Naomi Tarazi, Krobos, Panos Gotsis, Inlé Studio

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Am vierten Tag der Fashionweek und auch des RAUM.Berlin zeichnen sich Trends zur nächsten Sommersaison ab: Transparenz ist angesagt und auch eine reduzierte Farbpalette – viel Schwarz und Weiß, zumindestens monochrome Ausführungen. Zur Transparenz gehören dann auch diverse Varianten von Spitze, oft eher grob als fein, was gelegentlich, zum Beispiel bei Strickwear, etwas hölzern daher kommen kann. Manchmal denkt man auch, der Ibiza-Style käme zurück. Die geschmackvolle und gleichzeitig sinnliche Lösung, was Frau darunter tragen sollte oder nicht, lassen die Vorführungen entsprechender Outfits meistens offen, manchmal wird mit mehreren Lagen ein opaker Bereich geschaffen, bei den Präsentationen in RAUM.Berlin sind eher mutige Versionen zu sehen, was aber nicht zwangsläufig die Praxis bestimmen wird. Erfahrungsgemäß kann da nämlich mit zurücknehmenden Entscheidungen die gemeinte Sinnlichkeit ins Gegenteil umschlagen.

Die Installationen beziehungsweise Performances waren am letzten Tag sehr ruhig gehalten, annähernd statisch und zum Teil auch nur eine arrangierte Exponatansammlung, mit lebenden Modellen und nüchternen Figuren. Die Idee, situativ ein Dinner zu arrangieren, vielleicht auch nur zu dritt, immer aber nur unter Damen, wiederholte sich nun mehrfach und scheint für eine Live-Installation wohl nahe zu liegen. Am Tisch die hedonistisch Lebenden, darum herum die Kleidung vorführenden Puppen. Nun ja, das ist ja immer auch schön, besonders wenn elegante und zugleich verführerische Kleidung das Ambiente bestimmt. Und manchmal ist dabei die Assoziation des Betrachters mit dem letzten Abendmahl in der dekadenten Moderne nahe liegend – eher noch als die vielleicht gemeinte Hochzeitstafel. Bei Naomi Tarazi geht das einem jedenfalls so.

In ihrem Berliner Atelier fertigt sie vorwiegend skulpturale und zugleich sehr sinnliche Kleidungsstücke für Damen, mit viel Transparenz, subtiler Farbigkeit und stets mit dekorativenen Schwüngen an den Abschlüssen. Damit sind die Silhouetten als leicht, schwungvoll und auch mit zarter Auflösung gezeichnet. Mit diesen leicht beschwingten Outfits sucht die Designerin eine Position zwischen Nachtleben und elegantem Tagesauftritt zu umreißen, die dafür eine wunderbare und prägnante Sinnlichkeit propagiert. Wenn es dann auch so getragen wird.

Naomi Tarazi:

Ursprünglich hat Lukas Krob wohl mit der Konzeption von Kleidung angefangen, die er selbst gerne dauerhaft tragen würde, so verrät seine Webseite, und da er als ausgebildeter Modedesigner selbst näht, entstanden praktische und sehr haltbare Kleidungsstücke. Hier bei RAUM.Berlin stellt er nun eine Damenkollektion vor, die von geometrischer Ästhetik mit dynamischen Formen geprägt ist, vorwiegend schlicht und schwarz, was in dem hellen Whiteroom und dem Gegenlicht gelungen scharfe Akzente setzt und die Flächigkeit der Silhouetten herausstellt. Die dynamischen Schrägen und leichte Rundungen verhindern die plumpe Kompaktheit von geometrischen Architekturen, besonders von Rechtecken, im Gegenteil, mit einfachen Mitteln erzielt das Design eine schlichte und bestimmte Formeleganz, die gelegentlich auch mit Transparenzen luftig daherkommt. Dazu öfter die hohen, offenen Kragen, die die Silhouette nach oben wirkungsvoll ergänzen.
Explizit nennt Lukas Krob die gleichzeitig klaren, strengen und dennoch sinnlichen Architekturideale von Peter Zumthor als vorbildlich und das findet man hier gut wieder. Auch der Start der Entwürfe vollzieht sich, trotz flächiger Geometrien, mit subtilen Handzeichnungen und nicht am Computer, das verhindert eine völlige Versachlichung der Wahrnehmungsempfindung, auch beim Layering.

Das Arrangement im hellen Gegenlicht ist hier ein wirkungsvolles Mittel, das Wesentliche dieses Kollektions-Designs herauszustellen.

Krobos:

Die Schau von Panos Gotsis stellt eine aktuelle Kollektion zusammen, die vorwiegend in Zweiergrüppchen mit Figuren gleichmäßig im Raum verteilt sind, zwischen denen auch lebendige Modelle sich aufhalten. Als Präsentationsformat ist das eher etwas uninspiriert, so soll die Gestaltung jeweils auf sich selbst verweisen. Die sucht, wie stets bei seinen Kreationen, eine Synthese zwischen Fashion und Folklore auf eine eher schlichte und prägnante Weise, die aber doch verschiedene handwerkliche und auch grundsätzliche Erscheinungsbilder vorführt. Hell und sommerlich locker ist das vorwiegend gehalten, mit gleichzeitig eher konventionellen Schnitten und Silhouetten. Allgemeine Trends wie kurze Hosen, verkürzte Hosenlängen überhaupt, locker fallende Blusen und Jacken ohne schnitttechnische Eigenheiten, Verwendung von Spitze als ganzes Kleidungsstück oder appliziert, werden berücksichtigt und stellen so die Outfits in die Gegenwart. Mit der hochwertigen handwerklichen Verarbeitung und unter der Fahne der Nachhaltigkeit rückt sich das Label in das gehobene Segment der Luxusfashion, ohne eine bemerkenswerte oder gar exentrische Idee zu riskieren. Insgesamt entsteht damit der Eindruck einer eher konservativen Positionierung, die dank des leichten Touches von Lässigkeit und zeitgenössischer Üblichkeiten eine aktuelle und gleichzeitig konservative Perspektive auf aufgefrischte Modefolklore besetzt.

Panos Gotsis:

Die Berliner Modedesignerin und Spitzenklöpplerin Melanie Parzenczewski hat das Inlé-Studio gegründet, mit dem Anliegen klassisches beziehungsweise historisches Mode-Kunsthandwerk in eine moderne Gegenwartsästhetik zu überführen, in der sich auch historische Schnitte und Silhouetten angedeutet wiederfinden. Dabei findet man verschiedene Varianten von Retro (19.Jh., 1920er Jahre) bis zu moderner Abstraktion mit angesagten Lose-Bänder-Outfits, wobei Transparenzen (Spitze) stets eine entscheidende Rolle spielen. Auf den Ausstellungsfiguren teilt sich aber die Sexyness des Konzeptes nur wenig mit, insofern wird die Ergänzung der statischen Installation mit drei attraktiven, lebenden Modellen schon überzeugender. Die sitzen, wie ganz oben schon berichtet, wieder an einem gedeckten Tisch, in eher lässigen Posen und führen vor, wie das Modekonzept im Leben vorstellbar ist. Diese Miniperformance, quasi ein werbender Lifestylevorschlag, ist eine geschickte Brücke zwischen Laufsteg und starrer Installation.

Inlé Studio:

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Tati, Anne Bernecker, Palmwine Icecream, Sofia Hermens Fernandez

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Ein wenig Nostalgie, etwas Mädchenleben und Ruhe versus Action prägten die Präsentationen am dritten Tag von RAUM.Berlin. Neu auf der Bildfläche waren gleich drei der vier Design-Labels und, wie bereits hier gewohnt, die Bespielung des jeweils reservierten Raumes war sehr unterschiedlich geprägt. Und je nach scheinbarer Abgrenzung und Performance-Intention mischen sich die Besucher in die Installationen, oder hielten sich eher respektvoll an den Rändern des Raumes auf. Ersteres fand man bei Tatjana Haupts Label Tati vor, letzteres bei Kusi Kubis Palmwine Icecream und irgendwie hatte das auch mit der Qualtität der Exponate zu tun.

Das Menschengewusel bei der Tati-Installation mit diversen Aktivitäten und Handyshootern, Tänzerinnen und Demofiguren mittendrin, einem DJ-Desk mit Djane und Sängerin, versuchte etwas von Mädchen-Lifestyle zu erzeugen oder aufleben zu lassen – untereinander und mit Publikum kommunizierend im Sinne eines Communitygedankens. Diverse geliebte Beschäftigungen von Teenagerinnen tauchen auf und natürlich sieht man Herzchen und All You Need Is Love Embleme, die das Ambiente emotional aufladen. Entsprechend war auch der Focus der präsentierten Kleidung auf Teeniegeschmack gerichtet und die war als Strickwear gefertigt und mit diversen modischen Apercus ausgestattet. Zwangsläufig liegt dahinter als Leitidee die hingebungsvolle handwerkliche Beschäftigung, die hier quasi lifestylemäßig demonstriert wird.
Eine Stunde Mädchen-gute-Laune mit fast allem, was dazu gehört – in einer Installation, die dabei mutig in die Vollen ging.

