Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Ester Manas ist eine Frau mit viel Esprit und französischem Charme. Auf dem Festival de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode 2018 errang sie mit ihren temperamentvollen und zum Teil exzentrischen Entwürfen für kräftige Frauengestalten den Preis der Galeries Lafayette – ein Konzept, das Lust auf mehr machte. Vieles daran hatte handgemachten Charakter und man konnte sich nicht so leicht vorstellen, wie ein solches Herangehen in die industrielle Fertigung zu übertragen sein sollte. Aber dies Problem tauchte auch mit anderen Kandidaten früher schon auf. Manche, wie Vanessa Schindler, haben ihre Experimente weiter ausgebaut, andere, wie Botter & Herrebrugh haben ihre Leitideen in die neuen industriellen Möglichkeiten transferiert. Ester Manas hat – jetzt in Partnerschaft mit Balthazar Delepierre – sowohl ihre Leitgedanken neu modifiziert als auch ein kommerzielles Umsetzungskonzept gefunden und damit eine überraschend anders geprägte Kollektion erarbeitet. Geblieben ist ihr Interesse, nicht nur für Größe 34 zu entwerfen, sondern für alle Frauengestalten ein gutes und reizvolles Angebot zu schaffen und zugleich einen ökologisch verantwortungsvollen Anspruch dabei im Auge zu behalten.

modacycle: Ester Manas, Ihre neue Kollektion hat sich im Ansatz sehr gewandelt seit Ihrer Präsentation hier vor einem Jahr.

Ester Manas: Ja, als wir uns vor einem Jahr hier trafen, war das eine Kollektion die ein Bild repräsentierte. Während sie Versionen für verschiedene Größen von 34 bis 50 vorführte, hat die jetzige Kollektion Kleidung kreiert, die für alle Körper passt, es gibt nur noch eine Größe. Mittels verschiedener Systeme – Schnitt, Knöpfe, Raffungen u.a. – passen sich die Kleidungsstücke jetzt den individuellen Frauenkörpern an. Sogar wenn der Körper sich verändert im Leben, wirft die Frau das Kleidungsstück nicht mehr weg. Es ist wichtig heutzutage, sich diesem Prinzip gegenüber aufzuschließen. Ich glaube, gerade in Hinsicht auf den Konsum in ökologischer Hinsicht ist eine solche Überlegung wichtig, das heißt, nicht mehr in der Produktion alle Größen herstellen zu lassen und am Ende der Saison einen großen Teil wegzuwerfen, weil der nicht verkauft wurde. Es geht also um ein Vorgehen, das zugleich ökologisch und ökonomisch sinnvoll ist. Und gleichzeitig geht es um größere Dauerhaftigkeit, insofern als das Produkt auch wechselnden Anforderungen gerecht werden kann und nicht so schnell weggeworfen und Neues gekauft wird. Es ist mir wichtig, mit meiner Arbeit eine solche Position zu vertreten.

modacycle: Was hat Ihnen die Anwesenheit hier im letzten Jahr gebracht, und der gewonnene Preis?

Ester Manas: Ja, ich habe den Preis der Galeries Lafayette letztes Jahr gewonnen, der mir erlaubt hat, eine Kollektion für sie zu machen – man kann die Sachen zum Beispiel hier im Festivalshop sehen – und auch jenseits dessen bin ich mit meiner Arbeit sichtbarer geworden. Aber es sind nun auch Erwartungen auf mich zugekommen, was manchmal schon fast beängstigend ist. Immerhin sind damit auch Investitionen verbunden, bei einer so eine großen Gruppe wie Galerie Lafayette dreht sich halt viel um Geld. Und dem gegenüber steht eben auch die eigene Philosophie (siehe oben), die nun damit korrespondieren muss. So ganz leicht ist das nicht.

Und grundsätzlich hat mir der Start hier halt viel Freude in der Folge beschert.

modacycle: Und Sie glauben, dass das anhält?

Ester Manas: Ja, sicherlich. Zum Beispiel vorhin hatte ich wieder ein Interview mit dem Französischen Fernsehen, das uns seitdem begleitet. Und auf der kommenden Fashionweek werden wir Teil des Designers Apartement im Palais de Tokyo in Paris sein, welches eine wichtige Einrichtung ist, da sie ihre Designer auch weiter begleitet. Mit ihnen fühlt man sich wirklich unterstützt und ermutigt, auch konzeptionell, denn sie glauben an unser Projekt.

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Das Schmuckdesigner-Duo Räthel-Wolf wurde ein zweites Mal nach Hyères eingeladen, um nun die im vergangenen Jahr neu entwickelten Produkte vorzustellen und damit auch sichtbar zu machen, wie das Konzept der Nachwuchsförderung der Hyères-Veranstaltung konkrete Früchte trägt.

Das betrifft auch andere Designer, die zuvor in Hyères waren, dies Prinzip illustriert nicht nur sich selbst, sondern trägt die Förderung auch weiter. Dabei ist die Entwicklung der Designer in dieser „Startphase“ durchaus unterschiedlich gerichtet, wir berichteten ja schon, wie zum Beispiel Vanessa Schindler die Chance und den Preis zur experimentellen Entwicklung ihrer Materialien genutzt hat oder Botter-Herrebrugh sofort nach dem Wettbewerbssieg ihr Businesskonzept in Paris aufgebaut haben.

Wir sprachen mit Sari Räthel und Ricarda Wolf in Hyères über ihre Initiativen im vergangenen Jahr. Sie sind nach London gezogen, um sich dort zentral zu etablieren, leben aber nicht kontinuierlich an diesem Ort zusammen. Und – nicht gerade typisch fürs klassische Schmuckdesign-Gewerbe – sie suchen ein kreatives Umfeld eher in der rein künstlerischen Prägung, ohne die Ambition aufzugeben, sich gleichzeitig im Business fest zu etablieren. Balanceakte zwischen freier Kreativität und Geschäft, die von außen nicht ganz einfach erscheinen und die durchaus Teil einer jungen Orientierung sind, welche vorgegebene Fahrwasser des Vorankommens nicht mehr als zwingend auffasst, sondern neue Wege und Positionierungen erprobt. Auch die kreative Arbeit als homogenes Team zu begreifen und nicht als zufällig passende Addition individueller Richtungen, ist letztlich ein unkonventionelles Konzept im Schmuckdesign.

modacycle: Ein Jahr ist vergangen seitdem ihr hier schon anwesend wart, was hat es gebracht?

Räthel und Wolf: Einfach super viel. Zuerst mal gute Verbindungen zur französischen Modeszene, aber auch international, weil Hyères ein Magnet ist für alle, die in Fashion arbeiten. Die kommen hierher zu dem Festival. Das merkt man auf jeden Fall deutlich. Über Gespräche, die man führt, dann auch anhand der Kontakte im Nachhinein, also das ist schon toll.

modacycle: Hattet ihr jetzt einen speziellen Auftrag, konntet ihr im vergangenen Jahr etwas Konkretes arbeiten oder habt ihr weiter gemacht wie immer?

Räthel und Wolf: Wir haben weiter gemacht, sind ganz gut gewachsen und vorwärts gekommen. Es ist schwierig, weil wir ja erst 1 ½ Jahre alt sind, in der Phase wächst man eigentlich, es explodiert sogar wenn es gut läuft und wir sind ganz froh wie es läuft. Wir können nicht genau sagen ob das nur passiert ist wegen Hyères, aber ich glaube schon, dass die Credibility auch durch Hyères kam. Wir sind aber auch super aktiv: Wir zeigen auf der Pariser Fashionweek, wir haben eigene Events in London, wo wir mit anderen Künstlern kollaborieren, Veranstaltungen zu körperbezogener Kunst, was uns zu unserem körperbezogenen Schmuck inspiriert, kurz, durch die vielen Aktivitäten haben wir viel Interesse bekommen und auch Aufträge.

modacycle: Das Neuartige an eurem Schmuck hat zunächst den Körperbezug als Basis, Schmuck soll bestimmte Körperelemente akzentuieren, wie zum Beispiel durch die Art und Weise, wie der Fingernagel eingerahmt wird.

Räthel und Wolf: Genau, das ist richtig. Der Körper ist unsere Inspirationsquelle, wir designen immer direkt am Körper, „im Material“. Wir sind beide geschulte Goldschmiede (wir haben Schmuckdesign studiert), und ich glaube aus dem Prozess, mit Metall direkt am Körper zu arbeiten, finden wir andere Ergebnisse, andere Positionen am Körper wo der Schmuck getragen wird, als herkömmlich. Wie zum Beispiel diese Nagelringe (die wir von Anfang an dabei hatten), die den Nagel rahmen und auch das Gefühl der Intimität unter dem Nagel hervorheben, was man sonst eigentlich nicht so spüren würde. Oder eine kühles Objekt hinter dem Ohr: wie das Material sich an den Körper da anschmiegt, das sind einfach Sensationen die man, wenn man den Schmuck von einer Zeichnung her entwickelt, so nicht erreicht.

modacycle: Neu hinzu gekommen sind jetzt Steine.

Räthel und Wolf: Jetzt haben wir Edelsteine in unsere Kollektion eingebracht. Dadurch, dass wir immer nach neuen Wegen suchen, wie der Schmuck am Körper sitzt, ergibt sich nun auch die Aufgabe, wie der Stein mit dem Schmuckstück korrespondiert. Wir haben in Deutschland einen Produzenten gefunden, einen erfahrenen „prestigious Manufacturer“, der schneidet uns die Edelsteine von Hand im Sinne unseres Konzeptes und die fassen wir jetzt. Die werden aber nicht gefasst in dem Sinne wie man Diamanten fasst, sondern sie sind elementarer, integrativer Teil des Schmuckstückes und sitzen somit im Ohr oder um den Finger. Damit wird das bisher mit Metall entwickelte Konzept weitergetragen.

modacycle: Noch eine Frage zur gemeinsamen Arbeit: Ihr wohnt ja nicht am selben Ort. Wie macht man das dann praktisch? Macht die eine dies und die andere das, oder entwerft ihr die Stücke gemeinsam? Wie muss man sich das vorstellen, wenn die kreative Kommunikation über Entfernung stattfindet, gerade bei dieser Art von Konzept mit der Entwicklung am Körper?

Räthel und Wolf: Wir sind eigentlich an einem gemeinsamen Ort. Wir leben beide in London. Die Freiheit, individuell auch mal drei Wochen unabhängig an anderem Ort zu sein, nehmen wir uns aber auch. Generell sind wir zusammen in London und so wie das Business bis jetzt aufgestellt ist, designen wir alles zusammen. Die komplette kreative Vision ist von uns beiden, sie entsteht direkt und kommunikativ, auch wenn im täglichen Leben jeder seine spezifischen besonderen Fähigkeiten ins gemeinsame Entwickeln einbringt – die eine ist vielleicht spezialisierter auf die Social Media und die andere auf Webproduktion businessseitig. Dass aber die kreative Arbeit in der Kommunikation zwischen uns passiert, ist uns sehr wichtig und auch besonders.

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Text und Interview: Gerhard Paproth
Bilder: Schau Andreas Hofrichter, Backstage Gerhard Paproth

Christoph Rumpf gewann Ende April den „Prix Première Vision“ beim renommierten Nachwuchswettbewerb in Hyères, Frankreich, und im Zuge dessen hat der Sponsor Mercedes Benz ihn zu einer Schau auf der Fashionweek in Berlin eingeladen. Das ist, wie Rumpf auch im Gespräch würdigt, eine tolle Möglichkeit, als Nachwuchsdesigner seine Arbeit einem breiten Publikum vorzustellen.

Man muss sich aber auch die konkreten Umstände vor Augen führen: Christoph Rumpf ist noch Student und die vorgestellten Arbeiten repräsentieren darum nicht den Start ins Modebusiness. Vielmehr wird eine Designposition deutlich, die auf Unabhängigkeit beruht und – daher ja auch der Preis – den Anspruch eines gestalterischen Ideals in sich trägt, der auf großes Interesse und Beifall stößt. Umso deutlicher tritt diese Position hervor, als sie sich auf Mythen, Fantasie und Träume stützt, die mit dem Übergang in die professionelle Welt in der Regel normalerweise komplett abzulegen ist. Für das Publikum gehen damit aber die ebenso gehegten Sehnsüchte verloren, die, das zeigte der große Beifall am Ende dieser Schau, in Zukunft vielleicht doch eine Chance bekommen könnten. Wir sprachen mit Christoph Rumpf darüber und inwiefern institutionelle Nachwuchsförderung Wege bereitet.

modaCYCLE: Wir interessieren uns sehr für Nachwuchsförderung in der Mode. Gibt es solche in Österreich?

Christoph Rumpf: Ja, neben diversen Einrichtungen und Stipendien an der Uni gibt es einige Sachen. Aber Österreich ist ja auch klein und es gibt nicht so viele Designer.

modaCYCLE: Immerhin kommen nicht wenige Designer hier nach Deutschland, und die sagen, die Chancen bzw. Möglichkeiten sich zu etablieren seien in Österreich noch nicht so ausgeprägt.

Christoph Rumpf: Nun, das kann man vielleicht nicht vergleichen. Österreich hat ja nicht dieselbe Modeinfrastruktur wie die sehr großen Städte in Deutschland oder Frankreich.

modaCYCLE:Wie finden Sie die Nachwuchsförderung in Frankreich, wo man zum Beispiel in die ganz großen Betriebe hinein-gelotst wird und die Infrastrukturen nutzen kann. Sie haben auf diesem Wege doch schon den Schmuck für Chanel gemacht.

Christoph Rumpf: Nein, das ist noch nicht so weit, aber ich mache die Ausstattungen für Petit Bateau und ich finde nicht, dass man da „hinein-gelotst“ wird. Ich muss mich da jetzt noch nicht entscheiden. Wenn man da ein Angebot bekommt, kann man das überdenken. Für mich ist das momentan zum Beispiel keine Option mitten im Studium, aber nächstes Jahr, wenn ich das abgeschlossen habe, schon eher.

modaCYCLE: Ach, das müssen Sie deswegen generell ausschlagen?

Christoph Rumpf: Momentan ist das nicht so gut. Ich bin im letzten Studienjahr und will erst in Ruhe meinen Abschluss im September machen.

modaCYCLE: Und gibt es dann noch andere Möglichkeiten, Zugang zu etablierten Marken zu bekommen?

