4. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the runway end. Am letzten Tag der Fashionweek wohl auch im RAUM.Berlin. Nachdem zwölf Designer an diesem Ort mit diesen Leitfragen ihre Kollektion mit experimentellem Format vorgestellt haben, wird deutlich, dass hier ein gutes alternatives Format kreiert wurde, das viele von ihnen optimal und kreativ zu nutzen wussten. Zu den spektakulären gehörte auch Karin Brettmeisters Ritual Unions mit einem tableau vivant, das wirklich Spass machte, sowohl den Darstellern als auch dem Publikum. Ein Bankett, angerichtet für Frauen, die in den edlen Dessous beziehungsweise Brautkleidern des Labels erscheinen. Ähnlich wie Bildwelten (und Lifestyle-Fantasien) von Ellen von Unwerth und von Agent Provocateur entwirft Ritual Unions hier eine lebendige Anschauung ihrer modernen, alternativen Braut- und Couture-Kleider, die fast übergangslos aus edlen Dessous erwachsen und genau an dieser Schnittstelle Individualität, Einstellung und Selbstdarstellung ansteuern. Schwerpunktmäßig ist die Kollektion an Frauen gerichtet, aber nicht ausschließlich, und sie feiert den vergnügten Eros der Weiblichkeit, der in der Produktion stets individuell ausgelegt wird. Das tableau vivant (lebendes Bild) war im ausgehenden 19. Jahrhundert groß in Mode und es dürfte, wenn es kreativ angelegt ist, durchaus als Leitformat für die RAUM.Berlin-Präsentationen attraktive Wiederauferstehung feiern. Wenn es gut war, war es allerdings auch sehr aufwändig, aber auf heute bezogen und verglichen mit schlicht inszenierten Runwayshows kann das die bessere Entscheidung für Modedesigner sein.  Das verbundene Lebensgefühl lässt sich besser szenisch evozieren und im Vergleich zum oft eigentümlichen Schauen-Großaufwand der großen Luxusmarken auch überschaubar finanzieren.

Letztlich hat jedes teilnehmende Label eine eigene Idee zur Konstellation einer Installation entwickelt, die zum jeweiligen Selbstverständnis des Modemachens passt, mal erscheint das dann spektakulär, mal weniger. Das ist nicht nur eine Frage, wie man jenseits der Mode auch kreativ denken und konzipieren kann. Es erfordert zuerst eine bewußte, eher konkrete Lifestyle-Philosophie für die eigene Mode, die eine fantasievollere, anschaulichere Lebenswelt im Kopf des Designers voraussetzt, als viele sich das gemeinhin vergegenwärtigen. Diesen Abstraktionsschritt haben früher Werbeagenturen mit Werbespots und Werbebildern übernommen. Hier macht das das Label selber.

Und, das ist wohl ein weiterer Vorteil, mehr Publikum kann dichter an den assoziierten Lifestyle herangeführt werden, als auf einer Catwalkschau.

Die exzentrischen und auch futuristisch anmutenden Kollektionen von Maximilian Gedra verstehen sich als skulpturale Kunstwerke und sollen auch wie solche erscheinen. Sie sind eher selbstbezogen und darum als monolithische Positionierungen jeweils für sich gestellt. Man erwandert diese Arbeiten wie Kunst im Museum von Piece zu Piece, jedes eine selbstbezogene Inszenierung für sich, die höchstens mit Licht und bizarren Accessoires (vorwiegend Headpieces) intensiviert wird.

Das Label Sveasøn von Svea und Shirin aus Hamburg gibt sich dagegen vergnügt, kommunikativ und gestalterisch bodenständiger. Die Figuren bevölkern entsprechend locker verteilt den Raum, abwechslungsreich, muster- und farbenfroh. Zusammen ergibt sich für die Mode ein großer Mix aus Materialien, Gestaltcollagen, Mustern, fantasievollen Bildzeichen und auch kleinen Scherzen, der gute Laune suggeriert. Diverse handgetöpferte und bunte Objekte dazwischen verweisen auf unprätentiöses „Gestalten mit den eigenen Händen“ und ergänzen die Vorstellung von einem bunt-fröhlichen Leben.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Einen kleinen Entwicklungssprung führt die neue Kollektion von Kasia Kucharska vor und stellt den sympathisch lockeren Frauentyp vor. Eine sehr unernste Prägung von De- und Neukonstruktion, die von Frische und Lässigkeit geprägt ist, ohne auf Stilbewußtsein und Einheitlichkeit zu verzichten.

Helle und klare Farben, wie Weiß, Himmelblau und Rosa erscheinen oft und geben allen Konstruktionen einen leichten Charakter, das scheinbar Lose der zusammengefügten Elemente versinnbildlicht dasselbe in den Konstruktionen, die sich vieler geschickter Mittel bedienen. Die übergroßen, sich frei bewegenden Stulpen an Armen oder Beinen vermitteln Großzügigkeit mit einer gewissen Vehemenz im Auftritt und in Bewegung – auch dies eine unernste, aber wirkungsvolle Übertreibung. Hemden finden in allen Bestandteilen überraschend neue Verwendungen. Überhaupt wirkt nichts zwingend festgefügt und als dauerhaft bestimmt, stattdessen entsteht durch die Raffungen, Zusammensetzungen und formal scheinbar Unvollendetem eine ebenso scheinbare, improvisierte Flüchtigkeit. Hinzu treten an einigen Stellen übertriebene Schichtungen neben Freigelassenem. Auch lustige Späße werden hinzu gefügt wie die überlang herumbaumelnden Strapsbänder, symbolische natürlich nur, aus dem Kunststoff-Gewebe, das wir schon in den vorausgegangenen Kollektionen gesehen haben und das auch anderweitig innovative, neue Verwendung gefunden hat.

