Text und Bilder: Gerhard Paproth

Hier sieht man die jüngsten Trends, die aktuellen Bewegungen in  der internationalen Mode und die interessantesten Neuerkundungen in Material und Schneiderhandwerk. Und, in der Erweiterung, kreative Erfindungen zu Modeaccessoires sowie Positionen der jungen Fotografie. Zum 40. Male wurde das Festival de la Mode in der Villa Noailles nun ausgerichtet und, wie man diesjährigen Medienberichten schon im Vorfeld entnehmen konnte, infolge von Finanzierungsproblemen in recht kontrollierter Ausgabe. Alle, sowohl die Organisatoren als auch das schon bei der Eröffnung begeisterte Publikum wollen diese Veranstaltung erhalten, denn sie hat sich, unter der Leitung von Jean-Pierre Blanc, zu einem unverzichtbaren Event der Modewelt etabliert: sie liefert nicht nur die neuen Trends und Ideen, sondern der Industrie den besten Nachwuchs. Entsprechend vielfältig ist das Publikum von Studenten, Professoren, Modemanagern und jungen Designern, Presse und Neugierigen von fern und aus der Umgebung. Hier treffen und bilden sich wichtige Netzwerke der Branche und spätestens hier wird gegenwärtige Modephilosophie festgeschrieben. Die Qualität, die Strahlkraft und die Langlebigkeit dieses Festivals sind sein wesentlicher Erfolg im professionellen Sinne, weswegen auch viele und besonders renommierte Sponsoren sich gerne beteiligen (institutionelle Partner und das Kulturministerium sowie privaten Sponsoren, darunter Chanel, Le 19M, LVMH, Hermès, Supima, Kering, American Vintage und Première Vision).

Eine große Jubiläumsfeier blieb aus, denn das Festival war Anfang des Jahres formal schwer unter Beschuß geraten: eine Rüge des französischen Kulturministeriums im April kritisierte das bisherige Management scharf und medienwirksam, denn nicht nur die Alleinherrschaft des Festivalgründers Jean-Pierre Blanc wurde den Mitstreitern zunehmend unerträglich sondern auch der Umgang mit den Geldern häufte hohe Schulden auf (Schuldenstand von 3,8 Millionen Euro). Die diesjährige Ausgabe fand demzufolge in einem verkürzten Format statt und soll als Übergang zu einer möglichen Neuausrichtung verstanden werden. Verantwortlich für diese Neuausrichtung ist nun Hugo Lucchino, der im August zum Generaldirektor des Kunstzentrums Villa Noailles ernannt wurde.

Auffällig dafür ist die „Verkürzung des Formats“, die in jeder Hinsicht spürbar wurde. Allgemein gesehen fehlt das großzügige, liebevolle und leichte Flair im Ganzen; im Konkreten wird der Zeitraum von vier auf drei Tage verkürzt, es gibt nur noch eine große Modenschauveranstaltung und die Räumlichkeiten wurden verdichtet. Keine Extrabühnen und Podiumsveranstaltungen mehr, keine künstlerischen Installationen, Darbietungen und Sonderausstellungen mehr, Eintrittsgelder werden nun erhoben und diverse Partys am Rande wurden gestrichen, sogar die berühmte Aftershowparty für die Wettbewerber und Preisträger. Das große Verwöhnprogramm für Jurymitglieder und VIPs wurde auch zurück gefahren und sehr schnell fiel sogar der wichtige Shuttleservice aus, zwar nicht für die VIPs (da Mercedes-gesponsert) aber für alle anderen Besucher (die Villa Noailles, Festivalort, liegt hoch auf dem Berg und ist nur mit PKW, Taxi oder fast einstündigem Fußmarsch zu erreichen). Schon damit spürte man die Einschränkung sehr unangenehm.

Aber auch wenn man als Besucher einsichtig ist und auf viele Annehmlichkeiten zu verzichten bereit ist, bleiben doch auch Beschränkungen, die man als schädlich wahrnehmen kann. Wir empfanden besonders die räumliche Verknappung als kontraproduktiv, was umso unverständlicher war, als die großzügige Villa ja in städtischem Besitz ist und keine parallelen Veranstaltungen dort stattfanden. Diese räumliche Verdichtung führte nicht zu sachlicher Focussierung sondern zu einem unangemessenem Mix der Aspekte sogar zwischen den drei Festivalabteilungen. Die wurden jetzt sogar noch um einen irritierend großzügig angelegten Fotobuchbereich erweitert.
Darüber hinaus wurde die Dokumentation mit Film und Bild schwierig, umso mehr als sich das Publikum oft drängen mußte. Gleichwohl war da – zumindestens gefühlt – weniger Publikum insgesamt als sonst.

Aber, auch das muss man konstatieren, vieles Gute ist geblieben und machte den Besuch lohnenswert. Allem voran natürlich das Wetter, ein Oktober wie sonniger Hochsommer, eine wunderschöne Stadt, grün, blühend und mit Palmen überall, das Mittelmeer im Blick und die schöne Villa Noailles selbst (wir berichteten das mehrfach). Der spezielle Shop mit seinen exzentrischen Angeboten. Auch der Kern der Veranstaltung blieb weitgehend unangetastet, nämlich die Künstler- bzw. Designerwettbewerbe, hier gab es keine Abstriche und die Qualität schien dieses Jahr sogar noch besser als letztes Jahr, das mag aber eine subjektive Einschätzung sein und ist dann wohl auch zufällig. Die Jurys, muss man dazu sagen, sind jetzt rein von Modeprofis besetzt, über weitere Veränderungen im Verfahren oder programmatischen Verständnis wissen wir aber nichts. Aus dieser Perspektive ist, soweit man das jetzt einschätzen kann, die bisherige Leitidee des Festivals auch der substantielle Teil der Neuausrichtung und damit bliebe der attraktive Kern (und Sinn) der Veranstaltung erhalten. Ob allerdings in der Verkürzung und vor allem der Verknappung auch die große Strahlkraft erhalten bleibt, hängt auch von der Publikumstreue ab, das mit einem weniger leichten, stark versachlichterem Format leben muss.

