelingt es der Designerin wuchtige Volumen und stimmige Silhouetten umzusetzen. Farblich findet sich ein klarer Roter Faden im Konzept, der auch visuell in den Looks zu finden ist. Bis zu den Schuhen ist die Abschlusskollektion durchdacht und stimmig.

Deniz-Can Sayim
Der junge Designer benennt seine Kollektion „Alman Kanacken“ und spielt damit auf Doppelidentitäten in Milieus von Menschen mit Migrationshintergrund an. Nicht angekommen sein in einer Gesellschaft und dabei eigene Werte und Normen unterdrücken nennt er als thematischen Hintergrund. Die Abschottung und Verpanzerung zeigt sich auch in den mehrsichtigen Looks, die auf grobe und feste Materialien zurückgreifen. Die Werke wirken wie in der Zeit steckengeblieben, sich lösen wollen – aber es dennoch nicht schaffen. Stabilität wird in den Raum gestellt.

Helen Eisen
Perfect Human – Der Titel wirkt etwas losgelöst von der Kollektion und konstruiert. Die zeitgenössische Auseinandersetzung mit der Perfektion kann nicht gelingen, das Ziel könnte stattdessen die Makellosigkeit sein, die von verschiedenen Standpunkten aus betrachtet Diversität und Vielfalt ermöglicht. Geschickt wird mit Details und Flächenschichtungen gespielt. Eleganz wird aufgetragen und soll durchdringen.

Joyce To
Verspieltheit drückt sich in der Kollektion „Protagonist between earth and nowhere“ aus und setzt dies visuell durch die Wechselbeziehung von Mustern und Flächen um. Volumen und Silhouetten bleiben vergangenen Jahrzehnten verhaftet und kokettieren mit modischen Sichtweisen der Arcade-Generation der 1970er und 80er.

Klara Kazani
Schlicht „married to my body“ – ein Statement. Aus dem eigenen Körper kommt die Protagonistin nicht so leicht raus. Muss sie auch nicht. Sehr fein schafft es die Designerin ansprechende minimalistische Looks zu kreieren, die sowohl verspielt als auch tief ausdrucksvoll sind.

Lea-Sophie Hein
Konzeptionell eine der interessantesten Kollektionen im Rahmen der Gesamtveranstaltung. SKIN HUNGER “The power that touch exerts on us humans” – umfasst einen wichtigen Aspekt von Mode, das Haptische -menschliches Grundbedürfnis nach Berührung und Begegnung. Dick eingepackt und geschützt stiefeln Protagonisten durch die Zeit mit ihren Herausforderungen und wollen doch Mensch sein. Keine einfache Aufgabe, aber sie ist es wert behandelt zu werden.

Pascal Gracian Dyrna
MASC – eine tiefgehende Auseinandersetzung mit dem Bild von Männern und Mode, dem Bild von sich selbst im Kontext des Zwanges der Uniformität des Maskulinen versus der gewonnen (vermeintlichen) Freiheit des Werblichen in der Mode. Die Polarität und Dualität ist schon lange im Schwanken, denn es gibt diverse andere Pole welche Anziehungskraft haben.

Rachel Sitting
Mit der Kollektion „RISS – Beauty’s Beast“ zeigte die junge Designerin ein gekonntes Spiel mit tradierten Sichtweisen auf Mode und das Weibliche. Verspielte Silhouetten und luftige Materialien suchen nach Kontrasten und finden diese.

