Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Sein Gespür fürs Elegante gehört zu den wesentlichen Eigenschaften, die dem Wahlberliner eine besondere Position im Kontext der deutschsprachigen Jungdesigner verschafften und für Aufmerksamkeit sorgten. Mit viel Spannung wird daher seinen Kollektionen auf der Berliner Fashionweek entgegen gesehen, wo er regelmäßig mit unterschiedlichen Protegierungen zu sehen ist. Über die Jahre hat sich dabei seine gestalterische Herangehensweise modifiziert, von eher unabhängiger High-Class zu nunmehr trendorientierten Ansätzen, die den Verkauf an ein breiteres Publikum anvisieren, ohne sich dabei verbiegen zu müssen.

Locker fallende Sommerkleider aus eleganten Stoffen dominieren die Kollektion aw 2019 einerseits und gestalterisch Streifenmuster in allen möglichen Ausprägungen andererseits. Die Streifen gehen aus von den Gurten, wie man sie in haptisch ausgeprägter Weise von Marina Hoermanseder kennt und als modischen Print bei vielen anderen Designern wiederfindet. Tomaszewski gewinnt diesen mit variierenden Ordnungssystemen eine breite Palette der Möglichkeiten ab, vom grafisch spielerischen Farbenmix bis zu assoziiertem Korbgeflecht, von Prints bis zu Webtechniken, von abenteuerlichen Wildheiten bis zu streng-klassischen Karos.

Auch der Formenkanon ist breit angesetzt, seine wunderbaren Mäntel behalten auch im experimentellen Umgang stets eine große Classe, viele Kleider hingegen nähern sich in ihrer gezielt reduzierten Lässigkeit nicht selten einem eher schlichten Alltagsanspruch an. Die gepflegte Kunst der Reduktion hat schon bei der Vorbildbewegung bauhaus sowohl zu großen Würfen als auch zu eher banalen Gestaltungsqualitäten geführt, einen ähnlichen Effekt glaubten wir auch bei dieser Kollektion wiederzufinden. Früher wußte Tomaszewski schwächende Wirkungen der Vereinfachung mit großzügigen und mutigen Gesten kraftvoll zu etwas Aufregendem zu drehen, diese Fähigkeit nutzt er nun deutlich seltener, zumindestens zurückgenommener.

Er gehörte schon früh zu den Designern, die mit architektonischen Schichtungen, verwegenen Kombinationen und von der Mode oft unterschätzten Materialien (z.B. Strick) und Verarbeitungen unerwartete und tolle Effekte vorführte, jetzt sind diese jungen Verwegenheiten auf ein nicht mehr überraschendes Maß zurück genommen. Die Zeichenhaftigkeit mit den Streifenexperimenten bestimmt stärker den Wiedererkennungswert als der grundsätzliche Stil und die Integration gängiger Gestaltungstrends (Bänder, Schichtungen, Dissonanzen, stellenweise aufgedröselte Textilien u.v.m.) spielen eine auffällig deutliche Rolle bei den Erscheinungsbildern.

