Text & Bilder: Gerhard Paproth

Vielleicht trügt der erste Eindruck, aber in den Kollektionen der Wettbewerber steckt dieses Jahr weniger Exentrik als sonst. Viele gedeckte Farben und häufige Anlehnung an alltägliche Kleidungserscheinungen, die nun neu aufbereitet werden, zeigen Perspektiven neuer Gestaltungsoptionen. Dass dabei die Verpflichtung, sich mit neuen Materialien oder mit Upcycling auseinandersetzen zu müssen, eine nicht unwesentliche Rolle spielt, ist einerseits selbstverständlich geworden.
Trotzdem muss man diese Herausforderung aber immer mitdenken, denn besondere Material- und Oberflächenwirkungen bieten völlig neue Ansätze. Beispielhaft arbeitet damit der Amerikaner Logan Monroe Goff: technische Elemente und stoffliche Innovationen transformiert er hin und her auch innerhalb einzelner Kleidungsstücke, klebt sie sogar auf den Körper, bis ein verrückter Anschauungsmix dabei herauskommt – dies alles zusätzlich inspiriert von der Ästhetik der Motorradkleidung. Er gewann damit den Nachhaltigkeitspreis von Mercedes-Benz.

Ähnlich verhält es sich mit dem Entwurfsprozess, der sehr oft via Computer erfolgt, was besonders bei dem Hauptgewinner des Wettbewerbes, Dolev Elron, zum gestalterischen Thema und Experiment geworden ist („Casual turbulence“). Die formale Verzerrung aus klassischen Bildverarbeitungsprorammen, hier „ein gutes altes Photoshop-Programm“, hat er genutzt, um Formen und Linien neu zu konzipieren und das dann auch mit klassischem Denim in ein überzeugendes Resultat umgesetzt. Aber auch Gurte zum Beispiel geraten damit spielerisch in eigene Bewegungen. Inwieweit dieser Ansatz nur für sich ein originelles Ergebnis hervorbringt oder ob damit grundlegende Gestaltungsbasics neu angelegt oder verstanden werden, bleibt soweit dahingestellt. Bisher hat die versuchte Verzerrung und Dekonstruktion bekannter Grundgestalten der Mode nur von der Irritation profitiert aber noch keinen neuen Kanon geschaffen – immerhin aber eine neue Freiheit. Elron gewann den Hauptpreis der Jury der Première Vision.

Der Belgier Romain Bichot gewann zwei Preise (der „Prix 19M des Métiers d‘Art“ und „Prix L‘Atelier des Matières“) mit seiner Kollektion Call me if you get lost, dank seiner Fähigkeit, ungewöhnliche Alltagsbeobachtungen, beziehungsweise Elemente daraus, zum Gestaltungsthema zu machen und damit optisch zu experimentieren, bis eine tragbare Kleidungsversion daraus wird oder ein Accessoire. Das betrifft auch das gewählte Material, das gezeigte Abendkleid besteht aus einer Autoabdeckungsfolie, viele Schlüsselanhänger werden zu einer Halskette oder die Idee einer Reifenhülle mutiert zu einer Tasche. Oder eine alte, pinkfarbene Matratze mit Federn besetzt, wird, um den Körper gewickelt, zum kleinen Cocktailkleid. Als fantasievolles und assoziatives Vorgehen ist das vielleicht nicht ganz neu, hier gelingt es aber, das Endprodukt daraus sehr stimmig und schlüssig zu vollenden, also ohne den gewohnten Basteleffekt, der sich normalerweise dann einstellt oder zumindestens mitschwingt. Seine Auskunft „am meisten mag ich den Aufbau und die technischen Aspekte“ verweist eben genau darauf, dass die Ernsthaftigkeit der Realisierung den entscheidenden Anteil für die Umsetzung einer schrägen Idee hat.