Impressionen:

eine der früher genutzten Freiflächen:

Bühne mit Projektionswand:

und früher mit Liegestühlen genutzte Relaxfläche:

Wandgestaltungen innen:

Fotoausstellung:

im Shop:

***

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Défilé für den Grand Prix du Jury Première Vision, Prix du public, Prix de la collection éco responsable Mercedes Benz, Prix le19M des métiers d’art

Text & Bilder: Gerhard Paproth

Im Gegensatz zum Showroom, wo man die Designerexperimente näher betrachtet, manchmal unter dem Gesichtspunkt der Herstellung und des innovativen Anliegens, also eher leicht konzeptbefangen, ist die Modenschau auf dem Laufsteg etwas befreit davon und der ästhetische Blick aufs Ganze dominiert die Wahrnehmung im Scheinwerferlicht. Das heißt, die gestalterische Entwurfskompetenz wird letztlich vorgeführt und neben dem gelegentlichen Wow-Effekt schleicht sich manchmal auch der Gedanke ein, wie man sich die Kleidungs-Gestalten im Alltag vorstellen könnte – und sei es auch nur für einen in der nahen Zukunft liegenden Moment.

Dies ist sicher nicht die umfassende Sicht der Juryteilnehmer, die heutzutage gerade Nachhaltigkeit und einfallsreichen Umgang damit zuvorderst erkennen und prämieren müssen, zu recht. Doch der Außenstehende läßt sich erst einmal von der Originalität des Erscheinungsbildes verführen, Produktionsvorteile und ethische Ausgangshaltungen geraten in den Hintergrund. Die Folge ist, dass der Publikumspreis oft ganz anders begründet ist, als die professionell beschlossenen. Das fällt erst dann zusammen, wenn das Gesamtkonzept einen hohen Grad an Souveränität in allem erreicht.

Die Schauen auf dem Festival sind in ästhetischer Experimentierfreude ähnlich dem, was man bei Modeschulabschluß-Präsentationen sieht, nämlich mehr exotisch als exquisit, mehr mit avantgardistischem Geist behaftet als man bei den großen Schauen in Paris oder anderswo findet.  Darin liegt für uns jedenfalls der ganz besondere Reiz. Hier werden erstmalig neue Mixe erprobt, neue Architekturen und neue Farbkombinationen erfunden, textile Verrücktheiten herausgestellt, Klassisches wird neu gesehen oder gebrochen und Umformungen bekannter Alltagserfahrung vorgeführt. In dieser Hinsicht kann die aktuelle Ausgabe der zehn Preisanwärter  auch wieder gut bestehen, das Panoptikum mutiger Konzepte, die schon hinsichtlich professioneller Verarbeitung und stimmiger Gestaltungskompetenz vorausgewählt sind, ist reich und hält viele Überraschungen bereit.

Was dabei zunehmend auf der Strecke bleibt, ist der Haut-Gout und nicht selten auch Eleganz, wovon wir immerhin dank der Modeschauen großer Häuser noch etwas verwöhnt sind, obwohl auch da in Grenzgängen Eigentümlichkeiten mutige Geschmackserweiterungen etablieren wollen. Mit hinzutretender Hinwendung zu Streetwear, wie zum Beispiel bei dem Wettbewerbssieger Dolev Elron, wird diese Schwelle von vornherein niedriger angelegt, und wenn man dann noch die amerikanische Alltagsgeschmackskultur der Streetwear als leitende Perspektive nimmt, ist die Abwendung von einer herkömmlich gepflegten, eleganten Kleidungsästhetik sinnfällig einprogrammiert. Das wird auch bei diesem Défilé sichtbar und letztlich ist das ja auch schon in den Ausbildungen der Modeschulen so angelegt. Dann sind solche Kollektionen wie die von Romain Bichot, Fabian Kis-Juhasz oder gerade July Mouly-Pommerol, die eher in Zwischenbereichen oszillieren, von besonderer Faszination.

Das Publikum vor Ort feiert beide Aspekte, denn es ist anders zusammengesetzt als die exclusive Klientel bei Schauen großer Häuser. Sehr kritisch ist es trotzdem – sei es aus Erfahrung oder sei es dank Schulung. Auch das ist eine Besonderheit, die das Festival in Hyères den übrigen großen Modeereignissen und -wochen voraus hat.

Romain Bichot, Belgien, Call me if you get lost
Prix le19M des métiers d’art:

Dolev Elron, Israel, Casual Turbulence
Grand prix du Jury Première Vision:

Fabian Kis-Juhasz, Ungarn, Navel Gazing:

Logan Monroe Goff, USA, Asphalt Cowboy
Prix de la collection éco-responsable Mercedes Benz:

Tal Maslavi, Israel, Sugar Rush:

Mention speciale du jury:

Lilian Navarro, Frankreich, Cargo Culte:

Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich, Last Tour:

Kenshiro Suzuki, Japan, Promenades Projekt:

Gaëlle Lang Halloo, Frankreich, Abseits
Prix du public de la ville d’Hyères:

July Mouly-Pommerol, Frankreich, Métamorphose

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival an der Côte d’Azur ist die Pilgerstätte des Nachwuchdesigns für Mode, hier treffen die Profis, Designschüler,  Absolventen und neugieriges Publikum aufeinander, schließen Kontakte, fachsimpeln und genießen das gemeinsame Interesse in lockeren oder konstruktiven Gesprächen. Hier werden die aktuellen Trends sichtbar und Weichen gestellt.

