Text: Boris Marberg

Artikelbilder: HDK, Cover Boris Marberg

Am vergangenen Samstag fand im Kunsthaus Baselland die aktuelle Präsentation und Performance der Graduierten des Jahres 2026 im Studiengang Doing Fashion statt. Ein guter Anknüpfungspunkt, sich mit dem Studiengang und der Ausrichtung der HGK in Bezug auf Modedesign zu beschäftigen.

Unsere Sichtweise auf Mode und den entsprechenden industriellen Komplex unterliegt seit Jahren einer Polarisierung, die von Fast Fashion und einer zunehmend (un-)social-media-bedingten Beschleunigung geprägt ist. Die individuelle Orientierung wird für die jüngere Generation zu einer existenziellen Herausforderung. Die Beschleunigung, der zeitgenössische Akzelerationismus, ist zwar nicht abrupt vom Himmel gefallen, wütet aber aktuell kulturell wie noch nie und frisst schonungslos, gewinnmaximierend, die Ressourcen. Berge an überproduzierter Kleidung häufen sich an und stellen Fragen nach Alternativen in den Raum, denen man sich auch in Basel annimmt.

Bereits 2011 fand eine tiefgreifende Umgestaltung und Neuausrichtung des Studiengangs statt. Unter der Leitung von Jörg Wiesel, der aus der Theaterwissenschaft und Literaturwissenschaft kommt, wurde ein Bachelor of Arts (BA) in Mode-Design konzipiert, der Mode nicht nur als fertiges Produkt fokussiert, sondern Mode als Prozess und soziale Handlung versteht. Während früher in Basel klassisch Modedesign gelehrt wurde, mit allen Aspekten der Gestaltung und der technisch-handwerklichen Umsetzung, geht es an der HGK nun darum, an einer gesellschaftlichen Schnittstelle anzusetzen. Die Studierenden setzen sich mit Themen wie Gender, Nachhaltigkeit, digitalen Räumen und sozialer Gerechtigkeit auseinander. Früher lag das Hauptgewicht auf dem Erlernen von Schnitttechnik, Materialkunde und der Fertigung physischer Kleidungsstücke für einen klassischen Markt. Heute beschäftigt man sich damit, Mode gesellschaftskritisch zu hinterfragen, wie sie wirkt, und welche gesellschaftliche und kulturelle Funktion sie hat. Konsequent findet für die Absolventen nicht eine klassische Modenschau statt, sondern eine Live-Performance und Installation bilden das Format für die Vermittlung.

Das erarbeitete Wissen und die gefundenen Prozesse sollen eine Basis bilden, um die erworbenen Fähigkeiten als Impulse in einem dann folgenden weiteren Designwerdegang einzubinden und mit einer kritisch reflektierten Sichtweise neue Impulse nachhaltig in die Branche zu vermitteln.

In den vergangenen Jahren hat diesen Werdegang unter anderem der junge, prämierte Designer Rafael Kouto durchlaufen, der 2014 seinen Bachelor in Basel machte, um dann seinen Master in Amsterdam zu absolvieren. Er steht für radikales Upcycling, Open Source in der Mode durch demokratisierte Wissensvermittlung und Bildung in der Schweiz.

Die aktuelle Performance wurde von den Studierenden zusammen mit Nils Amadeus Lange, Dozent für Performance und Präsentation an der HGK, konzipiert und umgesetzt. Im Kunsthaus Baselland wurden dann einzelne Fragmente der im Rahmen der Abschlussarbeiten konzipierten Performances gezeigt.

Bada Mirjam Kunzi

Hannah Maywald

Jerômé Spiria

Noemi Sophia Henkel

Sofiia Schmanskaya

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Text & Bilder: Boris Marberg

In der Tiefgarage des Basler Casinos präsentierten die Absolventen des Studienganges Modedesign ihre Abschlusskreationen am 9. März. Insgesamt zeigten 21 Designer jeweils eine Reihe von Kreationen. Die gesamte Veranstaltung und Schau stand unter dem Motto „Player“, was wohl dem Veranstaltungsort geschuldet war und als größerer Rahmen gedacht war.

Manchmal erweist es sich als vorteilhaft, wenn man sich Eindrücken, die man gewonnen hat erst wieder mit einem gewissen zeitlichen und räumlichen abstand zuwendet. Nun sind es schon einige Wochen, dass die Schau in Basel einen guten Aufhänger geboten hat, sich aus einem anderen Blickwinkel Mode zu nähern und eine spezifische Fragestellung in den Raum zu stellen – Wie fühlt sich Mode an? Die Frage mag angesichts dessen, dass landläufig Mode meist als etwas visuell Erfahrbares und Gegenständliches wahrgenommen wird, irritieren. Würde der visuelle Standpunkt doch in erster Linie in dem Raums stellen, wie wird Mode gesehen, gezeigt und welche Metaebene wird dem Zeigen zugesprochen. Farben, Formen, Muster und das ganze gestalterische Spektrum bis hin zu Flächen-Rhythmen und Volumen sind im fachlichen Diskurs über Mode sehr präsent. Kurz denkt  man an Wasili Kandinskys Grundwerke der Bauhausschule.

Weitergehend stellt sich hieran dann die Frage, wer nimmt wahr und welchem Kontext entspringt diese Wahrnehmung. Was will ich mit Mode zeigen, was sehe ich in Mode, mit der ich konfrontiert bin? In welchem sozio-ökonomischen Kontext spielt sich dieser visuelle Dialog ab? Über dieses Feld an Fragestellungen gibt es sowohl in der Populärliteratur (bis hin zu den einschlägigen Zeitschriften für Endkonsumenten), als auch in der wissenschaftlichen Literatur mannigfaltige Quellen und Abhandlungen. Anders sieht es aus, wenn man sich der Fragestellung, wie sich Mode anfühlt, aus anderen Sinnesfeldern annähert. Wenn hier von „fühlen“ im Folgenden geschrieben wird, dann ist dieser Begriff zum einen im Sinne von Emotion in der Definition und Abgrenzung zu einem Gefühl nach Aman Virani (Gefühle, 1. Auflage 2007, ISBN 978-3-940-77311-1) zu sehen, also eine komplexen emotionalen Mischlage. Diese Emotionalität, welche wir hier im Kontext von Mode betrachten, steht auch in einem engen körperlichen Zusammenhang. Mode erfordert Körperlichkeit. Wenn man dies als Narrativ anerkennt, zeigt sich schnell, dass unsere heutige weitgehend visualisierte Methodik einen Diskurs über Mode zu führen nur ein Bruchteil dessen aufgreifen kann, was Emotionalität und Mode verbinden kann.