Christoph Rumpf: Ja, zum Beispiel gibt es noch eine Möglichkeit von Hermès, verbunden mit einem Preisgeld, auch für andere, die auf dem Festival (Hyères) vertreten waren. Das muss nicht sofort sein.

modaCYCLE: Also konkret hat sich noch nichts ergeben, nach dem Preis in Hyères, außer dem entsprechenden Preisgeld?

Christoph Rumpf: Nun, es ist schon fantastisch mit Mercedes Benz zu arbeiten, zum Beispiel jetzt hier, wo man die Schau machen kann und das ganze Makeup und so professionell ohne Eigenaufwand ausgerichtet wird.
Letztlich kann man sowieso nicht viel mehr machen, als was im Zuge des Preises der „Première Vision“ von Chanel eingerichtet ist. Ich bin außerdem, wie gesagt, ja auch noch im Studium.

modaCYCLE: Sie haben in unserem vorhergehenden Gespräch erzählt, dass Ihre Ideen aus dem Fantasy-Umfeld, aus Märchen stammen. Das ist ja ein ganz anderer Bereich als wenn man jetzt in die Fashionszene gehen will, die sich im Prinzip industrialisiert. Wie stellen Sie sich das mit Ihren Sachen vor, ist das nicht problematisch?

Christoph Rumpf: Nicht unproblematisch. Wenn man den Leuten das präsentiert, ist das eine Seite der Angelegenheit: meine Sachen, das sind alles extreme Silhouetten, und auch die Produktion ist kompliziert. Aber mit dem sogenannten Bad Stock kann man keine größere Menge produzieren (Rumpf meint hier seine recycelnde Verwendung von gefundenen Textilien, z.B. vom Flohmarkt etc.), da müsste ich am Anfang des gesamten Prozesses schon anders vorgehen.

modaCYCLE: Bei solchen Beispielen wie Brokatstoffen dürfte das doch nicht so einfach sein?

Christoph Rumpf: Einfach nicht, aber auch dafür finden sich Wege. Wenn ich dann ein eigenes Studio haben werde, will ich mich auch nicht so positionieren, dass ich jährlich 80 oder 90 Kollektionsentwürfe liefern muss. Ich wollte noch nie „Chanel werden“. Ich suche eine Nische mit kleiner Produktion, das geht ja auch und ich kenne gute Beispiele von Designern, die damit durchaus ein befriedigendes Auskommen haben.

backstage:

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Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Im vergangenen Jahr haben Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh den Grand Prix du Jury PREMIÈRE VISION für ihre Männerkollektion „Fish or Fight“ gewonnen, strahlend und ausgelassen feiernd, dann ging alles Schlag auf Schlag, Schau in Berlin Umzug von Antwerpen nach Paris, weitere Preise, Kollektion für Petit Bateau, neue Sachen fürs eigene Label, Art-Direction-Jobs bei Nina Ricci, zusätzlicher Einstieg bei Accessoires und vieles mehr. Dieses Jahr nun eine erneute Schau in Hyères und Präsenz im Shop mit der neuen Kollektion, die in mancher Hinsicht etwas zurückgenommener in der verspielten Herangehensweise ist, kontrollierter zwar, aber ohne die grelle Kraft und den Touch Streetwear aufzugeben. Im Shop und im Showroom findet man auch die eher populäreren Dinge, Basecaps, T-Shirts, schlichte Accessoires. Der Sprung vom verrückten Studentendesign zur kommerziell orientierten Kollektion ist stets ein komplizierter Balanceakt, den das lebhafte Designerduo auch im Interview vergegenwärtigt.

modaCYCLE: Was hat der Preis euch fürs letzte Jahr gebracht?

Lisi Herrebrugh: Die Entwicklung der neuen Kollektion, Jobs bei Nina Ricci, neue Stores, neue Kunden für Botter, viele Dinge letztlich. Und wir sind nach Paris umgezogen, das war auch nicht ohne.
Rushemy Botter: Wir mussten einerseits eine neue Struktur in unser eigenes Unternehmen bringen, das war vorher etwas offen, andererseits haben wir gelernt, wie es in der Fashion-Industrie selbst funktioniert. Wir waren vorher Studenten, da war es wie in einer Mode-Blase, das ist schon was anderes, wenn man in die Industrie geht.

modaCYCLE: Dieser Preis in Hyères gibt einem also eine echte Chance. Der Sprung in die Industrie ist ja nicht so einfach zu bewerkstelligen.

Lisi Herrebrugh: Also wenn man als Graduate die Schule verlässt ist es nicht einfach. Man findet keinen Job, schon Praktika sind schwierig – also da fühlen wir uns schon sehr privilegiert, dass uns das passiert ist. Und wir fühlen uns auch verbunden gegenüber denen, die nicht in derselben Situation sind. Das alles ist uns sehr bewusst.
Rushemy Botter: Richtig, das vergessen wir nicht und wir müssen auch für die eine Stimme sein.
Lisi Herrebrugh: Es ging schon alles sehr schnell.

modaCYCLE: Was hat sich stilistisch verändert seit letztem Jahr? Wir sehen, der Ansatz ist nun ein etwas anderer geworden, hat der industrielle Anspruch das bewirkt?

Rushemy Botter: Ich denke wir haben uns mehr angestrengt für diese Herausforderungen, wir machen zwar konzeptuelle Kleidung, aber wir machen immer Kleidung, die man tragen kann.
Lisi Herrebrugh: Wir waren nie Designer, die fürs Museum entworfen haben. Dafür sind wir zu sozial verankert, wir werden von den Menschen inspiriert, wie sie leben, wie sie sich emotional äußern, auch von ihren Beziehungen. Das ist relevant dafür, was man tragen kann. Und das geht hin bis zu den verwendeten Materialien. Die müssen unkompliziert herstellbar sein. Auch das war eine Veränderung, denn da muss man eine Brücke zu verrückten Ideen finden.

modaCYCLE: Wie kann man die konträren Pole der freien Kreativität, die ja bei euch sehr ausgeprägt sichtbar ist, mit den kommerziellen Notwendigkeiten unter einen Hut bringen?

Lisi Herrebrugh: Wir haben die Kollektion jetzt mehr oder weniger geteilt. Wir entscheiden, was wir auf dem Laufsteg wollen und daneben das, welche Stücke wir in den Showroom herein nehmen. Im Showroom wollen wir alles Mögliche zeigen.

modaCYCLE: Man zeigt also Sachen um des Schaueffekts willen und im Verkauf alles Mögliche, was man so macht?

Rushemy Botter: Ja, das muss man trennen.
Lisi Herrebrugh: Das hat mehrere Aspekte. Wir brauchen zum Beispiel ja auch Presse. Und die Presse will nicht die T-Shirts sehen, sondern was Extravagantes. Ihr gegenüber ist es ein wenig geben und ein wenig nehmen.

modaCYCLE: Der Umzug nach Paris, war das eine Notwendigkeit?

Rushemy Botter: Nun ja, Paris hat eine Infrastruktur für das, was wir machen und machen wollen, die wir in Antwerpen vergleichbar nicht einmal im Ansatz haben. Das ist uns sehr schnell deutlich geworden. Es war schon die richtige Entscheidung, auch wenn wir damit einiges neu regulieren mussten.
Lisi Herrebrugh: Wir mögen die Stadt auch, das hat uns die Entscheidung erleichtert. Auch wenn wir szenemäßig nicht so viel auf Achse sind, also kulturell und privat nicht so viel herumkommen. Wir leben da etwas zurückgezogener, weil wir viel mit unseren Dingen beschäftigt sind, aber das bringt der Stand der Dinge eben so mit sich und wir sind sehr zufrieden damit. Auch das ist ein Vorteil des eingangs erwähnten Privilegs.

City:

Shop und Showroom:

Das Défilé (hauptsächlich Kollektion für Petit Bateau):

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Geplant war ein Atelierbesuch, aber es gab gar kein solches im herkömmlichen Verständnis. Das Atelier von Damur Huang ist ein Office, Showroom und Besprechungsraum in Kombination, und damit ist im Grunde das Interesse am Designprozess schon ungewöhnlich beantwortet: Damurs Mode versteht sich in erster Linie als eine zeitgemäße Businessunternehmung, das Produkt Mode wird als Kommunikationsträger betrachtet und der kreative Gestaltungsakt vollzieht sich vornehmlich als Prozess on the fly. Auch der Ort mitten in Kreuzberg ist einerseits eine Situierung im sozialen Kontext – und von daher kulturell inspiriert, andererseits ist er gleichzeitig auch autonom im geschäftlichen und gestalterischen Tun am Laptop. Drei Mitarbeiter sitzen an dem zentralen Tisch in dem eher kleinen Ladenlokal an ihren Laptops – Stoffrollen, Nähmaschinen, Zeichnungen, Werkzeuge, Schneiderpuppen, Unikate und Prototypen, all das gibt es hier nicht mehr.

Dabei hatte Shih-Shun Huang seinen Weg zum Designer durchaus auf klassischem Weg über verschiedene Mode-Ausbildungsstätten in Belgien, Frankreich und anderswo beschritten, doch seit der Selbständigkeit des Labels vor ca. drei Jahren ist die künstlerische Ambition dem Geschäftlichen nachgeordnet, sie ist nur noch ein konzeptuelles Bestandteil. Schon vor der ersten Frage stellt der gesprächige Designer klar, dass die medialen Erwartungen mit romantischen Vorstellungen vom kreativ-gestalterischen Prozess und von ästhetisch geprägter künstlerischer Arbeit bei ihm an falscher Adresse sind, was aber nicht bedeutet, dass dem keine kulturbezogene Philosophie zugrunde liegt.

Ästhetische Kriterien sind für den Designer ein unzeitgemäßer Ansatz, Kulturgeschichte bestünde eben nicht aus stets neuen Leonardo da Vincis, sondern aus zeitgemäßen, innovativen Konzepten, die sich aus sozialen Kontexten ableiteten. Die Gegenwart ist wesentlich von kommunikativen Neuerungen geprägt und Damurs Gestaltung von Kleidung soll genau das reflektieren und im besten Fall Teil dieses interaktiven Austausches sein. Und die verschiedenen Aspekte dieses Phänomens liefern die Leitgedanken für seine jeweilige Kollektion.

Die letzte Kollektion war vom Hashtag # geprägt, das Kennzeichen für kurze Mitteilungen und Austausch, an dem jeder beteiligt ist und das demokratisch jedem Individuum Platz für seine Selbstdarstellung bereitstellt. Überhaupt versteht Damur Kleidung als Teil der Selbstdarstellung, aber er liefert dafür keine Interpretationsoptionen, sondern die Dokumentation dieser Beobachtung, in der man sich positionieren kann. Und darum steht für ihn zwar das Individuum im Focus, aber nicht seine Individualität. Seine Mode ist Ausdruck der Identifikation mit der gelebten (und geliebten) Gegenwart.

Das Handwerkszeug der Gestaltung – Farbe, Form, Material etc. verliert seine ursprünglichen Anwendungskonnotationen und steht für anderes zur Verfügung. Denim zum Beispiel ist ein bevorzugter Stoff, der sich mittlerweile von seinen ursprünglichen sozialen Implikationen (Blue Jeans) völlig emanzipiert hat und bis hin zu Chanel-Kollektionen zum Allerweltsgut geworden ist: ein Signum für pluralistische Aneignung bei gleichzeitigem Konnotationsverlust. In Kombination mit anderen Stoffen relativiert sich deswegen die Kontrasthaftigkeit auf allgemeingültigen Konsens. Denim erhält eine neue, konsensuelle Wertigkeit, die unsere (Groß-)Mütter, die Blue Jeans bügeln wollten (mit Bügelfalte!), angestrebt aber nicht erreicht haben.

Damur schätzt Kontraste. Die werden zwar bei seiner Kleidung in Farbigkeit und Formgebung sichtbar, sind aber ebenfalls eher als gesellschaftliche Statements verstanden und angelegt, quasi der nonverbale Ausdruck des kommunikativen Miteinanders und Gegeneinanders. Das Erscheinungsbild eines Damur-Outfits soll im Kontrast zu allen anderen Outfits der Umgebung stehen und damit unsere Umwelt um eine Position reicher machen. Auch in sich sind viele Stücke gegensätzlich, vorne und hinten sind wie zwei unterschiedliche Seiten einer Medaille, was vorne die üblichen Insignien eines Anzugs aufweist, kann hinten die eines Trenchcoats haben oder einen derb formulierten Hashtag ins Auge springen lassen. Die Codes werden neu aufgemischt.

modaCYCLE: Shih-Shun Huang, Sie sagen, Sie arbeiten nicht mehr im klassischen, künstlerisch geprägten Atelier-Verfahren.

Damur: Infolge meiner Universitätsausbildung habe ich mehrere Jahre als Künstler im Fine-Art-Bereich gearbeitet. Aber mit dem Eintritt in das Design-Business hat sich die Herangehensweise geändert. Wenn man ein tolles Stück auf künstlerische Weise gemacht hat und dann feststellen muss,dass es schwer zu verkaufen ist, ändert sich die Sicht und die Lage. Mit der Gründung einer GmbH hier in Deutschland geht es zuerst darum, dass die Unternehmung überleben kann. Man muss sich um Herstellungsqualitäten kümmern, viel Zeit in Muster und Nähen für Varianten einer Kollektion investieren. Und hauptsächlich um die Vermarktung.

modaCYCLE: War der künstlerische Leitgedanke nicht der entscheidende Grund um in dieses Business zu gehen?

Damur: Nun, ja und nein, letztlich ist, wenn man sich für einen Künstler hält, alles, was man täglich als Modedesigner so macht, künstlerische Arbeit. Dafür muss man nicht etwas kreieren. Zum Beispiel muß man sein Produkt marktgerecht aufbereiten, so dass die Leute daran glauben können, also eine Geschichte dazu erzählen, das muss man auf verschiedene Teile übertragen (T-Shirt, Hose etc.), Kosten berechnen und Preise zuordnen, und das ist dann eben nicht mehr „Kunst“, sondern ein Business.
Man muss sicherstellen, dass die Investitionen wieder hereinkommen und das ganze funktioniert. Es stellt sich heraus, dass es Geschäft ist.

modaCYCLE: Wenn Designer den Medien erklären, es geht nicht wirklich um kreative Gestaltung, sondern um das Geschäft, würden dann nicht alle Modemagazine dicht machen müssen? Wir interessieren uns jedenfalls zentral für den künstlerischen Impact von Modedesign, zum Beispiel die Zeitbezogenheit der gestalterischen Ideenansätze.

