Text und Bilder: Gerhard Paproth

Als „Pre Artweek Group Exposition“ bezeichnet das Studio 183 im Bikini Berlin eine selbst kuratierte Ausstellung, Anxiety, von sechs Künstlern inmitten vieler Modeexponate auf unzähligen Kleiderständern, Schmuck und einer sich annähernden Melange aus Kunst, Design und Kunstgewerbe. Aber auch andere Mode-Unternehmungen wie z.B. Platte springen auf den Zug der Berliner Art-Week. Der Sinn dieser Ambitionen erschließt sich nicht sofort, offenkundig ist aber der Versuch, Kunst und (Mode)Design als ein ganzheitliches Gebilde zu präsentieren, homogener als zum Beispiel die Veranstaltung Positions es vorführt, die schon allein räumlich eine klare Trennung behält aber Annäherungen – eher von Seiten der Mode –  aufzeigt.

Das Studio 183 geht dabei etwas inklusiver vor. Textlich werden die sechs vorgestellten Bildenden Künstler (Marie Zechiel – Performance, Sebastian Pielles – Neonröhrencollagen, Lenfants – Skulpturen, Niklas Jeroch – Assemblagen, Camille Schaeffer – Plexiglasobjekte, Franziska Katharina Röhrs – Body-Yoga-Art) zwar kurz herausgestellt, trotzdem bleibt die Substanz der Arbeiten aus kunstrelevanter Sicht zumindest so fragwürdig wie die damit einher gehende Verwässerung des Kunstbegriffs überhaupt. Aber die Nähe zu Design und moralischen Ideen der Gegenwart, zu Spass, Gefälligkeit und Alltagskultur macht die künstlerischen Gestaltungen kompatibel mit Modedesign. Sie sind vorwiegend Camp, immerhin.

Zu den vielen präsentierten Modedesignern und -designerinnen findet man leider keine weiteren Auskünfte (da wird auf Instagram verwiesen, ein paar Angaben kann man sich aber auch hier erklicken).

Studio 183 erklärt sein Kunstkonzept so: „Diese Gruppenausstellung zeigt eine Reihe aufstrebender Berliner Talente, die das Konzept „ANXIETY“ durch verschiedene Medien und künstlerische Formen erforschen.“ Und: „ANXIETY“ untersucht die Beziehung zwischen rasanten technologischen Fortschritten, dem unstillbaren Hunger des Konsumismus und der Notwendigkeit, in der natürlichen Umwelt der Erde verankert zu bleiben. Der Mensch ist dem Konsum endloser Datenströme ausgesetzt und steht vor der Herausforderung, ein Gleichgewicht innerhalb des Einzelnen zu finden, in einer Gesellschaft, die sich schneller in die Zukunft weiterentwickelt, als man es sich vorstellen kann.“

Die unzähligen Modeexponate, die den Rahmen dieser Ausstellung bestimmen, stammen alle von Jungdesignern und -Designerinnen, wenige Labels sind schon etwas bekannt. Alle erscheinen sehr innovativ und sind durch ungewöhnlichen Einfallsreichtum und Vielfalt in der Herangehensweise gekennzeichnet. Dies ist das Kernbusiness von Studio 183 und da ist die Auswahl der Labels überzeugend und absolut sehenswert. Die demonstriert darüber hinaus, dass die Fashionweek Berlin nur einen sehr kleinen Ausschnitt der aktuellen modischen Konzeptionen vorführt.

Versteht man es schlicht, ist die Ausstellung ein Teaser für den kommerziellen Modeverkauf von Studio 183, und das Konzept gelingt insofern, als die Mode sich wirklich als attraktiv und up-to-date erweist und letztendlich als Rahmenvorgabe das Wesentliche vor Ort bleibt. Die Kunst beiseite lassend haben wir aus der Fülle einige Beispiele ganz subjektiv und spontan herausgegriffen:

Chanymaria:

Cipango Paris:

Glück:

Kerima Elfaza:

NP by Nemanja Pantelic:

Our Shift:

Oversized:

Pink Jesus:

Reka:

Remesalt:

Reza Nadimi:

sekundär:

The Finnish National Romance Museum (FNRM):

