Text und Bilder: Gerhard Paproth

Schon letzte Saison ging der Berliner Salon ins Museum und konfrontierte junge Mode mit kunstgeschichtlichen Meisterwerken. Diese Saison ist die Möglichkeit, dies in der Gemäldegalerie ausrichten zu dürfen, noch exquisiter und der Erwartungsdruck unter der kulturbeflissenen Klientel noch größer. Aber es funktioniert im Großen und Ganzen ziemlich gut, vor allem, wenn man erkannt hat, dass die Gegenüberstellungen nur lose optische oder ästhetische Korrespondenzen evozieren brauchen und man die kunstgeschichtliche Perspektive meist besser beiseite läßt. Mit den Arrangements wird dem Geschmack den Vortritt gelassen, man gönnt irgendwelchen Affinitäten in Form, Farbe, Bewegung oder Material ein vorübergehendes Intermezzo, manchmal ist den umsichtigen Kuratoren sogar ein inhaltlich origineller Kontext gelungen. Oft macht das Spass, es erfrischt die Kunst vorübergehend auch ein wenig, manches erscheint plötzlich gegenwärtiger als sonst, durchaus ohne Würdeverlust. Nicht immer allerdings haben die Designer selbst verstanden, warum sie gerade an dieser Stelle positioniert wurden, manchen war der kunstgeschichtliche Hintergrund aber hinreichend bekannt, denn sie haben ihre Entwürfe ohnehin schon entfernt aus solchen modegeschichtlichen Kenntnissen abgeleitet. In diesen wenigen Fällen ist die Rezeption natürlich ein besonderer Reiz. Es gibt andererseits auch amüsante Konstellationen, die sich die Kuratoren haben einfallen lassen (zum Beispiel bei Namilia) und die formalen Positionierungen (zum Beispiel bei Marlon Ferry) sind Möglichkeiten, sowohl die Malerei als auch die Modeexponate besonders zu akzentuieren.

Die Auswahl der gezeigten 55 deutschen Designer und Designerinnen – das geschah großenteils über Bewerbungen – ist diese Saison besonders focussiert auf jungen Nachwuchs, viele unbekannte Namen, die oft gerade ihr Examen hinter sich haben und hier ihre Prüfungsarbeiten vorstellen. Einige wenige bereits bekannte Labels sind, weit verstreut, trotzdem noch dabei, sei es weil sie den künstlerisch-fantasievollen Ansatz nicht aufgegeben haben, sei es, weil sie besonders exquisit ästhetische Kategorien verfolgen und damit auch zu der Gesamtqualität der Mode-Ausstellung noch Höhepunkte beisteuern.

Bis 24. Februar 2025 läuft das gemeinsame Ausstellungsexperiment vom  Fashion Council Germany (Leitung Christiane Arp) und der Gemäldegalerie für das breite Publikum und ein Besuch ist sehr zu empfehlen. Denn es rückt die Kunst in eine etwas unbeschwertere Sicht, ohne sie nennenswert zu beeinträchtigen und die Gestaltungsambitionen jungen Modedesigns in ein kulturell etwas ernsthafteres Bewußtsein, ohne zu aufgesetzt daher zu kommen.

Wir haben versucht, das Anliegen der Ausstellungsidee mit unseren Fotos der Modeexponate etwas mitzudenken und, soweit möglich, auch die Designer persönlich mit ins Bild zu nehmen. Auch das ein Experiment.

Adriane Lila Fecke:

Alan Hamiklo:

Alexander Gigl:

Alexandra Stein:

Alina Kalischer:

Anne Bernecker:

Anne Kaden:

Angelique Dins:

Autel:

David William:

Des Filles Désir:

Elodie Carstensen:

Fabia Meyer:

Fiona Bennet:

Frieda Kamphues:

Gerrit Jacob:

Henning Sadau:

Jing-Jie Huang:

Joah Kraus:

Karen Jessen:

Katharina Dubbick:

Lennart Bohle:

Leyla zu Stolberg:

Lilian Brade:

Luis Amslgruber:

Maatrev:

Maison Rose, Louis Renaud:

Marius Moninger:

Marie-Louise Müller:

Marlon Ferry:

Marvin Muelleck:

Fashion X-Craft:

Michelle Bohnes, Jasmin Wottke, Paula Dischinger:

Chantal Wehran:

H6 Collective:

Maira Gath:

Niclas Hasemann:

Namilia:

Nethanel Kantor:

Panos Gotsis:

Paulina Bongartz:

Plaid-A-Porter:

Selva Huygens:

Sezgin:

Silja Meise:

Sofia Hermens Fernandez:

Stefan Uhr:

Stricken3000:

Studio Ena:

Tati:

Timo Kurz:

Unvain:

Yannic Pretzlaff:

Yccij:

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon ist bekanntlich immer hervorragend kuratiert, seine Berg- und Talfahrten ergeben sich stets aus den Orten, wo er zu Gast war. Diese Saison findet er im Bode-Museum statt und der besondere Vorteil liegt, abgesehen von der Location mit klassischer Kulturprägung, darin, dass er ein paar Tage für öffentliches Publikum geöffnet bleibt (bis 7.7.).

Mit dieser Kooperation stellt sich einerseits die Modeveranstaltung der Fashionweek in einen kulturhistorischen Kontext und andererseits bietet sich dem Museum Gelegenheit, seine für manchen jungen Menschen eher trockene, lebensferne Kunstgeschichtsausstellung aus frischer Perspektive wahrzunehmen. Das Museum ist ohnehin stets aktiv bemüht, mit ungewöhnlichen, vorübergehenden, thematisch geprägten Ergänzungen zu seiner ständigen Sammlung neue Aufmerksamkeit und geistige Bewegung zu initiieren, neben den vielen Programmen (Konzerte, Talks etc.), die es sonst noch bietet, und zeigt sich dabei nicht selten mutig und risikobereit. Insofern sind die Kuratorinnen des Museums geübt in solcher Art interaktiver Korrespondenz und sie waren sicher sehr wichtige Partnerinnen der Modepräsentation inmitten mittelalterlicher, gotischer und byzantinischer Kunstwerke von erlesener Qualität. Dabei spielte der Schwerpunkt des Museums, nämlich die Skulptur, nicht einmal die entscheidende Rolle. Fast eine ganze Etage seiner Räumlichkeiten standen dem Experiment zur Verfügung und die Eröffnung war entsprechend feierlich angelegt.