Die exentrisch leicht schillernden, mit detaillierter Handarbeit und sexy Gestalt daherkommenden Kollektionen, wie die von Fabian Kis-Juhasz oder July Mouly-Pommerol gingen dieses Mal leer aus. Das ist eigentlich schade, denn sie vertreten deutlich akzentuierter eine ästhetische Sicht, die sich aus der Haute Couture ableitet und damit so etwas wie den „guten Geschmack“ als Leitlinie repräsentiert. Der aber, so die allgemeine Wahrnehmung, mußte wohl dieses Jahr hinter die kreative Innovation zurücktreten, die sich eher aus dem Alltag speist und damit näher an Streetwear rückt als an High Class Mode. Für eine französische Veranstaltung ist das schon leicht ungewöhnlich.

Romain Bichot, Belgien, Call me if you get lost (Collection Unisexe)
Prix L’atelier des matières und Prix le19M des métiers d’art:

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Dolev Elron, Israel, Casual Turbulence (Collection Homme)
Grand prix du Jury Première Vision:

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Fabian Kis-Juhasz, Ungarn, Navel Gazing (Collection Femme):

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Logan Monroe Goff, USA, Asphalt Cowboy (Collection Homme)
Prix de la collection éco-responsable Mercedes Benz:

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Tal Maslavi, Israel, Sugar Rush (Collection Homme):

Mention speciale du jury:

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Lilian Navarro, Frankreich, Cargo Culte (Collection Femme):

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Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich, Last Tour (Collection Homme):

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Kenshiro Suzuki, Japan, Promenades Projekt (Collection Unisexe):

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Gaëlle Lang Halloo, Frankreich, Abseits (Collection Homme)
Prix du public de la ville d’Hyères:

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July Mouly-Pommerol, Frankreich, Métamorphose (Collection Femme)

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Zusatzpräsentation,

Igor Dieryck, Preisträger des Vorjahres:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Ein letzter, kurzer Spaziergang führt uns zunächst in das 9. Arrondissement – ungewöhnlich für einen Fashionweekbezug. Nähe Pigalle, Nähe Barbès. Esther Perbandt beweist mit der ausgesuchten Location typisch Berliner Arbeitsstrategie: Es muss nicht immer das Teuerste und Übliche sein, wenn eine gute, ausgefallene Idee zu mindestens gleichwertigen und auch ungewöhnlichen Ergebnissen führt. In einer gepflegten Bier-Bar hat sich die Designerin für ein paar Stunden tagsüber zwei Tage lang einquartiert, um hier ihre Kollektion TIT FOR TAT* (auf deutsch „wie du mir, so ich dir“ ) für ss 2019 zu präsentieren.
Aus unserer Sicht ist die Wahl der Location in einer Pigalle-Bierbar ein genialischer Schachzug mit Alleinstellungsmerkmal im großen Pariser Fashionweekgetriebe und seinen unzähligen Präsentations- und Showroom-Veranstaltungen, die immer edel, teuer, sicher platziert und etwas aufgedreht daherkommen. Jedenfalls ist diese Präsentation eine sehr kluge Idee, Berliner Künstlermentalität auf der Fashionweek Paris treffend vorzuführen. Und dass diese Strategie vielleicht am Stromlinienkommerz vorbei geht, kann man da durchaus in Kauf nehmen, Qualität und eigenwillige Prägnanz sind Kriterien, die eine Fanschaft rekrutieren (und bedienen), die eben nicht so flüchtig und anpasserisch drauf ist, aber dennoch anspruchsvoll. Das war den Besuchern vor Ort auch anzumerken.

Perbandts Kollektion erscheint dagegen nicht ganz so exzentrisch wie gewohnt sondern eher schlicht und geradlinig zurückgenommen, ohne den typischen Stil aufzugeben. Man hat sogar den Eindruck, dass gelegentlich veredelnde Aspekte hinzutreten (z.B. die Sicherheitsnadel als Glanzstück) und dass das nach wie vor eigenwillige und innovative Perbandt-Terrain für den Pariser Geschmack geöffnet wird. Die Designerin hat ja auch geraume Zeit in Paris gearbeitet und weiß sehr genau, wie der Kommerz und die Konsumenten dort ticken. Verraten hat sie sich damit keineswegs.
Sie ist natürlich selbst anwesend und ihr eigener Kleidungsstil ist darüber hinaus ein unmissverständliches Grundsatzstatement.