VR di Rio Valentina:

Ye:

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***

Ausstellung vom 08.09. bis 08.10.2023 , Mo. – Sa., 10.00 – 20.00

STUDIO183 BIKINI Berlin, 1. OG Budapester Str. 46, 10787 Berlin

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Schau fand statt, obwohl es regnete und windig war. Am Abend des 13. Juli zeigten Studierende und Absolventen des Instituts für experimentelles Bekleidungs- und Textildesign der UdK Berlin Arbeiten aus verschiedenen Kursen, Projekten und ihren Abschlüssen. Eine Catwalk-Choreografie auf einem Seitenarm der großen Berliner Strassenachse, vor dem Haus der Universität. Zugegen war vorwiegend studentisches Publikum, aber auch andere Interessierte und ein wenig Presse. Die Choreografie des Ablaufes und die Arbeiten waren vom Experiment geprägt – konzeptuell in den Überlegungen und der Gestaltung und natürlich visionär in der Anschauung.

Abgesehen davon, dass dergestalt spielerisch-ernste Entwürfe grundsätzlich mehr visuelle Abenteuer bereit halten als kommerziell angelegte Kollektionen, wird an solchen Beispielen ansatzweise deutlich, wo zeitgenössische Interessen liegen und wie diese neben technischen Errungenschaften und ästhetischen Haltungen zu möglichen Neupositionierungen der Mode führen können. Das ist das eigentlich Reizvolle an Veranstaltungen wie dieser.

Natürlich konzentrieren sich die verantwortlichen Professoren und Dozenten neben dem Handwerk wesentlich auf Kreativität, zivilisatorische Problemstellungen besonders der Gegenwartsdiskussion und auf geschichtliche Phänomene. Wenn man sich vorstellt, was dabei herauskommt, findet man eine – manchmal bizarre – Mischung von alledem in den gezeigten Ergebnissen, in unterschiedlichen Ausprägungen der Reife. Der Spagat besteht zwischen Anspruch und Offenheit.

Eines aber war mit dieser Schau allgemein offenkundig: Gender ist ein fast durchgehend relevantes Thema. Die Kleidung orientiert sich nicht mehr an der Spezifik eines Geschlechtes, alle können alles tragen und die herkömmlichen Zuordnungen für Kleider, Anzüge, Accessoires (Männer mit süßen Handtäschchen etc.) bis hin zum Makeup werden bewusst und konsequent über den Haufen geworfen.

Zweitens: Gestaltungen unterwerfen sich nicht mehr einer ästhetischen Grundforderung. Sie werden vielmehr bestimmt durch konzeptuelle Überlegungen aus dem gesellschaftlichen Umfeld, das kann in diesem Kontext manchmal auch praktische Nützlichkeit sein. Ästhetische Liebhabereien dürfen schon noch erscheinen, aber sie kommen nahezu beliebig aus dem großen Fundus des Vorfindlichen und sind frei im Einsatz und Kombinationen. Der persönliche Geschmack ist maßgeblich, kein mühsam ausgebildeter. Und der spielerische Anteil erlaubt sehr viel. Und nicht zuletzt: Scheußlichkeiten beherbergen immerhin provokative Kräfte und haben deswegen ein Recht auf Programmatik.

Drittens: Materialien sind zu entdecken und (sachfremd) erprobend anzueignen und zu verwenden. Teppiche, Gardinen, Folien, Kunststoffe – alles Denkbare kann für Bekleidung dienlich sein. Das ist Recycling im besten Sinne. Kleidungsunikate mit handwerklichem Aufwand werden in diesem Sinne zwingend und sind auch gewünschtes Prinzip: Das Originelle ist ein relevantes Qualitätsmerkmal, hieran muss sich Individualität des Trägers festmachen.

Alles in allem versteht Mode sich so als konzeptuelles gesellschaftliches Statement ungezwungener Vielgestaltigkeit. Das Individuum soll sich mit originärem Auftritt hervortun und setzt selbst die Grundlagen dafür. Vorbei sind die Zeiten, wo das ästhetische Erscheinungsbild visuell so etwas wie Zeitgeist pointierte, jetzt bzw. hier sind visionäre Positionen zur gesellschaftlichen Selbstverortung anvisiert, bei denen Schönheit, Chic oder subtiler Geschmack keine Rolle mehr spielen.