Widmen wir uns also exemplarisch einem einzelnen (körperlichen) Aspekt, dem Material und wie sich dieses Material in der Mode anfühlt und wie es zu den gestalterischen Mitteln steht. Es ist eine Unterscheid, ob eine Skizze von einer Kreation betrachtet wird, oder reale Textilien an der Schneiderpuppe, am „Körper“ zum Beispiel durch Drapierung entsteht. Den Stoff in den Fingern zu haben, seine Eigenschaften zu spüren, ist von anderer Qualität, als eine deskriptive, visuelle Darstellung dessen zu haben, was dann im Endprodukt verarbeitet wird. Seide, Viskose, oder Elastan, das sind andere Sinneswahrnehmungen, als Denim, Wolle oder Polyester. Was sofort einleuchtet, spielt aber offenkundig in der visualisierten Welt eine andere Rolle, als wenn man eine Kreation direkt trägt. Wolle fühlt sich anders an, als Denim – sowohl auf der eigenen nackten Haut, also auch wenn man den Stoff zwischen die Finger bekommt. Die Bewegungsfreiheit, die Dehnbarkeit, das Absorptionsvermögen von Feuchtigkeit, wie auch kühlend und wärmend sind alles Aspekte, die sich direkt auf die Emotionalität über Körperlichkeit und körperliche Sensorik auswirken. Dies ist scharf davon zu trennen, welche Emotionalität die Mode-Kreation auslöst im soziologischen Sinnen und im sozialen Umfeld. Wird eine Kreation getragen um Status zu vermitteln, zu provozieren, um abzugrenzen ein entsprechendes Lebensgefühl zum Ausdruck zu bringen? Auch das hat mit Fühlen zu tun und mit Emotionalität, ist aber meist zwangsläufig wieder visuell ausgerichtet und mit der Funktion von Mode im sozialen Kontext verbunden (für die vertiefte Auseinandersetzung mit diesen Fragestellungen und Designtheorien sei verweisen auf Barbara Schmelzer-Ziringer, Mode Design Theorie, 2015, ISBN 978-3-8252-4403-3). Wie fühlt sich also die junge Mode, die in Basel präsentiert wurde an? Von dem Gesehenen und gezeigten kann nur anhand von eigenen Erfahrungen abgeleitet werden, solange die Kreaturen nicht in die Hand genommen werden, auf der eigenen Haut getragen werden. Hier haben die Modelle die auf einer Modenschau die Kreationen präsentieren dem zuschauenden Publikum natürlich etwas voraus. Hier zeigt sich auch die Grenze dessen, was eine Schau bieten kann, was aber auch jegliche rein visuelle Präsentation von Mode, sei es in einer Schau, in einem gedruckten Magazin, selbst in einer digitalen virtuellen Realität an Grenzen hat. Mode sollte sich gut anfühlen, wir sollten uns in Mode gut fühlen und sie sollte auch unseren emotionalen Grundbedürfnissen auf funktional gerecht werden – wärmen, bedecken, schützen. Hier könnte man natürlich den Begriff Funktionsbekleidung ins Spiel bringen um eine thematische Abgrenzung zu Mode zu generieren. Dies würde aber auch zwangsweise dazu führen, dass Mode aufgeteilt werden muss in die Felder Mode-Design, also dem Funktionellen verpflichtet und Kostümbildnerei, dem darstellend Gestalterischen. Gerade bei letzterem spielt das Fühlen dessen was man wie trägt im körperlichen Sinne wohl keine Rolle mehr. Hier steht im ausschließlichen Fokus, wie Mode beim Rezipienten, dessen der mit dem Kostüm und dem darin verkörpertem Ideeninhalt konfrontierten emotional bewirkt wird. Der Funktionsbegriff ist hier ein ganz anderer als im Design.

Zurück zu der konkreten Schau und Veranstaltung. An obigen Überlegungen orientiert, waren die gezeigten Entwürfe weitestgehend kein Mode-Design und auch keine Funktionsbekleidung. Vielmehr hat sich hier gezeigt, dass auf eine auf Außenwahrnehmung abzielende Gestaltung gesetzt wurde und nahezu alle Protagonisten vielmehr Kostümbildnerei betrieben haben, als sich mit Mode-Design auseinander gesetzt zu haben. Das mag legitim sein, auch eine gewissen Charme haben und eine Verspieltheit zu Tage bringen, aber wohl bei den meisten Menschen eher abschreckend wirken.

Lisa Preissle

Désirèe Müller

Bianca Luna Franzoni

Larissa Keller

Stefanie Herbstrith

Laura Müller

Duska Brunetti

Diana Chudoba

Yves Meier

Lida Noba

Myriam Misson

Kerstin Nemeth

Barbara Stutz

Jana Čolić

Victoria Waltisperg

Kira Melanie Lareida Avila

Chioma Adeyemi Blaser

Eva-Maria Schmid

Julia Lorenza Mir Toorchi

Gloria Regotz

Janine Reitmann

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die diesjährige Leistungsschau des Studiengangs zum Modedesign in Basel wurde unter den Begriff
LOOK THERAPY gestellt. In einer komplex konzipierten Performance zeigten die Studenten am 18. März ihre finalen Kreationen.
In einem industriellen Hallenbau fand die diesjährige Schau des Institut Mode-Design der Hochschule für Gestaltung und Kunst, genauer zugehörig zur Fachhochschule Nordwestschweiz statt. Der Begriff Modenschau greift aber wie auch in den vergangenen Jahren etwas kurz, auch wenn mit dem Schlagwort, oder Anglizismus „Look“ die visuelle Wahrnehmung oder auch Darstellung titulierend war. Weiße Linien, in stringent formellem Muster teilten den Raum neben drei bühnenartigen Plattformen, die deutlich erhöht waren. Eine weitere Trennung zwischen Publikumsraum und Bühne fand nicht statt, wurde aber durch Personen, welche wie „Eisbrecher“ sich auf diesen Linien durch das im gesamten Hallenbereich verteilten Publikum fragmentiert, um Laufwege für die Modelle durch das Publikum zu schaffen. Von oben betrachtet hätte die Installation grafisch sicher wie eine Konzeptstudie von Kandinsky zu seinem Klassiker „Punkt und Linie zu Fläche“ gewirkt.