Tati:

Ganz im Gegensatz dazu erschien die Präsentation von Palmwine Icecream. Mit der etwas uninspirierten Präsentation gelang die intensive Dichte der afrikanischen Atmosphäre eher nicht, die herumstehenden Gestalten im großen Raum konnten die wunderbare Wärme, die dem Design innewohnt und wie sie auf den Schauen der letzten beiden Saisons erlebbar wurde, hier nicht erzeugen. Natürlich war auch hier die Kleidung von edlem Geschmack und hochwertiger Verarbeitung gekennzeichnet, aber schon die spärliche Auswahl war nicht wirklich spannend. Mit ein paar zusätzlich verstreuten Objekten, Äste, Steine, Sträuße, wurde das Arrangement auch nicht dichter, das Gesamtbild blieb trotzdem etwas verloren. Selbst die gelegentliche Bewegung einer Figur im Raum oder ein Lächeln eines Models löste die fast nüchterne Stille kaum.

Palmwine Icecream:

Ebenfalls auf eine eher ruhige Präsentation mit Figuren und Models gemischt setzte Anne Bernecker. Ihr Atelier verfolgt eine Kombination aus Wiederverwertung, Handarbeit und ästhetischer Nostalgie. Diese Kombination fand man auf der Fashionweek auch bei anderen Labels (z.B. Buzigahill) und man kann das, nach einer langen Periode experimenteller Individualisierung und schräger Konzepte, als Hoffnungsschimmer ansehen. Gleichwohl sind die Outfits in Sachen souveräner Geschmack noch ausbaufähig und die Idee, dass handwerklich hübsch und liebevoll gefertigte Elemente nur appliziert werden brauchen oder stilistische Kontrastierungen angenehm verlebendigen, ist für ein elegantes Gesamterscheinungsbild noch nicht ganz überzeugend. Auch hier führt die Lust am handwerklichen Tun noch nicht zwangsläufig zu einem edlen Erscheinungsbild. Aber der ideelle Ansatz hat wohltuende Wirkung und die Art der Vorführung entspricht dem.

Anne Bernecker:

Sofia Hermens Fernandez hat ihre Kollektion wie ein Tableau auf dem Boden ausgelegt, auf einer langen Bahn, wo auch ein Model sich „bekleidend“ dazulegt. Am Ende ein Spiegel und daneben ein Stuhl mit flüchtig übergeworfenem Kleid. Wir kennen die junge Designerin als Finalistin des 40. Festivals in Hyères mit ihrer Kollektion Semiotics of Girlhood, wo sie Eleganz mit romantischer Verspieltheit verbindet. Sie hat in Antwerpen Fine Arts studiert und kandidiert am Institut Francais de la Mode an der Sorbonne als Doctor of Philosophy. Auch sie beschäftigt sich mit der Ästhetik von Mädchen-Bildern, entwickelt aber diese Ansätze weiterführend auf recht hohem Niveau. Und auch in ihrer Installation geht es um Mädchengefühle, allerdings nicht als Teil einer Community oder eines Lifestyles, sondern in der eher introvertierten Beschäftigung mit sich selbst, bei der Kleidung einen Ausdruck der Selbstsuche und -findung repräsentiert. Nunmehr aus Sicht einer erwachsenen Designerin in subtiler Reflexion.

Sofia Hermens Fernandez:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Für ihre Kollektion Outer Space war die Location namentlich schon ein passender Ort und die zugleich nostalgische und futuristische Themenidee eine vorzügliche Gestaltungsvorlage, die von Körperpanzer, über Kitsch und Disco bis zu mondkratermäßigen Oberflächen alles erlaubt – was man dann auch sah.

Einen konzeptionellen Themenansatz gibt es bei Marina Hoermanseder immer, aber schon ihr grundsätzliches Konzept für eine Schau ist stets bemerkenswert. Ihre Fantasie reicht weit über reines Modemachen hinaus und so ist die Laufstegschau stets eingebettet in große Raumdeko und Bühnennischen, was die Einstimmung auf die Kollektion verstärkt und schon eine Demonstration ist, wie visionär und gedanklich verspielt sie mit ihren eigenen Themen umgeht, inclusive origineller Showeröffnung. Aber dabei geht es nicht nur um Gestaltungsliebe. Sie sorgt für dekorativ ausgestaltete Räume vor dem Eventraum, damit sich „ihr“ Publikum dort schon vor der Veranstaltung versammeln kann, Eis essen, Limonade oder Sekt trinken, kleine Extras vernaschen und vor allem kommunizieren kann. Üblicherweise erscheint das Publikum auch sehr illuster, exentisch gekleidet und geschminkt und bildet eine Gemeinschaft von Voyeuren und Exhibitionisten, wo man sich gerne aufhält, weil Sehspass und kreative Gestaltung Teil des Miteinanders sind. Dass die Designerin sich über Jahre ein solches Publikum in großem Stil aufgebaut hat, liegt nicht nur an dem Willen, sich pfiffig über Instagram etc. zu vermarkten, sondern korrespondiert mit dem Verständnis, mit dem sie ihre Mode schafft. Damit einher geht allerdings auch eine Strategie des Exklusiven, wie sie großen Labels auch zu eigen ist.

Hoermanseder ist eine sehr fleißige Designerin, die gerade das große Mainstream-Club-Publikum zu erreichen sucht. Entsprechend sind die geschmacklichen Aspekte ausgerichtet, wesentlich glamourös, blinky, kitschfarbig, auffällig. Sie gibt quasi den gehobenen Discogeschmack vor. Kennzeichnend dafür ist ihr eigenes Outfit am Schluß. Gleichzeitig bedient sie durchgehend auch ihr Ur-Image, also das charakteristische geformte Leder, die Gurte mit rechteckigen Schnallen überall und in jeder Ausprägung und die Panzer, die sie ursprünglich einmal aus ortopädischem Arsenal abgeleitet hatte. Die unzähligen Varianten sichern den Wiedererkennungswert, den auch ihre Fans stets suchen und goutieren, auch wenn diese Outfits Bewegungsprobleme mit sich bringen.

In dieser Kollektion geht es also um um interplanetare Reisen, Anschauungen zu Wüstenplaneten und auch um die nostalgisch marginalisierende, klassische Verkitschung von Weltraumfahrt, wie sie schon in den 1960er Jahren, besonders in USA, gang und gäbe war. Passend zur Schau ist natürlich auch ein Soundtrack, der der diese, schon durch viele Filme geprägte, Vorstellungswelt begleitet und akzentuiert: eine energiegeladenen Mischung aus Pop und Eurodance und Anleihen aus der Star-Wars-Filmmusik. Überhaupt waren die Vorlagen der Science-Fiction-Filmindustrie massgeblich an der Ideenfindung beteiligt, deutlicher als die modernen Sci-Fi-Videospiele, die ja auch entsprechende Kleidung, Monturen und Körperpanzer erfinden.

Handwerklich ist Marina Hoermanseder dem hochwertigen Ethos ebenfalls treu geblieben, was auch das ganze Bling-Bling aufwertet. Sie ist damit eine der wenigen Designerinnen, denen der Spagat zwischen Club-Pop und Couture überzeugend gelingt.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter und Gerhard Paproth (iPhone)

PLATTE ist immer wieder gut für ungewöhnliche Veranstaltungen. Schon der deutliche Touch der unprofessionellen Organisation vor Ort hat stets seinen eigenen Charme und eigenwillige Abläufe. Das ist ein Teil der Platte-Community, die bleibt geduldig und gut gelaunt, auch bei unnötig langen Wartezeiten.

Der vorgelagerte Garten plus gefüllte Ostmost-Kühlschränke machte das möglich. Für die Schau für die neue Kollektion von Taskin Goec war ein geschätzt 70 m2 großer Raum vorgesehen, zuerst eine Schau für geladene Gäste und Pressefotografen, später eine für größeres Publikum. Im ersten Durchgang musste unser Fotograf von draußen aus dem Garten durch das Fenster fotografieren und natürlich war der Raum übervoll.

Aber es bedurfte eigentlich gar keiner Fotografen, denn es gab keine Models und keine Kollektionskleidung und keinen Runway, wie als solcher angekündigt. Stattdessen einen laufsteglangen LED-Screen, der eine Art „Catwalkfilm“ präsentierte.  In etwa zwei Meter Abstand konnte man außer den laufenden Models auch Ausschnitte und Positionen in höchster Auflösung betrachten, die die äußerst raffinierten Oberflächen der Kleidung brilliant demonstrierten und die die Betrachtung mit Filmschnitt und Focus vorgaben. Dieser Präsentationsansatz ist letztlich die Verlängerung des Taskin-Modedesign-Universums.

Denn Studio Taskin „ist das Atelier von Taskin Goec, einer in Berlin ansässigen Mixed-Reality-Designerin, die die Prinzipien traditioneller Handwerkskunst in die digitale Welt überträgt“. Dabei „ist KI in diesem Prozess keine Abkürzung. Sie ist ein kreativer Mitgestalter.“ (Presseankündigung) Das erlaubt nicht nur die Entwürfe äußerst faszinierender, haptisch attraktiv erscheinender Oberflächen und ungewöhnlichen Materialumganges sondern auch die Entwicklung eines aufgefächerten Erscheinungsuniversums, mit eigenen Repräsentanten und einer ganz eigenen Art, sich zu kleiden. Was die digitale KI an vielen Gestaltungsvorschlägen bei dieser Arbeit vorschlägt, wird dann kuratiert, verfeinert und in digitalen Formaten zum Leben erweckt. Oft zu Fantasy. Soweit das eine Vorstufe der Realisierung ist, ist das durchaus beeindruckend. Sehr gerne möchte man nun die physische Ausführung sehen – und vielleicht sogar begehren, doch es bleibt für den Besucher offen, ob es die überhaupt gibt oder geben kann.