Auch wenn die gezeigten Arbeiten jeweils aus thematischen Projekten erwachsen sind, wird es problematisch, sie als Außenstehender kommentieren zu wollen. Manchmal ist es schon schwierig, überhaupt zu verstehen. Das dürfte aber auch gar nicht gefordert sein, denn die meisten Sachen behaupten und begründen sich in ihrem So-Sein. Und so zieht das große Défilé aus hunderten von Arbeiten wie ein offenes Panoptikum an einem vorbei, in Gruppen, Duos, Solos und performativen Konstellationen. Varianten, Solitäre, Versuche. Und das demonstriert natürlich den Ausbildungsunterschied zwischen einer Schneiderwerkstatt und einer Universität, die der gesellschaftlichen Forschung verpflichtet ist und damit einen anderen Bildungsmaßstab setzt. Und die im Ergebnis ein wunderbares Panorama des gestalterischen Denkens vorführen kann (möglichst kulturrelevant), wie wir es hier gesehen haben.

Vielleicht – und da werden wir sehr spekulativ – kann eine solche Schau sogar darüber hinaus etwas repräsentieren, was in der Konsequenz seiner Abseitigkeit Berliner Kultur-Geist ausmacht.

Entsprechend der vielfältigen Ansätze präsentieren wir eine zufällige Bildauswahl ohne Wertungsmassstäbe, namentliche Zuordnungen sind soweit nicht möglich:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Nach wie vor beteiligt sich die Vogue an der Fashionweek mit eigenem, geschmackvollem Erscheinungsbild, leider dauert die komplette Ausstellung von jungen Modekünstlern nur einen Tag, für manche Interessierte etwas knapp kalkuliert.An den anderen Tagen bleibt die Präsentation nur in der unteren Etage zu besichtigen.

Stattdessen setzt das Magazin verstärkt auf sehr stilvolle Schauen in erlesenem Ambiente mit Designern, die besonders ausgeprägte Gestaltungskonzepte zeigen können, wie zum Beispiel den Designerinnen Julia Seemann oder Marina Hoermanseder. Im Erdgeschoss des Kronprinzenpalais waren am Donnerstag aber durchaus noch sehenswerte Präsentationen von Antonia Goy, Sminfinity und Lili Radu zu sehen.

Antonia Goy

Sminfinity

Lili Radu

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Auch wenn die Einschätzung verfrüht erscheint, die Schau von Esther Perbandt in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz ist sicher das Highlight der aktuellen Fashionweek. Das Anliegen, Mode in einen größeren kulturellen Zusammenhang zu stellen und mit dem vorgeführten Konzept auch philosophisch aufzuladen, geht weit über die Selbstgenügsamkeit der meisten Schauen hinaus.

Der Saal war bis auf den letzten Platz gefüllt und es wurde schnell klar, das hier nicht nur modeaffines Publikum zugegen war. Esther Perbandt und ihre Kreationen sind ein sehr berlinerisches Phänomen und entsprechend in der Kultur-Szene verwurzelt.

Die Künstlerin nutzte die Theaterbühne auch mit dem entsprechenden Bewusstsein: Choreografie, Bühnenbild, Tanz, Darstellung, Musik, Lichtführung, Dramaturgie, Bühnentechnik – alles wurde bedacht und alles floss in einem zeitgemäßen und sinnstiftenden Konzept einer Aufführung schlüssig zusammen. Damit fand auch die Rolle der Mode zu einem gesamtkulturellen Bezug in unserer Gesellschaft. Und sogar auch zu Berlin, das diese Idee kultureller Relevanz von Mode ja nicht unbedingt verkörpert.