Die vorgefundene Gesamtkonzeption hat es wohl auch bewusst dem Publikum erschwert, einen distanzierteren Gesamtblick auf die Entwürfe und das Geschehen zu bekommen. Vielmehr bleibt der „Look“ auf die Mode, also der Blick ebenfalls fragmentiert in der Wahrnehmung.
Einige der Studentinnen und Studenten, haben dann diese Aspekte schön in ihren Kreationen wiederfinden lassen, diese geradezu den Betrachtern angeboten. Neben der Einbettung in diesen groben konzeptionellen Rahmen, blieben aber viele Abschlussarbeiten sehr konträr und individuell losgelöst. Vergleiche zwischen den jeweiligen Studierenden verbieten sich aber eigentlich, da die Unterschiede und Ausrichtungen zu groß sind und Anlehnungen an bestehende Kollektionen anderer Designer sich nicht für Kritik eignen.
Einige auffällige und interessante Konzepte sollten aber genannt werden. Da war zum Beispiel Félicie Pythoud mit schönen massiven Silhouetten und vertikalen Brüchen, oder Timon Imveldt mit interessanten Interpretationen zeitgenössischer Männermode, während Barbara Muff oder Karin Meier weibliche Aspekte ansprechend aufgegriffen haben.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Modedesign an der Fachhochschule Nordwestschweiz firmiert gerade unter der Bezeichnung – INSTITUTE OF FASHION DESIGN BASEL – ACADEMY OF ART AND DESIGN. Die in Basel vorgestellte Graduiertenschau wurde entsprechend mit „some wear totally else – Graduate Show 2016” tituliert.

Zugegebenermaßen fällt der Einstieg in die Gesamtbetrachtung der Veranstaltung reichlich schwer. Hierzu ziehen wir die folgende Selbstbeschreibung heran – Zitat: “Das Institut Mode-Design zeichnet seine Philosophie mit einem eigenen Titel aus: Doing Fashion. Doing Fashion heisst, sich zu involvieren und verantwortungsbewusst an der Gestaltung von Gegenwart und Zukunft teilzuhaben. Das Institut Mode-Design Basel begreift Bildung als Investition in die Zukunft und Kultur/Kunst/Design als unverzichtbares Sprachrohr zur Welt, um kritisch die Gegenwart zu hinterfragen. Doing Fashion ermutigt junge Talente, sich kühn vom konventionellen Modeverständnis, von dessen Schönheitsbegriff und Körperbildern zu lösen. Das Entwickeln einer eigenen Gestaltungssprache als Modedesigner steht im Zentrum der Wissensvermittlung.“

Was ist also „doing fashion“ im allgemeinen Kontext des aktuellen wissenschaftlichen Diskurses darüber, was Modedesign ist (welche Definitionen hierfür herangezogen werden können) und worin zeigt sich gerade bei den vorgestellten Kreationen und Ansätzen der entsprechende Beitrag?

Bei der Definition von Design wird gerne auf die Funktion zurückgegriffen, die ein „Produkt“ erfüllen soll, technisch, als auch kulturell – sozial-gesellschaftlich und zunehmend in einer ökonomischen Betrachtung. Es wäre etwas vermessen, davon auszugehen, dass Modedesign tatsächlich in der Lage wäre maßgeblich ein Gestaltungswerkzeug für Gegenwart und Zukunft zu sein. Diese Aufgabe kommt wenn überhaupt der Kunst als Reflektion zu, nicht aber Design als Projektionsfläche und Wiederhall gesellschaftlicher Entwicklungen. Als (übersetzt) Akademie für Kunst und Design, ist die Betrachtung des in Basel im Gesamtkonzept gezeigten, allemal wert.

Entsprechend fällt eine große konzeptionelle Ambivalenz auf. Musikalisch wird in machen Begleitmusiken zu den einzelnen „Kollektionen“ auf Englisch Konsumkritik geäußert. Dem steht der Anspruch gegenüber, ein Produkt zu entwickeln und schlussendlich auch am Markt zu platzieren.  Wenn also negativ auf (Mode-)Konsum gezeigt wird, und auf der anderen Seite Produkte entwickelt werden, wäre es schlussendlich konsequenter, entweder das Kind gleich Kunst zu nennen, oder von dem Unterfangen in dieser Art Abstand zu nehmen. Der Schau an sich gelingt es nicht den Widerspruch aufzulösen. Modedesign wurde per Definition nicht wirklich präsentiert.

Zudem ist das Konzept der Schau wohl auch nicht darauf ausgelegt gewesen, die eigentlichen Entwürfe einem Publikum näher zu bringen. Vielmehr ist der Eindruck entstanden, dass die Schau eine (künstlerische) „Performance“ darstellen sollte. In sehr beengtem Raum, kunterbuntem Licht, und Unmengen an Nebel war von einem Großteil der Entwürfe nicht viel zu sehen. Von den restlichen Kreationen konnte das Publikum zudem oft nur die Rückseite sehen.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Auch im 2015 war es wieder in Basel an der Zeit, dass Absolventen der Hochschule für Gestaltung und Kunst der Fachhochschule Nordwestschweiz – kurz eben HGK – ihre Arbeiten dem Publikum präsentieren (unter dem Schlagwort doing fashion).

