Text: Gerhard Paproth
Bilder: Boris Marberg

Ein Nachtrag zur Fashionweeksaison in Berlin für Sommer 2020 in Berlin noch: Unter den Offsideveranstaltungen unterscheiden sich die Schauen verschiedener Veranstalter recht deutlich in den Zielgruppen, die ja per Einladung sehr präzise gesteuert werden können. Große Häuser wie das KaDeWe oder wie in diesem Fall Quartier 206 in der Friedrichstraße fokussieren sich deutlich auf feste Kundschaft für von ihnen vertretene Labels und zeigen demzufolge kaum kreativ-exzentrische Highlights sondern Prêt-à-Porter aus dem Segment des alltäglichen, aber gehobenen Chics. Die kleine Modenschau im Quartier 206 führte einige Designerkollektionen der dort ansässigen Boutiquen vor, zwölf an der Zahl verteilt auf zwei Tage, und hatte den wunderbaren Vorteil, schon ein geschmacklich exquisites Ambiente im Berliner Zentrum zur Verfügung zu haben. Organisatorisch hakelt es dann schon mal hie und da, das ist aber auch Teil des besonderen Charmes, den solche Veranstaltungen haben. Vorteil: Die Sachen sind meistens schon sofort zu haben.

Am zweiten Tag der Veranstaltungsreihe wurden fünf Kollektionen gezeigt, darunter einige mit polnischer Herkunft, die ja nicht selten für geschmacklich sichere Gestaltung steht und damit gerne auf gehobenes Luxussegment zielt.

Sehr klassisch-schlicht kam die Kollektion von Aline Celi daher,  weiß und sommerpastellfarben und gelegentlich angereichert mit kecken kleinen Extras, in den Schnitten minimalistisch und manchmal sogar leicht sportlich. Unproblematische, gute Kleidung mit Geschmack. Im Gegensatz zur letztjährigen Schau ist der Touch von Sexyness zurückgenommen zugunsten eines etwas konventionelleren Auftritts. Das Label vertritt nach eigener Auskunft nachhaltige Mode, faire Produktion und soziales Engagement. Eine Kollektion übrigens, die auch in unterschiedlichen Größen vorstellbar ist, was bekanntlich ein vorteilhaftes Kriterium im Angebot ist:

Aleksander Gliwinski & Viktoria Nosach zeigten dagegen eine Kollektion, die schon mit ein paar extravaganteren Details aufwarten konnte, Latex (oder Kunstleder) mit originell eingearbeiteten Reißverschlüssen und akzentuierend-großzügigem, fantastischem Schmuck sowie interessanten Lösungen mit Kunststoffen. Mode für selbstbewusste Frauen, denen das Durchschnittliche zu wenig ist und die Extravaganz als Bereicherung verstehen, ohne dass es freakig wird:

Die Kleidung von Agnès Wuyam, Paris (von Agnieszka Samulska Wuyam), hatte auch den Nimbus französischen Geschmacks und war vorwiegend geeignet für Parties und Empfänge. Die Mode richtet sich an dynamische, selbstsichere Frauen im urbanen Leben, wie man sie in Paris häufig antrifft:

Die Herrenkollektion von der jungen Menswearmarke DARKOH schwankte zwischen klassischen, leicht modernisierten Anzügen und Outfits für den jungen Karrieristen, der sich modische Eskapaden bzw. geschmackliche Schrägheiten im traditionellen Businesskontext leisten darf – also für die neue Generation junger, modebewusster Männer. Die Anzüge werden aus englischen und italienischen Stoffen in Norwegen gefertigt:

Rockmädchens Damenkollektion von der Designerin Marion Roscher war vom Geschmack der flotten Nachkriegsgeneration geprägt, vornehmlich wie er in Frankreich propagiert wurde, frisch, etwas temperamentvoll und sportlich-elegant. Die zum Teil recht pfiffige Erneuerung mit hellen Farben und karierten Linien auf weißem Grund, gelegentlich akzentuierenden Kopfbedeckungen sowie modifizierenden Schnitten war recht überzeugend und setzte einen leicht launigen Abschluss der Veranstaltung:

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Text und Interview: Gerhard Paproth
Bilder: Schau Andreas Hofrichter, Backstage Gerhard Paproth

Christoph Rumpf gewann Ende April den „Prix Première Vision“ beim renommierten Nachwuchswettbewerb in Hyères, Frankreich, und im Zuge dessen hat der Sponsor Mercedes Benz ihn zu einer Schau auf der Fashionweek in Berlin eingeladen. Das ist, wie Rumpf auch im Gespräch würdigt, eine tolle Möglichkeit, als Nachwuchsdesigner seine Arbeit einem breiten Publikum vorzustellen.