Insofern stellt diese Veranstaltung der Modewoche eher nicht vor, wie Modedesigner uns in der betreffenden Saison ausstatten wollen sondern mit welchen digitalen Mitteln sich Modevisionen entwerfen lassen und gibt uns eine Vorstellung davon, wie brilliant und glaubwürdig diese Verfahren vorgehen können. Und sie zeigt auch, wie man auf diesem Wege einen stilistischen Kosmos kreiieren kann, der Zeitgeist spiegelt, vorschlägt oder sogar vorwegnimmt. Der Schritt in die authentische Realität ist dann vielleicht nur noch ein kleiner, aber um den ging es hier erst einmal nicht.

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Elodie Carstensen, Lennart Bohle, PLNGNS, N. v. Hirschhausen

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine dritte Version der Vorstellung einer Kollektion, neben dem Catwalk und der statischen Präsentation, ist die installative Performance. An vier Tagen stellen je vier Designer ihre Arbeit in diesem Format vor, eines, das viel Freiräume kreativen Auftritts ermöglicht. Besonders sinnvoll daran ist, dass man – wie auch in der Werbung – Umgebung, Situatives und eine Lifestylevorstellung seinen Kreationen zuordnen kann und dass man hier auch eine Stufe von Bewegung und Betrachtungsruhe im Ambiente wählen kann.

Für das Publikum bedeutet die offene Kreativität in diesem Format allerdings auch eine Verpflichtung dazu, was voraussetzt, dass die Designerin überhaupt auch eine überzeugende Lifestylevorstellung (oder eine Ideologie) mit ihren Produktionen verbindet, und das ist eben nicht so selbstverständlich. Und bei der Entscheidung für eine Variante ist auch schnell klar, dass Lebendigkeit stets ein Mittel ist, Publikum anzuziehen. Die vier Präsentationen waren in einem fixierten Rundgang aneinander gereiht, und mit der lebendigen Performance von Elodie Carstensen als erste Station staute sich hier schnell das Publikum und versperrte den weiteren Weg – schon beim ersten Presserundgang mit etwa 150 Teilnehmern.

In einem rechteckigen, langgestreckten Wasserbassin, zentimeterhoch gefüllt, führten acht weibliche Modelle eine ruhig gehaltene Tanzperformance auf, wobei sie mit ihren weißen, vorwiegend sommerlich-locker gestalteten Kleider sich in unterschiedlichen Konstellationen verteilten oder gruppierten, gekonnt chreografiert und mit viel weiblichem Charme. Der interdisziplinäre Ansatz korrespondiert auch mit Carstensens Hintergrund, denn sie begann 2012 im Theater zu arbeiten, bevor sie Modedesign an der Kunsthochschule Berlin Weißensee studierte und dort 2021 abschloss. Ihre Modearbeit verbindet sie mit diversen Erinnerungen an ihre Kindheit beziehungsweise einem emotionalen Bezug dazu, der dann, in Abstraktionen wie hier, zu recht poetischen Erscheinungsbildern führt. Zugleich aber will Carstensen auch auf traumatische Erinnerungen anspielen, wie der Titel einer vorangegangenen Performance, „Absence of Promised Safety“, auch deutlich machte.

Elodie Carstensen:

Lennart Bohle ist ein Modedesigner aus Pforzheim. Für den gelernten Schneider spielt traditionelle Handwerkskunst eine wesentliche Rolle, gestalterisch liebt er skulpturale Silhouetten und digitale Experimente. Er sucht Verbindung von Tradition und Zukunftstechnik. Die Innovation implementiert er in in ein künstlerisches Gestaltungsverständnis und darum ist ein Lifestyleambiente für die Präsentation nicht so naheliegend, sondern eher eine Exponat-Besichtigung wie in einer Galerie oder klassischen Ausstellung, bei der man die skulpturale Kunst von nah oder fern, (fast) rundum begehen und betrachten kann und sich die Addition zu einem Prospekt fügt.

Lennart Bohle:

Das Label PLNGNS erschien im August 2021, seit 2024 berichten wir von ihm. Im Zentrum stand da die Demonstration, wie man aus Teilen alter Schuhe fast ohne CO2-Fußabdruck neue Schuhe herstellen kann, mehr noch: ganze Kleidungsstücke mit attraktivem Erscheinungsbild. „Alte Turnschuhe müssen nicht als Müll verbrannt werden. Wir zeigen, dass es einen anderen Ausweg gibt“, sagt Mitya Hontarenko, Gründerin von PLN-GNS. „Und es kann auch stylisch und cool sein“. Mittlerweile hat PLNGNS die gestalterische Palette vergrößert, ohne Einschränkungen bei der ambitionierten Nachhaltigkeit zu machen. Die Turnschuhverwandlung als Nachhaltigkeitsprodukt mündet nun in vielseitigen stylischen Angeboten und Sommerfreizeit als assoziiertes Ambiente repräsentiert das als Beispiel für lebensnahe, launige Alltagsästhetik.

PLNGNS:

Natascha von Hirschhausen ist seit langem schon mit eigenem Label aktiv und verfolgt konsequent die Idee von Nachhaltigkeit mit dem „no waste“-Prinzip: alle Schnitte sind so angelegt, dass vom Stoff möglichst nichts übrig bleibt und selbst Reste noch geschickt in die Gestaltung eingebaut werden. Handwerklich erfordert das einige Pfiffigkeit und auch eine gewisse Flexibilität im künstlerischen Gestaltungsprozess. Dabei geht sie von eher schlichten, klaren und beherrschbaren Ausgangsentwürfen aus, was auch ihre stilistische Prägung erkennbar macht. In ihrer Installation läßt sie handwerkliche Arbeit ihres Ateliers sichtbar werden, indem Mitarbeiter probieren und experimentell Entstehungsprozesse miterlebbar machen.

Natascha von Hirschhausen:

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Text & Bilder: Boris Marberg für BFW

In der Feuerle Collection – einem düsteren „Kunsttempel“ – wurde die erste Kollektion des Labels Unvain um den Gründer und Creative Director Robert Friedrichs präsentiert. Die brutale Betonästhetik des Weltkriegsbunkers erweist sich als kongenialer Ort für die Designästhetik von Unvain, die in der Berliner Club- und Subkultur verwurzelt ist, welche ebenfalls eine Affinität zu solchen Orten hat. Die minimalistische und konstruktivistische Gestaltung der Kleidung fügt sich so, mit einer fast kultischen Inszenierung, in den brutalistisch definierten Raum.

Fern vom Tageslicht und bei spärlicher Ausleuchtung wirkt die Schau kathedral, was durch Accessoires der Modelle, die Thuribula (schwenkbare Rauchgefäße) über den Laufsteg trugen, verstärkt wurde. Damit platzierten sie eine eigens für die Schau (in Zusammenarbeit mit RYOKO Berlin) entwickelte Duftinstallation. Man assoziiert mit dieser Inszenierung eine Messe für das antike Göttliche der Mode – vielleicht sogar mit Athene, die als Schutzpatron in der Webkunst und des Spinnens gilt. Bei der stilistisch auf Formgebung und Konstruktion ausgerichteten Kollektion von Unvain wäre das immerhin passend, mit einer Suche nach Schönheit jenseits von Glamour und Hochglanz.

Bei aller Härte der Formgebung leben die Looks, denn sie sind mit gezielten Akzentuierungen versehen und sie spielen mit harten Übergängen von unterschiedlichen Materialien oder Nuancierungen in der Hell-Dunkel-Farbgebung. Die Formen zeigen jeweils klare Kanten, grenzen ab und sind kompositorisch durchdacht arrangiert. Für die Wirkung spielt es dabei keine Rolle, ob harte, abgrenzende Materialien zum Einsatz kommen oder mit Transparenz und dem Durchscheinen bis auf die Haut gespielt wird. So kann ein transparenter Damenlook mit applizierten Posamentenborten, die an Zirkus-Uniformjacken erinnern, gleichrangig neben einem Herren-Look mit einer weißen Uniformjacke, ebenfalls mit solchen Posamentenborten, stehen. Die ist wiederum mit einer Used-Demin-Hose kombiniert.

Insgesamt vermittelt die Kollektion eine eher düstere, raue Note, die auch durch die weißen Teile und die wenigen spielerischen Applikationen nur bedingt aufgefrischt wird: hier lebt Brutalismus in mode-designter Perfektion. Verbunden wird diese formale Gestaltung mit einer gewissen Note von „benutzt und befleckt“, wenn Jeans manuell bearbeitet und verschlissen sind oder Flecken appliziert wurden. Das unterstreicht einerseits das Rohe und löst andererseits die formale Strenge, die zu Sterilität neigen könnte, geschickt auf.

2020 hat der Designer Robert Friedrichs das Label Unvain in Berlin gegründet und fügt damit dem Modeimage der Stadt eine ausgeprägte Note hinzu, die sich entsprechend aus dem Geist der Subkultur ableitet. Seine erste Kollektion auf der Fashionweek versucht die charakteristische Rauheit mit Raffinesse und Sinnlichkeit zu veredeln und die Anknüpfung an die Architekturästhetik des Brutalismus modisch neu zu beleben.

