Text und Bilder: Gerhard Paproth

Die Schau fand statt, obwohl es regnete und windig war. Am Abend des 13. Juli zeigten Studierende und Absolventen des Instituts für experimentelles Bekleidungs- und Textildesign der UdK Berlin Arbeiten aus verschiedenen Kursen, Projekten und ihren Abschlüssen. Eine Catwalk-Choreografie auf einem Seitenarm der großen Berliner Strassenachse, vor dem Haus der Universität. Zugegen war vorwiegend studentisches Publikum, aber auch andere Interessierte und ein wenig Presse. Die Choreografie des Ablaufes und die Arbeiten waren vom Experiment geprägt – konzeptuell in den Überlegungen und der Gestaltung und natürlich visionär in der Anschauung.

Abgesehen davon, dass dergestalt spielerisch-ernste Entwürfe grundsätzlich mehr visuelle Abenteuer bereit halten als kommerziell angelegte Kollektionen, wird an solchen Beispielen ansatzweise deutlich, wo zeitgenössische Interessen liegen und wie diese neben technischen Errungenschaften und ästhetischen Haltungen zu möglichen Neupositionierungen der Mode führen können. Das ist das eigentlich Reizvolle an Veranstaltungen wie dieser.

Natürlich konzentrieren sich die verantwortlichen Professoren und Dozenten neben dem Handwerk wesentlich auf Kreativität, zivilisatorische Problemstellungen besonders der Gegenwartsdiskussion und auf geschichtliche Phänomene. Wenn man sich vorstellt, was dabei herauskommt, findet man eine – manchmal bizarre – Mischung von alledem in den gezeigten Ergebnissen, in unterschiedlichen Ausprägungen der Reife. Der Spagat besteht zwischen Anspruch und Offenheit.

Eines aber war mit dieser Schau allgemein offenkundig: Gender ist ein fast durchgehend relevantes Thema. Die Kleidung orientiert sich nicht mehr an der Spezifik eines Geschlechtes, alle können alles tragen und die herkömmlichen Zuordnungen für Kleider, Anzüge, Accessoires (Männer mit süßen Handtäschchen etc.) bis hin zum Makeup werden bewusst und konsequent über den Haufen geworfen.

Zweitens: Gestaltungen unterwerfen sich nicht mehr einer ästhetischen Grundforderung. Sie werden vielmehr bestimmt durch konzeptuelle Überlegungen aus dem gesellschaftlichen Umfeld, das kann in diesem Kontext manchmal auch praktische Nützlichkeit sein. Ästhetische Liebhabereien dürfen schon noch erscheinen, aber sie kommen nahezu beliebig aus dem großen Fundus des Vorfindlichen und sind frei im Einsatz und Kombinationen. Der persönliche Geschmack ist maßgeblich, kein mühsam ausgebildeter. Und der spielerische Anteil erlaubt sehr viel. Und nicht zuletzt: Scheußlichkeiten beherbergen immerhin provokative Kräfte und haben deswegen ein Recht auf Programmatik.

Drittens: Materialien sind zu entdecken und (sachfremd) erprobend anzueignen und zu verwenden. Teppiche, Gardinen, Folien, Kunststoffe – alles Denkbare kann für Bekleidung dienlich sein. Das ist Recycling im besten Sinne. Kleidungsunikate mit handwerklichem Aufwand werden in diesem Sinne zwingend und sind auch gewünschtes Prinzip: Das Originelle ist ein relevantes Qualitätsmerkmal, hieran muss sich Individualität des Trägers festmachen.

Alles in allem versteht Mode sich so als konzeptuelles gesellschaftliches Statement ungezwungener Vielgestaltigkeit. Das Individuum soll sich mit originärem Auftritt hervortun und setzt selbst die Grundlagen dafür. Vorbei sind die Zeiten, wo das ästhetische Erscheinungsbild visuell so etwas wie Zeitgeist pointierte, jetzt bzw. hier sind visionäre Positionen zur gesellschaftlichen Selbstverortung anvisiert, bei denen Schönheit, Chic oder subtiler Geschmack keine Rolle mehr spielen.

Auch wenn die gezeigten Arbeiten jeweils aus thematischen Projekten erwachsen sind, wird es problematisch, sie als Außenstehender kommentieren zu wollen. Manchmal ist es schon schwierig, überhaupt zu verstehen. Das dürfte aber auch gar nicht gefordert sein, denn die meisten Sachen behaupten und begründen sich in ihrem So-Sein. Und so zieht das große Défilé aus hunderten von Arbeiten wie ein offenes Panoptikum an einem vorbei, in Gruppen, Duos, Solos und performativen Konstellationen. Varianten, Solitäre, Versuche. Und das demonstriert natürlich den Ausbildungsunterschied zwischen einer Schneiderwerkstatt und einer Universität, die der gesellschaftlichen Forschung verpflichtet ist und damit einen anderen Bildungsmaßstab setzt. Und die im Ergebnis ein wunderbares Panorama des gestalterischen Denkens vorführen kann (möglichst kulturrelevant), wie wir es hier gesehen haben.

