Text und Bilder: Gerhard Paproth

Hier sieht man die jüngsten Trends, die aktuellen Bewegungen in  der internationalen Mode und die interessantesten Neuerkundungen in Material und Schneiderhandwerk. Und, in der Erweiterung, kreative Erfindungen zu Modeaccessoires sowie Positionen der jungen Fotografie. Zum 40. Male wurde das Festival de la Mode in der Villa Noailles nun ausgerichtet und, wie man diesjährigen Medienberichten schon im Vorfeld entnehmen konnte, infolge von Finanzierungsproblemen in recht kontrollierter Ausgabe. Alle, sowohl die Organisatoren als auch das schon bei der Eröffnung begeisterte Publikum wollen diese Veranstaltung erhalten, denn sie hat sich, unter der Leitung von Jean-Pierre Blanc, zu einem unverzichtbaren Event der Modewelt etabliert: sie liefert nicht nur die neuen Trends und Ideen, sondern der Industrie den besten Nachwuchs. Entsprechend vielfältig ist das Publikum von Studenten, Professoren, Modemanagern und jungen Designern, Presse und Neugierigen von fern und aus der Umgebung. Hier treffen und bilden sich wichtige Netzwerke der Branche und spätestens hier wird gegenwärtige Modephilosophie festgeschrieben. Die Qualität, die Strahlkraft und die Langlebigkeit dieses Festivals sind sein wesentlicher Erfolg im professionellen Sinne, weswegen auch viele und besonders renommierte Sponsoren sich gerne beteiligen (institutionelle Partner und das Kulturministerium sowie privaten Sponsoren, darunter Chanel, Le 19M, LVMH, Hermès, Supima, Kering, American Vintage und Première Vision).

Eine große Jubiläumsfeier blieb aus, denn das Festival war Anfang des Jahres formal schwer unter Beschuß geraten: eine Rüge des französischen Kulturministeriums im April kritisierte das bisherige Management scharf und medienwirksam, denn nicht nur die Alleinherrschaft des Festivalgründers Jean-Pierre Blanc wurde den Mitstreitern zunehmend unerträglich sondern auch der Umgang mit den Geldern häufte hohe Schulden auf (Schuldenstand von 3,8 Millionen Euro). Die diesjährige Ausgabe fand demzufolge in einem verkürzten Format statt und soll als Übergang zu einer möglichen Neuausrichtung verstanden werden. Verantwortlich für diese Neuausrichtung ist nun Hugo Lucchino, der im August zum Generaldirektor des Kunstzentrums Villa Noailles ernannt wurde.

Auffällig dafür ist die „Verkürzung des Formats“, die in jeder Hinsicht spürbar wurde. Allgemein gesehen fehlt das großzügige, liebevolle und leichte Flair im Ganzen; im Konkreten wird der Zeitraum von vier auf drei Tage verkürzt, es gibt nur noch eine große Modenschauveranstaltung und die Räumlichkeiten wurden verdichtet. Keine Extrabühnen und Podiumsveranstaltungen mehr, keine künstlerischen Installationen, Darbietungen und Sonderausstellungen mehr, Eintrittsgelder werden nun erhoben und diverse Partys am Rande wurden gestrichen, sogar die berühmte Aftershowparty für die Wettbewerber und Preisträger. Das große Verwöhnprogramm für Jurymitglieder und VIPs wurde auch zurück gefahren und sehr schnell fiel sogar der wichtige Shuttleservice aus, zwar nicht für die VIPs (da Mercedes-gesponsert) aber für alle anderen Besucher (die Villa Noailles, Festivalort, liegt hoch auf dem Berg und ist nur mit PKW, Taxi oder fast einstündigem Fußmarsch zu erreichen). Schon damit spürte man die Einschränkung sehr unangenehm.

Aber auch wenn man als Besucher einsichtig ist und auf viele Annehmlichkeiten zu verzichten bereit ist, bleiben doch auch Beschränkungen, die man als schädlich wahrnehmen kann. Wir empfanden besonders die räumliche Verknappung als kontraproduktiv, was umso unverständlicher war, als die großzügige Villa ja in städtischem Besitz ist und keine parallelen Veranstaltungen dort stattfanden. Diese räumliche Verdichtung führte nicht zu sachlicher Focussierung sondern zu einem unangemessenem Mix der Aspekte sogar zwischen den drei Festivalabteilungen. Die wurden jetzt sogar noch um einen irritierend großzügig angelegten Fotobuchbereich erweitert.
Darüber hinaus wurde die Dokumentation mit Film und Bild schwierig, umso mehr als sich das Publikum oft drängen mußte. Gleichwohl war da – zumindestens gefühlt – weniger Publikum insgesamt als sonst.

Aber, auch das muss man konstatieren, vieles Gute ist geblieben und machte den Besuch lohnenswert. Allem voran natürlich das Wetter, ein Oktober wie sonniger Hochsommer, eine wunderschöne Stadt, grün, blühend und mit Palmen überall, das Mittelmeer im Blick und die schöne Villa Noailles selbst (wir berichteten das mehrfach). Der spezielle Shop mit seinen exzentrischen Angeboten. Auch der Kern der Veranstaltung blieb weitgehend unangetastet, nämlich die Künstler- bzw. Designerwettbewerbe, hier gab es keine Abstriche und die Qualität schien dieses Jahr sogar noch besser als letztes Jahr, das mag aber eine subjektive Einschätzung sein und ist dann wohl auch zufällig. Die Jurys, muss man dazu sagen, sind jetzt rein von Modeprofis besetzt, über weitere Veränderungen im Verfahren oder programmatischen Verständnis wissen wir aber nichts. Aus dieser Perspektive ist, soweit man das jetzt einschätzen kann, die bisherige Leitidee des Festivals auch der substantielle Teil der Neuausrichtung und damit bliebe der attraktive Kern (und Sinn) der Veranstaltung erhalten. Ob allerdings in der Verkürzung und vor allem der Verknappung auch die große Strahlkraft erhalten bleibt, hängt auch von der Publikumstreue ab, das mit einem weniger leichten, stark versachlichterem Format leben muss.

Impressionen:

eine der früher genutzten Freiflächen:

Bühne mit Projektionswand:

und früher mit Liegestühlen genutzte Relaxfläche:

Wandgestaltungen innen:

Fotoausstellung:

im Shop:

***

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Auf der zwölften Positions stellt das neue Kuratorenduo Diandra Donecker und Dao Tran zwanzig Designer und Designerinnen für den Bereich Fashion vor. Manche sind wie zuvor wieder dabei aber spannende Neuentdeckungen gibt es auch und die Schnittstellen von angewandter Kunst und freier Kunst zeigen sich dabei scheinbar noch evidenter und vielseitiger als bisher, umso mehr, als auch in der freien Kunst auffällig viele Modebezüge eine wichtige Rolle spielen. Im Gefüge der Kunstmessen erscheint die Positions wie eine Entdeckermesse, denn auffälliger als anderswo wird sie nicht nur von Fachpublikum frequentiert sondern auch von sehr diversen Interessierten, nicht zuletzt weil die Positions sich noch im Zusammenhang mit der Berliner Art Week aufstellt. Diese etwas populärere Zielgruppenorientierung setzt weniger auf große Namen sondern eher auf künstlerische Trends und auch in der Fashionabteilung wird das deutlich. Und gerade hier, bei der Mode, zeigt sich, dass die Berliner Kulturszene doch eigen und zugleich herausragend ist.

Die Vielseitigkeit im künstlerischen Ansatz der Modedesigner ist bemerkenswert und offenbart sich nicht mehr nur als quasi erweiterte Installationsgestaltung einer Modeposition sondern dezidierter in den inhaltlichen Ansätzen – mehr oder weniger offen oder gezielt. Und nicht nur die geläufigen zeitrelevanten Themen (Umwelt etc.) kommen zum Zuge sondern auch rein künstlerische Ansätze stellen textiles Gestalten in neue beziehungsweise deutlichere Zusammenhänge, die über Mode hinausgehen. Das entspricht letztlich auch einem allgemeinen Trend der Gegenwart, wo Mode mit Kunstausstellungen zusammen geht und wo Kunsthandwerk und bildende Kunst näher zusammen rücken. Dem jungen Publikum kommt dieses Kulturverständnis sehr entgegen, denn das entspricht seiner Vorstellung eines kreativen Lebensumfeldes mehr als elitäre Abgrenzungen von Gebieten.

Erfreulich ist auch die Beobachtung, dass das Berlinspezifische sich nicht auf einen subkulturellen Kern berufen muss, sondern im Anspruch mittlerweile weit darüber hinaus ein kreatives Selbstverständnis entwickelt. Renommierte Repräsentantinnen wie Claudia Skoda und Esther Perbandt haben das zwar schon längst vorgeführt, aber die neuen beschreiten den gleichen Weg in ihrem Selbstverständnis. Und dieser Anspruch läßt die flüchtige Insta-Kultur hinter sich. Selbst Labels wie Haderlump, die sich eher dem modischen Zeitgeist verschrieben haben, versuchen, einen essentiellen Kern herauszustellen oder wie Danny Reinke die verzaubert-romantisch verklärte Märchen- und Naturwelt seiner eher pragmatischen Mode als ideelle Basis des Schaffens zuzuspitzen. Interessant sind auch Bezüge zur Kunst- und Kulturgeschichte wie auf gotische Altäre (Elodie Carstensen) und, besonders faszinierend mit Stillleben erarbeitet, das Thema Les liaisons dangereuses von Laclos bei Plaid-á-Porter. Auf die Faszination eleganter und schillernder Zweckverfremdung von Schneidermaterial verweist Maximilian Gedra, Krankenhaus-SM thematisiert äußerst witzig Lilian Brade und die Gestaltaffinität zu Autodesign als ästhetische Spezifik überträgt Selva Huygens in Kleidung. Besonders erwähnenswert sind die groß angebrachten, aufschlussreichen Texte zu den Designern und Designerinnen und zu ihren jeweiligen Arbeiten. Die sind sorgfältig kuratiert und kommen besonders dem kunstaffinen Publikum zugute, das damit anspruchsvoll an das Thema aktuelles Modedesign herangeführt wird.

Stets zeigt sich, dass die Modedesigner ihr Selbstverständnis am liebsten im künstlerisch-kreativen Tun verorten, was bekanntlich schwierig ist, weil Mode als angewandte Kunst eben kommerziell funktionieren muss. Bei der Herausforderung dieser Kunstmesse kann und muss diese Selbstreferenz zu einer überzeugenden Demonstration herausgearbeitet werden. Und das fällt natürlich den ganz jungen noch leichter als den bereits etablierten. Spannend bleibt dann auch die Frage, inwieweit ein künstlerischer Ansatz in der Mode in ein kommerzielles Gefüge überführt wird oder werden kann. Im umgekehrten Sinne hatte die Kunstgeschichte nie ein Problem damit, Mode war immer ein Teil ihrer Bildwelten. Und wie man hier in der freien Gegenwartskunst beobachten kann, ist sie gerade besonders präsent (siehe Bildbeispiele unten): Cranach-Modelle tragen Chanel-Bikinis (Ieva Il Tnere), Modestickerei überdeckt das Porträt (Idowu Oluwaseun) und Glasbläserei assoziiert textile Skulptur (Maria Bang Espersen) – nur zum Beispiel.

Alexander Gigl:

Cbui:

Claudia Skoda:

Cruba:

Danny Reinke:

Elodie Carstensen:

Esther Perbandt:

Fiona Bennett:

Format: :

Haderlump Atelier Berlin:

Karen Jessen:

Lilian Brade:

Maximilian Gedra:

Nadine Aurin:

Plaid-À-Porter:

Raufaser:

Selva Huygens:

Vanessa Baernthol:

Yannic Pretzlaff:

Modebezogene Kunst aus den Galerien der Positions 2025:

Carolina Bazo:

Carole Feuerman:

Henry James:

Idowu Oluwaseun:

Ieva Il Tnere:

Jonathan Esperester:

Maria Bang Espersen:

Norman Gebauer:

Sarah Geppert:

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: © Musée du Louvre / Nicolas Bousser für den Ausstellungskatalog

Aus dem aktuellen Trend, Mode im Kunstmuseum zu zeigen, hatte sich der Louvre bisher herausgehalten, nun hat er eine spezielle Lösung gefunden, die nicht nur tragfähiger ist, sondern auch schlüssiger als anderswo. Er schreibt damit Kulturgeschichte fort, in Konzentration auf den prachtvollen Palast, der der Louvre als einstiger Sitz französischer Könige ja eigentlich ist. Der Ort, wo nun exquisite Mode der jüngeren Modegeschichte präsentiert wird, ist also das Labyrinth von Prunksälen und -gängen und eben nicht der seiner separierten Kunstsammlungen. Malerei ist in diesen Bereichen eher Teil des jeweiligen Raumambientes und das luxuriöse Raumambiente ist der geistig-kulturelle Zusammenhang für die hinein gestellten Modeexponate.

Diese Prunkräume erfassen die repräsentative Historie der französischen Innenraumpracht von Byzanz über Rainaissance, Rokoko bis Napoleon III. Letztlich wird mit dieser Ausstellungskonstellation die Mode ab Mitte des 20. Jahrhunderts, genauer die Haute Couture, als Fortsetzung höchsten Luxus‘ präsentiert, die sie ja faktisch auch ist. Augenfällig wird das unter anderem in der Korrespondenz der modernen Textilkunst mit den wertvollen Bildteppichen beziehungsweise Gobelins. Im Kontext mit dem Kunsthandwerk der französischen Historie hat man das Gefühl, dass in der Kontinuität bis heute eigentlich nichts offen geblieben ist.

Und ein weiterer Wahrnehmungsaspekt stellt sich ein: scheinbar wie menschliche Erscheinungen beleben die Mannequin-Figuren die historischen Räume, und trotzdem repräsentieren sie selbst auch historische Exponate mit eigener, späterer Geschichte. Dabei geht es keineswegs um Aufwertung moderner Modeentwürfe, das hat Haute Couture nicht nötig, die Kuratoren haben das beste und aufwändigste zusammengesucht, was die französische Modegeschichte (und -kultur) geprägt hat. Alles kann ästhetisch mithalten mit den aufwändigen Interieurs, in die es gesetzt wurde. Man darf nicht vergessen, dass Mode (neben Kulinarik) eine, beziehungsweise DIE wichtigste Gegenwartskultur in Frankreich, respektive Paris, ist, eine Vorstellung, die zum Beispiel Deutschland völlig fremd ist. Während repräsentierender Einrichtungsprunk längst keine Rolle mehr im modernen Frankreich spielt,  setzt die Haute-Couture-Mode nun auf anderer Ebene fort, was in diesen historischen Räumen vorgeführt wird.

Die Ausstellung ist also weniger eine Gegenüberstellung als die Fortschreibung der Sammlungen der Geschichte der dekorativen Künste, ihres Handwerks und des Ornaments. Dabei ist für den Franzosen die Grenze zwischen Kunst und Kunsthandwerk traditionell durchlässiger als für uns, das ist essentiell für die kulturelle Perspektive, und die kreativen und handwerklichen Bezugnahmen der Haute-Couture-Mode sind freier, schließen Kunst und Geschichte ein – und positionieren sich in diesen Kontext mit ihrem extrem hohen und aufwändigen Anspruch.

