Text & Bilder: Gerhard Paproth

Die vielen unterschiedlich konzipierten Ausstellungen sind das Wesentliche des Festivals Hyères, auch wenn die Wettbewerbe und die abschließende Catwalk-Schau imagemäßig den Ruf bestimmen. Die ausgesuchten Themen, Konzepte und Spezifika und das jeweilige Ausstellungsdesign sind sorgfältig pointiert und jeweils auch originell präsentiert.

In den letzten Jahren wurden allerdings schon einige Ausstellungsformate ausgespart, etwas weniger an der Zahl sind es jetzt und diverse Highlights findet man nicht mehr. Bis dahin gab es zum Beispiel Präsentationen aus den letzten Haute-Couture-Schauen der großen Marken wie Chanel, Chloé oder Swarowski, mit wenigen aber sehr edlen und aus der Nähe höchst beeindruckenden Exponaten, die nun entfallen sind. Auch die atemberaubenden Ausstellungen mit den Métiers d’Art, exquisie Handarbeit der Details für Haute Couture, gibt so nicht mehr. Und letztes Jahr gab es noch eine rasante, große Installation von De Vilmorin, kitschig und campy zwar, aber doch sehr beeindruckend inszeniert.

Dieses Jahr wird der besonders zentrale Ort in der Villa, der Indoor-Pool auf der oberen Etage, eher nüchtern von einer Präsentation des Labels Courrèges besetzt, mit einem kleinen, quasi geschichtlichen Abriß seiner geometrischen Designs (in Neuinterpretationen), die ab den 60er Jahren den futuristischen Touch in der Haute Couture wesentlich prägten und die Mode der 60er und frühen 70er mit symmetrischen Geometrien einflußreich mitbestimmten. Space Design war eines der kennzeichnenden Schlagworte. André Courrèges brachte innovative Technologien und neue Materialien in die Mode, er erfand die Gogo-Boots und auch seine Designerin Mary Quant ist aus den Londoner Swinging Sixties nicht wegzudenken. Wesentlich weiter entwickelt wurde das Konzept vom Label dann aber nicht mehr und tauchte nur noch in Revival-Kontexten wieder auf oder am Rande. Bezugnehmend auf den architektonischen Stil der Villa Noailles von Robert Mallet-Stevens hat der Art Direktor von Courrèges (und Jury-Vorsitzende) Nicolas Di Felice nun eine postmoderne Kollektion von sechzehn Designs, die Courrège-Kreation repräsentieren, vorgestellt, mit nur wenig innovativen Aspekten allerdings, und Szenograf Rémy Brière hat sie im Kreis aufgestellt und mit lautem Rhythmussound ergänzt.

Nicolas Di Felice: Géométrie d’une rencontre – Wenn Courrèges auf Noailles trifft

Achilles Ion Gabriel, Direktor von Camper, Camper Lab und eponymous (Sponsoren) und Präsident der Jury Accessoires, hat eine Art Darkroom inszeniert, also zu dunkel um zu fotografieren, mit raumhohen, dunklen Fotos von dreieckig arrangierten Zwei-Personenkonglomeraten, woraus sich ein riesiges, kaleidoskopartiges Gebilde ergibt, durch das man sich hindurchbewegen kann.

Achilles Ion Gabriel: Title of the Show.

Le19M präsentiert Exponate verschiedener Designer in einem weiteren Ausstellungsraum, jeweils Preisträger der vergangenen Jahre,  darunter Gabrielle Huguenot und Igor Dieryck. Es sind handwerklich elaborierte Werke, die in Zusammenarbeit mit Lesage (le19M) in den letzten Jahren realisiert wurden.

Gabrielle Huguenot: La femme serpent (ein Fuß im Grab, der andere ausrutschend):

Gabrielle Huguenot: Chaos en fleurs (11 Schmuckclippaare, 2024)

Christoph Rumpf: Celibacy (Jacke, Hemd und Hose Kollektion, 2020)

Igor Dieryck: Ad Fundum (2024)

Rukpong Raimaturapong: Light Life, (Hemdenkollektion 2021)

Annelie Schubert: Twinset (Mantelkollektion 2016)

Erwähnenswert ist noch die Außeninstallation von Remi Calmont und Gabriel Figueiredo (De Pino), die dieses Jahr bei einem Stipendium des art center aus Watte entstand. Eine witzige und sehr dekorative Interpretation der grandiosen Aussicht von der Villa Noailles auf die Stadt Hyères und das Mittelmeer.

