Text und Bilder*: Gerhard Paproth

Paris ist in den Ferien. Und während die Pariser Urlaub machen, fluten unzählige junge Fashionistas die ganze Stadt. Das setzt der nachhaltigen Verjüngungskur des Stadtbildes und -lebens noch einmal eine zusätzliche attraktive Note hinzu, auch wenn man ahnungslos bleibt, was die alle während der Fashionweek die ganze Zeit treiben. Immerhin findet man Fanmassen draußen vor den Locations der großen Fashionshows und die unzähligen, trotzdem meist spärlich besuchten Pop Up Shops kleinerer Modelabels versuchen in der Innenstadt, von diesem Publikum zu profitieren, ein Mysterium bleibt das trotzdem.

„Irgendwie dabeisein“ ist vielleicht eine nachvollziehbare Antwort, die vielen Einkaufstaschen richten die Vermutungen immerhin aufs Konsumieren – die Fashionweek als große Shoppingtour in Paris. Denn selbst für bekannte Influencerinnen und für internationale Presse ist der Zugang zu den Schauen meistens ausgeschlossen und bleibt wenigen VIPs vorbehalten, die ausgesucht eingeladen – und auch dafür bezahlt – werden. Akkreditierungsversuche, das gehört zum arroganten Exclusiv-Nimbus dazu, werden gar nicht erst beachtet oder beantwortet und im persönlichen Gespräch auch gedemütigt. Frankreich liebt das so (und die vielen unbezahlten PR-Praktikantinnen erleben ihre ersten – und auch letzten – Macht- und Hochgefühle im Business). Das war schon immer so und ist Teil der großen Show in dieser Stadt.

Aber die Pariser Fashionweek hat ausserhalb seiner Youtube-Dokus auch demokratische Einrichtungen, bei denen es um die Mode selbst geht und nicht ums Dabeisein, dazu gehört die Modefachmesse Tranoï, wo die international innovativen kleineren Labels sich positionieren und Mode weniger über Image als über pfiffige und zeitgeistige Gestaltung präsentieren und letztlich auch marktfähig machen. Für die aufgeregten Fashionistas weniger, aber für uns ist das allemal die spannendere Perspektive, denn der Hype um Exclusivität und ihre Auftrittsspielchen sind mitnichten das, was zeitgenössische Mode ästhetisch attraktiv macht. Er verhindert den Blick auf die multinationalen Strömungen, auf individuelle Konzepte, auf Eigenwilligkeiten und Trouvaillen. Die kann man hier auf der Messe entdecken, wenn man sich nicht mit dem begnügt, was man da draußen im Show-Publikum zu sehen und zu goutieren bekommt.
Insofern ist die „Tranoï“ eine relativ demokratische Institution im offiziellen Gefüge, spannend und sehr zeitgeistig allemal. Und, erinnern wir uns, auch Namilia entdeckten wir erstmalig in der Popup-Minimesse Dach Showroom (Paris FW SS2020), da waren sie noch Avantgarde.

Diese Saison hat die Modefachmesse Tranoï das offene Konzept zugunsten einer vorangelegten Wegstrecke erneuert, das vereinfacht die Orientierung allerdings nur wenig, wenn man entdeckt, zurückkommt, spontan erkundet. Aber länder- oder kontinentmäßige Gruppierungen sind geblieben und sehr aufschlußreich im System. Neben Kleidung nehmen Accessoires einen großen Stellenwert ein, auch dafür ist die ruhige Betrachtung gegenüber den schnellen Schauen ein echter Gewinn.

Mit all den vielen spezifischen Auskünften der Designer selbst zu den Kollektionen verbleibt mit dem Besuch unterm Strich eine großartige Vielfalt, unaufgeregt aber hochklassig und einfallsreich, deren moderner Zeitgeist allemal realistischer und universaler daher kommt, als ein paar erkämpfte Schauenbesuche. Und die Messe ist groß, das Angebot unendlich – wir zeigen darum wie immer ein paar subjektiv zusammengestellte Beispiele, unkommentiert.

AANRO studio, Ungarn:

ACHI, Ukraine:

ARTAVAZD PARIS, USA:

ANTÙRA, Italien:

CONNADE,Südafrika:

GABRIELE FRANTZEN, Frankreich:

GREVI, Italien:

GUGUBYGUGU, Südafrica:

HESTER VAN EEGHEN, Niederlande:

JLYNCH, Brasilien:

KATA SZEGEDI, Ungarn:

KIRIKO SATO, Frankreich:

LATE FOR WORK, Marokko:

MADISO, Vereinigte Arabische Emirate (Dubai):

MIA PERU, Peru:

MILONA, Frankreich:

NALEBE, Nigeria:

STUDIO NAMNYAK, Kenia:

SARAH MAJ, Marocco:

SENORITA, Großbritannien:

SUSANNE BOMMER, Deutschland:

THE FOUR, Ungarn:

THEA MIKA, Deutschland:

VALTADOROS, Griechenland:

VIVYINROSA, Italien:

ZILLA, Italien:

*Das Vorschaubild ist das offizielle Plakat der Veranstaltung

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4. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the runway end. Am letzten Tag der Fashionweek wohl auch im RAUM.Berlin. Nachdem zwölf Designer an diesem Ort mit diesen Leitfragen ihre Kollektion mit experimentellem Format vorgestellt haben, wird deutlich, dass hier ein gutes alternatives Format kreiert wurde, das viele von ihnen optimal und kreativ zu nutzen wussten. Zu den spektakulären gehörte auch Karin Brettmeisters Ritual Unions mit einem tableau vivant, das wirklich Spass machte, sowohl den Darstellern als auch dem Publikum. Ein Bankett, angerichtet für Frauen, die in den edlen Dessous beziehungsweise Brautkleidern des Labels erscheinen. Ähnlich wie Bildwelten (und Lifestyle-Fantasien) von Ellen von Unwerth und von Agent Provocateur entwirft Ritual Unions hier eine lebendige Anschauung ihrer modernen, alternativen Braut- und Couture-Kleider, die fast übergangslos aus edlen Dessous erwachsen und genau an dieser Schnittstelle Individualität, Einstellung und Selbstdarstellung ansteuern. Schwerpunktmäßig ist die Kollektion an Frauen gerichtet, aber nicht ausschließlich, und sie feiert den vergnügten Eros der Weiblichkeit, der in der Produktion stets individuell ausgelegt wird. Das tableau vivant (lebendes Bild) war im ausgehenden 19. Jahrhundert groß in Mode und es dürfte, wenn es kreativ angelegt ist, durchaus als Leitformat für die RAUM.Berlin-Präsentationen attraktive Wiederauferstehung feiern. Wenn es gut war, war es allerdings auch sehr aufwändig, aber auf heute bezogen und verglichen mit schlicht inszenierten Runwayshows kann das die bessere Entscheidung für Modedesigner sein.  Das verbundene Lebensgefühl lässt sich besser szenisch evozieren und im Vergleich zum oft eigentümlichen Schauen-Großaufwand der großen Luxusmarken auch überschaubar finanzieren.

Letztlich hat jedes teilnehmende Label eine eigene Idee zur Konstellation einer Installation entwickelt, die zum jeweiligen Selbstverständnis des Modemachens passt, mal erscheint das dann spektakulär, mal weniger. Das ist nicht nur eine Frage, wie man jenseits der Mode auch kreativ denken und konzipieren kann. Es erfordert zuerst eine bewußte, eher konkrete Lifestyle-Philosophie für die eigene Mode, die eine fantasievollere, anschaulichere Lebenswelt im Kopf des Designers voraussetzt, als viele sich das gemeinhin vergegenwärtigen. Diesen Abstraktionsschritt haben früher Werbeagenturen mit Werbespots und Werbebildern übernommen. Hier macht das das Label selber.

Und, das ist wohl ein weiterer Vorteil, mehr Publikum kann dichter an den assoziierten Lifestyle herangeführt werden, als auf einer Catwalkschau.

Die exzentrischen und auch futuristisch anmutenden Kollektionen von Maximilian Gedra verstehen sich als skulpturale Kunstwerke und sollen auch wie solche erscheinen. Sie sind eher selbstbezogen und darum als monolithische Positionierungen jeweils für sich gestellt. Man erwandert diese Arbeiten wie Kunst im Museum von Piece zu Piece, jedes eine selbstbezogene Inszenierung für sich, die höchstens mit Licht und bizarren Accessoires (vorwiegend Headpieces) intensiviert wird.

Das Label Sveasøn von Svea und Shirin aus Hamburg gibt sich dagegen vergnügt, kommunikativ und gestalterisch bodenständiger. Die Figuren bevölkern entsprechend locker verteilt den Raum, abwechslungsreich, muster- und farbenfroh. Zusammen ergibt sich für die Mode ein großer Mix aus Materialien, Gestaltcollagen, Mustern, fantasievollen Bildzeichen und auch kleinen Scherzen, der gute Laune suggeriert. Diverse handgetöpferte und bunte Objekte dazwischen verweisen auf unprätentiöses „Gestalten mit den eigenen Händen“ und ergänzen die Vorstellung von einem bunt-fröhlichen Leben.

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1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Während die Fotografieausstellung deutlich profitierte, war der Ortswechsel für den 10. Wettbewerb der Accessoires nicht wirklich vorteilhaft, es war noch enger und gedrängter als ohnehin schon immer, das Publikum kam nur knapp aneinander vorbei und der Betrachterabstand war zwingend knapp, was nicht allen Exponaten zugute kam und auch Gespräche mit den anwesenden Designern führten zu Blockaden. In einer langgestreckten Box inmitten des schlauchartigen Raumes konnten die Designer in individuell zugeschnittenen, regalartigen Aussparungen ihre eingereichten Beispiele unterbringen und die Entwürfe für den Prix Hermès in speziell aufgebrachten Rahmen einfügen. Bei aller Beengtheit war aber das Ausstellungsmobiliar wieder liebevoll erdacht und gemacht, wenn auch die Typografie der Beschriftung gelegentlich bis ans Unleserliche für die Kollektionstitel reichte. Und die gewohnten Infoblätter fielen dieses Jahr den allgemeinen Einsparungen zum Opfer, auch auf der Infoseite des Festivals im Netz ist leider wenig zu finden.

Gleichwohl und selbstverständlich waren die Exponate der Wettbewerber exquisit wie immer, exzentrisch und edel zugleich. Taschen, Schuhe, Kopfbedeckungen, Brillen und Schmuck sowie ganze Körperpanzer und Helme aus oft ungewöhnlichen Materialien demonstrierten ungezügelte Fantasie und rückten das Schaffen nicht selten in die Nähe von skulpturaler Kunst. Der junge Zeitgeist liebt Vermummung, die Anmutung alternativen Materials, bizarre Gestalt und manchmal auch romantisierenden Kitsch, alles konnte man hier irgendwie wiederfinden. Vor zwei Jahren war Frankreich gar nicht vertreten, jetzt ist es das sehr dominant.

Der Grand Prix der Accessoires-Jury vergibt ein Gemeinschaftsprojekt mit den Métiers d’art im Wert von bis zu 20.000 Euro.

Für die Einreichungen für den Hermès-Preis waren dieses Mal Handschuhe gefordert, da balancieren die Gestaltungen zwischen Exzentrik und Klassik, das ist stets eine sehr besondere Herausforderung, wo auch die Styling-Individualität schwer zu akzentuieren ist. Dieser Preis von 20.000 Euro ist natürlich sehr begehrt. Er definiert sich für die Gestaltung als „Verbundenheit, Kühnheit und Innovation, Hebel der Kreativität. Freiheit der Schöpfung, Forschung. Dauerhaftem Einsatz feinster Materialien, exzellentem Know-how, innovativer Handwerkskunst und damit, dass die Ästhetik der Funktion die Einzigartigkeit der Funktion prägt.“

Außerdem gibt es noch einen Preis des Sponsors der Lederbranche ADC (Au-Delà du Cuir) in Form einer Teilnahme an ihrem Laureate/ADC-Programm sowie der Möglichkeit, seine Kreationen im ADC-Showroom auszustellen.