Neu allerdings war, dass die Werke nicht wie bisher auf dem Kasernenareal am Rhein in Form einer Modenschau gezeigt wurden, sondern außerhalb der Innenstadt in einer Industriehalle. Im Zentrum der ARFA-Halle wurde für das Publikum eine pyramidenförmige Tribüne aufgebaut (nebst einem Installations-Bereich), von welcher aus die Schau zu sehen war. Dabei liefen die Modelle, teilweise choreographiert um diesen Block, teilweise aber auch über Treppen auf der Tribüne. Choreografien mögen den Vorteil haben, dass ein Publikum unterhalten werden kann, brachten aber auch bei dieser Schau wieder mit sich, dass einzelne Absolventen in der Präsentation ihrer Werke untergegangen sind. Insgesamt lag der Schwerpunkt auf den Bachelor Absolventen. Das geschätzte Diplom aus Basel in Sachen Mode hat damit endgültig ausgedient und ist jetzt „globalisiert“ verlustig gegangen. Insgesamt wurden 21 Absolventen dezidiert in der Schau mit Namensnennung gezeigt. Im Anschluss wurde dem Publikum noch ein Block mit dem Titel „MA Graduates“ und wenigen einzelnen Looks gezeigt, der recht überflüssig war und auch nicht viel an Zuordnung mit sich gebracht hat.

Modisch war diese Sammlung an einzelnen Visionen von Mode recht inhomogen und hatte wenig mit der Gradlinigkeit und Strukturiertheit vieler junger Designer zu tun, welche wir bei gleichem Anlass in den vergangenen Jahren in Basel haben kennen lernen dürfen. Sehr vieles ist schrill, experimentell und oft gelingt nicht die Verbindung von Kreativität und Funktionalität, die einem konkreten Produktgedanken gerecht werden würde. Stattdessen hat der Humor etwas mehr Einzug gehalten. Der Fairness halber werden wir nicht auf die einzelnen Designer eingehen sondern nur Werke von jenen hier nach einigen Impressionen zeigen.

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Angela Thurnherr

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Arabella Miller

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Chantal Brogini

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Delia Matthäus

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Elena Hoffmeyer

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Isabelle Hunziker

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Isabelle Meyer

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Julia Zwahlen

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Laura Margna

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Lisa Rechsteiner

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Luca Xavier Tanner

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Manuela Thüler

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Marco Zwick

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Martina Sulka

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Nadine Michelle Scherer

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Noëmi Weber

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Olena Caduff

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Rebecca Ammann

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Romanin Sochon

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Ugo Pecoraio

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Yvonne Siegenthaler

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Text & Bilder: Boris Marberg

Make-Up & Haare: Denies Stettler

Model: Carolie H.

Styling & Bekleidung:  Baselisbeautiful

Basel is beautiful. Das ist nicht nur ein Statement aus einer Tourismusbroschüre sondern auch mittlerweile eine Institution in der Stadt am Rhein, die eine große Bandbreite an individuellen Sichtweisen und Punkte der Identifikation zu bieten hat. Das Basel neben Zürich die Modestadt in der Schweiz ist haben wir schon vielfach aufgezeigt.

Neben experimentellen und puristischen Labels hat die Stadt auch eine aktive Szene zu bieten die sich im Streetstyle austobt und hier Individualität an den Tag legt. Ein Kristallisationspunkt dieser Szene ist die Boutique „Baselisbeautiful“ von Daniel und Angie Roth. In einem sich über mehrere Jahre hinwegziehenden Projekt ist mit „Baselisbeautiful“ das entstanden, was unter anderem den typischen urbanen Look in Basel mit prägt. Daniel kommt ursprünglich aus dem Modelbusiness, in welchem er vor der Kamera in den späten 1990er Jahren eine Karriere machte. Hieran knüpfte er dieses Projekt an, welches am Anfang darauf ausgerichtet war andere Einsteigermodelle zu unterstützen und zu fördern – und das in Basel und nicht in Zürich.

2011 hat sich dann die Gelegenheit ergeben das Ladengeschäft zu übernehmen und in eine sehr individuell ausgerichtete Boutique zu verwandeln. Zusammen mit Angie, seiner Frau – welche als Make-Up Artist viele Jahre für internationale Weltmarken tätig war hat sich um die Boutique eine eigenständige, familiäre Szene gebildet, die im Vergleich zu anderen „Concept-Stores“, viel mehr zu bieten hat. Zu Live-DJs im Shop, einer sehr visuell künstlerischen Werbung hat sich eine dezidiert individuelle Bandbreite an Marken und Produkten gestellt. Die Boutique fungiert quasi als Showroom für Marken, die nur hier in Basel in der Schweiz erhältlich sind. Im Vordergrund stehen das Design, die Qualität und das Material. So finden sich hier die Highlights aus den Kollektionen von rund 30 Marken, welche überwiegend in Italien beheimatet sind. Daniel und Angie Roth schaffen es mit diesem Konzept kontinuierlich Mode-News für die Basler Szene zu setzen und das Stadtbild nachhaltig zu prägen.

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Text: Ann LaCroix & Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg

„Doing fashion“ ist der Projekttitel, unter  welchem uns die frischgebackenen Absolventen des Diplomstudiengangs Modedesign der Hochschule Basel jährlich ins Haus geschneit kommen. Nach mehreren Jahren der Abwesenheit sind wir wieder zu der Diplom-Modenschau in die Reithalle an der historischen Kaserne an den Rhein gekommen.