Inwieweit das Experiment allerdings inhaltlich als ein Erfolg zu verbuchen ist, bleibt dahin gestellt. Angefangen mit der etwas enttäuschten Erwartung, dass sinnstiftende Korrespondenzen zwischen den historischen und den aktuellen Exponaten vor Augen treten und der Vermutung, dass die angewandte Kunst des Modedesigns im Kontext eine Veredelung erfahren könnte. Man hat aber fast den Eindruck, dass Kunstgeschichte und Mode höchstens auf ihrer Oberfläche zusammen kommen können, und dass mehr vielleicht auch nicht wirklich gewollt ist. Mit kritischem Tiefgang wird es an diversen Stellen eher brisant.

Vielleicht ist das Klagen auf hohem Niveau, fairer ist es wohl, die Kraftentfaltung der zeitgenössischen Kreationen zu würdigen, die im Kontrast ihren eigenen Zeitgeist herausstellen müssen. Und dank der kenntnisreichen und qualitätsbewußten Kuratierung ist das auch vorwiegend überzeugend gelungen. Doch auch dabei ist der konzeptuelle Ansatz schon ein anderer als zuvor. Von den bekannten Berliner Modemachern bestimmen nur noch einige das modische Panorama, viele unbekannte Namen sind vertreten, darunter auch besonders talentierte und perfektionistische Modestudenten. Damit geht der Berliner Salon noch einen Schritt nach vorn, sowohl die Nachwuchsförderung als auch die Erkundung des avantgardistischen Zeitgeistes betreffend.

Die Designer zeigten sich zumeist geehrt und oftmals auch besser verstanden mit ihrer künstlerischen Ambition der Arbeit. Manche, wie zum Beispiel Karen Jessen, agieren ohnehin grenzgängerisch zur Bildenden Kunst, sind auf der Positions vertreten oder noch gar nicht auf einen kommerziellen Geist des Tuns  gerichtet. Das ist vorteilhaft für optisch-ästhetische Ansprüche, die sich gerade in Berlin über das Selbstverständnis der Nachhaltigkeit erheben müssen, was manchen Designern noch immer schwer fällt. Auch in dieser Hinsicht ist der Ausstellungskontext „Kunstmuseum“ eine gute und richtige Herausforderung.

Es soll nicht verschwiegen werden, dass das Museum auf dem Gebiet schon einiges zu bieten hat. „Originale Kleidungsstücke, Schuhwerk und Accessoires sowie kunstvolle Buntwirkereien von höchster handwerklicher Qualität befinden sich etwa im Bestand des Museums für Byzantinische Kunst, das mit etwa 2.000 Stücken die größte Sammlung originaler Textilien aus dem nachpharaonischen Ägypten in Deutschland besitzt. Passend zur Fashion Week wird die Textilvitrine in Raum 113 mit repräsentativen Beispielen spätantiker Kleidung neu bestückt.“ (Eigenwerbung auf der Webseite.) Und natürlich spielen auch bei Gemälden und Skulpturen Kleidung und Modeerscheinungen schon immer eine wichtige Rolle. Allerdings erschließen sich solche nahegelegten Verbindungslinien nur sehr selten von selbst und wenn, dann eher oberflächlich oder nur mit großer Aufmerksamkeit und Mühe erkennbar.

Unterm Strich bleibt der Eindruck, dass zwar zusammengebracht ist, was einer tradierten Kulturidee folgt und vor allem, dass der Berliner Salon wieder einen stilvollen Ort für sich gefunden hat. Der Gedanke, dass das Eine mit dem Anderen dann doch nicht mithalten kann, bleibt aber auch – selbst wenn der stille Blick auf unsere Bilder noch den einen oder anderen Aha-Effekt hervorruft, der einem in der Ausstellung selbst erst einmal entgangen ist.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die Handwerkskünste, die die Haute Couture massgeblich prägen, sind in der aktuellen Schau des Berliner Salons deutlich ins Zentrum gerückt. Das führt zwangsläufig zu aussergewöhnlicher Faszination der Details, die gestaltungsprägend neue Ideen bestimmen und sogar zu sehr ungewöhnlichen Wirkungen.

Dabei ist die handwerkliche Vorgehensweise gar nicht sehr von Traditionen bestimmt und von der Perfektionierung bekannter Verfahren, sondern von innovativem und experimentellem Vorgehen, dem eine große Sorgfalt und Detailverliebtheit gewidmet wird, die, nach all den langen Jahren der Lässigkeit beim Nachwuchsdesign, doch überrascht. Augustin Teboul beziehungsweise Lou de Bèrtoly (dieses Mal nicht vertreten) betreiben dieses Verfahren zwar schon lange (und wurden genau dafür geliebt), aber jetzt erst wird die fummlige, geduldige und kreative Handwerksarbeit zu einem sichtbaren Trend.

Der große Vorteil des Berliner Salons, neben der schönen Übersicht, ist, dass man näher herantreten kann, betrachten, verweilen und irgendwie sich auch hie und da ein wenig verlieben. Und es gibt natürlich ganz unterschiedliche Ausgangspunkte der Detailverliebtheit. Bei Namilia ist es sicherlich der Arbeitsprozess, bei dem die Kreativität nie ausgeblendet wird – beim Aufbringen der Stachelnieten kommt dann die Idee, einige durch kleine Penisse zu ersetzen und das macht man dann auch. So setzt sich die Philosophie des Ganzen fort bis ins Detail und gewinnt ausserdem noch einen zusätzlichen Touch Humor:

Bei Haram hingegegen löst die verrückte Idee, einen Turnschuh in eine Corsage zu verwandeln, die anschließende Notwendigkeit aus, die detaillierte Konstruktion des Turnschuhs mit den angrenzenden Teilen weiter zu führen:

Überhaupt ist die Detailverliebtheit beim Turnschuhdesign verführerisch, sie im Großen weiter zu führen, indem man eben die Details neu zusammensetzt wie bei PLNGNS:

Aber bei Chelsea Jean Lamm werden die Detailkonstruktionen um ihrer selbst betrieben und zeitigen dann als komplexer Zusammenhang total innovative Vorgehensweisen im geduldigen und präzisen Handwerk:

Kitschy Couture:

Bei Haderlump gibt es auch interessante Strukturen in der Oberfläche, hier mit Zufallsfaktor:

Der analytische Aspekt der Dekonstruktion für eine interessante Neukonstruktion wird am Kleid von Milk of Lime auch zur visuellen Demonstration veranschaulicht, indem der plane Stoff in Streifen aufgelöst wird, die dann zu einem neuen Gewebe verflochten werden:

Die Zusammensetzung von Stoffflächen beziehungsweise -formen findet sich vielfach auch im Großen, ohne dabei an „Patchwork“ zu erinnern. Was vorher oft durch Schichtungen erzielt wurde, ist jetzt zum homogenen Teil verbunden. Mit dem Stoffrecycling sind das alles sehr erfrischende und kreative Verarbeitungs- und Anschauungslösungen, die letztlich auch demonstrieren, dass „Ökomode“ durchaus coole und pfiffige Erscheinungsbilder hervorbringt. In dieser Saison entschiedener und überzeugender als je zuvor und mit circa 25 Teilnehmern aus Berlin (von ca. 40) kann davon ausgegangen werden, dass Berlin als Modestadt mit eigenen Perspektiven den Gesamtbetrieb jetzt wirklich beeinflusst. Der Berliner Salon will diesen Aspekt deutlich abbilden und das gelingt ihm wie immer auf sehr informative und unterhaltsame Weise.