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4. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the runway end. Am letzten Tag der Fashionweek wohl auch im RAUM.Berlin. Nachdem zwölf Designer an diesem Ort mit diesen Leitfragen ihre Kollektion mit experimentellem Format vorgestellt haben, wird deutlich, dass hier ein gutes alternatives Format kreiert wurde, das viele von ihnen optimal und kreativ zu nutzen wussten. Zu den spektakulären gehörte auch Karin Brettmeisters Ritual Unions mit einem tableau vivant, das wirklich Spass machte, sowohl den Darstellern als auch dem Publikum. Ein Bankett, angerichtet für Frauen, die in den edlen Dessous beziehungsweise Brautkleidern des Labels erscheinen. Ähnlich wie Bildwelten (und Lifestyle-Fantasien) von Ellen von Unwerth und von Agent Provocateur entwirft Ritual Unions hier eine lebendige Anschauung ihrer modernen, alternativen Braut- und Couture-Kleider, die fast übergangslos aus edlen Dessous erwachsen und genau an dieser Schnittstelle Individualität, Einstellung und Selbstdarstellung ansteuern. Schwerpunktmäßig ist die Kollektion an Frauen gerichtet, aber nicht ausschließlich, und sie feiert den vergnügten Eros der Weiblichkeit, der in der Produktion stets individuell ausgelegt wird. Das tableau vivant (lebendes Bild) war im ausgehenden 19. Jahrhundert groß in Mode und es dürfte, wenn es kreativ angelegt ist, durchaus als Leitformat für die RAUM.Berlin-Präsentationen attraktive Wiederauferstehung feiern. Wenn es gut war, war es allerdings auch sehr aufwändig, aber auf heute bezogen und verglichen mit schlicht inszenierten Runwayshows kann das die bessere Entscheidung für Modedesigner sein.  Das verbundene Lebensgefühl lässt sich besser szenisch evozieren und im Vergleich zum oft eigentümlichen Schauen-Großaufwand der großen Luxusmarken auch überschaubar finanzieren.

Letztlich hat jedes teilnehmende Label eine eigene Idee zur Konstellation einer Installation entwickelt, die zum jeweiligen Selbstverständnis des Modemachens passt, mal erscheint das dann spektakulär, mal weniger. Das ist nicht nur eine Frage, wie man jenseits der Mode auch kreativ denken und konzipieren kann. Es erfordert zuerst eine bewußte, eher konkrete Lifestyle-Philosophie für die eigene Mode, die eine fantasievollere, anschaulichere Lebenswelt im Kopf des Designers voraussetzt, als viele sich das gemeinhin vergegenwärtigen. Diesen Abstraktionsschritt haben früher Werbeagenturen mit Werbespots und Werbebildern übernommen. Hier macht das das Label selber.

Und, das ist wohl ein weiterer Vorteil, mehr Publikum kann dichter an den assoziierten Lifestyle herangeführt werden, als auf einer Catwalkschau.

Die exzentrischen und auch futuristisch anmutenden Kollektionen von Maximilian Gedra verstehen sich als skulpturale Kunstwerke und sollen auch wie solche erscheinen. Sie sind eher selbstbezogen und darum als monolithische Positionierungen jeweils für sich gestellt. Man erwandert diese Arbeiten wie Kunst im Museum von Piece zu Piece, jedes eine selbstbezogene Inszenierung für sich, die höchstens mit Licht und bizarren Accessoires (vorwiegend Headpieces) intensiviert wird.

Das Label Sveasøn von Svea und Shirin aus Hamburg gibt sich dagegen vergnügt, kommunikativ und gestalterisch bodenständiger. Die Figuren bevölkern entsprechend locker verteilt den Raum, abwechslungsreich, muster- und farbenfroh. Zusammen ergibt sich für die Mode ein großer Mix aus Materialien, Gestaltcollagen, Mustern, fantasievollen Bildzeichen und auch kleinen Scherzen, der gute Laune suggeriert. Diverse handgetöpferte und bunte Objekte dazwischen verweisen auf unprätentiöses „Gestalten mit den eigenen Händen“ und ergänzen die Vorstellung von einem bunt-fröhlichen Leben.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Einen kleinen Entwicklungssprung führt die neue Kollektion von Kasia Kucharska vor und stellt den sympathisch lockeren Frauentyp vor. Eine sehr unernste Prägung von De- und Neukonstruktion, die von Frische und Lässigkeit geprägt ist, ohne auf Stilbewußtsein und Einheitlichkeit zu verzichten.

Helle und klare Farben, wie Weiß, Himmelblau und Rosa erscheinen oft und geben allen Konstruktionen einen leichten Charakter, das scheinbar Lose der zusammengefügten Elemente versinnbildlicht dasselbe in den Konstruktionen, die sich vieler geschickter Mittel bedienen. Die übergroßen, sich frei bewegenden Stulpen an Armen oder Beinen vermitteln Großzügigkeit mit einer gewissen Vehemenz im Auftritt und in Bewegung – auch dies eine unernste, aber wirkungsvolle Übertreibung. Hemden finden in allen Bestandteilen überraschend neue Verwendungen. Überhaupt wirkt nichts zwingend festgefügt und als dauerhaft bestimmt, stattdessen entsteht durch die Raffungen, Zusammensetzungen und formal scheinbar Unvollendetem eine ebenso scheinbare, improvisierte Flüchtigkeit. Hinzu treten an einigen Stellen übertriebene Schichtungen neben Freigelassenem. Auch lustige Späße werden hinzu gefügt wie die überlang herumbaumelnden Strapsbänder, symbolische natürlich nur, aus dem Kunststoff-Gewebe, das wir schon in den vorausgegangenen Kollektionen gesehen haben und das auch anderweitig innovative, neue Verwendung gefunden hat.

Das alles macht großen Spass und ist einfach gut gemacht. Sogar die großen, kitschig-kindlichen Tiermotive auf Brust und Bauch sind Statements der Unbekümmertheit wie auch das verbaute Teddybärfell und vor allem der (täuschende) Eindruck, dass das alles nicht so richtig hält. Letztlich steht, wie eingangs erwähnt, dahinter die Proklamation eines lockeren, sehr weiblichen und noch etwas mädchenhaften Frauentyps, der Spass an momentanen Erscheinungsbildern inklusive diversen Übertreibungen hat, Ordnung als erste Lebensregel zutiefst verachtet und Vergnügen am Launigen und pfiffig Improvisierten vorzieht. Und etwas vom Kindlichen wird auch noch herüber gerettet.

Spass am flüchtigen Jetzt und Freiheit im Auftritt sind eine gute Option unserer Gegenwart und die sollte man – wenn man so jung ist wie diese Zielgruppe – hemmungslos und launig ergreifen. Diese Option kann man sogar zum charakterisierenden Stil erheben und das bietet Kasia Kucharska mit dieser wundervollen, kreativen Kollektion an.

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Text & Bilder. Boris Marberg for BFC

Mit der neuen Kollektion „ROOM-FOR-PLAY“ geht Andrej Gronau spielerisch mit unterschiedlichsten stilistischen Ansätzen in einen kreativen Dialog und mischt auf spannende Weise modische Kleidungskonzepte und archetypische Einzelteile. Das macht Laune, und auch mit etwas Abstand betrachtet finden sich Ansätze, die auf den ersten Blick nicht offensichtlich sind und erfrischen.

Er eröffnet sich mit dieser Kollektion einen weiterentwickelten Ansatz, sich mit Konstruktion und Gestaltung auseinanderzusetzen und seine Ideen zum Ausdruck zu bringen. Geschickt werden die Bezüge der einzelnen Stücke der Kollektion herausgearbeitet und dargestellt. So kommt es zu schönen Kontrastpaaren, etwa einer kurzen Damen-Couture-Jacke mit einer A-Silhouette in goldenem, griffig strukturiertem Brokat mit hellblauem Kragen und einem passenden Herrenlook mit goldener Short und fluffigem hellblauen Herrenpullover.

Solche Paarbildungen, mit verbundenen Details, sei es durch Material, Farbe oder Konstruktion, bilden den Kern der Kollektion, welche durch (Bowling-)Taschen bei Damen wie Herren ergänzt werden. Auch individuelle Stiefel mit handtellergroßen, sternförmigen Ausstanzungen bilden solch ein Paar und werden durch Sternchenanhängern bei den Taschen wieder thematisch aufgegriffen.

Der Designer scheut sich nicht, sehr mutig mit kontrastierenden Materialien zu experimentieren. Neben Brokat, Jacquard und Strick finden sich auch Textilien wieder, die aus dem Bereich der Heimtextilien kommen und eher bei warmen Stoffdecken verortet werden oder an die Taktilität von Plüschtieren erinnern.

Konzeptionell sind die 18 vorgestellten Looks eine konsequente und funktionierende Weiterentwicklung der bereits im Sommer sehr viel Anklang findenden Kollektion, welche sich mit Karo als flächenprägendem Element auseinandergesetzt hat.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Gottseidank gibt es sie noch, die gestaltungsverliebten Traumtänzer in Zeiten grauer Niedergeschlagenheit und zeitgeistiger Dekonstruktion. Thomas Hanisch ist ein solcher, der, nach vielen Jahren Schauen-Pause nun diesen Gestaltungsansatz über die Zeiten rettet und dabei alle pragmatischen Ansprüche an Modedesign aussen vor läßt, soweit sie die Fantasie bremsen.

