Text und Bilder: Gerhard Paproth

Auf jedem Modefestival in Hyères präsentieren die Vorjahresgewinner des Grand Prix Première Vision die Arbeit, die infolge der weiteren professionellen Unterstützung realisiert werden konnte, in diesem Falle Tom van de Borght. In der Regel setzt der Designer seine stilistischen Experimente fort, nun aber mit der Maßgabe, auch kommerziell auf dem Markt bestehen zu können. Das ist, gerade bei so üppig kreativer Ausstattung und und völlig ungebundenen Arrangements wie bei van de Borght nicht gerade leicht, und auch die Materialwahl, die (besonders bei Upcycling und Materialcollagen) auf Unikate hinausläuft, muss anderen Herausforderungen genügen können. Kurz, eine der größten Schwierigkeiten besteht darin, eine serielle Herstellung anzupeilen, zumindestens aber sie mitzudenken, ohne den individuellen und in diesem Falle kompromisslosen Stil aufzugeben. Und selbst der kompromisslose Stil, der vielleicht auf einer solchen Schau besticht, ist deswegen noch lange nicht als Erscheinungsbild im Alltag denkbar.
Sich nur auf die Position von Haute Couture zurückzuziehen, dürfte leicht in eine Sackgasse führen, die das schnelle Ende der Karriere bedeuten kann.

Mit der vorgezeigten Kollektion wird deutlich, dass Tom van de Borght sich auf den Spagat eingelassen hat, auch wenn die industrielle Produktion sehr vieler Teile noch immer schwer vorstellbar ist. Nach wie vor recht nonkonformistisch repräsentiert die vorgestellte Arbeit das Interesse des Designers, neue Erscheinungsbilder von Luxus und Haute Couture zu erkunden beziehungsweise zu entwickeln.

Im letzten Jahr äußerte er darüber hinaus die soziale Komponente seines Anliegens: „Für mich geht Nachhaltigkeit über den Ökologie-Aspekt hinaus. Es gibt auch einen wichtigen sozialen Aspekt; wir müssen den Umgang miteinander als Menschen neu definieren und uns gegenseitig auf jede erdenkliche Art und Weise unterstützen. Wir müssen einen harmonischen Weg finden, miteinander und auch mit unserem Planeten zu leben.“ Die aktuelle Schau zeigt verschiedene Formen des Miteinanders besonders durch die Paarauftritte, es ist ein auffälliger Schwerpunkt. Manchmal kommt das mit etwas kindlich anmutender, simpler Zeichenhaftigkeit daher, erinnert gelegentlich auch an Victor & Rolf, manchmal witzig wie mit dem Hut für zwei, manchmal mit sich an zwei Personen ergänzenden Gestaltungen. Die pointierte Andeutung der gendergerechten Konzeption wird nicht nur in der geschmacklichen Stilistik sichtbar, sondern auch darin, dass die Herrenkollektion klassisch weibliche Elemente ganz selbstverständlich integriert. Und es wäre durchaus vorstellbar, alle männlichen Models durch weibliche auszutauschen, der Effekt wäre derselbe.

Angesichts der „Prächtigkeit“ des poppigen Gesamtbildes erscheint die Vorstellung, unser Alltag sei künftig so geprägt, schon noch sehr avantgardistisch, phantastisch, utopisch. Aber letztlich geht es bei der gesamten Festival-Veranstaltung gerade um diesen Aspekt, und wenn man dann mal in den Shop schaut (siehe Abbildung unten), stellt man plötzlich fest, dass diese Imagination so wirklichkeitsfremd auch wieder nicht ist. Mit ein wenig Mut zu Farbe, wenig Berührungsangst mit Bling-Bling und etwas Bereitschaft zu gesellschaftlicher Positionierung mit Bekleidung können diese Sachen in naher Zukunft unseren visuellen Alltag durchaus positiv auffrischen, ohne eine exotisch spinnerte Sonderrolle behalten zu müssen. Den darüber hinausreichenden Grad der Exzentrik kann man ja individuell bestimmen, der ideelle Zeitgeist bleibt stets sichtbar.