Das alles macht großen Spass und ist einfach gut gemacht. Sogar die großen, kitschig-kindlichen Tiermotive auf Brust und Bauch sind Statements der Unbekümmertheit wie auch das verbaute Teddybärfell und vor allem der (täuschende) Eindruck, dass das alles nicht so richtig hält. Letztlich steht, wie eingangs erwähnt, dahinter die Proklamation eines lockeren, sehr weiblichen und noch etwas mädchenhaften Frauentyps, der Spass an momentanen Erscheinungsbildern inklusive diversen Übertreibungen hat, Ordnung als erste Lebensregel zutiefst verachtet und Vergnügen am Launigen und pfiffig Improvisierten vorzieht. Und etwas vom Kindlichen wird auch noch herüber gerettet.

Spass am flüchtigen Jetzt und Freiheit im Auftritt sind eine gute Option unserer Gegenwart und die sollte man – wenn man so jung ist wie diese Zielgruppe – hemmungslos und launig ergreifen. Diese Option kann man sogar zum charakterisierenden Stil erheben und das bietet Kasia Kucharska mit dieser wundervollen, kreativen Kollektion an.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Gottseidank gibt es sie noch, die gestaltungsverliebten Traumtänzer in Zeiten grauer Niedergeschlagenheit und zeitgeistiger Dekonstruktion. Thomas Hanisch ist ein solcher, der, nach vielen Jahren Schauen-Pause nun diesen Gestaltungsansatz über die Zeiten rettet und dabei alle pragmatischen Ansprüche an Modedesign aussen vor läßt, soweit sie die Fantasie bremsen.

Hanisch ist auch nicht an Begrenzungen durch zeitgenössische Strömungen interessiert, vielmehr ist er aufgeschlossen für alle Stilismen von Art Deco, Jugendstil über Gothic bis hin zu Futurismen. Das spiegelt sich auch in der Begleitmusik, die von Carl Orff am Anfang über viele komplexe und intelligente Technorhythmen bis zu Camille Saint-Saëns Karneval der Tiere reichte. Er hat seine exzentrische Formensprache seit 2013 sehr kreativ ausgebaut und denkt seine jeweiligen Erscheinungsbilder sehr individuell und in allen Bestandteilen komplett, alle Varianten von Schmuck, Frisuren und Makeup und sogar auffälliger Fingerschmuck sind gerne genutzte und wichtige Optionen. Die damit anspruchsvoll ausgefeilte Gesamtgestaltung ist stets als Unikat konzipert und die Fantasie reicht für eine große Vielfalt der Erscheinungsbilder. Besonderes Interesse richtet er neben der skulpturalen Form auf Materialien, also Texturen und Oberflächenspezifika. Er spielt darüber hinaus mit durchscheinender Spitze und dicken Materialien, die aber auch immer delikat wirken.

Die Lust, die Grenze dessen zu erweitern, was Mode kann und darf, führt stets zu exzentrischen Statements, nicht umsonst sind Lady Gaga und Company begeisterte Kunden, mit jedem Erscheinungsbild ist ein beeindruckender Auftritt und große Betrachtungsfreude garantiert. In der Schau wird die auch mit der sehr langsamen Bewegung der Modelle in großen Abständen ausführlich ermöglicht. Das feiert jedes Outfit angemessen und stellt gleichzeitig die gewohnt hochdynamische Rennerei über Laufstege infrage. Praktisch gesehen gibt das reduzierte Tempo auch Kontrolle über die sehr langen, bodenverbundenen Kleider zurück und bremst die gewohnte Flüchtigkeit der Handywahrnehmung zwingend aus. Wahrnehmung in Ruhe und ausführlich.

Natürlich denkt der Betrachter auch an eine Übertragung in die Realität, und damit sieht es nicht so aus, als ob die vielen exzentrischen Auswüchse in den gegenwärtig erlebten Alltag transportiert werden könnten, wie es in den Zwanziger Jahren des vorigen Jahrhunderts tatsächlich möglich war, zumindestens für Abendveranstaltungen und Film, Exotica, die Wahrnehmungsgewohnheiten prägten und das eine oder andere alltagskomptibel machten. Oder wie in den 80ern, wo auch viele Verrücktheiten in die allgemeine Kultur eindringen konnten. Heute bleiben solche Bizarrerien etwas abseitiger Luxus, leider, aber Haute Couture ist eben wunderbar, wie auch diese Kollektion.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Es ist ein Feuerwerk der Lebensfreude, was sogar die ansonsten eher unberührte Riege der dokumentierenden Fotografen begeistert hat. Die Kollektion von Orange Culture kommt diese Saison fast ungebrochen farbenfroh und optimistisch daher, nachdem Adebayo Oke-Lawals vorausgehende Schau in Berlin noch von traurigen Privatereignissen beeinflusst war.

Wenn man Pressetexte liest, ist man geneigt, die Interpretation in die vorgegebene Richtung zu lenken („In seinen neuesten Entwürfen beschäftigt sich der Designer mit Themen wie Nostalgie, Kindheit und Orten (wie Hinterhöfen), die uns im Laufe der Jahre prägen.“ – daher der Titel) aber in diesem Falle scheint es doch auszureichen, seiner Begeisterung für Lebensoptimismus zu frönen, dafür muss man sich ja nicht zwingend in nostalgische Erinnerungen zurückbeamen. Unsere Zeiten brauchen optimistische Zukunftsmusik und diese Kollektion von Orange Culture kann man auch so herum verstehen. Umso mehr, als unsere Klischeevorstellungen klassischer afrikanischer Stoffe besetzt sind mit selbstverständlicher Buntheit, mit Wärme und mit positiv leuchtender Lebensfreude, aus einem stets sonnigen Land der vielfältigen Muster und Erscheinungsbilder. Diese Kollektion setzt auf zeitgemäße Weise diese tradierten Vorstellungen fort und transportiert eine Menge Inspiration, um die Stimmung der Modebilder der Gegenwart aufzuhellen. Dabei kommt die Kollektion mitnichten folkloristisch daher, vielmehr assimiliert und reflektiert der ursprünglich afrikanische Ansatz die westlichen Modeströmungen in souveräner Weise und führt auch gekonnt afrikanisches Kunsthandwerk mit westlichen Herstellungsweisen und Modevorstellungen zusammen, zu einer globalen Perspektive also, die in afrikanischer Kreativität verwurzelt ist. Diese ungebrochene, stimmige Einheit ist wunderbar gelungen: Mehr noch als hier sieht man in Frankreich viele Schauen mit afrikanisch stämmigen Designern, die in Paris ihre Ausbildung gemacht haben. Und da zeigt sich oft, dass eine ausgewogene, selbstverständliche Verknüpfung der Kulturen eben nicht oft homogen und überzeugend gelingt – es bleibt eher bei Beeinflussungen.