Neben Genf (Head) und Zürich ist Basel ein Studienort in der Schweiz, an welchem jährlich ein staatlicher Studiengang angeboten wird. So präsentierten an diesem (22.3.) lauen Frühjahrsabend 18 Absolventen ihre Entwürfe dem Publikum. Für die Veranstaltung waren Eintrittskarten öffentlich im freien Verkauf. Die Schau war in ein sehr stark visuell ausgelegtes Gesamtkonzept eingebettet. So wurde die Reithalle der historischen Kaserne Basel in Weiß getaucht. Das Publikum wurde um eine zentrale Fläche in der Mitte der Halle gruppiert und hatte weiße Stoffschützer über die eigene Schuhe zu stülpen. Auf dieser Fläche wurde eine ebenfalls weiße Podestinstallation, flankiert von aufgetürmten Fernsehbildschirmen, platziert. An der Decke wurde ein Raster aus duzenden Leuchtstoffröhren in vertikaler Ausrichtung als Grundbeleuchtung aufgehängt. Das kaltgrüne Neonlicht tauchte den Raum zusammen mit eingeflutetem Nebel in eine distanzierte, reduzierte und fröstelnde Stimmung. Als Grundkonzept hätte dieser Ansatz einen sehr guten und interessanten Rahmen für eine ansprechende, sachlich ausgerichtete Modenschau geboten. In Kontrast zu diesem dominanten Rahmenwerk stand dann allerdings die eigentliche Präsentation der Mode. Alle 18 Kernkollektionen wurden in einer gut eine Stunde dauernden Schau am Stück gezeigt, wobei jeder Absolventin und jedem Absolventen jeweils musikalisch eigenständige „Choreografie“ zugewiesen war. Gerade hier lag der Schwachpunkt des gewählten Konzepts. Bei vielen Schaufragmenten war es einem großen Teil des Publikums gar nicht möglich die Entwürfe komplett zu sehen. Gerade an den kurzen Flanken der Publikumsreihen konnte man oft nur einen wagen Blick auf die Silhouetten erhaschen und musste sich ansonsten bei fast der Hälfte der Looks mit der Rückenansicht zufrieden geben. Weiterhin war eine Teil der integrierten Präsentationen vom Publikum recht weit entfernt, oder im Rahmen der  individualisierten Lichtschau in Dunkelheit oder knall buntem Licht untergegangen. Viele Choreografien führten zu wild im Raum umher gehenden, oder sich entgegenkommenden Modellen, was zum Abschluss in einem wilden, anfallartigen Herumgezappel bei der letzten Absolventin gipfelte. Von dieser Kollektion konnte man beim besten Willen nur die Farbwahl der jungen Designerin festhalten, für welche sich diese entschieden hatte – die eigentliche Mode ging fast völlig unter. Diese Gegebenheiten machte es leider unmöglich eine umfassende Bildberichterstattung aller Absolventen und Looks zu realisieren.

In Bezug auf die Designphilosophie, so wie wir jene von der HGK Basel in den Jahren kennengelernt haben, ist oft eine freie, wenn nicht losgelöste Interpretationen von den Grundfunktionen bei Bekleidung. Der Topos „Form folgt Funktion“, wir sehr oft durchbrochen und teilweise in freier, kreativer Ausarbeitung konterkariert. Tradierte Formensprache ist deshalb seit Jahren nur bei wenigen Absolventen in deren Werken sichtbar und zeitgenössische Bekleidung findet sich indes selten. Vielmehr wird aggressiv und expressionistisch mit Volumen und Materialmixen gespielt. Im Ergebnis führt dies oft zu einer Verneinung der Funktion von Bekleidung insgesamt. Interessanterweise stellen sich gerade jene Designer, die in Basel zeigten positiv in eine progressive Ausgangsposition, welche in freier Interpretation sich Männermode widmeten. Hier wird erfrischend oft die gesellschaftliche Uniformität von Bekleidung durchbrochen und der Schwerpunkt auf Darstellung der Individualität in einem gesellschaftlichen Zusammenhang gestellt, welcher zum Ausdruck bringt, dass der Herr, der diese Kleidung trägt keinen Konventionen (mehr) unterworfen ist – beziehungsweise dies zum Ausdruck bringen will. Man(n) trägt Mode, um zu zeigen, dass man sich nicht äußerlich einem Diktat unterwirft, welches sagt: „Ich (Subjekt) zeige durch meine Kleidung, dass ich (Objekt) arbeite um meinen Lebensunterhalt zu verdienen“. Hiermit wird ob bewusst, oder unbewusst die momentan laufende Diskussion zu anderen Interpretationsansätzen aufgegriffen, welche Barbara Vinken mit ihrem aktuellen Beitrag „Angezogen“ mit angestoßen  hat.

Im Folgenden haben wir bei der Verschlagwortung der Bilder von der Schau bewusst darauf verzichtet, mit Bildunterschriften auf die Absolventen zu verweisen, oder direkt inhaltlich uns mit den Entwürfen im Konkreten auseinander zu setzen, den dies würde zum einen den Rahmen sprengen und zum anderen keiner fairen, ausgewogene Berichterstattung entsprechen. Vielmehr soll die rudimentäre Bebilderung dazu dienen einen emotionalen und ersten Eindruck über die Veranstaltung zu vermitteln – den bei aller Kritik und akademischer Auseinandersetzung bleibt auch festzuhalten, ein großer Teil des Publikums war gut unterhalten. Für einen weiteren Blick auf die Absolventen und Entwürfe erlauben wir uns auf die Dokumentation der Hochschule und des Projektes zu verweisen – hier.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Im Rahmen der vierten Auflage der Mode Suisse zeigte der junge Schweizer Designer seine urbane und androgyne Kollektion erstmals dem Fachpublikum.

Sandro Marzo (Absolvent der HGK Basel 2012, frisch prämierter Newcomer) zeigte seine zweite Kollektion mit einem deutlichen Statement an Urbanität und Distanz zu aufdringlicher Sexualität in der Mode. Schon auf den ersten Blick fällt die assoziative Nähe zu Designkonzepten der 1990er Jahre auf, die sich als „Antimode“ dem italienischen und französischem Trend widersetzt haben, ganz glamourös das Individuum fast seelenlos in den Vordergrund zu stellen. Entsprechend konsequent ist der geradezu Unisex-Look der gesamten Kollektion, die nicht wirklich zwischen den Geschlechter(-rollen) differenzierbar ist. In den vergangenen Jahren sind nur wenige Designer mit diesem Konzept am Markt wirklich erfolgreich gewesen, sondern haben vielmehr nur Nischen besetzen können. Dies liegt mit Sicherheit nicht an dem ausgereiften Konzept, mit welchem Sandro Marzo aufwartete. Vielmehr bestehen immer noch sehr viele Ressentiments sich mit Gender-Thematiken auch essentiell in der Mode auseinander zu setzen.