INTERNATIONAL CITIZEN:

ELHO:

MARKE:

SUISUEE:

T/SEHNE:

LION BUSCH:

HADERLUMP:

TABITA KARAOGLAN:

NAMILIA:

LAURA GERTE:

PLNGNS:

UNVAIN STUDIOS:

GINA MELOSI:

UNCOMMON MATTERS:

THE OTHER GODS:

KAREN JESSEN:

CÉCILE – FEILCHENFELDT – KNITWEARSTUDIO PARIS:

LACUEOR:

ODASSEY:

CHELSEA JEAN LAMM:

AVENIR:

HAP CERAMICS:

CHOUCROUTE:

STUDIO VADIM BATZ:

SOCIÉTÉ ANGELIQUE:

FELINE SASSE:

LANUK STUDIOS:

LUISE ZÜCKER:

ASSEMBLED HALF:

ADRIANE LILA FECKE:

STUDIO MILENA KLING:

ANNE BERNECKER:

LEINZ CONTEMPORARY EYEWEAR BERLIN:

CHRISTIAN METZNER BRANDENBURG:

MILK OF LIME:

KITSCHY COUTURE:

ZAMT BERLIN:

RAER SCENTS:

MAIRA GATH + PAULA DISCHINGER:

JASMIN WOTTKE + NICLAS HASEMANN:

MICHELLE BOHNES:

CHANTAL WEHRAN:

SOFIA HERMENS FERNANDEZ + RONJA BECKMANN:

CHELSEA JEAN LAMM + NANYI LI:

TATJANA HAUPT:

NARI HAASE:

FASHION X CRAFT X TENCEL:

UGG CULTURE CHANGEMAKER PRIZE:

HARAM:

SIRI MAJAROEN:

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die lange ersehnte Rückkehr des Berliner Salons ins schöne Kronprinzenpalais löste zwar nicht alle Erwartungen an die liebevolle Ausstattung der frühen Jahre ein, gab aber endlich der großen Schau wieder ihre Würde zurück. Nüchterner zwar, ohne hinreißende Blumenarrangements und mit Wasser aus dem Kühlschrank aber geräumig und in angemessenem Raumambiente.

Insgesamt ist die Auswahl an Modedesignern und Modedesignerinnen, so hat man jedenfalls das Gefühl, kleiner geworden, aber nach wie vor erlesen und kenntnisreich (Christiane Arp). Das kommt wohl daher, dass jetzt auch allgemeinere Gestaltungspositionen aus Design im kunstverwandten Sinne hinzu gekommen sind, nicht immer versteht man da den Zusammenhang. Möbelstücke, Einrichtungsobjekte, Parfüme sind dabei und Schmuck hat wieder stärkere Präsenz. Was den gestalterischen Umgang mit Webstoffen und „textiler Kunst“ betrifft, ist die Brücke hin zum Künstlerischen eher verständlich und auch sinnvoll – da geht es auch um Öffnung des Blickes für die kreative Nutzung von Textil. Beim Einrichtungsdesign aber stellt man sich dann schon Fragen.

51 Designer und Designerinnen sind vertreten, verteilt auf zwei Etagen, der großzügige Treppenbereich wurde nicht mehr genutzt. Viele Designer waren bei ihren Exponaten anwesend, auch das ist eine wunderbare Tradition. Besonders im Focus der Auswahl war, so lasen wir, Nachhaltigkeit bei den ausgestellten Marken – mittels eines Fragebogens wurden die Labels konkret danach abgefragt. Dieser Aspekt ist bei der Berliner Fashionweek ohnehin seit geraumer Zeit zum dominierenden Kriterium geworden, wesentlich radikaler als auf anderen Fashionweeks, wo er eines unter mehreren ausmacht. Nicht immer dient das dem erbaulichen Erscheinungsbild, aber dies Phänomen ist selten geworden. Die Emanzipation von dem schlechten Image des „Bio-Alternativen“ ist längst vollzogen. Das Diktat der Nachhaltigkeit hat zu überraschend vielen Wegen geführt, sinnvoll und überzeugend damit umzugehen, nicht selten gerade zu sehr originellen Einfällen im Recycling. Wie zum Beispiel die Schuh-Handtaschen von Haram. Die Idee ist zwar nicht ganz neu, denn wir sahen das schon viel origineller 2018 in Hyères von der Südkoreanerin Jinah Jung (Conshoesness), aber das mindert den Pfiff der Gestaltung keineswegs.

Die große Schau hat als Übersicht den Vorteil, dass gewisse Trends offenkundig werden, dieses Mal fiel der gestalterische Spass an Verschlüssen und deren ungewöhnlichen Möglichkeiten auf, sowohl das Erscheinungsbild als auch die praktischen Optionen zu erkunden. Als kleiner Trend ist das nicht unbedingt neu, aber hier sah man doch viele coole Ideen und daraus resultierende eigene Schnitte. Und als leichte Übertreibungen mit Gurten, Knöpfen und Reißverschlüssen eben mehr als Akzente. Außerdem ist das Thema Dekonstruktion nicht mehr so experimentell herausgestellt, die gestalterische Methode ist selbstverständlicher geworden.

Prominenter war dieses Mal der „UGG Culture Changemaker Prize“ dabei, der an Namilia, Marke, SF 1 OG und Kasia Kucharska ging. Ebenfalls dabei waren wieder die drei ukrainischen Designerinnen Litkovska, Bobkova und Dzhus, zum Teil auch aus solidarischen Gründen. Sie richteten im Laufe der Fashionweek auch wieder eigene Schauen aus.

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Angesichts des Umstands, dass die zentralen Schauen der Fashionweek in die frisch renovierten Kantgaragen gelegt worden sind, war es für den Berliner Salon wohl opportun, daselbst auch seine aktuelle Präsentation relevanter Gegenwartsdesigner aus dem deutschsprachigen Raum einzurichten. So sorgfältig die historischen Kantgaragen nun auch renoviert sind, dass da sogar das Stilwerk eingezogen ist, so parkhausmäßig sind die offenen, niedrigen Räumlichkeiten doch verblieben. Denkmalschutzmäßig aufgefrischt und andere Nutzung ermöglichend.