Hier auf der Berliner Fashionweek hat bereits das Label Palmwine Icecream aus Ghana mit Life Moodboard und Muse einen wichtigen und gefeierten afrikanischen Akzent gesetzt, Orange Culture (Lagos, Nigeria) ergänzt diesen Ansatz nun auf eigene Weise, mit ebenso viel Feeling und ebenso erfolgreich.

Im Prinzip ist die ästhetische und handwerkliche Verschmelzung zweier Kulturen also die hohe Kunst dieses Labels, dazu gehören des Weiteren die skulpturalen Schnitte, lebendigen Farbpaletten und sozialbewussten Erzählungen. Der praktische Fokus liegt bei dieser Kollektion auf spezifischen Handwerkskünsten und besonderen Texturen, was sich insbesondere in den zahlreichen Ton-in-Ton-Looks, Makramee- und Häkelkleidern, handgefärbten Stoffen, bunten Drucken, Fransenpullovern, handgefalteten Schlaghosen und gewebten Accessoires zeigt. Sehr komplexe, aufwändige Entwurfs- und Herstellungsweisen, die dann allerdings auch zum Begriff Luxusmode führen, womit der angestrebte Impact dann leider wieder geschmälert wird. Aber für eine überzeugende Modenschau spielt das ja eher keine Rolle.

Und im Grunde ist es auch müßig, über den nostalgisch-persönlichen Background des Designers, über die kunsthandwerklichen Spezifika der Herstellung und über kulturelle Herkunft des einen oder anderen Elements zu sinnieren – die emotionale Begeisterung der reinen Anschauung ist Kennzeichen genug, dass hier eine Sehnsucht eingelöst wird, die eigentlich ganz unspezifisch in uns wohnt. Das dürfte die ganz große Qualität dieser Kollektion sein.

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1. Tag

Bilder & Text: Gerhard Paproth

… where does the installation begin? Gute Fragen, die als Motto-Titel dieser Veranstaltung gestellt werden. Zwölf Designer exponieren ihre aktuellen Kollektionen in diesen großen und verwinkelten Räumen am Potsdamer Platz an vier Tagen, an jedem drei von ihnen. Auf den ersten Blick am ersten Tag, mit Clara Colette Miramon, Esther Perbandt und Selva Huygens, werden die Exponate auf Schaufensterfiguren in Gruppen und Raumabschnitten präsentiert und dabei zusätzlich  mit Objekten angereichert, so dass jeweils eine Hinwendung zur Installation angedeutet wird. Aber im künstlerischen Sinne ist der Begriff mit kleinen Extras noch nicht eingelöst, im Modischen vielleicht schon eher. Und um Mode geht es ja eigentlich. Und vermutlich auch darum, eine angemessene Präsentationsform zu finden, die nicht so teuer und aufwändig wie eine Runwayshow ist und trotzdem öffentliches Publikum mit mehr als einer schlichten Schaufensterdemonstration angemessen erreicht. Wo der kreative Aspekt des Schaffens deutlich genug in die Wahrnehmung gerückt wird und das „Erleben“ ein Bestandteil sein kann, wie es die Laufwegschauen automatisch vermitteln.

Diesen Aspekt erproben Berliner Modedesigner ja schon seit geraumer Zeit auf der Positions Art Fair, allerdings mit der konkreten Hinwendung zum Künstlerischen. Designerinnen wie Esther Perbandt sehen sich mit ihrem Schaffen schon lange an dieser Schnittstelle und sind mit dieser Herausforderung geübt, bei anderen muss sich noch zeigen, inwieweit das kreative Denken über das Kleiderentwerfen hinaus reichen kann. Dabei sind Clara Colette Miramon und Selva Huygens ja noch vergleichsweise neu im Geschäft, letztere präsentierte ihre Entwürfe aber von Anfang an mit Bruchstücken aus dem Auto- und Industriedesign in einer kreativphilosophischen Verbindung.

Beim „Pressetermin“ am ersten Tag war der Andrang so stark, dass mit der Veranstaltung schon ein quantitativer Erfolg verbucht werden konnte, damit kam der Aspekt von performativen Installationen zwischen den vielen Besuchern dann aber weniger deutlich zur Geltung. Bei dem Arrangement von Clara Colette Miramon war der Installationsaspekt, wohl auch deswegen, am wenigsten erkennbar, abgesehen von farblich changierenden Vorhängen und eigentümlichen Spiegelrahmen  setzte sie focussiert auf das Ensemble ihrer Modestücke. Dabei springen die popkulturellen Akzente besonders ins Auge, auch der subkulturelle Clubaspekt setzt deutliche Botschaften und Akzente, aber die oft feminin-romantischen Aspekte mit Spitze, Schleifen, Bändern und zarten Farben und Mustern tragen den grundlegend weiblichen Gesamteindruck der Kollektion. Das Spiel und die Brechungen der Softness mit spielerischer Strenge ergeben schließlich das reizvolle und attraktive Spannungsfeld ihres Schaffens.