Damit ist der geschmackssichere Dawid Tomaszewki nun offenbar ebenso im Mainstream der gehobenen Klasse angekommen, wie wir das schon bei seinem Landsmann Guido Maria Kretschmer beobachten konnten, der ja mit seinen Haut-Gout-Kollektionen ebenfalls lange Star der Berliner Fashionweek war, bis der Mainstream seinen edlen Luxus eingedampft hat. Unterm Strich verlangt der Geschäftssinn dem Gestaltungsniveau einige Abstriche ab, das ist natürlich nichts Neues. Umso mehr freut man sich, wenn der Luxus des guten Geschmacks und des eleganten Experiments in einer sich anpassenden Kollektion aufscheint. Tolle Accessoires, farblich subtil gedämpfte Großpailetten, kongeniales Schuhwerk, elegante Kostüme und Mäntel zeigen das Können von Dawid Tomaszewski. Das, muss man bei aller Einschränkung zugeben, sind bei seiner Kollektion aw2019 nach wie vor erhebende Akzente und ein ästhetischer Lichtblick im hiesigen Fashion-Trend, der Geschmacksfragen eher ablehnend gegenübersteht. Der modische Balanceakt, das ist klar, ist schwierig zu bewerkstelligen.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die Showcases der Berliner Fashionweek werden in der allgemeinen Wahrnehmung stets etwas stiefmütterlich behandelt – solange das rauschhaft Aufgedrehte einer Laufstegpräsentation mit Musik, Bühnenlicht und Zuschauerreihen entfällt, werden Präsentationen und Installationen eher als beiläufige Veranstaltungsdekoration abgetan. Manchmal sogar von den vertretenen Künstlern selbst. Dabei ist gerade dies eine Gelegenheit, den Detailreichtum und raffinierte, anspruchsvolle Verarbeitung zu inszenieren und vorzuführen und längere Betrachtungsdauer anzupeilen.
Zugegeben, das Designerteam hört keinen frenetischen Beifall, die Presse berichtet kaum und das Publikum mustert die Exponate genau so schnell wie bei einer Schau. Und sogar in unserer Redaktion bin ich mit meiner Freude an der stillen und aufmerksamen Betrachtung alleine. Aber ich gehe auch viel in Kunstausstellungen und seltener ins Theater.

Vier verschiedene Designer präsentierten sich auf den Showcases diese Saison, Esther Perbandt und Isabel Vollrath, beide statisch auf Puppen, Ivanman mit choreographierten Live-Modellen und Lana Müller im MBFW Livestream und via Public Viewing vor Ort. Letzteres ging eher etwas unter in den vielen gezeigten Livestreams am laufenden Band, die Ivanman-Schau war immerhin zu einem bestimmten Zeitpunkt für dafür geladene Gäste und damit eher eine Veranstaltungsart zwischen den Möglichkeiten.

Esther Perbandt hatte noch einen Empfang mit angeschlossenem Panel Talk mit Geza Schön arrangiert, aber die Kleinstausstellung war den ganzen Tag zu sehen. Der angekündigte Installationscharakter der „Zeremonienmeisterin“ war eher nicht zu bemerken, die lange Erfahrung (ihr Berliner Label feiert dieses Jahr seinen 15. Jahrestag) in Gestaltung und Ausarbeitung dagegen schon. Soweit wir erkennen konnten waren die Ausstellungsexponate aktuelle Arbeiten, die sich nicht unbedingt als saisonale Positionierungen verstehen müssen.

Der explizit dekonstruktivistische Charakter ist mittlerweile nicht mehr so exponiert wie früher (als das ja kaum einer machte – im Gegensatz zu heute) , die Verschachtlungen der Textilelemente sind systematischer und klarer geordnet und die Schnitte erlauben sich hie und da etwas mehr Sexyness. Besonders exzentrische Elemente erscheinen nur manchmal, wie die blasenförmigen Oberflächen, die den Kleidungsstücken an- oder eingefügt sind. Zwei senkrechte Streifen im Oberkörperbereich tauchen dagegen oft auf – am stärksten als Träger – strukturieren aber auch im unteren Bereich Flächen und Formen. Monochrom versteht sich, und das ist bei Esther Perbandt eben immer schwarz und gelegentlich auch weiß. Schichtungen, Bänder, die wie Gurte erscheinen und auch einen Beigeschmack von BDSM andeuten, und gothic-artige, hochgeschlossene Kleider wie aus der vorvergangenen Jahrhundertwende gehörten schon immer zu Perbandts Repertoire sind sind auch jetzt wieder vertreten. Abgesehen von der größeren Klarheit und einem Schritt hin zu allgemeinerer Tragbarkeit ist also nichts besonders Neues anzumerken, auch wenn die gestalterische Konsequenz Esther Perbandt noch immer zur Berliner Avantgarde zählen lässt und sie damit auch international eine viel beachtete Position besetzt.