Hanisch ist auch nicht an Begrenzungen durch zeitgenössische Strömungen interessiert, vielmehr ist er aufgeschlossen für alle Stilismen von Art Deco, Jugendstil über Gothic bis hin zu Futurismen. Das spiegelt sich auch in der Begleitmusik, die von Carl Orff am Anfang über viele komplexe und intelligente Technorhythmen bis zu Camille Saint-Saëns Karneval der Tiere reichte. Er hat seine exzentrische Formensprache seit 2013 sehr kreativ ausgebaut und denkt seine jeweiligen Erscheinungsbilder sehr individuell und in allen Bestandteilen komplett, alle Varianten von Schmuck, Frisuren und Makeup und sogar auffälliger Fingerschmuck sind gerne genutzte und wichtige Optionen. Die damit anspruchsvoll ausgefeilte Gesamtgestaltung ist stets als Unikat konzipert und die Fantasie reicht für eine große Vielfalt der Erscheinungsbilder. Besonderes Interesse richtet er neben der skulpturalen Form auf Materialien, also Texturen und Oberflächenspezifika. Er spielt darüber hinaus mit durchscheinender Spitze und dicken Materialien, die aber auch immer delikat wirken.

Die Lust, die Grenze dessen zu erweitern, was Mode kann und darf, führt stets zu exzentrischen Statements, nicht umsonst sind Lady Gaga und Company begeisterte Kunden, mit jedem Erscheinungsbild ist ein beeindruckender Auftritt und große Betrachtungsfreude garantiert. In der Schau wird die auch mit der sehr langsamen Bewegung der Modelle in großen Abständen ausführlich ermöglicht. Das feiert jedes Outfit angemessen und stellt gleichzeitig die gewohnt hochdynamische Rennerei über Laufstege infrage. Praktisch gesehen gibt das reduzierte Tempo auch Kontrolle über die sehr langen, bodenverbundenen Kleider zurück und bremst die gewohnte Flüchtigkeit der Handywahrnehmung zwingend aus. Wahrnehmung in Ruhe und ausführlich.

Natürlich denkt der Betrachter auch an eine Übertragung in die Realität, und damit sieht es nicht so aus, als ob die vielen exzentrischen Auswüchse in den gegenwärtig erlebten Alltag transportiert werden könnten, wie es in den Zwanziger Jahren des vorigen Jahrhunderts tatsächlich möglich war, zumindestens für Abendveranstaltungen und Film, Exotica, die Wahrnehmungsgewohnheiten prägten und das eine oder andere alltagskomptibel machten. Oder wie in den 80ern, wo auch viele Verrücktheiten in die allgemeine Kultur eindringen konnten. Heute bleiben solche Bizarrerien etwas abseitiger Luxus, leider, aber Haute Couture ist eben wunderbar, wie auch diese Kollektion.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Es ist ein Feuerwerk der Lebensfreude, was sogar die ansonsten eher unberührte Riege der dokumentierenden Fotografen begeistert hat. Die Kollektion von Orange Culture kommt diese Saison fast ungebrochen farbenfroh und optimistisch daher, nachdem Adebayo Oke-Lawals vorausgehende Schau in Berlin noch von traurigen Privatereignissen beeinflusst war.

Wenn man Pressetexte liest, ist man geneigt, die Interpretation in die vorgegebene Richtung zu lenken („In seinen neuesten Entwürfen beschäftigt sich der Designer mit Themen wie Nostalgie, Kindheit und Orten (wie Hinterhöfen), die uns im Laufe der Jahre prägen.“ – daher der Titel) aber in diesem Falle scheint es doch auszureichen, seiner Begeisterung für Lebensoptimismus zu frönen, dafür muss man sich ja nicht zwingend in nostalgische Erinnerungen zurückbeamen. Unsere Zeiten brauchen optimistische Zukunftsmusik und diese Kollektion von Orange Culture kann man auch so herum verstehen. Umso mehr, als unsere Klischeevorstellungen klassischer afrikanischer Stoffe besetzt sind mit selbstverständlicher Buntheit, mit Wärme und mit positiv leuchtender Lebensfreude, aus einem stets sonnigen Land der vielfältigen Muster und Erscheinungsbilder. Diese Kollektion setzt auf zeitgemäße Weise diese tradierten Vorstellungen fort und transportiert eine Menge Inspiration, um die Stimmung der Modebilder der Gegenwart aufzuhellen. Dabei kommt die Kollektion mitnichten folkloristisch daher, vielmehr assimiliert und reflektiert der ursprünglich afrikanische Ansatz die westlichen Modeströmungen in souveräner Weise und führt auch gekonnt afrikanisches Kunsthandwerk mit westlichen Herstellungsweisen und Modevorstellungen zusammen, zu einer globalen Perspektive also, die in afrikanischer Kreativität verwurzelt ist. Diese ungebrochene, stimmige Einheit ist wunderbar gelungen: Mehr noch als hier sieht man in Frankreich viele Schauen mit afrikanisch stämmigen Designern, die in Paris ihre Ausbildung gemacht haben. Und da zeigt sich oft, dass eine ausgewogene, selbstverständliche Verknüpfung der Kulturen eben nicht oft homogen und überzeugend gelingt – es bleibt eher bei Beeinflussungen.

Hier auf der Berliner Fashionweek hat bereits das Label Palmwine Icecream aus Ghana mit Life Moodboard und Muse einen wichtigen und gefeierten afrikanischen Akzent gesetzt, Orange Culture (Lagos, Nigeria) ergänzt diesen Ansatz nun auf eigene Weise, mit ebenso viel Feeling und ebenso erfolgreich.

Im Prinzip ist die ästhetische und handwerkliche Verschmelzung zweier Kulturen also die hohe Kunst dieses Labels, dazu gehören des Weiteren die skulpturalen Schnitte, lebendigen Farbpaletten und sozialbewussten Erzählungen. Der praktische Fokus liegt bei dieser Kollektion auf spezifischen Handwerkskünsten und besonderen Texturen, was sich insbesondere in den zahlreichen Ton-in-Ton-Looks, Makramee- und Häkelkleidern, handgefärbten Stoffen, bunten Drucken, Fransenpullovern, handgefalteten Schlaghosen und gewebten Accessoires zeigt. Sehr komplexe, aufwändige Entwurfs- und Herstellungsweisen, die dann allerdings auch zum Begriff Luxusmode führen, womit der angestrebte Impact dann leider wieder geschmälert wird. Aber für eine überzeugende Modenschau spielt das ja eher keine Rolle.

Und im Grunde ist es auch müßig, über den nostalgisch-persönlichen Background des Designers, über die kunsthandwerklichen Spezifika der Herstellung und über kulturelle Herkunft des einen oder anderen Elements zu sinnieren – die emotionale Begeisterung der reinen Anschauung ist Kennzeichen genug, dass hier eine Sehnsucht eingelöst wird, die eigentlich ganz unspezifisch in uns wohnt. Das dürfte die ganz große Qualität dieser Kollektion sein.

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1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Nach dem fulminanten Erstauftritt in der vergangenen Saison konnte man sicher sein, dass der Designer Boehl Cronau auch jetzt eine denkwürdige Fashionshow veranstalten würde. Diese Erwartung hat er auch in ungewöhnlicher Weise eingelöst; für die neue Kollektion  hat er nämlich nicht nach atemberaubenden Effekten gesucht, sondern sich auf das Schlichte für den Alltag konzentriert, mit dem Ziel, dafür eine zeitlose Eleganz wiederzufinden, die als Leitlinie des Schaffens eine Garantie für höchste Ansprüche jenseits des Spektakulären verläßlich ist. Die Schau von ioannes am ersten Tag legte die Messlatte – zumindest in dieser Hinsicht – für alle folgenden hoch, und das auf gewissermassen leise Art.

Johannes Boehl Cronau hatte angekündigt, dass dies seine letzte Schau sei, zumindestens in einem solchen Format. Nach der letzten Saison in Paris mit Schauen im Palais de Tokio und den Galeries Lafayette Anticipations kam er zu dem Schluß, den modischen Wandlungserscheinungen den Rücken zu kehren und sich nun auf die Klassiker und Werte zu besinnen, die seine Leitphilosophie des Entwerfens ausmachen: eine Haltung und eine ästhetische Sprache. Nicht als Wiederholung sondern als Konzentrat, als Bekleidungsfreude und nicht als spektakulären Effekt. Dazu gehören eine Reihe persönlicher und geistiger, modischer Archetypen aus seinem Gedächtnis. Das sind zum Beispiel Schneiderstücke aus den 90er Jahren, wie Jil Sanders Büroanzüge, verbunden mit dunklem Lippenstift und spitzen Absätzen. Und auch das, was man als „transitional Dress“ bezeichnet, also die Kombination von Be- und Entkleidung im selben Teil.