Ganz anders bei Esther Perbandt, die der Kraft des Schwarzen vertrauen kann und innerhalb dieser stets neue Modulationen im Gestalterischen ausprobiert. Auch hier gibt es die Kontraste zwischen romantischen Sensibilitäten und geradlinigen Entschiedenheiten, aber eher von Outfit zu Outfit und mit gewohnter Sicherheit im Experiment, das stets eine eigene Eleganz befördert. Das Installative beziehungsweise Performative dieser Präsentation ist geschickt durch die Gleichzeitigkeit von lebendigen und statischen Modellen in der dichten Gruppe geprägt und optisch durch unzählige schwarz-glänzende Kugeln am Boden reizvoll zusammengehalten. Auch wenn der ursprüngliche Gestaltungsansatz noch in eine andere Epoche zurück reicht, gelingt es der Designerin stets, eine souveräne Balance zum aktuellen modischen Zeitgeist auszuloten. Der übergreifende Touch von Eleganz begründet diese Souveränität massgeblich.

Selva Huygens macht seit letztem Jahr von sich reden, sie erscheint mittlerweile bei allen wichtigen Berliner Modeevents und hebt dabei stets installativ den Zusammenhang zwischen ihrer Mode und industriedesignerischen Gestaltungsaspekten (besonders Autodesign) hervor, so auch hier. Mit ihrer neuen Kollektion hat sie diesen Dynamikaspekt nicht nur wieder pfiffig in Formen gebracht sondern nun auch die gestalterische Palette mit Farbgebung, Schnitten und Kontrasten erweiternd durchgespielt und dabei tolle, gut tragbare Kreationen hervor gebracht, die der vorgezeigten Referenzen eigentlich nicht mehr bedürfen. Gleichwohl prägen diese aber noch deutlich die Gesamtpräsentation und führen zu atemberaubenden Modeskulpturen mit ausladenden Volumen, unkonventionellen Schnitten und verrückten Materialkombinationen. Die Designerin hat ihre gestalterische Kompetenz im Sinne tragbarer Mode deutlich ausgebaut und dabei die experimentelle Lust nicht eingeschränkt. Sie selbst greift nun mit ihrer Anwesenheit spielerisch in das statische Erscheinungsbild ein und fügt ihrer Präsentation damit noch eine performative Note hinzu. Selva Huygens ist sicherlich der innovativste Stern am Berliner Modehimmel.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Nach dem fulminanten Erstauftritt in der vergangenen Saison konnte man sicher sein, dass der Designer Boehl Cronau auch jetzt eine denkwürdige Fashionshow veranstalten würde. Diese Erwartung hat er auch in ungewöhnlicher Weise eingelöst; für die neue Kollektion  hat er nämlich nicht nach atemberaubenden Effekten gesucht, sondern sich auf das Schlichte für den Alltag konzentriert, mit dem Ziel, dafür eine zeitlose Eleganz wiederzufinden, die als Leitlinie des Schaffens eine Garantie für höchste Ansprüche jenseits des Spektakulären verläßlich ist. Die Schau von ioannes am ersten Tag legte die Messlatte – zumindest in dieser Hinsicht – für alle folgenden hoch, und das auf gewissermassen leise Art.

Johannes Boehl Cronau hatte angekündigt, dass dies seine letzte Schau sei, zumindestens in einem solchen Format. Nach der letzten Saison in Paris mit Schauen im Palais de Tokio und den Galeries Lafayette Anticipations kam er zu dem Schluß, den modischen Wandlungserscheinungen den Rücken zu kehren und sich nun auf die Klassiker und Werte zu besinnen, die seine Leitphilosophie des Entwerfens ausmachen: eine Haltung und eine ästhetische Sprache. Nicht als Wiederholung sondern als Konzentrat, als Bekleidungsfreude und nicht als spektakulären Effekt. Dazu gehören eine Reihe persönlicher und geistiger, modischer Archetypen aus seinem Gedächtnis. Das sind zum Beispiel Schneiderstücke aus den 90er Jahren, wie Jil Sanders Büroanzüge, verbunden mit dunklem Lippenstift und spitzen Absätzen. Und auch das, was man als „transitional Dress“ bezeichnet, also die Kombination von Be- und Entkleidung im selben Teil.

Für eine bewußt „letzte Schau“ ist das schon eine Herausforderung an sich selbst, aber auch an das Publikum, das ja stets neue Trends und Ideen erwartet. Klassische Strickjäckchen und schlicht gehaltene Businessanzüge liegen da nicht im Erwartungshorizont, die zugrundeliegende Eleganz in diesem Fall schon – und die wird hier selbstverständlich auch bedient. Und sie ist es, wenn wir hier von einer qualitativen Messlatte spekulieren. Ob die Rückschau, Rückbesinnung, der Rückzug auf Klassisches und sogar Konventionelles ein Zeichen setzen wird, das Folgen hat, darf man dagegen bezweifeln. Letztlich demonstriert das ja auch ein Stück Konservativismus im Modebereich und ob der bei gleichzeitiger Beschleunigung subversiver Innovation und anderer Interessen (genauso wie in der Gesellschaft allgemein) ein anzustrebendes Ziel ist, muss sich jeder selbst beantworten. Vielleicht betrifft das sogar auch den Wert von Eleganz an sich, den die Entwicklung ja auch schon mehr oder weniger dahingerafft hat.