Rémi Calmont und De Pino: Amuse-Bouche (Sommer 2024)

Die Kunstpräsentationen in den Gängen konnten wir leider nicht eindeutig einem Künstler zuordnen, vermutlich stehen sie im Zusammenhang mit dem Atelier des Matières:

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Text und Interview: Gerhard Paproth
Bilder: Schau Andreas Hofrichter, Backstage Gerhard Paproth

Christoph Rumpf gewann Ende April den „Prix Première Vision“ beim renommierten Nachwuchswettbewerb in Hyères, Frankreich, und im Zuge dessen hat der Sponsor Mercedes Benz ihn zu einer Schau auf der Fashionweek in Berlin eingeladen. Das ist, wie Rumpf auch im Gespräch würdigt, eine tolle Möglichkeit, als Nachwuchsdesigner seine Arbeit einem breiten Publikum vorzustellen.

Man muss sich aber auch die konkreten Umstände vor Augen führen: Christoph Rumpf ist noch Student und die vorgestellten Arbeiten repräsentieren darum nicht den Start ins Modebusiness. Vielmehr wird eine Designposition deutlich, die auf Unabhängigkeit beruht und – daher ja auch der Preis – den Anspruch eines gestalterischen Ideals in sich trägt, der auf großes Interesse und Beifall stößt. Umso deutlicher tritt diese Position hervor, als sie sich auf Mythen, Fantasie und Träume stützt, die mit dem Übergang in die professionelle Welt in der Regel normalerweise komplett abzulegen ist. Für das Publikum gehen damit aber die ebenso gehegten Sehnsüchte verloren, die, das zeigte der große Beifall am Ende dieser Schau, in Zukunft vielleicht doch eine Chance bekommen könnten. Wir sprachen mit Christoph Rumpf darüber und inwiefern institutionelle Nachwuchsförderung Wege bereitet.

modaCYCLE: Wir interessieren uns sehr für Nachwuchsförderung in der Mode. Gibt es solche in Österreich?

Christoph Rumpf: Ja, neben diversen Einrichtungen und Stipendien an der Uni gibt es einige Sachen. Aber Österreich ist ja auch klein und es gibt nicht so viele Designer.

modaCYCLE: Immerhin kommen nicht wenige Designer hier nach Deutschland, und die sagen, die Chancen bzw. Möglichkeiten sich zu etablieren seien in Österreich noch nicht so ausgeprägt.

Christoph Rumpf: Nun, das kann man vielleicht nicht vergleichen. Österreich hat ja nicht dieselbe Modeinfrastruktur wie die sehr großen Städte in Deutschland oder Frankreich.

modaCYCLE:Wie finden Sie die Nachwuchsförderung in Frankreich, wo man zum Beispiel in die ganz großen Betriebe hinein-gelotst wird und die Infrastrukturen nutzen kann. Sie haben auf diesem Wege doch schon den Schmuck für Chanel gemacht.

Christoph Rumpf: Nein, das ist noch nicht so weit, aber ich mache die Ausstattungen für Petit Bateau und ich finde nicht, dass man da „hinein-gelotst“ wird. Ich muss mich da jetzt noch nicht entscheiden. Wenn man da ein Angebot bekommt, kann man das überdenken. Für mich ist das momentan zum Beispiel keine Option mitten im Studium, aber nächstes Jahr, wenn ich das abgeschlossen habe, schon eher.

modaCYCLE: Ach, das müssen Sie deswegen generell ausschlagen?

Christoph Rumpf: Momentan ist das nicht so gut. Ich bin im letzten Studienjahr und will erst in Ruhe meinen Abschluss im September machen.

modaCYCLE: Und gibt es dann noch andere Möglichkeiten, Zugang zu etablierten Marken zu bekommen?

Christoph Rumpf: Ja, zum Beispiel gibt es noch eine Möglichkeit von Hermès, verbunden mit einem Preisgeld, auch für andere, die auf dem Festival (Hyères) vertreten waren. Das muss nicht sofort sein.

modaCYCLE: Also konkret hat sich noch nichts ergeben, nach dem Preis in Hyères, außer dem entsprechenden Preisgeld?