ANTOINE ET JULIEN BLANCHARD – Jeannine
Accessoires de mode
Frankreich

*

ALYSSA CARTAUT – The Cushion Issue (Prix du public de la ville d’Hyères)
Chaussures
Frankreich

*

ALIX CAUMONT – Metatypes
Accessoires de mode
Frankreich

*

AMAURY DARRAS – Essences (Grand Prix du Jury Accessoires)
Accessoires de mode
Frankreich

*

TASKIN GOEC – Rover Glam Vi
Lunettes
Deutschland

*

COLINE GROS – Phronimidac
Bijoux
Schweiz

*

KAYS MASOOD – All the Hope in the World
Bijoux
Syrien

*

FLORENTIN MATHON – Silent remains
Chaussures
Frankreich

*

LUISA OLIVERA LÓPEZ – Qastia (Prix Hermès des accessoires de mode)
Bijoux
Honduras

*

JULIEN SIMAR – STANT
Sacs et Lunettes
Frankreich

*

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Es ist ein wesentlicher Aspekt des Wettbewerbs der jungen Designer und Designerinnen, ihre Arbeit dem interessierten Publikum selbst anhand ihrer Kollektion vorzustellen und zu erklären.  Man kann die Beispiele von Nahem betrachten, befühlen und besprechen, hier wird quasi die Brücke geschlagen zwischen dem Anliegen der jungen Gestalter und dem interessierten Publikum, sei es den Profis oder den Konsumenten. Das ist eine wichtige Einrichtung des Festivals, identifikationsstiftend und erkenntnisgerichtet zugleich, der Ort, wo die Nähe zur Kunst und Kreativität auch grundlegend kulturstiftend ist. Bevor sie dann der Exklusivität und dem luxuriösen Showbusiness geopfert wird: schon im Folgejahr bekommt der Gewinner des Wettbewerbs eine offizielle Schau in der Pariser Fashionweek gesponsert, und da ist es dann vorbei mit der Bodenhaftung des kreativen Tuns. Dieser Veranstaltungsteil ist darum sehr beliebt beim interessierten Publikum und bei den Profis, die hier kaufen, Kontakte knüpfen und Qualitäten begutachten – entsprechend voll ist die auf gedrängtem Raum stattfindende Präsentation immer. Mit dem Ortswechsel dieses Jahr hat sich daran nichts geändert, aber der kann schon auch als Zeichen eines veränderten Focus‘ des Festivals verstanden werden.

Der ehemalige Swimmingpool ganz oben in der Villa, mit Bodenplatten abgedeckt, war die vergangenen Jahre stets der Ort, wo ein bekannter Modedesigner bzw. ein großes Modelabel sich in Form von einer Rückschau, einer aufwändigen künstlerischen Installation oder eines elaborierten luxus-handwerklichen Statements präsentieren durfte. Das gab dem Festival jeweils einen Touch des Hochwertigen und zugleich Künstlerischen im schnellen Modegetriebe, einen Ankerpunkt des kulturellen Selbstverständnisses, das über allem stehen sollte und das das Klassische mit dem Modernen schlüssig verknüpfte. Symbolisch verstanden: die (französische) Hochkultur on the Top. Währenddessen präsentierten die Wettbewerbsaspiranten ihre jungen, zukunftsweisenden Entwürfe in einem großen Zelt neben der Villa, bevor sie sie auf dem Laufsteg am Abend dem breiten Publikum vorführten. Dieses Jahr, im Zuge der Neuausrichtung des Festivals, zeigen sie ihre Kollektionen und erklären und diskutieren sie ihre Arbeit und ihre gedanklichen Leitbilder nun hier oben.

Und wie stets, sind die gestalterischen Ansätze so verschieden wie nur irgendwas, einheitliche Standpunkte sind, jenseits der inzwischen selbstverständlichen Nachhaltigkeit, kaum zu finden. Witzige Originalität, romantisierende Nostalgie und pragmatischer Streetstyle beziehungsweise casual Businesslook stehen gleichberechtigt nebeneinander und demonstrieren eine Pluralität, die unseren freien Zeitgeist in alle Richtungen auslotet. Dabei bildet, beispielsweise im Gegensatz zur Berliner Blase, die ästhetische Grundlage von Modegestaltung noch immer den leitenden Focus und nicht die Bedeutung oder Botschaften mit ihren symbolischen Codes, ganz ohne zwanghafte Ausrichtungen. Auch nationale Orientierungen sind höchstens schwach ausgebildet und spielen im Kontext nur inspirative Rollen. Hochwertige Schneiderkunst wird vorausgesetzt – da ist das gute Handwerk der französischen Haute Coutre noch immer ein entscheidendes Kriterium und wird bei den Jurys durch nichts anderes abgelöst.

Wir stellen die zentralen Exponate der Wettbewerber hier vor, denn sie wirken anders als auf dem Laufsteg, die Schau zeigen wir dann eigenständig. Und wie jedes Jahr präsentieren, nebenan, auch die Preisträger des Vorjahres ihre neuen Kreationen.

NOAH ALMONTE – Replicants (Prix Supima)
Collection femme
Schweiz

*

LAYLA AL TAWAYA – Perfected Perfecto (Prix L’Atelier des Matières)
Collection homme
Polen – Palestina

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LUCAS EMILIO BRUNNER – À Bout de Souffle (Grand Prix du Jury Mode)
Collection unisexe
Schweiz – Chile

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IDALIINA FRIMAN – Lotta
Collection femme
Finnland

*

XINYI HE – I Can Fly
Collection femme
China

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SOFIA HERMENS FERNANDEZ – Semiotics of Girlhood
Collection femme
Deutschland – Spanien

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ADRIEN MICHEL – Outdoors Encounters (Prix le19M des Métiers d’art)
Collection homme
Frankreich

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DENNIS SANDERS – The Standard Man
Collection hommeDeutschland

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VANESSA SCHREINER – used to be
Collection femme
Österreich

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YOUSSEF ZOGHEIB – Gravesend (Prix du public de la ville d’Hyères)
Collection homme
Libanon

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Hier sieht man die jüngsten Trends, die aktuellen Bewegungen in  der internationalen Mode und die interessantesten Neuerkundungen in Material und Schneiderhandwerk. Und, in der Erweiterung, kreative Erfindungen zu Modeaccessoires sowie Positionen der jungen Fotografie. Zum 40. Male wurde das Festival de la Mode in der Villa Noailles nun ausgerichtet und, wie man diesjährigen Medienberichten schon im Vorfeld entnehmen konnte, infolge von Finanzierungsproblemen in recht kontrollierter Ausgabe. Alle, sowohl die Organisatoren als auch das schon bei der Eröffnung begeisterte Publikum wollen diese Veranstaltung erhalten, denn sie hat sich, unter der Leitung von Jean-Pierre Blanc, zu einem unverzichtbaren Event der Modewelt etabliert: sie liefert nicht nur die neuen Trends und Ideen, sondern der Industrie den besten Nachwuchs. Entsprechend vielfältig ist das Publikum von Studenten, Professoren, Modemanagern und jungen Designern, Presse und Neugierigen von fern und aus der Umgebung. Hier treffen und bilden sich wichtige Netzwerke der Branche und spätestens hier wird gegenwärtige Modephilosophie festgeschrieben. Die Qualität, die Strahlkraft und die Langlebigkeit dieses Festivals sind sein wesentlicher Erfolg im professionellen Sinne, weswegen auch viele und besonders renommierte Sponsoren sich gerne beteiligen (institutionelle Partner und das Kulturministerium sowie privaten Sponsoren, darunter Chanel, Le 19M, LVMH, Hermès, Supima, Kering, American Vintage und Première Vision).

Eine große Jubiläumsfeier blieb aus, denn das Festival war Anfang des Jahres formal schwer unter Beschuß geraten: eine Rüge des französischen Kulturministeriums im April kritisierte das bisherige Management scharf und medienwirksam, denn nicht nur die Alleinherrschaft des Festivalgründers Jean-Pierre Blanc wurde den Mitstreitern zunehmend unerträglich sondern auch der Umgang mit den Geldern häufte hohe Schulden auf (Schuldenstand von 3,8 Millionen Euro). Die diesjährige Ausgabe fand demzufolge in einem verkürzten Format statt und soll als Übergang zu einer möglichen Neuausrichtung verstanden werden. Verantwortlich für diese Neuausrichtung ist nun Hugo Lucchino, der im August zum Generaldirektor des Kunstzentrums Villa Noailles ernannt wurde.

Auffällig dafür ist die „Verkürzung des Formats“, die in jeder Hinsicht spürbar wurde. Allgemein gesehen fehlt das großzügige, liebevolle und leichte Flair im Ganzen; im Konkreten wird der Zeitraum von vier auf drei Tage verkürzt, es gibt nur noch eine große Modenschauveranstaltung und die Räumlichkeiten wurden verdichtet. Keine Extrabühnen und Podiumsveranstaltungen mehr, keine künstlerischen Installationen, Darbietungen und Sonderausstellungen mehr, Eintrittsgelder werden nun erhoben und diverse Partys am Rande wurden gestrichen, sogar die berühmte Aftershowparty für die Wettbewerber und Preisträger. Das große Verwöhnprogramm für Jurymitglieder und VIPs wurde auch zurück gefahren und sehr schnell fiel sogar der wichtige Shuttleservice aus, zwar nicht für die VIPs (da Mercedes-gesponsert) aber für alle anderen Besucher (die Villa Noailles, Festivalort, liegt hoch auf dem Berg und ist nur mit PKW, Taxi oder fast einstündigem Fußmarsch zu erreichen). Schon damit spürte man die Einschränkung sehr unangenehm.

Aber auch wenn man als Besucher einsichtig ist und auf viele Annehmlichkeiten zu verzichten bereit ist, bleiben doch auch Beschränkungen, die man als schädlich wahrnehmen kann. Wir empfanden besonders die räumliche Verknappung als kontraproduktiv, was umso unverständlicher war, als die großzügige Villa ja in städtischem Besitz ist und keine parallelen Veranstaltungen dort stattfanden. Diese räumliche Verdichtung führte nicht zu sachlicher Focussierung sondern zu einem unangemessenem Mix der Aspekte sogar zwischen den drei Festivalabteilungen. Die wurden jetzt sogar noch um einen irritierend großzügig angelegten Fotobuchbereich erweitert.
Darüber hinaus wurde die Dokumentation mit Film und Bild schwierig, umso mehr als sich das Publikum oft drängen mußte. Gleichwohl war da – zumindestens gefühlt – weniger Publikum insgesamt als sonst.

Aber, auch das muss man konstatieren, vieles Gute ist geblieben und machte den Besuch lohnenswert. Allem voran natürlich das Wetter, ein Oktober wie sonniger Hochsommer, eine wunderschöne Stadt, grün, blühend und mit Palmen überall, das Mittelmeer im Blick und die schöne Villa Noailles selbst (wir berichteten das mehrfach). Der spezielle Shop mit seinen exzentrischen Angeboten. Auch der Kern der Veranstaltung blieb weitgehend unangetastet, nämlich die Künstler- bzw. Designerwettbewerbe, hier gab es keine Abstriche und die Qualität schien dieses Jahr sogar noch besser als letztes Jahr, das mag aber eine subjektive Einschätzung sein und ist dann wohl auch zufällig. Die Jurys, muss man dazu sagen, sind jetzt rein von Modeprofis besetzt, über weitere Veränderungen im Verfahren oder programmatischen Verständnis wissen wir aber nichts. Aus dieser Perspektive ist, soweit man das jetzt einschätzen kann, die bisherige Leitidee des Festivals auch der substantielle Teil der Neuausrichtung und damit bliebe der attraktive Kern (und Sinn) der Veranstaltung erhalten. Ob allerdings in der Verkürzung und vor allem der Verknappung auch die große Strahlkraft erhalten bleibt, hängt auch von der Publikumstreue ab, das mit einem weniger leichten, stark versachlichterem Format leben muss.

Impressionen:

eine der früher genutzten Freiflächen:

Bühne mit Projektionswand:

und früher mit Liegestühlen genutzte Relaxfläche:

Wandgestaltungen innen:

Fotoausstellung:

im Shop:

***

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Auf der zwölften Positions stellt das neue Kuratorenduo Diandra Donecker und Dao Tran zwanzig Designer und Designerinnen für den Bereich Fashion vor. Manche sind wie zuvor wieder dabei aber spannende Neuentdeckungen gibt es auch und die Schnittstellen von angewandter Kunst und freier Kunst zeigen sich dabei scheinbar noch evidenter und vielseitiger als bisher, umso mehr, als auch in der freien Kunst auffällig viele Modebezüge eine wichtige Rolle spielen. Im Gefüge der Kunstmessen erscheint die Positions wie eine Entdeckermesse, denn auffälliger als anderswo wird sie nicht nur von Fachpublikum frequentiert sondern auch von sehr diversen Interessierten, nicht zuletzt weil die Positions sich noch im Zusammenhang mit der Berliner Art Week aufstellt. Diese etwas populärere Zielgruppenorientierung setzt weniger auf große Namen sondern eher auf künstlerische Trends und auch in der Fashionabteilung wird das deutlich. Und gerade hier, bei der Mode, zeigt sich, dass die Berliner Kulturszene doch eigen und zugleich herausragend ist.