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Berlin Fashion Week – Spring/Summer 2023 – Ready-to-Wear

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Marcel Ostertag gehört zu den wenigen Designern, die der Berliner Fashionweek treu bleiben, auch jetzt, wo sie sich noch auf Talfahrt befindet. Dabei sind seine Kollektionen, im Gegensatz zu den neu erscheinenden Protagonisten, eher nicht wirklich revolutionär in dem Sinne, dass sie den Zeitgeist spiegeln. Im Gegenteil. Wir sehen neue Varianten der spielerischen Besetzung relativ konventioneller Silhouetten mit Bändern, Fransen und höchstens leichte Abweichungen von konventionellen Schnittarchitekturen. Damit verortet sich Ostertag, der sich früher gern als Erneuerer stilisierte, nun eher im kommerziell angepassterem Segment, wenn auch durchaus verspielter und liebevoll in der Individualkonzeption und -Fertigung der einzelnen Looks.  In diesem Sinne gelingen ihm durchaus eine Reihe schöner Modelle, nicht unbedingt kohärent als Kollektion, aber doch im Sinne eines Frauenbildes, das mit verspielten Applikationen, romantischen Prägungen, bequemen Silhouetten, leicht exotischen Prints und zarten Farbnuancen über das Durchschnittliche hinaus agiert. Zusätzlich gelingt ihm dabei auch ein gewisses Maß an Eleganz für den Alltag, heute selbstverständlicher als früher. Insgesamt umschreibt sich der stilistische Kosmos des Berliner Designers prägender und selbstverständlicher.

Sicher ist Ostertag nicht der einzige Designer auf der Berliner Fashionweek, der die konventionelle Couture (mit ein paar attraktiven Zusätzen) repräsentiert, ähnlich wie zum Beispiel auch Aline Celi herangeht, aber immerhin wird eine stilistische Handschrift erkennbar, die sich einigermaßen souverän in diesem Feld behaupten kann und die versucht, ohne Trendverpflichtungen modern und zeitlos zugleich aufzutreten. Im Sinne von ready-to-wear passt sein Konzept recht treffend, und das, auch erwähnenswert, nicht nur auf junge und idealschlanke Frauen gerichtet.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Mit Laura Gerte präsentierte sich auf der großen Bühne der Modewoche in Berlin jemand, auf die zahlreiche Modebegeisterte in der Branche seit knapp zwei Jahren ihre Hoffnungen setzen. Seinerzeit fiel die Bachelor Studentin von der Weißensee Kunsthochschule Berlin bereits mit ihren Entwürfen auf.

Es sei der neue Berliner Look, in welchem sich auch die Mode der Nullerjahre wiederfinden würde, liest man zum Beispiel. Ja, die Kollektion, der Stil hat etwas von Post-Punk und New-Pop, ausgelassenem Spass in jedem Fall. Die Looks sind von zeichenhaften Bildpartikeln und wilden  Silhouetten geprägt. Es entstehen bei der Designerin Schnitte, die mutige und schräge Flächenkompositionen ermöglichen und viele Richtungswechsel zusammen fügen. Durchlöchert sind die Looks ebenso wie zerfetzt. Wulstig wird in den Raum gegriffen, Bänder und Fetzen beleben die Konturen. Nachhaltig soll es sein und das soll man auch sehen. Denim prägt und fokussiert die Mode von Laura Gerte auf die Straßen der Großstadt und die Clubs der Stadt, in denen Multisex der neue Kristallisationspunkt der eigenen Identität ist. Rollen und Geschlechterzugehörigkeiten verschwimmen, humorvoll wird ihre Lebensfreude hervorgekehrt und Minderheiten wird eingeräumt, durch Diversität die zeitgenössische Deutungshoheit zu haben. Die Asymmetrien in den Looks spiegeln das zeichenhaft in dieser modischen Wahrnehmung wieder.

Laura Gerte vermittelt spielerisch und fundiert mutig, wie Neues entstehen kann, ohne die Wurzeln in nicht allzu Vergangenem zu ignorieren. Darüber hinaus liegt ein Verlangen in der Luft, sich ausdrücken zu können, ohne damit ästhetischen Normen verpflichtet zu sein. Der Mix aus vorgefundenen Alltagstrends, Fantasie und Schneiderkunst frappiert zuweilen, eine ostentative Provokation des Establishments findet sich damit aber ebenso wenig wie eine radikale Positionierung der Jungen Generation. Diese kann sich zwar in ihrer Eigendefinition der Geschlechtlichkeiten austoben, die ideologische Stellungnahme gegenüber der gesamten Gesellschaft wird zwar impliziert, im expliziten Sinne aber anders, politisch auf der Straße ausgetragen – so lässt sich Laura Gertes Kollektion als integratives Gestaltungsstatement verstehen: Fridays for Future um die Welt zu retten und Multisex für die Party im Club.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Boris Marberg

Als einer der wenigen bekannten Designer aus Berlin hat Danny Reinke mit einer eigenen groß angelegten Schau seine Fans und das Fachpublikum im Kühlhaus als Teilnehmer der Berliner Modewoche überzeugt.