Mit solchem Grundverständnis der Kuratoren ist der Parcours dieser Präsentation höchst exquisit. Und auch patriotisch, wenn man so will, denn immerhin verfügt Frankreich seit Dior über die anspruchsvollsten Modehäuser überhaupt, wo internationale Topdesigner sich einfügen und nicht umgekehrt. Frankreich hat den Begriff Luxus geprägt und stets tonangebend gefüllt, gegen alle Wirtschaftsbewegungen bis heute erfolgreich. Mit einem Niveau, das jetzt diese Ausstellungspräsentationen in allen historischen Prächtigkeiten erlaubt. Mit Stolz führt die zentrale Kultureinrichtung Louvre hier die Noblesse der Frankreich-spezifischen Kultur vor. (Parallel übrigens – auch im Anspruch – zur Neueröffnung von Notre Dame.)

Die Inszenierung erweist sich ausserdem souverän in der Anschauung, ohne das Sehvergnügen durch intellektuelle Befrachtung zu steuern. 99 Exponate aus der Haute-Couture sind elegant und kongenial auf die historischen Raumambiente verteilt, über 9000 m2 im ersten Stock in den nördlichen «Richelieu»- und «Sully»-Flügeln an der Rue de Rivoli, also gegenüber der Kunstsammlung,  eine lange, sinnliche Reise in so noch nicht vorgeführter Manier. Von Dior über Chanel und Loewe bis Yamamoto und Iris van Herpen sind die großen Häuser und Designer mit herausragenden Stücken vertreten.
Die Referenzen der Modestücke zum gewählten Interieur sind verschieden: Manchmal eher atmosphärisch, manchmal stilistisch, manchmal gibt es Korrespondenzen im Handwerklichen. Der Ausstellungsparcours ist lang und anstrengend, sehr reichhaltig aber unkompliziert zu goutieren. Infos zum Hintergrundwissen ist, wenn man neugierig wird, auf der prägnanten Exponatbeschilderung nachzulesen, mehr Wissenschaftliches oder Didaktisches ist nicht angelegt. Es gibt auch keine zwingende Abfolgelogik, vielmehr ist ein lockeres Flanieren mit beliebigen Verweilstops angesagt, bei dem man auch einiges verpasst und anderes zwei Mal sieht. Großer ästhetischer Anspruch, unprätentiös nahegelegt.

Wir haben fast alle Exponate in ihren Räumlichkeiten mit den gegebenen Referenzen sorgfältig fotografiert aber, wie auch andere Medien, keine Veröffentlichungsgenehmigung dafür bekommen. Viele atemberaubende Anschauungen entfallen somit leider. Wir zeigen darum hier „offizielle“ Fotos aus vorgegebenem Angebot in Abweichung unserer üblichen Praxis und in nur kleiner  Auswahl – weil es das trotzdem wert ist. Es sind alles Aufnahmen für den Katalog (© Nicolas Mathéus) vor der endgültigen Positionierung der Exponate.
Bis 21. Juli ’25 läuft diese Ausstellung und wer bis dahin einen Paris-Aufenthalt im Visier hat, sollte sich dieses einmalige Erlebnis nicht entgehen lassen.

Balenciaga – Demna, 2023-2024:

Balmain – Olivier Rousteing, 2023:

Chanel – Karl Lagerfeld:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Wo immer Yves Saint Laurent und sein Lebenspartner Pierre Bergé gerade lebten, sie umgaben das Appartement, die Zweitwohnsitze und die Ateliers mit Blumen und Gärten, in der Flora fand der Designer eine Quelle unendlicher Inspiration. Diese Liebe teilte er schon als 15jähriger mit dem Schriftsteller Marcel Proust, dessen Schlüssel-Werk „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ er immer wieder las.

Die Ausstellung stützt sich auf diese Bezugnahme, rund dreißig textile Silhouetten und Zeichnungen unterstreichen diese Symbiose zwischen der Arbeit von Yves Saint Laurent, Natur und Literatur – Zitate von Proust werden zu den Exponaten gestellt und spiegeln die sinnliche Leidenschaft gegeneinander. In Kleidern und Zeichnungen wird diese eine bestimmende Facette von der Persönlichkeit und dem Geschmack des Schöpfers vorgeführt: von der Fetisch – Droush von Christian Dior über die Anagram – Lilien seiner Initialen über die Rosen der Liebe, die Bougainvilliers von Marokko oder die Weizenträger als Glücksbringer.

Gezeigt wird das Thema anhand legendärer Stücke und Arbeitsanleitungen: die erste angewandte Stickerei des Frühlingskleides von 1962, die tollen Drucke der Spring-Summer-Kollektion 2001 mit Referenzen zu Gemälden von Bonnard und, nicht zu übersehen, der berühmte Entwurf Saint Laurents „Sommerbraut“ mit Laetitia Casta 1999.

Es ist klar, dass Yves Saint Laurent die Blütenmuster -und formen nicht für sich gepachtet hat, auch wenn sie besonders üppig und raffiniert herausgestellt werden, sie begleiten schon immer die Geschichte der Mode. Und von seinem verehrten Lehrmeister Dior hat er diese ausgeprägte Leidenschaft übernommen. Was aber hier in der Ausstellung besonders überzeugt, ist der stimmige Kontext, in dem Leben, Design, Kunst und Literatur in eins fallen.

Die Philosophie für Mode hinter der floralen Leidenschaft hat Yves Saint Laurent auch beschrieben: Wie Mode sind Blumen eine ephemere Erscheinung, oft kraftvolle Gewächse als Bouquet für einen Tag, und sie wie getrocknete Rosenblüten aufzubewahren ist nicht dasselbe. Genauso wie wenn die Kleidungsstücke die Mode überleben (wie hier in der Ausstellung), sind Geburt und Wiedergeburt die treffenderen Anschauungen, denn in der Erneuerung ruht das Mysterium der Inkarnation an sich. Und so versteht Saint Laurent jedes Blütenblatt als ein Ausdruck der momentanen Schönheit im Vergänglichen und jede seiner Kollektionen auch. Was bleibt ist also die reaktivierte Erinnerung, und zwar eben in demselben Sinn wie sie literarisch Marcel Proust in La recherche du temps perdu beschrieben hat, mit floralen Metaphern bei der Beschreibung seiner Protagonisten und ihrem Lebensraum. Das versucht die aktuelle Ausstellung in diesem Sinne zu kreieren.

Dabei verfährt die Ausstellung nicht zwingend chronologisch, zeigt aber doch verschiedene Entwicklungsschritte im Sinne des Themas auf:

Bal de Têtes: Für einen Maskenball im Hôtel Lambert von Baron de Alexis de Redé am 23 Juni 1957, wo darum gebeten wird, mit einer speziellen Maske oder Kopfschmuck zu erscheinen, entwirft der 20-jährige Yves Saint Laurent, Assistent bei Dior, diverse Studien mit Gouache auf farbigem Papier; Blumen, Federn und Blätter mit einem schon ganz dezidiertem Zeichenstil:

In seinen eigenen Kollektionen hat Yves Saint Laurent später immer wieder Bezug auf Dior genommen und diverse Hommagen an ihn kreiert, was verschiedentlich in der gesamten Ausstellung auftaucht.

Das berühmte Outfit für Laetitia Casta 1999:

Paris, das Studio. Es ist der zentrale Ort in der Avenue Marceau Nr. 5 während der dreißig Jahre. Es unterscheidet sich von der Grandezza der Salons und ist auf die praktische Arbeit ausgerichtet. Die Ausstattung bleibt klar, ruhig und neutral, die vielen dauernd benutzten Kunstbände haben inspirierende Funktion. Und ein großer Spiegel an der Wand gegenüber zeigt die Kleidung am Modell eben als Reflexion. Bevor die Zeichnungen in die Ateliers gehen, werden Test-Kleidungsstücke aus weißer Baumwolle gefertigt, die von einem Modell per Défilé im Raum vorgeführt werden, um die Schnittarchitektur zu vergegenwärtigen. (In der Galerie Dior können wir sehen, wie das vorzustellen ist.)
Sechs bis sieben Mitarbeiter unterstützten den Meister bei der Arbeit in diesem Raum.

Bekanntlich wurde Yves Saint Laurent nicht berühmt wegen der expliziten Verwendung floralen Designs sondern wegen vielfältiger Erneuerungen im Modedesign der 60er und 70er Jahre, nicht selten slandalös und revolutionär. Und auch der Bruch mit Dior war kompliziert. Alles das ist aber nicht Thema hier, auch der beschriebene philosophische Aspekt ist nicht DAS repräsentative Verständnis im umfassenden Sinne, sondern ein Beschäftigungsaspekt des Modeschöpfers, der eng in seinem Privatleben verwurzelt war und letzlich auch Ausdruck in seinem wichtigen Refugium in Marakech gefunden hat, welches bekanntlich im wohl weltweit schönsten Garten, La Majorelle, liegt.
Parallel, dies sei auch noch angemerkt zum Kontext, lebte er nach seinem Rückzug aus der Modearbeit auch in seinem normannischen Château Gabriel in Deauville, dessen Zimmer nach Figuren aus Marcel Prousts Romanzyklus À la recherche du temps perdu benannt waren.

Diese Ausstellung ist übrigens die Fortführung eines ersten Konzeptteils, das im gleichen Zeitraum (2 März 2024 bis 5 Januar 2025) im Musée Yves Saint Laurent Marrakech gezeigt wurde.

*

Les Fleurs d’Yves Saint Laurent
Konzipiert von Olivier Saillard et Gaël Mamine

Musée Yves Saint Laurent Paris 5, avenue Marceau, 75116 Paris

20.3.2024 – 4.5.2025

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Die Ausstellung in La Galerie Dior besteht im Wesentlichen aus zwei Abschnitten, dem 4 Etagen hohen, großen Panoptikum mit zum Teil verkleinerten Exponaten im Treppenhaus und der Ausstellung historischer Exponate in den abzweigenden Räumen. Diese wurden teilweise mit vielen Fotos von Peter Lindberg reflexiv ergänzt. Das erweist sich nicht nur in der Nebeneinanderstellung der Arbeiten zweier Stars derselben Branche als spannend sondern es ist eine gegenseitige Bereicherung in der jeweiligen konkreten Bezugnahme der Kleider und der Modefotografie. Das Haus Dior und Lindbergh pflegten enge Beziehungen, zwischen 1988 und 2018 fotografierte Peter Lindberg die Dior-Kollektionen. Die Ausstellung zeigt mehr als Hundert Abzüge aus oft legendären Serien von Harper’s Bazaar bis Vogue, aber auch bislang unveröffentlichte Bilder. Dazu gehören die Bilder für Dior aus New York von 2018. Modedesign und Fotografie stets im Sinne der Schönheit und Einzigartigkeit der Frau.

Die Kleidungs-Exponate sind meist in jeweils gestaltete eigene kleine oder auch größere Installationen eingebettet, mal nüchtern, mal surreal, oft nun auch auf Bildkorrespondenzen ausgelegt. So wird die Wahrnehmung der eleganten Modestücke mit den Fotos vom Kunstwerk zur praktischen Realität hin erweitert, denn in den Motiven stecken dann echte Menschen (Modelle) mit Emotionen, die sich nicht selten auch in einer echten, meist urbanen Welt aufhalten und bewegen. Und es wird eine künstlerische Inszenierung gezeigt, die die Mode noch einmal aufwertet oder sie im Kontext (scheinbarer) Normalität nahbarer macht. Wenn Modefotografie eigentlich dienendes Handwerk ist, so ist die von Peter Lindberg dienende Kunst, die, wie man hier gut beobachten kann, oft auf Augenhöhe mit dem Modethema interagiert.

Gianfranco Ferré pour Dior – Tilbury, 1989 (mit Foto Peter Lindberg), 1989

La Galerie Dior gibt es erst seit 2022, also 75 Jahre nachdem die erste Christian Dior Kollektion gezeigt wurde. Sie ist eine Ergänzung zum Musée Christian Dior in der Villa Les Rhumbs (Granville) in der Normandie. Vorgeführt wird hier im Herzen von Paris, exemplarisch und mit Highlights, der typische und avantgardistische Sinn des Haute-Couture-Modedesigns von Christian Dior und seinen sechs Nachfolgern, Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons und Maria Grazia Chiuri. Entsprechend ist das ganze Ausstellungsdesign edel und von erlesenem Geschmack geprägt.

Man startet den Besuch vom Fahrstuhl aus in der 4. Etage und bewegt sich nach unten. Das große Treppenhaus mit vornehmer Wendeltreppe führt entlang der sich über alle Stockwerke erstreckenden Sammlung in riesigen Glasvitrinen an der Wand, farblich abgestuft über alle Töne mit unzähligen Exponaten, die Accessoires in Original und die Kleider in Verkleinerung nachgebildet. Schnell verliert sich das Auge in einem Kosmos kreativer Schöpfungslust und großer Eleganz – liebevoll zusammengetragen und arrangiert.

„Modedesigner erschaffen eines der letzten Refugien des Wunderbaren. Sie sind in gewisser Weise Meister der Träume …“

Dieses Zitat von Christian Dior leitet den anderen Teil der Ausstellung ein, der in verschiedenen Abschnitten illustrierten Lebenslauf, Grafik, Schmuck und Parfum, Film, Presseexemplare, historische Fotos und auch mal nur groß- und kleinformatige Fotos von Lindberg zeigt.

Geschichte:

aus Kollektionen:

Christian Bérard – Bar (Corolle Linie), 1947

Maria Grazia Chiuri pour Dior – We should all be feminists, 2017

John Galliano pour Dior – Alcée, 1997

Maria Grazia Chiuri pour Dior -Numéro 439, 2021

Gianfranco Ferré pour Dior – Eden, 1992

Christian Dior – Création speciale Haute Couture, ca. 1950
(im Hintergrund Diors Geburtshaus und jetziges Museum)

John Galliano pour Dior – Diorine, 1997
Yves Saint Laurent pour Dior – Chat noir, 1960

John Galliano pour Dior – Pricesse Lucknow, 1997

Gianfranco Ferré pour Dior – Soleils d’automne, 1991

John Galliano pour Dior – Pricesse Bangalore, 1997

Christian Dior – Ballkleid

Blick von oben ins Atelier:

In einem Saal wird Couture in Reinweiß präsentiert. Sie ist eine Vorstufe zu der Ausarbeitung der Ateliers, formale Probeexemplare, die sich auf die Silhouette, das Volumen, den Schnitt und die Architektur allein konzentrieren, also quasi auf die skulpturale Form. Es sind stets Baumwollstoffe, die danach verwendeten Textilien wurden in einem eigenen Schritt ausgesucht. „Die Couture ist in erster Linie eine Hochzeit der Form mit dem Stoff“ (Ch. Dior). In etwa einem Monat entstanden die Kollektionsentwürfe und in wenigen Wochen wurden sie in den Hausateliers mit minutiöser Feinarbeit hergestellt.