Tom van de Borght in der Ausstellung:

Tom van de Borght unter „Formers“ und im Shop:

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Pandemiebedingt verschoben von April auf Oktober bleibt der Background des Festivals wunderbar. Sommer, Sonne, Palmen, Gärten, Wärme und Mittelmeer sind jetzt für uns, angereist aus Regen und Tristesse in Berlin, der schönste Ausklang des Jahres, den man sich vorstellen kann, und mit dem Nachwuchs-Festival auch der krönende. Das Programm war wie immer umfangreich, Ausstellungen, Präsentationen, Debatten und Laufstegschau der Anwärter für verschiedene Preise bedürfen mehrerer Tage Anwesenheit um das ganze, nach wie vor anspruchsvolle Konzept zu umspannen.

Das Konzept, wir beschrieben es schon mehrfach, ist geradezu genial: junge Designerbewerber und -bewerberinnen aus der ganzen Welt werden zu je zehn Preisanwärtern vorjuriert und präsentieren sich mit Modenschau und selbst für die großen Preise: GRAND PRIX OF THE JURY PREMIÈRE VISION, CHLOÉ PRIZE, THE le19M CHANEL MÉTIERS D’ART PRIZE, MERCEDES-BENZ SUSTAINABILITY PRIZE, public prize – city of Hyères. Dabei handelt es sich nicht nur um Gelder sondern insbesondere um Kooperationen mit den großen Häusern, Einladungen zur kostenlosen Modenschauausrichtung auf der Fashionweek Paris, professionelle Workshops zum Business und Recht, Vertriebswege und vieles mehr. Eine Win-Win-Situation, denn auch die großen Häuser engagieren die guten Kandidaten vom Fleck weg, nicht selten mit einflussreichen Posten in der Art-Direction. Hier sind die Netzwerke präsent und werden wichtige Kontakte geknüpft. Das gilt für Mode genau so wie für Modeaccessoires und, parallel dazu in beschränkterem Maße, auch für Fotografie, insbesondere Modefotografie.

Und das Ganze kommt keineswegs exklusiv daher, die Veranstaltung ist mehr oder weniger offen für jedermann und jedefrau, und trotzdem nicht von lästiger Influencer-Kultur beeinträchtigt.

Dominique Issermann

Ehrengast der Veranstaltung war dieses Jahr der Lieblingsdesigner mindestens aller Frauen Christian Louboutin, der auch eine eigene Ausstellung präsentierte. Atemberaubende Schuh-Exponate zwischen Kunst, Glamour, Sex und Mode auf edlen Podesten legen ein Gestaltungsniveau vor, das mit allem anderen schwer zu halten ist.

Daneben eine Ausstellung von Lacoste, das Label stellt künstlerische Arbeiten von acht seiner Designer vor, darunter:

Helen Kirkum x Lacoste:

William Farr:

und Sunny Hall:

Eine dritte Ausstellung zeigte Arbeiten der drei Hauptpreisträger des Festivals von 2020, Realisationen im Auftrage von Chanel zusammen mit Maisons d’Art ihrer Wahl, quasi ein Sonderpreis des Hauses Chanel für die kunsthandwerkliche Arbeit.

Emma Bruschi (lauréate du prix des Métiers d’Art le19M Chanel) :

Tom van der Borght (lauréat du Grand Prix du jury Mode):

Juana und Ddiddue Etcheberry (lauréats du Grand Prix d’accessoires de Mode):

Der Zeichner Jacques Merle des Labels Métiers d’Art le19M Chanel ergänzte die kleine Ausstellung mit mehreren Arbeiten:

Abschließend sei noch die Präsentation von Arbeiten der letztjährigen Finalisten, den sogenannten „Formers“ erwähnt, die eine eigene Präsentation im nahegelegenen Schlößchen vorführen durften, mit Beispielen ihrer jüngsten Produktion.

Tsung Chien Tang (Finalistin 2019):

Inès Bressand (Finaliste 2018):

Eva Verwicht (Finaliste 2020):

OWANDSHOOZI, Juana und Ddiddue Etcheberry (Preisträgerinnen 2020):

Celine Chen (Finaliste 2020):

Lii Paris (Finaliste 2019):

Und wenn man dann heraustritt aus all den Ausstellungen und Präsentationen, erwarten den Besucher strahlende Sonne, einladende Dachgärten zum Chillen und Plaudern sowie von überall Einblicke in Parkanlagen, Ausblicke auf die Stadt und das Mittelmeer und nicht zuletzt viele attraktive Besucher, die meistens schon seit Jahren diesen atmosphärischen Luxus und das inspirierende Konzept genießen.