* „Tit for Tat“ ist eine Spielstrategie, die zwischen Kooperation, Rache, schneller Provozierbarkeit und Vergeltungsautomatismus navigiert.

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Das zweite Rendez-Vous haben wir im K I OZ lab Showroom ( Galerie Christophe Gaillard) im 3. Arrondissement. Interessant war uns die Kollektion in der Vorschau als Post-Goth-Konzept erschienen, doch bei näherer Betrachtung vor Ort änderte sich unsere Einschätzung erheblich. Die Designerin Tsolo Munkh ist in der Mongolei aufgewachsen und lebt seit 2005 in Paris. 2010 hat sie in Hyères den Publikumspreis gewonnen und ihr eigenes Label gegründet. Die mongolische bzw. buddhistische Kultur sind ihr stete Inspiration in der Behandlung der Stoffe, der Oberflächen und auch der Schnitte. Stickerei, Verzierungen und Brüche in Körper und Fläche sind ebenso Kennzeichen der Gestaltung wie bewusst rohe Schnitte bzw. Silhouetten, so dass stets etwas „Natürliches“, Raues, in sich aber raffiniert Organisiertes die Gestaltung bestimmt. Folkloristische Feelings kommen mitnichten auf, im Gegenteil, die Kollektion kommt sehr zeitgemäß bis avantgardistisch daher und erweist sich als sehr komplex im scheinbar Groben.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der dritte Showroom-Spaziergang führte uns zunächst ins dritte Arrondissement zum DACH-Showroom, der knapp 30 Designer aus Deutschland, der Schweiz und Österreich präsentierte. Nur ein Teil der Labels war auch für Medienpräsenz aufgeschlossen, nach außen erscheint der Paris-Auftritt zwar eher als ein kollektives Interesse, im näheren Gespräch waren die Motivationen dann doch eher partikular und der Name DACH steht deswegen wohl eher für ein offenes solches. Auch im gestalterischen Ansatz reichte die Bandbreite der jungen Designer von eher konventionellen bis hin zu recht exzentrischen Konzepten, die dann letztlich auch die reizvollsten waren. Sieben Labels stellen wir beispielhaft vor.

YVY
ist ein Schweizer Label (seit 2013) für luxuriöse Damen-Lederbekleidung und Accessoires, denen in der vorgestellten Kollektion „brut“ zum Teil ein deutlicher Touch von Fetisch-Wear anhaftet. Das hat aber keineswegs anrüchige Qualität, vielmehr trägt die Designerin Yvonne Reichmuth damit eine reizvolle ästhetische Eigenheit in das gesellschaftlich hochwertige Luxus-Segment und bereichert es sehr zeitgemäß und geschmackvoll. Hochwertiges, feines italienisches Leder und sorgfältige Handarbeit des Reichmuth-Teams erlauben außerdem, spezifizierende Kundenwünsche zu erfüllen und wertvolle Couture zu lancieren. Faire Produktionsbedingungen und umweltbewußtes Material sind für Schweizer Modedesigner dabei eine erfreuliche Selbstverständlichkeit. Wir finden aber gerade den stilistischen Ansatz in hochwertiger Couture sehr konstruktiv und reizvoll – kombiniert mit Klassischem vermittelt das einen guten Anteil Coolness – auch wenn er zeitgeistig nicht so ganz überraschend daher kommt, ist er im Sinne des Schweizer Modedenkens doch recht straight und innovativ verwirklicht.

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GON
aus Österreich gibt es seit 2011 (Christina Steiner) und agiert eher im konventionellen Sinne. Oft übergroße Schnitte lassen die lockeren Teile flattern und die farbenfrohen Drucke handgemalter Motive und großflächiger Muster stehen für einen spielerischen Auftritt. So kann man auch den aktuellen Trend der Textparolen integrieren.

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HUI-HUI
Hamburg, existiert bereits seit über 15 Jahren und hat einen vergleichbaren Ansatz, ist aber breiter aufgestellt. Die Designerin Duitse Anne Schwätzler und die Schwestern Johanna und Katharina Trudzinski verstehen ihr Label außerdem als alternativ/nachhaltig. Farbenfrohe, oft aus der Bildenden Kunst inspirierte Muster und interessante Texturen stehen für einen unkomplizierten, optimistischen Auftritt im Alltag.