Das Prinzip des Festivals ist wie jedes Jahr und wie schon oft hier beschrieben, aber es wird zunehmend komplexer: Mehr Sponsoren, 50 dieses Jahr, mehr ausgelobte Preise, dabei allerdings nicht mehr Publikum. In den nächsten Jahren soll das Renomme noch weiter gesteigert werden, obwohl die Veranstaltung ohnehin schon zu den besten gehört, die im Jahr an der Côte d’Azur stattfinden. Es wird nach wie vor von seinem charismatischen Gründer Jean-Pierre Blanc geleitet und ist seit langem die Quelle des Nachwuchses der französischen Modehäuser, deren großzügiges Sponsoring (besonders Chanel und le19M) sich damit bezahlt machen dürfte. Das gilt ebenso für die ausgelobten Preise von Hermès zum Beispiel oder von L’Atelier des Matières und natürlich ist auch La Fédération de la Haute Couture et de la Mode dabei, die dafür sorgt, dass der Gewinner des Hauptpreises eine kostenlose Schau auf der Pariser Fashionweek bekommt. Mit allen ausgeschriebenen Preisen (besonders deren Support-Anteil, siehe unten) haben die Gewinner die allerbesten Startchancen im Business, die man sich denken kann und selbst wer ohne Preis nach Hause fährt, hat wichtige Geschäftskontakte in der Tasche. Die Teilnahme und ein Platz unter den 10 Laureats allein ist schon die erste Stufe auf der sicheren Karriereleiter – wenn man was daraus macht.

Das Festival bietet neben den Mode- (und Foto-) Wettbewerben ein reiches Kulturprogramm mit Ausstellungen, Performances, künstlerische Installationen, Showrooms, Workshops, Lesungen, Konzerten und vielem mehr. In der integrierten Boutique kann man nebst Büchern viele originelle Designobjekte kaufen und auch Kollektionsteile vergangener Wettbewerber.

Zeit und Ort der Veranstaltung sind nach wie vor ideal, im sonnig-warmen Spätsommer und außerhalb der Modewochen gelegen, in der großzügigen Villa Noailles in Hyères les Palmiers, einem sehr gepflegten und grünen, großenteils herrschaftlichem Ort. Die vielen Touristen befinden sich angenehmerweise eher im südlichen, etwas abgetrennten Teil der Stadt, also an der Küste, aber jetzt im Oktober sind das ohnehin nicht mehr so viele und das mediterrane Ambiente entfaltet sich vorwiegend mit seinen Bewohnern im Zentrum auf das angehmste. Der „Einbruch“ des Modepublikums in diesen drei Tagen wirkt mitnichten dominant sondern eher ästhetisch bereichernd und verjüngend.

Impressionen Hyères Oktober 2024

Villa Noailles

Aus der Boutique:

Ateliers, Workshops (hier: Murmuration von le19M, Aristide x Lesage):

Lesung, Debatte (vor und im separaten Zelt):

Mit zunehmender Zahl Sponsoren werden auch mehr spezifische Preise, Kooperationsprojekte oder Materialstiftungen ausgelobt, das sind in diesem Jahr nicht wenige:

Für Mode
1. GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION
– ein Gründungsstipendium in Höhe von 20.000 Euro von Première Vision,
– ein Zuschuss von 20.000 Euro von CHANEL, für ein Gemeinschaftsprojekt mit einem oder mehreren ansässigen Kunsthäusern von 19M, die während der 40. Ausgabe des Festivals im Jahr 2025 ausgestellt werden,
– engagierte Unterstützung durch die L’Alliance du Lin et du Chanvre Européens mit insbesondere einer Materialzuteilung in europäischem Leinen für eine oder mehrere Silhouetten,
– ICICLE lädt den Gewinner zur Schaffung einer Capsule Kollektion ein,
– Madame Figaro, Medienpartnerin, wird für Sichtbarkeit und ein Editorial sorgen.
– Sterling International wird dem Gewinner Mentoring von einem Jahr anbieten, um ihn bei seinem beruflichen Projekt zu unterstützen.
2: PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART
ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro für die Realisierung eines neuen Projekts, das nächstes Jahr gezeigt wird. Beteiligt sind elf Kunsthäuser und die Galerie des 19M mit der Förderung der künstlerischen Berufe Mode und Dekoration.
3: PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES
Materialzuwendung (matières endormies und recycled) im Wert von 10 000 Euros.
4: PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ
Stipendium in unbekannter Höhe
5: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
– Supima Design Lab Paris, offizieller Partner des Hyères Festivals, unterstützt die Finalisten des Modewettbewerbs mit SUPIMA-Gewebe. Finalisten, die Supima-Gewebe verwenden, schaut sich das Supima Design Lab in Paris an.
– Puntoseta bietet den Gewinnern die Herstellung eines Stoffes an.
– Premiere Classe als Gastgeber während der Paris Fashion Week, bietet dort einen Ort für eine Ausstellung im März, außerdem eine Marketingfläche im Oktober und  spezifisches Mentoring für Geschäftsentwicklung.
– Die Werkstatt Aymeric Le Deun, Knopfspezialist und für mit Stoff und Leder bezogene Modeaccessoires, unterstützt mit Herstellung von Knöpfen für ihre Kollektionen.
– CatwalkPictures.com bietet kostenlos Fotos anläßlich ihrer ersten Modenschau in Paris.
– Sterling International bietet Coaching vor dem Festival mit personalisierter Nachbereitung in den Monaten danach.