Christoph Rumpf: Nun, es ist schon fantastisch mit Mercedes Benz zu arbeiten, zum Beispiel jetzt hier, wo man die Schau machen kann und das ganze Makeup und so professionell ohne Eigenaufwand ausgerichtet wird.
Letztlich kann man sowieso nicht viel mehr machen, als was im Zuge des Preises der „Première Vision“ von Chanel eingerichtet ist. Ich bin außerdem, wie gesagt, ja auch noch im Studium.

modaCYCLE: Sie haben in unserem vorhergehenden Gespräch erzählt, dass Ihre Ideen aus dem Fantasy-Umfeld, aus Märchen stammen. Das ist ja ein ganz anderer Bereich als wenn man jetzt in die Fashionszene gehen will, die sich im Prinzip industrialisiert. Wie stellen Sie sich das mit Ihren Sachen vor, ist das nicht problematisch?

Christoph Rumpf: Nicht unproblematisch. Wenn man den Leuten das präsentiert, ist das eine Seite der Angelegenheit: meine Sachen, das sind alles extreme Silhouetten, und auch die Produktion ist kompliziert. Aber mit dem sogenannten Bad Stock kann man keine größere Menge produzieren (Rumpf meint hier seine recycelnde Verwendung von gefundenen Textilien, z.B. vom Flohmarkt etc.), da müsste ich am Anfang des gesamten Prozesses schon anders vorgehen.

modaCYCLE: Bei solchen Beispielen wie Brokatstoffen dürfte das doch nicht so einfach sein?

Christoph Rumpf: Einfach nicht, aber auch dafür finden sich Wege. Wenn ich dann ein eigenes Studio haben werde, will ich mich auch nicht so positionieren, dass ich jährlich 80 oder 90 Kollektionsentwürfe liefern muss. Ich wollte noch nie „Chanel werden“. Ich suche eine Nische mit kleiner Produktion, das geht ja auch und ich kenne gute Beispiele von Designern, die damit durchaus ein befriedigendes Auskommen haben.

backstage:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Spektrum der Gestaltungsansätze ist wie immer groß und reicht von jugendkulturellen Grundstimmungen bis hin zu träumerisch-romantischen Textilarchitekturen. Auch verschiedene kulturelle Backgrounds der Modegestalter aus verschiedensten Ecken der Welt bereichern das Panorama der Gestaltungsphilosophien, ganauso wie die verschieden gerichteten Ausbildungsorientierungen, die grundsätzlich und gerade bei den vorwiegend frischen Absolventen deutlich sichtbar bleiben. Ebenso reizvoll ist die Verschmelzung von nationalen Mentalitäten und internationalem Zeitgeist, sowohl bei jedem Einzelnen als auch im gesamten Spektrum der zehn Beispiele. Wir versuchen, die verschiedenen Konzepte näher zu erkunden (manchmal nur aus dem Gesehenen heraus, manchmal mit Hilfe der Erläuterungen ihrer Protagonisten):

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan) – „Polomani“ (MENTION SPÉCIALE DU JURY MODE):
Im Gespräch schichtet das gut gelaunte und kommunikationsfreudige Trio aus Japan die Auskünfte zu seinem Gestaltungsanliegen ähnlich wie das Erscheinungsbild seiner Modekombinationen aus unzähligen Aspekten und Anliegen zusammen, schnell, frisch und rasant und das in kompliziertem Japan-Englisch. Sie beziehen ihre Ansätze aus den 90ern, besonders aber aus japanischer Schnittkultur, berufen sich auf Kimonos, Sustainability und Handarbeit. Die waghalsige Schichtung der Schnitte und Silhouetten ist unabhängig vom Körper und bildet eine eigene Architekturgestalt. Kontrastierende Stoffe, Farben und Muster folgen dem gleichen Prizip, wobei eben spannend ist, dass die klassische japanische Kimonokultur stets den Kern des Denkens ausmacht.

Tsung-Chien Tang (Taiwan) – „Sleepwalker“:
Einerseits ist Tsung-Chien verliebt in luxuriöse Textiloberflächen aus handwerklich perfektionistischer Fabrikation, andererseits pflegt er eine Aversion gegen Perfektion eines Ganzheitlichen. Daraus entstehen asymmetrische, übertriebene und dekonstruktivistische Stücke, zusammengefügt aus Dutzenden von Möbelstoffen. Ergänzt mit Brokat, Organza und Kristallen entwickelt der Jungdesigner aus dem seltsamen Patchwork eine Mischung aus Romantik und Exzentrik, die obendrein noch mit asiatisch-historisierenden Stilismen versetzt ist. Das Gestaltungsprinzip setzt sich sogar in der Fußbekleidung fort, die, handgemacht, entsprechend opulent und bizarr das Erscheinungsbild komplettiert.