Die Vielseitigkeit im künstlerischen Ansatz der Modedesigner ist bemerkenswert und offenbart sich nicht mehr nur als quasi erweiterte Installationsgestaltung einer Modeposition sondern dezidierter in den inhaltlichen Ansätzen – mehr oder weniger offen oder gezielt. Und nicht nur die geläufigen zeitrelevanten Themen (Umwelt etc.) kommen zum Zuge sondern auch rein künstlerische Ansätze stellen textiles Gestalten in neue beziehungsweise deutlichere Zusammenhänge, die über Mode hinausgehen. Das entspricht letztlich auch einem allgemeinen Trend der Gegenwart, wo Mode mit Kunstausstellungen zusammen geht und wo Kunsthandwerk und bildende Kunst näher zusammen rücken. Dem jungen Publikum kommt dieses Kulturverständnis sehr entgegen, denn das entspricht seiner Vorstellung eines kreativen Lebensumfeldes mehr als elitäre Abgrenzungen von Gebieten.

Erfreulich ist auch die Beobachtung, dass das Berlinspezifische sich nicht auf einen subkulturellen Kern berufen muss, sondern im Anspruch mittlerweile weit darüber hinaus ein kreatives Selbstverständnis entwickelt. Renommierte Repräsentantinnen wie Claudia Skoda und Esther Perbandt haben das zwar schon längst vorgeführt, aber die neuen beschreiten den gleichen Weg in ihrem Selbstverständnis. Und dieser Anspruch läßt die flüchtige Insta-Kultur hinter sich. Selbst Labels wie Haderlump, die sich eher dem modischen Zeitgeist verschrieben haben, versuchen, einen essentiellen Kern herauszustellen oder wie Danny Reinke die verzaubert-romantisch verklärte Märchen- und Naturwelt seiner eher pragmatischen Mode als ideelle Basis des Schaffens zuzuspitzen. Interessant sind auch Bezüge zur Kunst- und Kulturgeschichte wie auf gotische Altäre (Elodie Carstensen) und, besonders faszinierend mit Stillleben erarbeitet, das Thema Les liaisons dangereuses von Laclos bei Plaid-á-Porter. Auf die Faszination eleganter und schillernder Zweckverfremdung von Schneidermaterial verweist Maximilian Gedra, Krankenhaus-SM thematisiert äußerst witzig Lilian Brade und die Gestaltaffinität zu Autodesign als ästhetische Spezifik überträgt Selva Huygens in Kleidung. Besonders erwähnenswert sind die groß angebrachten, aufschlussreichen Texte zu den Designern und Designerinnen und zu ihren jeweiligen Arbeiten. Die sind sorgfältig kuratiert und kommen besonders dem kunstaffinen Publikum zugute, das damit anspruchsvoll an das Thema aktuelles Modedesign herangeführt wird.

Stets zeigt sich, dass die Modedesigner ihr Selbstverständnis am liebsten im künstlerisch-kreativen Tun verorten, was bekanntlich schwierig ist, weil Mode als angewandte Kunst eben kommerziell funktionieren muss. Bei der Herausforderung dieser Kunstmesse kann und muss diese Selbstreferenz zu einer überzeugenden Demonstration herausgearbeitet werden. Und das fällt natürlich den ganz jungen noch leichter als den bereits etablierten. Spannend bleibt dann auch die Frage, inwieweit ein künstlerischer Ansatz in der Mode in ein kommerzielles Gefüge überführt wird oder werden kann. Im umgekehrten Sinne hatte die Kunstgeschichte nie ein Problem damit, Mode war immer ein Teil ihrer Bildwelten. Und wie man hier in der freien Gegenwartskunst beobachten kann, ist sie gerade besonders präsent (siehe Bildbeispiele unten): Cranach-Modelle tragen Chanel-Bikinis (Ieva Il Tnere), Modestickerei überdeckt das Porträt (Idowu Oluwaseun) und Glasbläserei assoziiert textile Skulptur (Maria Bang Espersen) – nur zum Beispiel.

Alexander Gigl:

Cbui:

Claudia Skoda:

Cruba:

Danny Reinke:

Elodie Carstensen:

Esther Perbandt:

Fiona Bennett:

Format: :

Haderlump Atelier Berlin:

Karen Jessen:

Lilian Brade:

Maximilian Gedra:

Nadine Aurin:

Plaid-À-Porter:

Raufaser:

Selva Huygens:

Vanessa Baernthol:

Yannic Pretzlaff:

Modebezogene Kunst aus den Galerien der Positions 2025:

Carolina Bazo:

Carole Feuerman:

Henry James:

Idowu Oluwaseun:

Ieva Il Tnere:

Jonathan Esperester:

Maria Bang Espersen:

Norman Gebauer:

Sarah Geppert:

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Bilder: Andreas Hofrichter, Courtesy Helmut Newton Foundation

Text: Gerhard Paproth

Wie schon unsere letzten Ausstellungsberichte deutlich machten, ist es ein auffallender Trend, Mode in anderen Ausstellungskontexten zu präsentieren und der Berliner Salon betreibt das seit geraumer Zeit sehr entschieden so und durchaus erfolgreich.

Im Falle dieser Saison werden die Modeexponate in Ausstellungen des Fotografiemuseums eingefügt, mit dem besonderen Vorteil, dass diese Ausstellungen selbst auf Mode bezogen sind. Um zwei Sonderausstellungen geht es dabei, die Ausstellung „Polaroids“ zeigt konzeptuelle Skizzen von Helmut Newton. Die Ausstellung „Rico Puhlmann. Fashion Photography 50s–90s“ gibt einen Überblick über das Schaffen des Modefotografen und Illustrators.

Der Berliner Salon versammelt, unter der Kuratorenschaft von Christiane Arp und Marcus Kurz, jede Saison herausragende Modeschöpfer aus dem deutschsprachigen Raum, darunter viele interessante Newcomer. Das ist für jede Berliner Fashionweek eine wichtige Sammlungsschau mit Focus auf die vielfältigen und innovativen Gestaltungsansätze der Gegenwart. Diese Anschauung wird mit dem Museumskonzept jetzt aber mindestens relativiert, denn abgesehen von der Auswahl der betreffenden Designer verschiebt sich, mit der Einbindung in einen anderen, eigenständigen Ausstellungsgedanken, die Wahrnehmung vom konzentriert innovativen, reinen Modeaspekt auf die ästhetischen Kriterien, die vom vorgegebenen Ausstellungskontext (der auf Fotografie und auf Mode Ende des letzten Jahrhunders bezogen ist) ausgehen. Die offiziellen Begriffe Zusammenschau oder Dialog verschleiern dies leider. Das Museum schreibt dazu: „Design und Fotografie kreisen gleichermaßen um Aspekte wie Repräsentation, Selbstdarstellung, Körperbilder und gesellschaftliche Repräsentation. Damit verdeutlicht die Gruppenausstellung des Berliner Salons im Museum für Fotografie die engen Verbindungen zwischen den künstlerischen Medien Fotografie und Mode.“ Die Konzentration auf Modegestaltung im Jetzt und Heute wird verwässert.

Jenseits dieser Gedanken ist die Schau des Berliner Salons aber wie immer großartig und kenntnisreich zusammen gestellt und hat auch wieder einen atmosphärisch würdigen Ort gefunden. Die große Mischung der gestalterischen Leitgedanken ist faszinierend, von exzentrischen Statements über grob-schlichte Prägungen, folklorenahem Strick und manchmal auch gutem, eleganten Geschmack ist alles vertreten. Die vorgesehenen Korrespondenzen zu den Bildern an der Wand sind eher assoziativ und gefällig gemeint. Eventuelle Entscheidungen, was vielleicht früher besser war, drängen sich zwar manchmal auf, auch Überlegungen, wohin es nun geschmacklich wirklich geht, aber das bleibt dem Betrachter überlassen. Mit dem Aufzeigen des großen Spektrums haben die Kuratoren vermutlich faire und angemessene Vorarbeit geleistet.

Die Ausstellung wird unterstützt von Museum&Location.

Eine Sonderausstellung des Berliner Salons in Zusammenarbeit mit der Kunstbibliothek – Staatliche Museen zu Berlin und der Helmut Newton Foundation.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: © Musée du Louvre / Nicolas Bousser für den Ausstellungskatalog

Aus dem aktuellen Trend, Mode im Kunstmuseum zu zeigen, hatte sich der Louvre bisher herausgehalten, nun hat er eine spezielle Lösung gefunden, die nicht nur tragfähiger ist, sondern auch schlüssiger als anderswo. Er schreibt damit Kulturgeschichte fort, in Konzentration auf den prachtvollen Palast, der der Louvre als einstiger Sitz französischer Könige ja eigentlich ist. Der Ort, wo nun exquisite Mode der jüngeren Modegeschichte präsentiert wird, ist also das Labyrinth von Prunksälen und -gängen und eben nicht der seiner separierten Kunstsammlungen. Malerei ist in diesen Bereichen eher Teil des jeweiligen Raumambientes und das luxuriöse Raumambiente ist der geistig-kulturelle Zusammenhang für die hinein gestellten Modeexponate.

Diese Prunkräume erfassen die repräsentative Historie der französischen Innenraumpracht von Byzanz über Rainaissance, Rokoko bis Napoleon III. Letztlich wird mit dieser Ausstellungskonstellation die Mode ab Mitte des 20. Jahrhunderts, genauer die Haute Couture, als Fortsetzung höchsten Luxus‘ präsentiert, die sie ja faktisch auch ist. Augenfällig wird das unter anderem in der Korrespondenz der modernen Textilkunst mit den wertvollen Bildteppichen beziehungsweise Gobelins. Im Kontext mit dem Kunsthandwerk der französischen Historie hat man das Gefühl, dass in der Kontinuität bis heute eigentlich nichts offen geblieben ist.

Und ein weiterer Wahrnehmungsaspekt stellt sich ein: scheinbar wie menschliche Erscheinungen beleben die Mannequin-Figuren die historischen Räume, und trotzdem repräsentieren sie selbst auch historische Exponate mit eigener, späterer Geschichte. Dabei geht es keineswegs um Aufwertung moderner Modeentwürfe, das hat Haute Couture nicht nötig, die Kuratoren haben das beste und aufwändigste zusammengesucht, was die französische Modegeschichte (und -kultur) geprägt hat. Alles kann ästhetisch mithalten mit den aufwändigen Interieurs, in die es gesetzt wurde. Man darf nicht vergessen, dass Mode (neben Kulinarik) eine, beziehungsweise DIE wichtigste Gegenwartskultur in Frankreich, respektive Paris, ist, eine Vorstellung, die zum Beispiel Deutschland völlig fremd ist. Während repräsentierender Einrichtungsprunk längst keine Rolle mehr im modernen Frankreich spielt,  setzt die Haute-Couture-Mode nun auf anderer Ebene fort, was in diesen historischen Räumen vorgeführt wird.

Die Ausstellung ist also weniger eine Gegenüberstellung als die Fortschreibung der Sammlungen der Geschichte der dekorativen Künste, ihres Handwerks und des Ornaments. Dabei ist für den Franzosen die Grenze zwischen Kunst und Kunsthandwerk traditionell durchlässiger als für uns, das ist essentiell für die kulturelle Perspektive, und die kreativen und handwerklichen Bezugnahmen der Haute-Couture-Mode sind freier, schließen Kunst und Geschichte ein – und positionieren sich in diesen Kontext mit ihrem extrem hohen und aufwändigen Anspruch.

Mit solchem Grundverständnis der Kuratoren ist der Parcours dieser Präsentation höchst exquisit. Und auch patriotisch, wenn man so will, denn immerhin verfügt Frankreich seit Dior über die anspruchsvollsten Modehäuser überhaupt, wo internationale Topdesigner sich einfügen und nicht umgekehrt. Frankreich hat den Begriff Luxus geprägt und stets tonangebend gefüllt, gegen alle Wirtschaftsbewegungen bis heute erfolgreich. Mit einem Niveau, das jetzt diese Ausstellungspräsentationen in allen historischen Prächtigkeiten erlaubt. Mit Stolz führt die zentrale Kultureinrichtung Louvre hier die Noblesse der Frankreich-spezifischen Kultur vor. (Parallel übrigens – auch im Anspruch – zur Neueröffnung von Notre Dame.)