Für Accessoires
1: GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES
eine Projekts in Zusammenarbeit mit den Métiers d’art, im Rahmen von 20.000 Euro. Die neue Kollektion wird anlässlich des 40. Hyères Festivals im Jahr 2025in der Villa Noailles ausgestellt.
2: PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE
In diesem Jahr wird ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro vergeben für die Kreation eines Accessoires aus Leder, Schmuck oder ein Gürtel (matières dormantes).
3: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“. Camper lädt den Gewinner auf seinen Hauptsitz auf Mallorca ein.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
ADC – Au-Delà du Cuir: Jeder Kandidat wird die Möglichkeit haben sein Projekt während einer Coaching-Sitzung mit dem Inkubator und einigen Preisträgern/ADCs zu thematisieren. Alle nehmen am Laureate/ADC-Programm teil und haben die Möglichkeit, ihre Kreationen im ADC Showroom auszustellen.

Abgesehen von Ruhm und Ehre und eventuell Geld sind alle Preise auf Hilfestellung für den Start in eine professionelle Karriere ausgerichtet, dabei gelten besonders die Capsule-Projekte für die großen Häuser als begehrenswert sowie die Teilnahme an der folgenden Fashionweek Paris. Viele ehemalige Preisträger beurteilen die Preisrealisierungen zwar recht unterschiedlich aber nicht wenige von ihnen haben damit den erfolgreichen Einstieg in die große Modemaschinerie Frankreich geschafft. Umgekehrt sichert sich die französische Modeindustrie professionell und zugleich inovativ gestaltende Jungdesigner als konkreten Nachwuchs aus aller Welt – auf dem Festival quasi à la carte.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth *

Das Ambiente der Veranstaltung ist wie jedes Jahr: entspannt und höchst ambitioniert zugleich, lässig und doch ästhetisch sehr anspruchsvoll. Im schönen Rahmen der Côtes d’Azur, wo Palmen, üppige Botanik und kultivierte Architektur die Stadt Hyères prägen. Hinten, auf dem Berg, liegt die Villa Noailles, die dieses Jahr ihr hundertjähriges Jubiläum feiert und nach wie vor in ihrer Großzügigkeit und Geschichtsträchtigkeit die optimale Location für das Festival de Mode, de Photographie et d’Accessoires bietet. Der Spätsommer ist eigentlich Hochsommer, das Festival eher ein Ausstellungskonglomerat zur jungen Mode der Gegenwart (und Fotografie) und das Publikum ist zwar attraktiv aber alles andere als hochtrabend exclusiv (was für Frankreich schon etwas heißen will). Abgesehen von den unzähligen Mercedes-VIP-Shuttles wird das Exklusive zumindestens sehr diskret gehandhabt.

Hinzu kommen diverse Veranstaltungen in der Stadt, die auch jetzt, Mitte Oktober, den typischen Côtes d’Azur-Flair hat, gepflegt, sommerlich, üppig grün und mit Palmen überall (die Stadt wird auch Hyères-les-Palmiers genannt). Mit typisch südfranzösischer Mischung aus liebevoll arrangierten Schaufenstern, anspruchsvollen Lebensmittelgeschäften, vielen kleinen Plätzen und Parkanlagen, schönen Bauten aus dem frühen 20. Jahrhundert, gedämpftem Straßenverkehr, reizenden Café- und Restaurantterrassen und trotzdem steter, behutsamer und kultivierter Modernisierung.

Die Villa Noailles erreicht man am besten mit der für das Festival eingerichteten, leicht chaotischen Shuttleverbindung oder als etwas anstrengende Fußwanderung bergauf. Sie hat und ist eine eigene kleine aber üppige und gepflegte Parkanlage, das Grün setzt sich auf ihren vielen, gestuften Dachterrassen fort bis es fast in das Gebäude dringt. Das Draußen und das Drinnen gehen stets ineinander über und man bewegt sich auch in diesem ständigen Wechsel, bis man das gar nicht mehr merkt.

Und natürlich ist der Blick von dort auf die Stadt mit dem Meer dahinter und dem strahlenden Himmel darüber gigantisch.

Neugierige Anwohner, Modestudenten, Fachleute aus der Modeindustrie, Presse, Influencer, Touristen, Modetouristen, Künstler und andere Kulturschaffende flanieren an den drei Tagen von morgens bis abends durch die vielfältigen Präsentationen und das umfangreiche Programm. Das besteht neben den diversen Ausstellungen aus Vorträgen, Workshops, Schauen, Preisverleihungen, Performances, historischen Dokumentationen (z.B. 100 Jahre Villa Noailles) und Kommunikationspunkten für Insider und Interessierte. Dazu eine originelle Designboutique mit sehr ungewöhnlichem Angebot, stilistisch harmonisch mit allem anderen verknüpft.

Aus der Boutique:

Performance:

Ateliers, Workshops:

Ausstellungen:

Zentraler Bestandteil des Festivals sind die ausgelobten Preise, um die sich das meiste dreht. Das sind, für Mode, dieses Jahr:
le GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION,
le prix LE 19M DES MÈTIERS D’ART,
le PRIX DE LA COLLECTION ECO-RESPONSABLE MERCEDES BENZ und
le PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES
und für Accessoires
le GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES und
le PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE.
Dazu kommen weitere Ausstattungs- und Unterstützungspreise und „mentions“. Die Jurys sind prominent und kompetent besetzt, darunter ist auch stets der Gewinner des Vorjahreswettbewerbs. Es gibt auch für beide Abteilungen einen Publikumspreis.

Das Festival wird hochrangig und großzügig gesponsort, von diversen Unternehmen der Branche, wesentlich aber von Chanel. Nicht ganz ohne Eigeninteresse, welches in diesem Fall nicht Werbewirksamkeit bedeutet, sondern eine optimale Nachwuchssuche gewährleistet. Um den erlesenen Nachwuchs geht es eigentlich wesentlich, denn einerseits repräsentiert er das aktuelle ideelle Mode-Terrain (von morgen), andererseits wird er durch gewisse Veranstaltungsschwerpunkte auch in ideelle Gegenwartspositionen eingebunden (dieses Jahr besonders Nachhaltigkeit). Insofern bietet das Festival schon prägnant State of the Art der Mode, auf anderer Ebene als Fashionweeks, wo vielerlei andere Interessen hinzu kommen. Es ist es die einzige Nachwuchsförderungsveranstaltung für Modedesign auf diesem Niveau weltweit.

