Naomi Tarazi, Krobos, Panos Gotsis, Inlé Studio

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Am vierten Tag der Fashionweek und auch des RAUM.Berlin zeichnen sich Trends zur nächsten Sommersaison ab: Transparenz ist angesagt und auch eine reduzierte Farbpalette – viel Schwarz und Weiß, zumindestens monochrome Ausführungen. Zur Transparenz gehören dann auch diverse Varianten von Spitze, oft eher grob als fein, was gelegentlich, zum Beispiel bei Strickwear, etwas hölzern daher kommen kann. Manchmal denkt man auch, der Ibiza-Style käme zurück. Die geschmackvolle und gleichzeitig sinnliche Lösung, was Frau darunter tragen sollte oder nicht, lassen die Vorführungen entsprechender Outfits meistens offen, manchmal wird mit mehreren Lagen ein opaker Bereich geschaffen, bei den Präsentationen in RAUM.Berlin sind eher mutige Versionen zu sehen, was aber nicht zwangsläufig die Praxis bestimmen wird. Erfahrungsgemäß kann da nämlich mit zurücknehmenden Entscheidungen die gemeinte Sinnlichkeit ins Gegenteil umschlagen.

Die Installationen beziehungsweise Performances waren am letzten Tag sehr ruhig gehalten, annähernd statisch und zum Teil auch nur eine arrangierte Exponatansammlung, mit lebenden Modellen und nüchternen Figuren. Die Idee, situativ ein Dinner zu arrangieren, vielleicht auch nur zu dritt, immer aber nur unter Damen, wiederholte sich nun mehrfach und scheint für eine Live-Installation wohl nahe zu liegen. Am Tisch die hedonistisch Lebenden, darum herum die Kleidung vorführenden Puppen. Nun ja, das ist ja immer auch schön, besonders wenn elegante und zugleich verführerische Kleidung das Ambiente bestimmt. Und manchmal ist dabei die Assoziation des Betrachters mit dem letzten Abendmahl in der dekadenten Moderne nahe liegend – eher noch als die vielleicht gemeinte Hochzeitstafel. Bei Naomi Tarazi geht das einem jedenfalls so.

In ihrem Berliner Atelier fertigt sie vorwiegend skulpturale und zugleich sehr sinnliche Kleidungsstücke für Damen, mit viel Transparenz, subtiler Farbigkeit und stets mit dekorativenen Schwüngen an den Abschlüssen. Damit sind die Silhouetten als leicht, schwungvoll und auch mit zarter Auflösung gezeichnet. Mit diesen leicht beschwingten Outfits sucht die Designerin eine Position zwischen Nachtleben und elegantem Tagesauftritt zu umreißen, die dafür eine wunderbare und prägnante Sinnlichkeit propagiert. Wenn es dann auch so getragen wird.

Naomi Tarazi:

Ursprünglich hat Lukas Krob wohl mit der Konzeption von Kleidung angefangen, die er selbst gerne dauerhaft tragen würde, so verrät seine Webseite, und da er als ausgebildeter Modedesigner selbst näht, entstanden praktische und sehr haltbare Kleidungsstücke. Hier bei RAUM.Berlin stellt er nun eine Damenkollektion vor, die von geometrischer Ästhetik mit dynamischen Formen geprägt ist, vorwiegend schlicht und schwarz, was in dem hellen Whiteroom und dem Gegenlicht gelungen scharfe Akzente setzt und die Flächigkeit der Silhouetten herausstellt. Die dynamischen Schrägen und leichte Rundungen verhindern die plumpe Kompaktheit von geometrischen Architekturen, besonders von Rechtecken, im Gegenteil, mit einfachen Mitteln erzielt das Design eine schlichte und bestimmte Formeleganz, die gelegentlich auch mit Transparenzen luftig daherkommt. Dazu öfter die hohen, offenen Kragen, die die Silhouette nach oben wirkungsvoll ergänzen.
Explizit nennt Lukas Krob die gleichzeitig klaren, strengen und dennoch sinnlichen Architekturideale von Peter Zumthor als vorbildlich und das findet man hier gut wieder. Auch der Start der Entwürfe vollzieht sich, trotz flächiger Geometrien, mit subtilen Handzeichnungen und nicht am Computer, das verhindert eine völlige Versachlichung der Wahrnehmungsempfindung, auch beim Layering.