Der Berliner Salon ist ja nun mehrmals in verschiedenste Architekturkonstellationen gezogen und hat daraus jeweils viel Gewinn und auch Verlust für das Repräsentative gezogen. Der zweite Faktor, der dazu kam, war die mehr oder weniger liebevolle Auswahl und Präsentation der Modebeispiele. Nachdem schon einige Abstriche nach dem Auszug aus dem Kronprinzenpalais hinzunehmen waren, überraschte letzte Saison ein tolles Konzept für die Inszenierung (wir berichteten), es schien wieder aufwärts zu gehen. Aber jetzt im Parkhaus war kaum Inszenierung wahrzunehmen, unmerklich geordnet standen die Kleiderständer mit Designer-Beschriftung im großen Raum herum, ergänzt mehr oder weniger unvorteilhaft mit jeweils einer eigenen Leuchte, das wars. Soweit nüchtern, bestenfalls sachlich und kritisch betrachtet enttäuschend.

Nicht enttäuschend waren dagegen die Exponate selbst, stellvertretend und aussagestark ausgesucht und sehr prägnant in der individuellen ästhetischen Philosophie. Ungewohnt und erfreulich dazu vorwiegend neue Teilnehmer, insgesamt etwa 47, die „üblichen Kandidaten“ blieben bis auf wenige unberücksichtigt. Damit wird auch schon der frische Wind, der auch aus dem wieder größeren Fashionweekprogramm erkennbar wird, hier schon vorgestellt. Und der ist auch sehr überzeugend, denn es gibt offensichtlich wieder viele noch kaum bekannte Designer mit sehr attraktiven Modevorstellungen. Wenn es die Berliner Fashionweek, nunmehr ohne Mercedes Benz als einflußreichem Hauptsponsor, gelingt, ein neues Konzept mit jungen und ungewöhnlichen Designern zu programmieren, hat sie der internationalen Fashionweek-Aktivität etwas voraus, nämlich die wirkliche Innovation aus den jungen Ateliers heraus. Dann besteht die Chance, dass die internationale Modewelt aufmerksam nach Berlin schaut.

Einen Abschnitt der Ausstellung bildete die Gruppe der vier ukrainischen Designer (DZHUS, Jean Gritsfeldt, Bobkova, Litkovska), die auf der Fashionweek auch Schauen bestreiten. Und da zeigt die konzentrierte Präsentation schon sehr verschiedene Gestaltungskonzepte, mit der Prägung durch die aktuelle Kriegssituation und dem eigentlichen Selbstverständnis des Landes. Gegenwartsverortung auf künstlerischer Ebene sozusagen.

Karen Jessen:

Juliana Maurer:

Working Title:

Lani Lees:

Jean Gritsfeldt:

DZHUS:

PB0110:

Litkovska:

Bobkova:

Maryam Keyhani:

Avenir:

Stiebich & Rieth:

Fade Out Label:

Konrad:

Oftt:

Vaust Studio:

Julia Leifert:

Christian Metzner Brandenburg:

Richert Beil:

Susumu Ai:

Odeeh:

Rita in Palma:

Valentin Lessner:

Tim Süssbauer:

LML Studio:

Antonia Schreiter:

Assembled Half:

Fiona Bennett:

Studio 163:

Rianna + Nina:

The Twins:

Anne Bernecker:

Horror Vacui:

Société Angelique:

Tatjana Haupt:

Sofia Hermes Fernandez:

Nanyi Li:

Tebton:

SF10G:

Nari Haase:

Chelsea Jean Lamm:

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Umzug des Berliner Salons in das Kulturforum hat der Veranstaltung mehr als gut getan, nachdem sie die letzten Saisons ein eher untergeordnetes und damit völlig unterbewertetes Dasein fristen musste. Viel Platz, eine neue Struktur und eine nach wie vor liebevolle Konzeption sicherten der Ausstellung das, was sie beansprucht: Eine Schau der besten Modemacher Deutschlands (+ Accessoires) mit hoch kultiviertem Präsentationsniveau. Dabei liegt das Augenmerk besonders auf lokale Nachhaltigkeit, Zukunftsorientierung und Qualität als Kennzeichen gerade deutscher Modeideologie. Mit vornehmem Grau und guter Beleuchtung lehnt sich die Präsentation der Gruppenausstellung an moderne Techno-Ästhetik an und bietet zugleich einen cool-eleganten Flair, die den Exponaten durchweg gut tut und die ästhetische Qualität wieder stärker in die Wahrnehmung rückt.

Wesentlich ist diese Ausstellung auch deswegen, weil viele wirklich gute Designer sich nicht in Form einer eigenen Schau auf dem Laufsteg der Fashionweek-Veranstaltungen präsentieren können und wollen. Man kann leicht vergessen, dass das Programm der Berliner Fashionweek keineswegs repräsentativ ist und gerade darum ist der Berliner Salon so wichtig. Auch wenn hier jeweils nur wenige Kollektionsmodelle gezeigt werden, ist der Einduck der Schaffensleistung doch sehr prägnant, nicht zuletzt weil man in Ruhe betrachten kann. Und an relevanten Teilnehmern sehr umfassend. Erstaunlicherweise war bei unserem Besuch nicht viel Publikum zugegen, vielleicht muss der gute Ruf erst wieder etabliert werden und die Werbung dafür bei den Fashionweek-Organisatoren den Platz einnehmen, den die Veranstaltung verdient.

Angelehnt an frühere Formate des Berliner Salons war die Präsentation gegliedert in drei Bereiche: „Die Gruppenausstellung“, „Fashion and Craft“ und „Rising Voices Award“. Die Gruppenausstellung zeigte Exponate von insgesamt über 30 Designern. Diese Ausstellung wird mit einer sogenannten „Alumni-Installation“ von 24 Designern und Manufakturen erweitert, mit Fashion and Craft überschrieben, darunter – der Bezeichnung entsprechend – viele Labels, die schon lange auf dem Salon vertreten sind und mittlerweile auf ein solides Renommée zurückblicken können. Einen eigenen Platz bekam ausserdem Jean Gritsfeldt, der ukrainische Designer, der auch für ein Podiumsgespräch (mit Christiane Arp) anwesend war – auch dies ein Teilformat des Berliner Salons, das jetzt wieder angemessen in die Aufmerksamkeit gerückt wurde. Der dritte Bereich namens Rising Voices Award präsentiert das Ergebnis eines Schuhdesign-Wettbewerbes, der vom Fashion Council Germany und der kalifornischen Schuhmarke UGG ausgelobt wurde. Er soll die Nachwuchsdesigner-Generation im Sinne nachhaltiger Produktion unterstützen, motivieren und fördern. Aufgabe war es, ein Modell des ikonischen UGG “Classic Mini” Stiefel unter dem Aspekt von Nachhaltigkeit und Handwerkskunst neu zu erfinden. Zehn Teilnehmer kamen ins Finale und wurden ausgestellt, den ersten Preis gewann das Label Milk of Lime.