Die Inszenierung erweist sich ausserdem souverän in der Anschauung, ohne das Sehvergnügen durch intellektuelle Befrachtung zu steuern. 99 Exponate aus der Haute-Couture sind elegant und kongenial auf die historischen Raumambiente verteilt, über 9000 m2 im ersten Stock in den nördlichen «Richelieu»- und «Sully»-Flügeln an der Rue de Rivoli, also gegenüber der Kunstsammlung,  eine lange, sinnliche Reise in so noch nicht vorgeführter Manier. Von Dior über Chanel und Loewe bis Yamamoto und Iris van Herpen sind die großen Häuser und Designer mit herausragenden Stücken vertreten.
Die Referenzen der Modestücke zum gewählten Interieur sind verschieden: Manchmal eher atmosphärisch, manchmal stilistisch, manchmal gibt es Korrespondenzen im Handwerklichen. Der Ausstellungsparcours ist lang und anstrengend, sehr reichhaltig aber unkompliziert zu goutieren. Infos zum Hintergrundwissen ist, wenn man neugierig wird, auf der prägnanten Exponatbeschilderung nachzulesen, mehr Wissenschaftliches oder Didaktisches ist nicht angelegt. Es gibt auch keine zwingende Abfolgelogik, vielmehr ist ein lockeres Flanieren mit beliebigen Verweilstops angesagt, bei dem man auch einiges verpasst und anderes zwei Mal sieht. Großer ästhetischer Anspruch, unprätentiös nahegelegt.

Wir haben fast alle Exponate in ihren Räumlichkeiten mit den gegebenen Referenzen sorgfältig fotografiert aber, wie auch andere Medien, keine Veröffentlichungsgenehmigung dafür bekommen. Viele atemberaubende Anschauungen entfallen somit leider. Wir zeigen darum hier „offizielle“ Fotos aus vorgegebenem Angebot in Abweichung unserer üblichen Praxis und in nur kleiner  Auswahl – weil es das trotzdem wert ist. Es sind alles Aufnahmen für den Katalog (© Nicolas Mathéus) vor der endgültigen Positionierung der Exponate.
Bis 21. Juli ’25 läuft diese Ausstellung und wer bis dahin einen Paris-Aufenthalt im Visier hat, sollte sich dieses einmalige Erlebnis nicht entgehen lassen.

Balenciaga – Demna, 2023-2024:

Balmain – Olivier Rousteing, 2023:

Chanel – Karl Lagerfeld:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Wo immer Yves Saint Laurent und sein Lebenspartner Pierre Bergé gerade lebten, sie umgaben das Appartement, die Zweitwohnsitze und die Ateliers mit Blumen und Gärten, in der Flora fand der Designer eine Quelle unendlicher Inspiration. Diese Liebe teilte er schon als 15jähriger mit dem Schriftsteller Marcel Proust, dessen Schlüssel-Werk „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ er immer wieder las.

Die Ausstellung stützt sich auf diese Bezugnahme, rund dreißig textile Silhouetten und Zeichnungen unterstreichen diese Symbiose zwischen der Arbeit von Yves Saint Laurent, Natur und Literatur – Zitate von Proust werden zu den Exponaten gestellt und spiegeln die sinnliche Leidenschaft gegeneinander. In Kleidern und Zeichnungen wird diese eine bestimmende Facette von der Persönlichkeit und dem Geschmack des Schöpfers vorgeführt: von der Fetisch – Droush von Christian Dior über die Anagram – Lilien seiner Initialen über die Rosen der Liebe, die Bougainvilliers von Marokko oder die Weizenträger als Glücksbringer.

Gezeigt wird das Thema anhand legendärer Stücke und Arbeitsanleitungen: die erste angewandte Stickerei des Frühlingskleides von 1962, die tollen Drucke der Spring-Summer-Kollektion 2001 mit Referenzen zu Gemälden von Bonnard und, nicht zu übersehen, der berühmte Entwurf Saint Laurents „Sommerbraut“ mit Laetitia Casta 1999.

Es ist klar, dass Yves Saint Laurent die Blütenmuster -und formen nicht für sich gepachtet hat, auch wenn sie besonders üppig und raffiniert herausgestellt werden, sie begleiten schon immer die Geschichte der Mode. Und von seinem verehrten Lehrmeister Dior hat er diese ausgeprägte Leidenschaft übernommen. Was aber hier in der Ausstellung besonders überzeugt, ist der stimmige Kontext, in dem Leben, Design, Kunst und Literatur in eins fallen.

Die Philosophie für Mode hinter der floralen Leidenschaft hat Yves Saint Laurent auch beschrieben: Wie Mode sind Blumen eine ephemere Erscheinung, oft kraftvolle Gewächse als Bouquet für einen Tag, und sie wie getrocknete Rosenblüten aufzubewahren ist nicht dasselbe. Genauso wie wenn die Kleidungsstücke die Mode überleben (wie hier in der Ausstellung), sind Geburt und Wiedergeburt die treffenderen Anschauungen, denn in der Erneuerung ruht das Mysterium der Inkarnation an sich. Und so versteht Saint Laurent jedes Blütenblatt als ein Ausdruck der momentanen Schönheit im Vergänglichen und jede seiner Kollektionen auch. Was bleibt ist also die reaktivierte Erinnerung, und zwar eben in demselben Sinn wie sie literarisch Marcel Proust in La recherche du temps perdu beschrieben hat, mit floralen Metaphern bei der Beschreibung seiner Protagonisten und ihrem Lebensraum. Das versucht die aktuelle Ausstellung in diesem Sinne zu kreieren.

Dabei verfährt die Ausstellung nicht zwingend chronologisch, zeigt aber doch verschiedene Entwicklungsschritte im Sinne des Themas auf:

Bal de Têtes: Für einen Maskenball im Hôtel Lambert von Baron de Alexis de Redé am 23 Juni 1957, wo darum gebeten wird, mit einer speziellen Maske oder Kopfschmuck zu erscheinen, entwirft der 20-jährige Yves Saint Laurent, Assistent bei Dior, diverse Studien mit Gouache auf farbigem Papier; Blumen, Federn und Blätter mit einem schon ganz dezidiertem Zeichenstil:

In seinen eigenen Kollektionen hat Yves Saint Laurent später immer wieder Bezug auf Dior genommen und diverse Hommagen an ihn kreiert, was verschiedentlich in der gesamten Ausstellung auftaucht.

Das berühmte Outfit für Laetitia Casta 1999:

Paris, das Studio. Es ist der zentrale Ort in der Avenue Marceau Nr. 5 während der dreißig Jahre. Es unterscheidet sich von der Grandezza der Salons und ist auf die praktische Arbeit ausgerichtet. Die Ausstattung bleibt klar, ruhig und neutral, die vielen dauernd benutzten Kunstbände haben inspirierende Funktion. Und ein großer Spiegel an der Wand gegenüber zeigt die Kleidung am Modell eben als Reflexion. Bevor die Zeichnungen in die Ateliers gehen, werden Test-Kleidungsstücke aus weißer Baumwolle gefertigt, die von einem Modell per Défilé im Raum vorgeführt werden, um die Schnittarchitektur zu vergegenwärtigen. (In der Galerie Dior können wir sehen, wie das vorzustellen ist.)
Sechs bis sieben Mitarbeiter unterstützten den Meister bei der Arbeit in diesem Raum.

Bekanntlich wurde Yves Saint Laurent nicht berühmt wegen der expliziten Verwendung floralen Designs sondern wegen vielfältiger Erneuerungen im Modedesign der 60er und 70er Jahre, nicht selten slandalös und revolutionär. Und auch der Bruch mit Dior war kompliziert. Alles das ist aber nicht Thema hier, auch der beschriebene philosophische Aspekt ist nicht DAS repräsentative Verständnis im umfassenden Sinne, sondern ein Beschäftigungsaspekt des Modeschöpfers, der eng in seinem Privatleben verwurzelt war und letzlich auch Ausdruck in seinem wichtigen Refugium in Marakech gefunden hat, welches bekanntlich im wohl weltweit schönsten Garten, La Majorelle, liegt.
Parallel, dies sei auch noch angemerkt zum Kontext, lebte er nach seinem Rückzug aus der Modearbeit auch in seinem normannischen Château Gabriel in Deauville, dessen Zimmer nach Figuren aus Marcel Prousts Romanzyklus À la recherche du temps perdu benannt waren.

Diese Ausstellung ist übrigens die Fortführung eines ersten Konzeptteils, das im gleichen Zeitraum (2 März 2024 bis 5 Januar 2025) im Musée Yves Saint Laurent Marrakech gezeigt wurde.

*

Les Fleurs d’Yves Saint Laurent
Konzipiert von Olivier Saillard et Gaël Mamine

Musée Yves Saint Laurent Paris 5, avenue Marceau, 75116 Paris

20.3.2024 – 4.5.2025

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die Ausstellung in La Galerie Dior besteht im Wesentlichen aus zwei Abschnitten, dem 4 Etagen hohen, großen Panoptikum mit zum Teil verkleinerten Exponaten im Treppenhaus und der Ausstellung historischer Exponate in den abzweigenden Räumen. Diese wurden teilweise mit vielen Fotos von Peter Lindberg reflexiv ergänzt. Das erweist sich nicht nur in der Nebeneinanderstellung der Arbeiten zweier Stars derselben Branche als spannend sondern es ist eine gegenseitige Bereicherung in der jeweiligen konkreten Bezugnahme der Kleider und der Modefotografie. Das Haus Dior und Lindbergh pflegten enge Beziehungen, zwischen 1988 und 2018 fotografierte Peter Lindberg die Dior-Kollektionen. Die Ausstellung zeigt mehr als Hundert Abzüge aus oft legendären Serien von Harper’s Bazaar bis Vogue, aber auch bislang unveröffentlichte Bilder. Dazu gehören die Bilder für Dior aus New York von 2018. Modedesign und Fotografie stets im Sinne der Schönheit und Einzigartigkeit der Frau.

Die Kleidungs-Exponate sind meist in jeweils gestaltete eigene kleine oder auch größere Installationen eingebettet, mal nüchtern, mal surreal, oft nun auch auf Bildkorrespondenzen ausgelegt. So wird die Wahrnehmung der eleganten Modestücke mit den Fotos vom Kunstwerk zur praktischen Realität hin erweitert, denn in den Motiven stecken dann echte Menschen (Modelle) mit Emotionen, die sich nicht selten auch in einer echten, meist urbanen Welt aufhalten und bewegen. Und es wird eine künstlerische Inszenierung gezeigt, die die Mode noch einmal aufwertet oder sie im Kontext (scheinbarer) Normalität nahbarer macht. Wenn Modefotografie eigentlich dienendes Handwerk ist, so ist die von Peter Lindberg dienende Kunst, die, wie man hier gut beobachten kann, oft auf Augenhöhe mit dem Modethema interagiert.

Gianfranco Ferré pour Dior – Tilbury, 1989 (mit Foto Peter Lindberg), 1989

La Galerie Dior gibt es erst seit 2022, also 75 Jahre nachdem die erste Christian Dior Kollektion gezeigt wurde. Sie ist eine Ergänzung zum Musée Christian Dior in der Villa Les Rhumbs (Granville) in der Normandie. Vorgeführt wird hier im Herzen von Paris, exemplarisch und mit Highlights, der typische und avantgardistische Sinn des Haute-Couture-Modedesigns von Christian Dior und seinen sechs Nachfolgern, Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons und Maria Grazia Chiuri. Entsprechend ist das ganze Ausstellungsdesign edel und von erlesenem Geschmack geprägt.

Man startet den Besuch vom Fahrstuhl aus in der 4. Etage und bewegt sich nach unten. Das große Treppenhaus mit vornehmer Wendeltreppe führt entlang der sich über alle Stockwerke erstreckenden Sammlung in riesigen Glasvitrinen an der Wand, farblich abgestuft über alle Töne mit unzähligen Exponaten, die Accessoires in Original und die Kleider in Verkleinerung nachgebildet. Schnell verliert sich das Auge in einem Kosmos kreativer Schöpfungslust und großer Eleganz – liebevoll zusammengetragen und arrangiert.

„Modedesigner erschaffen eines der letzten Refugien des Wunderbaren. Sie sind in gewisser Weise Meister der Träume …“

Dieses Zitat von Christian Dior leitet den anderen Teil der Ausstellung ein, der in verschiedenen Abschnitten illustrierten Lebenslauf, Grafik, Schmuck und Parfum, Film, Presseexemplare, historische Fotos und auch mal nur groß- und kleinformatige Fotos von Lindberg zeigt.

