Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Das Engagement von Botschaften in Berlin, Designern ihres Landes einen Ort der Präsentation zu geben, ist sicher eine lobenswerte Entscheidung, denn beide können von solch einer Kultur-Veranstaltung profitieren. Und für die Besucher kann sich darüber hinaus ein sehr angenehmes und ambitioniertes Ambiente – auch dank schöner Räumlichkeiten – auftun. Bei der Liaison zwischen Österreichischer Botschaft und der Designerin Rebekka Ruétz hatte man allerdings den Eindruck, dass es auch umgekehrt geht, die Gesamtgestaltung des Events war in vieler Hinsicht ambivalent angelegt und hinterließ gemischte Gefühle. Das fand seinen konkretesten Ausdruck darin, dass die Medien den ungünstigsten Ort des Defilés durch verschiedene Räume zugewiesen bekamen, den man sich für schöne Fashionpublikationen ausdenken kann.

Mit der Erprobung eines neuen Präsentationsortes ging auch eine neue Ausrichtung gestalterischer Ideen der Designerin einher, wie auch bei vielen anderen Designern (Hoermanseder, Tomaszewski, Luft u.a.) in dieser Saison. Hinwendung zur Streetwear beziehungsweise Streetstyle, Disco und Berliner Start-Up-Kultur prägen die Leitgedanken nicht unwesentlich und führen oft zu seltsamen Blüten. Klar ist, dass das Terrain von vielen Designern noch eher unsicher bespielt wird, aber auch Raum für Experimente aller Art öffnet.

Das kann man bei der aktuellen Kollektion von Rebekka Ruétz ganz gut verfolgen, die ästhetischen Codes werden neu gemischt und mutig aufbereitet. Dabei scheint ihre bekannte elegante Ästhetik nur noch manchmal durch – meist wird sie nun gebrochen. Disco-Glamour nimmt Einzug, schillernde aber sehr steife Kunststoffe kombinieren sich mit weichem Strick oder Pelz, knackige Outdoorjacken mit langen, romantischen Countrykleidern und engen Lederhosen, aggressive Schlagwortprints mit kuscheligen, femininen Pullovern. Ein paar schicke Sachen (im klassischen Sinne) tauchen dabei auch auf, bleiben aber bewusste Ausnahme oder fügen dem Spektrum eine andere Ausrichtung hinzu. Das wichtigste Gestaltungsmittel ist die unerwartete Materialkombination, manchmal so viele wie möglich an einem Outfit, aber auch die bekannten Genrestilmittel gilt es so radikal wie möglich aufzumischen. Mit diesen gezielten Experimenten liegt Rebekka Ruétz konsequent im saisonalen Spektrum und die vorgeführten Beispiele sorgen durchaus für viele Aha-Effekte. Inwieweit damit ein selbständige ästhetische Qualität erreicht wird, die einen überzeugenden Style trägt, fragt sich dabei aber auch – zumindestens wenn man eine geschmackssichere Handschrift erwartet.

In den Details mischen sich die Ansätze ebenfalls. Man merkt hier durchaus liebevollen Umgang mit Zitaten und Codes, modegeschichtlichen Apercus und handwerklichen Besonderheiten. Aber auch in dieser Hinsicht hat man den Eindruck, dass diese Qualitäten dem großen Überraschungsangriff untergeordnet sind und nur der geübte Blick diese angemessen mitrezipiert.

Mit Hard-Rock als Begleitmusik und festem Auftritt der Modelle suggeriert die Präsentation eine toughe Linie, die sich in den Formen nur sehr gemildert wiederfindet – sie spiegelt sich eher in der Radikalität der Kombinationen. Mondäne Kleiderschnitte schrumpfen dabei manchmal nur noch zum gestalterischen Zitat zusammen und werden dem neuen Kontext geopfert. Im Vergleich zu anderen Designern geht Rebekka Ruétz dabei sogar noch einen Schritt weiter: nicht nur, dass die Formgebung für alle Größen und Gestalten offen gehalten wird, sondern sogar für (fast) alle Generationen.

Inwieweit der lautstarke Ruf „Revolution“, den schon Marcel Ostertag zu verkünden suchte, tatsächlich die richtige Interpretation der jungen Start-Up-Generation ist, muss man erst einmal dahingestellt sein lassen, aber das Abenteuerliche der neuen Orientierung spiegelt die Rebekka-Ruétz-Kollektion zweifelsohne wider.

The post Rebekka Ruétz: Abenteuer der Konfrontationen appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Eine Kollektion von Isabel Vollrath entsteht konsequenter als bei vielen anderen Designern aus einem thematischen Leitgedanken, den sie im wesentlichen künstlerisch aber auch sozialrelevant zu einem Produktkomplex entwickelt. Ihre Gestaltung vollzieht sich in einer skulpturalen Herangehensweise, eine kleidungspragmatische oder botschaftsorientierte Auffassung tritt dagegen zurück. Das Erscheinungsbild entwickelt sich also eher künstlerisch-kreativ anstatt geschmäcklerisch oder aufklärerisch. Dieses Prinzip der Ausgestaltung einer Leitidee (mit Anspruch) ist vielleicht auch der Ausbildung an der Berliner Kunsthochschule Weißensee geschuldet, die künstlerisch akzentuierter arbeitet als viele andere Mode-Ausbildungsstätten.

Damit einher geht der Anspruch der sorgfältigen handwerklichen Ausführung, ohne dabei die Konfektion bereits im Hinterkopf zu haben. Soweit sind alle Kollektionsteile auch Unikate, die wie Einzelbilder (bzw. -skulpturen) zu verstehen sind. Bisher präsentierte Isabel Vollrath ihre Kollektion auch eher ausstellungsmäßig (also in Showrooms), auf Einladung des Berliner Salons machte sie daraus nun ein Défilé, womit der Anspruch der Tragbarkeit stärker herausgestellt wird.