Auf der Drehbühne befanden sich die Fotografen hinten, also gegenüber dem Publikum, arrangiert wie ein klickender, griechischer Chor. Zentral und quer eine schwarze Mauer aus großen Steinblöcken mit Öffnung in der Mitte und große Rudimente von griechischen Säulen davor. Vorne links ein Streichquartett, rechts ein Elektronikmusiker, in der Mitte ein breiter Weg, der auch als Laufsteg diente. Die Modelle/Darsteller breiteten sich aber auch über den Bühnenraum (und das Bühnenbild) aus und der klassische Catwalk ging über in theatralische Aktionen und zog sich wieder zu Gruppen zusammen. Rund 40 Minuten dauerte die Aufführung, am Schluss schneite es und die Bühne begann sich einmal komplett zu drehen, womit der ganze Zirkus plötzlich wie auf einer Insel erschien und die Perspektiven neu relativierte. Auch ein Sinnbild für Theater-Welt. Überhaupt war die gesamte Schau von vielen selbstbezogenen Fragestellungen und philosophischen Gedanken geprägt, ohne dabei grobe Muster in den Raum zu stellen.

Schwarz ist Perbandts Schlüsselfarbe, die hier aber nicht nur für Nihilismus steht, sondern eher für den Mythos in der Dunkelheit. Und wie in der monochromen Kunst erweist sich Schwarz als faszinierend facettenreich. Alles ist in den Bekleidungen dualistisch gedacht und gemacht und folgt durchgehend einer dialektischen Betrachtungsweise, harte und weiche Stoffe, strenge Schnitte und verspielte Applikationen, Schlichtes und Komplexes, rau und glatt, schillernd und matt, dicht und aufgebrochen, schwarz und weiß (oder Haut bzw. Nicht-Schwarz), gemustert (Karo) und nicht gemustert, ausladend und zurückgenommen, streng und aufgelöst, symmetrisch und asymmetrisch, verschnürt und locker, beständig und unbeständig. Männlich – weiblich – androgyn. Es mündet immer in einem Ganzen.

Darüber hinaus trifft das Dekonstruktivistische der Westkultur (zerschnittene Formen, die wieder anders zusammengefügt werden) auf japanische Ästhetik des Ganzheitlichen (Kimonos, Obis bzw. Schärpen, Stoffstreifen), griechische Basics und moderne Experimente (undurchschaubare Konstruktionen aus Bändern, Bahnen und Teilen). Alles fließt dabei stets zu einer Synthese zusammen, die dann eine ganzheitliche Bekleidungsvariante hervorbringt und auch mit allen anderen Varianten korrespondiert. Alle Aspekte schließen sich stets in Ganzheitlichem zusammen (auch Kleidungsstücke, Röcke, Hosen, Mäntel etc.) lösen sich dann im Ganzen auf). Damit hat Perbandt nicht nur einen Stil kreiert, sondern auch eine Haltung visualisiert – das ist eigentlich das beste, was Mode hervorbringen kann.

Diese Haltung ist hier eindeutig kulturelles Bewusstsein und gedankliche Durchdringung.

Der Dialektik der Kleidung folgte auch das Ganze der Inszenierung, klassische Streichmusik und elektronische Sounds, Ruhe und Dramatik, Mensch und Schatten, bewegt und still, ernst und verspielt verschmolzen zu einem orchestrierten Ganzen. Der Dualismen ließen sich noch viele weitere hinzufügen. Insgesamt evozierte die Aufführung sehr viele kulturgeschichtliche Assoziationen, philosophische Gedanken und spielerische Konfrontationen.

Interessant ist auch, dass die Sicht auf die Aufführung ebenfalls dualistisch angelegt war: Das Publikum sah eine theatralische Performance mit der Kleidung, die Fotografen hauptsächlich die Kleiderkonzepte wie auf einem Laufsteg, wenn auch mit brechenden Lichteffekten.

Gleichzeitig ist die Vorführung – nicht zuletzt durch das Schwarz und die choreografierte Dramatik auch mystisch. Die Darbietung bekommt kultische Wirkung, und die Kleidung macht den Menschen darin zu einem Teil der geheimnisvollen Bedeutung(en). Und zu ihrem Repräsentanten.