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Isabel Vollrath hat ihre Installation „Retrospective19“ benannt und zeigte damit auch so etwas wie Typisches oder Best Ofs ihres Modeschaffens seit 2015. Sie versucht mit ihrer Kleidung so etwas wie eine Transzendierung zu skulpturaler Kunst zu erzielen, Abstraktionen zum menschlichen Körper, die ihn als Bekleidung modifiziert. Gestalterisches Experimentieren bestimmt die Ergebnisse sehr wesentlich und ist noch nicht sehr an einem stilfindenden Ganzen orientiert, das aber schon erkennbar wird. Mit manchmal verspielten Hinzufügungen wie ihre oft ergänzenden Schleifen, die auch straffen und auflockern, verbinden sich die disparaten Entwürfe zu etwas Zusammengehörigem, außerdem bleibt sie  bei der Farbgebung vorzugsweise auf Schwarz, Weiß und Rot beschränkt.

In jedem Fall sind die verschiedenen Ergebnisse spannend und gut gemacht, es bleibt abzuwarten, inwieweit das künstlerische Herangehen ein dichtes Designrefugium bilden wird.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Der Gedanke war richtig und die konsequente Umsetzung hervorragend gelungen. Nachhaltige bzw. ökologische Kleidung als optisch attraktiv und modisch gekonnt einem anspruchsvollen Publikum im Kontext von Modedesign auf der Höhe der Zeit vorzustellen ist der rettende Leitgedanke, den die Nachfolge der Green Fashionshow erkannt hat. Wir sind jedenfalls in den letzten Saisons nicht mehr mit Spannung zu den Green-Schauen gegangen, denn die anfänglichen Hoffnungen, hier gleichwertige künstlerische Ausdrucksformen zu finden wie bei anderen Schauen hatten sich längst aufgelöst. Die engagierten Sachen sahen gestalterisch anspruchslos aus, letztlich nach „öko“.

Und die jetzige Entscheidung, das inhaltlich Korrekte optisch und gestalterisch attraktiv in die Konkurrenz zu schicken und damit eine kompetente Person (Claudia Hofmann, Gründungs- und Vorstandsmitglied des Fashion Council Germany) leitend zu beauftragen, erwies sich als goldrichtig. Der Auftrag glich dem eines Kunstkurators, der eine ungewöhnliche Idee mit kaum bekannten Exponaten in ein spannendes, erfolgreiches Ausstellungskonzept verwandeln soll. Eine Ausstellung, die mit neuer Perspektive und Beleuchtung ohne pädagogischen Zeigefinger vorgefertigte Haltungen in der Allgemeinheit beiseite räumt.

Und genau so hat Claudia Hofmann das angepackt und erfolgreich auf die Beine gestellt. Der entscheidende Gedanke war, nicht spezielle Macher oder Macharten zu thematisieren, sondern Erscheinungsbilder zu einem überzeugenden ästhetischen Gefüge zusammenzubringen. Also ein Konzept, das – auf der Basis nachhaltiger Machart – modisch anspruchsvoll daherkommt. Editorial-Show nennt man das im Insider-Sprech, wobei der Begriff Editorial in der Mode meist eine gebundene Fotostrecke bezeichnet. Claudia Hofmann im Interview mit Vogue: „… Eine Editorial-Show ist dem echten Leben näher – man richtet sich nicht nach einem Mono-Brand-Look, sondern zeigt Styling-Möglichkeiten.“ Aus 40 nachhaltig arbeitenden, nationalen und internationalen Marken suchte Claudia Hofmann die Teile zusammen, aus deren Mix in den Looks sie dann so etwas Ähnliches wie eine Kollektion stylte (und mit einem informativen Beiheft „fashioncredits“ auf jedem Zuschauerplatz – wie ein kleiner Kunstkatalog zu einer Ausstellung – ergänzte, den man auch im Internet abrufen kann). Das kam ziemlich geradlinig und deswegen überzeugend daher. Also nichts, was da besonders auf Öko machte oder den faden Jutebeutel-Geschmack repräsentierte.