Damur: Nun, was wir als „Serien“ mit den saisonalen Kollektionen herausbringen, ist zwangsläufig zeitbezogen. Denn wir betrachten unsere Kreationen, unsere Produkte als dokumentarisch. Wir bedienen uns bestimmter, aktueller Symbole, wie zum Beispiel des Hashtags, die dann die Gestaltung bestimmen. Das steht für die Art moderner Kommunikation. Mit den Farbkombinationen können wir zum Beispiel auch eine Genderposition formulieren. Was in den Social Media aktuell verhandelt wird, wie auch die #metoo-Debatte, soll sich in unseren Produkten wiederspiegeln. Wer sie trägt, demonstriert seiner Umwelt damit seine Teilhabe.

modaCYCLE: Die Unisex-Kreationen in Ihren Kollektionen spiegeln also in erster Linie eine gesellschaftliche Idee und eher nicht eine individuelle Position.

Damur: Ja, die Persönlichkeit definiert sich mit der persönlichen Wahl. Das Feld der Angebote ist groß, darin wählt man. Auf Instagram manifestiert sich die Bildung der Positionen mit den Likes, die man bekommt oder nicht. Gleichzeitig ist das ein Echo zu der Welt, in der ich lebe.

modaCYCLE: Die Widerspiegelung der Zeit, in der ich lebe, ist aber noch kein persönlicher Ausdruck.

Damur: Ich finde es interessant, wie Menschen sich austauschen. Mode ist Teil dieses Austausches.

modaCYCLE: So lange wie eine individuelle Haltung nicht die Grundlage ist, sondern nur übernommene Positionen – also was alle denken – die Interaktion bestimmen, inwieweit kann Mode, die das sichtbar machen soll, da etwas Besonderes ausdrücken?

Damur: Ich zeige Positionen und vor allem zeige ich das Austauschprinzip, mit dem diese jüngere Generation aufwächst und sich identifiziert. Instagram ist wichtiger Teil ihres Lebens. Und ich bediene mich dieses Prinzips. Man trägt es am Körper. Es ist, wie gesagt, ein Reflex auf die Welt, in der wir leben, so wie ich das Thema visuell übertrage.
In der nächsten Saison ist dann ein anderes Gegenwartsphänomen Thema. Es geht um die Oberflächenerscheinung von bestimmten Kleidungsstücken. Zum Beispiel des Trenchcoats, der bei uns verschiedene Kleidungsstücke im Mix in sich vereinigt. Es geht um die Rollen, die man anläßlich verschiedener Gelegenheiten vorführt. Ist es ein Kleid oder ist es ein Hemd?
Angesichts verschiedener Fragenen in Politik (z.B. Brexit) und Gesellschaft stellt sich permanent die Forderung nach einer Entscheidung. Fake News in den Social Media demonstrieren uns dauernd „richtig“ oder „falsch“, auch das kennzeichnet unsere Gegenwart. Und Mode reflektiert unsere Zeit, da zu sein, im Moment als Mensch, der bestehen muss.

modaCYCLE: Sie sagten einmal, Denim sei ein soziales Statement.

Damur: Ja, man findet Denim jetzt überall, auch bei Chanel. Es ist wie früher Jersey, man findet es überall in der Gesellschaft. Es ist jetzt ein historisches Textil.

modaCYCLE: „Wear it loud“ als Ausdruck expressiver Modehaltung ist ein Statement von Damur.

Damur: Loud ist ein Haltung der Jugend und ist hier als das Gegenteil von Invisible zu verstehen. Die Leute wollen gesehen werden, auch als Teil einer Gruppe. Und man kann die Signifikanz ausserhalb des Üblichen wählen, mit der man wahrgenommen wird. Klassische Ästhetik – wie häßlich und schön, tragbar und unmöglich – so wie unsere Kunstprofessoren das aus überkommender Philosophie (da Vinci wäre sowieso schwer zu erreichen…) übernommen haben, spielt eigentlich keine Rolle mehr. Das Ästhetische ist eine Idee der Vergangenheit.

modaCYCLE: Denken Sie, die Vorstellung von Schönheit ist nicht mehr eine allgemeine, sondern jetzt eine individuelle Angelegenheit?

Damur: Meine Mama rief manchmal aus „das ist ja so häßlich!“ wenn ich mir was ausgesucht hatte, aber wir haben jetzt eine andere Zeit. Die hat andere Maßstäbe. Sachen, die ich mache, folgen anderen Leitgedanken. Wir reden nicht von Balance der Materialien, der Farben, von Symmetrie und so weiter. Wir wollen nicht schöne Farben oder so. Die Entscheidungen werden auf anderer Ebene getroffen. Kontraste sind da schon wichtiger, in allem. Das hat mit dem allgemeinen Anliegen zu tun, aber für mich persönlich waren Kontraste schon immer meine Leidenschaft.

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Text, Interview und Bilder: Gerhard Paproth

Letztes Jahr waren Thibaut Rodde & Sandrine Paskusz-Koffi mit ihren Brillen bei den Wettbewerbern der Abteilung Accessoires de Mode vertreten und erlebten viel Aufmerksamkeit. Auch wenn man den großen Preis dann nicht gewinnt, ist es ein wichtiger Erfolg. Denn die Vorauswahl zum Wettbewerb respektive die Präsentation auf dem Festival gibt der Karriere von Jungdesignern anschließend einen beachtlichen Kick. Außerdem kann es sein, dass die Festivalleitung im Folgejahr noch einmal zu einer kleinen Showroomausstellung  der „Formers“ einlädt, wenn die neuen Arbeiten außergewöhnlich zeigenswert sind, wie das jetzt für die beiden Kreativen der Fall war.

ModaCYCLE: Wir sind neugierig welche positiven Folgen die Teilnahme am Wettbewerb hier in Hyères hat. Was hat es euch gebracht?

Sandrine Paskusz-Koffi: Wichtig war für uns, dass wir den professionellen Markt kennen gelernt haben. Sowohl während des Festivals als auch danach haben wir viele professionelle Kontakte knüpfen können, sowohl mit den Medien als auch mit der Branche. Die Lunetterie (Brillenbranche) ist recht speziell, das war schon sehr wichtig für unsere Weiterarbeit. Nicht zuletzt sind wir Autodidakten und hatten bis dahin keine Berührung mit dem Markt.

Zweitens, und auch das war für uns als Autodidakten wertvoll, erhielten wir einmal Kritik der Profis. Und da war die positive Resonanz ebenso überraschend wie die des Publikums, das ja selbst überrascht reagierte.

Und wir hatten ein unerwartetes Medien-Echo, sogar ziemlich international – bis nach Japan. Damit hatten wir auch nicht gerechnet.

Thibaut-Rodde: Der entscheidende Impuls war sicher, dass wir mit der Handarbeit weiter machen. Wir haben mittlerweile auch klassischere Modelle gemacht, quasi als Erweiterung des Spektrums. Ich selbst trage so ein Beispiel im Alltag. Wir stehen aber noch zum Einzigartigen. Die Ausweitung des Programms erlaubt uns gleichzeitig, die Industrialisierung auszuprobieren.

Positionierung, Bekanntheit, Kontakte, das sind wesentliche Ergebnisse unserer Teilnahme am Wettbewerb gewesen.

ModaCYCLE: Eure Brillen sind schon sehr speziell. Wie könntet ihr das Publikum, das auch diese Modelle kauft, beschreiben?

Thibaut-Rodde:Es sind sehr viele junge Modedesigner interessiert. Die möchten gerne mit uns kooperieren. Ansonsten überhaupt alle, die die Evolution der Dinge schätzen und die sinnliche Kraft von Form und Material lieben. Zum Beispiel die Modelle aus Holz fanden sehr viel Aufmerksamkeit.

Sandrine Paskusz-Koffi: Außerdem natürlich Menschen, die das Seltene lieben und einen Sinn für Ausgefallenes haben. Da ist kleine Handarbeitsproduktion möglich.

Thibaut-Rodde: Abgesehen von denen, die das mit Vergnügen tragen, gibt es Sammler. Das kleine Format als „objet d’art“ hat viele leidenschaftliche Interessenten.

ModaCYCLE: Das ist eine mutige Perspektive, auch den eher exzentrischen Markt bedienen zu wollen. Die meisten passen sich schnell und weitgehend den Marktregularien an, wenn es darum geht, wirtschaftlich gut zu überleben.

Thibaut-Rodde: Das Credo ist für uns: Das Produkt soll lange halten und gute Kenntnis von Handarbeit repräsentieren. Wir verfolgen die Kombination von Tradition und dem Schritt in die Zukunft. Das zeigt sich durchaus als eine tragfähige Perspektive.

Aktuelle Arbeiten von Thibaut-Rodde und Sandrine Paskusz-Koffi:

  Wettbewerbsbeitrag 2017:

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Letztes Jahr hat die Schweizer Designerin gleichzeitig den Grand Prix du Jury Première Vision und den Prix Publique in Hyères gewonnen und damit nicht nur Preisgeld, sondern auch Angebote mit bzw. für Chanel und Petit Bateau Kollektionen zu entwerfen. Dieses Jahr war sie allgegenwärtig. Kurz zuvor hatte Vanessa Schindler erst ihre Ausbildung beendet (Diplom Head Genève) und der Segen kam wohl mehr als überraschend: Experimentierfreudige Menschen mit unzulänglichem Interesse an Kommerzialität freuen sich ja meistens schon sehr, wenn sie irgendwo bei Wettbewerben Beachtung finden und mit Preisen rechnen sie eher nicht.

Sicher hat die Anerkennung für einen zusätzlichen Auftrieb gesorgt, aber die lebhafte Jungdesignerin ist ohnehin sehr fleißig und engagiert und auch neugierig und umtriebig. Auf der Fashionweek Berlin SS2018 hatte sie schon kurz danach ein Défilé.

Auf vielen Ebenen war sie in dem Jahr seither aktiv: Auf dem Festival in Hyères sah man jetzt einen Film von ihr und eine Installation, gemeinschaftlich erarbeitet mit Marine Giraudo. Alle Festivalmitarbeiter (und auch viele Besucher) trugen Outfits ihrer maritimen Kollektion für „Petit Bateau“ (hauptsächlich Kindermode), die man auch im Shop erwerben konnte. Ein Showroomabteil war mit ihren spannenden, neuen Kreationen („Chapitre3-La Frivolité“) ausgestattet, ziemlich aufwändigen und experimentellen Arbeiten mit Kunststoffen (besonders Uréthan) und Materialmixturen sowie ungewöhnlichen Applikationen sowie ein raffiniert-schlichtes Schmuckensemble für „Chanel – Maison Lesage“. Vor Ort erklärte sie unermüdlich dem Publikum die verschiedenen Teile, ohne die gute Laune zu verlieren. Und an drei Abenden hatte sie außerdem ein eigenes Défilé zu betreuen, ein paar Kilometer entfernt, wo diese Teile auf den Laufsteg zu bringen waren. Und nicht zuletzt kann man selbstverständlich auf mehreren ihrer Webseiten die verschiedensten Orientierungen ihrer Produktivität verfolgen.

Installation Vanessa Schindler und Marina Giraudo „URÉTHANE“ 2017:

aus der Kollektion für „Petit Bateau“ (im Shop):

für Chanel – Maison Lesage (Showroom):

Kollektion 2018 „Chapitre3-La Frivolité“ (Showroom):

Wir waren morgens rechtzeitig zum Gespräch verabredet, danach war ihr Showroomabteil schon überfüllt. Für mein Oldschool-Aufnahmegerät, das heute drohte, seinen Geist aufzugeben, hatte die entspannte Nachwuchsdesignerin nicht einmal einen kritischen Blick übrig, sondern meinte nur schmunzelnd „wenn’s schief geht, müssen Sie halt ein Gedächtnisprotokoll schreiben!“ Eine zutreffende Prognose.

modaCYCLE: Sie haben letztes Jahr gleich zwei Preise gewonnen – neben dem Geld ist damit eine Zusammenarbeit mit Chanel und eine mit dem Haus Petit Bateau verbunden. Das erscheint als sehr vorteilhafte Nachwuchsförderung, darum sind wir neugierig, wie sich das gestaltet hat.

VANESSA SCHINDLER: Die Arbeit mit Petit Bateau dauerte acht Monate, ich hatte gleich nach dem Festival letztes Jahr damit angefangen. Ausgangspunkt war das maritime Modethema, also zunächst die blauen Streifen, in das ich meine experimentellen Versuche integriert habe. Weil das Projekt auf industrielle Fertigung angelegt war, habe ich den technischen Herstellungsvorgang einbezogen, das war insofern neu für mich. Es gab aber keine Probleme, denn Petit Bateau hat mir von Anfang an alles offen gelassen und sich bei der Realisierung vollständig auf mich eingestellt. Das war sehr angenehm und verlief konstruktiv, ich habe dabei viel über so eine Prêt-à-Porter-Realisierung gelernt. Überhaupt war es ein sehr aktives Jahr, letztlich hatte ich ja gerade erst meinen Ausbildungsabschluss hinter mir und mit so viel Aufmerksamkeit nicht gerechnet.

modaCYCLE: Sie durften auch für Chanel arbeiten. Das stellen wir uns sehr herausfordernd und aufregend vor.

VANESSA SCHINDLER: Auch die Arbeit mit Chanel war sehr spannend, da habe ich eine Schmuckkollektion gemacht. Auch hier hat sich das Unternehmen ganz auf mich eingestellt, die Mitarbeiter waren total nett. Sie hatten überhaupt keine Vorbehalte gegenüber den material-experimentellen Besonderheiten und Herausforderungen. Alles war sehr entspannt – sie sagten mir gleich zu Beginn „Seien Sie unbesorgt, letztlich ist ALLES möglich!“ Der Einblick in die Arbeit des Hauses und die Kooperation waren auch sehr bereichernd.

modaCYCLE: Wie kommt man damit klar, wenn plötzlich so viel Erfolgsdruck an einen herangetragen wird? Ist das nicht eine enorme Beschleunigung, die einen erst einmal beunruhigt?