Das Arrangement im hellen Gegenlicht ist hier ein wirkungsvolles Mittel, das Wesentliche dieses Kollektions-Designs herauszustellen.

Krobos:

Die Schau von Panos Gotsis stellt eine aktuelle Kollektion zusammen, die vorwiegend in Zweiergrüppchen mit Figuren gleichmäßig im Raum verteilt sind, zwischen denen auch lebendige Modelle sich aufhalten. Als Präsentationsformat ist das eher etwas uninspiriert, so soll die Gestaltung jeweils auf sich selbst verweisen. Die sucht, wie stets bei seinen Kreationen, eine Synthese zwischen Fashion und Folklore auf eine eher schlichte und prägnante Weise, die aber doch verschiedene handwerkliche und auch grundsätzliche Erscheinungsbilder vorführt. Hell und sommerlich locker ist das vorwiegend gehalten, mit gleichzeitig eher konventionellen Schnitten und Silhouetten. Allgemeine Trends wie kurze Hosen, verkürzte Hosenlängen überhaupt, locker fallende Blusen und Jacken ohne schnitttechnische Eigenheiten, Verwendung von Spitze als ganzes Kleidungsstück oder appliziert, werden berücksichtigt und stellen so die Outfits in die Gegenwart. Mit der hochwertigen handwerklichen Verarbeitung und unter der Fahne der Nachhaltigkeit rückt sich das Label in das gehobene Segment der Luxusfashion, ohne eine bemerkenswerte oder gar exentrische Idee zu riskieren. Insgesamt entsteht damit der Eindruck einer eher konservativen Positionierung, die dank des leichten Touches von Lässigkeit und zeitgenössischer Üblichkeiten eine aktuelle und gleichzeitig konservative Perspektive auf aufgefrischte Modefolklore besetzt.

Panos Gotsis:

Die Berliner Modedesignerin und Spitzenklöpplerin Melanie Parzenczewski hat das Inlé-Studio gegründet, mit dem Anliegen klassisches beziehungsweise historisches Mode-Kunsthandwerk in eine moderne Gegenwartsästhetik zu überführen, in der sich auch historische Schnitte und Silhouetten angedeutet wiederfinden. Dabei findet man verschiedene Varianten von Retro (19.Jh., 1920er Jahre) bis zu moderner Abstraktion mit angesagten Lose-Bänder-Outfits, wobei Transparenzen (Spitze) stets eine entscheidende Rolle spielen. Auf den Ausstellungsfiguren teilt sich aber die Sexyness des Konzeptes nur wenig mit, insofern wird die Ergänzung der statischen Installation mit drei attraktiven, lebenden Modellen schon überzeugender. Die sitzen, wie ganz oben schon berichtet, wieder an einem gedeckten Tisch, in eher lässigen Posen und führen vor, wie das Modekonzept im Leben vorstellbar ist. Diese Miniperformance, quasi ein werbender Lifestylevorschlag, ist eine geschickte Brücke zwischen Laufsteg und starrer Installation.

Inlé Studio:

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Tati, Anne Bernecker, Palmwine Icecream, Sofia Hermens Fernandez

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Ein wenig Nostalgie, etwas Mädchenleben und Ruhe versus Action prägten die Präsentationen am dritten Tag von RAUM.Berlin. Neu auf der Bildfläche waren gleich drei der vier Design-Labels und, wie bereits hier gewohnt, die Bespielung des jeweils reservierten Raumes war sehr unterschiedlich geprägt. Und je nach scheinbarer Abgrenzung und Performance-Intention mischen sich die Besucher in die Installationen, oder hielten sich eher respektvoll an den Rändern des Raumes auf. Ersteres fand man bei Tatjana Haupts Label Tati vor, letzteres bei Kusi Kubis Palmwine Icecream und irgendwie hatte das auch mit der Qualtität der Exponate zu tun.

Das Menschengewusel bei der Tati-Installation mit diversen Aktivitäten und Handyshootern, Tänzerinnen und Demofiguren mittendrin, einem DJ-Desk mit Djane und Sängerin, versuchte etwas von Mädchen-Lifestyle zu erzeugen oder aufleben zu lassen – untereinander und mit Publikum kommunizierend im Sinne eines Communitygedankens. Diverse geliebte Beschäftigungen von Teenagerinnen tauchen auf und natürlich sieht man Herzchen und All You Need Is Love Embleme, die das Ambiente emotional aufladen. Entsprechend war auch der Focus der präsentierten Kleidung auf Teeniegeschmack gerichtet und die war als Strickwear gefertigt und mit diversen modischen Apercus ausgestattet. Zwangsläufig liegt dahinter als Leitidee die hingebungsvolle handwerkliche Beschäftigung, die hier quasi lifestylemäßig demonstriert wird.
Eine Stunde Mädchen-gute-Laune mit fast allem, was dazu gehört – in einer Installation, die dabei mutig in die Vollen ging.