Diese Schau hat die bisherigen Green-Shows beerdigt, ohne beim inhaltlichen Anspruch Zugeständnisse machen zu müssen. Sie hat auch neue Maßstäbe gesetzt, dahingehend, dass modernes Erscheinungsbild nicht im Widerspruch zu nachhaltigem Bewußtsein steht. Sie demonstriert eine neue Perspektive der Zukunftsträchtigkeit von Sustainable Innovation, wie die Verantwortliche das nennt. Im Gespräch betont Claudia Hofmann natürlich auch, dass diese Initiative ein Teil der großen Präsentation ist, „die Kern-Veranstaltung der Messe drumherum, die all die Marken ausführlich zeigt“. Mit der Namensänderung von Green Showroom zu Neonyt versuchen die Macher sich neu und genauer zu positionieren als „Hub für Future Fashion und Sustainable Innovation“, also quasi als eine zentrale Netzwerkstation nachhaltiger Mode, die von der Frankfurter Messe unterhalten wird. Diese attraktive Schau verankert nun den ideellen Maßstab im allgemeinen Gefüge.

Auch die PR gibt sich einen neuen Duktus, sie versucht Frische, Aufklärung und Anspruch zeitgemäß zu formulieren und möglichst viel Publikum anzusprechen. Ein bisschen übertrieben, wie wir fanden, die Mailbox quoll geradezu über mit den täglichen Lieferungen, dass man bald schon nicht mehr draufguckte, aber die neue Power blieb spürbar. Und natürlich war die Schau-Veranstaltung voll besetzt, der große Beifall ein verdientes Kompliment.

Fashioncredits: http://www.thefashioncredits.com/

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Was Lena Hoschek vielen anderen zeitgenössischen Modedesignern voraus hat, ist ihr enorm breites Potential an Schnitten, dessen Vielfalt immer wieder verblüfft. Ganz gleich, was für eine Leitthematik sie für eine Kollektion ersinnt, der Variantenreichtum wird damit groß und abwechslungsreich. Mehr als irgendwelche modischen Trendkennzeichen, die durchaus auch einfließen können (wie das angesagte Karomuster), erschließt sie zu ihren Kollektions-Themen mit viel Recherche stets ein breites Gestaltungsfeld der Spezifika, aus dem sie dann ihre eigenen Kreationen herausfiltert.

Ein dritter Aspekt ihrer Mode ist die Liebe zum Frauenkörper, die sie immer deutlich macht, die mit ihren Schnitten korrespondiert und die wohl auch in entscheidender Konsequenz ihr Schaffen motiviert. Eine Weile schickte sie ja auch kurvige Modelle auf den Laufsteg, das war ungewöhnlich und hinreißend, davon ist leider nicht mehr viel übrig geblieben. Die Zielgruppe ist allgemeiner geworden, auch in der Altersstruktur.

Und es gelingt Lena Hoschek, alle Ingredenzien ihrer Couture auf den Frauenkörper zu beziehen, ob Karomuster, Latzröcke, hinzugefügte Hosenträger oder Herrenwesten, das macht ihre Kollektionen eigentlich immer sexy. Angesichts der vielen Bestrebungen, Mode gendergerecht anzulegen, also eher geschlechterneutralisierend, und gegenüber den unzähligen Versuchen, dekonstruktivistisch körperferne Architekturen aufzubauen, besetzt Lena Hoschek bewusst und leidenschaftlich eine entgegengesetzte, klassische Position, geradezu anachronistisch. Ihr Image als 50s/60s-Liebhaberin ist äußerlich vielleicht eine Rechtfertigung für die Retro-Haltung. Aber sie findet und bedient ein Publikum, das mit dem banal-praktischen Streetwear-Konzept nichts anfangen kann und trotzdem eine zeitgenössische Frische und Sexyness für sich sucht. Auch und gerade im Alltag.