VANESSA SCHINDLER: Der Erfolg kam sehr überraschend für mich, natürlich habe ich mich sehr darüber gefreut. Gleichwohl verfolge ich weiterhin gelassen und neugierig mein experimentelles Interesse, das ist letztendlich das, was meinen Spass an dem Ganzen ausmacht.

modaCYCLE: Technische Experimente werden die Stoffe der Zukunft bestimmen, die Forschungen zum Tragekomfort (Atmung, Klimawirksamkeit etc.) sind schon sehr extensiv. Interessieren Sie sich dafür auch?

VANESSA SCHINDLER: Ja, das ist richtig. Das interessiert mich sehr und es berührt auch oft das, was ich mache. Letztlich aber ist meine Ausrichtung das experimentelle Vergnügen. Die stilistischen und ästhetischen und visuell spannenden Möglichkeiten und Ergebnisse sind für mich entscheidend und von praktisch orientierter Forschung unabhängig.

Runway 29. 4. 2018

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Text & Interview: Gerhard Paproth

Fotos: Rafael Poschmann (Gastbeitrag)

In dieser Saison verzichtete Brachmann auf Teilnahme an der Fashionweek Berlin mit einer Schau und entschied sich stattdessen für eine einfache Präsentation in einem Showroom zusammen mit anderen Designern in Paris. Publizistisch interessieren wir uns ja weniger für modeindustrielle Konstellationen, aber diese Entscheidung bewog uns nun doch, ausnahmsweise einmal einen Blick auf die Strategie des Auftretens eines Labels zu richten und damit die Berliner Fashionweek aus wirtschaftlicher Perspektive der Designer in größerem Kontext zu beleuchten. Und die Frage zu stellen, welche Rolle Paris dabei (immer noch) spielt.

Brachmann stellt mit der Pariser Präsentation auch eine Hinwendung zum Ausbau einer eigenen Frauenkollektion vor. Das ist ästhetisch eher eine Überraschung insofern, als ihre Männerkollektionen eine männlich-strenge Gestaltkonzeption haben, die eine weibliche Ausstrahlung eher auszuschließen scheint. Wie sich da gestalterische Überlegungen und Verfahren als stilistische Übertragung definieren und wie so das leitende Prinzip ihrer saisonalen Kollektion entsteht, erklären uns Jennifer Brachmann und Olaf Kranz detaillierter im Interview.

modaCYCLE: Diese Saison konnte man die aktuelle Brachmann-Kollektion nicht in Berlin sehen, stattdessen wurde sie in Paris präsentiert. Gibt es Gründe dafür, die in eine neue Richtung weisen?

Brachmann: Leider konnten wir diese Saison unsere neue Kollektion nicht wieder in Berlin präsentieren, weil die zeitliche Überschneidung mit der Paris Fashion Week Men & Pre-collections Women einfach zu groß war. Die für uns relevanten Einkäufer, auch die deutschen, sind nicht in Berlin, sondern eben in Paris. Paris war, ist und bleibt in der Mode das Maß aller Dinge. Oder wie Werner Sombart, eine deutscher Nationalökonom am Anfang des 20. Jahrhunderts einmal sagte: Paris ist die „Centralsonne“ für die Modewelt.

modaCYCLE: Junge deutsche Modelabels versuchen gerne, im Pariser Modegetriebe einen Platz zu finden. Was macht dieses Streben so attraktiv? Mehr Anerkennung, besserer Markt oder der Sprung auf die internationale Bühne?

Brachmann: Die Berliner Korrespondentin der Womens Wear Daily, Melissa Drier, hat kürzlich in einem Artikel für den TIP-Berlin über die Modestadt Berlin gesagt, dass es in Berlin nicht an Talenten von internationalem Rang mangelt, dass aber das Problem der Berliner Designer ist, dass sowohl die deutschen Kunden als auch die deutschen Einkäufer sich nicht für deutsche Mode interessieren, wenn sie sich überhaupt für Mode interessieren. Das entspricht auch unserer Erfahrung, von Ausnahmen einmal abgesehen. Daher ist das klassische Wachstumsmodell für deutsche Mode-Label kaum begehbar, also erst einmal den Heimatmarkt aufrollen, bevor man Schritt für Schritt in ausländischen Märkten Fuß fasst. In der Mode muss man nach Paris gehen, um hier internationale Einkäufer von seinen Kollektionen zu überzeugen, um überhaupt in den Markt zu kommen. Erst wenn man im Ausland Erfolg hat, wird man auch von deutschen Einkäufern und Kunden wahrgenommen. Aber letztlich ist es auch für Labels anderer Länder fast unumgänglich, nach Paris zu kommen. Die Londoner Labels zeigen zwar in London, verkaufen aber in Paris. Die us-amerikanischen gehen zunehmend nach Paris, weil der amerikanische Heimatmarkt schwierig ist. Paris ist die Centralsonne der Mode für alle.

modaCYCLE: Die aktuelle Brachmann-Kollektion – folgt sie einer thematischen oder ästhetischen Leitidee? Was ist neu? Spielt Frauenbekleidung jetzt eine größere Rolle?

Brachmann: Nachdem wir in der Sommerkollektion mit großer Resonanz unsere erste Frauenkollektion vorgestellt haben, haben wir entschieden, mit der Frauenkollektion weiter zu machen. Dabei standen wir vor der Frage, wie wir unsere Label-Design-DNA für die Frauenkollektion übersetzen. Wir kommen ja von der Idee, Menswear-Klassiker durch die Übersetzung von Architekturmethoden in die Mode in Schnitt, Form, Silhouette und Detail zu modernisieren.Das bleibt auch unser Ansatz für die Menswear. Für die Frauenkollektion gibt es aber zwei Möglichkeiten. Designen wir von unseren post-klassischen Menswearstücken inspirierte Womenswear oder modernisieren wir die Klassiker der Womenswear durch die Übersetzung von Architekturmethoden in die Mode in Schnitt, Form, Silhouette und Detail? Unsere Antwort lautet: Sowohl als auch! Das bedeutet, dass wir uns nicht allein auf menwearinspired Womenswear beschränken, sondern auch weiblichere klassische Kleidungsstücke wie das Kleid, den Rock, die Bluse etc. dekonstruieren und dann wieder neu zusammensetzen.

Für jede Saison suchen wir uns einen Klassiker aus, der für unsere Kollektion neu ist und den wir dann in unserer Interpretation neu designen und in die Kollektion aufnehmen. In dieser Saison war es der Smoking, und zwar für Frauen und Männer. Durch Details wie skulpturale Ärmel, Falten und kunstvoll arrangierte Lagen wird die Silhouette des Smokings modernisiert und der Smoking dabei vom rein Formellen emanzipiert. Durch das Zusammenspiel von Dekonstruktion und Rekonstruktion entstehen im Prozess aber auch zugleich vom Smoking inspirierte Details und Formen, mit denen andere formale wie casuale Klassiker veredelt werden. Wie immer versuchen wir, durch die Schnittführung der Kollektion eine architekturale Anmutung zu geben und durch Layering, Nahtführung und getwistete Fadenverläufe zu betonen. Die Farbpalette ist herbstlich und reicht von sattem Bordeaux über Tintenblau bis hin zu Anthrazit, um der Kollektion Tiefe und Eleganz zu verleihen. Die mal fließenden, mal festen luxuriösen Stoffe aus Naturfasern (leichte Merinowollen, Baumwolle, Seidengemische, gestrickte Baumwolle, strukturierte Schurwolle) zusammen mit der makellosen handwerklichen Verarbeitung sorgen für einen hohen Tragekomfort. Mit urbanem Chic, Coolness und Minimalismus löst die Kollektion zwanglos die Grenzen zwischen formalem Dresscode und Casual auf und ermöglicht einen nahtlosen Übergang zwischen Tag und Nacht, Job und Party.

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Interview: Gerhard Paproth (M)

Bilder: Andreas Hofrichter

Nach der Modenschau hatten wir die Gelegenheit mit Frau Hoschek ein Hintergrundgespräch zu führen. Die komplette in Berlin präsentierte Kollektion findet sich am Ende des Interviews.

MODACYCLE: Frau Hoschek, wie viel Sex sollte attraktive Mode haben?

LENA HOSCHEK: Es kommt immer auf die Trägerin an. Ich finde Mode kann sehr viel Sex haben, aber die Trägerin muss das ganz selbstbewusst rüber bringen, ganz selbstverständlich.

M: Aber der Designer konzipiert ja erstmal den Gedanken.

LH: Ja, das ist völlig richtig, Sex in der Mode kann der Designer immer konzipieren, aber die Kundin ist die einzige, die entscheidet, ob sie dies trägt oder nicht.

M: Gibt es da auch einen Bezug zu Ihren Retro-Sachen, etwas, was Sie daran besonders sexy finden?

LH: Ja, doch, ich bin schon immer auf diese kurvigen Figuren der 50er Jahren gestanden. Damit bin ich aufgewachsen und da war immer ganz stark die Taille im Fokus. Das war schon sehr prägend für mich.

M: Ihre Kollektionen sind immer sehr vielseitig zum jeweiligen Thema, das braucht ja viel Inspiration. Was sind Ihre wichtigsten Quellen?

LH: Ich glaube ich selbst. Ich habe schon als Kind eine unbändige Kreativität gehabt – die Antennen für den ganzen Unterbau dafür. Menschen, Künstlern, welcher Art auch immer, gehen die Inspirationen nie aus. Man kann eine Kollektion um eine Himbeere herum gestalten, wenn die Phantasie ausreicht. Das ist die Philosophie. Okay, lass uns philosophieren über diesen schwarzen Tisch: Jemand, der wirklich Geist hat und Esprit, kann schon über den Tisch philosophieren und verschiedene Themen hinein nehmen, die aber immer noch zusammen passen. Und ich glaube es ist eine Mischung von einer gewissen Art Intelligenz, die Dinge ganz inspirativ immer neu entstehen zu lassen, aber trotzdem verständlich zu bleiben und nicht völlig abzuheben.

Ich mag wahnsinnig gerne starke Models, die auch diese Klischees verarbeiten, zum Beispiel für meine Afrikakollektion – oder meine Betty Page Kollektion. Die war ganz stark von den späten 50er Jahren geprägt. Oder Ahoi für den kommenden Sommer, eine ganz maritime Kollektion, aber immer mit verschiedenen Stilelementen aufgewürzt – die das schon wieder ungewöhnlich darstellen, sich aber trotzdem immer innerhalb von meinem Ziel befinden.

M: Wie entsteht denn so eine Kollektion, wächst die langsam über einen längeren Zeitraum, oder kompakt indem Sie sich hinsetzen und sagen, die nächsten Tage mache ich nur die Kollektion?

LH: Nein, ich bin im Moment an den nächsten vier Kollektionen und mit Moodboards beschäftigt. Es ist immer so, wie ich gerade Lust habe. Ich arbeite extrem gerne auf Pinterest, ein sehr tolles, neues Medium, wo man ganz tolle Bildersuchen machen kann, anders als bei Google, wo man also nicht so viel Schund dabei hat sondern wirklich tolle, ästhetische Bilder. Da kommt man automatisch vom Hundertsten ins Tausendste, und da wird die Recherche rund um ein Thema sehr, sehr umfassend. Wichtig ist dabei die Kunst, das Material dann wieder sehr stark zu reduzieren. So dass man das dann zusammenzieht auf die Key-Looks.

M: Es bleibt ja dann immer noch viel übrig bei Ihnen.

LH: Ja, Tonnen! Da nimmt man eine Zimmerpflanze und macht daraus eine Wintergartenkollektion, das Material geht nie aus, da müsste ich 500 Jahre alt werden – oder die Lust in der Mode zu arbeiten würde vorher verschwinden.

M: Gibt es ein unterschiedliches Interesse an der Mode in Deutschland und in Österreich beim Publikum, was sich wo vorteilhafter verkauft?

LH: Das kann ich so nicht beurteilen, denn ich halte nicht viel von Klischees. Wir verkaufen die Kollektion im gesamten deutschsprachigen Raum sehr erfolgreich.

Da gibt es gewisse Regionen in Österreich, wo man mehr Trachten trägt, da wird meine Trachtenkollektion mehr gekauft, Kleider die ethnisch inspiriert sind, gehen dann mehr. Aber sonst sehe ich da kaum einen Unterschied. Man muss auch dazu sagen, meine Produkte sind relativ einschlägig. Und die Fangemeinde, die Kunden, die meine Sachen kaufen, die mag den Stil. Und die sitzt überall.

M: Sie haben ja mal mit Ihrem Laden auf Berlin gesetzt. Und den gibt es leider nicht mehr.

LH: Ja, den gibt es leider nicht mehr. Wir haben da ein paar Missgriffe gemacht, was die Immobilie betrifft. Wir waren ja zuerst in Mitte, und Mitte ist damals riesig expandiert und hat total geboomt, aber dieser Mitte-Boom ging damals in eine andere Richtung. Es sind ja seinerzeit alle Designer hingezogen und haben gedacht, das ist die neue Friedrichsstrasse. Das ist dann nicht so geworden. Und natürlich ist da die Kaufkraft letztlich viel geringer gewesen. Ein Adidas Laden, oder jemand der seine Jutebeutel dort verkauft, oder T-Shirts, das ist okay, aber bei uns kosten die Kleider dann schon ab 400 oder 500 Euro aufwärts. Und da war die Kundschaft erstmal nicht bereit dazu. Wir haben einen Kundenstamm langsam aufgebaut, die sind hingekommen, es gab aber auch viel Laufkundschaft. Das Schöne an dem Laden war, das wir in Mitte sehr viele Kunden aus aller Welt angesprochen haben. Die zwar nicht beim ersten Mal gleich gekauft haben, aber die ganze Mode gedanklich mitgenommen und dann im Onlineshop bestellt haben. Und der Onlineshop war ja auch dort situiert und ist total explodiert. Wir sind dann umgezogen wegen des Onlineshops. Es wäre nicht gegangen, das Personal zu verdoppeln, um beides zu haben. Und so sind wir schließlich an eine Location gekommen, die groß genug und auch schön war und wir haben gesagt ja, super. Und ich habe meiner damaligen Chefin in Berlin vertraut – ich als Nichtberlinerin hatte echt keine Ahnung, dass so entlegen kein Kunde mehr hinfährt. So haben dann alle unsere Berliner Kunden auch nur noch online gekauft. Der Laden ist damit richtig bergab gegangen, und der Onlineshop ist gleichzeitig immer mehr gewachsen. Ich habe dann überlegt, wozu soll ich den Onlineshop in Berlin halten, wenn doch meine Firmenzentrale in Wien ist. Eine ganz normale unternehmerische Entscheidung; auch wenn das natürlich nicht gut für die Presse klingt, wenn man einen Laden schließt.