* Titelbild ist das offizielle Poster des Festivals

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival International de Mode, de Photographie et D’Accessoires de Mode beruht im Wesentlichen auf Sponsorengeldern aus der Modebranche, die, neben Prestigeinteressen, damit ihren Nachwuchs zu rekrutieren sucht. Das Konzept, wir schrieben es mehrfach, ist einfach und klar, abgesichert durch kompetente Jurys aus der Branche und organisatorisch wie ausstattungsmäßig auf hohem Level. Zu den Sponsoren, das sei hier auch einmal erwähnt, weil sie zum Teil wirklich tragende Funktionen übernehmen (also nicht nur Geld geben, sondern konkrete Nachwuchsunterstützung und -weiterbildung bieten), gehören CHANEL, le19M, Première Vision, LVMH, Hermès, American Vintage, la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, le Défi, Galeries Lafayette, L’Atelier des Matières, Mercedes-Benz und auch kleinere Unternehmungen.

Die zentrale Funktion des Festivals sind die Preise, ist also die Idee des Wettbewerbs. Einerseits sind sie durch Geldbudgets definiert, andererseits durch geldwerte Leistungen (Material o.ä.) oder durch praktische Hilfestellungen für einen Zeitraum von zwei Jahren, die viele Bereiche abdecken: Finanzierung, Produktion, Handwerk, Materialien, Verlag, Recht, Presse, Ausstellung, Workshop und Residenz.

Die herausragenden vier Preise für Mode sind

der GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION,
der PRIX DU PUBLIC VILLE DE HYÈRES (Publikumswahl),
der PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES,
der PRIX LE19M,
der PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ

und für Accessoires

der GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES,
der PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE,
der PRIX DU PUBLIC – VILLE D’HYÈRES.

Weitere Bereiche wie für Photographie kommen dazu.

Die Mode-Preise werden am Ende des Défilés am Samstag Abend von den jeweiligen Jurys ermittelt und umgehend bekannt gegeben. Grundsätzlich spielen Kompetenzen in der Experimentierbereitschaft, der ökologischen Konsequenz, die Einfallsoriginalität, die ästhetische Überzeugungskraft und ein überdurchschnittliches handwerkliches Können die entscheidenden Rollen, natürlich aber auch ein treffendes zeitgeistiges Gespür.

Wir zeigen Auszüge aus dem Défilé der Wettbewerber, näheres auch in dem vorangegangenen Artikel (Showroom der Wettbewerber).

*

Jenny Hytönen (Finnland), Unisex Kollektion – GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION und PRIX DU PUBLIC VILLE DE HYÈRES:

Juha Vehmaanperä (Finnland), Herren Kollektion:

Valentin Lessner (Deutschland), Herren Kollektion, PRIX DE LA COLLECTION ECO RESPONSABLE MERCEDES-BENZ + PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART:

Lora Sonney (Frankreich), Damen Kollektion:

Tim Suessbauer (Deutschland) Herren Kollektion:

Alix Habran Jensen (Frankreich-Dänemark), Damen Kollektion:

Antonia Schreiter (Deutschland), Unisex Kollektion:

Alizée Loubet & Fernando Miró (Frankreich & Brasilien), Herren Kollektion:

Sini Saavala (Finnland), Damen Kollektion, PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES:

Priss Niinikoski (Finnland), Damen Kollektion:

*

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Auf jedem Modefestival in Hyères präsentieren die Vorjahresgewinner des Grand Prix Première Vision die Arbeit, die infolge der weiteren professionellen Unterstützung realisiert werden konnte, in diesem Falle Tom van de Borght. In der Regel setzt der Designer seine stilistischen Experimente fort, nun aber mit der Maßgabe, auch kommerziell auf dem Markt bestehen zu können. Das ist, gerade bei so üppig kreativer Ausstattung und und völlig ungebundenen Arrangements wie bei van de Borght nicht gerade leicht, und auch die Materialwahl, die (besonders bei Upcycling und Materialcollagen) auf Unikate hinausläuft, muss anderen Herausforderungen genügen können. Kurz, eine der größten Schwierigkeiten besteht darin, eine serielle Herstellung anzupeilen, zumindestens aber sie mitzudenken, ohne den individuellen und in diesem Falle kompromisslosen Stil aufzugeben. Und selbst der kompromisslose Stil, der vielleicht auf einer solchen Schau besticht, ist deswegen noch lange nicht als Erscheinungsbild im Alltag denkbar.
Sich nur auf die Position von Haute Couture zurückzuziehen, dürfte leicht in eine Sackgasse führen, die das schnelle Ende der Karriere bedeuten kann.

Mit der vorgezeigten Kollektion wird deutlich, dass Tom van de Borght sich auf den Spagat eingelassen hat, auch wenn die industrielle Produktion sehr vieler Teile noch immer schwer vorstellbar ist. Nach wie vor recht nonkonformistisch repräsentiert die vorgestellte Arbeit das Interesse des Designers, neue Erscheinungsbilder von Luxus und Haute Couture zu erkunden beziehungsweise zu entwickeln.