„Water for Elephants“ war das Thema dieser Kollektion, geboren aus sympathisierender Zuneigung, sowohl sozial und tierschutzmäßig engagiert als auch optisch verstanden mit Oberflächenanmutungen, Bild-Prints (ihrer schwedischen Freundin und Textilkünstlerin Sofia Olander) und assoziativen Elementen. Die Kleidungsstücke kommen manchmal komplex und detailreich daher, weil die Designerin aber formal vom menschlichen Körper ausgeht, verselbständigen sie sich nicht ganz. Sie beschäftigt sich mit ungewöhnlichen Lösungen in Details bzw. Abschnitten, reichert an oder öffnet, experimentiert mit den Volumen und spielt (gedeckte) Farbnuancen oder Kontraste aus; Raffungen und Fältelungen sind ihre Spezialität und Bänder – vor allem solche als Schleifen – fungieren dabei als wichtige Gestaltgeber.

Mit diesem Prinzip stattet Isabel Vollrath die Trägerin (momentan nur Frauenkollektion) nicht nur mit Lust an der Form und handwerklicher Pfiffigkeit aus, sondern eben auch mit sozial-idealistischen Zuordnungen. Letztere verbleiben aber unaufdringlich, denn über die Gestaltung verlieren sich die konkreten Ansätze in abstrakten Motiven, wie beispielsweise die recht frei eingesetzten Elefantenprints, so dass die Teile zunächst wie formal-skulpturale Spielereien erscheinen und erst bei etwas ausführlicher Betrachtung sich der thematische Leitgedanke zeigt.

Diese geschickte Verknüpfung von ernsthafter inhaltlicher Leitidee, gestalterischer Experimentierfreude und handwerklich anspruchsvoller Ausführung, mit der Isabel Vollrath ihre Kollektionen kreiert, gibt ihren Arbeiten eine eigenwillige und faszinierende Besonderheit, die gut mit dem künstlerischen Unikatcharakter korrespondiert. Und sichert ihr einen verdienten, individuellen Platz im Reigen erfolgsversprechender Newcomer aus Berlin.

The post Isabel Vollrath: Idee und Skulptur appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mit dem Nimbus des Berghain würden sich sicherlich viele Modelabels gerne schmücken, doch gottseidank entzieht sich diese Institution bisher konsequent und erfolgreich der Vereinnahmung ihres (Zeitgeist-)Ortes durch PR-orientierte Anbiedermanöver – und in ihrem Interesse kann man sich wünschen, dass das so bleiben wird.

Ein ähnliches Selbstverständnis strahlt der Modeschöpfer Damir Doma aus, bisher hatte er kein Interesse, sich in den Reigen der Berliner Modeszene der Fashionweek einzuklinken und scheint, von dieser Ausnahme abgesehen, das selbstbewusst auch fernerhin eher auszuschließen.

Die Ausnahme mit dieser Schau ist aber schlüssig von beiden Seiten aus betrachtet und darum völlig überzeugend. Die Einladung des „Fashion Council Germany (FCG) in Partnerschaft mit Mercedes-Benz“ zu einer sogenannten „Fashion Hab“, einer Schau, die Designtalenten und bilateralen Austauschprogrammen eine neue Bühne bietet, ist das erste öffentliche Signal, das die Institution vorführt. Und man muss die Veranstaltung darum wohl auch als ein Statement verstehen.

Als erstes fällt auf, dass (merkwürdigerweise) nicht nur das Potential aufstrebender Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum im Blickfeld steht, sondern die Organisation öffnet sich in Kooperation mit anderen Fashion-Councils auch inspirierten und relevanten Positionen auf nichtnationaler Ebene. Der Modeschöpfer Damir Doma repräsentiert eindeutig eine solche Designer-Position, weniger weil er als Kroate aus Bayern im Modeland Italien erfolgreich arbeitet, sondern vielmehr weil seine Mode besonders augenfällig mit der zeitgeistigen Techno-Szene, die sich als avantgardistisch begreift, verwachsen zu sein scheint. Und, insofern die Berghain-Szene diese Zeitgeist-Avantgarde am pointiertesten kultiviert, ist dieser Ort eine kongeniale Stätte, die gemeinsamen Vorstellungen statementartig auf den Punkt zu bringen, wie es dann auch wirklich geschah: Geradezu kongenial wurden bei dieser (ziemlich exklusiven) Veranstaltung Location, Publikum, Musik, dynamisches Lebensgefühl und Erscheinungsbilder zu einem Event zusammengefasst, der wie ein Konzentrat aufleuchtete.

Der erste Gedanke, der einem deswegen durch den Kopf schoss, war der Begriff „Berlin-Style“, den man auf den Berliner Fashion-Schauen stets ausfindig zu machen versucht, der erst hier aber geradezu auf den Punkt gebracht auftrat. Und zwar konsequent und kompromisslos vorgeführt in der rauen Härte, Kraft und Arroganz, in der Unterkühltheit, Emanzipiertheit und anti-ästhetischen Ästhetik der selbstgefälligen Szene. Es war zwar das optische Erscheinungsbild, das bei dieser Veranstaltung akzentuiert wurde, ansonsten war es ein rundum zeitgeistiger Event, der eine homogene Idee erleben ließ.

Diese optische Definition der Erscheinungen am Protagonisten (Mode) lässt sich nicht mit einer Aneinanderreihung gestalterischer Phänomene und Eigenarten erschließen, denn aus ihrer Addition ergibt sich längst nicht das ideelle Gesamtkonzept. Auffallende Beobachtungen wie Gleichzeitiges von Hoch- und Minderwertigem, flaches, festes Schuhwerk, heruntergezogene Regenmützen, dunkle Farbgebung, gewöhnlich-ungewöhnliche Kombinationen mit klassischen Jacken und Mänteln, schräge Schnitte, merkwürdige Architekturen, Hochwasserhosen und (veredelte) Streetwearteile ergeben soweit höchstens eine Reihe stereotypischer Klischees, die aber noch längst nicht das Gesamtfeeling evozieren. (Damir Doma: „Der Berliner Stil? Sieht manchmal nach Penner aus!“)