Viele Anhänger der Esther Perbandt – Mode waren im Publikum vertreten und in ihrer Nähe hatte man das Gefühl, sie wären zu einer Kultveranstaltung gekommen. Das, muss man abschließend sagen, ist faszinierend, denn dieser Kult hat, im Gegensatz zu anderen Modekults, durchaus philosophisches und gedankliches Potential genau auf der Höhe der Zeit. Bekleidung und Mode in diesem Sinne zu nutzen bzw. zu adaptieren ist eine konsequentere Haltung als irgendwelchen hippen Strömungen zu folgen.

Blogger gab es anscheinend auch nicht viele im Publikum.

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Hinter dem Label LIDA NOBA steht die Designerin Lida Nobakh, ansässig in Zürich, aus dem Iran stammend, wo sie auch auf der Kunstakademie abgeschlossen hat. Auch wenn man der Linie eine spielerische Note ansieht, die „orientalische Elemente“ suggerieren, so wirkt die Sommer- und Frühjahrskollektion für 2017 sehr strukturiert und aufgeräumt.
Neben einigen Herren-Looks, ist die Kollektion eine Damenkollektion, die farblich warm und dezent ausgerichtet ist, und als Akzent ein ansprechendes Blau als Note mitbringt. Die Volumen sind großzügig, weit und dynamisch fallend, ohne zu sehr in „Oversize“ zu gehen. Abgerundet wird oft mit passenden Accessoires – sprich Taschen, welche Ornamentik wiederspiegelt. Hier finden sich auch schöne strukturierte und formale Muster wieder. Ansonsten sprechen in Bezug auf Ornamentik, oder Strukturgebende Details schöne Bänder an, welche die Silhouetten an Armen unterstreichen. Präsentiert wurde die Kollektion dem Fachpublikum in Zürich im Rahmen der Mode Suisse.

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Model: Irina Maslova

Haare & Make-Up: Victoria Skvortsova
 

Kleidung:
Goldener Body – Tata Alkhutova
Schwarzes Korsett – Catherine Klimanova
Schwarzer Rock – DressLab Atelier
Weisse Mantel – Massimo Dutti
Schuhe- Gianmarco Lorenzi

Ohrringe– DressLab Atelier
Halskette – Paris

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Eine Präsentation im me collector’s room als alternatives Angebot an Designer, die nicht die große Schau an der Hauptlocation wollen, ist nicht nur die preiswertere Entscheidung für Modeschöpfer sondern auch die intimere, persönlichere. Mit einer künstlerischen Installation kann man gestalterische Ambiente kreieren und den Besucher in Ruhe die gezeigten Stücke betrachten lassen, das ist eine gut kontrollierbare Inszenierung in einer sehr schönen Räumlichkeit. Manche Designer machen hier eine kleine Laufstegveranstaltung, die noch von der Nähe profitiert, die Modeschauen ganz früher oft hatten, als sie noch in den Modehäusern selbst stattfanden.

Nathini van der Meer

hat sich für beides entschieden, sie lässt die kleine Schau in der statischen Installation münden. Dafür hat sie den Boden mit Holzkohle-Streifen neu gegliedert und charakterisiert, die Wände mit großen Geflechten aus dunklen Ästen strukturiert, in die sie Teile ihrer Kollektion gehängt und schließlich die Modelle davor positioniert hat. Eine schöne, stimmige Idee, die die Assoziation zu Natur und Vergänglichkeit erlaubte und das Spannungsfeld zwischen Naturfreiheit und systemischer Ordnung herstellte.

Und irgendwo dazwischen siedelt sich auch der ästhetische Charakter der Modekollektion von Nathini van der Meer an. Die 26jährige Modedesignerin hat an der UdK Modedesign studiert, beschäftigt sich aber auch und besonders mit anderen gestalterischen Aufgaben, z.B. Fotografie, Video und Plattencovergestaltung.
So unterliegt auch die vorgestellte Sommerkollektion für 2017 vorwiegend einer dem Dunklen zugewandten Ästhetik, die auch trotz weißer Strahler und Podeste und mit einigen hellen Kleidungsstücken keinen wirklichen Optimismus ausstrahlt. Schwarz, Petrol und Dunkelbraun bestimmen die Farbgebung wesentlich, klassische Schnitte und eher geometrische Formen sind erst einmal nicht locker angelegt. Frontal findet sich oft ein breiter, senkrechter Streifen über der Brust, auf unterschiedliche Weise und als wiederkehrender Akzent angelegt, und die Materialzusammensetzungen aus natürlichen und synthetischen Stoffen sind unaufdringlich aber zeitgemäß an diversen Stücken oder Kombinationen zu finden.
Kleine lockere Gestaltungsgesten hie und da, als Zusätze oder Arrangements oder Tragweisen mildern zwar die eher düstere Gesamtwirkung, mit den meisten Stücken geht der Protagonist jedoch eher warm und dunkel in den Sommer 2017.