Für eine bewußt „letzte Schau“ ist das schon eine Herausforderung an sich selbst, aber auch an das Publikum, das ja stets neue Trends und Ideen erwartet. Klassische Strickjäckchen und schlicht gehaltene Businessanzüge liegen da nicht im Erwartungshorizont, die zugrundeliegende Eleganz in diesem Fall schon – und die wird hier selbstverständlich auch bedient. Und sie ist es, wenn wir hier von einer qualitativen Messlatte spekulieren. Ob die Rückschau, Rückbesinnung, der Rückzug auf Klassisches und sogar Konventionelles ein Zeichen setzen wird, das Folgen hat, darf man dagegen bezweifeln. Letztlich demonstriert das ja auch ein Stück Konservativismus im Modebereich und ob der bei gleichzeitiger Beschleunigung subversiver Innovation und anderer Interessen (genauso wie in der Gesellschaft allgemein) ein anzustrebendes Ziel ist, muss sich jeder selbst beantworten. Vielleicht betrifft das sogar auch den Wert von Eleganz an sich, den die Entwicklung ja auch schon mehr oder weniger dahingerafft hat.

Den Titel der Kollektion „Apokalypse“ will Boehl Cronau nicht als Untergang verstanden wissen, sondern als Offenbarung. Mit der Suche nach den zugrunde liegenden Werten dieser Kollektion geht es ihm allerdings in erster Linie um eine gestalterische Selbstfindung und in diesem Sinne weniger um eine Proklamation eines Trends. Es klingt geradezu wie der Versuch, ein eigenes Geschmackstestament zu schreiben.
Sehr schön war die Schau allerdings wirklich und der demonstrative Ruf nach mehr Eleganz ist eigentlich ja auch berechtigt.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Das Berliner Label Ottolinger der beiden Schweizerinnen Christa Bösch und Cosima Gadient focussiert sich auf die innovative Prägung dessen, was als berlintypischer Style gilt und erweist sich damit als zunehmend erfolgreich. Nun erscheinen sie erstmals auf der Fashionweek im Intervention-Programm mit dem Anliegen, sich als Szene-Label größer zu etablieren.

Das Publikum war entsprechend szenemäßig, Insider und frühe Fans des eigenwilligen Labels, das ihnen für seine subversive Energie mit dekonstruierten Silhouetten und rohen Oberflächen bekannt ist.

Der Typus einer jungen Frau, der hier bedient wird, ist nicht die Heidi aus dem Schwarzwald, sondern etwa der einer etwas unzuverlässigen Person, die mit leicht selbstherrlichem Auftritt einen etwas exzentrischen Kleidungsgeschmack vorführt, das aber wohl überlegt und mit ungewöhnlichen Akzentuierungen. Dazu gehört zum Beispiel die überraschende Wahl von Stofflichkeiten, von Pants und schmalem, flachem Bandeau-Top oder verworrenes Schnittwerk, das das Ganze irgendwie zusammenhält. Nichts ist wirklich grell, weder die Farben, noch die Kontraste oder die Gesamtarchitektur, aber doch vieles ein wenig neben der erwarteten Spur. Daraus wurde ein Style entwickelt, der die Lust am leicht Verpeilten thematisiert und feiert und was viel Freiheit und Kreativität ermöglicht. Dazwischen erscheinen auch relativ konventionelle Kleider, ohne das als Kontrast spüren zu lassen. Es tauchen diverse „Schutzelemente“ auf, für’s Gesicht große Sonnenbrillen, für die Brust die erwähnten Bandeaustreifen oder als zusätzliche Gurte oben drüber, die auch sonst oft deplaziert angebracht werden. Etwas bewußt deplatziert ist einiges aber nie alles. Außerdem stets ein paar wild herumschwingende Strippen, die das frei Bewegte des Erscheinungsbilds verstärken. Gleichwohl bleibt das Dekonstruierte körpernah und sehr weiblich ausgelegt, meist, aber nicht immer. Das einzige Herrenoutfit findet auch eine geeignete männliche Note des Prinzips. Dabei sind die Grenzbereiche manchmal fluide. Das gilt für viele Aspekte des Konzeptes, scheinbarer Festlegung wird immer wieder mal deutlich entgegen gearbeitet.

Der Typus ist also die junge Frau, die einem oft im Leben begegnet, häufiger noch im Internet, trotz vieler charakteristischer Verpeiltheiten ist sie pragmatisch, straight und selbstbewußt, mit gelegentlicher Schlampigkeit, und auf dem Laufsteg wirkt manche auch launisch dazu. In Geschmacksfragen ist sie nicht gerade anspruchsvoll aber auf jeden Fall eigen und umgibt sich auch mit einigen gefundenen Trouvaillen der ausgefallenen Sorte. Wie wir schon bei Sia Arnika anmerkten, kommt die Erscheinung der noch etwas unsteten und „unfertigen“ Generation in Berlin hier ebenfalls zum Tragen, wenn auch gestalterisch prägnanter formuliert und als selbstbewußter beschrieben. Dieser Designerinnen-Mut wird immerhin von der Fanschaft mit großer Begeisterung gefeiert und Heidi ist konzeptuell als eine „berlintypische“ Kollektion zu verbuchen. Das Weitere besorgen die Influencerinnen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Nach diversen Schauen in Paris betritt das Label ioannes nun auch die Fashionweek Berlin und bringt den Anspruch von Eleganz und Geschmackssicherheit in die letzte Schau des Berliner Reigens Frühling/Sommer 2026 zurück. Und das mit einiger Verve: „Dornen wachsen besser als dickere Haut“.

Das Konzept der Kollektion des Designers Johannes Boehl konzentriert sich auf das moderne Selbstverständnis der Frau, zwischen den Polen von akzentuierter Weiblichkeit und selbstbestimmter Kraft im Auftritt. Eigentlich führt die Schau die übliche französische Modeposition vor, denn sie vereint diese scheinbare Ambivalenz mit großer Selbstverständlichkeit, während man hier Emanzipation erst einmal diskursiv und theoretisch zu lösen versucht.

Der gestalterische Anspruch bei ioannes ist stets das komplette Erscheinungsbild von Kopf bis Fuß, also von der ausgewählten Sonnenbrille (MYKITA) über den Kleidungsentwurf und den prägnanten Schmuck bis zu stilgerechtem Schuhwerk, das gegebenenfalls auch einen eigenen Gestaltungsmodus erfährt. Alles erscheint sehr „bestimmt“ in der Anmutung, schlüssig und charismatisch. Zartheit wird Stärke und die Stärke erscheint subtil ausgespielt. Lässigkeit entsteht durch Selbstbewußtsein und geschmackliche Souveränität.

Das ist, so ungefähr, der französische Modemodus, den man in Paris auch als real gelebt in der Öffentlichkeit erfährt und mit Hilfe dessen man auch die philosophische Positionierung der Frau, ihr Selbstverständnis als emanzipiert im gesellschaftlichen Kontext, wahrnehmen soll. Dabei werden die gestalterischen Codes stets dem guten Geschmack unterstellt, denn der ist letztlich die eigentliche Kraft für überzeugende Wirksamkeit. Hierzulande ist es oft der ideologische Überbau – Nachhaltigkeit, Auflehnung gegen tradierte Erscheinungsbilder, Generationskonflikte und vieles mehr -, der den modischen Auftritt bestimmt, Geschmack und Eleganz sind eher eventuelle Optionen oder Extras; in Berlin sind sie nicht selten sogar ein No-Go.

Das Spiel des Modedesigns schöpft bei ioannes vielfach aus Kontrasten, die die Anschauung spannend machen, ohne widersprüchlich zu werden. Lockeres, zum Beispiel Bänder an der Tasche, wird mit geometrisch Strengem, zum Beispiel Blazer, verbunden, kraftvolle Schlangenprint-Boots werden zu kurvigem Schlauchkleid gefügt, gefährlich spitze Sandalen zu transparentem Kleid, extra lange Ärmel zu sehr kurzem Kleid, rosa Minikleidchen werden mit schwarzen, blickdichten Strümpfen getragen. Das aber ist kein festes Prinzip, denn Farbspiele, Transparenzen und Materialzusammenstellungen können auch als Nuancierungen den Look bestimmen. Hinzugefügte Elemente sichern stets klare Positionierung, besonders Sonnenbrillen (Distanzierung), kompakte und kräftige Ohrclips, strenge Frisuren, unverspieltes Make-Up. Jede Gestalt bekommt starkes Charisma, egal ob ein romantischer Touch oder schwarze Hochgeschlossenheit Ausgangspunkt des Typus ist.
Und: die moderne Pariser Frau wird ihre Sexyness damit niemals aufgeben sondern unterstreichen.

Mit geschmacklich souveränem Spiel wird so die emanzipierte Frau der Gegenwart definiert, zumindestens in dem Sinne, wie Paris das versteht, und als eleganter Einwurf (sogar als letztes Wort) auf der Berliner Fashionweek kann oder sollte das durchaus zu denken geben.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Eine funktionale Halle, weit im Berliner Osten, dunkel gehalten mit schwarzem Molton, mit ein paar von der Decke herabhängenden Neonröhren und einer US-amerikanische Stretch-Limousine waren die Kulisse für die neu vorgestellte Kollektion der in Berlin ansässigen dänischen Designerin Sia Arnika. Immer wieder hat die Designerin in der Vergangenheit als ihre Inspirationsquelle nordische Künstler und deren Werk angegeben. Diesmal wird auf Karl Ove Knausgård verwiesen, ein preisgekrönter norwegischer, zeitgenössischer Autor, der vielfach einem essayistischen und introspektiven Stil zugeordnet wird und stark autofiktional schreibt. Es geht Sia Arnika beim Modemachen also offenbar um grundlegende Befindlichkeiten, bezogen auch auf ihr gewähltes Leben in Berlin. Und um Autofiktion.