M: Das klingt doch sehr überzeugend, was Sie da erklären.

LH: Und wir haben in Wien einen Flagship-Store im ersten Bezirk eröffnet und ich hätte nie gedacht, dass das so boomt. Es ist gigantisch, die Lage…  Früher haben immer alle gesagt, Lage, Lage, Lage ist wichtig. Ich hatte aber geglaubt, man könne sich überall einen Namen machen – durch Mundpropaganda, durch tippeln. Aber ich habe dann gemerkt, wo das in Berlin nicht gelaufen ist, war natürlich die Lage schuld.

In Wien sind wir vom siebten in den ersten Bezirk gezogen, also jetzt sind wir am goldenen Quartier, und die Umsätze sind so explodiert, dass wir alle Businesspläne haben umschreiben müssen, es ist gigantisch. Wirklich cool.

M: So, und nun komme ich noch auf die aktuelle Kollektion zu sprechen. Die folkloristischen Aspekte sind weg?

LH: In dieser Kollektion ja, in der nächsten kommen die wieder. Die kommen und gehen, ich wechsle eigentlich immer zwischen Ethno und Retro, damit auch mir nicht langweilig wird.

M: Oft ist es doch auch gelungen, das zu kombinieren, durch die Schnitte.

LH: Auch das, ja natürlich. Aber ich habe es nicht notwendig gefunden, die Mickey-Mouse mit ethnischen oder Trachtenelementen zu verbinden.

M: Was steht den hinter der Mickey-Mouse?

LH: Pop steht im Zentrum.

M: Ich hatte eher die Erinnerung an Fiorucci, 80er Jahre, wo 50s zitiert wurden.

LH: Ja genau. Meine Intention war eigentlich eine sehr hedonistische Kollektion, die völlig unbeschwert ist, wo ich die Prinzessin rauslassen kann und die eigentlich auch für sehr laute Frauen gedacht ist. Dazu der Girl-Band-Soundtrack. Ich bin aufgewachsen mit Punk, mit Grunge, und die Protagonisten waren damals ganz weiblich in dieser Zeit. Sie haben Pink getragen, Leopardenprints und sie hatten Lippenstift. Und da war der Feminismus meiner Meinung nach viel weniger unterkühlt als heute. Diese Zeit ist weg.

M: Zielt Mickey-Mouse jetzt auf eine jüngere Gruppe?

LH: Das sehe ich nicht so, ich bin 35 und auch meine Eltern können mit Mickey-Mouse etwas anfangen.
Und schon in den 80ern gab es eine starke Verbindung zu 50s-Elementen, einen riesen Hype, da war überall Mickey-Mouse. Eben, Fiorucci, da waren so ganz typische Designer, die damit groß geworden waren.

M: Ich weiß nicht ob Sie hier viel herumgelaufen sind?

LH: Leider viel zu wenig, …

M: … es sind hier ganz viele junge Bloggerinnen,

LH: … die neuen Medien …

M: … ja, das ist aber auch ein anderes Publikum. Das mischt hier die ganze Wahrnehmung von Mode auf. Und das habe ich gleich assoziiert mit Ihrer Mickey-Mouse. Ich habe gedacht, ja ok, also die jungen Bloggerinnen und diese frische Mickey-Mouse, auch diese kräftigen Neonfarben, dieses kräftige Rosa, für mich gibt es da eine Verbindung.

LH: Ich glaube auf jeden Fall.

Die verwendeten Mickey-Mouse- Charaktere, das sind die alten, die so ja gar nicht mehr von Disney produziert werden. Die Mickey-Mouse hat sich ja sehr stark verändert. Ich weiß nicht ob Sie die neuen kennen?

M: Ich kenne nur die alten, aus meiner Jugend,…

LH: Ich bin ja eher ein Fan der alten Disney Generation, die neue Generation hat eigentlich nichts mehr mit dem klassischen Disney zu tun, Walt Disney war für mich immer einer der ganz großen Vorbilder. Er und Oscar Wilde. Walt Disney habe ich immer faszinierend gefunden, jemand der zeichnen kann und darauf ein Imperium aufgebaut hat. Die Leute haben in den 40er Jahren, anders noch als jetzt, immer gesagt „lern was Ordentliches – das ist ja kein anständiger Beruf“! Beeindruckend stattdessen, wie da mit Talent und Fleiß und Biss jemand so ein Imperium aufbaut, um eigentlich nur eine süße, kleine Comic-Figur, das finde ich faszinierend

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Mit jeder neuen Kollektion findet die Designerin Lea Fauth neue Gestaltungsansätze und oft auch sehr charakteristische Muster, die sie recht elegant gegen einfarbige Flächen zu kontrastieren versteht. Bequeme Tragbarkeit bleibt bei den Entwürfen und den Schnitten ein relevantes Kriterium, pfiffige Ideen – wie bei der Bluse, die gleichzeitig eingesteckt wird und in einer weiteren Schicht locker überhängt – ergänzen nicht selten das gewisse Etwas, das sie stets einzubringen versteht.

Zwei verschiedene Gestaltungslinien reizen Lea Fauth, eine feine, zurückgenommene, farbig gedeckte Gestaltung und eine kontraststarke, kraftvolle Prägung, die gleichwohl niemals auf Buntheit zurückgreift. Romantik vs. Power. Das funktioniert nicht selten auch in der Kombination.

Wir zeigen Beispiele aus den aktuellen Sommer- und Winterkollektionen.

LEA FAUTH

Geboren: 17.07.1981

Wohn- und Arbeitsort: Berlin

LEAF-Fashion gibt es seit 2013

Warum Modedesignerin?

Mode hat bei mir als eine Leidenschaft angefangen und ist dann zur Sucht geworden.

Ich wollte schon immer Modedesignerin werden, auch wenn ich es zum Anfang meiner Schulzeiten noch nicht so eindeutig benennen konnte. Aber bereits beim Abitur war meine Abschlussarbeit im Kunst Leistungskurs das Entwerfen von einer kleinen Kollektion, ich denke ab da war es dann klar, in welche Richtung mein Weg geht.

Ein Rat, der dir geholfen hätte:

Ich glaube nicht, dass ich auf irgendeinen Rat gehört hätte.

Dein Credo:
Ich glaube daran, dass man Glücklicher ist, wenn man tut was man liebt.

Wie würdest du selbst das Charakteristische deiner Entwürfe umreißen?

Meine Entwürfe sind charmant & clever – mein Ziel ist es tragbare Styles zu entwerfen, die einen Kreativen Ansatz haben. Das kann auch gerne kompliziert sein: wickeln, wenden, Lagen legen, an- und abknöpfen oder auch nichts von alledem – die Idee hinter jedem meiner Styles ist für mich das wichtigste und das was mir am meisten Spaß macht.

Was wir auf den Fotos sehen, sind sehr typische Designs für dich, aber auf den ersten Blick sehr verschiedene Gestaltungsansätze, von Kollektion zu Kollektion. Was bewegt dich zu den Leitideen einer Kollektion?

Mit jeder Kollektion versuche ich LEAF neu zu entdecken, neue Einflüsse zu zulassen, zu experimentieren und das Bestehende weiter zu entwickeln. Daher wirken die Kollektionen auf den ersten Blick unterschiedlich, sie haben aber alle den gleichen roten Faden.

Berliner Mode hat mittlerweile einen gewissen Nimbus, siehst du dich als Bestandteil dieser Strömung oder ist es eher zufällig, dass du hier arbeitest und vertreibst?

Es ist definitiv kein Zufall, dass ich LEAF hier in Berlin gegründet habe, ich liebe Berlin, ich wollte immer zurückkehren und genieße es jeden Tag hier leben und arbeiten zu können. Ein Teil von Berlin fließt auch bestimmt in meine Styles mit ein, aber ob LEAF deshalb bereits ein Teil der Berliner Mode Strömung ist kann ich nicht sagen, das sollen andere beurteilen.

Bekanntlich ist es schwierig für Designer jenseits des Hypes, sich auf dem Markt zu behaupten. Besonders Berlin ist ja nicht gerade modebewusst und in diesem Sinne konsumorientiert wie wohlhabende Großstädte. Wie erlebst du das?

Um ein Label zu gründen ist Berlin super, aber in Berlin zu verkaufen ist hingegen schwierig. In Berlin fließt leider nicht so viel Geld um junge Designer Mode zu kaufen, wie in anderen Großstädten. Für klassische Boutiquen sind junge Designer ohne einen bekannten Namen zu risikoreich, für kleine Boutiquen sind die Styles junger Designer oft zu teuer, sie würden damit das Budget ihrer Kunden sprengen. Daher ist es in der Tat schwierig als junges Label in Berlin ohne eigenen Laden zu verkaufen. Aber es gibt ja nicht nur Berlin, man kann auch in anderen Städten verkaufen oder in anderen Ländern.

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Interview: Boris Marberg

Bilder per Simone Kreischer

Gerne berichten wir um die Fashion Weeks herum auch über Protagonisten, die man nicht im Rampenlicht, oder auf dem Roten Teppich sieht, die im Hintergrund Backstage arbeiten. Personen, ohne die eine Modenschau weder möglich wäre, noch so aussehen würde, wie wir und die Designer sich das wünschen.

Hierzu zählt Simone Kreischer, die wir stets in Berlin auf der Mercedes Benz Fashion Week hinter den Kulissen sehen und wir über L’Oréal Professionnel kennen.

Kannst Du uns etwas zu Deinem beruflichen Werdegang erzählen und wo Du jetzt gerade stehst?

Ich bin seit 22 Jahren selbständig. Seit 1996 im Atelier Artistique von L´Oréal Professionnel und 2003 in der HCF ( seit 2015 Präsidentin der deutschen Sektion) Wir sind ein Familienunternehmen und ich arbeite mit meinen Bruder zusammen. Nach einem großen Umbau haben wir genau den Salon, der unsere Ansprüche an ein schönes Arbeitsumfeld erfüllt. Davor hatte ich eine gute Ausbildung. Berufserfahrung habe ich in Paris und bei einem englisch orientierten Unternehmen in Deutschland gesammelt

Wie ist es gekommen, dass Du hinter den Kulissen der Fashion Week in Berlin gelandet bist.

Das war – wie so oft – eine Anfrage von L´Oreal ob ich nicht Lust hätte mit meinem Team eine Show auf der Fashion Week zu frisieren ( damals gab es noch kein offizielles Team wie heute).

Wie lange bist Du schon auf Fashion Weeks aktiv.

Ich glaube das war 2006 – aber so genau weiß ich das nicht mehr.

Berlin Fashionweek SS2016

Was war Dein persönliches Highlight bisher, insbesondere auch auf der Fashion Week im Januar in Berlin?

Es gibt so viele kleine Higlights – sehr schön fand ich diesen Winter Dimitri – ansonsten gibt es immer wieder die kleinen WOWs.

Was ist bei Make-Up und Frisuren im Moment Deiner Meinung nach im Trend und im Kommen?

Entspanntheit- Wellen – Bewegung

Wenn Du Trends anschaust, was hat das aus einer handwerklichen Perspektive für Einflüsse auf Deine aktuelle Arbeit?

Auch wir Friseure arbeiten lockerer – ohne das fachliche zu Vernachlässigen- oft sind einfach und natürlich aussehende Frisuren und Formen schwerer zu erarbeiten , denn da ist der Grad zwischen Lässigkeit und komischer Unordnung ist schmal. Gerade bei der Arbeit für Designer lerne ich immer wieder in punkto Lässigkeit etwas dazu.

Gibt es zurzeit spezielle Produkte, die Du bevorzugst, die auch für Privatkunden im Alltag tauglich und empfehlenswert sind und wohin wird sich das dieses Jahr noch entwickeln?

Ich bin ein großer Fan der Pflegemarke Kérastase – nur ein toll gepflegtes Haar kann man richtig gut bearbeiten. Bei Stylingprodukten gibt es nun innovative Sprays, die Volumen geben ohne zu kleben (Puderspray)

Was macht für Dich gutes Modedesign aus und wo siehst Du Einflüsse hieraus auf Make-Up und Frisurentrends?

Für mich ist gutes Modedesign: tolle Stoffe, solide Nähkunst, tragbare Figurschmeichler und raffinierte Details, die man vielleicht erst auf den zweiten Blick erkennt. An den Stil passt sich die Frisur und das Make-up dann wie von alleine an.

Herzlichen Dank für das Interview – bis zum Sommer.

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Text und Hintergrundgespräch: Boris Marberg

Bilder: Gerhard Paproth

Der Reigen der Fashion Weeks in diesem Frühjahr neigt sich langsam dem Ende zu und bei den unzähligen neuen Kreationen welche dem (Fach-)Publikum gezeigt wurden, ist es wieder einmal an der Zeit auch all diejenigen zu würdigen, ohne die solche Veranstaltungen nicht möglich wäre. Eine dieser geschätzten Personen ist die Friseurmeisterin Sandy Rothländer.