In der Zeit gesehen ist der optische Kodex über mehrere Jahre gewachsen, im subkulturellen Kontext, mit einem Selbstverständnis, das sich um Strömungen (die man an der Oberfläche der Medien und im modischen Mainstream sieht) nie besonders scherte und das versuchte, emanzipiert davon ein „eigenes Ding“ zu entwickeln. Der Technoszene war diese Attitüde von Anfang an zu eigen, das Berghain-Phänomen ist ja nur die Spitze des Eisberges geworden. Und die Kollektion, die Damir Doma (als modischen Ausdruck) hier zeigt, letztlich wohl auch. (Damir Doma: „Berlin und insbesondere die Halle am Berghain scheint das perfekte Setting für die Ästhetik zu sein, die ich in der vergangene Dekade entwickelt habe: feinfühlig und poetisch aber auch roh, grob und unfertig.“)

In der großen Stimmigkeit aller Zutaten ist dem Fashion Council Germany hier ein sehr überzeugender Einstand gelungen, was eine repräsentative Schau seines Anliegens betrifft, es war konzeptuell wohl der beste Event dieser Fashionweek überhaupt. Der große Wermutstropfen daran kann aber auch nicht übersehen werden, und das ist der Exklusivitäts-Nimbus dieser Veranstaltung (wenig, auserlesenes Publikum, keine PR etc.). Der steht dem Selbstanspruch des Fashion Council soweit eher entgegen und fügt darum dem Image dieser frisch gegründeten Institution zumindestens etwas Problematisches bei. Wir haben aber die Hoffnung, dass in Zukunft dieser Event als ein singuläres Konzept innerer Konsequenz in einer folgenden Reihe ganz anderer Produktionen stehen wird, die dann auch jeweils einem eigenen Prinzip folgen. Wenn das gelingt, wird die künftige Bedeutung des Deutschen Fashion Council – auch auf internationaler Ebene – eine sehr wichtige Bereicherung sein. Insofern legt diese sehr beeindruckende Veranstaltung die Latte schon mal hoch.

The post Damir Doma: Kongenialer Berlin Style appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Mittlerweile weiß man aus der Erfahrung, dass eine Hoermanseder-Schau stets mit starken Überraschungen aufwartet und dass die Designerin keineswegs beabsichtigt, sich auf Gestaltungserfolgen auszuruhen und nur neue Varianten anzubieten. Man kann das Label wie eine rasante Persönlichkeitsentwicklung betrachten, die neugierig, mutig, gegenwartsbezogen und lebendig (auch lebensfroh) sich allen Einflüssen öffnet und etwas Eigenes daraus hervorbringt. Die dabei aber auch bewusst das Risiko des Selbstverlustes im Auge behält und stets den Bezug zu Bewährtem mitlaufen lässt.

Mit der Öffnung der Möglichkeiten in alle Richtungen erzeugt die Modeschöpferin ein kreatives Feuerwerk, an dem man seinen Spaß hat: Ungewöhnliche Dessins und Kombinationen, Experimente mit Streetwear neben eleganten Luxuslinien, offensive Print-Text-Attacken neben verspielten Dekors, Zitate von Military-Camouflage nach Discoglanz und Mädchen-Weiß-Rosa, strenge, geometrische Formen und wilde Richtungsmixe, klare Materialwirkungen und ungewöhnliche Zusammenstellungen – all das in schneller Folge und unter ein gestalterisches Dach gebracht, das nötigt schon viel Respekt ab, weil es glaubwürdig zusammen gegossen ist und einen funkelnden Esprit vorführt.

All diese experimentellen Erkundungen, die im Einzelnen stets spannende Ergebnisse zeugen, sind dann aber auch durchsetzt mit den mittlerweile bekannten Hoermanseder-Codes: Die Gurte und Riemen (z. T. nur noch als Prints oder Steppnähte), das Logo, Schnallen, gekreuzt gelagerte und gestaffelte Streifen, schlichte Blusen und natürlich die festen Corsagen. Es gelingt der Designerin, diese Codes stets spielerisch neu und anders einzubringen und mit Teilen zu verbinden, wo und wie man es nicht erwartet hätte. Damit ist der Erkennungswert der Marke gesichert, diese spielerische Strategie beherrscht Marina Hoermanseder bravourös im Großen wie auch im Detail, sowohl bei Kleidung als auch bei Accessoires. Und sie erschließt sich damit gleichzeitig ein großes Spektrum der Ansätze.

Die sind vielleicht nicht immer gleichermaßen überzeugend, kraftvolle Fussballfanschals und fette Westernschriften zum Beispiel, seltsame Frisuren und Mokassins gehen gelegentlich über den ästhetischen Zitatcharakter hinaus und irritieren. Harte, offensive Kontraste und Statements sind hinzugetreten. Aber die Designerin ist jung und gute, mutige Experimente riskieren immer auch Grenzüberschreitungen. Deutlich lauter ist es bei Marina Hoermanseder geworden, aber das Raue wirkt soweit beherrscht.

Mit den thematischen und ästhetischen Öffnungen geht auch die strategisch-wirtschaftliche einher. Das Label hat kaum Berührungsängste mit unterschiedlichsten Unternehmen und Produkten als potentielle Werbeträger – die ihrerseits auch von dem fashionable Nimbus profitieren wollen –, das Panorama der vereinnehmenden Kontakte von Wolford bis Jägermeister vergrößert sich rasant und steht letztlich ebenfalls für ein aufgeschlossenes Selbstbewusstsein der Marke Hoermanseder.

Diese Entwicklung des Hoermanseder-Designs innerhalb von wenigen Jahren ist zweifellos faszinierend, weniger, weil die Designerin es in der frühen Phase eher langsam und solide angehen wollte, sondern mehr, weil es ihr mühelos gelingt, mit dem von außen an sie herangetragenen Hype Schritt zu halten und ihn sogar noch umgekehrt zum eigenen Vorteil forciert. Solches haben schon viele aufstrebende Stars in allen Branchen versucht, ob das gelingt erweist sich stets, inwieweit der/die Betreffende gut und beachtlich und schnell nachlegen kann. Genau das kann Marina Hoermanseder bislang souverän, wie auch diese Kollektion wieder überzeugend bewiesen hat.