Allerdings stimmt ebenso, dass das Maß an bürgerlicher Angepasstheit oft nicht mehr zu übersehen ist. In ihrer frühen und wohl auch besten Phase brachte Lena Hoschek sogar eigene Modelle mit, die mit Sexyness à la Ellen von Unwerth offensiv den Laufsteg aufmischten und ein völlig begeistertes Publikum in Partystimmung zurückließen. Damit war die Österreicherin sogar in Berlin einzigartig, denn lokale Modelle sind fad. Das ist längst vorbei, aber von der Essenz dessen ist noch immer ein ausdrucksstarker Funke zurückgeblieben, der selbst dem spießigsten Rock eine besondere, weiblich-selbstbewußte Seele verleiht.

Und eben auch darin liegt eine Stärke der Designerin: sie formuliert Bekanntes spannend, Biederes sexy und längst Vergessenes neu und überraschend. Westernschuhe, -hüte, Schlips, Jeans, Schlägermütze – allem gibt sie einen neuen Dreh. Außer Gürtel, Halstuch und Hut braucht sie auch nicht mehr die vielen verspielten Accessoires, um die nostalgischen Verknüpfungen herzustellen, im Umgang mit ihren Themen wird sie sowieso freier und souveräner. Den Westernlook – das Thema dieser Kollektion – hat sie natürlich gut recherchiert und gewinnt daraus erfrischende Ableitungen, ohne männlichen Implikationen Platz zu lassen. Und wer sich ein wenig auskennt z. B. im betreffenden Filmgenre, weiß, dass das Frauenbild im Western eben gar nicht immer von Unterlegenheit geprägt war sondern oft von Powerfrauen (Petroleummiezen, Bad Girls, Female Bunch u.v.m.), die den Drive bestimmten. Und die durften eben nicht nur sexy sein, sondern zogen – neben der Chuzpe – daraus das Mehr der Überlegenheit.

Insofern relativiert sich die oft geäußerte Kritik an Lena-Hoschek-Mode, eher bieder zu sein, in einem wichtigen Punkt: kraftvolle Weiblichkeit, ohne aufgesetzt daherzukommen, kennzeichnet noch immer das Wesen ihres Gestaltens und darüber hinaus findet sie unglaublich viele Gestaltungsvarianten, die ihre Schauen zeitgenössisch und reizvoll machen. Der Spass der Designerin an den Ideen (und Vorlagen) überträgt sich fast durchgehend mit dem, was als Kollektion dabei herauskommt – auch das gehört zum Vergnügen an ihrem Gestaltungskönnen.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

„Come as you are“ war der Titel der Kollektion von Rebekka Ruétz und der Start der Schau mit großformatigem Leoprint auf Orange rückt den gedachten Besucher mit optischer Wucht gleich ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Weitere optisch offensive Effekte gesellen sich dann in der weiteren Schau hinzu, besonders Silber, Glitzer und Glimmer sind hervorstechende Merkmale der Kollektion, die auf diese Weise dem sonstigen Streetwear- und Prêt-à-Porter-Konzept neben der Auffälligkeit auch einen futuristischen Aspekt auf den Weg gibt. Aber das ist nur eine flüchtige Assoziation. Die silbernen Flächen auf kräftigen Kunststoffen erinnern zwar sehr an Gestaltungen der 70er und 80er Jahre, das verblasst aber in der Kombinationen mit klassischen Mustern und Textilien, zum Beispiel Folkloreornamente, Kleinkariertes, Op-Art und viele Varianten mehr. Dieser unerschöpfliche Fundus des Bekannten (inklusive für manche Generationen despektierlich Vergessenenes wie z.B. Spießer-Opas weiße Sport-Socken) als Kontrast-Arrangement evoziert geradezu das Unmögliche und hält zugleich auch provokativ das Unerträgliche bereit, soweit klassische Geschmacksästhetiken innere Maßstäbe bilden und die Erscheinungen noch konnotativ bzw. als gesellschaftliche Zeichen besetzt sind.