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JACQUELINE LOEKITO
aus Basel verortet sich deutlich näher an der Kunst und mutigen Designoptionen als am kommerziellen Mainstream. Entsprechend kreativ und unkonventionell ist die Kollektion des kleinen Labels und der Spaßfaktor auf verschiedenen Gestaltungsebenen führt zu innovativen und beeindruckenden Lösungen, nicht selten in die Nähe von Kostümdesign. Das Farbspektrum dieser Kollektion changiert im Rotbereich und schafft starke Präsenz und emotionale Kraft.

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JULIA HEUER
aus Deutschland hat (handgemachtes) Plissée als starke Gestaltungsbasis entdeckt und die Möglichkeiten mit ungewöhnlichen Prints und rasanten Schnitten zu einer beeindruckenden Kollektion ausgebaut. Oft werden die farbintensiven Prints schon vor dem Plissieren auf den Stoff aufgebracht und bzw. oder danach in der japanischen Verarbeitungstechnik nach Arashi Shibori weiterverarbeitet. Hoher Tragekomfort, sehr elegante, oft extravagante Erscheinung, feines Material und viel raffinierte Handarbeit kennzeichnen diese Kollektion mit Classe.

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SIGHTLINE
von Vivien Sakura Brandl ist in Wien ansässig und positioniert sich im praktischen, aber gehobenen Alltagssegment. Eine etwas spezielle, subjektiv geprägte Gestaltungsbasis, die auf fast asiatische Schlicht- und Klarheit reduziert ist und in diesen Minimalismus ausgeklügelte Details unterbringt.

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TATA CHRISTIANE
ist ein Berliner Label (Julie Bourgeois und Gabriel Santini) und entspricht auch in vielerlei Hinsicht dem Image der Stadt als kreative, expressionistische Vision von „Machern“. Die Arbeiten der beiden produktiven Modedesigner entfalten sich aus – zum Teil wuchernden – Zusammensetzungen verschiedener Elemente, die meist aus handgemalten Stoffteilen oder daraus abgeleiteten Musterflächen auf Textilien bestehen oder aus Kombinationen unterschiedlichster textiler Materialien. Gabriel Santini ist dabei eher für die bildhafte Gestaltung zuständig, Julie Bourgeois für die Zusammensetzung bzw. Verwandlung in Kleidung.
Mit großformatigen, expressiven Zeichnungen und dem oft offenen Weiterverarbeitungsprozess entstehen meist sehr komplexe und eigenwillige Stücke, die nicht selten zu teuren und etwas verrückten Unikaten heranwachsen. Doch immerhin: das als experimentelle Handarbeit Anmutende ist mittlerweile, jedenfalls zum Teil, auch als reproduzierbare Kollektion konzipiert, denn die Nachfrage in Berlin, Tokyo und Paris steigt.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Wir starten den zweiten Tag unseres Showroom-Spazierganges auf der Pariser Fashionweek SS2019 beim FIND-A-NAME-Showroom, eine Art Galerieinitiative der in Paris ansässigen Agentur gleichen Namens, die sich als beratender Mittler für den kommerziellen Vertrieb internationaler Modemarken versteht. Die Palette der vertretenden Modedesigner ist zwar stilistisch wenig spezifisch, im Prinzip finden sich da aber mutige und eher ungewöhnliche Gestaltungsrichtungen, die meist schon recht exklusive Geschmacksorientierungen ansprechen und den jungen Zeitgeist etwas dezidierter formulieren.

BERHASM
ist ein Moskauer Label mit auch typisch russischem Gegenwartsdesign. Es wurde dieses Jahr als ein Mode- Kunst- und Musikkollektiv von Beso Turazashvili gegründet – einem Digitalclub, wo der Markt der Straße auf Techno treffen soll. Er versteht sich also als eine Art moderner Underground und entsprechend rau und provokativ ist die künstlerische Gestaltungslust der Protagonisten. Was seit Zappas 60ern im Westen längst zur kulturgeschichtlichen Epoche einer Jugendrevolution des Westens abgehakt ist, lebt hier wieder auf und ist so frisch und lustvoll wie seinerzeit. Schon die Instagram-Webseite zeigt, wo es hier langgeht.