Tati:

Ganz im Gegensatz dazu erschien die Präsentation von Palmwine Icecream. Mit der etwas uninspirierten Präsentation gelang die intensive Dichte der afrikanischen Atmosphäre eher nicht, die herumstehenden Gestalten im großen Raum konnten die wunderbare Wärme, die dem Design innewohnt und wie sie auf den Schauen der letzten beiden Saisons erlebbar wurde, hier nicht erzeugen. Natürlich war auch hier die Kleidung von edlem Geschmack und hochwertiger Verarbeitung gekennzeichnet, aber schon die spärliche Auswahl war nicht wirklich spannend. Mit ein paar zusätzlich verstreuten Objekten, Äste, Steine, Sträuße, wurde das Arrangement auch nicht dichter, das Gesamtbild blieb trotzdem etwas verloren. Selbst die gelegentliche Bewegung einer Figur im Raum oder ein Lächeln eines Models löste die fast nüchterne Stille kaum.

Palmwine Icecream:

Ebenfalls auf eine eher ruhige Präsentation mit Figuren und Models gemischt setzte Anne Bernecker. Ihr Atelier verfolgt eine Kombination aus Wiederverwertung, Handarbeit und ästhetischer Nostalgie. Diese Kombination fand man auf der Fashionweek auch bei anderen Labels (z.B. Buzigahill) und man kann das, nach einer langen Periode experimenteller Individualisierung und schräger Konzepte, als Hoffnungsschimmer ansehen. Gleichwohl sind die Outfits in Sachen souveräner Geschmack noch ausbaufähig und die Idee, dass handwerklich hübsch und liebevoll gefertigte Elemente nur appliziert werden brauchen oder stilistische Kontrastierungen angenehm verlebendigen, ist für ein elegantes Gesamterscheinungsbild noch nicht ganz überzeugend. Auch hier führt die Lust am handwerklichen Tun noch nicht zwangsläufig zu einem edlen Erscheinungsbild. Aber der ideelle Ansatz hat wohltuende Wirkung und die Art der Vorführung entspricht dem.

Anne Bernecker:

Sofia Hermens Fernandez hat ihre Kollektion wie ein Tableau auf dem Boden ausgelegt, auf einer langen Bahn, wo auch ein Model sich „bekleidend“ dazulegt. Am Ende ein Spiegel und daneben ein Stuhl mit flüchtig übergeworfenem Kleid. Wir kennen die junge Designerin als Finalistin des 40. Festivals in Hyères mit ihrer Kollektion Semiotics of Girlhood, wo sie Eleganz mit romantischer Verspieltheit verbindet. Sie hat in Antwerpen Fine Arts studiert und kandidiert am Institut Francais de la Mode an der Sorbonne als Doctor of Philosophy. Auch sie beschäftigt sich mit der Ästhetik von Mädchen-Bildern, entwickelt aber diese Ansätze weiterführend auf recht hohem Niveau. Und auch in ihrer Installation geht es um Mädchengefühle, allerdings nicht als Teil einer Community oder eines Lifestyles, sondern in der eher introvertierten Beschäftigung mit sich selbst, bei der Kleidung einen Ausdruck der Selbstsuche und -findung repräsentiert. Nunmehr aus Sicht einer erwachsenen Designerin in subtiler Reflexion.

Sofia Hermens Fernandez:

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Elodie Carstensen, Lennart Bohle, PLNGNS, N. v. Hirschhausen

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eine dritte Version der Vorstellung einer Kollektion, neben dem Catwalk und der statischen Präsentation, ist die installative Performance. An vier Tagen stellen je vier Designer ihre Arbeit in diesem Format vor, eines, das viel Freiräume kreativen Auftritts ermöglicht. Besonders sinnvoll daran ist, dass man – wie auch in der Werbung – Umgebung, Situatives und eine Lifestylevorstellung seinen Kreationen zuordnen kann und dass man hier auch eine Stufe von Bewegung und Betrachtungsruhe im Ambiente wählen kann.