Aber das sind sie ja allgemein eher nicht mehr beziehungsweise sollen es nicht mehr sein – jedenfalls nicht ernsthaft. Modegeschichte ist ein Kessel Buntes. Der Spaß am Vorgefundenen, die Hemmungslosigkeit der Wiederentdeckung und die Verwendung im kontrastierenden Patchwork räumt mit Verbindlichkeiten auf, schafft Besonderes und ist nun selbst Zeichen der Gegenwart. Die überraschenden, unvereinbaren Gegensätze bestimmen Rebekka Ruétz‘ Kollektion noch prägnanter als in den vorangegangenen Saisons. Es wird nicht nur Vorgefundenes scheinbar beliebig verknüpft sondern Widersprüchliches gesucht.

Verbunden bleibt die Designerin nach wie vor der sprachlichen Parole. Die Verkürzung von Inhalten auf Schlagworte, wie bei Hashtags, suggeriert spezifische Haltung, auch wenn das eigentlich verkürzter Populismus ist. Auf Bänder geprintet erscheinen sie nun bei fast allen Teilen – zwei modische Aperçus zusammengefasst.

Man kann die provokativen Auftritte der Protagonisten mit Rebekka Ruétz-Mode durchaus als einen emanzipierenden Akt zeitgenössischen Kampfes mit dem Herkömmlichen verstehen. Die Befreiung von Hemmungen durch die Konnotationen der Textilien und Muster und von gewohnten Kontexten schafft ein wunderbares, freies Feld der Möglichkeiten. Die Schnitte, die sich ebenfalls von ästhetischen Normen verabschieden, lehnen sich zwar noch gefühlsmäßig an sensuale Wahrnehmungsmuster an, wagen innerhalb derer aber auch neue Experimente. Auf dem Terrain agiert Rebekka Ruétz.

Gezieltes Interesse hat die junge Modedesignerin nach wie vor an Streetwear, denn damit wird das Statement der persönlichen Positionierung öffentlich gesetzt. Und mit ihren Entwürfen liegt sie sicher ganz vorn mit dem, was man als jugendliche Haltung in den öffentlichen Raum tragen kann. Offensiv, respektlos, impulsiv und laut. Diese Charakteristika sind in der Geschichte der Jugendkultur zwar nichts Neues, haben letztlich aber auch immer schon Spaß gemacht. Sie haben auch immer neue Gestaltungsformen gefunden (rückblickend nicht selten scheußlich, siehe oben) und konnten damit manchmal auch Innovationen anstoßen. Welches nachhaltige Potential zu zukunftsträchtigen Perspektiven bei Rebekka Ruétz‘ Kollektionen enthalten sind, wird abzuwarten bleiben – gegenwärtig geht es um den Spaß.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Die Hoermanseder-Schau war die als spannendste erwartete dieser Saison und sie hat, auf ihre Weise, die Erwartungen auch eingelöst. Gleichwohl wirft das, wenn dies nun der Gipfel jungen deutschen Modedesigns sein soll, viele Fragen auf. Auch unabhängig davon, dass das angebotene Schauenpanorama diese Saison eher klein war.

Eine Frage davon wäre, inwieweit die vorgestellte Mixtur aus vielen Gestaltungsansätzen einen Maßstab repräsentieren soll. Drei Hauptlinien glaubten wir ausmachen zu können, Club(Disco)-Glamour mit den poppig bunten, betont sexy angelegten Sachen, Streetwear mit den betont lässig und laut auftretenden Gestaltungen und das Experimental-Exotische mit den Korsagen und Lederriemen. Vieles davon mit ungewöhnlichen Materialien (z.B. Plüsch), Zutaten (z.B. Westernelemente) und Stilismen (z.B. Popart) angereichert und alles quasi gleichzeitig in den Raum gestellt. Ein Feuerwerk vielfältiger Ideen und Orientierungen, insofern sehr unterhaltsam, aber auch ein Verlust an Konzentration und Leitinteresse.

Nun ist Marina Hoermanseder schon ausbildungsmäßig auch Geschäftsfrau (Betriebswirtin), man kann davon ausgehen, dass sie für ihr junges Label Marktplätze sucht, die chancenreich sind und sich bewusst dort platziert, wo das mitgebrachte Image und ihre kreativen Entwürfe am Puls der Zeit auch funktionieren können. Ein Tanz auf verschiedenen geschmacklichen Hochzeiten, der eine klare Positionierung letztlich unmöglich macht. Und daran ändert auch die häufige Verwendung des Label(d.h. Designer)namens als Aufprint oder der Brand-Code „Gurt“ nichts, das sind nur noch äußere Klammern.