Geschichte:

aus Kollektionen:

Christian Bérard – Bar (Corolle Linie), 1947

Maria Grazia Chiuri pour Dior – We should all be feminists, 2017

John Galliano pour Dior – Alcée, 1997

Maria Grazia Chiuri pour Dior -Numéro 439, 2021

Gianfranco Ferré pour Dior – Eden, 1992

Christian Dior – Création speciale Haute Couture, ca. 1950
(im Hintergrund Diors Geburtshaus und jetziges Museum)

John Galliano pour Dior – Diorine, 1997
Yves Saint Laurent pour Dior – Chat noir, 1960

John Galliano pour Dior – Pricesse Lucknow, 1997

Gianfranco Ferré pour Dior – Soleils d’automne, 1991

John Galliano pour Dior – Pricesse Bangalore, 1997

Christian Dior – Ballkleid

Blick von oben ins Atelier:

In einem Saal wird Couture in Reinweiß präsentiert. Sie ist eine Vorstufe zu der Ausarbeitung der Ateliers, formale Probeexemplare, die sich auf die Silhouette, das Volumen, den Schnitt und die Architektur allein konzentrieren, also quasi auf die skulpturale Form. Es sind stets Baumwollstoffe, die danach verwendeten Textilien wurden in einem eigenen Schritt ausgesucht. „Die Couture ist in erster Linie eine Hochzeit der Form mit dem Stoff“ (Ch. Dior). In etwa einem Monat entstanden die Kollektionsentwürfe und in wenigen Wochen wurden sie in den Hausateliers mit minutiöser Feinarbeit hergestellt.

Bilder Peter Lindberg für Dior:

Videocollage und Standbild aus Kinofilm:

Schmuck und Accessoires:

Coffret rouge Dior präsentiert für Jane Russel 1954,
darin enthalten die Obélisque-Version für die Friseuse und 14 Rouge-Schattierungen

Ballkleider aus verschiedenen Dior-Kollektionen:

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Aktueller Nachtrag:

Die Ausstellung DIOR, JARDINS ENCHANTEURS

im CHRISTIAN DIOR MUSEUM IN GRANVILLE

12. April – 2. November

Zitat übersetzt aus dem Pressetext: „Das Christian Dior Museum in Granville feiert die Liebe zur Natur von Christian Dior und eröffnet eine neue Ausstellung mit dem Titel Dior, Jardins Enchanteure, die diese faszinierende Beziehung hervorhebt, mehr denn je im Herzen der Geschichte des Hauses.

Die Entstehung entfaltet sich in Granville im Park rund um die Villa Les Rhumbs. „Nachdem ich eine Leidenschaft für Blumen meiner Mutter geerbt hatte, genossen ich besonders die Gesellschaft von Pflanzen und Gärtnern“, schrieb er und erinnerte sich an diesen Ort der Initiation, an dem die Seele eines Gärtners vor dem des Couturier-Perfumers knospe.

Für seine erste Show entwarf er die Corolle -Linie mit Kleidern, die geschnitten wurden, um umgedrehte Blumen in voller Blüte zu schlagen. Ein Leitfaden, der von einem Modell zum anderen fortblühte und wunderbaren „Femmes-Fleurs“ Leben gab. Während der gesamten Jahreszeiten hat er nie aufgehört, sich von dieser reichlichen, fruchtbaren Natur inspirieren zu lassen.“

La Galerie Dior

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sie sind zu Unrecht „out“: Hüte und andere Kopfbedeckungen. Auch wenn ein paar kleine, eher uninspirierte Modisten sie gelegentlich wieder ins Bewusstsein rücken wollen, bleibt ihre Welt den großen Designern und Modisten des letzten Jahrhunderts und der Modehistorie überhaupt überlassen.

Zu Unrecht, wie die Retrospektive von Stephen Jones überzeugend vorführt. Im Zeitalter von Kapuzen und Basecaps und pragmatischer Streetwear sind Headpieces zu anspruchsvoll und ästhetisch geprägt, um ein angemessenes Comeback zu schaffen. Das Musée de la Mode in Paris demonstriert mit der Ausstellung von Stephen Jones (bis 16.3.25) allerdings, dass mit überbordender Kreativität und anspruchsvoller Gestaltung diese Ergänzungen zu Outfits – oder besser ihre Vervollkomnungen – sowohl zeitgemäß als auch zeitlos sind und noch immer eine wichtige Rolle im Gesamtkontext spielen beziehungsweise spielen können.

Natürlich richtet sich die sehr gut besuchte Ausstellung nicht nur an Fashionistas und Modehistoriker, als künstlerisch herausragende Lebensleistung des umtriebigen und gefragten Modisten besetzt sie durchaus eine eigene Position im Modehandwerk. Originell, witzig, elaboriert, experimentell und handwerklich perfekt spiegelt sie die ganze Welt des Modedesigns der letzten 50 Jahre und ihre künstlerischen Ansprüche.

Stephen Jones ist, wie viele andere Modisten, eher nur Insidern bekannt, dabei ist sein Anteil an den großen Haute Couture Kollektionen als akzentuierendes Finish wesentlich. Pendelnd zwischen London und Paris hauchte er den Kreationen eine besondere Kreativität ein, „franglais“ wie die Franzosen zu solchen Prägungen sagen, und verstand das, was Franzosen als Definition der „Parisienne“ proklamieren, oft besser, als manche Couturiers: Der Hut war seit Ende des 18. Jahrhunderts die Quintessenz der Pariserin (als weltbestimmend entscheidende Vorstellung der modernen Frau) , er bestimmte die Silhouette der Erscheinung entscheidend und Stephen Jones hatte zentralen Anteil daran, was die Prägung seit den 80er Jahren des letzten Jahrhunderts betrifft.

Die Ausstellung konzentriert sich auf die engen Beziehungen des Künstlers zu Paris, französischer Kultur und Pariser Couture. Mit seiner Arbeit an Pariser Modehäusern nach seiner Ankunft dort veränderten sich seine Vorstellung von Mode und sein kreatives Vorgehen. Und besonders auch sein Bild der Pariser Frau chakterisierte sich neu.

Aus den betreffenden 45 Jahren seiner Schaffensgeschichte mit fantasisch und oft surreal anmutenden Beispielen (fast 400 Arbeiten, darunter mehr als 170 Hüte) führt das Palais Galleria vor, dass Hutmode nicht nur als Abschluß eines spezifischen Kollektionsentwurfes zu verstehen ist, sondern eine Kreativdimension beherbergt, die auch heutige Modeentwürfe sehr gut aufwerten könnte. Aber leider fehlen uns solche großartigen Modisten, weil diese Arbeit völlig zu Unrecht unterschätzt wird. Und der Hut sowieso.

Wir zeigen Ausstellungsbeispiele aus der Mitarbeit zu Kollektionen von Schiaparelli, Vuitton und Dior, sowie beispielhaft zwei der vielen Vitrinen.

Louis Vuitton

Christian Dior

Schiaparelli

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Peter Ashworth – Portrait de Stephen Jones, 1985

Stephen Jones, „chapeaux d‚artiste“

MUSEE DE LA MODE, Palais Galliera:

10, avenue Pierre 1er de Serbie, Paris, France 75116

bis 16.03.25

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Schon letzte Saison ging der Berliner Salon ins Museum und konfrontierte junge Mode mit kunstgeschichtlichen Meisterwerken. Diese Saison ist die Möglichkeit, dies in der Gemäldegalerie ausrichten zu dürfen, noch exquisiter und der Erwartungsdruck unter der kulturbeflissenen Klientel noch größer. Aber es funktioniert im Großen und Ganzen ziemlich gut, vor allem, wenn man erkannt hat, dass die Gegenüberstellungen nur lose optische oder ästhetische Korrespondenzen evozieren brauchen und man die kunstgeschichtliche Perspektive meist besser beiseite läßt. Mit den Arrangements wird dem Geschmack den Vortritt gelassen, man gönnt irgendwelchen Affinitäten in Form, Farbe, Bewegung oder Material ein vorübergehendes Intermezzo, manchmal ist den umsichtigen Kuratoren sogar ein inhaltlich origineller Kontext gelungen. Oft macht das Spass, es erfrischt die Kunst vorübergehend auch ein wenig, manches erscheint plötzlich gegenwärtiger als sonst, durchaus ohne Würdeverlust. Nicht immer allerdings haben die Designer selbst verstanden, warum sie gerade an dieser Stelle positioniert wurden, manchen war der kunstgeschichtliche Hintergrund aber hinreichend bekannt, denn sie haben ihre Entwürfe ohnehin schon entfernt aus solchen modegeschichtlichen Kenntnissen abgeleitet. In diesen wenigen Fällen ist die Rezeption natürlich ein besonderer Reiz. Es gibt andererseits auch amüsante Konstellationen, die sich die Kuratoren haben einfallen lassen (zum Beispiel bei Namilia) und die formalen Positionierungen (zum Beispiel bei Marlon Ferry) sind Möglichkeiten, sowohl die Malerei als auch die Modeexponate besonders zu akzentuieren.

Die Auswahl der gezeigten 55 deutschen Designer und Designerinnen – das geschah großenteils über Bewerbungen – ist diese Saison besonders focussiert auf jungen Nachwuchs, viele unbekannte Namen, die oft gerade ihr Examen hinter sich haben und hier ihre Prüfungsarbeiten vorstellen. Einige wenige bereits bekannte Labels sind, weit verstreut, trotzdem noch dabei, sei es weil sie den künstlerisch-fantasievollen Ansatz nicht aufgegeben haben, sei es, weil sie besonders exquisit ästhetische Kategorien verfolgen und damit auch zu der Gesamtqualität der Mode-Ausstellung noch Höhepunkte beisteuern.

Bis 24. Februar 2025 läuft das gemeinsame Ausstellungsexperiment vom  Fashion Council Germany (Leitung Christiane Arp) und der Gemäldegalerie für das breite Publikum und ein Besuch ist sehr zu empfehlen. Denn es rückt die Kunst in eine etwas unbeschwertere Sicht, ohne sie nennenswert zu beeinträchtigen und die Gestaltungsambitionen jungen Modedesigns in ein kulturell etwas ernsthafteres Bewußtsein, ohne zu aufgesetzt daher zu kommen.

Wir haben versucht, das Anliegen der Ausstellungsidee mit unseren Fotos der Modeexponate etwas mitzudenken und, soweit möglich, auch die Designer persönlich mit ins Bild zu nehmen. Auch das ein Experiment.

Adriane Lila Fecke:

Alan Hamiklo:

Alexander Gigl:

Alexandra Stein:

Alina Kalischer:

Anne Bernecker:

Anne Kaden:

Angelique Dins:

Autel:

David William:

Des Filles Désir:

Elodie Carstensen:

Fabia Meyer:

Fiona Bennet:

Frieda Kamphues:

Gerrit Jacob:

Henning Sadau:

Jing-Jie Huang:

Joah Kraus:

Karen Jessen:

Katharina Dubbick:

Lennart Bohle:

Leyla zu Stolberg:

Lilian Brade:

Luis Amslgruber:

Maatrev:

Maison Rose, Louis Renaud:

Marius Moninger:

Marie-Louise Müller:

Marlon Ferry:

Marvin Muelleck:

Fashion X-Craft:

Michelle Bohnes, Jasmin Wottke, Paula Dischinger:

Chantal Wehran:

H6 Collective:

Maira Gath:

Niclas Hasemann:

Namilia:

Nethanel Kantor:

Panos Gotsis:

Paulina Bongartz:

Plaid-A-Porter:

Selva Huygens:

Sezgin:

Silja Meise:

Sofia Hermens Fernandez:

Stefan Uhr:

Stricken3000:

Studio Ena:

Tati:

Timo Kurz:

Unvain:

Yannic Pretzlaff:

Yccij:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Vielleicht trügt der erste Eindruck, aber in den Kollektionen der Wettbewerber steckt dieses Jahr weniger Exentrik als sonst. Viele gedeckte Farben und häufige Anlehnung an alltägliche Kleidungserscheinungen, die nun neu aufbereitet werden, zeigen Perspektiven neuer Gestaltungsoptionen. Dass dabei die Verpflichtung, sich mit neuen Materialien oder mit Upcycling auseinandersetzen zu müssen, eine nicht unwesentliche Rolle spielt, ist einerseits selbstverständlich geworden.
Trotzdem muss man diese Herausforderung aber immer mitdenken, denn besondere Material- und Oberflächenwirkungen bieten völlig neue Ansätze. Beispielhaft arbeitet damit der Amerikaner Logan Monroe Goff: technische Elemente und stoffliche Innovationen transformiert er hin und her auch innerhalb einzelner Kleidungsstücke, klebt sie sogar auf den Körper, bis ein verrückter Anschauungsmix dabei herauskommt – dies alles zusätzlich inspiriert von der Ästhetik der Motorradkleidung. Er gewann damit den Nachhaltigkeitspreis von Mercedes-Benz.

Ähnlich verhält es sich mit dem Entwurfsprozess, der sehr oft via Computer erfolgt, was besonders bei dem Hauptgewinner des Wettbewerbes, Dolev Elron, zum gestalterischen Thema und Experiment geworden ist („Casual turbulence“). Die formale Verzerrung aus klassischen Bildverarbeitungsprorammen, hier „ein gutes altes Photoshop-Programm“, hat er genutzt, um Formen und Linien neu zu konzipieren und das dann auch mit klassischem Denim in ein überzeugendes Resultat umgesetzt. Aber auch Gurte zum Beispiel geraten damit spielerisch in eigene Bewegungen. Inwieweit dieser Ansatz nur für sich ein originelles Ergebnis hervorbringt oder ob damit grundlegende Gestaltungsbasics neu angelegt oder verstanden werden, bleibt soweit dahingestellt. Bisher hat die versuchte Verzerrung und Dekonstruktion bekannter Grundgestalten der Mode nur von der Irritation profitiert aber noch keinen neuen Kanon geschaffen – immerhin aber eine neue Freiheit. Elron gewann den Hauptpreis der Jury der Première Vision.