Die Gestaltung des Berliner Salons war seit seiner Gründung stets liebe- und geschmacksvoll ausgerichtet, die Wahl der Orte und damit des Raumes sowie die Integration in die Berliner Fashionweek dagegen nach dem Auszug aus dem Kronprinzenpalais oft stiefmütterlich behandelt (vgl. Beitrag). Außerdem war die Öffnung der Schau meistens nur kurz und nicht für jedermann. Das hat sich jetzt endlich geändert, der Ort ist wieder angemessen und die Öffnung war auch für mehrere Tage allgemein zugänglich.

Es wird Zeit, dass dieser ausgezeichneten Veranstaltung die Bedeutung auf der Fashionweek zugesprochen wird, die ihr gebührt.

DER BERLINER SALON
DIE GRUPPENAUSSTELLUNG

RITA IN PALMA

HORROR VACUI

FASSBENDER

RICHERT BEIL

MYKITA

SF10G

RIANNA + NINA

SUSUMU AI

SOCIÉTÉ ANGELIQUE

LML STUDIO

DETLEV DIEHM

MAISON BAUM

GOLPIRA

DANNY REINKE

KHULAN KLECKER (UDK BERLIN)

JONATHAN AUREL (UDK BERLIN)

JULIA LEIFERT

ODEEH

AVENIR

ATELIER BALAGANS

RENÉ STORCK

PB 0110

FADE OUT LABEL

STUDIO 163

OFTT

ALEXANDRA BIRON VON CURLAND

KONRAD

FIONA BENNETT

FASHION x CRAFT

JANA HEINEMANN / JULIA BALLARDT & NICO VERHAEGEN

PHILIP KOFI WAGNER

MIRJAM VON MENGERSHAUSEN

SVEA KATHARINA BECKEDORF

RISING VOICES AWARD

JEAN GRITSFELDT

ALUMNI INSTALLATION

DAWID TOMASZEWSKI

BRACHMANN

SMINFINITY

I’VR ISABEL VOLLRATH

ANTONIA ZANDER

VLADIMIR KARALEEV

WILLIAM FAN

WORKING TITLE

MICHAEL SONTAG

ALEKSANDRA VIKTOR

PETER O. MAHLER

TALBOT RUNHOF

ALLUDE

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Er war einmal eine strahlende Sonne über der Berliner Fashionweek, die stand für potentiellen Nachwuchs, für mögliche Strahlkraft deutschen und Berliner Modedesigns und gewissermassen auch für einen gewissen Stolz darauf. Der Berliner Salon, die einst wesentlich von Vogue ins Leben gerufene Veranstaltung mit viel Eleganz und repräsentativem Drumherum, vegetiert nun im Dämmerlicht in der groben Betonkonstruktion des Kraftwerkes vor sich hin und scheint als Randunterhaltung der wenigen verbliebenen Schauen nun ein kümmerliches, mühselig erhaltenes Dasein zu fristen. Eher schwaches Akzentlicht wird den Exponaten noch gegönnt, die, immerhin, noch mit genauso viel Liebe, Ambition und Attraktivität von ihren Designern aufgebaut wurden wie schon immer. Sogar noch mit kleinen Extras. Die Qualität der Sachen ist nach wie vor bemerkenswert und es ist auch gut, dass stets neue Designer dazu kommen – und gelegentlich auch für Gespräche vor Ort sind. Das ist vom alten Konzept geblieben. Aber zum alten Konzept gehörte auch viel Platz, ein eleganter, würdiger Rahmen und eine großzügige Beleuchtung. Helle, angenehme Atmosphäre mit üppigen Blumensträußen und auch reichlich Tageslicht. Alle Designer waren immer anwesend. Das bietet dieses Format, das für Nachwuchsförderung eine super Idee war, nun nicht mehr, das Durchhaltevermögen ist schon seit einigen Saisons auf ein Minimum geschrumpft und die Ambition des Glamours mit Niveau wird zunehmend tiefer beerdigt.

Immerhin, wer sich eine Übersicht verschaffen will, was gegenwärtig sich tut im gehobenen Segment des deutschen Modedesigns, wurde noch gut bedient – jenseits des Präsentationskonzeptes ist die Organisation mit kompetenter Auswahl noch funktionstüchtig. Aber die Zeiten des Kronprizenpalais‘ sind vorbei, sowas will wohl auch der Senat in Sachen Mode nicht mehr finanzieren, überhaupt Glamoureuses nicht, und damit ist ein wichtiges Fördermittel der guten Sache genommen: die strahlend helle Sonne der Eleganz und der optimistischen Stimmung ist gesunken, faktisch und symbolisch, der leuchtende Ort im Zentrum gegen einen dunklen Keller eingetauscht, bunte Blumensträuße gegen fade Kätzchenzweige, das Licht ist gedimmt und die öffentliche Werbung versiegt.

Das ist echt so schade – und zugleich eine beschämende Positionierung guten deutschen Modedesigns.

AYEDE:

KAREN JESSEN:

DAWID TOMASZEWSKI:

AVENIR:

STUDIO 163:

RIANNA & NINA::

MAXIMOVA:

2020 UNTAINTED:

STIEBICH & RIETH:

HANNIBAL:

LALA BERLIN:

ANTONIA ZANDER:

JULIA LEIFERT:

FIONA BENNETT:

SUS BERLIN:

ODEEH:

LML STUDIO:

OFFT:

CARLA-RENÉE LOOSE:

SMINFINITY:

SOCIÉTÉ ANGÉLIQUE:

DETLEV DIEHM:

HORROR VACUI:

ESTHER PERBANDT:

RENÉ STORCK:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Wie stets ist das Programm des Berliner Salons gut ausgesucht und bildet letztlich sehr viel besser ab, was gehobenes Design deutscher Modemacher hervorbringen, als das sonstige Fashionweek-Programm. Der Ort ist allerdings suboptimal dafür, die raue Schale des Kraftwerks kann mit dem schönen Kronprinzenpalais nicht konkurrieren.