Den Titel der Kollektion „Apokalypse“ will Boehl Cronau nicht als Untergang verstanden wissen, sondern als Offenbarung. Mit der Suche nach den zugrunde liegenden Werten dieser Kollektion geht es ihm allerdings in erster Linie um eine gestalterische Selbstfindung und in diesem Sinne weniger um eine Proklamation eines Trends. Es klingt geradezu wie der Versuch, ein eigenes Geschmackstestament zu schreiben.
Sehr schön war die Schau allerdings wirklich und der demonstrative Ruf nach mehr Eleganz ist eigentlich ja auch berechtigt.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Seit vielen Jahren ist Rebekka Ruétz eine der Designerinnen, die der Modestadt Berlin und deren Fashionweek in guten wie in schlechten Zeiten stets die Treue gehalten hat. Die Modenschau der österreichischen Designerin fand diese Saison in der historischen Alten Münze in Berlin statt, einem Ort, an dem schon zahlreiche Schauen stattgefunden haben. Mit der Kollektion reBIRTH knüpft Ruétz an sehr frühe Kollektionen an. Dies zeigt sich sowohl farblich als auch bei den Silhouetten, und ein klares politisches Statement, wie wir es oft in den letzten Jahren von der Designerin immer wieder auf dem Laufsteg präsentiert bekommen haben, ist uns dieses Mal nicht begegnet. Man fühlt sich angenehm weit zeitlich zurückversetzt und an eine der frühen Kollektionen „The Witch“ Herbst- und Winter 2012 erinnert, eine Zeit, in welcher die Designerin noch in den Kleidungsstücken mit Flockdruck energetische Chakren eingearbeitet hatte. Die Farbpalette war seinerzeit ähnlich warm gehalten, ist diese Saison aber kräftiger und kontrastreicher. Gerade die Gegenüberstellung dieser beiden Kollektionen zeigt die Entwicklung der Marke und der Designerin über die letzten Jahre hinweg sehr deutlich – und auch, wie treu sich Rebekka geblieben ist.

Die Schau in der Berliner Münze war nicht ein klassischer Laufsteg, sondern vielmehr eine rechteckige Manege, um welche das Publikum wohl dosiert platziert wurde, und die Modelle liefen eine kalkulierte und bedachte Choreographie ab, die es ermöglichte, die Kleidung und Silhouetten aus verschiedensten Perspektiven und Betrachtungswinkeln zu begutachten.

Die Silhouetten sind abwechslungsreich gemischt und reichen von A-Andeutungen bei klassischen, leicht fallenden Kleidern bis hin zu Andeutungen von H-Formen. Bei vielen Looks fehlt die Eindeutigkeit. Vielmehr wird mit Auslassungen und Ausschnitten gespielt. Das, was an Flächigkeit fehlt, kann neu hinzuinterpretiert werden. Die Kollektion möchte mit der Metamorphose spielen – eine Entwicklung, getragen auch vom abwechslungsreichen Verwenden der unterschiedlichsten Materialien. So ist das Entpuppen aus einem warmen Mantel mit veganem Leder hin zu einem leichten und frühlinghaften Kleidchen in sonnigen Goldtönen mit schönen Kontrasten nachvollziehbar und greift die sehr schnellen, abrupten Wetterwechsel auf. Gerade die Farben spielen in dieser Kollektion wieder eine zentrale Rolle. Die Farbpalette greift klassisch neutrale, erdige Töne auf, die wir üblicherweise im Herbst und Winter finden können, aber auch bis weit in den Sommer tragbar bleiben. Diese sind sehr schön kombiniert: rauchiges Grau, leichtes und warmes Orange treffen hier auf Indigo. Daneben stehen Cremeweiß, Gold und Denim. Für die Nacht und den Abend finden sich Looks in Kohleschwarz und Torfbraun in der Kollektion. Bei Ruétz setzt man auch diese Saison auf Bio-Baumwolle, Denim, veganes Leder und Spitze. Veredelt wird dies durch exklusive Drucke. Das alles ist leicht, selbstverständlich feminin und selbstbewusst. Tragbarkeit ist garantiert, auch für verschiedenste Anlässe und selbst bei einer den Winter unterbrechenden kurzen Reise in wärmere Gefilde.

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Sehr ambitioniert und stilvoll hat die Schweizer Botschaft erstmals eine eigene Veranstaltung während der Fashionweek ausgerichtet, um dem nationalen Modeschaffen eine eigene Plattform zu ermöglichen. In einer luxuriösen Gesamtstimmung in schönem Ambiente präsentierten sich die Schweizer mit ihrer Modenschau als äußerst liebenswürdig, anspruchsvoll und auch großzügig.

Zuerst konnte man an Ständen die Designerware erkunden, später folgte ein Défilée mit 13 ausgesuchten Labels – Modedesign und Accessoires. Fast alle repräsentierten letztlich einen eher unspektakulären Grundcharakter mit deutlichem Qualitäts-Anspruch in unterschiedlichen Variationen. Das erscheint wie ein eigenständiges Konzept inmitten der Berliner Fashionweek, welche sich ja eher innovativem Modedesign junger Nachwuchsdesigner verschrieben hat. Hier aber focussierten sich die Veranstalter auf ein Segment unaufgeregter und irgendwie bodenständiger Classe mit diversen Aperçus, die dem überhitzten Trendgetriebe andernorts eine gewisse Stabilität entgegensetzte.

Dabei versteht sich dieses Konzept durchaus nicht als grundkonservativ oder gar zeitgeistunabhängig, denn Nachhaltigkeit, Langlebigkeit und Innovation in der Materialwahl (Global Organic Textile Standard) als zeitgerechte Positionierung sowie heimische Produktion und transparente Lieferketten verbergen sich als wichtige Qualitäten hinter den visuellen Gemäßigtheiten. Auf diesen Beitrag zur Moderne wird viel Wert gelegt.

Gleichwohl zeigte das Spektrum dieser Veranstaltung nicht repräsentativ den Schweizer Markt, über den wir verschiedentlich berichteten (z.B. Mode Suisse in der Edition 12), der durchaus Exzentrisches und sehr Spannendes zu bieten hat und der in diesem Sinne auch Jungstars wie Julian Zigerli, Kévin Germanier oder Blank Etiquette by Tosca vorzeigen kann, um nur einige zu erwähnen.