Die Silhouetten sind sehr locker und spielen mit aufgebrochenen Volumen ebenso wie mit Schichtungen und Asymmetrien. Die gesamte Kollektion ist „farblos“ und lehnst sich an urbane, triste Paletten an, was ideologisch sehr gut passt und authentisch ist. Sehr fein ist die Stricklinie gelungen.
 

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Bilder & Text: Boris Marberg

Als urbanes Statement hat die Schweizer Designerin ihre neue Kollektion mit „“She lives in a city overcrowded with people. She can choose but she doesn’t know where to go. Outside and inside aren’t the same. Everything is so close yet so distant.” umschrieben.

Im Rahmen der vierten Auflage der Mode Suisse, präsentierte die junge Designerin ihre neue Sommerkollektion, betitelt mit „If you ever need a stranger“, dem Fachpublikum. Die Kollektion knüpft systematisch und konzeptionell an die vorhergehende Kollektionen an, auch wenn diese nicht ganz so sehr den Schwerpunkt auf Klarheit und Reinheit setzt (archetypisch Kollektion SS13). Die Kreationen von Stefanie Biggel machen um es auf den Punkt zu bringen einfach Spaß, beim tragen, wie auch Inszenieren. Die Silhouetten sind tendenziell sportlich zeitgenössisch gehalten und unterstreichen den oft architektonischen Ansatz der Designerin, der bei vielen Absolventen aus Basel zu sehen ist. Ansprechend sind auch wieder die in einzelne Looks integrierte Schichtungen unterschiedlicher Materialien, wie auch von Transparenz, welche allerdings nicht so dezidiert zur Anwendung kommt, wie in der vergangenen Sommerkollektion. Im Fazit können wir bei unserer Empfehlung bleiben, sich mit dem Label auseinander zu setzen und es im Auge zu behalten.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Der Schweizer Designer Dominic Knecht ist uns bereits im Sommer auf der Mode Suisse Edition Special in Basel aufgefallen – insbesondere wegen seinem technisch und kreativ interessanten Materialumgang.

Nun hat der Designer, auch Berlin zurückkommend wieder in Basel seine Zelte aufgeschlagen, wo er 2010 seinen Abschluss gemacht hatte. Seine neue Kollektion präsentierte er vergangenes Wochenende dem Fachpublikum in Zürich auf der Mode Suisse, der einzigen aktuellen Plattform für Schweizer Modedesign, welche sich dezidiert an eine Fachpublikum wendet und heuer in der vierten Auflage eine Vielzahl von Kollektionen präsentiert hatte.

Ein Schwerpunkt der Arbeit von Dominic Knecht besteht im Umgang und in der Auseinandersetzung mit dem Material und handwerklichen Techniken. So entsteht sehr viel Ausgangsmaterial am eigenen Webstuhl. Thema der aktuellen Arbeit sind kurz umrissen „Übergänge“. Dies bezieht sich sowohl auf den Umgang mit den Flächen bei den Rekonstruktionen, als auch bei der Verwendung der Materialien. Der Blick auf die jeweiligen Kreationen macht sofort deutlich, was der Designer anstrebt. So entsteht durch eine geschickte Schichtung eine ausgesprochen dynamische Wirkung auf den Oberflächen, welche Griffigkeit ebenso schön vermittelt, wie die farblichen Akzente. Gerade die Farbpalette ist sehr ansprechend minimalistisch ausgelegt und beschränkt sich weitestgehend darauf, auf einer hellen Grundbasis Blickfänge zu setzen, die Stimmungen und Emotionen abstrakt vermitteln können. Dabei steht eine unaufdringliche, aber dennoch präsente Weiblichkeit im Vordergrund. Die Entwürfe und Looks sind durchgängig ansprechend und überzeugend.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Mode Suisse ist ein sich immer mehr etablierendes Forum für Modedesign in der Schweiz und aus der Schweiz. Mit halbjährigen Schauen und Showrooms (Zürich und Genf) will man das Fachpublikum ansprechen und die Marken und Designer mit ihren Kollektionen am regionalen Markt kommunizieren. Mit der momentan stattfindenden Design Miami / Basel in Basel hat man eine Veranstaltung gefunden, die sich anbietet nochmals das kreative Wirken vorzustellen. Bis zum 16. Juni haben alle Interessierten die Möglichkeit sich einen Einblick zu verschaffen und die Ausstellung und Installation in der Halle 4 unentgeltlich zu besuchen.

Darüber tritt der Migros-Genossenschafts-Bund mit dem Förderprojekt ENGEGEMENT als weiterer Akteur auf. Ziel ist es auf der reichhaltigen Designtradition in der Schweiz aufbauend eine neue Plattform zu installieren, die zur Förderung von Design antritt. Informationen hält die migros für Interessierte online bereit. Am Donnerstagabend wird in einer Performance dann auch einem eingeladenen Publikum ein Querschnitt der Mode der Teilnehmenden Labels präsentiert werden.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Die Kollektion der in Basel ansässigen Designerin Lela Scherrer ist modular aufgebaut und dreht sich um das Spiel mit warmen, kräftigen Farbklängen bei dynamischen Volumen, die in Kontrast zu geometrischen Grundformen stehen.

Auf der Mode Suisse in Zürich wurde die Kollektion dieses Frühjahr der Fachpresse vorgestellt und findet bei uns einen guten Anklang. Konzeptionell ist die Kollektion nicht klassischen Saisons und Zwischensaisons zuzuordnen und wohl auch schon gemäß der Internetseite der Designerin verfügbar, was auch konsequent bei dem fortlaufend sich weiterentwickelnden modularen Ansatz nachvollziehbar ist. Entsprechend biete die Palette an Kleidungsstücken auch ein gutes Spektrum an Kombinierbarkeit und viele recht unterschiedliche Looks sind realisierbar.  Von der technischen Seite her wird ein hoher Anspruch an handwerklicher Qualität in den Mittelpunkt gerückt. So fällt auf, dass die Damenoberbekleidung sehr gut fällt und durchgängig in den Konstruktionen klare Schnitte und Flächenaufteilungen bietet. Einige der gezeigten Looks differenzieren sich zudem durch dezente Schichtungen oder vergrößerten Volumen bei Krägen. Mutig ist auch der Materialmix der bis ins metallische geht. Die Farben sind wie schon erwähnt warm und laut, stehen aber auch klassischen  Schwarzweißkombinationen (auch in Drucken) überwiegend gegenüber.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Im Sommer haben wir Euch in einem kurzen Anriss den Schweizer Designer Nino Bollag vorgestellt. Jetzt im Herbst hatten wir in Genf die Gelegenheit die neue Kollektion zu sehen, was wir Euch natürlich nicht vorenthalten wollen.