Bereits die vorangegangenen Kollektionen konnten uns immer wieder überraschen und mit der hohen Qualität ansprechen. Produziert wird konsequent lokal direkt in Berlin mit nachhaltigem Ansatz. Das zurückhaltende „Understatement“ der letzten Kollektionen wird beibehalten und wieder mit feinen Akzenten unterstrichen. Eine warme und ansprechende Farbpalette verbreitet Optimismus und Lebensfreude, die im urbanen gut tragbar ist und den individuellen Charakter unterstreicht. Schimmernde Stoffe und Griffigkeit werden wohltuend umgesetzt und tragen den Stil der wie immer überwiegenden Einzelstücke. Auch für den urbanen Mann finden sich (erstmals gezeigt auf der Schau) verspielte und „glatte“ Looks.

Die weißen Kleidern wurden in der fast als „do it yourself“ – Performance dann bemalt. Dies hat Nähe und Bezug zu den Entwürfen geschaffen und vielleicht auch etwas Mut gekostet, als zum Schluss auch die Gäste am Kleid Hand anlegen konnten.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine eigene Abteilung auf der wohl relevantesten Kunstmesse Berlins für Modedesigner ist, wie auch schon im letzten Jahr gestartet, ein einladendes Entgegenkommen der POSITIONS. Verschmolzen sind die Abteilungen noch nicht ganz und die Mode fügt einen eigenen Titel (Fashion Positions) hinzu – es ist gut, dass da noch nicht alles in einen Topf geworfen wird. Aber trotz allgemein verschiedenen Bereichen sind im Raum die Übergänge dazwischen fließend und die Modeleute wollen das offensichtlich auch so verstanden wissen.

Auf den ersten Blick scheint das auch einleuchtend, denn Modedesigner entwerfen auch Künstlerisches und arbeiten auch in künstlerischen Prozessen. Wenn dann das Künstlerische als Print auf Kleidung aufgebracht wird, bleibt das Ergebnis Kunst? Wenn erkennbar modegestalterische Verfahren zweckfrei (also ohne Kleidung) zu großen Bildern gelangen, gehören die dann in eine Kunstausstellung? Und wenn eine Modeschöpferin mit einem Künstler interagiert, wechseln sie damit ihre Standorte? Alle ausgestellten Arbeiten der Modedesigner referieren auf solche Bezugnahmen auf unterschiedliche Weisen und rücken ihre Arbeit damit durchaus sinnvoll in die Nähe der Kunst auf der Kunstmesse, offenkundig übergriffig ist die Selbstpositionierung noch nicht. Aber der Kunst- oder Modeinteressierte muss an dieser Stelle sein Definitionsbild überprüfen oder auch korrigieren und mit der Auflösung des Kunstbegriffes und möglicher Definitionen dazu wird der Horizont nun noch flauer.

Am besten ist es wahrscheinlich, man sieht das Problem sportlich, denn in den meisten Fällen sehen die ausstellenden Modedesigner das auch so und die Künstler beziehungsweise Galeristen äußern sich in der Regel generös oder partnerschaftlich, wenn man mal nachfragt. Erstens spielt ja auch der Konkurrenzgedanke hier keine Rolle und zweitens weiß auch jeder, dass das künstlerische Niveau auf dieser Kunstmesse ein sehr breites Spektrum hat. So gesehen sind die künstlerischen Ambitionen der Modedesigner sehr erfrischend oder ihre Verweise auf zentrale Inspirationen überraschend.