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Text: Gerhard Paproth

Bilder: bereitgestellt vom Presseservice

Die Entscheidung, mit dem Hauptpreis-Gewinner des Modefestivals von Hyères die Fashionweekschauen zu eröffnen, ist wie schon in den Saisons zuvor eine kluge Markierung zum State of the Art. Und es wird auch offenkundig, was die dortige, hochkompetente Festival-Jury als avantgardistisch einstuft: Spass an Modegestaltung steht an erster Stelle, zeitgemäßes Schaffensbewusstsein muss dahinter als Basic deutlich erkennbar sein. Damit liegt die Messlatte eine entscheidende Stufe höher als beim ideologischen Nachhaltigkeits-Konzept plus dekonstruktivistischer oder konstruktivistischer Gestaltung allein.

Auffällig ist, dass die Entscheidungen in Hyères geprägt sind von Freude an exessiver, optimistischer und lebensfroher Gestaltung, die auch vom dortigen Publikum geliebt und gefeiert wird. Insofern verwundert es nicht, dass Tom van der Borght aus Belgien ähnlich wie Botter + Herrebrugh zuvor der große „Abräumer“ des letzten, 35ten Wettbewerbes 2020 war.

Van der Borght kommt in seinem Werdegang eigentlich aus der Bildenden Kunst und aus dem Performancebereich und sieht in Mode eine mögliche Realisations- und Präsentationsform, seine vielschichtigen Expressions- und Experimentalgelüste in die Öffentlichkeit zu bringen. Die treibt er weitestgehend auf die Spitze. Wir sehen ein Füllhorn an Ideen, üppig, farbenfroh, detailverliebt, rasant und funkelnd, ohne Angst vor Kitsch (nie war mehr Lametta …), Plastik (recycled) oder Klischees (Schamanen, Afro-Kultur).

„Jeder kann es tragen“ sagt der Künstler im Interview, doch wörtlich genommen ist das natürlich eine Überforderung und würde sogar beim Karneval exzentrisch herausstechen. Aber es geht hier eben nicht um praktische Alltagstauglichkeit, sondern um „Lifestyle“, der die Gestaltungsmotivation prägt: frei, die unendlichen Möglichkeiten erkennend und nutzend, emanzipiert, lebensfroh und -offen, gegenwärtig und utopistisch – und dabei gleichzeitig perfektionistisch in der Verarbeitung, höchst umweltbewußt mit viel Recycling und Mode konsequent als Lebensart begreifend. Das ist das Statement dieses Designers und es reicht darüber hinaus in gesellschaftliches Bewusstsein hinein. Die Schau versteht sich auch als Performance, das Individuum wird getragen von (den) anderen, Selbstäußerung formuliert sich als geschlechtsneutral oder auch nicht, der eigene Beitrag soll das Ganze positiv bereichern.

Insofern liefert Tom van der Borght eine veranschaulichende Idee gesellschaftsbewußten Modeverständnisses und setzt über das Nachhaltigkeitsbewußtsein hinaus die wesentlichen Akzente der Gestaltungsfreude: die springt einen sehr unmittelbar und offensiv an. Eine laute Herausforderung für die ästhetische Tristesse, Befangenheit, ideologische Überfrachtung und gestalterisches Understatement, dem viele Newcomer und kommerzbewusste Designer leider anhängen.

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Text & Bilder: Boris Marberg

Am gestrigen Abend hat für uns die Berlin Fashion Week (SS13) begonnen. Immer kurz vor der „offiziellen“ Eröffnung finden eine Vielzahl von kleinen Events statt, die sich auch um Mode drehen. So präsentierte der Belgische Designer Tom van der Borght im Rahmen des Berlin Fashion Film Festivals – kurz BfFF seine Kreationen.

Tom van er Borgh zeigte eine Reihe von avantgardistischen Männer Kostümen, die sehr ausladend gestylt waren. Neben tierischen Mänteln, Männerröcken und an japanische „Pantoffeln“ erinnernden Boots stachen in erster Line die Oberflächen der Kleider ins Auge. Hier finden sich eine Vielzahl von Mustern und Applikationen, die ethnische  Strukturen aufgriffen und wie bunten Comic-Fragmente wirkten. Alle Looks garantieren ein auffälliges Erscheinungsbild. Auffallend waren auch die Neon-Elemente, die in der bis auf ein kleines Stück im Dunkeln gehaltenen Schau leuchteten. Tom haben wir zudem im Backstage-Bereich als kreativen, aufgeschlossenen und sehr sympathischen Designer kennengelernt, der einen ausgeprägten Hang zu exzentrischen Inszenierungen bei ausgelassener Stimmung hat.

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