Bereits die letzten Werke und Kreationen des Designers haben uns sehr gut gefallen. Deshalb waren wir auch auf die Modenschau in Genf im Rahmen der modesuisse sehr gespannt. Und wieder wurden wir nicht enttäuscht. Die Kollektion wartet mit einer weiten Palette an sehr unterschiedlichen Looks aus, die feminine Züge fein unterstreichen und ein hohes Maß an Kombinierbarkeit an den Tag legen. Dabei zieht der Designer farblich einen weiten Kreis und bedient unterschiedliche Nuancen und Bedürfnisse für den Sommer und das Frühjahr 2013. Neben einer Reihe von klassische Eleganten Kombinationen und Entwürfen, finden sich auch sehr farbenfrohe und lebendige Outfits. Geradezu in der Mitte zwischen diesen beiden Polen pendeln sich weiche Erdtöne ein, und feingliedrige Musterungen in Drucken. Unterstrichen wird die Line durch passende Taschen.

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Text: Ann LaCroix

Bilder: Boris Marberg

Hinter Peter Müller stehen die beiden Designerinnen Cornelia Peter and Nicole Müller, die ihre Kollektion in Genf im Rahmen der modesuisse präsentiert haben. Ansässig ist ihr Design in Basel und dort genauer unter anderem im Showroom KOMPLOTT zu finden. Die neue Kollektion kommt sehr erfrischend daher und vermittelt ein progressives, legeres Lebens- und Zeitgefühl. Individualismus steht hier gepaart und unterstrichen durch zahlreiche interessante Details in den Looks im Vordergrund. Schnitte und Oberflächen sind sehr geometrisch und grafisch gehalten. Hierdurch wird der lockere Touch der Kollektion nochmals unterstrichen. Auch farblich ist die neue Linie ein Hingucker und lockert mit kräftigen Tönen die Grundtendenzen in Grau und Schwarz auf. Dadurch ergeben sich auch sehr schöne Kombinationsmöglichkeiten, wenn man die einzelnen Kreationen und die Zusammenstellungen auseinander bricht.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Patrik Gerber

Die Designerin Léa Walti ist eine Absolventin der HGK in Basel und im regionalen Markt und der Modebranche in der Schweiz Präsent. In Zürich auf der modesuisse konnte die Junge Designerin mit ihrer klaren Linie und stringenten Looks überzeugen. Die Handschrift der Designerin ist klar und zeitgenössisch zurückhalten. Entsprechend konsequent hat sie sich bei der vorgestellten Kollektion für den Sommer und das Frühjahr 2013 dafür entscheiden mit den Nichtfarben Weiss und Schwarz zu agieren. Damit erzielt sie eine sehr dezidierte Klarheit und gute Kontraste in den Looks, die auch gut kombinierbar sind und aus sehr schön konstruierten Einzelteilen besteht. Angenehm ist auch, dass sich stilistisch die neue Kollektion nahtlos an die aktuelle Herbst- / Winterkollektion anschliesst.

Bei den Silhouetten und den Konstruktionen finden sich klare Einflüsse puristischen Fashiondesigns der späten 1990er und des ersten Jahrzehnt des Jahrhunderts, mit reduzierter Ausdruckskraft, Understatement und klarer individueller Positionierung. Auch bei der Materialwahl zeigt sich dies. So finden sich sehr angenehm fallende und tragbare Stoffe, hin bis zu luftiger Transparenz, die sehr gut in den Schichtungen der Looks wirkt. Ganz persönlich hat mir bei den Stylings gefallen, dass sich die Designer für flache, elegant bis sportliche Damenschuhe entschieden hat.

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Bilder & Text: Boris Marberg
Assistenz: Rupert Thienel
Mode:  Claudia Güdel
Haare & Make-Up: Yvonne Broesan
Model: Sibel

Die Schweizer Designerin wird unter dem Motto 1&10 am kommenden Donnerstag 27.10. in Basel im Rahmen einer Schau ihre neuen Kreationen in Basel am Stammsitz und Showroom an der Schnabelgasse 4 ab 18 Uhr präsentieren (10 Jahre Claudia Güdel). Bereits über die Eröffnung des Shops in Basel haben wir berichtet. Claudia Güdel steht für attraktive puristische Männer-, wie auch Frauenmode. Im Vorfeld der Präsentation hatten wir wieder die Gelegenheit ein paar Looks minimalistisch auszuprobieren, was wir Euch hier zeigen wollen.

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Bilder & Text: Boris Marberg

Model: Tatjana Gallazzini

Make-Up & Haare: Kathi Zillmann

Den Schweizer Designer Nino Bollag haben wir vor einigen Jahren über die Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel kennengelernt und im Frühjahr bei der modesuisse wiederentdeckt.

Der Designer, der sein Atelier in Basel hat stellt sich mutig der Herausforderung sein eigenes Label aufzubauen und dabei authentisch zu bleiben. Dies sieht man auch der aktuellen Kollektion für den Herbst und Winter 2012 an.  Geschickt werden unterschiedlichste Materialen kombiniert, die eine sehr schöne Griffigkeit bei unterschiedlichsten Oberflächenstrukturen ergeben. Gerne finden sich auch bei den einzelnen Entwürfen Ecken und Kanten, die den Looks die letzten Akzente und einen ausgesprochenen Wiedererkennungswert vermitteln. Die Farben reichen von dezentem Understatement bis hin zu kräftigen Blickfängen.