Bilder Peter Lindberg für Dior:

Videocollage und Standbild aus Kinofilm:

Schmuck und Accessoires:

Coffret rouge Dior präsentiert für Jane Russel 1954,
darin enthalten die Obélisque-Version für die Friseuse und 14 Rouge-Schattierungen

Ballkleider aus verschiedenen Dior-Kollektionen:

*

Aktueller Nachtrag:

Die Ausstellung DIOR, JARDINS ENCHANTEURS

im CHRISTIAN DIOR MUSEUM IN GRANVILLE

12. April – 2. November

Zitat übersetzt aus dem Pressetext: „Das Christian Dior Museum in Granville feiert die Liebe zur Natur von Christian Dior und eröffnet eine neue Ausstellung mit dem Titel Dior, Jardins Enchanteure, die diese faszinierende Beziehung hervorhebt, mehr denn je im Herzen der Geschichte des Hauses.

Die Entstehung entfaltet sich in Granville im Park rund um die Villa Les Rhumbs. „Nachdem ich eine Leidenschaft für Blumen meiner Mutter geerbt hatte, genossen ich besonders die Gesellschaft von Pflanzen und Gärtnern“, schrieb er und erinnerte sich an diesen Ort der Initiation, an dem die Seele eines Gärtners vor dem des Couturier-Perfumers knospe.

Für seine erste Show entwarf er die Corolle -Linie mit Kleidern, die geschnitten wurden, um umgedrehte Blumen in voller Blüte zu schlagen. Ein Leitfaden, der von einem Modell zum anderen fortblühte und wunderbaren „Femmes-Fleurs“ Leben gab. Während der gesamten Jahreszeiten hat er nie aufgehört, sich von dieser reichlichen, fruchtbaren Natur inspirieren zu lassen.“

La Galerie Dior

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Sie sind zu Unrecht „out“: Hüte und andere Kopfbedeckungen. Auch wenn ein paar kleine, eher uninspirierte Modisten sie gelegentlich wieder ins Bewusstsein rücken wollen, bleibt ihre Welt den großen Designern und Modisten des letzten Jahrhunderts und der Modehistorie überhaupt überlassen.

Zu Unrecht, wie die Retrospektive von Stephen Jones überzeugend vorführt. Im Zeitalter von Kapuzen und Basecaps und pragmatischer Streetwear sind Headpieces zu anspruchsvoll und ästhetisch geprägt, um ein angemessenes Comeback zu schaffen. Das Musée de la Mode in Paris demonstriert mit der Ausstellung von Stephen Jones (bis 16.3.25) allerdings, dass mit überbordender Kreativität und anspruchsvoller Gestaltung diese Ergänzungen zu Outfits – oder besser ihre Vervollkomnungen – sowohl zeitgemäß als auch zeitlos sind und noch immer eine wichtige Rolle im Gesamtkontext spielen beziehungsweise spielen können.

Natürlich richtet sich die sehr gut besuchte Ausstellung nicht nur an Fashionistas und Modehistoriker, als künstlerisch herausragende Lebensleistung des umtriebigen und gefragten Modisten besetzt sie durchaus eine eigene Position im Modehandwerk. Originell, witzig, elaboriert, experimentell und handwerklich perfekt spiegelt sie die ganze Welt des Modedesigns der letzten 50 Jahre und ihre künstlerischen Ansprüche.

Stephen Jones ist, wie viele andere Modisten, eher nur Insidern bekannt, dabei ist sein Anteil an den großen Haute Couture Kollektionen als akzentuierendes Finish wesentlich. Pendelnd zwischen London und Paris hauchte er den Kreationen eine besondere Kreativität ein, „franglais“ wie die Franzosen zu solchen Prägungen sagen, und verstand das, was Franzosen als Definition der „Parisienne“ proklamieren, oft besser, als manche Couturiers: Der Hut war seit Ende des 18. Jahrhunderts die Quintessenz der Pariserin (als weltbestimmend entscheidende Vorstellung der modernen Frau) , er bestimmte die Silhouette der Erscheinung entscheidend und Stephen Jones hatte zentralen Anteil daran, was die Prägung seit den 80er Jahren des letzten Jahrhunderts betrifft.

Die Ausstellung konzentriert sich auf die engen Beziehungen des Künstlers zu Paris, französischer Kultur und Pariser Couture. Mit seiner Arbeit an Pariser Modehäusern nach seiner Ankunft dort veränderten sich seine Vorstellung von Mode und sein kreatives Vorgehen. Und besonders auch sein Bild der Pariser Frau chakterisierte sich neu.

Aus den betreffenden 45 Jahren seiner Schaffensgeschichte mit fantasisch und oft surreal anmutenden Beispielen (fast 400 Arbeiten, darunter mehr als 170 Hüte) führt das Palais Galleria vor, dass Hutmode nicht nur als Abschluß eines spezifischen Kollektionsentwurfes zu verstehen ist, sondern eine Kreativdimension beherbergt, die auch heutige Modeentwürfe sehr gut aufwerten könnte. Aber leider fehlen uns solche großartigen Modisten, weil diese Arbeit völlig zu Unrecht unterschätzt wird. Und der Hut sowieso.

Wir zeigen Ausstellungsbeispiele aus der Mitarbeit zu Kollektionen von Schiaparelli, Vuitton und Dior, sowie beispielhaft zwei der vielen Vitrinen.

Louis Vuitton

Christian Dior

Schiaparelli

*

Peter Ashworth – Portrait de Stephen Jones, 1985

Stephen Jones, „chapeaux d‚artiste“

MUSEE DE LA MODE, Palais Galliera:

10, avenue Pierre 1er de Serbie, Paris, France 75116

bis 16.03.25

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Vielleicht trügt der erste Eindruck, aber in den Kollektionen der Wettbewerber steckt dieses Jahr weniger Exentrik als sonst. Viele gedeckte Farben und häufige Anlehnung an alltägliche Kleidungserscheinungen, die nun neu aufbereitet werden, zeigen Perspektiven neuer Gestaltungsoptionen. Dass dabei die Verpflichtung, sich mit neuen Materialien oder mit Upcycling auseinandersetzen zu müssen, eine nicht unwesentliche Rolle spielt, ist einerseits selbstverständlich geworden.
Trotzdem muss man diese Herausforderung aber immer mitdenken, denn besondere Material- und Oberflächenwirkungen bieten völlig neue Ansätze. Beispielhaft arbeitet damit der Amerikaner Logan Monroe Goff: technische Elemente und stoffliche Innovationen transformiert er hin und her auch innerhalb einzelner Kleidungsstücke, klebt sie sogar auf den Körper, bis ein verrückter Anschauungsmix dabei herauskommt – dies alles zusätzlich inspiriert von der Ästhetik der Motorradkleidung. Er gewann damit den Nachhaltigkeitspreis von Mercedes-Benz.

Ähnlich verhält es sich mit dem Entwurfsprozess, der sehr oft via Computer erfolgt, was besonders bei dem Hauptgewinner des Wettbewerbes, Dolev Elron, zum gestalterischen Thema und Experiment geworden ist („Casual turbulence“). Die formale Verzerrung aus klassischen Bildverarbeitungsprorammen, hier „ein gutes altes Photoshop-Programm“, hat er genutzt, um Formen und Linien neu zu konzipieren und das dann auch mit klassischem Denim in ein überzeugendes Resultat umgesetzt. Aber auch Gurte zum Beispiel geraten damit spielerisch in eigene Bewegungen. Inwieweit dieser Ansatz nur für sich ein originelles Ergebnis hervorbringt oder ob damit grundlegende Gestaltungsbasics neu angelegt oder verstanden werden, bleibt soweit dahingestellt. Bisher hat die versuchte Verzerrung und Dekonstruktion bekannter Grundgestalten der Mode nur von der Irritation profitiert aber noch keinen neuen Kanon geschaffen – immerhin aber eine neue Freiheit. Elron gewann den Hauptpreis der Jury der Première Vision.

Der Belgier Romain Bichot gewann zwei Preise (der „Prix 19M des Métiers d‘Art“ und „Prix L‘Atelier des Matières“) mit seiner Kollektion Call me if you get lost, dank seiner Fähigkeit, ungewöhnliche Alltagsbeobachtungen, beziehungsweise Elemente daraus, zum Gestaltungsthema zu machen und damit optisch zu experimentieren, bis eine tragbare Kleidungsversion daraus wird oder ein Accessoire. Das betrifft auch das gewählte Material, das gezeigte Abendkleid besteht aus einer Autoabdeckungsfolie, viele Schlüsselanhänger werden zu einer Halskette oder die Idee einer Reifenhülle mutiert zu einer Tasche. Oder eine alte, pinkfarbene Matratze mit Federn besetzt, wird, um den Körper gewickelt, zum kleinen Cocktailkleid. Als fantasievolles und assoziatives Vorgehen ist das vielleicht nicht ganz neu, hier gelingt es aber, das Endprodukt daraus sehr stimmig und schlüssig zu vollenden, also ohne den gewohnten Basteleffekt, der sich normalerweise dann einstellt oder zumindestens mitschwingt. Seine Auskunft „am meisten mag ich den Aufbau und die technischen Aspekte“ verweist eben genau darauf, dass die Ernsthaftigkeit der Realisierung den entscheidenden Anteil für die Umsetzung einer schrägen Idee hat.

Die exentrisch leicht schillernden, mit detaillierter Handarbeit und sexy Gestalt daherkommenden Kollektionen, wie die von Fabian Kis-Juhasz oder July Mouly-Pommerol gingen dieses Mal leer aus. Das ist eigentlich schade, denn sie vertreten deutlich akzentuierter eine ästhetische Sicht, die sich aus der Haute Couture ableitet und damit so etwas wie den „guten Geschmack“ als Leitlinie repräsentiert. Der aber, so die allgemeine Wahrnehmung, mußte wohl dieses Jahr hinter die kreative Innovation zurücktreten, die sich eher aus dem Alltag speist und damit näher an Streetwear rückt als an High Class Mode. Für eine französische Veranstaltung ist das schon leicht ungewöhnlich.

Romain Bichot, Belgien, Call me if you get lost (Collection Unisexe)
Prix L’atelier des matières und Prix le19M des métiers d’art:

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Dolev Elron, Israel, Casual Turbulence (Collection Homme)
Grand prix du Jury Première Vision:

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Fabian Kis-Juhasz, Ungarn, Navel Gazing (Collection Femme):

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Logan Monroe Goff, USA, Asphalt Cowboy (Collection Homme)
Prix de la collection éco-responsable Mercedes Benz:

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Tal Maslavi, Israel, Sugar Rush (Collection Homme):

Mention speciale du jury:

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Lilian Navarro, Frankreich, Cargo Culte (Collection Femme):

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Victoria Baia & Victor Koehler, Frankreich, Last Tour (Collection Homme):

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Kenshiro Suzuki, Japan, Promenades Projekt (Collection Unisexe):

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Gaëlle Lang Halloo, Frankreich, Abseits (Collection Homme)
Prix du public de la ville d’Hyères:

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July Mouly-Pommerol, Frankreich, Métamorphose (Collection Femme)

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Zusatzpräsentation,

Igor Dieryck, Preisträger des Vorjahres:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Die vielen unterschiedlich konzipierten Ausstellungen sind das Wesentliche des Festivals Hyères, auch wenn die Wettbewerbe und die abschließende Catwalk-Schau imagemäßig den Ruf bestimmen. Die ausgesuchten Themen, Konzepte und Spezifika und das jeweilige Ausstellungsdesign sind sorgfältig pointiert und jeweils auch originell präsentiert.

In den letzten Jahren wurden allerdings schon einige Ausstellungsformate ausgespart, etwas weniger an der Zahl sind es jetzt und diverse Highlights findet man nicht mehr. Bis dahin gab es zum Beispiel Präsentationen aus den letzten Haute-Couture-Schauen der großen Marken wie Chanel, Chloé oder Swarowski, mit wenigen aber sehr edlen und aus der Nähe höchst beeindruckenden Exponaten, die nun entfallen sind. Auch die atemberaubenden Ausstellungen mit den Métiers d’Art, exquisie Handarbeit der Details für Haute Couture, gibt so nicht mehr. Und letztes Jahr gab es noch eine rasante, große Installation von De Vilmorin, kitschig und campy zwar, aber doch sehr beeindruckend inszeniert.

Dieses Jahr wird der besonders zentrale Ort in der Villa, der Indoor-Pool auf der oberen Etage, eher nüchtern von einer Präsentation des Labels Courrèges besetzt, mit einem kleinen, quasi geschichtlichen Abriß seiner geometrischen Designs (in Neuinterpretationen), die ab den 60er Jahren den futuristischen Touch in der Haute Couture wesentlich prägten und die Mode der 60er und frühen 70er mit symmetrischen Geometrien einflußreich mitbestimmten. Space Design war eines der kennzeichnenden Schlagworte. André Courrèges brachte innovative Technologien und neue Materialien in die Mode, er erfand die Gogo-Boots und auch seine Designerin Mary Quant ist aus den Londoner Swinging Sixties nicht wegzudenken. Wesentlich weiter entwickelt wurde das Konzept vom Label dann aber nicht mehr und tauchte nur noch in Revival-Kontexten wieder auf oder am Rande. Bezugnehmend auf den architektonischen Stil der Villa Noailles von Robert Mallet-Stevens hat der Art Direktor von Courrèges (und Jury-Vorsitzende) Nicolas Di Felice nun eine postmoderne Kollektion von sechzehn Designs, die Courrège-Kreation repräsentieren, vorgestellt, mit nur wenig innovativen Aspekten allerdings, und Szenograf Rémy Brière hat sie im Kreis aufgestellt und mit lautem Rhythmussound ergänzt.

Nicolas Di Felice: Géométrie d’une rencontre – Wenn Courrèges auf Noailles trifft

Achilles Ion Gabriel, Direktor von Camper, Camper Lab und eponymous (Sponsoren) und Präsident der Jury Accessoires, hat eine Art Darkroom inszeniert, also zu dunkel um zu fotografieren, mit raumhohen, dunklen Fotos von dreieckig arrangierten Zwei-Personenkonglomeraten, woraus sich ein riesiges, kaleidoskopartiges Gebilde ergibt, durch das man sich hindurchbewegen kann.

Achilles Ion Gabriel: Title of the Show.

Le19M präsentiert Exponate verschiedener Designer in einem weiteren Ausstellungsraum, jeweils Preisträger der vergangenen Jahre,  darunter Gabrielle Huguenot und Igor Dieryck. Es sind handwerklich elaborierte Werke, die in Zusammenarbeit mit Lesage (le19M) in den letzten Jahren realisiert wurden.

Gabrielle Huguenot: La femme serpent (ein Fuß im Grab, der andere ausrutschend):

Gabrielle Huguenot: Chaos en fleurs (11 Schmuckclippaare, 2024)

Christoph Rumpf: Celibacy (Jacke, Hemd und Hose Kollektion, 2020)

Igor Dieryck: Ad Fundum (2024)

Rukpong Raimaturapong: Light Life, (Hemdenkollektion 2021)

Annelie Schubert: Twinset (Mantelkollektion 2016)

Erwähnenswert ist noch die Außeninstallation von Remi Calmont und Gabriel Figueiredo (De Pino), die dieses Jahr bei einem Stipendium des art center aus Watte entstand. Eine witzige und sehr dekorative Interpretation der grandiosen Aussicht von der Villa Noailles auf die Stadt Hyères und das Mittelmeer.