Vielleicht – und da werden wir sehr spekulativ – kann eine solche Schau sogar darüber hinaus etwas repräsentieren, was in der Konsequenz seiner Abseitigkeit Berliner Kultur-Geist ausmacht.

Entsprechend der vielfältigen Ansätze präsentieren wir eine zufällige Bildauswahl ohne Wertungsmassstäbe, namentliche Zuordnungen sind soweit nicht möglich:

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter & Boris Marberg

Eine Fashion Week, wie die aktuell laufende in Berlin, zieht viel mediale Aufmerksamkeit auf sich und stellt für Designer eine optimale Plattform dar, um sich zu präsentieren. Aber eine solche Veranstaltung ohne die vielen Menschen, die im Hintergrund arbeiten wäre undenkbar. Neben der Kreativität der Designer spielen auch die Make-Up Artists eine wesentliche Rolle – und natürlich die Friseure. An dieser Stelle möchten wir Euch Wolfgang Zimmer vorstellen, mit dem wir vor der Schau der Designerin Satu Maaranen sprechen konnten.

Mit seinem Team ist er für einen Großteil der Schauen auf der Mercedes Benz Fashion Week in Berlin zuständig. Der gebürtige Kölner lebt seit vielen Jahren in Berlin, ist aber in der Welt zuhause und betreut und unterstützt viele internationale Designer und Marken bei Werbespots oder Print-Kampagnen. Gerne bezeichnet Wolfgang Zimmer seine unterschiedlichen Tätigkeitsfelder als „Baustellen“. So hat er in Berlin Mitte seinen großen Saloon, ist aber auch im Ausland präsent und bildet an der UdK den Designernachwuchs in Sachen Mode- und Trendentwicklung aus. Auf dem Hintergrund seines Schwerpunktes Haarkonzepte für Modeproduktionen zu entwickeln und herauszuarbeiten ist er stetig am Puls der Zeit. Wichtig ist ihm hierbei auch den Zusammenhang mit dem historischen Kontext vermitteln zu können.

Der Alltag am Set oder im Backstage-Bereich einer Modenschau unterscheidet sich wesentlich auch im handwerklichen von der Tätigkeit im Saloon. So wird schon lange im Vorfeld einer Schau mit den Designern der spezifische Look konzipiert und ausgetüftelt. Oft haben die Designer eine konkrete Vorstellung und die Schwierigkeit liegt dann darin die technische Umsetzung zu entwickeln. Auf der anderen Seite besteht häufig auch eine große Kreative Freiheit Neues auszuprobieren und maßgeblich daran beteiligt zu sein, was sich erst zum Trend entwickelt und vielleicht nach Jahren dann sogar Mainstream wird.

Ohne ein eingespieltes Team, in dem sich jeder aufeinander verlassen kann ist es nicht möglich eine Schau zu begleiten und umzusetzen. In den vielen vergangenen Jahren hat sich das Team von Wolfgang Zimmer dabei in Berlin zu einem verlässlichen und kontinuierlichen Partner für die Berliner Designer, aber auch die nationalen und internationalen Gäste auf der Berlin Fashion Week entwickelt.

Gerade das Spiel mit zwei extremen Polaritäten macht den Reiz aus. Entweder auf die Kollektion mit dem Hairstyling „noch eines drauf zu setzen“, oder in die andere Richtung zu tendieren, einen sehr  reduziert und natürlichen Look zu generieren, wie zum Beispiel einen „schlichten“ Pferdeschwanz mit Struktur – eben nicht „totgeglättet“.

Über die Zusammenarbeit mit L’Oréal Professionnel steht seinem Team dabei ein Partner zur Verfügung der immer neue Produkte entwickelt, die vielfältige Einsatzmöglichkeiten bieten, das Haar nicht nur zu Stylen, sondern richtig zu formen und hervorzuheben. Gerade kleine Details in den Frisuren machen dann oft die entscheidende Note aus und ein im Grundsatz schlichter Look wird dadurch auch handwerklich zu einer Herausforderung.

An Berlin schätzt Wolfgang Zimmer, die Individualität, das „nicht alle Leute gleich aussehen“, Berlin sei eine kribbelnde Stadt, was sich auch bei der Fashion Week wiederspiegelt, die einen anderen, eigenen Charme im Vergleich zum Beispiel zu Mailand hat. Auf der anderen Seite sei dort das Interesse an der Arbeit im Backstage-Bereich deutlich höher als in Berlin, was die teilweise beengten Arbeitsverhältnisse natürlich noch verstärkt. Nichts desto trotz, macht diese Arbeit viel Spaß und bietet Abwechslung die zu einer Abrundung der „Baustellen“ gehört und einen Freiraum bietet der bereichert.

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Text: Boris Marberg

Bilder: Andreas Hofrichter (Schau), Marcello Rubini (Backstage)

Manchmal lohnt es sich, nicht gleich nach dem Besuch einer Modenschau reflexartig loszulegen und zu berichten, den gewisse Kollektionen wirken erst nach Tagen und Wochen so intensiv, dass neue und Interessante Aspekte in der Reflektion bewusst werden und Kontrapunkte an die Hand geben. Eine solche Kollektion ist die neue Herbst- und Winterkollektion von Dawid Tomaszewski.