Im Rahmen der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin bot sich die Möglichkeit an, mit ihr ein Hintergrundgespräch zu führen, auf welchem dieser Bericht basiert. Frau Rothländer war nun schon das zehnte Mal mit hinter den Kulissen dieser Modewoche. Sie gehört zu dem kleinen Kreis an Hairstylisten und Make-Up Artist welche das Kernteam im Backstage-Bereich bilden und ist ein fester Bestandteil von ID-Artist und der L’Oréal-Professionnel Coiffeur-Trainer-Elite. In das Team bei der Fashion Week in Berlin wurde sie damals über den bekannten Make-Up Artist Boris Entrup eingeladen. In den vergangenen Saisons wirkte sie bei den Frisuren von hunderten Schauen mit. Ihren eigenen Salon hat sie im Vergleich zur hektischen Atmosphäre in Berlin, zumal zur Modewoche, im beschaulichen Brackenheim zwischen Stuttgart und Heilbronn. Der direkte und enge Kontakt mit den Designern und anderen Kreativen liegt ihr sehr und liegt ihr auch am Herzen. Dies schätzen auch ihre privaten Kunden, welche teilweise sehr weite Anreisen zu ihr in Kauf nehmen um direkter an den Trends zu sein, da sie immer sehr viel an Inspiration von der Fashion Week in den eigenen Salon nimmt bringt. Von sich selbst behauptet sie, dass ihre Spezialität das Stecken der Haare ist. Gerade Hochsteckfrisuren haben wir in Berlin wieder sehr oft gesehen und dies gehört zum wichtigen Repertoire innerhalb der sogenannten Trockentechniken und wird viel bei Hochzeitsfrisuren angefragt. Ohne den direkten Kontakt und den Austausch im Team und mit den Designern geht nichts. Auch gerade diese Nähe und besondere Atmosphäre wird von beiden Seiten sehr geschätzt. Ihr Lieblingsdesigner ist Guido Maria Kretschmer, an dessen Schauen sie regelmäßig mitwirkt, und der das ganze Team seine Wertschätzung spüren lässt, was nicht immer bei Designern der Fall sei. Eine der Herausforderungen ist es oft, dass die Frisuren nicht zu perfekt aussehen, sondern immer wieder auch eine Natürlichkeit vermitteln. So war zum Beispiel die Dutt-Frisur bei der Modenschau von Ewa Herzog nicht einfach umzusetzen. Sandy Rothäuser sagt von sich, sie komme noch aus der Generation, wo alles glatt und sauber hätte sein müssen; „akkurat und schwäbisch“. Dies ist heute nicht mehr in dieser Art gefragt. Die Trends der Modewochen schlagen über die Prominenten, welche diese Frisuren dann auch tragen und diese dann wieder von vielen anderen gewünscht und aufgegriffen werden durch. Wichtig sei hier auch der Zugriff auf neue und sehr gute Haarprodukte um diesen etwas raueren, roheren Look in den Haaren und Frisuren umzusetzen. Gerade sei der Trend von Glanz in langen geschlossenen Haaren, oft mit Ölen umgesetzt, wieder am abklingen und Volumen dürfen wieder offener und lockerer getragen werden.

Zwischen den Einsätzen im Backstage hat Sandy Rothländer auch immer wieder die Gelegenheit selbst Schauen zu besuchen. Ihrer eigenen Einschätzung nach, war die Fashion Week in Berlin diese Saison von Tragbarkeit geprägt. Das Exzentrische sei mehr abgewandert und das Kommerzielle setze sich langsam in Berlin durch. Das kann aber nicht die Vorfreude auf die nächste Fashion Week in Berlin und ein Wiedersehen trüben.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Marcello Rubini

Eine der spannenden Persönlichkeiten unter den Hair-Artisten im Backstage der Mercedes-Benz-Fashionweek ist SIGI RENNER aus Amberg (Oberpfalz). Er gehört zum Team des „Atelier Artistiqe“, einer losen Vereinigung kreativer Haarkünstler, der wohl die besten Topfriseure Deutschlands angehören und aus der der Sponsor L’Oréal Professional das Team im Backstage rekrutiert. Sigi Renner betreibt in Amberg zwei Salons mit ausgezeichnetem Ruf, erstklassigen Ambitionen und natürlich anspruchsvoller Kundschaft. An der Fashionweek war er bisher immer mit eigener Assistenz beteiligt, mittlerweile zählen dazu seine Töchter, die aus eigenem Entschluss in Papas Fußstapfen treten. Er ist ein ruhiger, besonnener Typ, kein wild herumfuchtelnder Macher, der aber sehr wohl die Lust und Freude an seinem Beruf pflegt, Spaß an kompetentem Tun und engagierten Konzepten hat und im Interview sehr kluge Ansichten zum nicht alltäglichen und zum alltäglichen Geschäft schlüssig auf den Punkt zu bringen weiß.

1. In welcher Beziehung steht die Arbeit auf der Fashionweek zu der im alltäglichen Geschäft? Sigi Renner meint, dass das Entscheidende nicht die Imagefrage sei, auch wenn dieser Job den Ruf hoher Kompetenz durchaus verbreitet, „das ist normal“. Viel wesentlicher ist ihm der reale Austausch von Techniken, Know-how und das Kreieren von Looks mit den anderen im Team. (Vorzustellen ist das wohl als kreative Fortbildung der Cracks im partnerschaftlichen Miteinander.) Und die so ergänzten bzw. angereicherten Kompetenzen und Ideen sind nutzbar und fruchtbar im täglichen Geschäft, durchaus auch im Sinne des Zeitgeistes.
2. Gibt es überhaupt noch Trends? So einfach und bündig wie früher ist das nicht mehr festzuschreiben, räumt Sigi Renner ein. Inzwischen hat sich alles in verschiedene Richtungen entwickelt. Mode entsteht ja aus Trendentwicklungen in der Gesellschaft, und die lassen sich in Netzwerken finden. Man müsse ein Gefühl dafür entwickeln, aus den Crashes und Crossovers kultureller Strömungen und Erscheinungsbilder diese Trendentwicklungen zu erspüren – und die Netzwerke findet man, natürlich, im Internet. Der Bezug zu seinen Kindern erweist sich über das eigene Surfen und Kommunizieren im Internet hinaus als konstruktive Ergänzung, denn sie zeigen Papa spannende Youtubes und Fundstücke aus ihren jugendkulturellen Kontexten.
   Sind die USA in Trendorientierungen von besonderer Relevanz? Die wesentlichen und interessanten kulturellen Einflüsse kommen nicht aus den USA, so schätzt Sigi Renner das ein, sondern hier eher aus Italien, Frankreich, England, Spanien – eben primär Europa, durchaus auch Asien und Südamerika. Überall dort wo man aus Kultur eben Inspirationen und Ideen holen kann.
3. Wie entstehen die Haar-Looks für die Modelle einer Designkollektion? Im Wesentlichen, so beschreibt es Sigi Renner, gibt es zwei Varianten des Gestaltungsprozesses, der sich als Gedanken- und Informationsaustausch mit dem Designer per Internet schon im Vorfeld entwickelt. Entweder sind die Vorstellungen des betreffenden Designers eher offen, so dass ein vorzuschlagender Look überhaupt kreiert werden muss oder es gibt feste Vorgaben, wo Lösungen gefunden werden müssen. Marina Hoermanseder zum Beispiel wollte für ihre Kollektion asymmetrische Frisuren mit weichen Formen, gab damit also eine eher offene Vorgabe, die zunächst viel kreativen Gestaltungsspielraum anbietet. Viele Varianten und Veränderungen bestimmen dann den Prozess bis zur abschließenden Festlegung.
4. Wie würden Sie Ihre eigene Einstellung zu Mode/Fashion beschreiben? Sigi Renner antwortet sehr spontan: Inspiration, Freude! Die Beschäftigung in diesem Umfeld „turnt an“, sie macht kreativ und das „ist gesund“. Außerdem ist es ein Feld der Freiheit (und, so fügt Sigi Renner mit einem Blick auf seine Tochter hinzu, „in diesem Bereich können gerade junge Menschen Freiheit genießen“!)

Ein sehr entschiedenes Statement zum Schluss, wie wir finden, denn genau damit wird die emanzipierende Unterscheidung von Hair-Artist zum Friseurmeister deutlich.

Für Guido Maria Kretschmer, Berlin Fashionweek aw 2013

Für Miranda Konstantindinou, Berlin Fashionweek ss 2015

Für Irene Luft, Berlin Fashionweek aw 2014

Für Marc Cain, Berlin Fashionweek aw 2014

Für Rebecca Ruetz, Berlin Fashionweek aw 2012

Bei Dawid Tomaszewski, Berlin Fashionweek aw 2013

Für Marina Hoermanseder, Berlin Fashionweek ss 2015

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Heute möchten wir Euch Design aus der Ukraine vorstellen. Das Editorial mit dem Titel Pale Beach ist von der Novelle Purpursegel des russischen Schriftstellers Alexander Grin inspiriert und war auch Anlass ein Interview mit der Ukrainischen Stylistin und Designerin Inna Milko über Mode und die Situation der Branche in der Ukraine zu führen.

Fotograf:  Andrey Bychkovsky

Styling: Inna Milko (alternative Site)

M&H: Maryna Trapezova

Model Sonya Mishenko (StarSystem)

Interview: Boris Marberg & Inna Milko

Wie wurdest Du Modedesignerin und Stylistin, wo und wann hast Du studiert?

Ich hatte das Glück Kunst und Design an zwei Akademien in der Ukraine zu studieren. Es war sehr interessant zwei unterschiedliche Arten zu Lehren und Wissensgrundlagen kennen zu lernen. Aber das wirkliche Gefühl für Geschmack habe ich während Kursen an der ESMOD International Groupe in Paris gefunden.

Im Moment arbeite ich als freischaffende Stylistin in Kiew. Ich arbeitete für ukrainische Persönlichkeiten, Musik Bands, Modemagazine – digital, wie auch Druck, so zum Beispiel das Viva!, Face Control, Dorohin’s Journal, Confashion.pl, Hubert Burda Media und habe den Style für Anzeigenkampagnen gemacht. Ich habe auch einige private Kunden. Natürlich mache ich auch einige Kleider für diese.

Wie steht es um die ukrainische Modeindustrie momentan, grosse Modemarken ebenso wie kleine?

Der Schlüssel zum Erfolg sind Interaktion und Integration. Kleine Marken schliessen sich in ihren Anstrengungen zusammen, bilden Teams; Online Shops und Concept Stores, pop-up shops um Aufmerksamkeit zu generieren und die Einnahmen zu erhöhen. Meiner Meinung nach, wenn ein Produkt Aufmerksamkeit verdient und einen angemessenen Preis hat, wird es auch seinen Weg zum Kunden finden. Aber es ist befremdend wenn man sieht, dass eine T-Shirt Kollektion von einem unbekannten Designer, präsentiert in einem Nachtclub, die gleichen Preise erzielt, wie jene von einem etablierten ukrainischen Designer, der zum Beispiel erfolgreich in Geschäften in Paris vertreten ist.

Was ist der wesentliche Unterschied im Stil zwischen internationalen Marken und ukrainischem Modedesign?

Ukrainische Designer haben ihre eigene Sicht auf Mode und Stil. Charakteristische Merkmale sind schlichte Formen, erfrischende Details und lakonische Linien. Sehr populär sind Schwarz und Weiß in den Farben, Dekonstruktionen. Internationale Marken sind davon angetrieben, alltägliches zu kreieren, fokussiert auf jugendliche Mode, während ukrainisches Modedesign mehr darauf ausgerichtet ist konzeptionelle Kleidung zu entwickeln, selbst wenn diese für den Alltag ist. Design in der Ukraine ist nicht an weltweite Trends gekoppelt, es steht für sich selbst, aber in gleicher Weise konkurriert es mit internationalen Marken. Das macht stolz.

Gibt es einen typischen ukrainischen Modegeschmack und was möchten die Menschen, welche hochwertige ukrainische Mode kaufen ausdrücken, wenn sie diese Mode tragen?

Ich denke nicht, dass die Präsenz von Geld garantiert, dass eine Person einen lobenswerten Look hat. Das lässt sich leicht anhand von Bildberichterstattung nachweisen. Deshalb ist es nicht wirklich schwierig in der ukrainischen Öffentlichkeit zwischen den Leuten eine Trennung zu ziehen die keinen Geschmack haben und jenen, welche in guter und hochwertiger Kleidung ebenso gut aussehen. Wenn wir über Selbstdarstellung sprechen, dann geht es heute mehr darum den Nationalgeist zu unterstützen. So hat ein bekannter Sänger bei einem Festival in Lettland diese Woche ein T-Shirt mit den Nationalsymbol getragen.

Männermode wird immer wichtiger. Wie ist der aktuelle Stellenwert von Herrenmode in der Ukraine.

Es gibt eine Art von Männern die viel reisen, unabhängig ob diese in der Modeindustrie arbeiten, die einen guten Geschmack haben und sich gut kleiden. Ukrainische Geschäftsleute wollen in ihrer Erscheinung total perfekt aussehen, durch ihre Kleidung, Maniküre und Hautpflege. Ich habe mal den Witz gehört, der gute Ukrainer sei wie ein schlechter Italiener. Natürlich hängt dies vom persönlichen Stil ab und muss individuell kultiviert werden, unabhängig, ob es um einen Man, oder eine Frau geht. Zumeist ist es ein informeller, hipster Style. Ein männliches, befreundetes Model, der viel im Ausland arbeitet hat diese Frage so beantwortet; „Mode. Was ist Mode? Bart – das ist jetzt angesagt! Verstecke Deinen Status und kleide Dich wie ein Nomade… ist das nicht die wahre Mode?“

Wie wird sich Deiner Meinung nach Modedesign in der Ukraine in den kommenden Jahren entwickeln?

Heutzutage nehmen ukrainische Modedesigner im Ausland am prestigeträchtigen Markt teil. Das Hauptanliegen der ukrainischen Designer ist es, auf diesem Markt mit anderen Nationen zu konkurrieren und in der Lage zu sein ihre Produkte während der Pitti, Tranoi zu zeigen. Einige sind schon in Europa bekannt. Die talentiertesten Designer eröffnen nicht nur Geschäfte und Linien, sondern kreieren auch ihre eigenen Marken. Zeitgenössisches ukrainisches Modedesign findet sich bereits auf Seiten in der Vogue, in Luisa-via-roma und wird im Collete verkauft. Aber eines ist klar, ukrainische Modedesigner stehen mit Gewissheit für kreative Positionen und Trends in der Modewelt.

Welchen Einfluss hat die aktuelle politische Lage in deinem Land auf die Modeindustrie und die Designer?