Und dass sie sichtbar Lust und Spaß daran hat, überträgt sich deutlich auf ihr Publikum.

The post Marina Hoermanseder: Abenteuerlicher Spagat appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Bereits seit 2007 gibt es das österreichische Label Callisti der Modeschöpferin Martina Mueller-Callisti, leider erst jetzt stellt sie ihre Arbeit auf der Berliner Fashionweek vor. Österreichische Designerinnen setzen schon seit langem maßgebliche Akzente auf der Berliner Veranstaltung, mit Callisti haben die einladenden Förderer Mercedes Benz und Elle nun einen faszinierenden Aspekt hinzugefügt, der die qualitative Messlatte hoch legt.

Im Focus des Designs steht die selbstbewusste, urbane Frau, die sich in Zeit und Kultur den verschiedensten Einflüssen stellt, und zwar auf extravagante und zumeist raffinierte Weise. Die konsequente Betonung der Taille positioniert dabei nicht nur das Prinzip des Weiblichen, spannend ist es, wie die Designerin die körperbetonende Wirkung variierend konzipiert. Auffallend dabei sind die vielen Gurt- und Korsettelemente aus lederartigen Materialien, die fein und elegant mit den verschiedenen Stoffen und Schnitten kombiniert werden. Raue Krafteffekte werden damit überführt in spielerische, subtil-sinnliche Gestaltungsmittel, die alle BDSM-Assoziationen von der prinzipiellen Strenge in eine lockere, sexy erscheinende Konstellation transferieren und so weibliches, zeitgeistiges Selbstbewußtsein definieren.

Auch die Schnitte entsprechen diesem Erscheinungsprinzip, Militärisches und Japanisches wird gebrochen oder aufgelöst in weicher, körperbetonender Linienführung, ohne zu verschwinden. Die Farbgebungen sind meist zurückgenommen und die Kontraste dienen eben der bezeichneten Linienführung, die die Kollektion stets elegant bestimmt. Im Ganzen entstehen leicht futuristisch anmutende Erscheinungen, zart und stark in Konzepteinheit und stets mit sicherem Geschmack elegant.

Verschiedene Designerinnen und Designer haben sich in den letzten Jahren dem Gurt, Gürtel und anverwandten Corsageelementen gewidmet – damit sicher auch einem Code der Zeit –, die Interpretation bei Callisti ist wohl der eleganteste Ausdruck, der sich aus dem Thema ableiten lässt, ohne die Implikationen zu negieren und die Spannung zu verflachen. Es entsteht vielmehr eine sinnliche, avantgardistische Positionierung von Frauenmode, ein echtes Alternativkonzept zur raubeinigen Berliner Bodenständigkeit, das ebenfalls deutlich das Hier und Jetzt eines urbanen Frauenbildes repräsentiert.

Men’s Fashion macht Callisti seit fünf Jahren ebenfalls und es bleibt abzuwarten, wie das in Zukunft auf Schauen die faszinierende Perspektive ergänzt. In jedem Fall bleibt zu wünschen, dass Callisti auch weiterhin in Berlin ihre beeindruckenden Designkonzepte präsentieren wird. Mit der innovativen Raffinesse und Eleganz wäre sie im Berliner Salon jedenfalls eine überzeugende Bereicherung.

The post Callisti: Urbane Finesse appeared first on modaCYCLE.

Text & Bilder: Gerhard Paproth

Sehr ambitioniert und stilvoll hat die Schweizer Botschaft erstmals eine eigene Veranstaltung während der Fashionweek ausgerichtet, um dem nationalen Modeschaffen eine eigene Plattform zu ermöglichen. In einer luxuriösen Gesamtstimmung in schönem Ambiente präsentierten sich die Schweizer mit ihrer Modenschau als äußerst liebenswürdig, anspruchsvoll und auch großzügig.

Zuerst konnte man an Ständen die Designerware erkunden, später folgte ein Défilée mit 13 ausgesuchten Labels – Modedesign und Accessoires. Fast alle repräsentierten letztlich einen eher unspektakulären Grundcharakter mit deutlichem Qualitäts-Anspruch in unterschiedlichen Variationen. Das erscheint wie ein eigenständiges Konzept inmitten der Berliner Fashionweek, welche sich ja eher innovativem Modedesign junger Nachwuchsdesigner verschrieben hat. Hier aber focussierten sich die Veranstalter auf ein Segment unaufgeregter und irgendwie bodenständiger Classe mit diversen Aperçus, die dem überhitzten Trendgetriebe andernorts eine gewisse Stabilität entgegensetzte.

Dabei versteht sich dieses Konzept durchaus nicht als grundkonservativ oder gar zeitgeistunabhängig, denn Nachhaltigkeit, Langlebigkeit und Innovation in der Materialwahl (Global Organic Textile Standard) als zeitgerechte Positionierung sowie heimische Produktion und transparente Lieferketten verbergen sich als wichtige Qualitäten hinter den visuellen Gemäßigtheiten. Auf diesen Beitrag zur Moderne wird viel Wert gelegt.

Gleichwohl zeigte das Spektrum dieser Veranstaltung nicht repräsentativ den Schweizer Markt, über den wir verschiedentlich berichteten (z.B. Mode Suisse in der Edition 12), der durchaus Exzentrisches und sehr Spannendes zu bieten hat und der in diesem Sinne auch Jungstars wie Julian Zigerli, Kévin Germanier oder Blank Etiquette by Tosca vorzeigen kann, um nur einige zu erwähnen.

Nein, aufregend war das nicht, was wir hier sahen, aber doch eine irgendwie wohltuende Demonstration von „Swissness“, deren Charme man sich nicht entziehen konnte.

Eine stilvolle Botschaft im doppelten Sinne des Wortes.