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BRACHMANN
Inspiration für die Sommerkollektion 2019 war das von Frank Lloyd Wright entworfene Johnson-Gebäude, ein Beispiel für die stromliniengeprägte Formensprache des New Style der amerikanischen 30er und 40er Jahre und u. a. berühmt für die filigrane Säulenarchitektur. Brachman beschreibt entsprechend die Kollektion als „verspielt-minimalistisch, die von der zarten Stärke, filigranen Kontur und minimalistischen Opulenz dieser Architektur inspiriert ist“. Formengestalt, Materialwirkungen und Farbstimmungen hat Brachmann in der ihr eigenen Strenge zum Teil direkt zu transponieren versucht – insgesamt wirkt die Kollektion damit weniger hart und verschlossen als solche der Vergangenheit. Was vielleicht dem vorbildlichen Einfluss der subtilen Architektursprache Frank Lloyd Wrights geschuldet ist.

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DOLLY AND MOLLY

ist ein japanisches Label aus Tokyo mit dem Anspruch, bekannte Stereotypen bzw. Gewohnheitsbilder aufzubrechen. Es ist beeinflusst vom Geist des Punk und rebellischer Jugendkultur „anti-social, deconstructive and rebellious souls seeking for break-through in complex and unstable reality we are living in.“ (Selbstbeschreibung) Das Designerteam verzichtet auf Sinn- Luxus- und Schönheitskriterien, zeigt sich stattdessen ausdrucksvoll, launig, frisch und auf junges Publikum gerichtet. Es transportiert den leicht abgedrehten, zeitgemäßen Tokyo-Style, der gerne verrückt, auffällig und kreativ auftritt und in dieser Hinsicht mit einer erfrischenden Vielfalt aufwartet.

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FAKBYFAK
In Anlehnung an Alain Mikli als Modemarke für Brillen hat sich FAKBYFAK (ehemals Fakoshima) als russisches Konzept-Label etabliert und arbeitet mit international renommierten Designern zusammen (so wie hier z.B. mit Walter van Beirendonck aus Belgien). Die Brille als Persönlichkeitsmerkmal und als kreatives Produkt verstanden, finden wir, ist immer noch ein unterrepräsentiertes Accessoire, obwohl es wirklich gute und originelle Beispiele gibt, wie auch hier.

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IOANNES
Auch Ioannes sucht durch überraschende Kombinationen des Unzusammengehörigen neue Reize zu evozieren. Der deutsche Designer Johannes Boehl Cronau focussiert sich dabei auf formale Reduktion und flaue Farbgebung und möchte trotzdem erzählerisch gestalten. Pfiffig sind die verlängerten Handschuhe, die auch über die Kleidung gestreift werden und oben, dank eines Gummizugs, zu Stulpen aufgebauscht werden können; zum Beispiel über einer Jacke.

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IDISM
Vom zeitgenössischen Ideal des gesunden Lebens geht die Kollektion des Nachwuchs-Labels aus, nämlich auf Basics reduzierten Lifestyle, der sich auf Geist und Körper besinnt. Sie versucht einen Zukunftsentwurf zu kreiieren, der sich einerseits aus klassischen Elementen weiterentwickelt und andererseits hybriden Lifestyle mit Schönheitsbewußtsein verbindet. Schlicht, sportlich und urban präsentiert sich also dieser Anspruch.

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LAROOM
ist ein spanisches Label, das nicht nur Mode produziert, sondern alle möglichen Designartikel des alltäglichen Lebens. Ein wenig Folklore, ein wenig Romantik und ein wenig Glamour enthält die präsentierte Kollektion sowie auch etwas geradlinige Sportlichkeit. Designerische Prägnanz ist eher etwas zurückgenommen.

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LAUTEM
ist ein spanisches Label für luxuriöse Accessoires, die mit äußerst sorgfältiger Handarbeit gefertigt werden. Klarheit, sichtbare Perfektion und ausgewogene, geometrische Proportionalität kennzeichnen den Anspruch, Frauen einen modernen und kompromisslosen Style zu vermitteln.