Wenn man solchen Betrachtungen Raum geben will, passt das Mittel der Autofiktion modisch durchaus zu Berlin. Die Stadt war schon oft ein Tiegel, in welchem Realität, Projektion und Fiktion künstlerisch ineinander übergegangen sind, und auch heute ist die Stadt wieder eine Plattform für die Verarbeitung der persönlichen Historie und Emotionalität, viele Protagonisten sehen sich geradezu herausgefordert, sich künstlerisch selbst zu inszenieren und in eine Fiktion des Selbst zu gleiten. Manche siedeln sich gerade deshalb in dieser Stadt an. So verschmelzen autobiografische Elemente mit fiktionalen Erzählformen, und diese werden hier als Mode oder als „Content“ in sozialen Medien kommuniziert: jeder steht im Mittelpunkt seiner eigenen Realitätsblase mit dem Wunsch nach sozialer und künstlerischer Wahrnehmung. (Die digitalen Medien unterstreichen ohnehin, dass eine Trennung von Fiktion und Realität keine echte Bedeutung mehr hat – „Das Medium ist die Botschaft“, schrieb schon 1964 der kanadische Medientheoretiker Marshall McLuhan.)

Soweit wäre ein philosophischer Überbau denkbar, demnach wirft Sia Arnika die Frage nach der Bedeutung der eigenen Mode im Kontext „Berlin“ auf, nach der Positionierung einer recht jungen Altersgruppe. Es geht darüber hinaus um Orientierung in der Adoleszenz, das Suchen nach einem Weg von der Kindheit zum erwachsenen Sein, aber auch darum, wie das Erwachsensein mit fortschreitendem Alter an Kindheit und Jugend festzuhalten versucht. Ihr Spiel wird irgendwie ernst, es wird mit der eigenen sexuellen Attraktivität kokettiert. Das Design spielt dabei gestalterisch mit Überhöhungen und Assoziativem und nutzt alle möglichen künstlerischen Freiheiten. Die sexuelle Selbstentdeckung wird zum Beispiel mit  knappen, bunten Damenlooks, Blicken ins Dekolleté, Transparenz und anderen klassischen Codes thematisiert. Kurze Röckchen bei den Damen stehen neben sportlich reduzierten Looks für junge männliche Protagonisten. Materialien werden wild gemischt, und Zusammenhänge werden immer wieder aufgebrochen. Die optische Wahrnehmung zieht oft etwas nach unten. Gleichzeitig erinnern weich geschwungene Abschlüsse und Silhouetten partiell an klassische Formgebungen der 1960er und 1970er Jahre bei Damenkleidchen.
Die Herren verharren „casual“, wenig zuordbar, die Oberbekleidung mal flächig „en bloc“ oder mit Drucken auf den Textilien. Der junge Mann bei Sia Arnika darf kommenden Sommer ruhig mal in Unterhose und -hemd auf die Straßen gelassen werden und trägt trotzig ein Halbarmhemd offen. Einerseits kann man auch das als visionär verstehen, realistisch gesehen folgt es andernfalls, ganz nebenbei, der Berliner Unbekümmertheit in Sachen Erscheinungsbild in der Öffentlichkeit.
Ein sehr eigener Kosmos wird hier thematisiert, wohl darum wirkt die Kollektion auf den ersten Blick gestalterisch zusammenhangslos und auch irritierend.

Immerhin wird das Ganze in der Schau durch die Stimmung und Abfolge der jeweiligen Looks dann doch zu einem einigermassen konsistenten modischen System, wenn auch sehr schräg. Es verharrt als Anmutung in einem Hauch von traumhaft, verstörend und tiefgründig surreal – ja, eine Traurigkeit im Sommer, Trauer über den Wandel und das Eingeständnis, dem Wandel der Zeit zu unterliegen.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

„Berlin Curated“ ist ein neues Show-Format, das verschiedene junge Talente präsentieren will. Initiiert wurde es von Christiane Arp (Zitat:“Die Berlin Fashion Week ist die Bühne für aufstrebende Talente,“) und ausgeführt wird es von Sevil Uguz mit ihrer Agentur 0049x. Damit wird sinngemäß eine Brücke geschlagen, von Neo.Fashion, das gelungene Ausbildungsergebnisse zeigt zu den Programm- Schauen, eine Brücke, die den Einstand ins Professionelle ermöglichen will.

Mit Berlin Curated reagiert die Vorsitzende des German Fashion Council unter anderem auf die häufigen Vorwürfe, dass die wirkungsvolle Förderung von Talenten in Deutschland nicht effektiv angegangen würde, die Konzepte intransparent seien sowie auch auf eigene Erkenntnisse. Der Versuch, mit diesem Format nun eine relevantere Aussenwirkung zu erzielen, ist lobenswert, mit der großen Erfahrung von Frau Arp, auch im Kuratieren – siehe Berliner Salon -,  wird das sicher auch kompetent auf den Weg gebracht – wenn auch vielleicht von subjektiven Verfahren und Prägungen begleitet.

Die Probleme des Berufsstartes für Modedesigner sind hinlänglich bekannt, Sichtbarwerdung, professionelles Netzwerk, Medienrelevanz, Imageaufbau sind dazu einige Stichworte. Alles das ist schwierig, weil Deutschland keine solide Modeindustrie hat, wie sie in Frankreich oder Italien funktioniert und die Professionalisierung hier schwieriger zu richten ist. Aber Berlin Curated will für die zentralen Herausforderungen Mittel und Wege finden und bereit stellen, und vielleicht wird mit diesem Format auch transparent, wie es dann funktioniert.
Eine neue Webseite dazu gibt es jetzt auch (und natürlich Instagram).

Wir berichten seit vielen Jahren aus Hyères (Frankreich) und wissen, wie das erfolgreich aussehen kann: kompetente und jährlich mit großen Namen neu besetzte Jurys wählen aus und die Wettbewerbssieger zeigen ein Jahr später dort mit neuer Kollektionsschau, was aus der bereitgestellten Förderung geworden ist. Teil der Förderung ist eine große Schau zur FW Paris. Aber dort spielen die großen Modehäuser eine wesentliche Rolle in der Unterstützung, was hierzulande eben nicht verfügbar ist. Auch die Fashioncouncils anderer Länder beziehungsweise Städte haben im Laufe der Jahre wirksame Verfahren entwickelt (besonders interessant: London).

Mit dieser ersten Schau von 16 ausgewählten (studentischen) Talenten mit 42 Looks wird nun also ein neuer Anfang eingeläutet. In der Regel drei Looks durften die Designer präsentieren, manches erscheint noch studentisch experimentell, manches etwas theaterhaft, einiges fasst modische Trends zusammen oder stellt liebevolles Schneiderhandwerk heraus und manches mutet schon recht geschmackssicher an. Additionen, Dekonstruktionen und große Volumina sieht man häufig, ökologisches Bewusstsein muss als selbstverständlich gelten und ist auch nicht selten gestalterische Innovationskraft.

Wir wünschen dem Format und dem Konzept viel Erfolg!

*

(Foto Netzfund)

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Ästhetische Vorschläge, wie Streetwear im europäischen Sinne neu aufgestellt werden könnte, gibt es ja nicht wenige, in der Überzeugungskraft und vor allem in der Durchschlagskraft führen die erdachten Vorstellungen aber nur bruchstückhaft und sehr langsam zu innovativen Standards. Ein einheitliches Bild führt das Label sample030 von Designer Ruben Jai vor.

Die geschickte Zusammenführung von Streetwear-Ästhetik mit Anti-US-Mainstream und Upcycling findet hier zu einem eigenen Stil, der vormacht, welche Gestaltungsmodi ein wirkungsvolles Bild prägen können. Ganz frei von eher unattraktiven und gewohnten Elementen wie Flecktarn, Kaputtmachen und ungewöhnlichen Längen schlecht sitzender Hosen sind viele Looks zwar nicht, die muss man wohl als „Basics“ verbuchen, aber ihre Aufbereitung und der innovative Reichtum in einem geschmacklich schlüssigen Gesamtkonzept ist wirklich bemerkenswert.

Grundlegende Herausforderung für Streetwear – als Anti-Konzept – ist es ja, Häßlichkeiten attraktiv zu machen, ihnen die spannende Reize abzugewinnen, die meist erst auf den zweiten Blick erkennbar werden. Und die weitere ist es, in der Zusammenstellung der verschiedenen (neuen oder übernommenen) Codes eine ästhetische Einheit zu kreieren. Beides gelingt sample030 sehr überzeugend, umso mehr als auch spezifische Berliner Trends dabei zum Tragen kommen. Denn besonders diese sind es, die den Anti-Mainstream bewußt prägen.

Nicht von ungefähr fand darum die Schau auch in einer rauen Lagerhalle mitten in Neukölln statt, im The Cank Berlin, im wohl roughsten urbanen Umfeld, das Berlin aufweist. Die gezeigte Kollektion war dann auch bruchlos die entsprechende Veredlung dieses Ambientes und machte ihrem Namen Ghetto Express alle Ehre. Dabei verzichtet der Designer weitgehend auf den Rückzug auf „Berliner Schwarz“ oder auf billige Schlagwortprints, im Gegenteil, die Farbigkeit zwischen Unbuntem und verschatteten Farben – zum Beispiel oliv oder verblichenes Jeans-Graublau, Beige und Erdfarben – erzielt oft unerwartete Akzente, ohne laut zu werden. Auch die Schnitte und Architekturen und die Printakzente verzichten weitgehend auf auffällige Übertreibungen oder Stilbeharrlichkeiten und behalten trotzdem den Touch des Ungewöhnlichen. Dasselbe gilt ähnlich für die anderen Gestaltungsaspekte wie die Materialmixe, den Umgang mit Upcycling, das dekorativ Undekorative, die Stilbrüche – alles ist da aber nichts ist aufdringlich oder „gewollt“.