Mourjjan:

Balseca Weber:

beige:

Charles Muller:

Kleinbasel by Tanja Klein:

De Marquet:

M. Luna:

pierrot & pierrette:

Claudia Nabholz:

PAMB:

Joy & Grief:

Somyso:

The post Swiss Fashion Night: Gediegene Botschaft appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter, Gerhard Paproth

Text: Gerhard Paproth

Der Berliner Salon und der Vogue-Salon

Auch wenn die Défilés stets die spektakulären Veranstaltungen der Berliner Fashionweek waren oder wohl noch sind, ist die Gruppenausstellung doch der Event, bei dem die Brücke zwischen Designern, Publikum und Profis am evidentesten geschlagen wird. Sie hat sich damit auch als sehr wesentliches Highlight der Modewoche etabliert – umso mehr, als die Präsentation höchst ambitioniert und rundum geschmackvoll ausgerichtet ist. Versammelt sind alle aufstrebenden Designer (die man noch als Nachwuchs im deutschsprachigen Raum bezeichnen kann), von denen sich die Veranstalter Zukunft versprechen und die ein spannendes Panoptikum an Gestaltungsansätzen in der großen Ausstellung vorführen. Einige, wie Lala Berlin oder Perret & Schad sind längst feste Größen in diesem Zusammenhang, jede Saison kommen aber neue Entdeckungen dazu, die eben nicht mit einer kompletten Laufstegschau ins Bewusstsein rücken (können).

Die eigenständige Auswahl des Vogue-Salons im Untergeschoss des Kronprinzenpalais focussiert auf sechs ausgewählte Designtalente aus dem deutschsprachigen Raum, die damit auch einen verdienten Akzent im Ganzen bekommen.

Zu viele sind es, um jeweils eine komplette Besprechung hier zu rechtfertigen, aber alle sind so gut (und zum Teil atemberaubend), dass sich das nähere Hinschauen lohnt. Wie schon bei früheren Saisons zeigen wir darum Ausstellungs-Beispiele von fast allen Modedesignern in ungeordneter und unkommentierter Folge.

Beim Rundgang durch die Ausstellung wird aber auch deutlich, dass die angestrebte Erweiterung der großen Schau um Fotografie und Design sich nur behutsam präsentiert, denn hier gilt es, den Schwerpunkt Mode nicht zu sehr aufzulösen. Die Staatliche Porzellan Manufaktur Meissen hat aber viel Raum für ihre Exponatbeispiele (in Zusammenarbeit mit Odeeh) erhalten. Dabei zeigt sich, dass der gesuchte und integrative Balanceakt nicht so selbstverständlich umzusetzen ist und beim Besucher doch leichte Irritationen aufkommen. Dieser Teil des Konzeptes wird wahrscheinlich auch zukünftig nicht so ganz homogen auszuführen sein, auch wenn die Konzepterweiterung gute Argumente birgt. Andere Städte bzw. Veranstaltungen haben das auch gemacht, Hyéres beispielsweise hat im Prinzip aber eine klare Trennung der Medien bei den Ausstellungen (und Wettbewerben) beibehalten und zusätzlich einen großen Raum mit Installationen für das Verschmelzen der Genres eingerichtet.

Shirt von LALA Berlin

Bedauerlich ist nach wie vor, dass diese wunderbare Ausstellung auf einen (Nachmitt-)tag beschränkt ist. Die Besucherfrequenz ist entsprechend hoch und auch ausgesucht, wünschenswert wäre allerdings, den Zeitraum um einen oder zwei Tage zu erweitern und mit einer entsprechenden Lockerung des Zugangs im Folgezeitraum das Anliegen der Ausstellung einem etwas breiteren Publikum zu ermöglichen und darüber hinaus die Rezeption etwas zu intensivieren.

Allude:

Antonia Zander:

Dawid Tomaszewski:

Dorothee Schumacher: 

Golpira (Schmuckdesign):

Hien Le:

Horror Vacui:

Iris von Arnim:

Jan Kath (Textildesign):

LALA Berlin:

Lili Radu (Accessoires):

Maiami:

Malaika Raiss:

Marina Hoermanseder:

MCM (Accessoires):

Odeeh:

PB 0110 (Accessoires):

Perret & Schaad:

Peter  O. Maler:

Rianna and Nina:

Sminfinity:

Stiebich und Rieth (Accessoires):

Strenesse:

Talbot Runhof:

Unützer (Schuhe):

Catharina Mende:

Claudia Bertini:

Femme Maison:

I’VR Isabel Vollrath (mit Swarovski):

Lou de Bétoly (mit Swarowski):

Rianna und Nina:

William Fan (mit Swarowski):

Working Title:

The post Der Berliner Salon: Gruppenausstellung appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Fotos: Andreas Hofrichter

Bemerkenswerte Überraschungen erwartet man eigentlich nicht, wenn man zu einer Schau von Ewa Herzog geht, vielmehr gehört ein Ewa-Herzog-Défilé zu den Veranstaltungen, zu denen man immer wieder gerne hingeht, weil sie einfach schön sind. Ewa Herzog liebt Spitze und Transparenz, körperliches Selbstbewusstsein, den Touch von Finesse und klassische(s) Gestalten.

Die Leitidee, dem Femininen in einer zunehmend rauer und lauter werdenden Umwelt ein überzeugtes Konzept von Feinheit und spielerischem, weiblichem Eros entgegenzusetzen, ohne Anpassung an schräge und unisexuelle Erscheinungen der Gegenwart, führt zu Ergebnissen, die stets um diese Vorstellung der schönen Frau kreisen. Und auch um ihre Träume. Lust auf Innovation gehört eher nicht dazu, aber der Mut, dies auch mit zunehmend offenherzigen Bekleidungskonstellationen zu demonstrieren, begründet sich schon im toleranten Zeitgeist. Die Haltung ist gerichtet auf feinsinnige Wahrnehmung, die sich am Besonderen und Raffinierten zu erfreuen weiß und eigentlich nur in unserer großzügig-toleranten, europäischen Wirklichkeit so offen möglich ist.

Ewa Herzog liebt dabei die Arbeit an diversen Details, Spitze, an transparente Faltungen und Glättungen, sie testet das interaktive und subtile Spiel zwischen Kleidung und Körper, Haut und darüber arrangierter Stofflichkeit, die gelegentlich eben nur annähernd verschwindet.