Nein, aufregend war das nicht, was wir hier sahen, aber doch eine irgendwie wohltuende Demonstration von „Swissness“, deren Charme man sich nicht entziehen konnte.

Eine stilvolle Botschaft im doppelten Sinne des Wortes.

Mourjjan:

Balseca Weber:

beige:

Charles Muller:

Kleinbasel by Tanja Klein:

De Marquet:

M. Luna:

pierrot & pierrette:

Claudia Nabholz:

PAMB:

Joy & Grief:

Somyso:

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Bilder: Andreas Hofrichter, Gerhard Paproth

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon und der Vogue-Salon

Auch wenn die Défilés stets die spektakulären Veranstaltungen der Berliner Fashionweek waren oder wohl noch sind, ist die Gruppenausstellung doch der Event, bei dem die Brücke zwischen Designern, Publikum und Profis am evidentesten geschlagen wird. Sie hat sich damit auch als sehr wesentliches Highlight der Modewoche etabliert – umso mehr, als die Präsentation höchst ambitioniert und rundum geschmackvoll ausgerichtet ist. Versammelt sind alle aufstrebenden Designer (die man noch als Nachwuchs im deutschsprachigen Raum bezeichnen kann), von denen sich die Veranstalter Zukunft versprechen und die ein spannendes Panoptikum an Gestaltungsansätzen in der großen Ausstellung vorführen. Einige, wie Lala Berlin oder Perret & Schad sind längst feste Größen in diesem Zusammenhang, jede Saison kommen aber neue Entdeckungen dazu, die eben nicht mit einer kompletten Laufstegschau ins Bewusstsein rücken (können).

Die eigenständige Auswahl des Vogue-Salons im Untergeschoss des Kronprinzenpalais focussiert auf sechs ausgewählte Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum, die damit auch einen verdienten Akzent im Ganzen bekommen.

Zu viele sind es, um jeweils eine komplette Besprechung hier zu rechtfertigen, aber alle sind so gut (und zum Teil atemberaubend), dass sich das nähere Hinschauen lohnt. Wie schon bei früheren Saisons zeigen wir darum Ausstellungs-Beispiele von fast allen Modedesignern in ungeordneter und unkommentierter Folge.

Beim Rundgang durch die Ausstellung wird aber auch deutlich, dass die angestrebte Erweiterung der großen Schau um Fotografie und Design sich nur behutsam präsentiert, denn hier gilt es, den Schwerpunkt Mode nicht zu sehr aufzulösen. Die Staatliche Porzellan Manufaktur Meissen hat aber viel Raum für ihre Exponatbeispiele (in Zusammenarbeit mit Odeeh) erhalten. Dabei zeigt sich, dass der gesuchte und integrative Balanceakt nicht so selbstverständlich umzusetzen ist und beim Besucher doch leichte Irritationen aufkommen. Dieser Teil des Konzeptes wird wahrscheinlich auch zukünftig nicht so ganz homogen auszuführen sein, auch wenn die Konzepterweiterung gute Argumente birgt. Andere Städte bzw. Veranstaltungen haben das auch gemacht, Hyéres beispielsweise hat im Prinzip aber eine klare Trennung der Medien bei den Ausstellungen (und Wettbewerben) beibehalten und zusätzlich einen großen Raum mit Installationen für das Verschmelzen der Genres eingerichtet.

Shirt von LALA Berlin

Bedauerlich ist nach wie vor, dass diese wunderbare Ausstellung auf einen (Nachmitt-)tag beschränkt ist. Die Besucherfrequenz ist entsprechend hoch und auch ausgesucht, wünschenswert wäre allerdings, den Zeitraum um einen oder zwei Tage zu erweitern und mit einer entsprechenden Lockerung des Zugangs im Folgezeitraum das Anliegen der Ausstellung einem etwas breiteren Publikum zu ermöglichen und darüber hinaus die Rezeption etwas zu intensivieren.

Allude:

Antonia Zander:

Dawid Tomaszewski:

Dorothee Schumacher: 

Golpira (Schmuckdesign):

Hien Le:

Horror Vacui:

Iris von Arnim:

Jan Kath (Textildesign):

LALA Berlin:

Lili Radu (Accessoires):

Maiami:

Malaika Raiss:

Marina Hoermanseder:

MCM (Accessoires):

Odeeh:

PB 0110 (Accessoires):

Perret & Schaad:

Peter  O. Maler:

Rianna and Nina:

Sminfinity:

Stiebich und Rieth (Accessoires):

Strenesse:

Talbot Runhof:

Unützer (Schuhe):

Catharina Mende:

Claudia Bertini:

Femme Maison:

I’VR Isabel Vollrath (mit Swarovski):

Lou de Bétoly (mit Swarowski):

Rianna und Nina:

William Fan (mit Swarowski):

Working Title:

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Text: Gerhard Paproth

Fotos: Andreas Hofrichter

Bemerkenswerte Überraschungen erwartet man eigentlich nicht, wenn man zu einer Schau von Ewa Herzog geht, vielmehr gehört ein Ewa-Herzog-Défilé zu den Veranstaltungen, zu denen man immer wieder gerne hingeht, weil sie einfach schön sind. Ewa Herzog liebt Spitze und Transparenz, körperliches Selbstbewusstsein, den Touch von Finesse und klassische(s) Gestalten.