Rémi Calmont und De Pino: Amuse-Bouche (Sommer 2024)

Die Kunstpräsentationen in den Gängen konnten wir leider nicht eindeutig einem Künstler zuordnen, vermutlich stehen sie im Zusammenhang mit dem Atelier des Matières:

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Text & Bilder: Gerhard Paproth

Das Festival an der Côte d’Azur ist die Pilgerstätte des Nachwuchdesigns für Mode, hier treffen die Profis, Designschüler,  Absolventen und neugieriges Publikum aufeinander, schließen Kontakte, fachsimpeln und genießen das gemeinsame Interesse in lockeren oder konstruktiven Gesprächen. Hier werden die aktuellen Trends sichtbar und Weichen gestellt.

Das Prinzip des Festivals ist wie jedes Jahr und wie schon oft hier beschrieben, aber es wird zunehmend komplexer: Mehr Sponsoren, 50 dieses Jahr, mehr ausgelobte Preise, dabei allerdings nicht mehr Publikum. In den nächsten Jahren soll das Renomme noch weiter gesteigert werden, obwohl die Veranstaltung ohnehin schon zu den besten gehört, die im Jahr an der Côte d’Azur stattfinden. Es wird nach wie vor von seinem charismatischen Gründer Jean-Pierre Blanc geleitet und ist seit langem die Quelle des Nachwuchses der französischen Modehäuser, deren großzügiges Sponsoring (besonders Chanel und le19M) sich damit bezahlt machen dürfte. Das gilt ebenso für die ausgelobten Preise von Hermès zum Beispiel oder von L’Atelier des Matières und natürlich ist auch La Fédération de la Haute Couture et de la Mode dabei, die dafür sorgt, dass der Gewinner des Hauptpreises eine kostenlose Schau auf der Pariser Fashionweek bekommt. Mit allen ausgeschriebenen Preisen (besonders deren Support-Anteil, siehe unten) haben die Gewinner die allerbesten Startchancen im Business, die man sich denken kann und selbst wer ohne Preis nach Hause fährt, hat wichtige Geschäftskontakte in der Tasche. Die Teilnahme und ein Platz unter den 10 Laureats allein ist schon die erste Stufe auf der sicheren Karriereleiter – wenn man was daraus macht.

Das Festival bietet neben den Mode- (und Foto-) Wettbewerben ein reiches Kulturprogramm mit Ausstellungen, Performances, künstlerische Installationen, Showrooms, Workshops, Lesungen, Konzerten und vielem mehr. In der integrierten Boutique kann man nebst Büchern viele originelle Designobjekte kaufen und auch Kollektionsteile vergangener Wettbewerber.

Zeit und Ort der Veranstaltung sind nach wie vor ideal, im sonnig-warmen Spätsommer und außerhalb der Modewochen gelegen, in der großzügigen Villa Noailles in Hyères les Palmiers, einem sehr gepflegten und grünen, großenteils herrschaftlichem Ort. Die vielen Touristen befinden sich angenehmerweise eher im südlichen, etwas abgetrennten Teil der Stadt, also an der Küste, aber jetzt im Oktober sind das ohnehin nicht mehr so viele und das mediterrane Ambiente entfaltet sich vorwiegend mit seinen Bewohnern im Zentrum auf das angehmste. Der „Einbruch“ des Modepublikums in diesen drei Tagen wirkt mitnichten dominant sondern eher ästhetisch bereichernd und verjüngend.

Impressionen Hyères Oktober 2024

Villa Noailles

Aus der Boutique:

Ateliers, Workshops (hier: Murmuration von le19M, Aristide x Lesage):

Lesung, Debatte (vor und im separaten Zelt):

Mit zunehmender Zahl Sponsoren werden auch mehr spezifische Preise, Kooperationsprojekte oder Materialstiftungen ausgelobt, das sind in diesem Jahr nicht wenige:

Für Mode
1. GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION
– ein Gründungsstipendium in Höhe von 20.000 Euro von Première Vision,
– ein Zuschuss von 20.000 Euro von CHANEL, für ein Gemeinschaftsprojekt mit einem oder mehreren ansässigen Kunsthäusern von 19M, die während der 40. Ausgabe des Festivals im Jahr 2025 ausgestellt werden,
– engagierte Unterstützung durch die L’Alliance du Lin et du Chanvre Européens mit insbesondere einer Materialzuteilung in europäischem Leinen für eine oder mehrere Silhouetten,
– ICICLE lädt den Gewinner zur Schaffung einer Capsule Kollektion ein,
– Madame Figaro, Medienpartnerin, wird für Sichtbarkeit und ein Editorial sorgen.
– Sterling International wird dem Gewinner Mentoring von einem Jahr anbieten, um ihn bei seinem beruflichen Projekt zu unterstützen.
2: PRIX le19M DES MÉTIERS D’ART
ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro für die Realisierung eines neuen Projekts, das nächstes Jahr gezeigt wird. Beteiligt sind elf Kunsthäuser und die Galerie des 19M mit der Förderung der künstlerischen Berufe Mode und Dekoration.
3: PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES
Materialzuwendung (matières endormies und recycled) im Wert von 10 000 Euros.
4: PRIX DE LA COLLECTION ÉCO-RESPONSABLE MERCEDES-BENZ
Stipendium in unbekannter Höhe
5: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
– Supima Design Lab Paris, offizieller Partner des Hyères Festivals, unterstützt die Finalisten des Modewettbewerbs mit SUPIMA-Gewebe. Finalisten, die Supima-Gewebe verwenden, schaut sich das Supima Design Lab in Paris an.
– Puntoseta bietet den Gewinnern die Herstellung eines Stoffes an.
– Premiere Classe als Gastgeber während der Paris Fashion Week, bietet dort einen Ort für eine Ausstellung im März, außerdem eine Marketingfläche im Oktober und  spezifisches Mentoring für Geschäftsentwicklung.
– Die Werkstatt Aymeric Le Deun, Knopfspezialist und für mit Stoff und Leder bezogene Modeaccessoires, unterstützt mit Herstellung von Knöpfen für ihre Kollektionen.
– CatwalkPictures.com bietet kostenlos Fotos anläßlich ihrer ersten Modenschau in Paris.
– Sterling International bietet Coaching vor dem Festival mit personalisierter Nachbereitung in den Monaten danach.

Für Accessoires
1: GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES
eine Projekts in Zusammenarbeit mit den Métiers d’art, im Rahmen von 20.000 Euro. Die neue Kollektion wird anlässlich des 40. Hyères Festivals im Jahr 2025in der Villa Noailles ausgestellt.
2: PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE
In diesem Jahr wird ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro vergeben für die Kreation eines Accessoires aus Leder, Schmuck oder ein Gürtel (matières dormantes).
3: PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES
Ruhm und Ehre;

sowie eine „Mention spéciale du jury“. Camper lädt den Gewinner auf seinen Hauptsitz auf Mallorca ein.

Für alle 10 Wettbewerber gilt außerdem:
ADC – Au-Delà du Cuir: Jeder Kandidat wird die Möglichkeit haben sein Projekt während einer Coaching-Sitzung mit dem Inkubator und einigen Preisträgern/ADCs zu thematisieren. Alle nehmen am Laureate/ADC-Programm teil und haben die Möglichkeit, ihre Kreationen im ADC Showroom auszustellen.

Abgesehen von Ruhm und Ehre und eventuell Geld sind alle Preise auf Hilfestellung für den Start in eine professionelle Karriere ausgerichtet, dabei gelten besonders die Capsule-Projekte für die großen Häuser als begehrenswert sowie die Teilnahme an der folgenden Fashionweek Paris. Viele ehemalige Preisträger beurteilen die Preisrealisierungen zwar recht unterschiedlich aber nicht wenige von ihnen haben damit den erfolgreichen Einstieg in die große Modemaschinerie Frankreich geschafft. Umgekehrt sichert sich die französische Modeindustrie professionell und zugleich inovativ gestaltende Jungdesigner als konkreten Nachwuchs aus aller Welt – auf dem Festival quasi à la carte.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die diversen Ausstellungen, kleine und größere, sind über den ganzen labyrinthisch verschachtelten Baukomplex der Villa verteilt und die meisten, sofern es sich nicht um den Fotografiebereich im Erdgeschoss handelt, agieren auf Schnittstellen zwischen Mode, Kunst und manchmal Fotografie. Oft sind es Installationen, die von Mode- oder Accessoiresentwürfen ausgehen und diese dann in meist surrealistische Traumwelten transferieren.

Die Ausstellungen sind bis 14. Januar 2024 geöffnet.

Dieses Jahr feiert die Villa Noailles ihren hundertsten Geburtstag und viele Fotoprints, zugeeignete Kunstwerke und Dokumentationen erstrecken sich über Treppenhäuser und Gänge. Oft sind die Kunstwerke direkt auf ihre Gründer Charles und Marie-Laure de Noailles bezogen, die wohl ambitioniertsten Kunstförderer Frankreichs des letzten Jahrhunderts.

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Die zentrale künstlerische Design-Installation, „Le Chaos“, wird dieses Jahr von Charles de Vilmorin gestaltet, einem jungen (26 Jahre alt) französischen Modedesigner, der vor drei Jahren seine erste Kollektion, unter anderem mit einer auffälligen Bomberjacke, vorstellte, was ihm ihm eine Anstellung bei Rochas für zwei Jahre als Art-Director einbrachte. Dieses Jahr ist er Präsident der Jury für Mode des Festivals, eine ungewöhnliche Entscheidung – erstaunlich für so eine noch junge Karriere in den Anfängen. „Ich betrachte meine Rolle hier mehr als Austausch als als Urteilsvermögen“, sagte de Vilmorin dazu während eines Interviews. „Es geht um eine Diskussion unter Gleichgesinnten.“ Dies rückt von der klassischen Position des erfahrenen Juryleiters ab und setzt einen Designer an die Stelle, der selbst nicht weit weg von den jungen Preisbewerbern ist.

De Vilmorins eigene Modeentwürfe sind ausgreifend barocker Natur, bestimmt von Naturelementen, Körperbemalung und Neonmakeup und manchmal voluminösen Silhouetten („Everything related to the body and movement inspires me“). Einflüsse von Popkultur wie Niki de Saint Phalle und surrealistischen Arrangements erweitern die Modeentwürfe zu kleinen Phantasmen und dekorativen Spielereien. Hart an der Grenze zu Kitsch und sehr campy macht diese Kreation aber Spass beim Umgehen: Schwäne, Rösser, Flügel und Feenzauber liegen als Gipsskulptur auf dem Boden, als Tod und Himmelssturm, umgeben von Teufel und Eros und ornamentalem Zauber. Inmitten dessen schlichte Gewänder und laute, knallbunt und poppig dekorierte Outfits an Mannequins, die die Märchenwelt des Künstlers beleben und die Mode als Teil einer größeren Fantasiewelt kennzeichnen.

Alan Crocetti ist Vorsitzender der Jury für Accessoires und Schmuckdesigner. Er gilt als der mutigste und interessanteste Schmuckdesigner der Gegenwart und ist bekannt für seine experimentellen und ungewöhnlichen, nicht geschlechtsspezifischen Kreationen im Zusammenhang mit der Anatomie, wie etwa sein berühmtes silbernes Nasenpflaster. Er wurde in Goiânia, Brasilien, geboren und wuchs in Belo Horizonte auf, wo seine Eltern ein Strumpfwarengeschäft betrieben, bevor er nach Europa zog. Sein Label gibt es seit 2014. Die Installation „Body Politics“ mit Schmuck auf nackten, künstlich-realistischen Körperoberflächen führt ebenfalls zu einer etwas übersteigerten, geradezu unheimlichen, superrealen Anmutung, ähnlich wie das die Neue Sachlichkeit (z.B. Christian Schad) schon in den 20er Jahren und später, noch extremer, der Hyperrealismus zu evozieren suchten.

Der Frontmann des Labels Pigalle, Stéphane Ashpool, wurde zum künstlerischen Leiter und leitenden Designer der Olympischen Spiele in Paris 2024 ernannt, der zusammen mit Le Coq Sportif arbeiten wird, um die französischen Teams zu kleiden. Dabei geht es um die Herausforderung, (französische) Tradition und Moderne harmonisch in Einklang bringen. Ashpool sucht dafür einen subtil ausgewogenen Gestaltungsweg, farblich, formal und mit pfiffigen Akzenten, und dieser Raum zeigt Zwischenergebnisse, er soll quasi ein Eintauchen in diesen Entwicklungsprozesses ermöglichen, mit Zeichnungen, Proben, Versuchen, Material-, Schnitt- und Farbexperimenten.

Eine kleine Installation zeigt die neuen Arbeiten des letzten Preisträgers des le19M Métiers d’Art Preises Valentin Lessner. Der mit Chanel verbundenen Organisation le19M Métiers d’Art gehören die 10 wichtigsten französischen Kunsthandwerksunternehmen der Mode an; der Preis von 20.000 Euro ging zusammen mit einem Gestaltungsprojekt mit einem der beteiligten Häuser nach Wahl, das wir hier sehen.

Eine recht originelle Installation ist der „Salon de Musique“ des Ehepaares Marie-Laure und Charles Noailles. Die Instrumente haben sich einer künstlerischen Metamorphose unterzogen und die anwesenden Personen auch. Musik verkehrt sich ins Surreal-Optische.

Aus der Ausstellung zu 100 Jahre Villa Noailles:

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Bilder und Text: Gerhard Paproth *

Das Ambiente der Veranstaltung ist wie jedes Jahr: entspannt und höchst ambitioniert zugleich, lässig und doch ästhetisch sehr anspruchsvoll. Im schönen Rahmen der Côtes d’Azur, wo Palmen, üppige Botanik und kultivierte Architektur die Stadt Hyères prägen. Hinten, auf dem Berg, liegt die Villa Noailles, die dieses Jahr ihr hundertjähriges Jubiläum feiert und nach wie vor in ihrer Großzügigkeit und Geschichtsträchtigkeit die optimale Location für das Festival de Mode, de Photographie et d’Accessoires bietet. Der Spätsommer ist eigentlich Hochsommer, das Festival eher ein Ausstellungskonglomerat zur jungen Mode der Gegenwart (und Fotografie) und das Publikum ist zwar attraktiv aber alles andere als hochtrabend exclusiv (was für Frankreich schon etwas heißen will). Abgesehen von den unzähligen Mercedes-VIP-Shuttles wird das Exklusive zumindestens sehr diskret gehandhabt.

Hinzu kommen diverse Veranstaltungen in der Stadt, die auch jetzt, Mitte Oktober, den typischen Côtes d’Azur-Flair hat, gepflegt, sommerlich, üppig grün und mit Palmen überall (die Stadt wird auch Hyères-les-Palmiers genannt). Mit typisch südfranzösischer Mischung aus liebevoll arrangierten Schaufenstern, anspruchsvollen Lebensmittelgeschäften, vielen kleinen Plätzen und Parkanlagen, schönen Bauten aus dem frühen 20. Jahrhundert, gedämpftem Straßenverkehr, reizenden Café- und Restaurantterrassen und trotzdem steter, behutsamer und kultivierter Modernisierung.