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Kleid: Heather by bordeaux
Seiden Top: District South Boutique by Ropalia

Kleid: Delaine Designs

Kleid:  HOMMAGE in Los Angeles

Kleid: HOMMAGE in Los Angeles

Kleid: Delaine Designs

Kayla Moore

An adorable tiny sun that powers a miniature universe. Kayla Moore is doing just that, one step at a time. Who is she? An actress on the rise who is making a statement in the film industry by proving just how much potential people with disabilities have. However, she will be the first one to tell you that it has been anything short of easy. But Kayla was born a fighter.  
Miracle Baby. The story behind a shining example of inner strength and beauty. At 13 months of age, Kayla both fought and won a tiring fight against a rare childhood cancer. She walked away completely healed from her battle against neuroblastoma cancer, stage IV that accounts for 15% of childhood deaths. The chemo did cause her to lose most of her hearing. Today, she hears 30% in her right and 20% in her left.  
She was known as the deaf girl. Some kids picked on her. “The kids used to call me names like Deaf Girl, due to my hearing impairment,” she says. Teachers had difficulty understanding her when she spoke. School officials tried to put her in special education classes, but Kayla was determined to prove that she is just like any other student. Her passion for acting started at a very young age. Back in the day, captions weren’t an option while watching a film for the hard of hearing. In order for Kayla to fully understand what was going on; she would rely on the body language, reactions, & reading the actors lip’s. This was how she also learned to communicate with her peers.
“Acting is what helped me learn how to communicate with peers,” Moore said At just 6 years old, she was going to day and night school along with speech teachers to help her hone her skill of lip reading. She uses the strength to push herself forward and continue excelling in her career or pursuing her goals regardless of the challenges she may face. Kayla is quickly gaining attention for her speaking and/or communication ability.  
She won second place in the Miss Alabama USA pageant in 2010. She went to work for RPM Productions, a company that organizes several state pageants. But about three years ago, she decided to give acting another shot. She’s done a Doritos commercial and has appeared in short & independent films. She’s worked on the 2015 movie “Vacation.” Most recently, Moore appears in the music video for Tim McGraw’s “Humble and Kind.” It’s her face that opens the video. “The experience was unlike any other I’ve had on set thus far,” said Moore, who grew up in the Dothan
area but now lives in Atlanta. “Everybody was just extremely nice.”  
The “Humble and Kind” video shows images of faces of people of all ages and ethnicities as well as footage from a variety of countries. The song’s uplifting refrain tells the listener to “always stay humble and kind.”
“One woman I met, she’s the lady taking off her scarf toward the end of the video, she’s currently battling cancer,” Moore said. “… It was one of those rare experiences that you get to have that reminds you of the true meaning of life.”  
Moore knows she’s in a profession where her hearing impairment and speech may lead people to prejudge and underestimate her. But she said she won’t let it stop her. Kayla believes God gave her a second chance at life for a reason & a purpose. She hopes to fulfill that purpose. 
“I want to basically open eyes in the industry even more to what people with disabilities could do,” Moore said. “… Just don’t let people put you in a box.”  
Currently, Kayla has been working with the talented Director, Zach Johansson, on an upcoming film that will be a version of her story and hopes to bring a sense of hope to those who watch it. She said, “The film will be about a young woman learning how to let go of her past and discovering that she can be loved for who she really is”.

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Vom 28.06. bis 01.07.2016 findet zum 19. Mal die Fashionweek in Berlin statt.

Hier finden Sie einen ersten Überblick über die spannendsten Schauen und Veranstaltungen rund um die Berlin Fashionweek im Juni 2016.