In diesem Sinne ergänzen wir unseren optischen Parcours mit einigen Randbemerkungen, Gedanken und Zitaten. Die meisten Designer präsentierten schon Arbeiten auf der letztjährigen POSITIONS, grundsätzliches ist darum nicht neu.

Julia Bajanova – Elevated Politics: Ihre neue Kollektion transferiert weibliche Symbole wie Schuhe in die Materialität von zarten, transparenten Dessous, eine Mischung aus surrealer und sozialkritischer Betrachtung, gestalterisch freier Reflexion sinnlicher und politischer Implikationen. Die Pragmatik von Modedesign wird ad absurdum geführt.

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Damur – How many Pants do you have?: Das Label hat auf seiner grüne Schautafel mit der roten Schrift die Illustration ausgetauscht und ein aktuelles Schauobjekt (zum Thema Upcycling) dazu gestellt. Seine Referenz zu Kunst ist einfach: Da aus seiner Sicht Ästhetik in unserer Zeit kein Gestalt-Kriterium mehr ist, ist ein Gedanke oder ein visulles Konzept dieselbe Basis und Essenz für Kunst und für Design.

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Schmitd – Moiré Duvets: Die Oberfläche von Moiré-Stoffen verändert sich dauernd im Flusse von Bewegung – des Materials oder des Betrachters. Sogar im Sinne dreidimensionaler Tiefeneffekte. Für die Modedesignerin eine Analogie zu Träumen und Oszillation des Geistes, was die Pragmatik von Kleidung ersetzt durch abstrahierte Fantasien, die das Material und seine funktionale Form verlassen.

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Lou de Bètoly arbeitet schon lange sehr frei. Es spielt für sie kaum eine Rolle, ob sie ihre spielerischen Gestaltungsexperimente und Textilen als Kleidungsstück macht oder als ein Bild für die Wand. Das Anliegen, der Leitgedanke sind identisch.

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Claudia Skoda: Die Modeschöpferin hat ihre Arbeit seit den 80er Jahren schon immer im Kontext der künstlerischen Szene Berlins angelegt, sowohl was die Bedeutung als auch was die Gestaltung betrifft. Sie zählte zum künstlerischen Personal wenn es um Festivals und medienübergreifende Performances ging und inszenierte ihre Modearbeit auch meist in dem entsprechenden geistigen Kontext und Stil. Sie verstand ihre Modegestaltung selbst als Kunst. Es war quasi revolutionär, dass Mode Teil der Punk und New-Wave-Bewegung war, wenn auch auf andere Weise als Vivienne Westwood, die ja nur die radikalen Outfits für die Punk-Bewegung kreierte.

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Atelier Elle Pé – Luisa Pflüger & Alessandro Ametta: Luisa Pflüger macht Schmuck aus Bambus, der in ihrem Garten wächst. Eher schwer wirken die manchmal opulent wirkenden Objekte, sind faktisch aber ganz leicht. Neben diesem Narrativ ergibt sich die Verbindung zu Kunst aus der Arbeit im selben Atelier mit dem Fotografen Alessandro Ametta, von dessen Farbambientes und ästhetischen Konzepten sie sich zu Ideen und Umsetzungen inspirieren läßt.

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Blaucraut: Die Nähe zu Kunst erschließt sich bei der Blaucraut-Präsentation nicht zwangsläufig, auch wenn die formale Gestalt etwas bizarr oder frei-abstrakt daher kommt. Aber diese Kombination, die den praktischen Zweck verläßt, macht es vielleicht schon aus.

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Brachmann & Axl Jansen – Mies van der Rohe Haus Berlin: Schon seit geraumer Zeit arbeitet Brachmann projektartig an Architekturmonumenten der Moderne und versucht, deren stilistische und konzeptuelle Merkmale auf Kleidungsgestaltung zu übertragen. Und damit auch die entsprechende Leitidee. Sie arbeitet dann auch mit gleichgesinnten Fotografen (bzw. Videomacher) zusammen, auf deren Fotos (Filmen) die formstilisierten Ergebnisse, zum Teil auf wiederum neue Ebene gehoben, zu einem schlüssigen Ganzen zusammengebracht werden.