Die Leitidee, dem Femininen in einer zunehmend rauer und lauter werdenden Umwelt ein überzeugtes Konzept von Feinheit und spielerischem, weiblichem Eros entgegenzusetzen, ohne Anpassung an schräge und unisexuelle Erscheinungen der Gegenwart, führt zu Ergebnissen, die stets um diese Vorstellung der schönen Frau kreisen. Und auch um ihre Träume. Lust auf Innovation gehört eher nicht dazu, aber der Mut, dies auch mit zunehmend offenherzigen Bekleidungskonstellationen zu demonstrieren, begründet sich schon im toleranten Zeitgeist. Die Haltung ist gerichtet auf feinsinnige Wahrnehmung, die sich am Besonderen und Raffinierten zu erfreuen weiß und eigentlich nur in unserer großzügig-toleranten, europäischen Wirklichkeit so offen möglich ist.

Ewa Herzog liebt dabei die Arbeit an diversen Details, Spitze, an transparente Faltungen und Glättungen, sie testet das interaktive und subtile Spiel zwischen Kleidung und Körper, Haut und darüber arrangierter Stofflichkeit, die gelegentlich eben nur annähernd verschwindet.

Ihre Schnitte bleiben dabei stets schlicht und unspektakulär, selbst die spielerischen Raffungen der Ärmel, die an vielen Stücken zu sehen sind, fallen zwar etwas auf und bewegen die Umrisslinie, fügen sich aber doch in eher klassische Schnittkonstellationen. Auch andere, recht klassische Herangehensweisen finden sich überall, damit ist das Abenteuerliche des Blickes etwas gemäßigt. Aber mit dem Mut zum selbstbewussten, sexy-erotischen Auftritt, den Herzog von Mal zu Mal entschiedener formuliert, gibt sie dem Konservativen einen sinnlichen Zauber auf den Weg, der mit wundervoll-träumerischen Abendkleidern ergänzt wird.

Gerade in der Überhitzung der Markttrends und ästhetischer Primitivismen ist Ewa Herzogs Mode eine zeitgemäße und geradezu entschiedene Alternative der Be-Sinnlichkeit, eine Position, die wir dringend brauchen, um den schnellen, billigen Designs zu entrinnen und eine kultivierte Zukunft ins Auge zu fassen.

Eines allerdings darf man nicht überschätzen: In der Realität des Alltags ist die Konsumentin erfahrungsgemäß dann doch eher ängstlich mit diesem erotisch-subtilen Spiel. Sie fährt es herunter mit grober Unterwäsche oder Futterstoffen auf einen oberflächlichen Code, der die Raffinesse zur spießigen Plattitüde umgestaltet. Im Zusammenspiel mit der konservativen Gesamtgestalt wirkt das dann eher konterkarierend banal als raffiniert – und man(n) wünscht sich stattdessen, die Frau würde die Stärke des Konzeptes behaupten können, wenn sie sich schon dafür entschieden hat. Denn starke und zugleich sinnliche Frauen sind unsere Zukunft (wenn wir mal die aktuellen, moralreaktionären Meldungen außer acht lassen), so glauben wir, und die schönen Träume wollen wir nicht aufgegeben wissen.

Ewa Herzog hält ein feines Fähnchen kultivierter Sinnlichkeit über das laute Trendgeschrei, welches sicher auch mal wieder abebben wird.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Vom kalten, unfreundlichen Berliner Regen ins warmfeuchte, tropische Gewächshaus zu treten ist ein gutes Ausgangsgefühl für eine Modenschau, die einen speziellen Blick auf die Natur zum gestalterischen Thema gemacht hat. Zumindest was die Motive der Prints betrifft, die Lena Hoschek für ihre Kleider verwendet hat.

Die österreichische Designerin hat offenbar „Florilegien“ des 17. Jahrhunderts studiert, Bücher mit Grafiken von Pflanzen, die nicht nur wissenschaftlich-botanische Zwecke verfolgten, sondern auch repräsentative für ihren Besitzer. Kostbar gemachte, extrem sorgfältige Deckfarbenzeichnungen auf Pergament mit farbigem Reichtum gaben darin die feine Textur der Blätter, Blüten und Stängel in natürlicher Größe und mit einer fast haptischen Wirkung wieder. Gelegentlich zu Arrangements zusammengefasst, wurden die Gräser-, Kräuter- und Blumendarstellungen zusätzlich belebt von Schmetterlingen, Käfern, Raupen und Vögeln, so dass die Abbildungen sich gleichzeitig den gemalten Stillleben annäherten, die im 16. und 17. Jahrhundert bekanntlich große Mode waren.

Die wertvollen Zeichnungen wurden umfangreich versammelt in den erwähnten, meist großen Büchern, die dem Wissen, praktischer Nutzung und der Erbauung zugleich dienten. Sie fanden auch in den folgenden Jahrhunderten ihre Liebhaber verschiedenster Provenienz und ihre Reproduktionen landeten darum eben nicht nur in Biologiebüchern und Apothekenkalendern, sondern auch als Wandschmuck bei wohlhabenden Leuten und, zum Beispiel in der Arts and Crafts – Bewegung, auch auf Tapeten, Porzellan und anderen Objekten der Designgeschichte. Sie wurden bis heute stets neu gewürdigt, in Büchern und Ausstellungen. Und Lena Hoschek hat sie nun begeistert für sich entdeckt.