Dieser Winter war für alle industriellen Zweige im Allgemeinen sehr schwierig. Während Luxusgeschäfte und Designstudios in der Innenstadt liegen, wurde die Lage wegen den Euromaydan Aktivitäten sehr unsicher. Das führte zu einem ungeplanten Ausverkauf und Preisreduktionen. Aber ich denke, die diesjährige schwierige politische Situation in der Ukraine gab auch eine gute Inspirationsquelle für Designer und Stylisten ab. Und dies war auch eine gute Werbung. Die meisten bedeutenden Designer, wie zum Beispiel Lilia Pustovit, widmeten ihre verblüffenden Kollektionen der Maydan Bewegung. Anton Belinskiy drückte seinen Unmut in einer Modestrecke für das deutsche Magazin 032c (vgl. Link) ) aus, welches auf dem Unabhängigkeitslatz fotografiert wurde. Das Vice Magazin drehte einen berührenden Film über die Ukrainian Fashion Week auf dem Hintergrund der aggressiven Ereignisse. In dem Moment, wenn die ganze Welt die Ereignisse in Dein Land verfolgt, ist das die beste Lösung sich darin zu üben seine Haltung zu zeigen, statt in Ruhe und Kummer zu verharren.

Was ist Deine persönliche Inspiration um Mode zu visualisieren?

Das kommt darauf an. Ich liebe russische und ukrainische Literatur und moderne europäische Prosa. Meistens kommt das von einer guten Stimmung im Team und den eigentlichen Zielen. I habe viel mit unterschiedlichen Fotografen gearbeitet. Und ich denke es ist ein wichtiger Teil der Arbeit, sich gegenseitig zuzuhören. Aber was ich nie machen würde, ist etwas, was meiner inneren Einstellung widersprechen würde.

Herzlichen Dank für das Interview.

 Nude silk and leather decorated nylon gown and aluminum armor VIKA BARON,

hat MARCHI, carbon bracelets ALANTON.

Organdie top, skirt MARCHI, hat VIKA BARON, bracelets ALANTON.

Pectoral VIKA BARON, wearing as a baseball cap, top MARCHI.

Dress MARCHI, Pectoral VIKA BARON, carbon bracelets ALANTON.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Marcello Rubini

Es ist nicht nur der schöne Sommerspätnachmittag mit dem wunderbaren Sonnenlicht in der Werkstatt, der den privilegierten Besucher betört: Ein Besuch im Atelier von Marina Hoermanseder, der charmanten Newcomerin der Berliner Modeszene aus Österreich, ist sowieso etwas sehr Besonderes.

Hier geht es weniger um Stoffe und subtile Modetrends, sondern um Leder und Extravaganz und um Handwerkskunst. Leder ist hier das zentrale Material, duftend, fest, formbar, vielfarbig, mit einer ganz eigenen Haptik und ziemlich komplizierter Verarbeitungstechnik, die viel Know-How, Gespür und Erfahrung voraussetzt.
Klassische Lederjacken oder –hosen, die wie Stoff behandelt werden, sind kein Thema.

Seit einem Jahr nun ist die junge Esmod-Absolventin im Gespräch, in der Szene der exzentrischen Stars ist sie mittlerweile ein lauter Geheimtipp und auf der letzten Fashionweek wurden ihre innovativen Stücke als Entdeckung gefeiert. Jetzt bei der zweiten Schau wird sich zeigen, wie innovativ, entwicklungsfähig und solide der Gestaltungsansatz sein wird. Aber nicht nur dort: Marina Hoermanseder wird auch auf der Premium vertreten sein und kann nun auch dem kommerzielleren Bedarf mit Accessoires und tragbareren Alltagsstücken etwas Interessantes anbieten. Handtaschen, breite Gürtel, Caps (Streetware) ergänzen die Leitidee gürtender und geformter Lederobjekte, die in Kleinserie in einer spanischen Produktionswerkstatt hergestellt werden.

Wie bei fast jeder Designwerkstatt kurz vor der Schau erweist sich die verbleibende Zeit von einer Woche als absehbar knapp, so auch hier. Aber die Designerin hat optimistisch noch einen kleinen Auftrag für exklusive Ledermasken für einen Maskenball angenommen, der daneben auch noch pünktlich fertigzustellen ist. Wir kommen dazu, als sie die fast fertigen Masken einfärbt.

Das Atelier versammelt alle Arbeitsschritte für die Stücke gleichzeitig und überall und macht damit schon den ganzheitlichen Ansatz der Gestaltung/Herstellung erkennbar: Unterschiedlichste Lederqualitäten auf großen Rollen im hohen Regal, massenhaft Entwürfe und Schnittbögen, Foto-Inspirationen und Dokumentationen an den Wänden, Teile mitten im Herstellungsprozess an Modellen überall, Schnittstücke, fertige Teile in Boxen und schon verpackte am Kleiderständer. Dazwischen die gut gelaunte Designerin mit ihren drei stillen Helferlein, mysteriöse Gerätschaften, Nieten, Schlaufen, Schnallen, Chemikalien und Farben – für den Besucher unverständlich, aber doch spürbar gut organisiert.

Zuvorkommend zeigt uns die Künstlerin die Handhabung diverser geheimnisvoller Geräte und Werkzeuge, Herstellungsschritte und Materialunterschiede.

Auch Teile der neuen Kollektion dürfen wir sehen und erfahren, dass die gestalterische Leitidee sich von den 50er Jahren hat inspirieren lassen: Wellen, Wasser, Unterwasser und besonnte Creme-Farben wie Rosa, Himmelblau, Gelb und leicht gebrochenes Weiß sowie interessante Faltungen und Schichtungen bestimmen einen Teil der leichter und launiger wirkenden Kollektion, ohne dass das Prinzip der Korsetts und Schnürungen verloren geht. Auch die Bewegungsfreiheit darin ist ein gedanklicher Schwerpunkt. Dieser konzeptuelle Spagat ist durchaus überzeugend gelungen. Sogar ein bezauberndes Lederoutfit im Badeanzugstyle ist dabei, das wir auch schon fotografieren durften. Rasant, exklusiv und durchaus tragbar.

Die zweite Linie ist eine ungewöhnliche Entdeckung: Ursprünglich für luxuriöse Badezimmerausstattung entwickelt, gibt es Stoffe aus Microfaser, die mit hauchdünn abgeschälten Gesteinsschichten beschichtet sind. Der visuelle Effekt ist frappierend und die durchaus nicht leicht zu verarbeitende Sperrigkeit des Materials hat eine ganz eigene, faszinierende Form und Oberflächenhaptik gefunden. Sieht fantastisch aus!

Die Abendsonne taucht das große Ensemble der sichtbaren gestalterischen Momente in optimistisches Hell-Dunkel und die gut gelaunte Marina Hoermanseder beseelt das Ganze mit ihrer erfrischenden Art und österreichischem Sprachduktus, dass man sich schon richtig auf diese ungewöhnliche Schau mit diesen wunderbaren Teilen und Ideen freut, wenn man schließlich beeindruckt und guter Dinge das Atelier verlässt.

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Text: Marcello Rubini
Bilder: Marcello Rubini
 
 
 
 
 
 
 
 

Die Looktests vor den Shows sind immer ein schöner Auftakt in den Studioräumen der Académie L’Oréal Professional des entsprechenden Sponsors. Mit den Chefs für Visagistik und Hair Boris Entrup und André Märtens arbeiten hier inzwischen längst eingespielte Teams mit viel Kreativität und handwerklichem Können, die aus jedem noch so diffusen oder spezifischen Designerwunsch etwas Bemerkenswertes zu gestalten in der Lage sind. Manche Teamsessions müssen sie über Telefonkonferenz absolvieren (z.B. mit Lena Hoschek), manche nach zugeschickten Bildbeispielen, viele im Gespräch mit dem Designer selbst. Letzteres sind die Gestalterisch bemerkenswerten Aktionen, denn man erlebt nicht nur die Entwicklung der Kreationen, sondern auch das Charisma des Designers erfüllt die Räumlichkeiten, wie zum Beispiel bei Guido-Maria Kretschmer.

Kretschmers aktuelle Kollektion heißt „Altai“ und umfasst erstmalig alle Teile aus eigener Hand bzw. Produktion. Inzwischen hat der Designer vorwiegend aus eigener Kraft ein gut strukturiertes, eigenes Netz aus Unternehmungen aufgebaut, das quasi alles aus einer Hand organisiert oder realisiert, was der allgemeinen Idee des jungen Designers von Mode machen genauso entspricht, wie auch der Vorstellung vom Gesamtkunstwerk der Show, wo auch die Musik mit Musiker und Studioarbeit gemeinsam erschaffen wird.
Neu an der Kollektion ist zunächst die Leitidee, der größer gewordenen Nachfrage nach Prêt-à-Porter auch gerecht zu werden, also bezahlbare Mode jenseits der kleinen Szene exclusiver Couture zu entwerfen und zu produzieren. Der Weg weg von komplizierter High Fashion erwies sich dabei – so Kretschmer – durchaus als Herausforderung, weil ein reduzierter Look in seiner Klarheit viele Tücken mit zum Teil schwierigen Schnitten birgt. Herausgekommen ist ein urbaner Look, der das von Kretschmer gewohnte Frauenbild modifiziert: „Ich wollte die >Armee des Modernen< nicht mehr auf das Weibchen reduzieren.“ Trotz dieser drastischen Formulierung ist der Look natürlich noch sehr weiblich, dem ausgeprägt guten Geschmack sei es gedankt, mit der dazu kombinierten Bob-Frisur und einem stark akzentuierten Gesicht erscheint er allerdings klarer, kontraststark und schärfer pointiert.

Die Raffinesse, mit der André Märtens diese neue Bob-Frisur ausgestaltet, unterstreicht dabei den differenzierten Anspruch und verweist gleichzeitig auch auf die Vorstellung einer sehr modernen Frauenrolle.

Neu auf dem Laufsteg der Fashionweek sind Sachen von der Newcomerin Marina Hoermanseder. Erst dieses Jahr hat sie ihren sehr erfolgreichen Abschluß bei der Esmod hingelegt, man erlebt also noch nicht eine so erfahrungsreiche Kollektion wie bei Kretschmer, dafür aber eine sehr rasante Konzeption von Outfits. Wie Kretschmer aber ist auch sie geradezu besessen von handwerklicher Qualitätsarbeit, aus der die Gestaltung eine wichtige Grundlage ableitet. Der künstlerische Ausdruck Marina Hoermanseder ist geprägt von der Kraft festen Leders, das selbst eher konventionell-kommerziellen Kleidungsstücken den deutlichen Akzent von Verruchtheit und Power auf den Weg gibt. Auf ihrer Webseite sahen wir Ledercorsagen, die zwar auch an die Fetischszene erinnern, aber weniger auf diese abheben, sonder mehr auf unsere Vorstellung von orthopädischen Artikeln. Stolz, aufgerichtet und stark erscheinen die Trägerinnen darin, fast schon unabhängig von der eigenen Körpergestalt. Alles tritt fest auf, ohne das Edle und Differenzierte zu negieren oder sich auf geometrischen Formenkanon reduzieren zu müssen. Entsprechend klar realisierte André Märtens eine geradlinige, zurückgenommene Frisur, die auch hier keine Klischees reproduziert. Die Klarheit der Anschauung zeigt sich auch in Boris Entrups Make-up: zurückhaltend aber sehr entschieden vervollständigt er die Gesamtvorstellung schlüssig.
Wir sind außerordentlich gespannt auf diese Show (Freitag, 15 Uhr, Zelt).

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Bilder & Interview: Boris Marberg

Model: Igor

HMS: Lilya Yurchyshyn

In der Ukraine, in Lviv konnten wir den jungen Designer Alexander Shkarupsky kennen lernen, der sich überwiegend mit Herrenmode beschäftigt und seit ein paar Jahren regelmäßig kleine Kollektionen auf den regionalen und nationalen Markt bringt. Sein Stil ist progressiv, verspielt und individualistisch. Er verbindet geschickt traditionelle Elemente einer Westukrainischen Kultur mit modernen Themen. In seinem Atelier hatten wir die Möglichkeit einige seiner aktuellen Looks in Szene zu setzen und ihn zu seiner Arbeit zu befragen.

Alexander, hast Du bevor Du Deine eigne Linie gestartet hast für andere wichtige Designer gearbeitet?

Für ungefähr drei Jahre habe ich in Kiew mit einem bekannten Designer gearbeitet, Viktor Grigoriev. Gerade wegen dieser Erfahrung hatte ich beschlossen, mein eigenes Labels zu gründen

Wo überall hin bist Du schon wegen Mode gereist?

Bisher nur in der Ukraine. Aber selbst hier haben wir eine grosse Modeszene mit der Ukrainian Fashion Week, Lviv Fashion Week, Frankivs Fashion Week und anderen Veranstaltungen bei dene ich schon involviert war.

Was sind Deine Haupteinflüsse?

Am meisten werde ich von Musik und Filmen beeinflusst.

Mit welchen Materialien arbeitest Du am liebsten?

Am liebsten arbeite ich mit Pelz von wilden Tieren, Lux, Leopard, Fuchs und Nerz und so weiter. In meiner Kollektion kannst Du auch Leder, Kaschmir, Velours, Wolle, Jeans und Kostümmaterial sehen.

Wann hast Du mit dem Schneidern angefangen?

Das war 2008.

Auf was achtest Du bei einem Model?

Zuerst auf die professionelle Arbeitseinstellung. Aber für mich ist ein Model auch nicht nur eine gut aussehende Person. Ich versuche Jungs und Mädchen zu finden mit einer speziellen Persönlichkeit; sie sollten anmutig und anders als andere Menschen sein. Du weißt was ich meine, mit einem speziellen Funkeln in den Augen.

Bist Du von der Arbeit anderer Designer wirklich beeindruckt?

Ich war immer von Karl Lagerfeld und Hedi Sliman beeindruckt.

Und von welchem Designer hättest Du gerne den gleichen Werdegang?

Ich hoffe ich kann eine ähnliche Karriere machen wie die beiden Idole von mir.

Was ist die beste Art und Weise in Lviv einen freien Kopf zu bekommen und zu entspannen?

Lviv ist eine faszinierende Stadt. Hier überlappen sich vergangene Zeiten mit der Moderne. Diese Stadt ist voll von Plätzen die unsere alte Geschichte und unseren alten Geist verkörpern. Ich liebe es mit meinen Freunden Zeit zu verbringen, eine Tasse Kaffee zu trinken an solchen Orten. Oft gehen wir auch in Kinopremieren und an Wochenenden lieben wir es in lounge bars zu gehen, oder in Nachtclubs.