Die Villa Noailles erreicht man am besten mit der für das Festival eingerichteten, leicht chaotischen Shuttleverbindung oder als etwas anstrengende Fußwanderung bergauf. Sie hat und ist eine eigene kleine aber üppige und gepflegte Parkanlage, das Grün setzt sich auf ihren vielen, gestuften Dachterrassen fort bis es fast in das Gebäude dringt. Das Draußen und das Drinnen gehen stets ineinander über und man bewegt sich auch in diesem ständigen Wechsel, bis man das gar nicht mehr merkt.

Und natürlich ist der Blick von dort auf die Stadt mit dem Meer dahinter und dem strahlenden Himmel darüber gigantisch.

Neugierige Anwohner, Modestudenten, Fachleute aus der Modeindustrie, Presse, Influencer, Touristen, Modetouristen, Künstler und andere Kulturschaffende flanieren an den drei Tagen von morgens bis abends durch die vielfältigen Präsentationen und das umfangreiche Programm. Das besteht neben den diversen Ausstellungen aus Vorträgen, Workshops, Schauen, Preisverleihungen, Performances, historischen Dokumentationen (z.B. 100 Jahre Villa Noailles) und Kommunikationspunkten für Insider und Interessierte. Dazu eine originelle Designboutique mit sehr ungewöhnlichem Angebot, stilistisch harmonisch mit allem anderen verknüpft.

Aus der Boutique:

Performance:

Ateliers, Workshops:

Ausstellungen:

Zentraler Bestandteil des Festivals sind die ausgelobten Preise, um die sich das meiste dreht. Das sind, für Mode, dieses Jahr:
le GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION,
le prix LE 19M DES MÈTIERS D’ART,
le PRIX DE LA COLLECTION ECO-RESPONSABLE MERCEDES BENZ und
le PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES
und für Accessoires
le GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES und
le PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE.
Dazu kommen weitere Ausstattungs- und Unterstützungspreise und „mentions“. Die Jurys sind prominent und kompetent besetzt, darunter ist auch stets der Gewinner des Vorjahreswettbewerbs. Es gibt auch für beide Abteilungen einen Publikumspreis.

Das Festival wird hochrangig und großzügig gesponsort, von diversen Unternehmen der Branche, wesentlich aber von Chanel. Nicht ganz ohne Eigeninteresse, welches in diesem Fall nicht Werbewirksamkeit bedeutet, sondern eine optimale Nachwuchssuche gewährleistet. Um den erlesenen Nachwuchs geht es eigentlich wesentlich, denn einerseits repräsentiert er das aktuelle ideelle Mode-Terrain (von morgen), andererseits wird er durch gewisse Veranstaltungsschwerpunkte auch in ideelle Gegenwartspositionen eingebunden (dieses Jahr besonders Nachhaltigkeit). Insofern bietet das Festival schon prägnant State of the Art der Mode, auf anderer Ebene als Fashionweeks, wo vielerlei andere Interessen hinzu kommen. Es ist es die einzige Nachwuchsförderungsveranstaltung für Modedesign auf diesem Niveau weltweit.

* Titelbild ist das offizielle Poster des Festivals

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Positions Art Fair feierte dieses Jahr ihr 10. Jubiläum und das vierte Mal ist die „Fashion Positions“ angeschlossen. Anfänglich wurden die Modedesigner eingeladen, weil so viele Formate wegen Corona Shutdowns hatten, mittlerweile hat das Miteinander zu einer sehr spannenden Präsentation der künstlerischen Sicht von Modedesignern und -designerinnen gefunden.

Nicht zuletzt dank einer sehr ambitionierten Kuratierung von Esther Perbandt und Fiona Bennett dieses Jahr. Besonders die Vorzeigedesignerin Berlins, Esther Perbandt, erweist sich dafür als sehr kompetent, denn sie agiert selbst schon immer sehr gern in allen künstlerischen Gefilden der exzentrischen Stadt und erprobt die eigene Gestaltungslust stets auch jenseits der kommerziellen Interessen.
21 Modedesigner und -designerinnen waren eingeladen, ihre kunstaffinen Statements zu präsentieren und dabei die nachvollziehbaren Berührungspunkte mit freiem Kunstschaffen aufzudecken. Sehr viele Positionen wurden gut herausgearbeitet und auch durch jeweils einführende Texte interessant kommentiert (allerdings nur englisch).

Die Schnittstellen zwischen jungem Modedesign und freier Kunst finden sich auf sehr verschiedenen Ebenen und in unterschiedlichen Perspektiven, sei es da, wo die Lebensrealität das gestalterische Schaffen thematisiert (zum Beispiel Krieg bei Dzhus) oder auch da, wo Gestaltungsprozesse und innere Strukturen in der Bildenden Kunst, Architektur oder visuellen Medien dazu inspirieren, das eigene Vorgehen in der kreativen Textilgestaltung darauf zu beziehen (zum Beispiel Brachmann). Darüber hinaus gibt es viele weitere Schnittstellen, oft gerade da, wo Mode nicht nur eine ästhetische Aussage treffen will, sondern auch eine Aussage im Sinne des Zeitgeistes anstrebt, also sich als Botschafterin gesellschaftlicher Ideen versteht (zum Beispiel Jenny Haas).

Gesellschaftlich Position beziehen

Angesichts der vielfältigen Problemlagen unserer Gegenwart sieht sich Mode heute bemüßigt, auch mit Aussagen Positionen zu beziehen. Das hat mit gesellschaftlicher Kritik an dem schnellen und unökologischen Modegeschäft angefangen und reicht heute über Nachhaltigkeitsverpflichtungen und inzwischen auch Genderfragen weit hinaus. Gesellschaftliche Positionierungen werden via Mode auf den Konsumenten projiziert und umgekehrt wird von ihm auch offensichtlicher Positionierungswille erwartet. Entsprechende Slogans auf T-Shirts gedruckt machten den Anfang, inzwischen ist die ganze (junge) Modeindustrie mehr und mehr darauf ausgerichtet.

Die Frage, warum nun die Modeindustrie sich in gesellschaftspolitische Debatten einmischt, kann auch damit beantwortet werden, dass schon die Mode-Studiengänge glauben, gesellschaftskritischer Stellungnahme im Studium großen Raum einrichten zu müssen. Und natürlich setzt dies sich in der zeitgemäßen Forderung fort, alles gesellschaftliche Tun auch moralisch und soziokulturell zu positionieren – eben auch in der Modegestaltung.
Damit wird Modemachen gewissermassen politisiert: Die gesuchte Zeitgeistigkeit kreativen Modegestaltens wird nicht mehr nur über rein ästhetische Idealismen formuliert, sondern zunehmend mit kommentierenden, konkreten Begriffen bzw. Schlagworten leicht verständlich aufgefüllt (oder sogar ersetzt). Damur ist ein gutes Beispiel dafür. Das kann auch der mitgelieferte Begriff „nachhaltig“ sein. Ob so allerdings Mode tatsächlich mit Sinnstiftung oder Bedeutung aufgefüllt wird, was ihrem eigentlichen Wesen ja widerspricht, bleibt vorerst dahingestellt. Zunächst ist es wohl eher eine Verschiebung der Codes, eine (ersehnte) Transzendenz der Erscheinungsbilder ergibt sich daraus eben nur scheinbar. Aber genau die soll Mode in die Nähe von Kunst rücken.

Die Infragestellung ästhetischer Relevanz

Reines Art pour Art hat im Kontext der jungen Modeszene eigentlich nicht mehr viel zu suchen und insofern beschleunigt das natürlich auch die abnehmende Relevanz ästhetischer Maßstäbe im Sinne dessen, ob etwas einfach nur hinreißend aussieht, besonders elegant daherkommt oder vielleicht ein pfiffiger Streich in Sachen Sexyness ist. Solche Kriterien sind mehr oder weniger außer Kraft gesetzt beziehungsweise dürfen oft nur noch am Rande der Chicness der Schlagworte ihre Wirkung hinzufügen.

Aber das  Problem der Aufgabenverortung im gesellschaftlichen Leben stellt sich nicht allein in der Mode, die vorher vorwiegend sinnlich mit Geschmacksargumenten arbeiten musste.  Auch die Bildende Kunst riskiert es, teilweise die Bedeutung ästhetischer Wahrnehmung einzubüßen, wenn sie beispielsweise Themen wie soziale Ungerechtigkeit, Feminismus, Krieg, Klima- und Naturkatastrophen als Spiegel gegenwärtiger Lebensrealitäten und der heutigen Zeit zugrunde legt oder über den Schöpfungsprozess stülpt. Kurz: es geht in der jungen Mode (und oft in der Kunst) momentan nicht darum, die Welt schöner zu machen, sondern besser. Inwieweit diese Art Chic erfolgversprechend ist, bleibt abzuwarten. Jedenfalls ist es in der Zusammenschau eine neue und bemerkenswerte Schnittstelle, wenn auch nicht die einzige.

Digitalisierung und andere Schnittstellen

Gleichzeitig spielt die durchdringende Digitalisierung eine nicht zu unterschätzende Rolle in allen künstlerischen Bereichen, sowohl in angewandten Verfahrensprozessen als auch als Thema. Blicke auf die Zukunft und digitale Innovationen tauchen als Faszinosum und Experimentierfeld auf und auch hier – zumindestens in der Mode – müssen ästhetische Belange erst einmal zurückstehen. Immerhin sind die Erwartungen ästhetischer Erfahrung an Bildende Kunst dabei noch vergleichsweise hoch gesteckt.

Andere Schnittstellen, wie zum Beispiel das Skulpturale oder auch die Zeichnung, folgen ganz klassischen Gestaltungsmotivationen. Das sind oft sehr spannende Auseinandersetzungen, sinnlich, prozessual und manchmal nur auf rein formaler Ebene. In Sachen Konnotation verhält es sich umgekehrt: Symbolische Aussagemomente der Bildenden Kunst werden leicht als (scheinbar ausreichende) künstlerische Aussagemittel für sich genommen und damit oft von Designern abflachend mißverstanden und inflationär eingesetzt, um Sinnstiftung zu demonstrieren. Man findet leider mehrere Beispiele dafür in der Ausstellung.

Fragwürdiges Kunstverständnis

Was die Nutzung medialer Präsentation betrifft, droht die Vergleichbarkeit zwischen Kunst und Mode ebenso schnell fragwürdig zu werden. Die reine Übernahme eines künstlerischen Mediums macht die Darstellung noch nicht zu Kunst. War die Installation einst ein Medium der Bildenden Kunst – mit der Einführung des realen Raumes -, gilt sie hier per se als künstlerisch. Es bleibt aber durchaus offen, ob eine Installation mit Modeelementen, Fotos und symbolischen Objekten schon eine kunstidentische Darstellung ist. Diese Unterstellung erweist sich an vielen Stellen als besonders problematisch.

Es ist ein großer Verdienst der Kuratorinnen, eine breitere Palette abzubilden, als diese kritisch beschriebenen Aspekte – wie die nachfolgenden Erkundungen im Einzelnen deutlich machen. Leider zeigt das kleine Begleitheft zur Positions die Komplexität der künstlerischen Modepositionierungen nicht sehr kompetent auf. Hier gibt es statt der Allgemeinplätze noch Ergänzungsbedarf bei den künftigen Fashion Positions. Ein sympathisches Interview mit Danny Reinke ist da wenig stellvertretend für den inhaltlichen beziehungsweise künstlerischen Anspruch der Sektion, der ja durchaus vielschichtig ist und mit vielen tollen Beispielen auch überzeugt.

Die ausstellenden Modedesigner

BRACHMANN: Zeichnungen von den Capsule Collections „Cube“ and „Skins„.

Die Designerin Jennifer Brachmann hat außer Mode auch Architektur studiert und ist dem Bereich nach wie vor sehr verbunden. Sie sieht ihr Modedesign als gleichberechtigte Kunstform wie Architektur, Industriedesign oder Malerei ganz im Sinne der Bauhausphilosophie und entsprechend legt sie ihre Gestaltungskunst an und aus. Nicht die Trennung der Eigenheiten sondern den Zusammenhang mit den anderen Fachbereichen will sie aufdecken und so sind die aktuellen Zeichnungen mit der Durchdringung von Mode und Architektur grundlegendes Statement ihres Verständnisses und auch ihres gestalterischen Vorgehens. Sie sieht Architektur und Kleidung als jeweils eine Haut des Menschen, in der er lebt und die ihre Gestaltung ihm zueignet.

Bauhaus-Minimalismus prägt noch immer ihr Credo und die Grundlage ihrer puristischen Eleganz.

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KAREN JESSEN: „Liquid Bloom 2023„. Installation, Skulptur, tragbare Kleidung, neu erfundene Häkeltischdecke.

Handwerkskunst prägt die Arbeit der Designerin grundlegend und die Lust an skulpturaler Kreation führt sie ebenso in abstrakte Dimensionen wie Bildhauerei. Dabei entwickeln die subtilen Material-Gespinste in ihrer Leichtigkeit bewegte und anmutige Formen, die sowohl wie digitale Träumereien sich in und durch den Raum bewegen als auch (als tragbare Kleidung) den menschlichen Körper umschmeicheln können.
Karen Jessens Mode besteht aus Upcycling, hier verwandelte Tischdecken-Elemente.

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CRUBA: „Trash on Snow„, 2023. Videoinstallation. Holz, Papier, Bio Zellulose.

Mira von der Osten überführt den Modeprint auf Stoff in eine mediale Vision, wo aufprojizierte, bewegte und wechselnde Elemente die Oberfläche zu träumerischem Leben verwandeln. Chaotisch auftauchende und verschwindende Trash- und Körper-Fragmente („auf schwarzem Schnee“) suggerieren kreative Erscheinungsverwandlungen auf und in der Oberfläche des Textils.

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DAMUR: „77 lucky charms for 77 people„. Schuhe, Pflanzen, Textilien.

Shih-Sun Huang liegt neben der inclusiven Einebnung von sexuellen, kulturellen und auch modespezifischen Unterschieden die weitestgehende Gleichstellung von Allem am Herzen – insofern sind auch Kunst und Mode für ihn keine verschiedenen Aktionsfelder. Ästhetische Kategorien hält er für längst überholte Perspektiven:  ideele Statements prägen als Symbole die Essenz aller Erscheinungen. Der Formulierung dieser Wahrnehmung gilt sein gestalterisches Interesse, auch in der Mode. In seiner Installation stehen die Schuhe als Träger des öffentlich Erlebten am Tage und die Zimmerpflanzen für  häusliches Leben, alles fügt sich irgendwie zu einem offenen Tableau des (Er-)Lebens.

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DANNY REINKE x MANUELA KARIN KRAUT: „Lustgarden“ 2023.

Danny Reinke entnimmt gelegentlich aus der Bildenden Kunst Motivelemente für seine Musterprints. Größere Nähe zu Gegenwartskunst hatte seine Kollektionsschau auf der Fashionweek ss23 Berlin: Hier gab er der Künstlerin Manuela Karin Knaut kooperative Gelegenheit für eine Live-Performance, wo sie ein Recycling-Brautkleid auf dem Laufsteg bemalte. Die Installation verweist aber auch auf den starken Naturbezug, mit dem seine Modekollektionen entstehen.

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DEAD WHITE MEN’S CLOTHES: „DWMC No. 267 – No. 287„, 2023. Installation.