Im letzten Jahr äußerte er darüber hinaus die soziale Komponente seines Anliegens: „Für mich geht Nachhaltigkeit über den Ökologie-Aspekt hinaus. Es gibt auch einen wichtigen sozialen Aspekt; wir müssen den Umgang miteinander als Menschen neu definieren und uns gegenseitig auf jede erdenkliche Art und Weise unterstützen. Wir müssen einen harmonischen Weg finden, miteinander und auch mit unserem Planeten zu leben.“ Die aktuelle Schau zeigt verschiedene Formen des Miteinanders besonders durch die Paarauftritte, es ist ein auffälliger Schwerpunkt. Manchmal kommt das mit etwas kindlich anmutender, simpler Zeichenhaftigkeit daher, erinnert gelegentlich auch an Victor & Rolf, manchmal witzig wie mit dem Hut für zwei, manchmal mit sich an zwei Personen ergänzenden Gestaltungen. Die pointierte Andeutung der gendergerechten Konzeption wird nicht nur in der geschmacklichen Stilistik sichtbar, sondern auch darin, dass die Herrenkollektion klassisch weibliche Elemente ganz selbstverständlich integriert. Und es wäre durchaus vorstellbar, alle männlichen Models durch weibliche auszutauschen, der Effekt wäre derselbe.

Angesichts der „Prächtigkeit“ des poppigen Gesamtbildes erscheint die Vorstellung, unser Alltag sei künftig so geprägt, schon noch sehr avantgardistisch, phantastisch, utopisch. Aber letztlich geht es bei der gesamten Festival-Veranstaltung gerade um diesen Aspekt, und wenn man dann mal in den Shop schaut (siehe Abbildung unten), stellt man plötzlich fest, dass diese Imagination so wirklichkeitsfremd auch wieder nicht ist. Mit ein wenig Mut zu Farbe, wenig Berührungsangst mit Bling-Bling und etwas Bereitschaft zu gesellschaftlicher Positionierung mit Bekleidung können diese Sachen in naher Zukunft unseren visuellen Alltag durchaus positiv auffrischen, ohne eine exotisch spinnerte Sonderrolle behalten zu müssen. Den darüber hinausreichenden Grad der Exzentrik kann man ja individuell bestimmen, der ideelle Zeitgeist bleibt stets sichtbar.

Tom van de Borght in der Ausstellung:

Tom van de Borght unter „Formers“ und im Shop:

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Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Im vergangenen Jahr haben Rushemy Botter und Lisi Herrebrugh den Grand Prix du Jury PREMIÈRE VISION für ihre Männerkollektion „Fish or Fight“ gewonnen, strahlend und ausgelassen feiernd, dann ging alles Schlag auf Schlag, Schau in Berlin Umzug von Antwerpen nach Paris, weitere Preise, Kollektion für Petit Bateau, neue Sachen fürs eigene Label, Art-Direction-Jobs bei Nina Ricci, zusätzlicher Einstieg bei Accessoires und vieles mehr. Dieses Jahr nun eine erneute Schau in Hyères und Präsenz im Shop mit der neuen Kollektion, die in mancher Hinsicht etwas zurückgenommener in der verspielten Herangehensweise ist, kontrollierter zwar, aber ohne die grelle Kraft und den Touch Streetwear aufzugeben. Im Shop und im Showroom findet man auch die eher populäreren Dinge, Basecaps, T-Shirts, schlichte Accessoires. Der Sprung vom verrückten Studentendesign zur kommerziell orientierten Kollektion ist stets ein komplizierter Balanceakt, den das lebhafte Designerduo auch im Interview vergegenwärtigt.

modaCYCLE: Was hat der Preis euch fürs letzte Jahr gebracht?

Lisi Herrebrugh: Die Entwicklung der neuen Kollektion, Jobs bei Nina Ricci, neue Stores, neue Kunden für Botter, viele Dinge letztlich. Und wir sind nach Paris umgezogen, das war auch nicht ohne.
Rushemy Botter: Wir mussten einerseits eine neue Struktur in unser eigenes Unternehmen bringen, das war vorher etwas offen, andererseits haben wir gelernt, wie es in der Fashion-Industrie selbst funktioniert. Wir waren vorher Studenten, da war es wie in einer Mode-Blase, das ist schon was anderes, wenn man in die Industrie geht.

modaCYCLE: Dieser Preis in Hyères gibt einem also eine echte Chance. Der Sprung in die Industrie ist ja nicht so einfach zu bewerkstelligen.

Lisi Herrebrugh: Also wenn man als Graduate die Schule verlässt ist es nicht einfach. Man findet keinen Job, schon Praktika sind schwierig – also da fühlen wir uns schon sehr privilegiert, dass uns das passiert ist. Und wir fühlen uns auch verbunden gegenüber denen, die nicht in derselben Situation sind. Das alles ist uns sehr bewusst.
Rushemy Botter: Richtig, das vergessen wir nicht und wir müssen auch für die eine Stimme sein.
Lisi Herrebrugh: Es ging schon alles sehr schnell.

modaCYCLE: Was hat sich stilistisch verändert seit letztem Jahr? Wir sehen, der Ansatz ist nun ein etwas anderer geworden, hat der industrielle Anspruch das bewirkt?

Rushemy Botter: Ich denke wir haben uns mehr angestrengt für diese Herausforderungen, wir machen zwar konzeptuelle Kleidung, aber wir machen immer Kleidung, die man tragen kann.
Lisi Herrebrugh: Wir waren nie Designer, die fürs Museum entworfen haben. Dafür sind wir zu sozial verankert, wir werden von den Menschen inspiriert, wie sie leben, wie sie sich emotional äußern, auch von ihren Beziehungen. Das ist relevant dafür, was man tragen kann. Und das geht hin bis zu den verwendeten Materialien. Die müssen unkompliziert herstellbar sein. Auch das war eine Veränderung, denn da muss man eine Brücke zu verrückten Ideen finden.

modaCYCLE: Wie kann man die konträren Pole der freien Kreativität, die ja bei euch sehr ausgeprägt sichtbar ist, mit den kommerziellen Notwendigkeiten unter einen Hut bringen?