Man muss sich aber auch die konkreten Umstände vor Augen führen: Christoph Rumpf ist noch Student und die vorgestellten Arbeiten repräsentieren darum nicht den Start ins Modebusiness. Vielmehr wird eine Designposition deutlich, die auf Unabhängigkeit beruht und – daher ja auch der Preis – den Anspruch eines gestalterischen Ideals in sich trägt, der auf großes Interesse und Beifall stößt. Umso deutlicher tritt diese Position hervor, als sie sich auf Mythen, Fantasie und Träume stützt, die mit dem Übergang in die professionelle Welt in der Regel normalerweise komplett abzulegen ist. Für das Publikum gehen damit aber die ebenso gehegten Sehnsüchte verloren, die, das zeigte der große Beifall am Ende dieser Schau, in Zukunft vielleicht doch eine Chance bekommen könnten. Wir sprachen mit Christoph Rumpf darüber und inwiefern institutionelle Nachwuchsförderung Wege bereitet.

modaCYCLE: Wir interessieren uns sehr für Nachwuchsförderung in der Mode. Gibt es solche in Österreich?

Christoph Rumpf: Ja, neben diversen Einrichtungen und Stipendien an der Uni gibt es einige Sachen. Aber Österreich ist ja auch klein und es gibt nicht so viele Designer.

modaCYCLE: Immerhin kommen nicht wenige Designer hier nach Deutschland, und die sagen, die Chancen bzw. Möglichkeiten sich zu etablieren seien in Österreich noch nicht so ausgeprägt.

Christoph Rumpf: Nun, das kann man vielleicht nicht vergleichen. Österreich hat ja nicht dieselbe Modeinfrastruktur wie die sehr großen Städte in Deutschland oder Frankreich.

modaCYCLE:Wie finden Sie die Nachwuchsförderung in Frankreich, wo man zum Beispiel in die ganz großen Betriebe hinein-gelotst wird und die Infrastrukturen nutzen kann. Sie haben auf diesem Wege doch schon den Schmuck für Chanel gemacht.

Christoph Rumpf: Nein, das ist noch nicht so weit, aber ich mache die Ausstattungen für Petit Bateau und ich finde nicht, dass man da „hinein-gelotst“ wird. Ich muss mich da jetzt noch nicht entscheiden. Wenn man da ein Angebot bekommt, kann man das überdenken. Für mich ist das momentan zum Beispiel keine Option mitten im Studium, aber nächstes Jahr, wenn ich das abgeschlossen habe, schon eher.

modaCYCLE: Ach, das müssen Sie deswegen generell ausschlagen?

Christoph Rumpf: Momentan ist das nicht so gut. Ich bin im letzten Studienjahr und will erst in Ruhe meinen Abschluss im September machen.

modaCYCLE: Und gibt es dann noch andere Möglichkeiten, Zugang zu etablierten Marken zu bekommen?

Christoph Rumpf: Ja, zum Beispiel gibt es noch eine Möglichkeit von Hermès, verbunden mit einem Preisgeld, auch für andere, die auf dem Festival (Hyères) vertreten waren. Das muss nicht sofort sein.

modaCYCLE: Also konkret hat sich noch nichts ergeben, nach dem Preis in Hyères, außer dem entsprechenden Preisgeld?

Christoph Rumpf: Nun, es ist schon fantastisch mit Mercedes Benz zu arbeiten, zum Beispiel jetzt hier, wo man die Schau machen kann und das ganze Makeup und so professionell ohne Eigenaufwand ausgerichtet wird.
Letztlich kann man sowieso nicht viel mehr machen, als was im Zuge des Preises der „Première Vision“ von Chanel eingerichtet ist. Ich bin außerdem, wie gesagt, ja auch noch im Studium.

modaCYCLE: Sie haben in unserem vorhergehenden Gespräch erzählt, dass Ihre Ideen aus dem Fantasy-Umfeld, aus Märchen stammen. Das ist ja ein ganz anderer Bereich als wenn man jetzt in die Fashionszene gehen will, die sich im Prinzip industrialisiert. Wie stellen Sie sich das mit Ihren Sachen vor, ist das nicht problematisch?

Christoph Rumpf: Nicht unproblematisch. Wenn man den Leuten das präsentiert, ist das eine Seite der Angelegenheit: meine Sachen, das sind alles extreme Silhouetten, und auch die Produktion ist kompliziert. Aber mit dem sogenannten Bad Stock kann man keine größere Menge produzieren (Rumpf meint hier seine recycelnde Verwendung von gefundenen Textilien, z.B. vom Flohmarkt etc.), da müsste ich am Anfang des gesamten Prozesses schon anders vorgehen.

modaCYCLE: Bei solchen Beispielen wie Brokatstoffen dürfte das doch nicht so einfach sein?