Dita Enikova (Littauen) – „Avoiding The Void“:
Hinter der Kollektion steht die Forschung zu nordischer (Kleidungs)kultur, genauer der Arbeitskleidung von Fischern – grau und introvertiert, eher abweisend und sich dem urbanen, ruhelosen Leben widersetzend. Die Designerin erzählt, dass sie sich monatelang in den entlegenen, eher unwirtlichen Gegenden aufgehalten hat und ihr Leben dort nun in eine allgemeines Gestaltungs-Konzept zu überführen sucht. Dabei sind keineswegs nur grobe Gummischürzen und -kapuzen aus Leder, Wolle, Gummi, Latex und wetterfesten Materialien entstanden, sondern es wurden auch sehr filigrane Naturbestandteile wie Federn eingebracht und reizvolle Oberflächenstrukturen zusammen gefügt. Intensives Blau und scharfe Schwarz-Weiß-Kontraste sowie lockere Teile-Kombinationen geben den komplizierten Konstruktionen Lebendigkeit und durchbrechen die Introvertiertheit kontrastierend.

Lucille Thièvre (Frankreich) – „Les Esplaces 19120“:
Eine nach eigenen Worten „elegante, aber auch sehr eigenwillige“ Kollektion zeigt Lucille Thièvre, die sich nach der Arbeit in verschiedenen Modehäusern nun selbständig gemacht hat. Sie läßt sich von der Mode der 80er Jahre inspirieren, elastische Stoffe, knapp sitzend und Haut zeigend. Damit sind ihre Sachen bewusst körperbetonend und beweglich. Vieles ist gerafft und der betont knappe Sitz erfordert Maßschneiderung auf den betreffenden Körper. Zusätze kunsthandwerklicher Art bereichern das Konzept und geben weitere vitale Akzente. Sexyness ist ein eher wenig vertretener Aspekt des jungen Modedesigns und wenn, wird sie am ehesten von französischen Vertretern/Vertreterinnen propagiert. Ganz tot ist Eleganz noch nicht da hat die Modestadt Paris noch ein Ass im Ärmel.

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz) – „Inked“ (PRIX CHLOÉ):
Die Schweizerin Tina Schwizgebel ist passionierte Tatooliebhaberin (auf einer Berlinreise hat sie das Handwerk dafür erlernt) und versucht, ihre Liebe dazu in Kleidung zu transferieren. Ausgebildet an Modeschulen in Lausanne und Genf bringt sie die Voraussetzungen dafür mit. Dabei geht sie sogar in drei entsprechenden Etappenkategorien der Entwicklung ihrer Outfits vor, nämlich mit 1. dem Motiv als Stoffprint, 2. recyceltem Pelz, rasiert wie vor dem Tätowieren die Haut und 3. Plastik, das das Cellophan zum Schutz des fertigen Tatoos repräsentiert. Gleichzeitig – vielleicht geschmacklich auch aus Berlin mitgebracht – trägt das Erscheinungsbild der Kollektion einen Touch von Punk und Gothic, der aber hinter der Feinheit der großflächigen Musterung eher zurücktritt. In rätselhaftem Kontrast dazu stehen die platten Sandalen und Strandlatschen auf der Schau, denn die sind weder Punk, noch elegant, noch tatooszenig.

Christoph Rumpf (Austria) – „Sans Titre“ (GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION):
Der Designer erzählt, dass hinter der Kollektion eine Geschichte steht, in der es um einen Jungen geht, der im Dschungel aufwächst, alleine ist und sein Leben lang kämpfen muss – und der, zurück bei den Menschen realisiert, dass er ein Prinz ist. Märchenfiktionen und besonders Fantasie haben also die Erscheinungsbilder der Kollektion geprägt, mit übertriebenen Größen, fantastisch prachtvollen Brokatstoffen und Goldprints sowie romatisierenden Uniformen. Und auch hier findet das Schuhwerk seine gestalterische Fortsetzung im Sinne einer ganzheitlichen Kreation.
Die sorgfältige Verarbeitung, die gekonnte Zusammenstellung und hochwertige Textilien distanzieren die Outfits gleichwohl von theaterkostümhaftem Auftritt. Der Österreicher engagiert sich darüber hinaus für nachhaltige Mode, er verwendet recycelte Stoffe (inklusive alte Teppiche unf Gardinen), die er oft auf Flohmärkten auftreibt.
Das Anliegen, den Träumen und Sehnsüchten des Menschen, in dessen Erwachsensein das Kindliche ja nur zwanghaft zurückgedrängt ist, wieder einen Platz im Designgetriebe zu geben, erhält sehr viel sympathisierendes Feedback. Anders gesehen betonen die Entwürfe den Kontrast zwischen praktischer Schutzfunktion und dem gesellschaftlichen Zeichen einer Rollenzuweisung bzw. einem Schönheitsideal. Insofern enthält diese Kollektion auch einen philosophischen Gedanken zur Mode und gewann wohl nicht von ungefähr den großen ersten Preis.