Die Kollektion ist düster, pointiert und reichhaltig an auch handwerklich sehr interessanten Details. Da lag es auf der Hand, dass man viel über Vergleich zu den Kollektionen von zum Beispiel Augustin Teboul gelesen hat; oder die neue Kollektion als futuristisch klassifiziert worden ist. Dabei werden unserer Auffassung nach ganz entscheidende Aspekte des künstlerischen Wirkens von Dawid Tomaszewski und seinem Werdegang außer Acht gelassen. Traumfabriken a la Hollywood, auch im kleinen, europäisch-deutschen Kontext mit Rotem Teppich interessieren den Designer wohl nicht sonderlich. Dazu stehen die Persönlichkeit und der Charakter der Person, die Dawid Tomaszewskis Kleidung trägt zu sehr im Vordergrund. Seine Handschrift ist von einem realistischen Gesellschaftsbild und einer zeitgenössischen gesellschaftlichen Reflektion geprägt, die sich im Modedesign in den frühen 1990er bis zum Ende jenes Jahrzehnt herausgearbeitet hat und seit dem auch ideologisch konträr zu dem glamourösen Individualismus steht, der auch heute noch viele Designer inspiriert – vor allem viele Labels aus Italien und den USA. Futuristisch, im klassischen Sinne – künstlerisch, wie auch manifestiert in politischen Äußerungen aus dem Italienischen der ersten zwei Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts ist diese Kollektion mitnichten. Wegbegleiter im Werdegang des Designers waren unter anderem Rei Kawakubo und Vivienne Westwood, welche die UdK in der Zeit leitete, in jener der Designer dort studierte. Ein utopisches Element, welches bei der Unterstellung von Futurismus sich in dem Wirken von Dawid Tomaszewski dann zeigen müsste findet sich nicht. Vielmehr ist der Charakter der letzen Kollektionen, wie auch der aktuellen, von einem ausgeprägten zeitgenössischem Realismus geprägt, der eben mit den individuellen Polaritäten von subjektiven Innen(raum) und progressivem Außen in der Öffentlichkeit thematisch spielt.

Während die Sommerkollektion elfenhaft, hell und fast schon leuchtend war, so ist in der Konsequenz die kommende Herbst/Winter Kollektion dunkel, schwer, üppig aber nichtsdestotrotz progressiv individualistisch bis hin zu avantgardistisch, nicht aber düster im eigentlichen Sinne. Vielmehr spiegeln die Silhouetten und Volumen in der Linienführung wie auch in der technischen Konstruktion eine schützende Funktion wieder, in der sich die Person individuell ihre „Gemütlichkeit“, elegant bewahren kann und dennoch im öffentlichen Raum ein starkes zeitgenössisches Statement abgibt. Der elegant edle Charakter der Kreationen spiegelt sich wieder in handwerklich raffinierten Details und Umsetzungen, wie Webungen, Drapierungen und Materialmischungen. Die Kollektion drückt hierdurch auch Stärke und Abgrenzung aus. Dabei erinnern viele der Mäntel und Jacken an militärische Schnitte und Konstruktionen bei Funktionskleidung. Auch dies spricht wieder für einen realistischen Ansatz. Als einzige Farbe bleibt in der Kollektion Kupfer, was auch konsequent ist und in minimalistischem Ansatz pointiert. Im Fazit geht der Designer ganz konsequent seinen Weg der Weiterentwicklung und trägt mit einem modernen und zeitgenössischen Beitrag zur eigenständigen mitteleuropäischen Modeentwicklung erfolgreich bei.

Backstage:

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Bilder & Text: Boris Marberg

Der junge, Schweizer Designer Julian Zigerli, präsentiert auf der Kostume 4 am vergangenen Wochenende seine neue Kollektion “Over stick and stone“ für den kommenden Sommer und das Frühjahr 2012. Der Absolvent der UdK in Berlin setzt seine neue Kollektion stilistisch, wie auch emotional auf seiner Debüt-Kollektion AW11 “sugar spice and everything nice“ auf. Neben dem Grundgerüst der Konstruktionen, die einen formalistischen Ansatz zu Grunde legen, besticht sein Schaffen durch die Überlagerung von liebevollen Details, die mit Humor und Individualismus daherkommen – sehr casual! Farbe spielt eine wichtige Rolle bei ihm und trägt die Kollektion gut mit. Neben klaren Flächen, die zum Teil mit aufgesetzten Taschen durchbrochen werden, finden sich auch Textildrucke. Dabei wirken die Motive und Muster aus der Natur entlehnt und geben pflanzliche Strukturen wieder. Dies findet sich bei ganzen Looks, wie auch bei Hemden und Shorts wieder. Abwechslungsreichtum und geschickte Kombinationsfreudigkeit machen die kleine, aber sehr feine Kollektion zudem auch gut tragbar für junge Individualisten.  Besonders positiv sind und die geschickten Mützen aufgefallen, die zusammenlegbar sind und so auch gut Platz in einer leichten Aktentasche, oder einem Notebookfach finden.

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