Ihre Schnitte bleiben dabei stets schlicht und unspektakulär, selbst die spielerischen Raffungen der Ärmel, die an vielen Stücken zu sehen sind, fallen zwar etwas auf und bewegen die Umrisslinie, fügen sich aber doch in eher klassische Schnittkonstellationen. Auch andere, recht klassische Herangehensweisen finden sich überall, damit ist das Abenteuerliche des Blickes etwas gemäßigt. Aber mit dem Mut zum selbstbewussten, sexy-erotischen Auftritt, den Herzog von Mal zu Mal entschiedener formuliert, gibt sie dem Konservativen einen sinnlichen Zauber auf den Weg, der mit wundervoll-träumerischen Abendkleidern ergänzt wird.

Gerade in der Überhitzung der Markttrends und ästhetischer Primitivismen ist Ewa Herzogs Mode eine zeitgemäße und geradezu entschiedene Alternative der Be-Sinnlichkeit, eine Position, die wir dringend brauchen, um den schnellen, billigen Designs zu entrinnen und eine kultivierte Zukunft ins Auge zu fassen.

Eines allerdings darf man nicht überschätzen: In der Realität des Alltags ist die Konsumentin erfahrungsgemäß dann doch eher ängstlich mit diesem erotisch-subtilen Spiel. Sie fährt es herunter mit grober Unterwäsche oder Futterstoffen auf einen oberflächlichen Code, der die Raffinesse zur spießigen Plattitüde umgestaltet. Im Zusammenspiel mit der konservativen Gesamtgestalt wirkt das dann eher konterkarierend banal als raffiniert – und man(n) wünscht sich stattdessen, die Frau würde die Stärke des Konzeptes behaupten können, wenn sie sich schon dafür entschieden hat. Denn starke und zugleich sinnliche Frauen sind unsere Zukunft (wenn wir mal die aktuellen, moralreaktionären Meldungen außer acht lassen), so glauben wir, und die schönen Träume wollen wir nicht aufgegeben wissen.

Ewa Herzog hält ein feines Fähnchen kultivierter Sinnlichkeit über das laute Trendgeschrei, welches sicher auch mal wieder abebben wird.

The post Ewa Herzog: Statement der Sinnlichkeit appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Vom kalten, unfreundlichen Berliner Regen ins warmfeuchte, tropische Gewächshaus zu treten ist ein gutes Ausgangsgefühl für eine Modenschau, die einen speziellen Blick auf die Natur zum gestalterischen Thema gemacht hat. Zumindest was die Motive der Prints betrifft, die Lena Hoschek für ihre Kleider verwendet hat.

Die österreichische Designerin hat offenbar „Florilegien“ des 17. Jahrhunderts studiert, Bücher mit Grafiken von Pflanzen, die nicht nur wissenschaftlich-botanische Zwecke verfolgten, sondern auch repräsentative für ihren Besitzer. Kostbar gemachte, extrem sorgfältige Deckfarbenzeichnungen auf Pergament mit farbigem Reichtum gaben darin die feine Textur der Blätter, Blüten und Stängel in natürlicher Größe und mit einer fast haptischen Wirkung wieder. Gelegentlich zu Arrangements zusammengefasst, wurden die Gräser-, Kräuter- und Blumendarstellungen zusätzlich belebt von Schmetterlingen, Käfern, Raupen und Vögeln, so dass die Abbildungen sich gleichzeitig den gemalten Stillleben annäherten, die im 16. und 17. Jahrhundert bekanntlich große Mode waren.

Die wertvollen Zeichnungen wurden umfangreich versammelt in den erwähnten, meist großen Büchern, die dem Wissen, praktischer Nutzung und der Erbauung zugleich dienten. Sie fanden auch in den folgenden Jahrhunderten ihre Liebhaber verschiedenster Provenienz und ihre Reproduktionen landeten darum eben nicht nur in Biologiebüchern und Apothekenkalendern, sondern auch als Wandschmuck bei wohlhabenden Leuten und, zum Beispiel in der Arts and Crafts – Bewegung, auch auf Tapeten, Porzellan und anderen Objekten der Designgeschichte. Sie wurden bis heute stets neu gewürdigt, in Büchern und Ausstellungen. Und Lena Hoschek hat sie nun begeistert für sich entdeckt.

Der Fundus ist überaus reich und bietet genug für die Designerin, um eine ganze Kleiderkollektion damit zu bestücken und zu beleben. Die pfiffige, oft raffinierte Verwendung applizierter Designs und Muster beherrscht die Wienerin ohnehin in allen möglichen Anwendungsvarianten, nur die bisherige explizite Orientierung an 50er und 60er Jahre Styling bricht sie damit in dieser Kollektion. Wie oft bei ihren Herbstkollektionen ist die Farbenfreude erheblich gedämpft. Die vielfältigen Retro-Schnitte und Silhouetten sind in eingeschränkter Weise zwar erhalten geblieben, aber lebensfrohe Sexiness ist nun sehr heruntergefahren und das Vergnügen am Experimentellen weitgehend eingeschränkt – gleichwohl ist der Hoschek-Style noch unverkennbar und variantenreich, stellenweise auch delikat. Aber so tritt der Touch des bürgerlichen Auftritts noch ein wenig bestimmender in der Gesamtgestaltung hervor als schon bisher, und die Rasanz, mit der Lena Hoschek einmal den Laufsteg okkupiert hatte, ist definitiv Geschichte. Das Besondere der Palmenhaus-Location und die gewohnt liebevolle Konzeption ihrer Défilés entschädigt aber im Erlebnis für so manches, was alte Hoschek-Fans inzwischen an Esprit schmerzlich vermissen. Man könnte auch sagen, die Kollektion ist erwachsener geworden.