Jojo Gronostay hat Ghanaesische Wurzeln und lebt und arbeitet in Wien. Sein Label ist ein Kunstprojekt und Modemarke zugleich und beschäftigt sich mit den Mechanismen interkulturellen, -ökonomischen und -politischen Austausches. Indem er ausrangierte Kleidung aus dem Westen auf Ghanaesischen Märkten aufkauft, neu manipuliert und auf dem westlichen Modemarkt verkauft, kehrt er das Dominanzgefüge um.
Die Videoinstallation zeigt ein Fußballspiel, aufgenommen in seiner Heimat Accra und die Tricots der Spieler sind mit Überdrucken hin- und hermanipulierte Spielkleidung europäischer Clubs. Die Wechselbeziehung von Kleidung als Ausdruck einer Machtkonstellation dominanter Kultur zu einer aneignenden wird hier im politisch-künstlerischen Sinne hinterfragt und neu formuliert.

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DZHUS: „Thesaurus„, Collection 2023.

Irina Dzhus ist Ukrainerin und ging mit Kriegsausbruch in den Westen. Der Krieg hat in der Selbstreflexion eine Neubewertung tradierter Selbstverständlichkeiten ausgelöst und die Grundlagen der Modegestaltung neu und ganz anders positioniert. Nicht nur die inzwischen berühmte Multifunktionalität ihrer Kleidungsstücke rückt ihre Arbeit in den Bereich Konzept-Art, sondern auch die skulpturale und manchmal quasi dialektische Ästhetik sowie das Referentielle der Materialien.

Thematisch geht es Dzhus auch um Gender-Dresscodes, die sie auflösen und durch einen egal-archetypischen ersetzen will; dem folgt auch die ästhetische Klarheit, welche auch die originellen und verspielt-witzigen Einfälle dominiert.

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ESTHER PERBANDT: „curse and blessing„, 2-teilige Installation mit künstlichem Haar und Schuhen auf Holzblock.

Die fragile Kopfputzkonstruktion aus schwarzem Kunsthaar schwebt frei in der Höhe und die mit goldenen Nägeln auf einem schweren Holzblock befestigten Schuhe drücken auf den Boden. Der freie Raum dazwischen steht für die Lücke zwischen Utopie und Realität. Perbandt versteht sich als visionäre Performerin und Künstlerin, wobei ihre Mode, die sie oft in installativen Arrangements präsentiert (zuletzt auf der Fashinweek Berlin ss 2024), als ein Teil der ästhetischen Konstrukte verstanden werden soll.

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FADE OUT LABEL: „You Wear What You Are„, 2023. Upcycled Jeans, Macro Pailletten aus Tomatendosen, Wegwerfmaterialien

Das Victoria&Albert Museum beschreibt in einer Publikation Andrea Bonfinis Label als die innovativste  Patchwork-Marke der Gegenwartsmode und seine Arbeiten finden sich auch in diversen Kunstgalerien. Die rein abstrahierende Präsentation der mosaikförmlich zusammengefügten Denim-Stofffelder entwickelt eine selbständige formalästhetische Qualität, die auf Kleidungsstücke übertragen wird, so dass quasi getragene Kunst daraus wird. Hinzu tritt die Eigenschaft des gelebten und symbolischen Charakters (Rock-Rebellion) des Jeansstoffes, die die Objekte auflädt.

Inspiriert ist die Arbeit von der Dada-Künstlerin Elsa von Freytag Loringhoven (1874-1924) , die unter anderem Wegwerfkunst als Bekleidung entwarf.

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FIONA BENNETT: „Two Souls. One Hat„. 2023. Filz, Stroh, Seide, Papier.
Tales of a Travelling Milliner, Chapter 3, Justine Lauefer.

Die Hutmacherin Fiona Bennett versteht ihre Kopfbedeckungen auch als symbolische Objekte (Stichwort „unter einen Hut bringen“) und in dieser interaktiven Installation sollen sich zwei Menschen unter einem Hut verbinden. Gemeinsam mit Justine Lauefer, Fotografin, entwickelt Bennett Visualisierungen von Begegnungen, bei denen Kopfbedeckungen dann die Rolle eines „Storytelling“ einnehmen. Mit der symbolischen Funktion von Kleidung und der interaktiven Präsentation in diesem Sinne repräsentiert der Sinn von Mode aus dieser Sicht eine übergeordnete, quasiphilosophische Ebene. Mit den dadaähnlichen Fotocollagen werden weitere Bezüge zu Kunst angedeutet.

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THE OTHER GODS: „Gaia – an Ode to Earth’s Spirit„. 2022/23. Leinen Wolle, Baumwolle, Pailetten.

Einen mobilen Tempel als Ode an Mutter Erde und Natur, mit Aura und Evokation höheren Bewußtseins, haben die Textilkünstler Lena Voutta und Thoas Lindner gefertigt. Das handwerkliche Gebilde aus textilem Baumaterial, das eher behausende Kleidung assoziiert, und sein archetypisches Raumkonstrukt verbinden hier im spirituellen Leitmotiv Mode und Kunst.

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ISABELLA RUDZKI

Isabella Rudzki gehört zu den wenigen Kunstschaffenden, die sich gerne in allen medialen Ausdrucksformen bewegen und Mode und Schmuck gehören wie selbstverständlich auch dazu. Der Mensch und sein Körper stehen im Zentrum der Ideen, die physische Nonkonformität des Individuums und die Sensibilität der Mensch-Welt-Beziehungen sind Gegenstand ihrer umfassenden Auseinandersetzungen. Dem Körper, als Behausung von Geist und Seele verstehend, sind Normen, Gleichberechtigung, Lebensumstände, soziale Beziehungen und zeitgenössische Bilder davon inhärent – nicht zuletzt die existenziellen Grundlagen und Erfahrungen der Gegenwart. Mythen  aus der Vergangenheit interessieren Rudzki auch, denn die kreisten schon um dasselbe.

Mode und Schmuck für den Körper können als eine Facette, sich mit der Wesenheit Mensch zu beschäftigen, verstanden werden und dann liegt hier die Schnittstelle mit Bildender Kunst in demselben Leitinteresse.

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JENNY HAAS: „Be Lilith Not Eve„. 2023. Materialmix.

Jenny Haas‚ Label gibt es seit diesem Jahr und sie sieht sich damit inhaltlich sozialen Fragen und besonders dem Feminismus stark verpflichtet. Gleichzeitig testet sie die Grenzen zwischen künstlerischer Botschaft und tragbarer Mode und diese Installation mit Elementen ihrer Master-Kollektion will davon Zeugnis ablegen. Mit einer etwas eigen ausgelegten Vorstellung vom Lilithmythos aus der talmudischen Überlieferung (Adams erste Frau, geheimnisvoll, verführerisch und zugleich unheildrohend), führt die Jungdesignerin in einer erzählerischen, ideell geprägten Material-, Objekt- und Bildcollage mit symbolischem Brautkleid angesagte Slogans („be xxx!“, „My dress is not a Yes!“) vor, die Frauen aufrufen sollen, ihr Selbstbild vom Patriarchat zu befreien und emanzipiert neu zu bestimmen. Damit liegt frau ja immer richtig. Die kreative Vielseitigkeit gestalterischer und handwerklicher Darstellungsformen kann hier als junger, künstlerischer Impuls verstanden werden.

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Vera KOCHUBEY: „Magicians Dream„. 2023, Installation.

Im Kontrast zum Grau ihres Heimatlandes (geboren in der UdSSR) findet Vera Kochubey eine künstlerische Alternative mit farbenfrohen, lebensbejahenden Motiven, die der Pop-Art der 80er Jahre entspringen und bei ihr als Gemälde oder Prints sowohl auf Leinwand als auch auf Kleidung  und Objekten erscheinen. Camp in Reinform und wie er Spass macht und ähnlich wie man ihn zum Beispiel auch bei dem Berliner Künstler Kiddy Citny findet.

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LAURA OBST: „A Game of Dualities“. 2023, Steinpaste, Bauschaum, Karton, Lack.

Mit ihren Modeentwürfen (Material ist vorzugsweise gebrauchtes Leder) sucht die junge Master-Aspirantin von der Kunsthochschule Berlin Weißensse ihre Verbundenheit mit der Natur auszudrücken. Die Rauheit und Strukturen von Stein und die Grandiosität von Bergen sind besonders kraftvolle Motive, die sowohl die Oberflächen wie die skulpturalen Formen ihrer Darstellungen beziehungsweise Entwürfe prägen und die als gestalterisches Kraftfeld sowohl für sich stehen als auch in bildhauerisch geprägter, abstrakt-modischer Stoffkonstruktion formuliert werden.

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PUGNAT: „Unstrickbar & Pieces – autumn/winter 23/24„, 2023. Zeichnung auf Papier, handgestricktes Kaschmir.

Antja Pugnat entwickelt beim Stricken genau wie beim Zeichnen Gebilde, die während des Tuns entstehen. Ab einem bestimmten Punkt notiert sie die experimentellen Stichkombinationen ähnlich wie ein Komponist seine entstehende Musik.
Den Prozess des Zeichnens und den des Strickens versteht sie als gleich.

Gleichwohl geht die Zeichnung mit ihren gestischen Möglichkeiten und ihrer frei-autonomen Linie über die Grenzen einer gestrickten Konstruktion hinaus. Die hier gezeigte Arbeit bezeichnet Pugnat entsprechend als „unstrickbare“ Entwürfe.

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SIRÉE SOLAN: „Asphyxia„, 2020. Gips, Alginat, Stoff, Schaufensterfigur.

Die Installation illustriert Darstellungen aus Dantes „Göttlicher Komödie“. Mode, Theater und Skulptur werden hier medial verknüpft, um ein künstlerisches Idealwerk der italienischen Frührenaissance zu versinnbildlichen und in die Moderne zu transferieren. Die Kleidung erhebt sich aus den rettungsuchenden Händen des höllischen Infernos und wird zu einem skulpturalen Gebilde (Vergil), das über sich hinaus wächst und damit eine höhere Authenzität erreicht. Die Kleidungsentwürfe transzendieren die kulturelle Erfahrung und das Erleben ihres Lebenswegs, wie die Designerin selbst erklärt.

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STEFAN UHR: „Babiosch Bojka – Uhraufführung“ 2023. Installation. Organisches Popeline auf Leinwand, Holz, Bügel, Bluse, Kleid, bestickter Holzrahmen.

Stefan Uhr studierte Kunstgeschichte vor Modedesign, das repräsentiert seine vielseitigen künstlerischen Interessen – Popkultur, Mode, moderne Kunst. Babiosch Bojka (schlesisch) bezeichnet laut Ausstellungstext „das Märchen über den femininen Mann“. Uhr reflektiert damit Genderproblematiken und indem er seine Kleiderentwürfe von geschlechtsspezifischen Models befreit, stellt er sie nicht nur frei, sondern heftet sie auf eine Leinwand, um die ästhetische Aura an sich zu zeigen, ohne geschlechtlichen Bezug. Doch damit nicht genug, das Weitere ist viel spannender.

Uhr beläßt die Präsentation nicht nur als „Kunstbild“ sondern formt das aufgeheftete Objekt prägnant neu und gestaltet die Untergrundfläche wie das aufgetragene, abstrakte Blusenmuster. Dekoration und Malerisches kommen damit zur Deckungsgleichheit, das ist der eine Aspekt, der andere stellt den skulpturalen Reiz des (plastisch ausgeformten) Kleidungsobjektes gegenüber der Fläche heraus. Es erscheint wie ein Wahrnehmungsspiel zwischen Malerei, Plastik und Modekleidung.

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THE HUMAN TOUCH (Juliet Seger): „Installation„. 2023. Textilfarbe auf Baumwolle, Polyesterfaden, synthetische Knöpfe, Metallbügel, Nägel und Nadeln, Nähmaschine, Hohlblöcke, Digitaldruck auf Karton.

Die Labelgründerin Juliet Seger beschäftigt sich mit menschlicher Arbeit bei der Herstellung von Kleidung und dem aktuellen Einfluss, den der digitale Wandel moderner Industrie auf die Produktion hat. Sie versteht Nähtechnologie als eine soziale Technologie, die den „Human Touch“ vermittelt. Mit „Paint-Sewing“, also „malendes Nähen“, bei dem die in Farbe getauchten Finger beim Arbeiten Spuren auf dem Objekt hinterlassen (und auch auf der Maschine), macht sie das Handwerkliche sichtbar und  drei der Hemdfragmente an der Wand zeigen dies, bei dem vierten, weißen, bleiben die Fingerspuren (ohne Farbe) unsichtbar.  Ähnlichkeiten der drei Erscheinungsbilder kennzeichnen die Massenproduktion. Die komplette Fertigstellung eines Hemdes ist nur von Hand möglich, ein Exemplar wird auch gezeigt.

Das scheinbar Aleatorische der Farbspuren verselbständigt sich zu einer ästhetischen Anmutung, die nur durch den handwerklichen Prozess entstehen kann und denselben damit gewissermaßen adelt. Erst die Kenntnis dieses demonstrativen Verfahrens enthüllt die didaktische Botschaft dahinter.

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INGRATO: „Babel: The Lockdown Collection„. 2023. Wolle, Metall, Steine, Video.

Sebastián Plaza Kutzbach alias Ingrato ist ein Textilartist aus Chile, der sich von der Aussagekraft symbolischer Darstellung angezogen fühlt. Die Installation zeigt Elemente seiner während des Lockdowns gezeigten Babylon Fashion Show: ein mit dem Jokerkartenmotiv versehener Sweater auf einem Metallgerüst, drei gestrickte Teufelsmasken sowie ein Videoscreen dazwischen, auf dem die Show gezeigt wird. Während der Lockdown allgemein eher für Chaos, Gefangenschaft und Entwurzelung steht, sieht Ingrato diesen unter dem Aspekt „Babylon“ ins Positive gewendet, nämlich als Fähigkeit zu Inspiration, Anpassung und Improvisation – also als Essenz kreativen und künstlerischen Tuns.

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VICTORIA ROST: „Object Oriented„. Kollektion 2022. Neue Wolle, Schaum.

Die Modedesignerin beschäftigt sich mit reinen Formen und der Frage, ab wann diese als Kleidung tragbar sind. Also der Unterscheidung von (Skulptur-)Objekt und Kleidung. Welchen Effekt hat die Auflösung der entsprechenden Grenzen? Mit neuen Formen, Funktionen und Volumen werden Kleidung neue Parameter der Wahrnehmung zugeteilt, die sich eher auf der Ebene des Künstlerisch-Abstrakten vollzieht und Fashiondesign ästhetisch neu und rein formalistisch befragt.

Dies rettet 100 Jahre alte Basisüberlegungen in die Gegenwart, denn es knüpft an Oskar Schlemmers ähnlich gedachtes Bauhausballett an, auch die Modeabteilung des bauhauses und die russischen Konstruktivisten der 1920er Jahre konzipierten Modeentwürfe vergleichbar.