Milla Lintilä (Finnland) – „Metadance“ (KOLLEKTIONSGESTALTUNG FÜR GALERIES LAFAYETTE):
Mit Unterstützung von Ghioldi, Luxury Jersey, Sfate & Combier, Guigou – Première Vision Paris Puntoseta and Swarovski entstand die eher bodenständig erscheinende Kollektion, die schon nahe an Prêt-a-Porter-Design heranrückt. Das Interesse der Designerin an ausgefeilten Webverfahren und schöner Textur in Kombination mit Farbstreifen, die zum Teil etwas ungewöhnlichen Schnitten folgen führt zu einer eher „stillen“ Raffinesse in bunter, aber eben auch zurückgenommener matter Farbgebung. Die in Paris ansässige Finnin versucht lässigen Tragekomfort mit kleinen sexy Akzentuierungen zu versehen, die aber auch eher schlicht als extravagant auftreten. Unaufdringlicher Luxus.

Emilia Kuurila (Finnland) – „Taped on the Skin AW19“:
Nicht ganz so körpernah, wie der Titel der Kollektion suggeriert, sind die aktuellen Entwürfe von Emilia Kuurila konzipiert, aber die menschliche Gestalt spielt durchaus die entscheidende Rolle. Mit eleganten,, schimmernden Stoffen wie Seide, kräftigen Farben wie Rot, Gelborange und Azurblau und vor allem Streifen als Richtungsakzentuierungen und -spiele hat sie eine Herrenkollektion vorgestellt, die stellenweise recht elegant daherkommt. Besonders eindrucksvoll sind dabei die vielen kunstfertigen Fältelungen, Säume und flachen, eher feinen Schichtungen, die eine komplexe Oberfläche herstellen und den großen monochromen Flächen lebendige, offene und interessante Strukturen verleihen. Roh bleibende Schnittkanten verhindern übermäßige Glattheit. Die Silhouetten und Schnitte zeigen diverse Ansätze, vom kontraststarken Kurze-Hosen-Anzug mit transparentem Cape über kreuzquer gestreifter Hemd-Hose-Kombination bis zum vollständigen Anzug in fast klassischem Schnitt. Bei letzterem erscheint die komplexe Verarbeitung dann auch am raffiniertesten, auch wenn die monochrome Kombination mit dem Hemd da nicht die überzeugendste Entscheidung sein mag. Sie bewirkt einen Touch von „zu viel“, folgt aber immerhin dem Titel konsequent.

Róisin Pierce (Irland) – „Mna I Bhlàth (Women in Bloom)“ (PRIX DU PUBLIC, VILLE D’HYÈRES und PRIX DES MÈTIERS D’ART BY CHANEL):
Ohne klassische ästhetische Grundlagen zu verlassen oder zu negieren, versucht Róisín Pierce experimentelle Erweiterungen. Dies beginnt bei den Silhouetten und setzt sich fort in der Behandlung und Manipulation von Textilien und Schnitten. Sie versucht, experimentell auf der Basis des Begriffes Schönheit Herkömmliches mit Innovativem zu verschmelzen und dabei überraschende Erscheinungsbilder zu kreieren, wobei mit dem monochromen Weiß die Hauptaufmerksamkeit auf die differenzierend gestalteten Oberflächen geführt wird, die wie Skulpturen oder Reliefs ein veredelndes Eigenleben entwickeln. Das erstreckt sich sogar bis hin zum Schuhwerk, das hier feiner und eleganter daherkommt als bei den Konkurrenten/innen. Eine etwas spielerische Romantik scheint bei allem durch, man denkt zum Beispiel an Hochzeitskleider, trotzdem setzt die Designerin damit einen auffälligen Akzent im Getriebe der Jungen, der den Fine Gout nicht aufgeben will. Der Preis von Chanel und der Publikumspreis überraschen darum auch nicht besonders.