Die Aktivität auf banalen Alltagsterrains ist außerdem schwierig. Streetwear und Tanzclubszene sind eher nicht von gutem Geschmack geprägt – die Gestaltungsniederungen als Modeschöpfer hier zu umschiffen ist kein leichtes Unterfangen. Die FAZ beobachtet das sehr prägnant („… zeigt schon das Publikum, dass es von sexy bis vulgär nur ein kleiner Schnitt ist“) und diplomatisch. Marina Hoermanseder hat die Geschmacksakzente immerhin auf höheres Niveau gebracht, manchmal kann man allerdings auch darüber streiten.

Eine weitere Frage wäre, inwieweit die Kollektion eine Entwicklung nach vorne (und nicht nur in die Breite) aufzeigt. Die Radlerhosen (ganz am Anfang vorgeführt), 80er-Jahre-Disco, Western, Plüsch und Popart als großer, unbeschwerter und vor allem lauter Mix von allem Möglichen – ist das alles, was die nahe Zukunft ausmachen wird? Ist überhaupt Unbeschwertheit die nahe Zukunft gesellschaftlicher Befindlichkeit oder ist sie die Formulierung einer eskapistischen Sehnsucht, die uns betört und fängt? Diesen Leitgedanken bediente Marina Hoermanseder übrigens schon in der Schau vergangenen Sommer sehr konsequent. Er erinnert gelegentlich auch an die adoleszente Sehnsucht „Zurück zur Kindheit“ mit Barbiepink und Plüschteddy, einer Nostalgie, der junge Erwachsene heute unverblümter frönen als je zuvor.

„Anything goes“ als Berliner Motto ist sicher eine Befreiung von einschränkenden, überkommenen Ansprüchen und Verfahrensregeln und Marina Hoermanseder tut auch gut daran, sich als Zugezogene mit der Stadt und dieser Philosophie zu identifizieren, weil sie das innovative Potential und die Lebensart zu schätzen gelernt hat. Doch dieses Motto, naheliegende und ungewöhnliche Möglichkeiten improvisierend zu nutzen, ist in der Regel eher eine Initialzündung für neue Wege, die ihre Protagonisten dann aber nicht weiter erfolgreich fortsetzen. Abgesehen von wenigen Berliner Künstlern (z.B. Einstürzende Neubauten) haben nicht viele aus ihrer Innovation etwas Nachhaltiges geschaffen. So etwas wie einen Berliner Stil gibt es letztlich nicht und auch kaum renommierte Künstler, die das Berliner Anything Goes als Leitidee verkörpern – abgesehen von der Institution Berghain vielleicht. Im Übertragenen bleibt darum fragwürdig, ob das Hoermanseder-Konzept genug Substanz hat, sich weiterhin herausragend zu artikulieren.

Dabei war der Start mit den untragbaren BDSM/Orthopädie-Corsagen durchaus ein guter Ansatz, den Marina Hoermanseder – eher spielerisch – auf die eine und andere Weise noch geschickt weitergeführt hat. Und auch bei dieser Schau waren das die beeindruckenden Teile, obwohl sich dabei schon Wiederholungen fanden. Der Mut zum praktisch Untragbaren gebiert Faszinierendes und schafft ein Alleinstellungsmerkmal, aber es ist eben schwer, das in ein kommerzielles Projekt zu verwandeln. Der Riemenrock mit dem flexiblen Stoff im Hinterteil ist ein Kompromissversuch, der aber nur aus pragmatischer Sicht wirklich überzeugt. Das Ausweichen in andere Bereiche ist eher die einfachere Lösung.