Und letztlich sollte man auch nicht vergessen, dass die Auswahl zwar kompetent ist, aber eigentlich auch noch genug Subjektivität enthält, die dann auch die Frage aufbringt, wo eigentlich die allgemeine Leitlinie der Berliner Fashionweek auszumachen ist. Eine solche hat sich auch nach über zehn Jahren immer noch nicht etabliert und dieses Jahr tritt das noch auffäliger zu Tage als sonst, wo immerhin ein großes Programm einen in Atem halten konnte. Das war sehr spärlich dieses Jahr und wohl auch hauptsächlich nur ein paar Designern zu verdanken, die durchhalten wollten. Es gelingt der kreativen Stadt Berlin nicht, eine charakteristische Modeveranstaltung auf die Beine zu stellen, einen kompetenten Kopf fürs Programmatische zu finden, eine gute und zuverlässige PR-Organisation einzurichten und vor allem das zu finden und herauszustellen, was ein Alleinstellungsmerkmal für Berliner Modekultur ist und sein kann. Erst dann würde die Fashionweek aus Berlin international von Bedeutung. Und das wäre eigentlich nicht schwer, denn internationale Neugier und Interesse sind ja durchaus vorhanden.
Und es kämen auch die Designer nach Berlin zurück, die anderswo hin gegangen sind, um zu zeigen.

Um auf den Berliner Salon zurück zu kommen, hier sieht man doch ein großes Spektrum, auch wenn die Auswahl nicht etwas charakteristisch Berlinerisches im Focus hat. Wir zeigen hier alle, die vertreten waren und man merkt bei der Durchsicht schnell: Da ist doch eigentlich mehr, warum ist dieunddie nicht da und warum kommt derundder nicht in Betracht? Und das, obwohl der Berliner Salon im Untergang der Berliner Fashionweek die letzte Bastion zu sein scheint. Und er als gutes Format für Förderung gedacht ist.

Eigentlich braucht Berlin die Fashionweek nicht wie sie daher kommt, Berlin ist nicht eigentlich eine Modestadt und das Interesse der Berliner Bevölkerung kleiner als beschränkt. Die Fashionweek wurde der Stadt übergestülpt, ohne das zu erkennen und anfangs machte sie sich sogar mit den Platzierungen im Zentrum und unverfrorenen Straßensperrungen sofort unbeliebt. Aber Berlin ist kulturell breit aufgestellt und verfügt über ein einzigartiges Potential an Subkultur, und wenn man das als Ganzes sieht, ist eben Modegestaltung durchaus auch ein Teil davon, der etwas zu bieten hat und eine geeignete Präsentation verdient. Messen und High-Class Catwalks sind jedenfalls nicht die passende Antwort. So bleibt künftig abzuwarten, ob die Szene noch ein eigenes Format findet, das kompetente Unterstützung durch kenntnisreiche Macher und städtische Finanzierung bekommt.

Paris, Mailand, London, New York, Seoul etc.: Da ließen sich die städtischen Kulturdezernate ihre gut ausgebauten Modewochen nicht nehmen. Das sind wichtige Stützen des kulturellen Überbaus und es wird Zeit, dass Berlin da einen sachgerechten Beitrag auf die Beine stellt. Öko und Gender wird nicht reichen. Das kommt von selbst. Die vielen Ankündigungen und Podiumsdiskussionen zu Öko-Fashion und nachhaltiger Modeproduktion sind keine solide Basis für ein ungewöhnliches und sehenswertes Programm. Das ist Begleitprogramm. Wer zur Mode geht, will in erster Linie gucken und staunen. Bei aller Ehrenhaftigkeit der ideologischen Haltung reicht das nicht und es darf nicht übersehen werden, dass Berliner Modemacher mehr drauf haben als das. Ganz sicher.

Im Vorfeld war diese Ausgabe der Berliner Fashionweek schlecht organisiert, Infos sickerten nur langsam durch, Anfragen wurden oft nicht oder unzureichend beantwortet. Alles auf die letzte Minute. Darüber beklagten wir uns schon. Und das, obwohl das Programm schon klein und überschaubar ausfiel – alles ist geschrumpft. Im Ablauf funktionierte alles gut, besonders das Personal war erstmals sehr freundlich und hilfsbereit. Aber diese kleine und angenehme Verbesserung wird nicht reichen um künftig im größeren Kontext eine repräsentative Rolle zu spielen.

***

DER BERLINER SALON

Working Title:

William Fan:

Werkstatt München:

Stiebich & Rieth:

Vickermann & Stoya. Horizn:

Société Angelique:

Sminfinity:

René Storck:

Rianna & Nina:

Esther Perbandt:

PB 0110:

OFTT:

LML Studio:

Lutz Morris:

Odeeh:

Konrad:

Lara Krude:

Lala Berlin:

Vladimir Karaleev:

Karen Jessen:

Hannibal:

Julia Leifert:

Dawid Tomaszewski:

Diehm & Bespoke:

Antonia Zander:

Ayede:

Bergauer Handschuhe:

Alexander von Bronewski:

***

The post Berliner Salon im Kraftwerk – ein Nachwort appeared first on modaCYCLE.

Text und Bilder: Gerhard Paproth

Eingedampft wie das ganze Angebot der Fashionweek zur Wintersaison hat auch der Berliner Salon sich kleiner gemacht und ist dafür zur St. Elisabethkirche nebst zugehöriger Villa umgezogen. Gleichwohl bleibt der Anspruch, die wichtigsten, deutschen Modedesigner im Bereich des förderungswürdigen „Nachwuchses“ mit einer Einladung in einer großen Gruppenausstellung repräsentativ zu zeigen und dabei das ästhetische Ausstellungskonzept möglichst weitgehend beizubehalten. Dennoch merkt man die Beschränkung deutlich, bei den Kleinigkeiten des generösen Empfanges, bei der liebevollen Hingabe in den Details und bei den Reduktionen in der Präsentation. Auch am neuen Ort ist das Ambiente geschmackvoll und das Ausstellungskonzept gut erdacht – aber es ist eben doch bescheidener im Ganzen geworden.

Die Exponate sind an Wänden aufgereiht, recht dicht zusammen gerückt. In der Raummitte gibt es eine große, mehrstufige Insel mit Exponaten, die in alle Richtungen weisen und leider nur recht ungefähr zu Namen zuzuordnen sind. Im anderen Raum sind mehrere Inseln mit je 4 Exponaten für einen Designer, alles etwas größzügiger. Der Publikumsandrang ist recht groß, die Stimmung eher wie bei einer Vernissage als bei einem informativen Ausstellungsbesuch. In der reduzierten Räumlichkeit ist Muße zum Betrachten eher schwieriger geworden.

Die Auswahl der eingeladenen und für förderungswürdig befundenen Designer an sich ist vermutlich etwas komplexer als früher angelegt, mehrere Institutionen sind daran wohl beteiligt, der normale Besucher erfährt allerdings nichts von den Maßgaben. Aber man hat noch immer den Eindruck eines guten Panoramas des in Deutschland ansässigen, jungen und frischen Designerschaffens, das einem mehr vermittelt als die paar Schauen und Präsentationen, die diese Saison im Allgemeinen angesetzt sind. Das – und natürlich auch der geschmackvolle Gesamtstil – ist nach wie vor ein großes Verdienst dieser Einrichtung „Berliner Salon“.