Der Belgier Romain Bichot gewann zwei Preise (der „Prix 19M des Métiers d‘Art“ und „Prix L‘Atelier des Matières“) mit seiner Kollektion Call me if you get lost, dank seiner Fähigkeit, ungewöhnliche Alltagsbeobachtungen, beziehungsweise Elemente daraus, zum Gestaltungsthema zu machen und damit optisch zu experimentieren, bis eine tragbare Kleidungsversion daraus wird oder ein Accessoire. Das betrifft auch das gewählte Material, das gezeigte Abendkleid besteht aus einer Autoabdeckungsfolie, viele Schlüsselanhänger werden zu einer Halskette oder die Idee einer Reifenhülle mutiert zu einer Tasche. Oder eine alte, pinkfarbene Matratze mit Federn besetzt, wird, um den Körper gewickelt, zum kleinen Cocktailkleid. Als fantasievolles und assoziatives Vorgehen ist das vielleicht nicht ganz neu, hier gelingt es aber, das Endprodukt daraus sehr stimmig und schlüssig zu vollenden, also ohne den gewohnten Basteleffekt, der sich normalerweise dann einstellt oder zumindestens mitschwingt. Seine Auskunft „am meisten mag ich den Aufbau und die technischen Aspekte“ verweist eben genau darauf, dass die Ernsthaftigkeit der Realisierung den entscheidenden Anteil für die Umsetzung einer schrägen Idee hat.

Die exentrisch leicht schillernden, mit detaillierter Handarbeit und sexy Gestalt daherkommenden Kollektionen, wie die von Fabian Kis-Juhasz oder July Mouly-Pommerol gingen dieses Mal leer aus. Das ist eigentlich schade, denn sie vertreten deutlich akzentuierter eine ästhetische Sicht, die sich aus der Haute Couture ableitet und damit so etwas wie den „guten Geschmack“ als Leitlinie repräsentiert. Der aber, so die allgemeine Wahrnehmung, mußte wohl dieses Jahr hinter die kreative Innovation zurücktreten, die sich eher aus dem Alltag speist und damit näher an Streetwear rückt als an High Class Mode. Für eine französische Veranstaltung ist das schon leicht ungewöhnlich.

Romain Bichot, Belgien, Call me if you get lost (Collection Unisexe)
Prix L’atelier des matières und Prix le19M des métiers d’art:

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Dolev Elron, Israel, Casual Turbulence (Collection Homme)
Grand prix du Jury Première Vision:

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Fabian Kis-Juhasz, Ungarn, Navel Gazing (Collection Femme):

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Logan Monroe Goff, USA, Asphalt Cowboy (Collection Homme)
Prix de la collection éco-responsable Mercedes Benz:

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Tal Maslavi, Israel, Sugar Rush (Collection Homme):

Mention speciale du jury:

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Lilian Navarro, Frankreich, Cargo Culte (Collection Femme):

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Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich, Last Tour (Collection Homme):

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Kenshiro Suzuki, Japan, Promenades Projekt (Collection Unisexe):

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Gaëlle Lang Halloo, Frankreich, Abseits (Collection Homme)
Prix du public de la ville d’Hyères:

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July Mouly-Pommerol, Frankreich, Métamorphose (Collection Femme)

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Zusatzpräsentation,

Igor Dieryck, Preisträger des Vorjahres:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Die vielen unterschiedlich konzipierten Ausstellungen sind das Wesentliche des Festivals Hyères, auch wenn die Wettbewerbe und die abschließende Catwalk-Schau imagemäßig den Ruf bestimmen. Die ausgesuchten Themen, Konzepte und Spezifika und das jeweilige Ausstellungsdesign sind sorgfältig pointiert und jeweils auch originell präsentiert.

In den letzten Jahren wurden allerdings schon einige Ausstellungsformate ausgespart, etwas weniger an der Zahl sind es jetzt und diverse Highlights findet man nicht mehr. Bis dahin gab es zum Beispiel Präsentationen aus den letzten Haute-Couture-Schauen der großen Marken wie Chanel, Chloé oder Swarowski, mit wenigen aber sehr edlen und aus der Nähe höchst beeindruckenden Exponaten, die nun entfallen sind. Auch die atemberaubenden Ausstellungen mit den Métiers d’Art, exquisie Handarbeit der Details für Haute Couture, gibt so nicht mehr. Und letztes Jahr gab es noch eine rasante, große Installation von De Vilmorin, kitschig und campy zwar, aber doch sehr beeindruckend inszeniert.

Dieses Jahr wird der besonders zentrale Ort in der Villa, der Indoor-Pool auf der oberen Etage, eher nüchtern von einer Präsentation des Labels Courrèges besetzt, mit einem kleinen, quasi geschichtlichen Abriß seiner geometrischen Designs (in Neuinterpretationen), die ab den 60er Jahren den futuristischen Touch in der Haute Couture wesentlich prägten und die Mode der 60er und frühen 70er mit symmetrischen Geometrien einflußreich mitbestimmten. Space Design war eines der kennzeichnenden Schlagworte. André Courrèges brachte innovative Technologien und neue Materialien in die Mode, er erfand die Gogo-Boots und auch seine Designerin Mary Quant ist aus den Londoner Swinging Sixties nicht wegzudenken. Wesentlich weiter entwickelt wurde das Konzept vom Label dann aber nicht mehr und tauchte nur noch in Revival-Kontexten wieder auf oder am Rande. Bezugnehmend auf den architektonischen Stil der Villa Noailles von Robert Mallet-Stevens hat der Art Direktor von Courrèges (und Jury-Vorsitzende) Nicolas Di Felice nun eine postmoderne Kollektion von sechzehn Designs, die Courrège-Kreation repräsentieren, vorgestellt, mit nur wenig innovativen Aspekten allerdings, und Szenograf Rémy Brière hat sie im Kreis aufgestellt und mit lautem Rhythmussound ergänzt.

Nicolas Di Felice: Géométrie d’une rencontre – Wenn Courrèges auf Noailles trifft

Achilles Ion Gabriel, Direktor von Camper, Camper Lab und eponymous (Sponsoren) und Präsident der Jury Accessoires, hat eine Art Darkroom inszeniert, also zu dunkel um zu fotografieren, mit raumhohen, dunklen Fotos von dreieckig arrangierten Zwei-Personenkonglomeraten, woraus sich ein riesiges, kaleidoskopartiges Gebilde ergibt, durch das man sich hindurchbewegen kann.

Achilles Ion Gabriel: Title of the Show.

Le19M präsentiert Exponate verschiedener Designer in einem weiteren Ausstellungsraum, jeweils Preisträger der vergangenen Jahre,  darunter Gabrielle Huguenot und Igor Dieryck. Es sind handwerklich elaborierte Werke, die in Zusammenarbeit mit Lesage (le19M) in den letzten Jahren realisiert wurden.

Gabrielle Huguenot: La femme serpent (ein Fuß im Grab, der andere ausrutschend):

Gabrielle Huguenot: Chaos en fleurs (11 Schmuckclippaare, 2024)

Christoph Rumpf: Celibacy (Jacke, Hemd und Hose Kollektion, 2020)

Igor Dieryck: Ad Fundum (2024)

Rukpong Raimaturapong: Light Life, (Hemdenkollektion 2021)

Annelie Schubert: Twinset (Mantelkollektion 2016)

Erwähnenswert ist noch die Außeninstallation von Remi Calmont und Gabriel Figueiredo (De Pino), die dieses Jahr bei einem Stipendium des art center aus Watte entstand. Eine witzige und sehr dekorative Interpretation der grandiosen Aussicht von der Villa Noailles auf die Stadt Hyères und das Mittelmeer.

Rémi Calmont und De Pino: Amuse-Bouche (Sommer 2024)

Die Kunstpräsentationen in den Gängen konnten wir leider nicht eindeutig einem Künstler zuordnen, vermutlich stehen sie im Zusammenhang mit dem Atelier des Matières:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival an der Côte d’Azur ist die Pilgerstätte des Nachwuchdesigns für Mode, hier treffen die Profis, Designschüler,  Absolventen und neugieriges Publikum aufeinander, schließen Kontakte, fachsimpeln und genießen das gemeinsame Interesse in lockeren oder konstruktiven Gesprächen. Hier werden die aktuellen Trends sichtbar und Weichen gestellt.

Das Prinzip des Festivals ist wie jedes Jahr und wie schon oft hier beschrieben, aber es wird zunehmend komplexer: Mehr Sponsoren, 50 dieses Jahr, mehr ausgelobte Preise, dabei allerdings nicht mehr Publikum. In den nächsten Jahren soll das Renomme noch weiter gesteigert werden, obwohl die Veranstaltung ohnehin schon zu den besten gehört, die im Jahr an der Côte d’Azur stattfinden. Es wird nach wie vor von seinem charismatischen Gründer Jean-Pierre Blanc geleitet und ist seit langem die Quelle des Nachwuchses der französischen Modehäuser, deren großzügiges Sponsoring (besonders Chanel und le19M) sich damit bezahlt machen dürfte. Das gilt ebenso für die ausgelobten Preise von Hermès zum Beispiel oder von L’Atelier des Matières und natürlich ist auch La Fédération de la Haute Couture et de la Mode dabei, die dafür sorgt, dass der Gewinner des Hauptpreises eine kostenlose Schau auf der Pariser Fashionweek bekommt. Mit allen ausgeschriebenen Preisen (besonders deren Support-Anteil, siehe unten) haben die Gewinner die allerbesten Startchancen im Business, die man sich denken kann und selbst wer ohne Preis nach Hause fährt, hat wichtige Geschäftskontakte in der Tasche. Die Teilnahme und ein Platz unter den 10 Laureats allein ist schon die erste Stufe auf der sicheren Karriereleiter – wenn man was daraus macht.

Das Festival bietet neben den Mode- (und Foto-) Wettbewerben ein reiches Kulturprogramm mit Ausstellungen, Performances, künstlerische Installationen, Showrooms, Workshops, Lesungen, Konzerten und vielem mehr. In der integrierten Boutique kann man nebst Büchern viele originelle Designobjekte kaufen und auch Kollektionsteile vergangener Wettbewerber.

Zeit und Ort der Veranstaltung sind nach wie vor ideal, im sonnig-warmen Spätsommer und außerhalb der Modewochen gelegen, in der großzügigen Villa Noailles in Hyères les Palmiers, einem sehr gepflegten und grünen, großenteils herrschaftlichem Ort. Die vielen Touristen befinden sich angenehmerweise eher im südlichen, etwas abgetrennten Teil der Stadt, also an der Küste, aber jetzt im Oktober sind das ohnehin nicht mehr so viele und das mediterrane Ambiente entfaltet sich vorwiegend mit seinen Bewohnern im Zentrum auf das angehmste. Der „Einbruch“ des Modepublikums in diesen drei Tagen wirkt mitnichten dominant sondern eher ästhetisch bereichernd und verjüngend.