DIENSTAG 28.Juni 2016

• 10:00 Uhr AVELON – RUNWAY
• 10:30 Uhr HIEN LE – KRONPRINZENPALAIS
• 11:00 Uhr IVANMAN – ME COLLECTORS ROOM
• 12:00 Uhr EWA HERZOG – RUNWAY
• 13:00 Uhr RENÉ STORCK – KRONPRINZENPALAIS
• 13:30 Uhr STEINROHNER – RUNWAY
• 14:30 Uhr DAWID TOMASZEWSKI – STAGE
• 15:00 Uhr GREENSHOWROOM – POSTBAHNHOF
• 16:00 Uhr THOMAS HANISCH – RUNWAY
• 16:30 Uhr MALAIKARAISS – OFFSIDE
• 18:00 Uhr JULIA STARP – OFFSIDE
• 18:00 Uhr ODEUR – RUNWAY
• 19:00 Uhr LALA BERLIN – OFFSIDE
• 20:00 Uhr RIANI – RUNWAY
• 21:00 Uhr ODEEH – BERLINER SCHLOSS

MITTWOCH 29.Juni 2016

• 10:00 Uhr SPORTALM – RUNWAY
• 10:30 Uhr DOROTHEE SCHUMACHER – ELISABETH KIRCHE
• 11:00 Uhr MEXICO FASHION DESIGN – ME COLLECTORS ROOM
• 12:00 Uhr ANJA GOCKEL – RUNWAY
• 13:00 Uhr VOGUE SALON – KRONPRINZENPALAIS
• 13:30 Uhr MINX BY EVA LUTZ – RUNWAY
• 14:00 Uhr BERLINER MODE SALON – KRONPRINZENPALAIS
• 14:30 Uhr I’VR ISABEL VOLLRATH – STAGE
• 16:00 Uhr REBEKKA RUÉTZ – RUNWAY
• 17:00 Uhr PHILOMENA ZANETTI – STAGE
• 18:00 Uhr LAURÈL – RUNWAY
• 19:00 Uhr TOMCSANYI – STAGE
• 19:30 Uhr KILIAN KERNER – ELLINGTON HOTEL
• 20:00 Uhr GUIDO MARIA KRETSCHMER BERLIN – RUNWAY
• 20:00 Uhr SAMPLE-CM – OFFSIDE
• 20:30 Uhr MICHAEL SONTAG – PALAIS AM FESTUNGSGRABEN
• 21:00 Uhr HFK BREMEN – ACHT. GRADUATE SHOW & EXHIBITION – STAGE

DONNERSTAG 30.Juni 2016

• 11:00 Uhr PERRET SCHAAD – STAGE
• 11:30 Uhr MARINA HOERMANSEDER – KRONPRINZENPALAIS
• 12:00 Uhr WATARU TOMINAGA – RUNWAY
• 13:30 Uhr DIMITRI – RUNWAY
• 14:00 Uhr AUGUSTIN TEBOUL – KRONPRINZENPALAIS
• 15:30 Uhr LENA HOSCHEK – RUNWAY
• 16:30 Uhr VANESA KRONGOLD – STAGE
• 16:30 Uhr VLADIMIR KARALEEV – KRONPRINZENPALAIS
• 17:00 Uhr MARCEL OSTERTAG – ADMIRALSPALAST
• 17:30 Uhr DESIGNER FOR TOMORROW BY FASHION ID – RUNWAY
• 18:00 Uhr „IMMORTALITY“ – Graduate Collection by MALINA SEBASTIAN
• 20:30 Uhr WILLIAM FAN – KRONPRINZENPALAIS
• 21:00 Uhr MAISONNOÉE – RUNWAY

FREITAG 01.Juli 2016

• 10:00 Uhr JEANS FOR REFUGEES BY JOHNY DAR – RUNWAY
• 11:00 Uhr BRACHMANN – STAGE
• 12:00 Uhr LANA MUELLER – RUNWAY
• 13:30 Uhr IRENE LUFT – RUNWAY
• 14:00 Uhr SAMMLER BERLIN – STAGE
• 16:00 Uhr JULIAN ZIGERLI – RUNWAY
• 17:30 Uhr CUSHNIE ET OCHS – RUNWAY
• 18:00 Uhr PATRICK MOHR – K1XPM – STAGE
• 20:00 Uhr MICHALSKY STYLENITE – FRANZÖSISCHE FRIEDRICHSTADTKIRCHE