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RUBAN
ist ein Label, das schon 2010 von den Schwestern Alice und Julia Ruban gegründet wurde. Das russische Duo hat seitdem bereits mehrere relevante Preise gewonnen und sucht seine Inspirationen in allen Bereichen der Mode. Entsprechend verschieden sind die vorgeführten Gestaltungsansätze. Auffällig erschienen uns die mutigen Überlagerungen verschiedener Stoffe und Oberflächengestaltungen, die Sexyness klassischer Abend- oder Cocktailkleider sowie die sehr weiblichen Schnittversionen bei klassischen Stücken.

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SEEN USERS
Das Newcomer Label wird auf Erfolgskurs gehandelt (vgl. ELLE) und präsentiert tatsächlich spannend-innovative Ideen. Es gibt meistens eine Ausgangsidee, in diesem Falle die Leben königlicher Charaktere, deren Bekleidungscharakteristika dann im Sinne eines modernen Stylings uminterpretiert werden. Die Kleider der Romanovs, Haushälterinnen und Krankenpflegerinnen der Edwardian Ära beispielsweise oder Prinzessin Dianas „La Bayadere“ (1988) oder Märchenwelten (Andersens „Des Kaisers neue Kleider“) und so weiter. Nicht selten werden das interessante Kombinationen aus Früher und Heute, die lustvoll und einfallsreich etwas Neues zaubern.

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Shop-Opening im November

Fotos: Marcello Rubini

Text: Gerhard Paproth (Berlin)

Berlins “Düsseldorfisierung” (J.A.) schreitet schnell und nicht gerade still voran. Wer einmal nach Berlin kam, weil er Berlin wollte, und das sind ja noch die meisten hier, bedauert das natürlich, ja, eigentlich leiden wir nicht unerheblich darunter, aber dass die Stadt etwas guten Geschmack dringend nötig hatte, also auch Mode und gutes Design, das müssen wir natürlich auch zugeben.

Mit dem Opening ihres Stores in Berlin Mitte hat die Porsche Design Gruppe nun durchaus etwas von gutem Geschmack dem mittlerweile gewachsenen Bestand hinzugefügt. Man sieht dort das komplette Porsche-Design Produktportfolio – von den Modekollektionen, Sportkollektionen, Gepäck, Brillen, Uhren, Schmuck, Schreibgeräten bis hin zu Mobiltelefonen und erstaunlicherweise sind sogar noch „Smoking-Accessoires“ vertreten. Die Luxusmarke setzt besonders auf technisch-innovativ inspirierte Produkte und strebt dabei funktionelles, zeitloses und puristisches Design an, Leitgedanken, die eigentlich im Kontrast zu schnellebiger Mode stehen. Dennoch erscheint der Begriff Fashion 2012 recht dominant auf dem riesigen Leuchtdisplay im Laden. Aber das verbuchen wir mal als Zugeständnis an den Markt, das dieses Design eigentlich genauso wenig nötig hat, wie beispielsweise Montblanc oder Hermès.

Das technisch-innovative und zugleich puristisch geradlinige Gestaltungscredo spiegelt sich nicht nur im Design der Produkte wieder, auch die streng geometrische, sehr klare Präsentation im Laden bestimmt diesen Gesamteindruck. Auf diese Weise entdeckt man die Raffinessen und eleganten Proportionen der vorgestellten Stücke oft erst auf den zweiten Blick und ich musste mir mehrmals staunend eingestehen, dass hier das Image des Sportwagenklassikers eine bemerkenswerte Spiegelung erfährt, die in der Gesamtschau aller Aufdringlichkeit entbehrt. Abgesehen von einigen Produkten, zum Beispiel einigen futuristischen Schuhen, ist die puristisch-zeitlose Klarheit beeindruckend und wer noch immer an Dieter Rams Klassikern hängt, braucht mit Porsche-Design als einer durchaus zeitgenössischen Version funktionaler Gestaltung seine ästhetische Philosophie nicht aufgeben. 

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