Christoph Rumpf: Einfach nicht, aber auch dafür finden sich Wege. Wenn ich dann ein eigenes Studio haben werde, will ich mich auch nicht so positionieren, dass ich jährlich 80 oder 90 Kollektionsentwürfe liefern muss. Ich wollte noch nie „Chanel werden“. Ich suche eine Nische mit kleiner Produktion, das geht ja auch und ich kenne gute Beispiele von Designern, die damit durchaus ein befriedigendes Auskommen haben.

backstage:

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Text: Gerhard Paproth
Bilder: Andreas Hofrichter

Nach wie vor ist die Arbeit von Lou de Bètoly (früher Teil von Augustin Teboul) von handwerklichem Vergnügen geprägt, insbesondere durch solche Applikationen, aber auch von Häkel-, Klöppel- und anderen Techniken für textile Flächen, die mit der aktuellen Kollektion aber eher klein ausfallen. Und nach wie vor steht das Spielerische im Zentrum, auch in den Kombinationen und, jetzt gegenüber dem reinen Schwarz (oder Weiß), auch von Lust auf Farbe. Alles, außer den Schuhen ist selfmade und das zumeist wenige am Körper versteht sich eher als gestalteter Akzent für die Haut und Figurfläche – und vielleicht für sich selbst.

Böse formuliert ist es handwerklich und besonders experimentell anspruchsvoller Fummel. Es macht dennoch Spass, das zu sehen, denn es ist liebevoll und gekonnt gemacht. Einige weitere, eher konventionelle Kleidungsstücke, Kleider, Hosenanzüge etc. finden sich ebenfalls in der  Kollektion, aber die passen nicht so überzeugend in das gefühlte Gesamtkonzept und mögen einem Zugeständnis an die notwendige Kommerzialisierung geschuldet sein. Sie haben für sich genommen nicht viel Überzeugungskraft.

Die Neuausrichtung gegenüber der früheren Arbeit mit Auguistin Teboul hat eigentlich nur die bestechend kreative handwerkliche Ausrichtung erhalten und den erotischen Touch ausgebaut, alles weitere ist anders. Besonders der Wegfall der Charakteristika, die man mit Gothic und Punk verband, nimmt den neuen Sachen einen gewissen Spirit, der doch sehr typisch war. Das Üppige der Ausstattung ist nun auch eher verloren, aber das Spärliche ist gediegen differenziert und gewinnt den erwähnten Anteil an Sexyness. Auch den französischen Touch meint man stärker zu spüren.

Dahinter steht ein Kozept von kalkuliertem nächtlichen Chaos (das auch die Visagistik zu betimmen scheint), dessen Bestandteile in experimentellem Prozess ohne Leitmotiv entstehen und zusammengetragen werden. Mit einem Arbeitspartner fügt Lou de Betoly daraus durchaus in sich stimmige Konstruktionen, ohne dass geradlinige Schlüssigkeiten dahinter stehen. Die Planung des Ungeplanten behält so den Charakter des improvisierten Arrangements, der wohl auch angestrebt ist und irgendwie die Vorstellung von nächtlichem Schwebezustand, luxuriösem Partyvergnügen, Auflösung und erotischen Kräften enthält.

In der Schau funktionierte diese Grundidee aber nicht immer. So verhindert z.B. ein Magermodell im knappen Outfit aufkeimendes erotisches Flair (das Strumpfkonzept sowieso) und akzentuiert ausschließlich das Fluidum des Kränklichen.

Mit dem klug und mutig ausgesuchten, experimentellen und spannenden Soundtrack wird dennoch der etwas wilde, leicht chaotische, offene und sehr experimentierfreudige Anspruch des Ganzen ins Auditive übertragen und vergewissert die Richtung der Interpretation. Und die Modelle laufen jetzt sehr dynamisch schnell über den Laufsteg, wo früher ausschließlich ruhige Liveinstallationen angesagt waren. „Schnell durch …“ lästert da ein Kollege, den die Schau ratlos zurückläßt.

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Bilder: Andreas Hofrichter
Text: Gerhard Paproth

Der Hype wird perfekt und aufwändig gefüttert, diese Fähigkeit hat Marina Hoermanseder mit ihren Showveranstaltungen mittlerweile optimal kultiviert. Alle Liebhaber des Labels und seines Nimbus‘ kommen reichlich auf ihre Kosten, denn nicht nur der Laufsteg ist attraktiv gestaltet, sondern unzählige Nebenbereiche mit ambitionierten Schmackhaftigkeiten und Getränkevarianten sind stilsicher und attraktiv zu einem großen Loungebereich hinzugefügt. Sehen und gesehen werden ist die Maxime, der alle frönen sollen und können und es ist selbstredend, dass genügend schöne Frauen mit Hoermansederkleidung dabei sind: Für allseitige Vergegenwärtigung des Lifestyle-Labels in großzügigem Kontext ist gesorgt. Und sogar nach der Veranstaltung tragen die leuchtenden, prall gefüllten Goodie-Bags den Impact ins urbane Berliner Umfeld. Wir sind Hoermanseder.