Und so lange da die gezeigte Qualität keine erheblichen Einbußen verzeichnet, werden wir uns auch nicht an den verwirrenden Diskussionen beteiligen, die in dem Zusammenhang diverse, jüngst gegründete Förder-Institutionen ins Spiel bringen, deren Ziele, Protagonisten, Strategien und Einflussnahmen nicht wirklich klar kommuniziert sind. Denn was wir hier sehen können ist gut, spannend liebevoll und jenseits des überhitzten Big Trendbusiness entworfen.

Peter O. Mahler:

Philomena:

Regina Weber:

Reinhard Plank:

Rianna und Nina:

Roeckl:

Sminfinity:

SPM Meissen:

Steinrohner:

Stiebich und Rieth:

Strenesse:

Talbot Runhof:

Dawid Tomaszewski:

Treuleben:

Unützer:

William Fan:

Working Title:

Aeance:

Allude:

Belize:

Claudia Bertini:

Iris von Arnim:

I’VR Isabel Vollrath:

Julia Heuer:

Lala Berlin:

Lara Krude:

Lili Radu:

Lou de Betholy:

Odeeh:

Der Berliner Salon:

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Bilder: Andreas Hofrichter, Gerhard Paproth

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon und der Vogue-Salon

Auch wenn die Défilés stets die spektakulären Veranstaltungen der Berliner Fashionweek waren oder wohl noch sind, ist die Gruppenausstellung doch der Event, bei dem die Brücke zwischen Designern, Publikum und Profis am evidentesten geschlagen wird. Sie hat sich damit auch als sehr wesentliches Highlight der Modewoche etabliert – umso mehr, als die Präsentation höchst ambitioniert und rundum geschmackvoll ausgerichtet ist. Versammelt sind alle aufstrebenden Designer (die man noch als Nachwuchs im deutschsprachigen Raum bezeichnen kann), von denen sich die Veranstalter Zukunft versprechen und die ein spannendes Panoptikum an Gestaltungsansätzen in der großen Ausstellung vorführen. Einige, wie Lala Berlin oder Perret & Schad sind längst feste Größen in diesem Zusammenhang, jede Saison kommen aber neue Entdeckungen dazu, die eben nicht mit einer kompletten Laufstegschau ins Bewusstsein rücken (können).

Die eigenständige Auswahl des Vogue-Salons im Untergeschoss des Kronprinzenpalais focussiert auf sechs ausgewählte Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum, die damit auch einen verdienten Akzent im Ganzen bekommen.

Zu viele sind es, um jeweils eine komplette Besprechung hier zu rechtfertigen, aber alle sind so gut (und zum Teil atemberaubend), dass sich das nähere Hinschauen lohnt. Wie schon bei früheren Saisons zeigen wir darum Ausstellungs-Beispiele von fast allen Modedesignern in ungeordneter und unkommentierter Folge.

Beim Rundgang durch die Ausstellung wird aber auch deutlich, dass die angestrebte Erweiterung der großen Schau um Fotografie und Design sich nur behutsam präsentiert, denn hier gilt es, den Schwerpunkt Mode nicht zu sehr aufzulösen. Die Staatliche Porzellan Manufaktur Meissen hat aber viel Raum für ihre Exponatbeispiele (in Zusammenarbeit mit Odeeh) erhalten. Dabei zeigt sich, dass der gesuchte und integrative Balanceakt nicht so selbstverständlich umzusetzen ist und beim Besucher doch leichte Irritationen aufkommen. Dieser Teil des Konzeptes wird wahrscheinlich auch zukünftig nicht so ganz homogen auszuführen sein, auch wenn die Konzepterweiterung gute Argumente birgt. Andere Städte bzw. Veranstaltungen haben das auch gemacht, Hyéres beispielsweise hat im Prinzip aber eine klare Trennung der Medien bei den Ausstellungen (und Wettbewerben) beibehalten und zusätzlich einen großen Raum mit Installationen für das Verschmelzen der Genres eingerichtet.

Shirt von LALA Berlin

Bedauerlich ist nach wie vor, dass diese wunderbare Ausstellung auf einen (Nachmitt-)tag beschränkt ist. Die Besucherfrequenz ist entsprechend hoch und auch ausgesucht, wünschenswert wäre allerdings, den Zeitraum um einen oder zwei Tage zu erweitern und mit einer entsprechenden Lockerung des Zugangs im Folgezeitraum das Anliegen der Ausstellung einem etwas breiteren Publikum zu ermöglichen und darüber hinaus die Rezeption etwas zu intensivieren.

Allude:

Antonia Zander:

Dawid Tomaszewski:

Dorothee Schumacher: 

Golpira (Schmuckdesign):

Hien Le:

Horror Vacui:

Iris von Arnim:

Jan Kath (Textildesign):

LALA Berlin:

Lili Radu (Accessoires):

Maiami:

Malaika Raiss:

Marina Hoermanseder:

MCM (Accessoires):

Odeeh:

PB 0110 (Accessoires):

Perret & Schaad:

Peter  O. Maler:

Rianna and Nina:

Sminfinity:

Stiebich und Rieth (Accessoires):

Strenesse:

Talbot Runhof:

Unützer (Schuhe):

Catharina Mende:

Claudia Bertini:

Femme Maison:

I’VR Isabel Vollrath (mit Swarovski):

Lou de Bétoly (mit Swarowski):

Rianna und Nina:

William Fan (mit Swarowski):

Working Title:

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Bilder: Andreas Hofrichter und Boris Marberg

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon hat es sich bekanntlich auf die Fahnen geschrieben, junge Designer mit förderungswürdigen Qualitäten dem Publikum vorzustellen und zeitgenössische Mode ganz allgemein ins Zentrum der Aufmerksamkeit zu rücken. Er will dabei neben den klassischen Print- und Onlinemedien die authentische Präsentation und den erlebbaren Dialog nutzen. Dank der ambitionierten Vorbereitung des Hauptorganisators „Vogue Deutschland“ gelingt dies auf drei Säulen der Gesamtveranstaltung: Défilés, Gruppenausstellung und Live-Konferenzen. Neben der Mercedes-Benz-Fashionweek, die sich als Hauptaktivist der von ihr ins Leben gerufene Berliner Fashionweek verstand, hat sich der Berliner Salon inzwischen so stark und kompetent etabliert, dass sich mittlerweile die Gewichte zu seinem Gunsten verschoben haben. Nicht zuletzt, weil die Leitideen der Ausrichtung auch verschieden waren/sind und der Berliner Salon das bessere Fingerspitzengefühl fürs Allgemeine und für die Details mitbringt.