Yana Monk (Russland) – „Amderma“:
Die Designerin setzt deutlich auf jugendkulturelle Bewegungen und auf darin erscheinende düstere Stimmungen. Einschließende, verbergende Kapuzen, wallende, bodenlange Kutten, skulpturale, körperüberwindende Verformungen bestimmen die Erscheinungsbilder der Männerkleidung, ergänzt mit Bändern oder großen Überlappungen. Vorwiegend monochrome Grautöne unterstreichen das Mystische – oft allerdings eher heller als ganz dunkel.
Trotzdem bleibt stets etwas Haut sichtbar, wie eine Öffnung in der Abschottung.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die zehn Finalisten des Nachwuchswettbewerbes werden von einer kompetenten Jury nicht zuletzt danach ausgesucht, inwieweit ihr gestalterischer Leitgedanke in der Lage ist, einen eigenen Stil zu kreieren, der zukunftsträchtig ist und auch handwerklich solide vorzugehen weiß. Mit dem Prix Chloé, dotiert mit mittlerweile 20.000 Euro, ist allerdings eine zusätzliche Herausforderung verbunden, nämlich die, einen überzeugenden Brückenschlag zu finden zwischen dem eigenen Stil und der klassischen Silhouette des berühmten Modehauses. Ein eigener Entwurf muss dafür gemacht werden, der dann in Konkurrenz mit den anderen neun Wettbewerbern in einem speziellen Défilé auf den Laufsteg gebracht wird. Der Preis ist sehr begehrt, entsprechend engagiert wird die besondere Aufgabe bearbeitet. Je revolutionärer der eigene Gestaltungsansatz ist, desto größer wird die scheinbare Unvereinbarkeit mit der klassischen Marke sein, gleichzeitig aber entstehen genau damit Vorschläge, die auch das Traditionshaus in innovative Richtungen denken lässt. Und umgekehrt ist der Designer verpflichtet, seine Freiheit in die Entwicklungsgeschichte einzubinden und sein gestalterisches Ego auf eine vorfindliche Fährte zu setzen.

Den diesjährigen Prix Chloé hat Tina Schwizgebel-Wang aus der Schweiz errungen, klug hat sie das Farbenproblem auf Weiß und Grau-Beige reduziert und damit einen beherrschten Kontrast der Teile hergestellt. Im Ganzen hat sie eine elegante Kombination aus raffiniertem Schnitt und eher klassischen Elementen geschaffen, die eine stimmige Gesamtwirkung erreicht. Über die etwas spießig anmutenden Strümpfe lässt sich geschmacklich streiten, die auch noch mit Sandalen kombiniert werden, das Schuhwerk ist aber immerhin behutsam modifiziert um Vergleich zu ihren dahingehend eher anspruchslosen Gestaltungen in der Hauptschau. Stellvertretend an diesem Beispiel lässt sich auch bei den anderen Wettbewerbern sehen, dass der dort vorfindliche Trend zum Groben, zum Teil auch Primitiven nur schwer zu einer gewissen Eleganz zu modifizieren ist.

Die Schau zeigt darum, besonders im Vergleich zu den Wettbewerbskollektionen, aufregende Verständniskonzepte und Stilmodifikationen, von denen zum Beispiel der Entwurf von der Russin Yana Monk eine beeindruckende Wandlung aufzeigt – von der Kutte zum Kurzkleid mit Gazeschleier-Cape.

Letztlich vielleicht ungewollt, hat Chloé mit dieser Herausforderung gut das Problem der Gegenwart hinsichtlich ästhetischer Gestaltungskriterien und des Gespürs für Eleganz auf die Tagesordnung gesetzt und fordert einen Spagat heraus, der für so manchen Designer unerwartete Konflikte heraufbeschwört, besonders dann, wenn Anti-Ästhetik eigentlich Teil seines Konzeptes ist.