Impressionen Hyères Oktober 2024

Villa Noailles

Aus der Boutique:

Ateliers, Workshops (hier: Murmuration von le19M, Aristide x Lesage):

Lesung, Debatte (vor und im separaten Zelt):

Mit zunehmender Zahl Sponsoren werden auch mehr spezifische Preise, Kooperationsprojekte oder Materialstiftungen ausgelobt, das sind in diesem Jahr nicht wenige:

Für Mode
1. GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION
– ein Gründungsstipendium in Höhe von 20.000 Euro von Première Vision,
– ein Zuschuss von 20.000 Euro von CHANEL, für ein Gemeinschaftsprojekt mit einem oder mehreren ansässigen Kunsthäusern von 19M, die während der 40. Ausgabe des Festivals im Jahr 2025 ausgestellt werden,
– engagierte Unterstützung durch die L’Alliance du Lin et du Chanvre Européens mit insbesondere einer Materialzuteilung in europäischem Leinen für eine oder mehrere Silhouetten,
– ICICLE lädt den Gewinner zur Schaffung einer Capsule Kollektion ein,
– Madame Figaro, Medienpartnerin, wird für Sichtbarkeit und ein Editorial sorgen.
– Sterling International wird dem Gewinner Mentoring von einem Jahr anbieten, um ihn bei seinem beruflichen Projekt zu unterstützen.
2: PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART
ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro für die Realisierung eines neuen Projekts, das nächstes Jahr gezeigt wird. Beteiligt sind elf Kunsthäuser und die Galerie des 19M mit der Förderung der künstlerischen Berufe Mode und Dekoration.
3: PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES
Materialzuwendung (matières endormies und recycled) im Wert von 10 000 Euros.
4: PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ
Stipendium in unbekannter Höhe
5: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
– Supima Design Lab Paris, offizieller Partner des Hyères Festivals, unterstützt die Finalisten des Modewettbewerbs mit SUPIMA-Gewebe. Finalisten, die Supima-Gewebe verwenden, schaut sich das Supima Design Lab in Paris an.
– Puntoseta bietet den Gewinnern die Herstellung eines Stoffes an.
– Premiere Classe als Gastgeber während der Paris Fashion Week, bietet dort einen Ort für eine Ausstellung im März, außerdem eine Marketingfläche im Oktober und  spezifisches Mentoring für Geschäftsentwicklung.
– Die Werkstatt Aymeric Le Deun, Knopfspezialist und für mit Stoff und Leder bezogene Modeaccessoires, unterstützt mit Herstellung von Knöpfen für ihre Kollektionen.
– CatwalkPictures.com bietet kostenlos Fotos anläßlich ihrer ersten Modenschau in Paris.
– Sterling International bietet Coaching vor dem Festival mit personalisierter Nachbereitung in den Monaten danach.

Für Accessoires
1: GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES
eine Projekts in Zusammenarbeit mit den Métiers d’art, im Rahmen von 20.000 Euro. Die neue Kollektion wird anlässlich des 40. Hyères Festivals im Jahr 2025in der Villa Noailles ausgestellt.
2: PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE
In diesem Jahr wird ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro vergeben für die Kreation eines Accessoires aus Leder, Schmuck oder ein Gürtel (matières dormantes).
3: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“. Camper lädt den Gewinner auf seinen Hauptsitz auf Mallorca ein.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
ADC – Au-Delà du Cuir: Jeder Kandidat wird die Möglichkeit haben sein Projekt während einer Coaching-Sitzung mit dem Inkubator und einigen Preisträgern/ADCs zu thematisieren. Alle nehmen am Laureate/ADC-Programm teil und haben die Möglichkeit, ihre Kreationen im ADC Showroom auszustellen.

Abgesehen von Ruhm und Ehre und eventuell Geld sind alle Preise auf Hilfestellung für den Start in eine professionelle Karriere ausgerichtet, dabei gelten besonders die Capsule-Projekte für die großen Häuser als begehrenswert sowie die Teilnahme an der folgenden Fashionweek Paris. Viele ehemalige Preisträger beurteilen die Preisrealisierungen zwar recht unterschiedlich aber nicht wenige von ihnen haben damit den erfolgreichen Einstieg in die große Modemaschinerie Frankreich geschafft. Umgekehrt sichert sich die französische Modeindustrie professionell und zugleich inovativ gestaltende Jungdesigner als konkreten Nachwuchs aus aller Welt – auf dem Festival quasi à la carte.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon ist bekanntlich immer hervorragend kuratiert, seine Berg- und Talfahrten ergeben sich stets aus den Orten, wo er zu Gast war. Diese Saison findet er im Bode-Museum statt und der besondere Vorteil liegt, abgesehen von der Location mit klassischer Kulturprägung, darin, dass er ein paar Tage für öffentliches Publikum geöffnet bleibt (bis 7.7.).

Mit dieser Kooperation stellt sich einerseits die Modeveranstaltung der Fashionweek in einen kulturhistorischen Kontext und andererseits bietet sich dem Museum Gelegenheit, seine für manchen jungen Menschen eher trockene, lebensferne Kunstgeschichtsausstellung aus frischer Perspektive wahrzunehmen. Das Museum ist ohnehin stets aktiv bemüht, mit ungewöhnlichen, vorübergehenden, thematisch geprägten Ergänzungen zu seiner ständigen Sammlung neue Aufmerksamkeit und geistige Bewegung zu initiieren, neben den vielen Programmen (Konzerte, Talks etc.), die es sonst noch bietet, und zeigt sich dabei nicht selten mutig und risikobereit. Insofern sind die Kuratorinnen des Museums geübt in solcher Art interaktiver Korrespondenz und sie waren sicher sehr wichtige Partnerinnen der Modepräsentation inmitten mittelalterlicher, gotischer und byzantinischer Kunstwerke von erlesener Qualität. Dabei spielte der Schwerpunkt des Museums, nämlich die Skulptur, nicht einmal die entscheidende Rolle. Fast eine ganze Etage seiner Räumlichkeiten standen dem Experiment zur Verfügung und die Eröffnung war entsprechend feierlich angelegt.

Inwieweit das Experiment allerdings inhaltlich als ein Erfolg zu verbuchen ist, bleibt dahin gestellt. Angefangen mit der etwas enttäuschten Erwartung, dass sinnstiftende Korrespondenzen zwischen den historischen und den aktuellen Exponaten vor Augen treten und der Vermutung, dass die angewandte Kunst des Modedesigns im Kontext eine Veredelung erfahren könnte. Man hat aber fast den Eindruck, dass Kunstgeschichte und Mode höchstens auf ihrer Oberfläche zusammen kommen können, und dass mehr vielleicht auch nicht wirklich gewollt ist. Mit kritischem Tiefgang wird es an diversen Stellen eher brisant.

Vielleicht ist das Klagen auf hohem Niveau, fairer ist es wohl, die Kraftentfaltung der zeitgenössischen Kreationen zu würdigen, die im Kontrast ihren eigenen Zeitgeist herausstellen müssen. Und dank der kenntnisreichen und qualitätsbewußten Kuratierung ist das auch vorwiegend überzeugend gelungen. Doch auch dabei ist der konzeptuelle Ansatz schon ein anderer als zuvor. Von den bekannten Berliner Modemachern bestimmen nur noch einige das modische Panorama, viele unbekannte Namen sind vertreten, darunter auch besonders talentierte und perfektionistische Modestudenten. Damit geht der Berliner Salon noch einen Schritt nach vorn, sowohl die Nachwuchsförderung als auch die Erkundung des avantgardistischen Zeitgeistes betreffend.

Die Designer zeigten sich zumeist geehrt und oftmals auch besser verstanden mit ihrer künstlerischen Ambition der Arbeit. Manche, wie zum Beispiel Karen Jessen, agieren ohnehin grenzgängerisch zur Bildenden Kunst, sind auf der Positions vertreten oder noch gar nicht auf einen kommerziellen Geist des Tuns  gerichtet. Das ist vorteilhaft für optisch-ästhetische Ansprüche, die sich gerade in Berlin über das Selbstverständnis der Nachhaltigkeit erheben müssen, was manchen Designern noch immer schwer fällt. Auch in dieser Hinsicht ist der Ausstellungskontext „Kunstmuseum“ eine gute und richtige Herausforderung.

Es soll nicht verschwiegen werden, dass das Museum auf dem Gebiet schon einiges zu bieten hat. „Originale Kleidungsstücke, Schuhwerk und Accessoires sowie kunstvolle Buntwirkereien von höchster handwerklicher Qualität befinden sich etwa im Bestand des Museums für Byzantinische Kunst, das mit etwa 2.000 Stücken die größte Sammlung originaler Textilien aus dem nachpharaonischen Ägypten in Deutschland besitzt. Passend zur Fashion Week wird die Textilvitrine in Raum 113 mit repräsentativen Beispielen spätantiker Kleidung neu bestückt.“ (Eigenwerbung auf der Webseite.) Und natürlich spielen auch bei Gemälden und Skulpturen Kleidung und Modeerscheinungen schon immer eine wichtige Rolle. Allerdings erschließen sich solche nahegelegten Verbindungslinien nur sehr selten von selbst und wenn, dann eher oberflächlich oder nur mit großer Aufmerksamkeit und Mühe erkennbar.

Unterm Strich bleibt der Eindruck, dass zwar zusammengebracht ist, was einer tradierten Kulturidee folgt und vor allem, dass der Berliner Salon wieder einen stilvollen Ort für sich gefunden hat. Der Gedanke, dass das Eine mit dem Anderen dann doch nicht mithalten kann, bleibt aber auch – selbst wenn der stille Blick auf unsere Bilder noch den einen oder anderen Aha-Effekt hervorruft, der einem in der Ausstellung selbst erst einmal entgangen ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Handwerkskünste, die die Haute Couture massgeblich prägen, sind in der aktuellen Schau des Berliner Salons deutlich ins Zentrum gerückt. Das führt zwangsläufig zu aussergewöhnlicher Faszination der Details, die gestaltungsprägend neue Ideen bestimmen und sogar zu sehr ungewöhnlichen Wirkungen.

Dabei ist die handwerkliche Vorgehensweise gar nicht sehr von Traditionen bestimmt und von der Perfektionierung bekannter Verfahren, sondern von innovativem und experimentellem Vorgehen, dem eine große Sorgfalt und Detailverliebtheit gewidmet wird, die, nach all den langen Jahren der Lässigkeit beim Nachwuchsdesign, doch überrascht. Augustin Teboul beziehungsweise Lou de Bèrtoly (dieses Mal nicht vertreten) betreiben dieses Verfahren zwar schon lange (und wurden genau dafür geliebt), aber jetzt erst wird die fummlige, geduldige und kreative Handwerksarbeit zu einem sichtbaren Trend.

Der große Vorteil des Berliner Salons, neben der schönen Übersicht, ist, dass man näher herantreten kann, betrachten, verweilen und irgendwie sich auch hie und da ein wenig verlieben. Und es gibt natürlich ganz unterschiedliche Ausgangspunkte der Detailverliebtheit. Bei Namilia ist es sicherlich der Arbeitsprozess, bei dem die Kreativität nie ausgeblendet wird – beim Aufbringen der Stachelnieten kommt dann die Idee, einige durch kleine Penisse zu ersetzen und das macht man dann auch. So setzt sich die Philosophie des Ganzen fort bis ins Detail und gewinnt ausserdem noch einen zusätzlichen Touch Humor:

Bei Haram hingegegen löst die verrückte Idee, einen Turnschuh in eine Corsage zu verwandeln, die anschließende Notwendigkeit aus, die detaillierte Konstruktion des Turnschuhs mit den angrenzenden Teilen weiter zu führen:

Überhaupt ist die Detailverliebtheit beim Turnschuhdesign verführerisch, sie im Großen weiter zu führen, indem man eben die Details neu zusammensetzt wie bei PLNGNS:

Aber bei Chelsea Jean Lamm werden die Detailkonstruktionen um ihrer selbst betrieben und zeitigen dann als komplexer Zusammenhang total innovative Vorgehensweisen im geduldigen und präzisen Handwerk:

Kitschy Couture:

Bei Haderlump gibt es auch interessante Strukturen in der Oberfläche, hier mit Zufallsfaktor:

Der analytische Aspekt der Dekonstruktion für eine interessante Neukonstruktion wird am Kleid von Milk of Lime auch zur visuellen Demonstration veranschaulicht, indem der plane Stoff in Streifen aufgelöst wird, die dann zu einem neuen Gewebe verflochten werden:

Die Zusammensetzung von Stoffflächen beziehungsweise -formen findet sich vielfach auch im Großen, ohne dabei an „Patchwork“ zu erinnern. Was vorher oft durch Schichtungen erzielt wurde, ist jetzt zum homogenen Teil verbunden. Mit dem Stoffrecycling sind das alles sehr erfrischende und kreative Verarbeitungs- und Anschauungslösungen, die letztlich auch demonstrieren, dass „Ökomode“ durchaus coole und pfiffige Erscheinungsbilder hervorbringt. In dieser Saison entschiedener und überzeugender als je zuvor und mit circa 25 Teilnehmern aus Berlin (von ca. 40) kann davon ausgegangen werden, dass Berlin als Modestadt mit eigenen Perspektiven den Gesamtbetrieb jetzt wirklich beeinflusst. Der Berliner Salon will diesen Aspekt deutlich abbilden und das gelingt ihm wie immer auf sehr informative und unterhaltsame Weise.