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CRUBA – Bónding: Die Arbeiten von Cruba sind nicht selten Ergebnisse weitreichender Gedankenspiele, die sich aber nur schwer „zurückverstehen“ lassen. Die hier gezeigten Arbeiten beziehen sich laut Infotext auf die Monte-Verita-Bewegung, eine kleine Reformergruppe aus dem Beginn des 20. Jahrhunderts. Das Zusammenspiel von Kleidung und Tanzbewegung symbolisiert für die Designerin eine ganzheitliche, naturverbundene Kooperation, in diesem Sinne gestaltet sie die Silhouetten. So verstanden sind die Sachen weniger aufs Tragen hin konzipiert sondern eine an Kleidung angelehnte Visualisierung einer Weltanschauung.

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Equipe Berlin ist ein Zusammenschluss von vier Berliner Modelabels mit nachhaltigem Ansatz und Verfechtung traditioneller Handwerkskunst. Abgesehen von der stilistisch formalisierten Präsentation ist uns die Brücke zu künstlerischem Denken und Handeln nicht ganz klar geworden.

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Fiona Bennett – Mix vor Grafik: Es heißt, ihre Hüte seien inspiriert von vielen Besuchen in Künstlerateliers. Wie im letzten Jahr präsentiert sie eine Auswahl ihrer Hüte vor einer riesigen Grafik, so dass die optische Verknüpfung eine Verlängerung in den Bildraum hinein oder umgekehrt aus dem Bildraum heraus ergibt.

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Laura Gerte: Upcycling aus Stoffresten mit reizvollen Mustern und wertigen Stoffen, oft Seide. Ein Schicht von unzähligen Smileys darüber gedruckt ist dann das verbindende Netz – und Signal für gute Laune. Der Bezug zu Kunst bleibt noch offen, so lange einem keine sarkastischen Gedanken ins Hirn schießen.

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Esther Perbandt – Stadt: Der Beitrag der rennomierten Berliner Designerin versucht sich dieses Jahr in reiner Kunst. Ein Triptychon zum Thema Stadt, das von rechts nach links zu lesen ist – als Fläche, bebaute Fläche und untergegangene Stadtzivilisation. Es ist wohl ein Auftragswerk, das die Idee der Nähe zwischen Modeschöpfung und Kunst hier ganz gut auf den Punkt bringt – nicht zuletzt auch durch die textilen Materialien als Ausdrucksmittel.

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Starstyling – process of a look book shoot: Schon im letzten Jahr erschien das Label mit einer gewissen Verweigerungshaltung („Kunst – Mode – Scheisse“) und Komplexität des Erscheinungsbildes. Sowie einer seltsamen Aktion. Die leicht anarchistisch daherkommende Präsentation spiegelt auch schon den Produktionsprozess, der möglichst frei von stilistischen Bindungen, ästhetischen Grenzen und linearen Konzepten funktioniert. Kreativität um ihrer selbst willen, spontane Ideen und Experimente prägen das Tun und die Ergebnisse, große Vielfalt in allem und lockerer Umgang mit den Herausforderungen. Dass das Gestaltungspaar und seine Freunde das alles auch nicht sonderlich ernst nehmen (der ironische Labelname spricht ja schon Bände) ist durchaus eine ungewöhnliche Position im ansonsten recht kämpferischen Modebusiness.

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Steinrohner: Ein Paar, zwei Gestalter. Die künstlerischen Grafiken des Mannes überträgt die Frau auf Kleidungsstücke. Die Frage, ob Kunst (beziehungsweise Textildesign) damit auf- oder abgewertet wird, stellt sich für das Label wohl nicht, die Dialektik ist gelöst. Der Betrachter sieht mit der Synthese immerhin schöne Mode.

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Veronika Wildgruber & Mark Pillai: Ein Zusammenschluss zwischen Brillendesign und Modefotografie – eins adelt das andere.

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