Der Fundus ist überaus reich und bietet genug für die Designerin, um eine ganze Kleiderkollektion damit zu bestücken und zu beleben. Die pfiffige, oft raffinierte Verwendung applizierter Designs und Muster beherrscht die Wienerin ohnehin in allen möglichen Anwendungsvarianten, nur die bisherige explizite Orientierung an 50er und 60er Jahre Styling bricht sie damit in dieser Kollektion. Wie oft bei ihren Herbstkollektionen ist die Farbenfreude erheblich gedämpft. Die vielfältigen Retro-Schnitte und Silhouetten sind in eingeschränkter Weise zwar erhalten geblieben, aber lebensfrohe Sexiness ist nun sehr heruntergefahren und das Vergnügen am Experimentellen weitgehend eingeschränkt – gleichwohl ist der Hoschek-Style noch unverkennbar und variantenreich, stellenweise auch delikat. Aber so tritt der Touch des bürgerlichen Auftritts noch ein wenig bestimmender in der Gesamtgestaltung hervor als schon bisher, und die Rasanz, mit der Lena Hoschek einmal den Laufsteg okkupiert hatte, ist definitiv Geschichte. Das Besondere der Palmenhaus-Location und die gewohnt liebevolle Konzeption ihrer Défilés entschädigt aber im Erlebnis für so manches, was alte Hoschek-Fans inzwischen an Esprit schmerzlich vermissen. Man könnte auch sagen, die Kollektion ist erwachsener geworden.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Neugier gegenüber ästhetischen und künstlerischen Prägungen aus der Weltkultur und Kulturgeschichte kennzeichneten stets die Kollektionen von Tomaszewski, damit ist er mit seinem kreativen Potential offener aufgestellt als die meisten seiner Kollegen. Als Modedesigner interessieren ihn dabei weniger die kulturhistorisch komplexen Tiefen und Zusammenhänge, sondern subtile ästhetische Charakteristika, die er mit seinen gestalterischen Experimenten reflektiert und verwebt.

Das gelingt schon deswegen auf faszinierende Weise, weil Dawid Tomaszewski ein außergewöhnlich sicheres Geschmacksempfinden besitzt, was auch abenteuerliche Kombinationen und Interpretationen zu beeindruckenden Stimmigkeiten führt. Sehr sicher fügt er internalisierten ästhetischen Potentialen neue hinzu, so dass das vorgeführte Spektrum der Zugriffe immer größer wird und neue Anschauungen die bisherigen Wahrnehmungen ergänzen.

In der aktuellen Kollektion zum Beispiel finden wir die Aspekte der eleganten oder strengen Zwanziger wieder (Federn, Schnitte, klare Grafik), japanische Ästhetik (Haori-Jacken, Perfektion des Schlichten), englische Landhaus-Aspekte (Schottenkaro, rustikale Silhouetten), Hippie-Style (lange, weite und lockere Kleider) und nicht zu übersehen Punk (mit den gerissenen Netzteilen) oder Hip-Hop-Streetwear. Ob Fledermausärmel und Zipfelröcke, grelle oder unerwartete Farbkombinationen (z.B. Rosa mit Gold), Materialien, die wir in die unterste Erinnerungsschublade verfrachtet hatten (Samt, Disco-PVC, Billig-Ohrschmuck) – nichts ist tabu. Alles gedanklich zu verknüpfen, Verschiedenstes zu einer stimmigen Einheit zu verbinden ist die hohe Kunst. Überraschungen am laufenden Band entstehen, Mut und Provokation ergänzen die Faszination des Möglichen um innere Bewegung.

Auch der „sex-moralische“ Blick wird konterkarierend eingebracht: Hochgeschlossen Verpacktes erscheint neben sexy Offenherzigem, betonte Figur neben eher unförmigen Silhouetten – das reflektiert eine pluralistische Gesellschaft, die mit allen Aspekten gleichzeitig lebt und alle Positionierungen akzeptiert.

Als zeitgenössisches Statement verbleibt der Eindruck, dass Tomaszewski nun die Grenzen von der hocheleganten Upper-Class nach unten hin bis Punk und Street auflöst, der Mix macht das Punkige elegant und das Edle wird Allgemeingut. Einstellungen, die sich mit den jeweiligen Codes verbinden, werden nun über den Haufen geworfen, die ästhetische Anschauung ist es, was hier zählt und der sichere Geschmack als Basiskompetenz lässt das auch überzeugend erscheinen. Ein Geist im Ganzen, wie er bei guten Designern eigentlich meist mitgeliefert wurde, eine gesellschaftsbezogene Position wird bewusst ausgeklammert – alles ist gut, alles ist interessant, alles kann doch gefallen.

Damit lieferte Dawid Tomaszewski einen faszinierenden Auftakt für die Fashionweek, der vieles vorweg nahm, was folgte. Auch anderswo sahen wir den Versuch, Street-Wear-Style neu ästhetisch zu thematisieren und nicht nur den persönlichen Idealstil zu kultivieren – Irene Luft und Marina Hoermanseder sind nur zwei Beispiele von vielen. Viele Designer zeigten, dass sie einer gefühlten Zeitgenossenschaft sichtbarer zugehörig sein wollen und es bleibt abzuwarten, ob es den Modemachern gelingt, sich da überzeugend zu integrieren oder ob die sich selbst definierende Berghain-Kultur-Gesellschaft schon weitergezogen ist, bevor die Trends angekommen sind. Nun, das wäre in der Geschichte der Mode ja kein neues Phänomen.

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Bilder: Boris Marberg

Bildedition: Freda Henry

Allude kombiniert Knallfarben mit weiblicher Eleganz

Allude Designerin Andrea Karg hob sich auch dieses Jahr auf der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin gekonnt von der Masse ab.Während der Großteil der Designer lieber auf schlichte Farben setzten, präsentierte Allude eine knallig farbenfrohe Kollektion. Besonders leuchtende Rottöne sah man viel. Mal kamen sie dominant daher, ein anderes Mal dienten sie als Kontrapunkt zu anderen Farben.

Neu sind aber vor allem die giftigen Grüntöne der einzelnen Kollektionsstücke, die echtes Kultpotenzial haben. Zusätzlich zu dem charakteristischen Cashmere- und Strickmaterial, welches Allude seit Jahren immer wieder authentisch und neu interpretiert, sah man dieses Jahr auch opulente Fellwesten und Fellkragen.

Schnitttechnisch sind weiterhin Military – und Reiteranleihen voll im Trend, am liebsten mit Betonung der Taille.

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