Für das Publikum bedeutet die offene Kreativität in diesem Format allerdings auch eine Verpflichtung dazu, was voraussetzt, dass die Designerin überhaupt auch eine überzeugende Lifestylevorstellung (oder eine Ideologie) mit ihren Produktionen verbindet, und das ist eben nicht so selbstverständlich. Und bei der Entscheidung für eine Variante ist auch schnell klar, dass Lebendigkeit stets ein Mittel ist, Publikum anzuziehen. Die vier Präsentationen waren in einem fixierten Rundgang aneinander gereiht, und mit der lebendigen Performance von Elodie Carstensen als erste Station staute sich hier schnell das Publikum und versperrte den weiteren Weg – schon beim ersten Presserundgang mit etwa 150 Teilnehmern.

In einem rechteckigen, langgestreckten Wasserbassin, zentimeterhoch gefüllt, führten acht weibliche Modelle eine ruhig gehaltene Tanzperformance auf, wobei sie mit ihren weißen, vorwiegend sommerlich-locker gestalteten Kleider sich in unterschiedlichen Konstellationen verteilten oder gruppierten, gekonnt chreografiert und mit viel weiblichem Charme. Der interdisziplinäre Ansatz korrespondiert auch mit Carstensens Hintergrund, denn sie begann 2012 im Theater zu arbeiten, bevor sie Modedesign an der Kunsthochschule Berlin Weißensee studierte und dort 2021 abschloss. Ihre Modearbeit verbindet sie mit diversen Erinnerungen an ihre Kindheit beziehungsweise einem emotionalen Bezug dazu, der dann, in Abstraktionen wie hier, zu recht poetischen Erscheinungsbildern führt. Zugleich aber will Carstensen auch auf traumatische Erinnerungen anspielen, wie der Titel einer vorangegangenen Performance, „Absence of Promised Safety“, auch deutlich machte.

Elodie Carstensen:

Lennart Bohle ist ein Modedesigner aus Pforzheim. Für den gelernten Schneider spielt traditionelle Handwerkskunst eine wesentliche Rolle, gestalterisch liebt er skulpturale Silhouetten und digitale Experimente. Er sucht Verbindung von Tradition und Zukunftstechnik. Die Innovation implementiert er in in ein künstlerisches Gestaltungsverständnis und darum ist ein Lifestyleambiente für die Präsentation nicht so naheliegend, sondern eher eine Exponat-Besichtigung wie in einer Galerie oder klassischen Ausstellung, bei der man die skulpturale Kunst von nah oder fern, (fast) rundum begehen und betrachten kann und sich die Addition zu einem Prospekt fügt.

Lennart Bohle:

Das Label PLNGNS erschien im August 2021, seit 2024 berichten wir von ihm. Im Zentrum stand da die Demonstration, wie man aus Teilen alter Schuhe fast ohne CO2-Fußabdruck neue Schuhe herstellen kann, mehr noch: ganze Kleidungsstücke mit attraktivem Erscheinungsbild. „Alte Turnschuhe müssen nicht als Müll verbrannt werden. Wir zeigen, dass es einen anderen Ausweg gibt“, sagt Mitya Hontarenko, Gründerin von PLN-GNS. „Und es kann auch stylisch und cool sein“. Mittlerweile hat PLNGNS die gestalterische Palette vergrößert, ohne Einschränkungen bei der ambitionierten Nachhaltigkeit zu machen. Die Turnschuhverwandlung als Nachhaltigkeitsprodukt mündet nun in vielseitigen stylischen Angeboten und Sommerfreizeit als assoziiertes Ambiente repräsentiert das als Beispiel für lebensnahe, launige Alltagsästhetik.

PLNGNS:

Natascha von Hirschhausen ist seit langem schon mit eigenem Label aktiv und verfolgt konsequent die Idee von Nachhaltigkeit mit dem „no waste“-Prinzip: alle Schnitte sind so angelegt, dass vom Stoff möglichst nichts übrig bleibt und selbst Reste noch geschickt in die Gestaltung eingebaut werden. Handwerklich erfordert das einige Pfiffigkeit und auch eine gewisse Flexibilität im künstlerischen Gestaltungsprozess. Dabei geht sie von eher schlichten, klaren und beherrschbaren Ausgangsentwürfen aus, was auch ihre stilistische Prägung erkennbar macht. In ihrer Installation läßt sie handwerkliche Arbeit ihres Ateliers sichtbar werden, indem Mitarbeiter probieren und experimentell Entstehungsprozesse miterlebbar machen.