Gruppenausstellung

Auch wenn die Schauen des Berliner Salons zumeist ein wunderbares Event darstellen, besonders, weil die Locations stets erlesen sind (und sei es auch nur auf der Terrasse des Kronprinzenpalais), ist in meinen Augen die Gruppenausstellung das Highlight der Präsentationen. Nicht zuletzt deswegen, weil die Auswahl der beteiligten Designer ein größeres Spektrum abdeckt und dabei auch unbekanntere Labels die Chance erhalten, ihre Arbeit zu zeigen (unsere Bilder sind lediglich eine Auswahl). Besonders aber auch, weil man die präsentierten Kollektionsteile beliebig lange und näher betrachten kann. Man kann die anwesenden Designer ansprechen und viele weitere Kontakte knüpfen, die sich im üblichen Betrieb nicht so leicht erschließen.

Die Hoffnung, einen allgemeinen Trend auszumachen (was mir aber nie gelingt) ist für den modeaffinen Sucher in diesem recht weit gespannten Panoptikum wohl am ehesten einzulösen, das auch diese Saison sehr ambitioniert und geschmackvoll ausgewählt und -gestaltet ist. Dieses Kompliment an die Verantwortlichen kann man eigentlich immer nur wiederholen.

Allude:

Antonia Zander Cashmere:

Antonia Goy:

Boss Women’s Wear:

Brachmann:

Dorothee Schumacher:

Gabriele Frantzen:

Hien Le:

Iris von Arnim:

Lala Berlin:

 Lou de Bètoly:

Maiami:

Perret Schaad:

Rianna And Nina:

Roeckl:

Sminfinity:

Strenesse:

Vladimir Karaleev:

Michael Sontag:

Antolina:

William Fan:

Die Zeitmagazin-Konferenz

Wie stets gut vorbereitet und mit einem abwechslungsreichen Programm verlief die ambitionierte ZEITmagazin-Konferenz Mode & Stil, dieses Jahr zum Thema Mode und Politik und zu Mode und Kunst /Kultur). Im 20-Minutenwechsel folgten verschiedene Podiumsgespräche hauptsächlich mit Designern aufeinander und beleuchteten unterschiedlicher Perspektiven und Aspekte. Angenehm sind die Zwiegespräche (neudeutsch one-on-one), weil sich die persönlichen Perspektiven dabei besonders gut entfalten können. Besonders erhellend aus unserer Sicht war das Gespräch von Christiane Arp mit der Professorin Dr. Christiane Funken, die analytisch sehr klar und komplex die Gesamtproblematik ausführte, gedanklich, sprachlich und mit guten Beispielen stets überzeugend. Berührend persönlich bzw. unterhaltsam war’s mit Angela Missoni und mit Stella McCartney, im Gespräch waren u.a. auch Jason Wu, Alex Eagle, Rabih Kayrouz, Jeanne De Kroon und Marcel Ostertag.

Diese Konferenz ist ein wichtiger Programmteil des Berliner Salons, weil er begleitend zum großen Modebad der Fashionweek auch Reflexion und soziologische Positionierung bzw. Verantwortung reflektiert. Er rundet ab und erhebt das Anliegen Modewoche zu gesellschaftlicher Relevanz. Insofern ist das Zeit-Magazin dafür ein guter Partner, und die Vogue setzt sich auch in ein umfassenderes Licht.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Seit 2016 ist das Label Antonia Goy auf dem Berliner Modesalon vertreten und diese Kollektion für Frühjahr/Sommer 2018 ist die zweite, die es während der Berliner Fashionweek vorstellt. Dabei ist das Modeschöpfer-Duo Antonia Goy und Björn Kubeja schon relativ lange im Geschäft und seit zwei Jahren auch gezielt international ausgerichtet. Gute, oft lockere Passform auch für Nicht-Modellmaße und ein deutlicher Touch von Eleganz im Alltag kennzeichnen die Entwürfe, die aber gerade nicht zwingend schlicht daherkommen, sondern sehr lebendig und pfiffig konstruiert sind.

Streifen sind ein wesentliches Element der Gestaltung in dieser Kollektion, sowohl farblich als auch in den Schnitten und Arrangements. Schmal und kontraststark die Streifenlinien in Grundfarben oder Schwarz gegen Weiß, mit Hauptrichtungen (meist vertikal) und brechenden, dynamisierenden Schrägen – das Spiel setzt sich auch mit Karos fort. Die Stoffflächen werden häufig lang aufgeschlitzt oder mit -streifen unterbrochen. All das aber nicht in strenger, in sich ruhender Geometrie sondern stets locker und mit Freude am Spiel mit den Richtungen. Andere Prints finden sich auch, hauptsächlich ebenfalls zweifarbig und stets abstrakt und ungewöhnlich. Gleichermaßen werden die geradlinigen Gesamtformen aufgebrochen, mit Kurz-und-Lang-Kombinationen, Einschnitten oder offenen Stellen im Gefüge, ohne dass die Eleganz dem Formenspiel weichen muss: Es ist vielmehr umgekehrt – die Richtungen und Formen machen die bewegte Eleganz aus.

Gelegentlich erinnert das Vergnügen mit geometrischen Balancen und Verschränkungen auch an japanische Formensprache oder an Art-Deco der 20er Jahre, aber nur manchmal sind Verweise deutlich. Alles in allem entsteht ein geradezu architektonisches Spiel der Muster, Formen, Richtungen und Stoffe am Körper, nicht bemüht wirkend oder auftragend, sondern lässig im Ensemble, lebendig und stets klar.

Mit dem Berliner Modesalon korrespondiert diese geschmackssichere, vitale Ästhetik ganz ausgezeichnet.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Nach wie vor beteiligt sich die Vogue an der Fashionweek mit eigenem, geschmackvollem Erscheinungsbild, leider dauert die komplette Ausstellung von jungen Modekünstlern nur einen Tag, für manche Interessierte etwas knapp kalkuliert.An den anderen Tagen bleibt die Präsentation nur in der unteren Etage zu besichtigen.

Stattdessen setzt das Magazin verstärkt auf sehr stilvolle Schauen in erlesenem Ambiente mit Designern, die besonders ausgeprägte Gestaltungskonzepte zeigen können, wie zum Beispiel den Designerinnen Julia Seemann oder Marina Hoermanseder. Im Erdgeschoss des Kronprinzenpalais waren am Donnerstag aber durchaus noch sehenswerte Präsentationen von Antonia Goy, Sminfinity und Lili Radu zu sehen.

Antonia Goy

Sminfinity

Lili Radu

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