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Das Konzept von Victoria Rost und der Bezug zum Beispiel zu den russischen Konstruktivisten (z.B. Ljubow Popowa und Warwara Stepanowa) zeigt auch, dass Mode und Kunst nicht zum ersten Mal Schnittstellen ausloten und nutzen. Der Gedanke hat seitdem unter anderen mit Yves Saint Laurent, Jil Sander oder Stella McCartney eine Fortsetzung gefunden, zumindestens in den formalen Zugriffen. Und auch Überlegungen zu funktionalen und industriellen Perspektiven sind nicht ganz neu, wenn auch diese früher eher industrie-fortschrittlich ausgerichtet waren, was heute zu Recht ganz gegensätzlich infrage gestellt wird. Gesellschaftlich revolutionär waren sie immerhin auch, schon insofern, als die Identität von Kunst und Design behauptet und gelebt wurde, sogar als soziales Konstrukt (welches dann allerdings im Gang der Geschichte scheiterte). Dieser Ansatz liegt vielen Designern offenbar wieder sehr am Herzen.

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Aus der Sektion Positions, umgekehrte Bezugnahmen

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Liegestuhl-Installation des Veranstalters (interaktiv):

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Angesichts des Umstands, dass die zentralen Schauen der Fashionweek in die frisch renovierten Kantgaragen gelegt worden sind, war es für den Berliner Salon wohl opportun, daselbst auch seine aktuelle Präsentation relevanter Gegenwartsdesigner aus dem deutschsprachigen Raum einzurichten. So sorgfältig die historischen Kantgaragen nun auch renoviert sind, dass da sogar das Stilwerk eingezogen ist, so parkhausmäßig sind die offenen, niedrigen Räumlichkeiten doch verblieben. Denkmalschutzmäßig aufgefrischt und andere Nutzung ermöglichend.

Der Berliner Salon ist ja nun mehrmals in verschiedenste Architekturkonstellationen gezogen und hat daraus jeweils viel Gewinn und auch Verlust für das Repräsentative gezogen. Der zweite Faktor, der dazu kam, war die mehr oder weniger liebevolle Auswahl und Präsentation der Modebeispiele. Nachdem schon einige Abstriche nach dem Auszug aus dem Kronprinzenpalais hinzunehmen waren, überraschte letzte Saison ein tolles Konzept für die Inszenierung (wir berichteten), es schien wieder aufwärts zu gehen. Aber jetzt im Parkhaus war kaum Inszenierung wahrzunehmen, unmerklich geordnet standen die Kleiderständer mit Designer-Beschriftung im großen Raum herum, ergänzt mehr oder weniger unvorteilhaft mit jeweils einer eigenen Leuchte, das wars. Soweit nüchtern, bestenfalls sachlich und kritisch betrachtet enttäuschend.

Nicht enttäuschend waren dagegen die Exponate selbst, stellvertretend und aussagestark ausgesucht und sehr prägnant in der individuellen ästhetischen Philosophie. Ungewohnt und erfreulich dazu vorwiegend neue Teilnehmer, insgesamt etwa 47, die „üblichen Kandidaten“ blieben bis auf wenige unberücksichtigt. Damit wird auch schon der frische Wind, der auch aus dem wieder größeren Fashionweekprogramm erkennbar wird, hier schon vorgestellt. Und der ist auch sehr überzeugend, denn es gibt offensichtlich wieder viele noch kaum bekannte Designer mit sehr attraktiven Modevorstellungen. Wenn es die Berliner Fashionweek, nunmehr ohne Mercedes Benz als einflußreichem Hauptsponsor, gelingt, ein neues Konzept mit jungen und ungewöhnlichen Designern zu programmieren, hat sie der internationalen Fashionweek-Aktivität etwas voraus, nämlich die wirkliche Innovation aus den jungen Ateliers heraus. Dann besteht die Chance, dass die internationale Modewelt aufmerksam nach Berlin schaut.

Einen Abschnitt der Ausstellung bildete die Gruppe der vier ukrainischen Designer (DZHUS, Jean Gritsfeldt, Bobkova, Litkovska), die auf der Fashionweek auch Schauen bestreiten. Und da zeigt die konzentrierte Präsentation schon sehr verschiedene Gestaltungskonzepte, mit der Prägung durch die aktuelle Kriegssituation und dem eigentlichen Selbstverständnis des Landes. Gegenwartsverortung auf künstlerischer Ebene sozusagen.

Karen Jessen:

Juliana Maurer:

Working Title:

Lani Lees:

Jean Gritsfeldt:

DZHUS:

PB0110:

Litkovska:

Bobkova:

Maryam Keyhani:

Avenir:

Stiebich & Rieth:

Fade Out Label:

Konrad:

Oftt:

Vaust Studio:

Julia Leifert:

Christian Metzner Brandenburg:

Richert Beil:

Susumu Ai:

Odeeh:

Rita in Palma:

Valentin Lessner:

Tim Süssbauer:

LML Studio:

Antonia Schreiter:

Assembled Half:

Fiona Bennett:

Studio 163:

Rianna + Nina:

The Twins:

Anne Bernecker:

Horror Vacui:

Société Angelique:

Tatjana Haupt:

Sofia Hermes Fernandez:

Nanyi Li:

Tebton:

SF10G:

Nari Haase:

Chelsea Jean Lamm:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Bereits im dritten Jahr erneuert das Haus Hermès sein Engagement beim Festival international de mode, de photographie et d’accessoires mit einem eigenen Preis für Accessoires.

Obwohl Hermès ja eher für eine konservative Luxusästhetik steht (seit 1837!), versucht das Label damit junge Talente zu unterstützen und seine „Verbundenheit mit Kühnheit und Innovation“ zu beweisen. „Die ständige Suche nach den schönsten Materialien, die Weitergabe von Know-how der Exzellenz, innovative Handwerkskunst sowie die Ästhetik von Funktion“. In diesem Sinne ist es schon eine ungewöhnliche Herausforderung für junge, exzentrische und vielleicht auch provokative Designer, mit einem Entwurf für das Traditionshaus eine Brücke zu schlagen. Das gelingt immerhin meistens ganz gut, muss man überrascht feststellen.

Das Engagement des Hauses ist natürlich auch ein Zeichen dafür, dass die Chance, über das Festival innovativen und kompetenten Nachwuchs zu finden, denkbar günstig ist und dass der Brückenschlag mit der eigenen Preisvergabe ein optimaler Weg ist, sich in der Moderne – beziehungsweise für die Zukunft – den geeigneten Anschluß zu sichern, was gerade für so exquisite Traditionsunternehmen nicht leicht sein dürfte.

Der Hermès-Preis für modische Accessoires ist ein Stipendium in Höhe von 20.000 Euro, thematische Anforderung war ein Gürtel, nachdem in den letzten Jahren Schmuck und Handschuhe gefordert waren. Gewonnen hat ihn das Duo LOLA MOSSINO & INDRA EUDARIC mit einer Version, die geschickt und subtil mehrere zeitgeistige Codes mit schlichter Klassik verknüpft hat und auch das stilgebundene H prägnant einzubauen wusste.

SCYLIA CHEVAUX (Frankreich):

LOUISE LEÏ WANG (Schweiz):

LOLA MOSSINO & INDRA EUDARIC (Frankreich) – prix Hermès des accessoires de mode:

LISA VAN WERSCH (Deutschland):

LEE LE PRUNENNEC (Frankreich):

JUSTINE GÉVAS (Frankreich):

JOSHUA CANNONE (Frankreich):

BÉRÉNICE NOËL (Frankreich):

ADÈLE DENDALETCHE (Frankreich):

MÉLISSA CAFÉ (Schweiz):

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Grün. Raum und Einrichtung sind radikal grün und das fasst die weit auseinander driftenden Positionen der 10 Kandidaten für den Grand Prix du Jury Accessoires formal gut zusammen (Scénographie: Marc-Antoine Biehler und Amaury Graveleine). Der Preis ist dotiert mit einer Zusammenarbeit für ein Projekt mit Métiers d’art (Chanel) bis zu 20 000 Euro. Die Verbindung von handwerklicher Perfektion und ungewöhlicher thematischer Interpretation macht diese kleine Ausstellung immer wieder zu einem inspierierenden Erlebnis voller Überraschungen und zeitgeistiger Dehnung. Im Gegensatz zum letzten Jahr finden sich viel französische Designer und Designerinnen in der Endrunde und mit dem Grand Prix du Jury Accessoires für die wirklich exzentrischen, geradezu künstlerischen Taschen-Objekte blieb der Preis auch im Land. Wuchtig und kraftvoll sind die Exponate von Joshua Cannone, offen für weit ausgelegte Interpretationen und praktisch nutzbar nur im begrenzten Sinne. Die eigentümliche Mischung ernsthafter Kulturkritik und humorvoller, schon sarkastischer Anschauung, das ist schon eine ungewöhnliche, widerspenstige Positionierung im Accessoires-Design und es spricht nicht zuletzt auch für die Jury, gerade eine solche angemessen zu würdigen.

Den anderen Preis, den prix du public – ville d’Hyères, der vom Publikum vor Ort abgestimmt wird und mit einem Arbeitsauftrag und einem Arbeitsaufenthalt in der Villa Noailles dotiert ist, bekamen Lola Mossino & Indra Eudaric für ihre filigrane und originelle, humorvolle Schmuckkollektion, ebenfalls aus Frankreich.

Den dritten Preis, den prix Hermès des accessoires de mode, stellen wir parallel in einem eigenen Beitrag vor.

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LEE LE PRUNENNEC (Frankreich), gemischte Kollektion, Taschen:

MÉLISSA CAFÉ (Schweiz), gemischte Kollektion, Taschen:

JUSTINE GÉVAS (Frankreich), Damenkollektion, Accessoires für Schuhe:

SCYLIA CHEVAUX (Frankreich), gemischte Kollektion, Lederwaren, Schuhe, Schmuck:

ADÈLE DENDALETCHE (Frankreich), gemischte Kollektion, Schuhe:

LOUISE LEÏ WANG (Schweiz), gemischte Kollektion, Schmuck:

LOLA MOSSINO & INDRA EUDARIC (Frankreich), Damenkollektion, Schmuck,

Le prix du public – ville d’Hyères:

BÉRÉNICE NOËL (Frankreich), Damenkollektion, Schmuck:

JOSHUA CANNONE (Frankreich), Herrenkollektion, Taschen „Static“,

Le Grand Prix du jury Accessoires:

LISA VAN WERSCH (Deutschland), Damenkollektion, Taschen:

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Photos der Kollektionen: Julia & Vincent

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Abgesehen von dem abendlichen großen Défilé der Wettbewerber sind die Ausstellungen der Kern des Festivalkonzeptes. Sie erstrecken sich über das ganze Festivalgelände, teilweise räumlich konzentriert, teilweise auch aufgelöst über Wegstrecken von einem Bereich zum anderen. Photographie vereinahmt einen Komplex im Erdgeschoss, alle anderen Bereiche konzentrieren sich auf Mode und Accessoires sowie auf Schnittstellen von Fotografie und Mode. Mehr als ein Dutzend Ausstellungen unterschiedlichsterThemen und Protagonisten kann man hier und in angeschlossenen Häusern in der Stadt besuchen, einige von ihnen bis in den Spätherbst hinein.

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BRODERIE LOVERS (hier Amine Habki 2x“Sans Titre“, Thomas Pierre Jean „To Johnny Rio“)

Stickerei, Patchwork, Tapisserie erleben eine Renaissance, als integrativer Bestandteil von Modegestaltung, aber auch als eigenständiges Ouevre. Es geht dabei um die Wiederentdeckung von Handarbeit in Verbindung mit dekorativen Textilien in der Fläche, als eigenständiges Objekt oder Bild; dieser Gedanke von Kunsthandwerk findet wieder große Zuwendung unter jungen Modedesignern. Zum Einen entdeckt man nostalgische Folklore wieder, zum Anderen ethnische Motive aus verschiedensten Epochen und Regionen, manchmal mit moderner Ästhetik verknüpft. Letztlich handelt es sich um eine Wiedererkundung der Verbindung Mensch und Umwelt, nicht unähnlich der britischen Arts & Craft-Bewegung in der Mitte des 19. Jahrhunderts bis etwa 1920.

ATELIER MONTEX

Aska Yamashita ist seit 2017 die künstlerische Direktrice des 1949 in Paris gegründeten Unternehmens für gestickte Meterware.  Mit der Installation „Broderythme“ möchte sie ein Eintauchen in das handwerkliche Konstrukt ermöglichen. Das besteht aus mehreren kulissenartigen Vorhängen, die jeweils ein Knüpfwerk aus identisch geformten und farbig bedruckten Plastikteilen bilden. Sie liefert damit auch ein Beispiel für moderne Technologie, die in die Branche einzieht.

Das Atelier Montex bietet auf dem Festival Workshops an und demonstriert an Beispielen die Vielseitigkeit und vor allem die kunsthandwerkliche Raffinesse der sehr delikaten Fabrikation für Pret-A-Porter de Luxe oder Haute Couture..

Gewinner des PRIX LE19M DES METIERS D’ART 2021

Rukpong Raimaturapong, Ifeanyi Okwuadi, Capucine Huguet

Capucine Huguet stellt hier ihre zweite Kollektion vor. Inspiration sind die Fotos von Christian Sardet (Forscher) und die Zeichnungen von Ernst Haekel (Biologe), die sich mit Pythoplankton beschäftigen.

Aus dem Bereich Fotografie seien noch zwei Ausstellungen erwähnt, die sich nur lose im Kontext mit der Mode verbinden.

Zum einen die Einladung von PIERRE DEBUSSCHERE, der seine Bildfolge „Spectrum“ zeigt:

und zum anderen SARAH NAKHARINE mit Auftragsarbeiten der Villa Noailles, „Endless Summer“:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die große Installation für Designer, die sich an der Schnittkante zwischen Mode und Kunst positionieren, ist dieses Jahr für eine Retrospektive von Glenn Martens vorgesehen. Glenn Martens ist seit 2013 die einflussgebende Persönlichkeit des Pariser Modehauses Y/Project. Der Belgier hat diverse eigene Codes in der Gestaltung geschaffen, übereinander gelagerte Strickkrägen, Pumps mit Zehen in Form von Krustentierklauen, eisenverkrustete Denim-Outfits, die es erlauben, nach eigenem Wunsch verbogen zu werden, Unisex-Ensembles. Dazu ein stetes, lebendiges Experimentieren mit Schnitten.

Innerhalb des Diesel-Labels, für das er künstlerischer Direktor ist und wo er seit seiner ersten Kollektion 2021 arbeitet, vermittelt er den charakteristischen Stil des Hauses und focussiert sich auf die Denim-Handschrift der Marke (siehe besonders den letzten Abschnitt der Installation). Dabei spielt er mit Materialien und Dresscodes, verkehrt Gürtel in Röcke, läßt Hoodies zu Kleidern mutieren. Sexuelle Zuordnungen werden aufgelöst mit einem gleichzeitigen Akzent auf haltbare Materialien.

Nach Verlassen der Académie Royale des Beaux Arts von Antwerpen mit Diplom ging er vorübergehend zu Jean Paul Gaultier, letzen Januar lud das Haus ihn ein, die künstlerische Leitung für eine Couture-Saison zu übernehmen. Damit konnte er den zeitgemäßen Trompe-d’Oeil-Stil erkunden, die Korsagerie, ihre Schnürungen und die Übertreibungen.