INTERNATIONAL CITIZEN:

ELHO:

MARKE:

SUISUEE:

T/SEHNE:

LION BUSCH:

HADERLUMP:

TABITA KARAOGLAN:

NAMILIA:

LAURA GERTE:

PLNGNS:

UNVAIN STUDIOS:

GINA MELOSI:

UNCOMMON MATTERS:

THE OTHER GODS:

KAREN JESSEN:

CÉCILE – FEILCHENFELDT – KNITWEARSTUDIO PARIS:

LACUEOR:

ODASSEY:

CHELSEA JEAN LAMM:

AVENIR:

HAP CERAMICS:

CHOUCROUTE:

STUDIO VADIM BATZ:

SOCIÉTÉ ANGELIQUE:

FELINE SASSE:

LANUK STUDIOS:

LUISE ZÜCKER:

ASSEMBLED HALF:

ADRIANE LILA FECKE:

STUDIO MILENA KLING:

ANNE BERNECKER:

LEINZ CONTEMPORARY EYEWEAR BERLIN:

CHRISTIAN METZNER BRANDENBURG:

MILK OF LIME:

KITSCHY COUTURE:

ZAMT BERLIN:

RAER SCENTS:

MAIRA GATH + PAULA DISCHINGER:

JASMIN WOTTKE + NICLAS HASEMANN:

MICHELLE BOHNES:

CHANTAL WEHRAN:

SOFIA HERMENS FERNANDEZ + RONJA BECKMANN:

CHELSEA JEAN LAMM + NANYI LI:

TATJANA HAUPT:

NARI HAASE:

FASHION X CRAFT X TENCEL:

UGG CULTURE CHANGEMAKER PRIZE:

HARAM:

SIRI MAJAROEN:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth *

Man sieht das nicht auf den ersten Blick, aber das diesjährige Festival läutet wohl eine Wende der Generationen ein. Jetzt trifft man auf die Jungdesigner, die in den Anfängen der sozialen Medien geboren wurden, die Gesprächsleitung der Jury war genauso jung und quasi aus dem eigenem Kreis – genauso spontan und manchmal chaotisch sollen die Gespräche gewesen sein. Modegeschichte und ihre Größen waren auf diesem Festival nicht mehr zu sehen und die Grundlagen des Modeverständnisses im Sinne der Nachhaltigkeit mischten das ideelle Gefüge insgesamt neu auf.

Doch die bewährte Organisationsstruktur war gleich und dazu gehört, dass die zehn Kandidaten für die Mode-Preise zwischen den beiden Modeschauen am Freitag und am Samstag für ein paar Stunden ihre Sachen aus der Nähe in einem recht engen Pop-Up-Show-Room (Zelt) der Öffentlichkeit und der Presse vorführen. Das Interesse ist groß und das Gedränge dicht und so wird es schwierig, Fotos zu machen oder gar Gespräche mit den Designern zu führen, obwohl genau das der Sinn der Veranstaltung ist. Andererseits ist die Stimmung blendend, die Tuchfühlung sympathisch und alle Designer sind nicht nur froh, dabei sein zu dürfen, sondern auch optimistisch. Sie alle befinden sich an einem Punkt nach der Ausbildung und vor der Karriere, immer aufgeschlossen und auskunftsbereit, einerseits stolz und selbstbewußt, andererseits gelegentlich etwas befangen: kenntnisreich und interessant aber noch nicht abgeklärt professionell.

Die modischen Ansätze sind wie gewohnt sehr verschieden und nicht selten ist es überraschend, aus welcher Ausgangsidee die Teile entstanden sind. So erfährt man zum Beispiel, dass Igor Dieryks Kollektion der Glamour der Grand-Hotel-Ära zugrunde liegt, wobei er die Regeln und Symbolik von Uniformen untersucht und wie diese die Beziehung des Trägers zur Welt verändern, die zwischenmenschliche Distanz, und von „Ebenen von Bedeutung“. Ausgangspunkt sind reale Erfahrungen, denn Dieryck arbeitete jahrelang an der Rezeption eines Hotels, während er gleichzeitig sein Modestudium an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen abschloss. Die Ergebnisse sah man allerdings nur auf der Stange und der Schau am nächsten Tag: Eine Glocke aus einer korsettierten rosa Pagenjacke wurde geöffnet, um eine Hose mit extrem hoher Taille freizulegen, eine surreale „Platten“-Tasche wurde mit einem langen weißen Handschuh verbunden und ein von Streetwear inspirierter, chartreusegrüner Parka wurde neu geformt. Die entstandenen Stufen sind mit Schleifen zierlich zusammengebunden und an der Kapuze, den Schultern und den Ärmeln mit Pailletten im Farbverlauf als Glamourspur übersät.

Vergleichbare Beispiele wie dieses können fast alle Kandidaten erzählen und praktisch würde man viele Stunden und Ruhe und Freiraum brauchen, um alle spannenden Geschichten hinter den Kreationen zu erkunden. Diese Geschichten und ihre anschließenden Experimente bewegen sich in dem Abschnitt zwischen Ausbildung und Berufsengagement und die Ergebnisse, die wir hier sehen, reflektieren noch diesen wunderbaren künstlerischen Freiraum, der mit den erlernten Kompetenzen bestens genutzt wird.

Natürlich wird auch eine Gestaltungsorientierung vorgeführt, die vielversprechend ist, im handwerklichen Sinne, im Gespür für Wirkungen und im Umgang mit Materialien. Und im zeitgeistigen Ausdruck. Darum sind sie hier, dafür werden die Preise ausgelobt, das sucht die Industrie zu vereinnahmen.
Wir fragten Jenny Hytönen, Gewinnerin im letzten Jahr und nun mit ihren seitdem entstandenen Arbeiten in Kooperation mit großen Häusern zu sehen, wie das Jahr der Unterstützung für sie lief. Sie erzählte von einer gewissen Naivität am Anfang und der völlig neuen Arbeitskonstellation danach, vom Erlernen des Profitums, vom Gefühl eines gewissen, sehr schnellen „Erwachsenwerdens“ und einer neuen Vorstellung von der Offenheit, die vor ihr liegt. Allerdings erklärte sie auch, und das belegen die Arbeiten, erst mal so weitermachen zu wollen wie bislang. Das gibt jedenfalls zu denken.

Klar ist: dieses kreative Übergangsstadium ist wohl das faszinierendste.

Igor Dieryck (Belgien): Yessir, Unisex Kollektion:

*Grand Prix du Jury Première Vision
*Prix le19M des Métiers d’Art (Lemarié)
*Prix du public  – Ville de Hyères

Petra Fagerstrom (Schweden): Lesage:

*Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz
*Prix Atelier des matières

Tiago Bessa (Portugal): Damen Kollektion:

Bo Kwon Min (Südkorea): Damenkollektion:

Norman Mabire-Larguier (Frankreich): Herrenkollektion

Jung-Eun Lee (Südkorea): You Wear the Most Beautiful Animal in the World, Herrenkollektion:

Leevi Ikäheimo (Finnland): Herrenkollektion:

Fengyuan Dai (Frankreich): Unisexkollektion:

Alec Bizby (Großbritannien): Herrenkollektion:

Marc Sanz Pey (Spanien): Herrenkollektion:

Jenny Hytönen (Finnland):

*Grand Prix du Jury Première Vision +*Prix du public – Ville de Hyères 2022

• Die beiden oberen Fotos zu Petra Fagerström sind Werbebilder (Postkarten) von der Villa Noailles.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Der Wettbewerb der Designer im Bereich Accessoires war dieses Mal in anderer Konstellation präsentiert, nicht so klar geordnet wie 2022. Die Entwürfe für den großen Preis der Jury, Accessories und den Preis von Hermès wurden vermischt und darum dokumentieren wir die Beiträge auch so in eins. Ungünstig ist das aber deswegen, weil man schon auf Anhieb sieht, dass dann bei jedem Designer die gestalterische Ausrichtung für die beiden Preise doch ganz verschieden ist und jeweils die rote Linie im Konzept oft schwer nachvollziehbar erscheint.

Wie immer sind die Exponate vorwiegend von handwerklicher Intensität und zugleich originellem Konzept geprägt, wobei manchmal das eine das andere bedingt. Besonders herausstechend sind die Entwürfe von Gabrielle Huguenot, Schweiz, die dann auch den Grand Prix de la Jury erhalten hat. Verspielt und widerspenstig zugleich, offensiv im Erscheinungsbild, hochglänzend, kontraststark und komplex im Ausspinnen der Ideen faszinierten die Stücke das Publikum am nachdrücklichsten. Den Publikumspreis bekam allerdings der Franzose Victor Salinier, der besonders durch seine klare, aber formal exentrische Gestaltung besticht. An ihn ging auch der Prix Hermès und zugegebenermassen ist die Idee mit den Pferdesteigbügeln für die Marke schon sehr treffend und verrückt.

Aber auch das totale Gegenteil zu den krachenden Entwürfen von Hugenot war vertreten, die geradezu winzigen Schmuckstücke des Duos Jovien Panné & Marcel Mariotte (ThreadSetting) erfordern nahes Herantreten, um die Kostbarkeit detaillierter Herstellung und Ideen zu erfassen – fast wie unter dem Mikroskop gefertigt. Ähnlich filigran sind die Schmuckstücke bei Thomas Manil (Frankreich) und auch bei ihm ist der Entwurf für Hermès stilistisch ganz anders angelegt.

Christiane Schwambach aus Deutschland entwickelt Handtaschen aus vorgefundenen Materialien und baut die Teile dann so überbordend aus, dass die ursprüngliche Funktion optisch kaum noch erkennbar ist. Das Verspielt-Kreative der endgültigen Gestalt erlaubt sich große Freiheit ohne inhomogen zu werden und wer mit solch einem Stück unterwegs ist, wird von diesem Image auch positiv geprägt sein. Dem gegenüber steht die Schlichtheit ihres Entwurfes für Hermès, hier ist allerdings die originelle Verpackung dafür überzeugender als das Objekt Haarspange.

Handtaschen, die ein geradezu barockes Eigenleben dank der Materialien und ihrer Verarbeitungsweise erreichen, gibt es bei mehreren Wettbewerbern, zum Beispiel bei Lisa Kwoczek (Deutschland) und Mathilde Hiron (Frankreich).

Was Yeonghyeon Kim aus Südkorea aus Leder entwickelt, ist sehr skulptoral angelegt und verläßt die pragmatische Ebene des Alltags konsequent. Realistisch (wenn auch vielleicht nicht praktisch) dagegen ist ihr sehr feiner Entwurf für Hermès, ein sehr eleganter, grafischer Unterarmschmuck über Handschuhe gelegt. Mit Handschuhen für Hermès bewirbt sich auch Xin-Yu Weng aus Taiwan, auch dabei ist eine zweite grafisch angelegte Schicht über Handschuhe gelegt, allerdings als freies Liniengebilde und monochrom. Ihre aus vorgefundenen Schuhen entwickelten neuen Schuhgebilde sprechen ebenfalls eine andere Gestaltungssprache und folgen eher spontanem Witz und überraschenden Ideen.

Surrealistisch und traumhaft ist der halbtransparente Gesichtsschmuck von Ruby Mellish (England), sogenannte Augen Accessoires. Die Augen verselbständigen sich ganz eigenwillig wie unter Drogen wahrgenommen zu eigenartiger Geistererscheinung – Schmuck, der bewußt sich aus banalem Alltag erhebt und ins Traumland führt. Ihre Kappe für Hermès reduziert dieses Anliegen auf eine ornamentale Bestickung und überzeugt als stilistische Ungewöhnlichkeit weniger.

Wie für dies ganze Festival grundlegend, erfährt man von den anwesenden Designern stets den nachhaltigen Anspruch der Arbeit auf die eine oder andere Weise und auch hier ist man eher erfreut, wenn das nicht ausschließlich die Gestaltungserscheinung prägt, sondern eine Selbstverständlichkeit für innovatives Design geworden ist und Kreativität und Schönheit keineswegs begrenzt.

Gabrielle Huguenot, Schweiz: Artificial Flowers Need Water, Still. Schmuck, Schuhe und Taschen:

Gabrielle Hugenot für Prix Hermès:

Victor Salinier, Frankreich: Katie. Taschen:

Victor Salinier für Prix Hermès:

Jovien Panné & Marcel Mariotte, Frankreich-Spanien: ThreadSetting. Schmuck:

Jovien Panné & Marcel Mariotte für Prix Hermès:

Thomas Manil, Frankreich: Meta.H2O. Schmuck:

Thomas Manil für Prix Hermès:

Christiane Schwambach, Deutschland: Fragment. Taschen:

Christiane Schwambach für Prix Hermès:

Lisa Kwoczek, Deutschland: Rua Do Ferrel. Taschen:

Lisa Kwoczek für Prix Hermès:

Mathilde Hiron, Frankreich: Gems. Taschen:

Mathilde Hiron für Prix Hermès:

Yeonghyeon Kim, Südkorea: Delusion. Handschuhe, Masken:

Yeonghyeon Kim für Prix Hermès:

Xin-Yu Weng, Taiwan: Second Life. Schuhe:

Xin-Yu Weng für Prix Hermès:

Ruby Mellish, England: Contemporary Self-Portraiture. Augen Accessoires:

Ruby Mellish für Prix Hermès:

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