Lisi Herrebrugh: Wir haben die Kollektion jetzt mehr oder weniger geteilt. Wir entscheiden, was wir auf dem Laufsteg wollen und daneben das, welche Stücke wir in den Showroom herein nehmen. Im Showroom wollen wir alles Mögliche zeigen.

modaCYCLE: Man zeigt also Sachen um des Schaueffekts willen und im Verkauf alles Mögliche, was man so macht?

Rushemy Botter: Ja, das muss man trennen.
Lisi Herrebrugh: Das hat mehrere Aspekte. Wir brauchen zum Beispiel ja auch Presse. Und die Presse will nicht die T-Shirts sehen, sondern was Extravagantes. Ihr gegenüber ist es ein wenig geben und ein wenig nehmen.

modaCYCLE: Der Umzug nach Paris, war das eine Notwendigkeit?

Rushemy Botter: Nun ja, Paris hat eine Infrastruktur für das, was wir machen und machen wollen, die wir in Antwerpen vergleichbar nicht einmal im Ansatz haben. Das ist uns sehr schnell deutlich geworden. Es war schon die richtige Entscheidung, auch wenn wir damit einiges neu regulieren mussten.
Lisi Herrebrugh: Wir mögen die Stadt auch, das hat uns die Entscheidung erleichtert. Auch wenn wir szenemäßig nicht so viel auf Achse sind, also kulturell und privat nicht so viel herumkommen. Wir leben da etwas zurückgezogener, weil wir viel mit unseren Dingen beschäftigt sind, aber das bringt der Stand der Dinge eben so mit sich und wir sind sehr zufrieden damit. Auch das ist ein Vorteil des eingangs erwähnten Privilegs.

City:

Shop und Showroom:

Das Défilé (hauptsächlich Kollektion für Petit Bateau):

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Mit den sehr verschiedenartigen Ansätzen, Kleidung zu entwerfen, die letztlich Zeitgeist reflektieren (oder sein) sollen, wird es schwierig, ein sinnvolles Resumée zu ziehen, wenn man solch eine ambitionierte Präsentation wie Hyères überfliegt. Konsequenter Bruch mit Geschmackslinien, Experimente in allem, mehr oder weniger radikale Dekonstruktion formaler Errungenschaften, Versuche in Anti-Ästhetik, das ist die eine Seite, die andere ist die Lust am Machen an sich, hie und da durchaus ziellos, Partylaune als Permanentzustand und noch immer Sampling, was das Zeug hält und das Vorfindliche hergibt. Die vorfindliche Freiheit als riesige Spielwiese zwingt nicht unbedingt zu einem wegweisenden Statement, sie zu nutzen macht aber sichtlich Spaß. Die Zukunftsvisionen gehen, soweit sie erkennbar sind, in verschiedene Richtungen – widersprüchliche oder parallele.

Auffällig ist dabei die Rücknahme der erotischen Würze, die das Kreative bisher als alles verbindenden, sensualen Reiz begleitete und oft thematisierte. Nur sehr selten scheint sie mal auf, als attraktiver Bestand- oder Anteil hat sie ihr Potential aber wohl verloren. Sexy ist kein relevantes Kriterium mehr, und das, obwohl Mode und menschliche Körperlichkeit bisher sich gegenseitig und raffiniert spielerisch bedingten. Das war durchaus ein Leitgedanke der Modegeschichte.

Der Sieger des Grand Prix du Jury Grand Vision Rushemy-Botter vereint jedenfalls alle diese Aspekte in seiner etwas verrückten und spaßgeprägten Kollektion, auch hier tut sich ein ernsthaft zukunftsträchtiger Leitgedanke noch nicht auf. Soll auch nicht (und genau das ist sicher die entscheidende Haltung).

Die zehn Wettbewerber um die ausgeschriebenen Preise, die die kompetente Jury (es ist übrigens immer der Hauptpreisträger des vorangegangenen Jahres mit vertreten) aussucht, haben zumeist kaum Entsprechungen in ihren Leitmotiven, sie zeichnen sich vielmehr aus durch Konsequenz eines bestimmten tragfähigen Ansatzes, der durchaus auch in die eine oder andere Zukunft weisen könnte, und durch stimmige Realisierung, die auch handwerklicher Sorgfalt verpflichtet ist.

Im Hyères-Défilé rauscht das als nahezu ununterbrochene Schau in einem Zuge am Betrachter vorbei und es ist von Vorteil, dass man sich auf der Ausstellung in der Villa Noailles die Sachen im Showroom einen Tag lang in Ruhe vorher ansehen kann (und auch mit den Designern reden). Die Fotos, die wir da gemacht haben, können den Zugang zum jeweiligen Konzept manchmal etwas erleichtern, darum zeigen wir – quasi als Ergänzugsartikel – diverse Beispiele in den kommenden Tagen noch einmal von Nahem.

Regina Weber (Deutschland):

Anna Isoniemi (Finnland):

Jef Montes (Niederlande):

Rushemy Botter (Niederlande), Grand Prix du Jury Première Vision:

Linda Kokkonen (Finnland):

Ester Manas (Frankreich):

Marie-Eve Lecavalier (Kanada), Prix Chloé:

Ela Fidalgo (Spanien):

Sarah Bruylant (Belgien), Prix du Public de la Ville d’Hyères:

Antonina Sedakova (Rußland):

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Text, Bilder und Interview: Gerhard Paproth

Letztes Jahr hat die Schweizer Designerin gleichzeitig den Grand Prix du Jury Première Vision und den Prix Publique in Hyères gewonnen und damit nicht nur Preisgeld, sondern auch Angebote mit bzw. für Chanel und Petit Bateau Kollektionen zu entwerfen. Dieses Jahr war sie allgegenwärtig. Kurz zuvor hatte Vanessa Schindler erst ihre Ausbildung beendet (Diplom Head Genève) und der Segen kam wohl mehr als überraschend: Experimentierfreudige Menschen mit unzulänglichem Interesse an Kommerzialität freuen sich ja meistens schon sehr, wenn sie irgendwo bei Wettbewerben Beachtung finden und mit Preisen rechnen sie eher nicht.