The post Lena Hoschek: Retro-Botanik mit Schmetterlingen appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bilder: Andreas Hofrichter

Neugier gegenüber ästhetischen und künstlerischen Prägungen aus der Weltkultur und Kulturgeschichte kennzeichneten stets die Kollektionen von Tomaszewski, damit ist er mit seinem kreativen Potential offener aufgestellt als die meisten seiner Kollegen. Als Modedesigner interessieren ihn dabei weniger die kulturhistorisch komplexen Tiefen und Zusammenhänge, sondern subtile ästhetische Charakteristika, die er mit seinen gestalterischen Experimenten reflektiert und verwebt.

Das gelingt schon deswegen auf faszinierende Weise, weil Dawid Tomaszewski ein außergewöhnlich sicheres Geschmacksempfinden besitzt, was auch abenteuerliche Kombinationen und Interpretationen zu beeindruckenden Stimmigkeiten führt. Sehr sicher fügt er internalisierten ästhetischen Potentialen neue hinzu, so dass das vorgeführte Spektrum der Zugriffe immer größer wird und neue Anschauungen die bisherigen Wahrnehmungen ergänzen.

In der aktuellen Kollektion zum Beispiel finden wir die Aspekte der eleganten oder strengen Zwanziger wieder (Federn, Schnitte, klare Grafik), japanische Ästhetik (Haori-Jacken, Perfektion des Schlichten), englische Landhaus-Aspekte (Schottenkaro, rustikale Silhouetten), Hippie-Style (lange, weite und lockere Kleider) und nicht zu übersehen Punk (mit den gerissenen Netzteilen) oder Hip-Hop-Streetwear. Ob Fledermausärmel und Zipfelröcke, grelle oder unerwartete Farbkombinationen (z.B. Rosa mit Gold), Materialien, die wir in die unterste Erinnerungsschublade verfrachtet hatten (Samt, Disco-PVC, Billig-Ohrschmuck) – nichts ist tabu. Alles gedanklich zu verknüpfen, Verschiedenstes zu einer stimmigen Einheit zu verbinden ist die hohe Kunst. Überraschungen am laufenden Band entstehen, Mut und Provokation ergänzen die Faszination des Möglichen um innere Bewegung.

Auch der „sex-moralische“ Blick wird konterkarierend eingebracht: Hochgeschlossen Verpacktes erscheint neben sexy Offenherzigem, betonte Figur neben eher unförmigen Silhouetten – das reflektiert eine pluralistische Gesellschaft, die mit allen Aspekten gleichzeitig lebt und alle Positionierungen akzeptiert.

Als zeitgenössisches Statement verbleibt der Eindruck, dass Tomaszewski nun die Grenzen von der hocheleganten Upper-Class nach unten hin bis Punk und Street auflöst, der Mix macht das Punkige elegant und das Edle wird Allgemeingut. Einstellungen, die sich mit den jeweiligen Codes verbinden, werden nun über den Haufen geworfen, die ästhetische Anschauung ist es, was hier zählt und der sichere Geschmack als Basiskompetenz lässt das auch überzeugend erscheinen. Ein Geist im Ganzen, wie er bei guten Designern eigentlich meist mitgeliefert wurde, eine gesellschaftsbezogene Position wird bewusst ausgeklammert – alles ist gut, alles ist interessant, alles kann doch gefallen.

Damit lieferte Dawid Tomaszewski einen faszinierenden Auftakt für die Fashionweek, der vieles vorweg nahm, was folgte. Auch anderswo sahen wir den Versuch, Street-Wear-Style neu ästhetisch zu thematisieren und nicht nur den persönlichen Idealstil zu kultivieren – Irene Luft und Marina Hoermanseder sind nur zwei Beispiele von vielen. Viele Designer zeigten, dass sie einer gefühlten Zeitgenossenschaft sichtbarer zugehörig sein wollen und es bleibt abzuwarten, ob es den Modemachern gelingt, sich da überzeugend zu integrieren oder ob die sich selbst definierende Berghain-Kultur-Gesellschaft schon weitergezogen ist, bevor die Trends angekommen sind. Nun, das wäre in der Geschichte der Mode ja kein neues Phänomen.

The post Dawid Tomaszewski: Der große Mix appeared first on modaCYCLE.

Text: Gerhard Paproth

Bild: Ophelia Beckmann (Gastfotografin)

Diese Veranstaltung ist eine sehr fruchtbare und kluge Einrichtung aus mehreren Gründen, hauptsächlich aber deswegen, weil Mode als gesellschaftlich durchaus relevantes Phänomen sich hier selbst reflektiert und befragt – und das offen und kritisch. Der Modeindustrie (inklusive der sie vertretenden Lifestyle-Medien) damit auch mehr Ernsthaftigkeit auf den Weg zu geben und in dem Zuge gesellschaftspolitische Akzeptanz einzufordern, macht, so zeigen die durchaus anspruchsvollen Konferenzgespräche, Sinn.

„Relevance of Fashion“ lautete sinnvollerweise der thematische Rahmen der Podiumsgespräche mit Vertretern aus der Branche, der Gesellschaftswissenschaften und der Medien. Mode ist der „visuelle Dialog der Gesellschaft“ (Tillmann Prüfer) und darum wächst den Modeunternehmen mehr gesellschaftliche Verantwortung zu, als gemeinhin vermutet.

Als Hauptproblem stand die Überhitzung der Trends und ihrer raschen, konkurrierenden Folge im Zentrum der meisten Gespräche. Im Wesentlichen mahnten die Teilnehmer mehr Bedachtsamkeit und Konzentration auf Wesentliches an.

Schon die Einleitung von Tillmann Prüfer, Zeitmagazin, stellt eine Reihe von losen, aber klugen Thesen in den Raum, die über die ganze Konferenz hinweg immer wieder den gedanklichen Kontext bestimmen:

• Öfter mal Nein sagen,
• Begrenzt die Limited Editions (Stichwort marketing move)
• Rettet die Designer (nicht überfordern!)
• Hört auf zu personalisieren,
• Seid anders als Amazon (Kleidung soll berühren!, Nicht nur um Geld kümmern!)
• Seid unvernünftig
• Denkt nicht an morgen (denkt an übermorgen!)
• Regt euch nicht über Influencer auf (sie sind sehr nett!)
• Blogger/Influencer lösen nicht unsere Probleme (eher machen die Jungen ja erfahrungsgemäß Probleme statt welche zu lösen!)