Der vorwiegend hinreißende Gestaltungscharme, das Launige und die Darstellungskraft von Marina Hoermanseder verhindern gottseidank meistens ein Abdriften ihrer Entwürfe in alltägliche Gestaltungsbanalitäten. Deswegen war auch diese Schau als Erlebnisevent überhaupt nicht enttäuschend und löste viel Begeisterung aus. Und letztlich fanden ja auch die meisten „ihre“ Marina Hörmanseder in der Schau wieder. Aber als Kollektion, die einen avantgardistischen Leitgedanken in sich führt, ist diese keineswegs zu verstehen. Es gibt kein kompaktes, schlüssiges Konzept mehr, der künstlerische Leitgedanke ist wohl der kommerziellen Notwendigkeit geopfert. Es ist nicht mehr rund als Ganzes.

Man täte der Designerin Unrecht, die entstandenen Fragen als Vorwurf an sie zu richten und ihr mit dem schönen Erfolg die Verantwortung zu geben, Flagschiff des deutschen Modedesigns sein zu müssen (diesen Schuh würde sie sich vermutlich auch nicht anziehen wollen). Aber wenn man die Frage nach neuen deutschbasierten Modemachern stellt, die international eine gewichtige Position besetzen könnten, war diese Schau nicht die Antwort. Es war eine Modeveranstaltung, die Spaß gemacht hat, gute und sehr gute Sachen gezeigt hat und die in ihrer Offenheit gegenüber allen möglichen Gestaltungsaspekten viele optimistische und kreative Aha-Effekte erzeugen konnte. Und es war eine Kollektion, die, das war eben auch entscheidende Absicht, in großen Teilen tragbar war. Ein wenig Exzentrik war die Würze, der Name überall drauf die Identifikation. Genau das begeisterte viele.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Der Schauen-Start des zweiten Tages der Fashionweek Herbst-Winter 2019 mit Amesh Wijesekera war alles andere als winterlich, sondern eine Reise in sonnige Gefilde. Der aus Sri Lanka stammende, in London arbeitende Designer zeigte eine sommerliche Kollektion der Lebensfreude, die lässig aber doch auch raffiniert daher kam. Farblich intensiv mit einem Spektrum von Rot, Pink, Violett, Orange bis zu Gelb und Gold war das Erscheinungsbild schon emotional heiter angelegt und mit schimmernden Oberflächen aus Wildseide und anderen leichten Materialien luftig und zugleich elegant definiert.

Stilistisch war die Kollektion eine Verschmelzung kunsthandwerklicher Arbeit und sinnlichen Lebensgefühls seiner Herkunftsinsel mit westlichen Printverfahren und vorwiegend lockeren Unisexschnitten der hiesigen Kleidungs-Kultur – klassische Hemden, unkomplizierte Tops, weite kurze und lange Hosen. Dominierend dabei waren die regenbogenartig in Querstreifen angelegten Farboffensiven, sehr raffiniert andererseits die handwerklich aus der Seide aufgedröselten Fransen und Bänder (siehe letztes Bild), Strickbordüren oder die subtil verwebten Materialien von Textil. Gut darauf abgestimmt die Fußbekleidung inklusive der Socken, bei denen die liebevolle Verarbeitung noch einmal mehr auffiel.

Und ein gesellschaftspolitisches Statement wurde auch noch unaufdringlich-charmant mitgeliefert mit den beiden in Gold gekleideten händchenhaltenden, männlichen Models – überhaupt waren die ganzen Erscheinungsbilder (z.B. die Frisuren) eher androgyn konzipiert, womit sich die Frage nach Männer- oder Frauenkollektion auch weitgehend erledigte.

Auf diese Weise lieferte die Schau des Nachwuchsförderungsprogramms IDEP von Mercedes-Benz ein positiv angelegtes Statement zur Moderne, das, verglichen mit vielen Studentenarbeiten aus deutschen Hochschulen vom Vortag, die eher einem düsteren Lebensgefühl Ausdruck gaben, ein optimistisches Grundgefühl statuierte. Im Berliner Winter ist das zumindest eine erfrischende und inspirierende Reise in eine andere Sphäre des Erlebens, abgesehen von der sympathischen grundsätzlichen Perspektive.

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