Wer waren Deine Idole als Kind?

Als ich ein Kind war, war ich ein großer Fan von Missy Ellion. Später möchte ich dann Christina Aguilera und Britney Spears, wie die meisten Teenager in dieser Zeit.

Bist, oder warst Du auch in anderen künstlerischen Formen aktiv?

Ich habe immer künstlerische Fotografien geliebt.

Was ist Deine technische Inspiration ein Ziel bei einer Kollektion zu erreichen und mit welchen Herausforderungen bist Du konfrontiert die Du überwinden musst?

Diese Arbeit ist oft nicht einfach. Ich benötige eine individuelle Annäherung an zum Beispiel einen Kunden und auch an jedes einzelne Produkt. E sist wie Dein eigenes Kind, es benötigt viel Zeit und Fürsorge. Die Zeit eine Kollektion vorzubereiten hat positive wie auch negative Aspekte. Aber dann benötigt es nur passenden Professionalismus und ein Streben nach maximalem Fokus auf produktive Arbeit, mehr als sich mit aufkommenden Problemen zu beschäftigen, die zwischendurch kommen. Die kommen ohnehin. Es ist nur eine Frage der Zeit und Deiner eigenen Betrachtungsweise.

Kannst Du uns etwas über Deine erste Schau oder Präsentation erzählen?

Meine erste Schau war alles andere als so professionell und gut, wie ich mir das vorgestellt habe. Aber seitdem haben ich und mein Team an jeder weiteren Schau sehr intensiv gearbeitet. Und eine hohe Beachtung der Zuschauer, zufriedene Kunden, neue Kunden haben mich dazu gebracht weiter vorwärts zu gehen. Und meine eigenen Ansprüche an mich selbst und mein Team wachsen stetig.

Was war das Ziel Deiner aktuellen Kollektion?

Ich versuche immer an einer Art Schock-Widererkennung zu arbeiten. Es ist wie wenn Du Kleider siehst und Du sofort merkst die sind genau für Dich gemacht. In meiner letzten Kollektion habe ich versucht zu zeigen, dass ich meine Kunden verstehe, ihre Stimmung, ihre Gefühle.

Welche weltweiten oder auch lokalen Ereignisse beeinflussten Deinen kreativen Prozess für diese Kollektion?

Ich kann immer um mich herum über weltweite Probleme hören, Skandale, Kriege. Aber ich möchte nicht, dass dies mich in meiner Vorstellungskraft und meinen Gefühlen negativ beeinflusst. Besondere Ereignisse? Ich denke nicht, oder kann nicht sagen dass mich das bisher beeinflusst hätte.

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Text & Interview: Boris Marberg

Bilder: Boris Marberg (Schau Zürich) / Shop Wiesbaden (Silk Relations)

Während den Zurich Fahion Days hatten wir die Gelegenheit mit Kilian Kerner übers eine aktuellen Projekte zu sprechen. Der Designer präsentierte dort Teile seine in Berlin im Sommer vorgestellten Kollektion SS12 für den kommenden Sommer und eröffnete uns, dass er neben seinem neuen Flagship store in Berlin jetzt auch in Wiesbaden einen Shop eröffnen wird. Der Expansionsdrang ist ungehemmt und spiegelt die Annerkennung die Kilian von Kunden und der Fachwelt bekommt. Sein neuer Shop wird am 3. Dezember in Wiesbaden (Grabenstrasse 4) eröffnen. Den Besuch können wir wirklich empfehlen!

Interview:

Ok Kilian, wie hat es Dich hierher verschlagen (Zürich)?

Die IMG aus Berlin, die haben mich gefragt, wir die Kollektion die wir im Sommer in Berlin gezeigt haben auch hier in der Schweiz zeigen wollen. Wir waren noch nie hier und haben dann gesagt, warum nicht, wir machen das.

Du bist seit Mittwoch hier?

Ich bin am Mittwochmorgen hier.

Hast Du etwas Mode hier in der Schweiz anschauen können?

Nein, mein Vertriebsleiter ist durch alle Shops hier gelaufen. Ehrlich gesagt habe ich die Zeit genutzt um mich auszuruhen, weil ich gerade an der neuen Kollektion sitze und der zweite Laden macht auf, da war das mal ganz cool. Wir haben schöne Hotelzimmer. Ich bin einmal durch die Stadt gelaufen die restliche Zeit habe ich im Hotel verbracht, wenn wir nicht gerade hier (Anmerkung: Venue Zurich Fashion Days) waren.

Wann geht’s wieder zurück?

Morgen Mittag gleich.

Du hast gerade gesagt, ein zweiter Shop. Du hast ja erst gerade Deinen ersten in Berlin eröffnet (Link)  – waren wir da, sieht super aus. Wie läuft das Projekt?

Gut, gut, erstaunlich gut für Berlin. Wir sind sehr zufrieden und machen jetzt den zweiten in Wiesbaden auf. Wir wollten den schon lange aufgemacht haben, und hoffen dass das jetzt endlich in zwei Wochen so weit ist.

Du bist zufrieden mit der Show?

Ja, man sieht ja immer nicht so viel. Ich glaub aber schon, die Reaktionen waren cool. Als ich raus gegangen bin war das Publikum cool. Mads (Anmerkung: Mads Langer) hat super gesungen, wie immer. Und ich glaube, dass war ganz gut.

Planst Du auch einen Vertrieb hier in der Schweiz aufzubauen?

Ja, absolut, wir sind dabei. Wir haben einen neuen Vertriebsleiter, der auch sehr viel international machen wird. Und es sind auch 30, oder 40 Shops auch aus der Schweiz gekommen. 30 glaube ich, wir hatten 40 Karten, und die waren jedenfalls alle weg. Und ich bin gespannt, werde gleich auch meinen Vertriebsleiter fragen was die so gesagt haben.

Gut! Dank, dass Du Dir kurz Zeit genommen hast. Wir wünschen Dir viel Erfolg hier in der Schweiz und mit den neuen Shop in Wiesbaden.

Bitteschön, wir sehen uns dann spätestens wieder in Berlin.

Impressionen Shop Wiesbaden:

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Bilder und Interview: Marcello Rubini

Modell: Ida-Marie

Visagistik und Hair: Anna Bartoschek

Designer Feature und Interview.

MODACYCLE: Frau Mayer, Sie kaufen alte bzw. gebrauchte Textilien auf, und machen daraus neue Kleidungsstücke mit raffiniertem  Schnitt, interessanter Optik und originellen Oberflächen. Ist das Konzept in erster Linie dem ökologischen Gedanken geschuldet oder einer originellen ästhetischen Gestaltungsidee?

 CHRISTINE MAYER: Das Wichtigste ist zunächst, dass eine Bindung entsteht zwischen dem Material und mir. Die Patches entstehen dann durch die Vorgaben des Materials und die ganzen Spuren, die da ja auch mit drauf sind – die kleinen Löchlein, Taschen, Ösen, Haken –  werden damit wieder verwendet. Durch die Struktur, durch das Material, die Stickereien, die Borte, die Kombination lebt das Kleidungsstück auf.

Die eine Richtung ist für mich das Material aus dem Militär: Zelte, Decken von der Marine, Militär- und Feldhemden aus allen möglichen Ländern – das sind immer Materialien, die sehr stabil sind, die eine tolle Qualität haben. Es sind meistens Naturmaterialien wie Baumwolle und Leinen, und die haben nun die Patina bekommen durch das Leben. Darin findet sich auch etwas Männliches, was die Frauen mögen, sie fühlen sich stark in den Jacken, denn das gibt auch eine gewisse Kraft. Unsere Aufgabe ist es, dieses Potential zu transformieren und durch unsere Kreativität zu beleben.

Das andere sind so alte Materialien wie Mehlsäcke, alte Herrenwesten, alte Wolltücher, Mangeltücher, die liebe ich, sie erinnern mich an mein Zuhause, an die Bauernhöfe und die Heuböden, wo wir als Kinder herumgestöbert haben. Es sind handgewebte Sachen wie Säcke, auf denen noch aufgedruckt ist, von welchem Müller der Sack kommt. Ich liebe diese tolle Materialität mit ihrer Haptik und Optik.

All das hat eine Aura und bringt eine Energie mit sich, die die Menschen anspricht.

MODACYCLE: Ich finde, Ihre Kleidungsstücke haben auch Witz, beziehungsweise Humor. An unerwarteten Stellen tauchen zum Beispiel plötzlich Schnallen oder Knöpfe auf, ohne praktischen oder ästhetischen Grund.

CHRISTINE MAYER: Ich mag es Konventionen aufzubrechen, auch Geschichten zu erzählen und die Menschen damit zum Nachdenken zu bringen. Wenn da vorne so eine dicke Öse hängt, ja dann stutzt man erst einmal: was hat die denn da zu suchen, kann man da jetzt einen Karabiner einhängen? Wofür, warum? Diese Effekte finde ich spannend.

MODACYCLE: Welchen Stellenwert nimmt der ökologische Gedanke beim Entwerfen von Ihrer Mode ein?

CHRISTINE MAYER: Mit dem Material und der Reaktion darauf hat es angefangen. Außerdem hat auch dieses Recycling viel mit mir zu tun, das begleitet meinen Lebensweg.
Es geht dabei hauptsächlich darum, neue Wege in der mode zu finden. Der ökologische Gedanke ist ein unumgänglicher Teil dieses Weges.

MODACYCLE: Mit der Wiederverwertung alter Stoffe unterschiedlichster Art kehren Sie auch zu textilen Traditionen zurück. Als modern gilt aber doch die Verwendung von innovativen High-Tech-Materialien.

CHRISTINE MAYER: Ich glaube, die alten Materialien, die wir verarbeiten, haben so eine Stabilität, solch eine fundamentale Qualität, das ist nicht zu toppen. Wenn ich dagegen beobachte, dass die neue Jeans mein Sohnes aus einem bekannten Markenhaus nach vier mal Tragen sowieso durch ist,  dann sieht man, was für Qualitäten der breite Marktbereich anbietet. Diese alten Materialien aber haben schon hundert Jahre auf dem Buckel und die sind immer noch super, unverwüstlich! Das finde ich toll.
Darüber hinaus interessieren mich auch die alten Formen, die man ja auch immer neu interpretieren kann, aus der Jahrhundertwende oder den 20er Jahren. Herrenanzüge zum Beispiel, die üben eine große Faszination auf mich aus. Aus den alten Fundusstücken und von den alten Bildern gewinnen die Betrachtungen eine innovative Kraft, und mit den Umformungen beschreiten wir neue Wege und Anschauungsweisen.
Aber wir verwenden inzwischen ja auch neue Materialien. Die beziehen wir jedoch von einem Hersteller aus Italien, der einen ganz ähnlichen Ansatz hat wie wir, der sich also auch von den alten Materialien inspirieren lässt und seine Stoffe in diesem alten Stil zusammenstellen bzw. weben lässt. Das passt sehr gut zu uns.

MODACYCLE Ich bin neugierig, wie Ihr Gestaltungsprozess verläuft. Würden Sie uns davon erzählen?  Was steht am Anfang und was kommt zuletzt?

CHRISTINE MAYER: Am Anfang steht das Material. An der Puppe fange ich an, die Form zu entwickeln und zu drapieren. Oder ich sehe das Material vor mir und entwickle mit Nessel an der Puppe den Schnitt. Das ist ein traditionelles, japanisches Verfahren. Mit dem Zuschnitt der einzelnen Teile entwickle ich die Patches in ihrer Zusammensetzung. Im Grunde ist es wie das Vorgehen eines Bildhauers, denn so wächst das Ganze an der Puppe zusammen. Das Ergebnis ist schließlich die Vorlage für die Produktion, die später nach den Ordern startet. Wir müssen dann die Materialien suchen gehen und bestellen. Die Produktion muss genau nach Vorgabe mit großer Kunstfertigkeit die Teile zusammenpatchen.

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Bilder & Text: Boris Marberg

Model: Christiane

Haare / Make-Up: Anja Stachelhaus & Team

Mode: Andreas Trommler

Video: Marco Jacob & Tobias Ebert

Es ist knapp einen Monat her, dass wir in Dresden mit dem Designer Andreas Trommler verabredet waren um neue Kreationen von ihm zu inszenieren und kennen zu lernen. Andreas Trommler, versteht sich sowohl als in erster Linie Künstler, als auch als Designer, der mit Neuem, wie auch Traditionellem experimentiert und für seine eleganten Looks auf edelste Materialien und Handwerkskunst zurückgreift. Dabei ist er in keiner Weise ein Traditionalist. Die Marke Trommler ist seit einigen Jahren am Markt präsent. Neben einer Damenlinie, aus der wir bei unserer Modestrecke zurück gegriffen haben, findet sich auch eine ansprechende Herrenlinie. Die Kollektion für den kommenden Sommer 2012 wurde in Berlin auf der Fashion Week vorgestellt, die ja sich ja immer mehr als das Mode-Event in Deutschland herauskristallisiert hat und neben den groß gesponserten Schauen, neuerdings beim Brandenburger Tor, eine umfangreiche Präsentationskultur mittlerweile bietet. Berlin ist für Andreas Trommler das Sprungbrett in den Markt und auch über Grenzen hinweg. Für die Zukunft will der Designer auch weiter international expandieren. Das sein Design konkurrenzfähig ist steht außer Frage. Gerade eine Kundschaft, die auf ausgereifte Konstruktionen, hervorragende Verarbeitung und eine klare Konzeption wert legt ist hier richtig. Eines der Markenzeichen der Damenkollektionen ist die Verwendung von Transparenz und Spitzen. Dies macht die jeweiligen Kleidungsstücke besonders wertvoll und edel im Erscheinungsbild. Kombiniert wird dies mit raffinierten Applikationen. Das als Spielfeld für die Trägerinnen nicht nur der elegante Abendanlass oder der Rote Teppich eröffnet ist, zeigen auch Kombinationsmöglichkeiten, die fast schon sportlich in der Elegant wirken können, wenn Leggins mit Pailletten, oder geschuppte Lederkleider aufwarten.

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