Drei Gestalten zum Auftakt der Schau machen klar: Es geht um (auf dieser Fashionweek auch schon mehrfach zu sehende) Neonfarbigkeit, deren Charakteristik bekanntlich ihre Signalwirkung ist. Neon repräsentiert nicht wie in den 80ern ein Kennzeichen für äußerster Coolness (da entstand der Begriff „cool“, in Bars und Clubs gehörte kaltes Neonlicht), sondern versteht sich jetzt, auf Kleidung angewendet, als Mittel zur maximalen Leuchtkraft. „Achtung, ich bin!“ Müßig, eine Philosophie- oder Psychologieabhandlung daraus abzuleiten.

Im Laufe der Schau traten dann vorwiegend schimmernde und glitzernde Kunststoffe dazu, und das auf durchaus geschmackvolle und stilsichere Weise. Wie gewohnt hat die Designerin noch immer atemberaubende Varianten ihrer steifen Ledercorsagen gefunden und die bekannten Lederriemen in neue Erscheinungskonzepte transferiert, sogar aus der Anfangszeit kamen orthopädische Konstruktionen wieder zu Ehren. Glitzerndes Orange oder ein paar Formmodifikationen machten aus dem Bekannten – und Bewährten – etwas Neues. Auch andere Insignien ihrer vorausgegangenen Kollektionen, wie zum Beispiel die K. u. K.-Sahnetorten-Stilistik, tauchten wieder auf und machten klar, dass diese Sachen keineswegs zum alten Eisen gehören sollen. Aber dennoch hat diese Kollektion jetzt konsequent Abschied genommen von den mädchenhaften Verspieltheiten mit applizierten Blümchen früherer Saisons. Schleifen und übermäßig gebauschte Raffungen erinnern zwar noch an diese Neigung, aber diese Stilismen sind jetzt einer anderen Idee nachgeordnet. Als Edel-Disco könnte man den neuen Gout verstehen, wobei die Veredelung außerordentlich gekonnt, ideenreich und mit vielen Raffinessen vorgeführt wird. Dafür werden die geeigneten Kleidungsstücke nicht nur mittels Textilwahl, Glimmer und Farbigkeit in eine neue Sphäre transferiert, auch elegante Abend- und Cocktailgarderobe erhält so eine neue Prägung der Auffälligkeit und des Glanzes, sogar wenn die Grundfarbigkeiten noch eher verhalten bleiben.

Nicht selten kann man aber auch den sogenannten Asia-Kitsch damit assoziieren, der ja auch hemmungslos Glimmer und Bonbonfarben feiert.

Auch wenn in der Gesamtkollektion noch ein paar unterschiedliche Orientierungen aufschienen, so ist sie doch geschlossener, einheitlicher und in ihrer Konsequenz überzeugender, als die vorhergegangenen. In den letzten Kollektionen tauchte das starke Interesse Marina Hoermanseders an Discoclubkultur schon mehrfach und deutlich auf, war aber simpler in der ästhetischen Formulierung. Die jetzige Schau definiert ihre Zielgruppe entschiedener und ist hinsichtlich der Geschmackssicherheit vielen vorangegangenen Experimenten überlegen. Schon das rechtfertigt den Erfolg, den diese Schau hatte.

Zugegeben, Disco- bzw. Clubkultur ist in der Regel eine eskapistische und soziologisch flache, das hat schon bei ihrer Entstehung in den 70er Jahren zu extremen Polarisierungen in der Jugendkultur geführt. Der übersteigerte Glanz in dieser unbedarften Parallelwelt erntete konsequente Verachtung außerhalb, „Disco-Sucker“ war die Bezeichnung, die ich seinerzeit in Los Angeles dazu hörte, und weltbildmäßig war die Verachtung nicht ungerechtfertigt, auch wenn damals „Saturday Night Fever“ mit John Travolta ein Welterfolg wurde und die Disco-Manie gesellschaftsfähig machte. Angesichts der Hoermanseder-Show kommen einem solche Kontroversen wieder in den Sinn: viel PVC und Kunststoffe tauchen auf, und wenn sie es nicht sind, erscheinen sie immerhin so. Selbst dem Naturmaterial Leder hat die Designerin einen künstlichen Touch verpasst. Angesichts der Fridays for Future – Bewegung und dem weltweiten Desaster mit Plastikmüll und -recycling ist das modische Feiern einer Kunststoffästhetik durchaus ein problematischer Aspekt. Und damit rückt diese Art Clubkultur, auch in seiner verfeinerten, pfiffigen und geschmackvollen Prägung, wieder in einen Diskussionskontext, der mindestens polarisiert.

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