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan):

Tsung-Chien Tang (Taiwan):

Dita Enikova (Littauen):

Lucille Thièvre (Frankreich):

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz):

Christoph Rumpf (Austria):

Milla Lintilä (Finnland):

Emilia Kuurila (Finnland):

Róisin Pierce (Irland):

Yana Monk (Russland):

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Das Highlight des Festival International de Mode, de Photographie et d’Accessoires de Mode in Hyères ist am letzten Tag das Défilé der von der Jury vorausgewählten Kandidaten für die verschiedenen Preise. Gut dotiert und stets mit Partizipation im Business bei renommierten Modehäusern ausgeschrieben sind die Auszeichnungen auch zugleich eine sehr konstruktive Förderung, die die Startchancen erheblich beschleunigen. Eine eigene, kommerzialisierte und beworbene Kollektion für ein bekanntes Label ist die Regel.

– Le Grand Prix du Jury de Première Vision ist mit 20.000 Euro dotiert und bevorzugter Präsentation bei Première Vision Paris Schau im September.  Außerdem die Gelegenheit, mit Chanels Métiers d’art ein Projekt bis zu 20.000 Euro zu realisieren.

– Eine Zusammenarbeit mit Petit Bateau für 10.000 Euro plus Royalities für die Gestaltung mehrerer Modelle, die produziert und kommerzialisiert werden.

– Der Chanel nouveau Prix des Métiers d’art. Mit ihm verstärkt Chanel sein Engagement als Hauptpartner des Festivals seit 2014. Er ist mit 20.000 Euro dotiert für ein neues Gestaltungsprojekt eines aus den 10 Kandidaten kombinierten Designerduos und wird im Folgejahr ausgestellt.

– Der Prix du public der Stadt Hyères (Publikumspreis) wird vom anwesenden Publikum per Stimmzettel gewählt.

– Außerdem gibt es eine Mention spéciale du jury mode, die dank eines besonderen Potentials als Belobigung ausgesprochen wird.

– Die Marke Galeries Lafayettes lädt einen Kandidaten ein für eine Kollektionsgestaltung, welche produziert, kommerzialisiert und beworben wird.

– EXCEPTION lädt einen Kandidaten seiner Wahl ein, in China zu arbeiten und auszustellen mit vereinbarten Projekten und Themen.

– Der Prix Chloé ist mit 20.000 Euro dotiert. Das Haus Chloé ist offizieller Partner des Festivals. Im Anschluß an die große Schau gibt es eine kleine, bei der die 10 Wettbewerber je ein Outfit im Stile des Modehauses entworfen haben, dies ist die Grundlage für die Preisvergabe. Wir zeigen die Schau im nächsten Artikel.

– Weitere Modeunternehmen nehmen später die Ergebnisse zum Anlass, den Wettbewerbern Jobs, Projekte und Kooperationen vorzuschlagen, so hat zum Beispiel Botter letztes Jahr einen Stelle als Kreativ-Direktor bei Nina Ricci erhalten. Die Fashionweek Berlin übernimmt seit neuestem die Schau des Hauptpreisträgers. Darüberhinaus ist auf dem Festival viel professionelles Publikum unterwegs, das nicht selten Nachwuchs sucht und zumindestens recht umfangreiches Networking ermöglicht.

Insgesamt ist das Festival (dieses Jahr das 34te) ein sehr kluges und mittlerweile bewährtes Fördersystem, oft kann man die neuen Karrieren im Handel und auf den großen Schauen in Paris und anderswo wenige Jahre später wiederfinden.

Das Défilé zeigte die 10 Wettbewerber in dieser Folge:

Tetsuya Doi, Yota Anazawa & Manami Toda (Japan) – „Polomani“ (MENTION SPÉCIALE DU JURY MODE):

Tsung-Chien Tang (Taiwan) – „Sleepwalker“:

Dita Enikova (Littauen) – „Avoiding The Void“:

Lucille Thièvre (Frankreich) – „Les Esplaces 19120“:

Tina Schwizgebel-Wang (Schweiz) – „Inked“ (PRIX CHLOÉ):

Christoph Rumpf (Austria) – „Sans Titre“ (GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION):

Milla Lintilä (Finnland) – „Metadance“ (KOLLEKTIONSGESTALTUNG FÜR GALERIES LAFAYETTE):

Emilia Kuurila (Finnland) – „Taped on the Skin AW19“:

Róisin Pierce (Irland) – „Mna I Bhlàth (Women in Bloom)“ (PRIX DU PUBLIC, VILLE D’HYÈRES und PRIX DES MÈTIERS D’ART BY CHANEL):

Yana Monk (Russland) – „Amderma“:

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