Sicher hat die Anerkennung für einen zusätzlichen Auftrieb gesorgt, aber die lebhafte Jungdesignerin ist ohnehin sehr fleißig und engagiert und auch neugierig und umtriebig. Auf der Fashionweek Berlin SS2018 hatte sie schon kurz danach ein Défilé.

Auf vielen Ebenen war sie in dem Jahr seither aktiv: Auf dem Festival in Hyères sah man jetzt einen Film von ihr und eine Installation, gemeinschaftlich erarbeitet mit Marine Giraudo. Alle Festivalmitarbeiter (und auch viele Besucher) trugen Outfits ihrer maritimen Kollektion für „Petit Bateau“ (hauptsächlich Kindermode), die man auch im Shop erwerben konnte. Ein Showroomabteil war mit ihren spannenden, neuen Kreationen („Chapitre3-La Frivolité“) ausgestattet, ziemlich aufwändigen und experimentellen Arbeiten mit Kunststoffen (besonders Uréthan) und Materialmixturen sowie ungewöhnlichen Applikationen sowie ein raffiniert-schlichtes Schmuckensemble für „Chanel – Maison Lesage“. Vor Ort erklärte sie unermüdlich dem Publikum die verschiedenen Teile, ohne die gute Laune zu verlieren. Und an drei Abenden hatte sie außerdem ein eigenes Défilé zu betreuen, ein paar Kilometer entfernt, wo diese Teile auf den Laufsteg zu bringen waren. Und nicht zuletzt kann man selbstverständlich auf mehreren ihrer Webseiten die verschiedensten Orientierungen ihrer Produktivität verfolgen.

Installation Vanessa Schindler und Marina Giraudo „URÉTHANE“ 2017:

aus der Kollektion für „Petit Bateau“ (im Shop):

für Chanel – Maison Lesage (Showroom):

Kollektion 2018 „Chapitre3-La Frivolité“ (Showroom):

Wir waren morgens rechtzeitig zum Gespräch verabredet, danach war ihr Showroomabteil schon überfüllt. Für mein Oldschool-Aufnahmegerät, das heute drohte, seinen Geist aufzugeben, hatte die entspannte Nachwuchsdesignerin nicht einmal einen kritischen Blick übrig, sondern meinte nur schmunzelnd „wenn’s schief geht, müssen Sie halt ein Gedächtnisprotokoll schreiben!“ Eine zutreffende Prognose.

modaCYCLE: Sie haben letztes Jahr gleich zwei Preise gewonnen – neben dem Geld ist damit eine Zusammenarbeit mit Chanel und eine mit dem Haus Petit Bateau verbunden. Das erscheint als sehr vorteilhafte Nachwuchsförderung, darum sind wir neugierig, wie sich das gestaltet hat.

VANESSA SCHINDLER: Die Arbeit mit Petit Bateau dauerte acht Monate, ich hatte gleich nach dem Festival letztes Jahr damit angefangen. Ausgangspunkt war das maritime Modethema, also zunächst die blauen Streifen, in das ich meine experimentellen Versuche integriert habe. Weil das Projekt auf industrielle Fertigung angelegt war, habe ich den technischen Herstellungsvorgang einbezogen, das war insofern neu für mich. Es gab aber keine Probleme, denn Petit Bateau hat mir von Anfang an alles offen gelassen und sich bei der Realisierung vollständig auf mich eingestellt. Das war sehr angenehm und verlief konstruktiv, ich habe dabei viel über so eine Prêt-à-Porter-Realisierung gelernt. Überhaupt war es ein sehr aktives Jahr, letztlich hatte ich ja gerade erst meinen Ausbildungsabschluss hinter mir und mit so viel Aufmerksamkeit nicht gerechnet.

modaCYCLE: Sie durften auch für Chanel arbeiten. Das stellen wir uns sehr herausfordernd und aufregend vor.

VANESSA SCHINDLER: Auch die Arbeit mit Chanel war sehr spannend, da habe ich eine Schmuckkollektion gemacht. Auch hier hat sich das Unternehmen ganz auf mich eingestellt, die Mitarbeiter waren total nett. Sie hatten überhaupt keine Vorbehalte gegenüber den material-experimentellen Besonderheiten und Herausforderungen. Alles war sehr entspannt – sie sagten mir gleich zu Beginn „Seien Sie unbesorgt, letztlich ist ALLES möglich!“ Der Einblick in die Arbeit des Hauses und die Kooperation waren auch sehr bereichernd.

modaCYCLE: Wie kommt man damit klar, wenn plötzlich so viel Erfolgsdruck an einen herangetragen wird? Ist das nicht eine enorme Beschleunigung, die einen erst einmal beunruhigt?

VANESSA SCHINDLER: Der Erfolg kam sehr überraschend für mich, natürlich habe ich mich sehr darüber gefreut. Gleichwohl verfolge ich weiterhin gelassen und neugierig mein experimentelles Interesse, das ist letztendlich das, was meinen Spass an dem Ganzen ausmacht.

modaCYCLE: Technische Experimente werden die Stoffe der Zukunft bestimmen, die Forschungen zum Tragekomfort (Atmung, Klimawirksamkeit etc.) sind schon sehr extensiv. Interessieren Sie sich dafür auch?

VANESSA SCHINDLER: Ja, das ist richtig. Das interessiert mich sehr und es berührt auch oft das, was ich mache. Letztlich aber ist meine Ausrichtung das experimentelle Vergnügen. Die stilistischen und ästhetischen und visuell spannenden Möglichkeiten und Ergebnisse sind für mich entscheidend und von praktisch orientierter Forschung unabhängig.

Runway 29. 4. 2018

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