Die „Retrospektive“ (nur Arbeiten aus 2021 und 2022) stammt also aus der Zusammenarbeit mit Y/Project, Diesel und Jean Paul Gaultier und sie zeigt, wie der Designer zu jeweils unterschiedlichen Aufgabenstellungen und Stilrichtungen spezifische, konzeptuelle Herangehensweisen an die Couture herausfiltert.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth *

Wie stets ist dieses Festival ganz junger Mode für uns das eigentliche Highlight des Jahres, in Deutschland Herbst, dort, in der Stadt der Palmen an der Côte d’Azur, noch warmer Sommer mit sattem Grün und gelassener Lebensart. Man sieht noch Orangen an den Bäumen, blühende Blumen entlang der Straßen, stets geschmackvoll gekleidete Menschen und, natürlich, erfrischend gute Laune auf dem Festival, das sich äußerst ambitioniert dem Designernachuchs widmet. Dem Vernehmen nach ist etwas Bewegung in das große Sponsoring gekommen, Kürzungen, Ausstiege, Neueinstiege, die den Umfang hie und da unwesentlich schmaler machen, aber auch neue Programmteile öffnen. Die 37. Ausgabe ist mit ihren vielen Ausstellungen nach wie vor hoch professionell, geschmackvoll und perfekt ausgerichtet und mit Foto- und Performance-Veranstaltungen unterhaltsam ergänzt. Die Organisation des umfangreichen Schauenprogramms an zwei Abenden ist perfekt und das Ambiente auch dort liebevoll hergerichtet. Während die Ausstellungen in der Villa Noailles über der Stadt quasi offen für jeden sind, sind die Schauenplätze begehrt, bei Modeinsidern und breitem Publikum gleichermaßen.

Hier reisen viel Kunststudenten an, Lehrer und Professoren, wichtige Repräsentanten der Modehäuser und die Modepresse und allen sieht man die modischen Ambitionen an, von dezent bis exaltiert.

Die vielversprechendsten Talente unter sehr vielen Bewerbern herauszufiltern ist die Leitidee der Veranstaltung, und schon wer nur unter den 10 Anwärtern der jeweiligen Vorauswahl eingeladen ist, findet nach dem Festival offene Türen im großen Business, wichtige Kontakte vor Ort und Erwähnung in der Presse, besonders der Fachpresse. Für Preisträger öffnen sich dann große Tore. Im Bereich Mode ausgeschrieben sind dieses Jahr le GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION, le prix LE 19M DES MÈTIERS D’ART, le PRIX DE LA COLLECTION ECO-RESPONSABLE MERCEDES BENZ und le PRIX L’ATELIER DES MATIÈRES und für Accessoires le GRAND PRIX DU JURY ACCESSOIRES und le PRIX HERMÈS DES ACCESSOIRES DE MODE.

Das ist nicht wenig und zumeist gut dotiert. Hinzu kommen diverse Stiftungen zum Beispiel betreffend Ausrichtungen von relevanten Modeschauen, Materialien, Profifotos und Mitarbeitsstipendien. Wichtig ist stets, den Eintritt in die professionelle Modewelt zu ebnen, und das ist eine Win-Win-Konstellation für die Unternehmen und die Nachwuchsdesigner. Das Verfahren (mit renommiert besetzten Jurys) ist international offen, klar und attraktiv, genau das, was hierzulande noch immer große Schwierigkeiten bereitet – soweit eine stimmige Nachwuchsförderung überhaupt etabliert wird. Und nicht zuletzt deswegen sind große Häuser an der Festivalfinanzierung beteiligt, treu und ganz oben Chanel.

Die Lage ist, wir schrieben es früher schon, genial: die bauhaustypische, große Villa liegt auf einem der Hügel hinter der Stadt und blickt über die Stadt und Küste aufs Mittelmeer. Um die Villa herum sind ausgedehnte und gepflegte Parkanlagen, halb natürlich und halb gartenähnlich, üppig und sehr mediterran. Alle Dachflächen des verschachtelten, kubischen Baus sind unterschiedlich begrünt, man kann dort relaxen, schauen, plaudern und lesen, manchmal gibt es dort auch kleine Freilandausstellungen und es werden Performances aufgeführt oder kleine musikalische Darbietungen. Frühstücksempfänge, Podiumsdiskussionen und Workshops gehören zum Festivalprogramm und zum sachbezogenen Zeitvertreib. Auf einer großen Dachrasenfläche stehen Liegestühle und daneben ist eine offene kleine Kaffeebar, auch dort kann man sitzen und plaudern und Mode in realo schauen, gelegentlich kommen VIPs vorbei, aber das beachtet kaum jemand besonders.

Außerdem gibt es einen Shop, der ausschließlich exclusive Artikel junger und ungewöhnlicher Designer anbietet, Sachen, die man sonst quasi nirgends findet und oft von hier vorgestellten Nachwuchsdesignern stammen – Kleidung, Objekte, Bücher, Accessoires.

Das Prinzip „Schauen“ als zentrales Wahrnehmungsprinzip der Lebensfreude steht im Mittelpunkt des dafür konzipierten Ortes, nunmehr seit etwa 100 Jahren, und auch seiner Veranstaltungen. Er war schon immer beliebter Treffpunkt für Künstler, die auch viele Wandmalereien und Skulpturen hinterlassen haben (Cocteau, Picasso u.v.m.). Das berühmte Festival de la Mode ist nunmehr im 37. Jahr und markiert noch immer den wichtigen Focus auf junge, innovative Kultur, die schon dem Gründerehepaar Charles und Marie-Laure de Noailles das Wichtigste im Leben war.

* Titelbild ist das offizielle Poster des Festivals

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Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Der Umzug des Berliner Salons in das Kulturforum hat der Veranstaltung mehr als gut getan, nachdem sie die letzten Saisons ein eher untergeordnetes und damit völlig unterbewertetes Dasein fristen musste. Viel Platz, eine neue Struktur und eine nach wie vor liebevolle Konzeption sicherten der Ausstellung das, was sie beansprucht: Eine Schau der besten Modemacher Deutschlands (+ Accessoires) mit hoch kultiviertem Präsentationsniveau. Dabei liegt das Augenmerk besonders auf lokale Nachhaltigkeit, Zukunftsorientierung und Qualität als Kennzeichen gerade deutscher Modeideologie. Mit vornehmem Grau und guter Beleuchtung lehnt sich die Präsentation der Gruppenausstellung an moderne Techno-Ästhetik an und bietet zugleich einen cool-eleganten Flair, die den Exponaten durchweg gut tut und die ästhetische Qualität wieder stärker in die Wahrnehmung rückt.

Wesentlich ist diese Ausstellung auch deswegen, weil viele wirklich gute Designer sich nicht in Form einer eigenen Schau auf dem Laufsteg der Fashionweek-Veranstaltungen präsentieren können und wollen. Man kann leicht vergessen, dass das Programm der Berliner Fashionweek keineswegs repräsentativ ist und gerade darum ist der Berliner Salon so wichtig. Auch wenn hier jeweils nur wenige Kollektionsmodelle gezeigt werden, ist der Einduck der Schaffensleistung doch sehr prägnant, nicht zuletzt weil man in Ruhe betrachten kann. Und an relevanten Teilnehmern sehr umfassend. Erstaunlicherweise war bei unserem Besuch nicht viel Publikum zugegen, vielleicht muss der gute Ruf erst wieder etabliert werden und die Werbung dafür bei den Fashionweek-Organisatoren den Platz einnehmen, den die Veranstaltung verdient.

Angelehnt an frühere Formate des Berliner Salons war die Präsentation gegliedert in drei Bereiche: „Die Gruppenausstellung“, „Fashion and Craft“ und „Rising Voices Award“. Die Gruppenausstellung zeigte Exponate von insgesamt über 30 Designern. Diese Ausstellung wird mit einer sogenannten „Alumni-Installation“ von 24 Designern und Manufakturen erweitert, mit Fashion and Craft überschrieben, darunter – der Bezeichnung entsprechend – viele Labels, die schon lange auf dem Salon vertreten sind und mittlerweile auf ein solides Renommée zurückblicken können. Einen eigenen Platz bekam ausserdem Jean Gritsfeldt, der ukrainische Designer, der auch für ein Podiumsgespräch (mit Christiane Arp) anwesend war – auch dies ein Teilformat des Berliner Salons, das jetzt wieder angemessen in die Aufmerksamkeit gerückt wurde. Der dritte Bereich namens Rising Voices Award präsentiert das Ergebnis eines Schuhdesign-Wettbewerbes, der vom Fashion Council Germany und der kalifornischen Schuhmarke UGG ausgelobt wurde. Er soll die Nachwuchsdesigner-Generation im Sinne nachhaltiger Produktion unterstützen, motivieren und fördern. Aufgabe war es, ein Modell des ikonischen UGG “Classic Mini” Stiefel unter dem Aspekt von Nachhaltigkeit und Handwerkskunst neu zu erfinden. Zehn Teilnehmer kamen ins Finale und wurden ausgestellt, den ersten Preis gewann das Label Milk of Lime.

Die Gestaltung des Berliner Salons war seit seiner Gründung stets liebe- und geschmacksvoll ausgerichtet, die Wahl der Orte und damit des Raumes sowie die Integration in die Berliner Fashionweek dagegen nach dem Auszug aus dem Kronprinzenpalais oft stiefmütterlich behandelt (vgl. Beitrag). Außerdem war die Öffnung der Schau meistens nur kurz und nicht für jedermann. Das hat sich jetzt endlich geändert, der Ort ist wieder angemessen und die Öffnung war auch für mehrere Tage allgemein zugänglich.

Es wird Zeit, dass dieser ausgezeichneten Veranstaltung die Bedeutung auf der Fashionweek zugesprochen wird, die ihr gebührt.

DER BERLINER SALON
DIE GRUPPENAUSSTELLUNG

RITA IN PALMA

HORROR VACUI

FASSBENDER

RICHERT BEIL

MYKITA

SF10G

RIANNA + NINA

SUSUMU AI

SOCIÉTÉ ANGELIQUE

LML STUDIO

DETLEV DIEHM

MAISON BAUM

GOLPIRA

DANNY REINKE

KHULAN KLECKER (UDK BERLIN)

JONATHAN AUREL (UDK BERLIN)

JULIA LEIFERT

ODEEH

AVENIR

ATELIER BALAGANS

RENÉ STORCK

PB 0110

FADE OUT LABEL

STUDIO 163

OFTT

ALEXANDRA BIRON VON CURLAND

KONRAD

FIONA BENNETT

FASHION x CRAFT

JANA HEINEMANN / JULIA BALLARDT & NICO VERHAEGEN

PHILIP KOFI WAGNER

MIRJAM VON MENGERSHAUSEN

SVEA KATHARINA BECKEDORF

RISING VOICES AWARD

JEAN GRITSFELDT

ALUMNI INSTALLATION

DAWID TOMASZEWSKI

BRACHMANN

SMINFINITY

I’VR ISABEL VOLLRATH

ANTONIA ZANDER

VLADIMIR KARALEEV

WILLIAM FAN

WORKING TITLE

MICHAEL SONTAG

ALEKSANDRA VIKTOR

PETER O. MAHLER

TALBOT RUNHOF

ALLUDE

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Pandemiebedingt verschoben von April auf Oktober bleibt der Background des Festivals wunderbar. Sommer, Sonne, Palmen, Gärten, Wärme und Mittelmeer sind jetzt für uns, angereist aus Regen und Tristesse in Berlin, der schönste Ausklang des Jahres, den man sich vorstellen kann, und mit dem Nachwuchs-Festival auch der krönende. Das Programm war wie immer umfangreich, Ausstellungen, Präsentationen, Debatten und Laufstegschau der Anwärter für verschiedene Preise bedürfen mehrerer Tage Anwesenheit um das ganze, nach wie vor anspruchsvolle Konzept zu umspannen.

Das Konzept, wir beschrieben es schon mehrfach, ist geradezu genial: junge Designerbewerber und -bewerberinnen aus der ganzen Welt werden zu je zehn Preisanwärtern vorjuriert und präsentieren sich mit Modenschau und selbst für die großen Preise: GRAND PRIX OF THE JURY PREMIÈRE VISION, CHLOÉ PRIZE, THE le19M CHANEL MÉTIERS D’ART PRIZE, MERCEDES-BENZ SUSTAINABILITY PRIZE, public prize – city of Hyères. Dabei handelt es sich nicht nur um Gelder sondern insbesondere um Kooperationen mit den großen Häusern, Einladungen zur kostenlosen Modenschauausrichtung auf der Fashionweek Paris, professionelle Workshops zum Business und Recht, Vertriebswege und vieles mehr. Eine Win-Win-Situation, denn auch die großen Häuser engagieren die guten Kandidaten vom Fleck weg, nicht selten mit einflussreichen Posten in der Art-Direction. Hier sind die Netzwerke präsent und werden wichtige Kontakte geknüpft. Das gilt für Mode genau so wie für Modeaccessoires und, parallel dazu in beschränkterem Maße, auch für Fotografie, insbesondere Modefotografie.

Und das Ganze kommt keineswegs exklusiv daher, die Veranstaltung ist mehr oder weniger offen für jedermann und jedefrau, und trotzdem nicht von lästiger Influencer-Kultur beeinträchtigt.

Dominique Issermann

Ehrengast der Veranstaltung war dieses Jahr der Lieblingsdesigner mindestens aller Frauen Christian Louboutin, der auch eine eigene Ausstellung präsentierte. Atemberaubende Schuh-Exponate zwischen Kunst, Glamour, Sex und Mode auf edlen Podesten legen ein Gestaltungsniveau vor, das mit allem anderen schwer zu halten ist.

Daneben eine Ausstellung von Lacoste, das Label stellt künstlerische Arbeiten von acht seiner Designer vor, darunter:

Helen Kirkum x Lacoste:

William Farr:

und Sunny Hall:

Eine dritte Ausstellung zeigte Arbeiten der drei Hauptpreisträger des Festivals von 2020, Realisationen im Auftrage von Chanel zusammen mit Maisons d’Art ihrer Wahl, quasi ein Sonderpreis des Hauses Chanel für die kunsthandwerkliche Arbeit.

Emma Bruschi (lauréate du prix des Métiers d’Art le19M Chanel) :

Tom van der Borght (lauréat du Grand Prix du jury Mode):

Juana und Ddiddue Etcheberry (lauréats du Grand Prix d’accessoires de Mode):

Der Zeichner Jacques Merle des Labels Métiers d’Art le19M Chanel ergänzte die kleine Ausstellung mit mehreren Arbeiten:

Abschließend sei noch die Präsentation von Arbeiten der letztjährigen Finalisten, den sogenannten „Formers“ erwähnt, die eine eigene Präsentation im nahegelegenen Schlößchen vorführen durften, mit Beispielen ihrer jüngsten Produktion.

Tsung Chien Tang (Finalistin 2019):

Inès Bressand (Finaliste 2018):

Eva Verwicht (Finaliste 2020):

OWANDSHOOZI, Juana und Ddiddue Etcheberry (Preisträgerinnen 2020):

Celine Chen (Finaliste 2020):

Lii Paris (Finaliste 2019):

Und wenn man dann heraustritt aus all den Ausstellungen und Präsentationen, erwarten den Besucher strahlende Sonne, einladende Dachgärten zum Chillen und Plaudern sowie von überall Einblicke in Parkanlagen, Ausblicke auf die Stadt und das Mittelmeer und nicht zuletzt viele attraktive Besucher, die meistens schon seit Jahren diesen atmosphärischen Luxus und das inspirierende Konzept genießen.

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