Natascha von Hirschhausen:

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4. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the runway end. Am letzten Tag der Fashionweek wohl auch im RAUM.Berlin. Nachdem zwölf Designer an diesem Ort mit diesen Leitfragen ihre Kollektion mit experimentellem Format vorgestellt haben, wird deutlich, dass hier ein gutes alternatives Format kreiert wurde, das viele von ihnen optimal und kreativ zu nutzen wussten. Zu den spektakulären gehörte auch Karin Brettmeisters Ritual Unions mit einem tableau vivant, das wirklich Spass machte, sowohl den Darstellern als auch dem Publikum. Ein Bankett, angerichtet für Frauen, die in den edlen Dessous beziehungsweise Brautkleidern des Labels erscheinen. Ähnlich wie Bildwelten (und Lifestyle-Fantasien) von Ellen von Unwerth und von Agent Provocateur entwirft Ritual Unions hier eine lebendige Anschauung ihrer modernen, alternativen Braut- und Couture-Kleider, die fast übergangslos aus edlen Dessous erwachsen und genau an dieser Schnittstelle Individualität, Einstellung und Selbstdarstellung ansteuern. Schwerpunktmäßig ist die Kollektion an Frauen gerichtet, aber nicht ausschließlich, und sie feiert den vergnügten Eros der Weiblichkeit, der in der Produktion stets individuell ausgelegt wird. Das tableau vivant (lebendes Bild) war im ausgehenden 19. Jahrhundert groß in Mode und es dürfte, wenn es kreativ angelegt ist, durchaus als Leitformat für die RAUM.Berlin-Präsentationen attraktive Wiederauferstehung feiern. Wenn es gut war, war es allerdings auch sehr aufwändig, aber auf heute bezogen und verglichen mit schlicht inszenierten Runwayshows kann das die bessere Entscheidung für Modedesigner sein.  Das verbundene Lebensgefühl lässt sich besser szenisch evozieren und im Vergleich zum oft eigentümlichen Schauen-Großaufwand der großen Luxusmarken auch überschaubar finanzieren.

Letztlich hat jedes teilnehmende Label eine eigene Idee zur Konstellation einer Installation entwickelt, die zum jeweiligen Selbstverständnis des Modemachens passt, mal erscheint das dann spektakulär, mal weniger. Das ist nicht nur eine Frage, wie man jenseits der Mode auch kreativ denken und konzipieren kann. Es erfordert zuerst eine bewußte, eher konkrete Lifestyle-Philosophie für die eigene Mode, die eine fantasievollere, anschaulichere Lebenswelt im Kopf des Designers voraussetzt, als viele sich das gemeinhin vergegenwärtigen. Diesen Abstraktionsschritt haben früher Werbeagenturen mit Werbespots und Werbebildern übernommen. Hier macht das das Label selber.

Und, das ist wohl ein weiterer Vorteil, mehr Publikum kann dichter an den assoziierten Lifestyle herangeführt werden, als auf einer Catwalkschau.

Die exzentrischen und auch futuristisch anmutenden Kollektionen von Maximilian Gedra verstehen sich als skulpturale Kunstwerke und sollen auch wie solche erscheinen. Sie sind eher selbstbezogen und darum als monolithische Positionierungen jeweils für sich gestellt. Man erwandert diese Arbeiten wie Kunst im Museum von Piece zu Piece, jedes eine selbstbezogene Inszenierung für sich, die höchstens mit Licht und bizarren Accessoires (vorwiegend Headpieces) intensiviert wird.

Das Label Sveasøn von Svea und Shirin aus Hamburg gibt sich dagegen vergnügt, kommunikativ und gestalterisch bodenständiger. Die Figuren bevölkern entsprechend locker verteilt den Raum, abwechslungsreich, muster- und farbenfroh. Zusammen ergibt sich für die Mode ein großer Mix aus Materialien, Gestaltcollagen, Mustern, fantasievollen Bildzeichen und auch kleinen Scherzen, der gute Laune suggeriert. Diverse handgetöpferte und bunte Objekte dazwischen verweisen auf unprätentiöses „Gestalten mit den eigenen Händen“ und ergänzen die Vorstellung von einem bunt-fröhlichen Leben.

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1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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