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Text, Bilder: Zora Weber

Am vergangenen Wochenende fand vom 16.-17. Juni 2012 bei strahlendem Sonnenschein der 1. Salon für Vintage-Möbel in Basel statt.

Jahrelang hatten die Veranstalter von Design + Design nach einer passenden Lokalität gesucht. Schließlich sind sie mit der 1959/61 erbauten Maurerhalle der Allgemeinen Gewerbeschule fündig geworden. Etwas versteckt gegenüber der Messe Basel in der Vogelsangstraße gelegen, gab sie einen stimmigen Rahmen ab, um Möbel aus den 1930er bis 1970er Jahren zu präsentieren.

Insgesamt 25 Aussteller hatten sich eingefunden. Joan Billing und Samuel Eberli von Design + Design wollen mit dem Salon jedoch nicht nur eine reine Verkaufsplattform organisieren, sondern eine Art Forum bieten, wo sich Händler, Galeristen und Sammler mit dem interessierten Publikum austauschen können, quasi „einen Ort schaffen, wo sich Geschichte und Geschichten treffen.“

Darüber hinaus gab es zahlreiche Liebhaberstücke zu bewundern, wie beispielsweise diese Lampe von Tommaso Barbi.

Insgesamt ist dem Salon in Basel noch mehr Resonanz bzw. Zulauf zu wünschen. Für das erste Mal können die Veranstalter aber sicherlich zufrieden sein. In Zürich hat sich der Salon mittlerweile zu einer festen Größe entwickelt. Dort wird er dieses Jahr bereits zum sechsten Mal vom 24.-25. November im großen Vortragssaal des Kunsthaus Zürich stattfinden.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Hinter N2FT steckt die junge Designerin Julia Föry, die noch an der HGK in Basel studiert. Bereist kurz vor ihrem Abschluss springt die Designerin ins kalte Wasser und bringt den Mut auf, sich der Fachöffentlichkeit zu stellen und ihre kleine Kollektion für SS12 im Rahmen einer eigenen Schau auf der Kostume 4 zu präsentieren. Respekt! Es erfordert schon Mut und viel Selbstvertrauen noch während des Studiums das eigene Label voran zu treiben und sich der Kritik der Fachwelt zu stellen. Verstecken muss sich Julia Föry mit ihren Kreationen in keiner Weise. Heute hatten wir die Gelegenheit die junge Designerin besser kennen zu lernen und mit ihr über ihre Kollektion und ihre Ziele ausführlicher zu sprechen. Die sympathische Designerin erklärte uns ihr Konzept und ihre Ausrichtung. Ein wesentliches Merkmal ihrer Linie ist die Verwendung Pelz. Insbesondere Rotfuchs aus der Schweiz hat es ihr angetan. Dabei hat sie mit Swiss Fur einen heimischen Kooperationspartner gefunden. Pelz ist auch heute noch ein sehr heikles Material, was oft Anfeindungen und Kritik bei der Verwendung mit sich bringt. Auch hier geht die Designerin konsequent ihren Weg und stellt sich dem Thema. Der heimische Rotfuchs ist bei Julia das bevorzugte Material. Dabei stellt sich die Designerin der Thematik und verweist darauf, dass die von ihr verwendeten Felle nicht aus einer Zucht kommen, sondern aus der für die Entsorgung (Verbrennung) von in freier Wildbahn geschossenen Tieren stammen. Hintergrund ist, dass diese Tiere aus einer Überpopulation stammen, die gejagt wird. Weiter Infos zum Thema finden sich direkt in Bezug auf den Rotfuchs bei Swiss Fur.

Ihre Kreationen bestechen vor allem durch eine feminine Linie, ein gut ausgewogenes Spiel zwischen Tragbarkeit und Volumen. Dabei schafft es Julia sehr ausgewogene Silhouetten zu schaffen, selbst bei vereinzelt üppigen Volumen und schwerem, steifem Material. Auch bei den Details beweist die Designerin Kreativität und Mut. So verwendet sie sehr geschickt hohe, fast die gesamten Beine bedeckende Gamaschen. Dies unterstreicht eine gewisse harte Note in der Kollektion und hebt eine aggressivere und selbstbewusste Auseinadersetzung mit der Darstellung von Weiblichkeit in der Mode hervor. Ein sehr gelungener Start für das Label und Design, welches man unbedingt im Auge behalten sollte!

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Text: Boris Marberg

Bilder: modaCYCLE

Gestern hatte die Basler Designerin Claudia Güdel zur Eröffnung ihres neuen Geschäfts nach Basel an den Spalenberg eingeladen. Das Design von Claudia Güdel bietet eine Herren-, wie auch eine Damenline und zeichnet sich durch Klarheit und Funktionalität aus. Das Label ist seit einigen Jahren sowohl am regionalen, wie auch am nationalen Schweizer Markt präsent. Basel bietet hierfür eine gute Schnittstelle am Dreiländereck, mit grossem Einzugsgebiet auch nach Frankreich und Deutschland. Der kleine, ansprechend hell gestaltet Shop ist in der Schnabelgasse 4 angesiedelt und ist jetzt neben dem Shop in Zürich die zweite direkte Anlaufstelle zu dem Label. Wir wünschen Claudia weiterhin viel Erfolg!

Designerin Claudia Güdel

Das Grossbasler Viertel Spalenberg ist malerisch und auch für Einkaufsbummel attraktiv in der Innenstadt gelegen, mit ausreichendem, auch qualitativen Abstand zum Higstreet Feeling mit internationalen Massenketten. Am Spalenberg haben sich im laufe der letzten Jahre eine Vielzahl von Modelabels angesiedelt und bilden einen modischen Brennpunkt, nicht nur für die Region, sondern fast schon für die gesamte Schweiz. Unter der Kooperation „Spalenberg“ schliessen sich die ansässigen Marken und Shops auch für gemeinsame Aktionen zusammen. So fand gestern auch parallel zu der Eröffnung von Claudia Güdel sehr passend und ergänzend eine kleine Modenschau statt, bei der die lokalen Labels ihre neusten Kollektionen vorgestellt haben.

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