Damit ist bereits ein schöner Abriss der aktuellen Lage der Mode in der Gesellschaft gedacht und vorgelegt.

In den nachfolgenden Podiumsgesprächen werden verschiedene dieser Thesen ausgeführt und beleuchtet, vier greifen wir einmal heraus. Linda Loppa (Adviser Strategy & Vision, Polimoda) beispielsweise fordert eine Humanisierung des Modebewusstseins ein, mehr Instinkt und Intuition und Zielvorstellung („wie können wir heute glücklich sein?“) – weniger überdrehte Erscheinungen (Anti-Hype). Dabei sollten wir die Eigenwahrnehmung nutzen, anstatt uns überrollen und ablenken zu lassen. Wir, so sagt Linda Loppa, sollten als Modemacher uns klar darüber sein, was wir ausdrücken wollen, Verantwortung gegenüber Jugendlichen wahrnehmen, und mehr miteinander reden. Und aus der anderen Perspektive bewusster konsumieren, uns mehr Zeit für Auseinandersetzung und Gewöhnung nehmen.

Eine ähnliche Haltung vertritt der Designer und Firmengründer Brunetto Cucinelli (Modeunternehmer), „benutzen statt konsumieren“, beherrschen und kontrollieren sollte der Mensch. An Beispielen aus seinem Werdegang zeigt er mehrfach und unterhaltsam auf, dass die Lebensphilosophie darin bestehen sollte, „das Geheimnis des Lebens als Interesse zu bewahren“, Lebensqualität in der Balance zu suchen und respektvoll mit der Würde der Erde umzugehen. Als Modeunternehmer sucht er das zu verwirklichen.

Eine eher kontroverse Sicht leuchtet bei dem Gespräch mit Armando Branchini (Fondazione Altagamma) und Scott Lipinski (Geschäftsführer, Fashion Council Germany) auf, in dem Sinne, dass die Produktionsbedingungen und die schnelle technologische, innovative Entwicklung den Modemarkt beschleunigen. Denzufolge sind die Modemacher und Unternehmen gefordert, dieser Entwicklung zu folgen, um in der Zeit zu bleiben. Und um in der Konkurrenz zu bestehen, deren Kampf sich zunehmend auch im Internet abspielt.

Ausgehend von der Auseinandersetzung Birkenstock vs. Amazon erläutert Oliver Reichert (CEO Birkenstock Group) die Wirksamkeit der Algorithmen amerikanischer Großvertriebe auf den Markt. Ein großes Spiel und Platz für Schindluder: „Big Data“ repräsentiert demnach nicht das intuitive Konsumverhalten, sondern manipuliert. Streetwear überhitzt sich mit Halbfertigkeiten und gelangt nur zu Mittelmäßigkeit. Davor gilt es sich zu schützen, nicht nur seitens der Branchenunternehmen und der Verbraucher, sondern die Politik ist gefordert, zu dieser virtuellen Manipulationsmaschine endlich Stellung zu beziehen.

Insgesamt wird deutlich, dass die einleitenden neun Thesen von Tillmann Prüfer sich bei komplexerer Betrachtung bestätigen und eine Bremsung der Überhitzung zugunsten größerer Lebensqualität und Selbstverwirklichung notwendig ist. Und dass dabei die Modeindustrie in ihrem eigenen Interesse gefordert ist, zur Selbstbesinnung zu kommen und gemeinschaftlich qualitativ solidere Ausdrucksqualitäten anzustreben. Dies eben nicht nur im eigenen kommerziellen Interesse, sondern als eine gesellschaftliche Verantwortung, deren Verlust wir im überhitzten Moderummel beobachten.

Als Konsequenz überrascht diese Einsicht durchaus, denn gesellschaftskritische Selbstbefragung (und -verantwortung) ist in der Industrie ja eher selten zu bemerken. Wir Konsumenten beobachten täglich eher den verantwortungslosen Trend – und wenn die Zeitmagazin & Vogue Konferenz bzw. ihre Teilnehmer es schaffen sollten, nicht nur den Stand der Dinge aufzuzeigen, sondern die Entwicklung zumindest in der Branche überzeugend zu beeinflussen, wäre viel gewonnen.

The post Die Zeitmagazin & Vogue Konferenz: The Relevance of Fashion appeared first on modaCYCLE.

Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Schlanke Hochwasserhosen und klobige Jacken in Grasgrün und Schwarz charakterisieren den Mann 2018 bei Ivanman. Genau das Grün, das unser Kunstlehrer zu Beginn des Schuljahres – aus Ekel – strengstens verboten hatte: Wir mussten es auf der Stelle dauerhaft entsorgen. Ivanman hat es wohl heimlich wieder aus dem Mülleimer geholt.

Als weitere kraftvolle Farbakzente treten Primärfarben zum Beispiel aus der Spülhandschuhproduktion hinzu, sowie kontrastierendes Schwarz. Die grobgeschnitzt anmutenden Elemente werden gelegentlich aber auch von hochgekrempeltem Blümchenmusterfutter oder ebenso gemustertem Kragen antithetisch ergänzt. So ganz geradlinig kommt der Kerl also nicht daher, neben den Blümchen machen schmaler Hosenaufschlag und differenziert gemusterte Pullover auch zartere Seiten sichtbar.

Bei Mänteln und Jacken bleibt die Farbgebung oft Schwarz, ihre Schnitte reichen von grobflächig-kräftig bis hin zu schlank taillierten Formen, wie man sie auch bei Boss oder Burberry finden kann, ohne dass eine gewisse Härte verloren ginge. Die Hosenschnitte verlieren allerdings über ihr flächiges Schnittkonzept an Überzeugungskraft und sie wirken eher schlecht sitzend. Aber dieses Problem ist bei Männerhosen ja verbreitet, darum bleibt zu überlegen, ob das vielleicht als Modeerscheinung zu verbuchen ist.

The post Ivanman: Ästhetischer Angriff in Grün appeared first on modaCYCLE.