Im Endeffekt gelingt Ruben Jai etwas sehr Ungewöhnliches, nämlich annähernd so etwas wie eine Eleganz der Anti-Ästhetik. Die, traurigerweise, findet allerdings doch noch einen Bruch: Das durchgehend entsetzliche Schuhwerk. Diese geschmackliche Bösartigkeit ist zu radikal, die läßt sich wohl nie und nirgends ästhetisch aufwerten sondern gehört verboten.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Selbstreflexion der Modemacher zum Stand der Dinge in der globalen Branche hat zu einem eigenen Darstellungsmodus ihrer Labels geführt, der nun selbst Mode geworden ist. Mit Buzigahill ist in diesen Kontext jetzt ein weiteres Label hinzu getreten, das, wie auch schon Palmwine Icecream, Probleme des afrikanischen Kontinents besonders akzentuiert herausstellt. Denn dort lädt die westliche Welt ihren gebrauchten Fast-Fashion-Schrott en masse ab und zeigt gerade damit die verwerfliche Marktpolitik ihrer Produzenten am penetrantesten.

Dass dieser Reflex afrikanischer Modemacher nun auf der Fashionweek in Berlin eine besondere Bühne bekommt, verweist auf das relevante Bewußtsein und die große Bedeutung, die dem ökologischen Aspekt der Mode hier zugewiesen wird und unterstreicht das politische Anliegen der jungen Modewelt auf das sinnfälligste.

Buzigahill ist das Label für eine kollektive Produktion in Uganda (und darüber hinaus reichend) mit der Absicht, Textilkolonialismus, Ownership und Rückgewinnung in seinem Herstellungsprozess als gesellschaftspolitisches Statement vorzuführen. Nachweise zu (und an) jedem Kleidungsstück zu seiner Herkunft, Beschaffenheit und  seinem Produktionszeitraum werden wie ein Pass mit einer Identitätsnummer dokumentiert und in einem kleinen Infoheft detailliert aufgelistet. So bringt das Vorgehen den Modeschrott aus Europa, Nordamerika oder Asien klug und innovativ aufbereitet wieder zurück in sein altes, westliches Umfeld (Return to Sender), versehen mit Hinweisen, die der erneuten Nutzung auch ein erneutes, erweitertes Bewußtsein hinzufügt.

Die gesellschafts- und systemkritische Grundlage dieser Modeschöpfung wird bei Buzigahills Schau von Anfang an durch einbettende Inszenierung ins Bewußtsein gerückt, mit beginnender Stille, eingelesenen Passagen aus der UN Menschenrechtserklärung in 17 Sprachen, endend mit dem Satz „Alle Menschen sind frei und gleich an Würde und Rechten geboren“, mit Infomaterial und nicht zuletzt einem gewählten Publikum.

Die Produktionen der Looks sind sehr vielfältig und komplex angelegt – handgefertigte Patchworks, traditionelle Stickkunst eines Kollektivs aus 46 süd-sudanesischen Frauen im Bidi Bidi-Flüchtlingscamp und viele weitere überraschende Kombinations- und Upcycleverfahren in Material und Aufbereitung geben den Outfits einen Background, der sich als entscheidender Aspekt dieser Mode versteht. Und der auch vorführt, dass nicht ein Lieferkettengesetz, ein wenig Upcycling oder neue Ökomaterialien schon alles ist, was hier neu gedacht werden muss. In dieser Hinsicht ist diese Schau auf der Berliner Fashionweek einer der wichtigsten und überzeugendsten Beiträge.

In anderer Hinsicht, nämlich der ästhetischen Prägung – für sich und auch fürs Ganze –  genommen, bleibt vieles noch offen, denn deutlich gemachte gesellschaftspolitische Positionierung ist noch kein ausreichender ästhetischer Modus. Zudem sieht man den Sachen ja auch nur gelegentlich an, was dahinter steckt. Das Erscheinungsbild der ursprünglichen Teile, meistens ja Streetwear, ihre modischen Codes und die materialgeprägte Sportlichkeit erscheinen oft ungebrochen beziehungsweise repetiert wieder, sei es in den seitlich offenen, geknöpften, dünnen Hosen oder in den aufgeduckten Sprachfetzen (BIG, Try Jesus, Easy Love) und Signets (Addidas-Steifen, Nike-Haken, Labelnamen). Auch mit den üblichen Schichtungen, Dekonstruktionen und Mixturen entsteht letztlich noch kein eigener visueller Style, der eine Unverwechselbarkeit des Labels herausarbeitet und auch eine dazu gehörende formale Neupositionierung anstrebt. Es gibt zwar schon einige Besonderheiten, wie zum Beispiel den Denim Faltenrock und ein paar andere Pfiffigkeiten, aber viel eher findet man wieder, was man schon anderswo gesehen hat und vor allem viele Hässlichkeiten der amerikanischen Streetwear, inklusive baumelnder Shorts, tief hängender Hosenbünde (nun mit Unterhosenabschnitt fertig vernäht), fetter Prints und batikgefleckter Jeansjacken, bleiben Teil (manchmal auch Grundlage) der Gesamtästhetik. Hier sind die zutiefst negativen, proll-ästhetischen Standards der Fast-Fashion-Modewelt nicht analog zu den negativen Prozessen ihres Produktionssystems reflektiert. Dabei sind sie auch Teil dessen. Und diese Erscheinungsbilder wollen wir doch eigentlich ebenfalls nicht mehr. Nun, das ist vielleicht der zweite Schritt, auf den man noch warten muss.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Erneut bringt der Designer Kusi Kubi in Berlin im Rahmen der Modewoche seine Kollektion Frühling-Sommer 2026 auf den Laufsteg, die sich dieses Mal mehrheitlich Damen-Looks zuwendet, geradezu eine Ode an die Frauen. Sie knüpft stilistisch und gestalterisch an den starken Auftritt vom Januar 2025 an und bleibt, sowohl, was die Farbpalette, als auch was die Materialwahl betrifft, der bisherigen Konzeption treu.

Für die Präsentation wurde der Hinterhof eines Clubs gewählt, im sogenannten Ölgarten auf der Lohmühleninsel in Berlin-Kreuzberg. Dies war atmosphärisch eine viel besser geeignete Location als das Berghain letztes Jahr. Die hochsommerlichen Temperaturen brachten das Publikum bei der Schau zum Schwitzen, während die Modelle leicht abgeschattet unter einem lichten Blätterdach recht lebendig die neuen Kreationen vorführten.

Kusi Kubis Mode greift auf den reichen kulturellen Fundus der mehr als 100 verschiedenen Ethnien und zahlreichen indigenen Sprachen des Landes zurück und verarbeitet zeitgenössische Strömungen von Street- und Clubstyle. Es finden sich bei den Entwürfen Anlehnungen an Kente-Stoffe und Adinkra-Symbole, die vor allem bei den Applikationen und den schmucken Accessoires der Damenlooks zu finden sind. Diese Kollektion präsentiert, wie erwähnt, eine fokussiertere Interpretation der Damenmode, mit sinnlichen, verspielten und feierlichen Silhouetten, vielen hautengen, taillierten Schnitten, die die Wärme und Energie der Saison widerspiegeln und deren durchgängig sehr warme und kraftvolle, erdig gehaltene Farbpalette – Braun, Dunkelrot, Orange und Grüntöne – Westafrika assoziiert.

Die Kollektion entstand in Zusammenarbeit mit traditionellem, lokalem Handwerk in Ghana. Dabei war Upcycling dem Designer nach wie vor besonders wichtig – vor allem bei der Verwendung von Leder. Dafür wurde auch auf Restbestände von Baumwollstoffen (sog. Deadstock) zurückgegriffen und dekorativ leichter und transparenter Organza in Kombination mit Mesh verwendet. Letzterer ist insbesondere bei Sport- und Streetwear sehr beliebt. Durch Mesh und vor allem Organza sind viele Looks von luftiger Struktur entstanden, die mit Flächen- und Materialkontrasten spielen. Die Flächenkontraste sind deutlich ausgeprägt bei Herrenwesten und Jacken, während Organza vor allem die kurzen Damenlooks verfeinert. Hier finden sich bei den Damen freche Shorts, knappe Röckchen – teilweise aus Leder mit Fransen – oder ein kurzes, körperbetontes Schlauchkleid in geschecktem Goldgelb und passenden Opernhandschuhen. Als Gegenstück finden sich bei den Herrenlooks lederne Shorts, die lässig daherkommen.

Insgesamt vermittelt die Kollektion eine positive Einstellung zur Körperlichkeit, sie ist dekorativ und repräsentativ, ohne sich dem Formellen anzulehnen und findet einen sehr eigenen, atmosphärischen und menschlich warmen Charakter. Alles das in der konkreten Umsetzung gekonnt, stilsicher, mit elegantem Geschmack – und unaufgeregt von ökologisch hohem Anspruch.

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