RUNWAY

Erika-Hess-Eisstadion, Müllerstrasse 185, 13353 Berlin

STAGE

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Text & Bilder: Boris Marberg

Die Weißensee Absolventin Tosca Wyss zeigte ihre neue Herrenkollektion für Herbst und Winter 2016 im Rahmen der Mode Suisse in Zürich. Klare Oberflächen und Colour-Blocking für Männer dominieren die Kollektion. Schwarz, Weiß und Orange bilden in geometrischer Anordnung ansprechende kräftige Flächen in den Konstruktionen. Hierdurch wirkten die Looks breit und voluminös. Neben der Konzeption mit vertikalen Streifenansätzen, oder horizontalen Brüchen die Flächen zu gestalten, fallen als Applikationen Vögel, insbesondere „Flamigos“ als Motive auf. Zwei Jacken stechen mit feingliedriger Strukturierung im Druck auf, der Federn wiedergibt. Neben den klar und nüchtern strukturierten und konzipierten Looks, brechen diese Einzelstücke aus der Linie heraus und sind nicht konsistent. Die Hosen schließen sehr oft mit einem Materialmix in einem Ansatz von Glattheit unten ab. Insgesamt überzeugen die Kombinationen in Schwarz und Weiß mehr als die farbigen. Der sportlich jugendliche Look vermittelt Ungebundenheit und ist urban ausgerichtet mit einer sportlichen Note. Das Make-Up und Styling der Modelle hat leider hierzu nicht wirklich gepasst und wirkte zu aufgesetzt.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: Boris Marberg

Ein Live-Dj am Start des Laufstegs ist schon einmal ein Statement für die kulturelle Präsenz der begleitenden Musik und was dann musikalisch die Schau begleitete war genauso hinreißend, geschmackvoll und klar wie die Defilees des Designers Manuel Kirchner (Hamburg).

Nicht unbedingt herbst- oder winterlich sondern eher leicht und luftig kam der Großteil der Kollektion daher, aber auch Pelze und schwerere Stoffe waren dabei. Viele elegante Schwarz-Weiß-Kompositionen, zum Teil in recht grafischer Manier, prägten die klare Gestaltungsvorstellung, manchmal eher streng aber doch auch so form- und körperbewusst, dass die elegante Weiblichkeit stets Thema war. Neben den Schwarz-Weiß/Beige-Kombinationen gab es auch Braun, Rosé und wenige kräftige Farben in stimmigen Kombinationen mit klugen und sicheren Akzentuierungen. Überhaupt war Geschmackssicherheit durch Reduktion, Klarheit, Präzision und Proportionierung ein auffälliges Merkmal, edle, mit viel Gespür ausgesuchte, verschiedenste Materialien das weitere. (Bei sehr dünnen, transparenten Stoffen funktionierte aber das Konzept stellenweise weniger gut, heißt nicht ganz so vorteilhaft für die Gestalt der Trägerin in der Bewegung.)
Die wenigen, ausgesuchten Muster gaben stellenweise dem Schlichten eine sanfte, unaufdringliche Lebendigkeit und schöne Akzente. Röcke (und Kleider) in allen Längen dominierten, Hüften sind fast immer betont – häufig proportionierten schmale Gürtel oder Nähte die Figur entsprechend. Jacken, Mäntel und Capes ergänzten die Teile kongenial, stets edel und geschmackvoll.

Nach dem auffällig eleganten Schauenabschnitt kamen dann noch etwas lässigere Outfits für den Alltag hinzu, hier lösten manchmal flache Boots die Heels ab, jedoch ohne dass das Prinzip der Grazie verloren ging.

Insgesamt zeigte Tulpen eine sehr umfangreiche Kollektion, wo der Ideenreichtum dann vielleicht etwas nachließ, der qualitative Anspruch aber nicht. Jedenfalls war sie eine sehr überzeugende Bereicherung der Eleganzfraktion der Berliner Fashionweek.

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