Bilder: Andreas Hofrichter

Text: Gerhard Paproth

Die clowneske Performance, die die Schau eröffnet, begleitet und schließt, spiegelt in ihrer Bizzarerie wohl das hektische und chaotische Leben, in dem die Outfits zu denken sein sollen und ist damit auch Teil des modischen Konzeptes. Eine Kollektion, die den urbanen Alltag pragmatisch meistern hilft.

Acceptance Letter Studio gibt es seit 2021, der begründende Designer ist Jakeyoung Shim aus Seoul und schon dort hat er letzte Saison auf der renommierten Fashionweek teilgenommen (wo die Kollektion noch ganz anders vom Verwandlungspotential der Looks geprägt war). In Paris war er letztens bei der deutschen DACH-Präsentation mit dabei, hier in Berlin dann auf der Artweek und nun, als Mitausgewählter von Berlin Contemporary, im Berliner Salon und im Schauenprogramm. Bisher ist jede Kollektion wesentlich anders als die vorausgegangene, ein bestimmter Stil ist noch nicht erkennbar, aber eine Vorstellung: „Ich arbeite daran, Kleidungsstücke zu kreieren, die für eine Vielzahl von Körpertypen geeignet sind und auf viele verschiedene Arten getragen werden können, je nach den Vorlieben der Person, die sie trägt.“(J. Shim)

Ein recht schneller Aufstieg für das Berlin-Seoul-Label, das die Asia-Ästhetik eher kosmopolitisch sieht als mit kulturellem Tiefgang. Das geht mit dem Focus auf gehobene Streetwear  zusammen, wo, wie in dieser Kollektion, eher unkomplizierte Teile wie kurze Hosen und bunte Hemden charakteristisch sind. Wesentlich sind durch Gebrauch geknitterte Stoffe, robustes Denim, praktische Jacken-Hosen-Kombinationen, unkomplizierte Kleiderschnitte mit Bewegungsfreiheit. Ein wenig soziokultureller Zeitgeist ist auch dabei, Gendern der Looks, Konstruktivismus, neue Materialien und -mixe, herumhängende Bänder, sogar Humor: das Handtuch wird zum Hosenbein. (Die Schuhe mit dem Luftventil vorn in der Schuhspitze trug leider nur der Clown.)

Eine sehr urban gedachte, pragmatische Kollektion also, mit etwas gehobenem Gestaltungsanspruch und ganz im Sinne dessen, wie es die Seoul Fashionweek auf verschiedene Weise schon länger vorführt. Für Berlin ist das ein durchaus noch nicht gängiges Modekonzept, es wird sich zeigen, ob das eine willkommene Ergänzung ist oder tatsächlich ein Trend werden kann. Jedenfalls geht die Richtung von dort hierher, nicht einmal die Berliner PR-Abteilung versteht deutsch (obwohl der Designer in Berlin lebt), eine zeitgenössische Mischung der Kulturen ist das, eher universalistisch, ohne die verschiedenen Wurzeln noch erkennbar sein zu lassen.

Die Veranstaltung war überraschenderweise einigermassen exklusiv: etwa vierzig Gäste, wenig Presse, ein eher kleiner Raum. Das entspricht nicht ganz dem Stil der Kollektion, die eher auf ein breites Publikum abzielt. Der Veranstaltung tat diese Intimität aber gut und entspricht auch der Neigung des Designers. Was gut ist setzt sich bekanntlich sowieso durch.

Am Ende hat der aufgeregte Clown fast alle (Acceptance Letter-)Kleidung abgelegt, der Inhalt seines Reisekoffers ist über den Laufsteg verstreut, er kraucht halbnackt über den Boden und wir wissen nicht, wie es jetzt mit ihm weiter gehen soll. Aber Reisende soll man bekanntlich nicht aufhalten.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Highlight der Seoul-Schau in Paris war DOUCAN, das südkoreanische Label von Chung Hoon, Choi. Farbintensiv und -kontrastierend mit Rot, Blau, Schwarz und Weiß (Farben der koreanischen Nationalflagge) stellte der in Europa noch kaum bekannte Designer seine neue Kollektion „Seoul Night, Light“ vor. Arbeiten mit höchstem Anspruch und reifer Gestaltungskraft, lebendig, delikat und sehr elegant. Wir berichteten schon von der digitalen Schau während der Pandemie von der Seoul Fashionweek 2021 und auch von der ss2022, wo Doucan begeisternde Vorstellungen lieferte und diese Kollektion steht dem in nichts nach.

Das Modelabel Doucan ist in Südkorea auf den Fashionweek-Veranstaltungen längst ein Favorit, weil es auf hohem Niveau asiatischen Stil, elegante Gestaltung und stimmige Verbindung von kultureller Tradition und modernem Geschmack verbindet.  Chung Hoon Choi hat sein Studium am Studio Bercot in Frankreich abgeschlossen und für Modemarken wie Kenzo, Chanel, Givenchy und viele andere gearbeitet. Sein eigenes Label Doucan wurde 2011 in Korea eingeführt.

Ein essentieller Teil des Modedesigns von Doucan ist weitergeführte Tradition von Farbholzschnitt-Motiven und Tuschezeichnungen aus der asiatischen Kultur in Form von Prints, die mit den Silhouetten und der Gestaltungsarchitektur harmonisch verschmolzen werden. Seine Kollektionen zeigen einen großen Variantenreichtum von scheinbar einfach bis hin zu sehr komplex und sind von großer, delikater Eleganz geprägt. Grundlegend für alle ist eine Art Grafik-Look, der sich in der Gestaltung der gedruckten Muster genauso deutlich ausdrückt wie in den Schnitten, bei denen sich die Elemente meist deutlich kontrastierend absetzen. Und da sowohl die Muster (oft abgeleitet aus Kimonoprints) als auch die Schnittarchitektur sehr komplex angelegt sind, ergibt sich oft eine sehr differenzierte Gestaltung der Kleidung am Körper. Bei vielen Teilen gibt es sehr viel zu betrachten, einerseits sind die Prints sehr komplex erdacht und gemacht, andererseits prägen die Schnitte nicht nur deutlich zeichnende Silhouetten sondern auch mit architektonischen Gliederungen in sich pointierte, ungewöhnliche Konstruktionen. Die sind stets harmonisch, weil meist achsensymmetrisch, was auch und besonders bei den Prints eine Systematik in die Komplexität bringt.

Neu an den grafischen Mustern ist die an Batik erinnernde Anmutung, ohne dass sich hippiemäßige Assoziationen einstellen, dafür wirkt das verspielt-Aleatorische dieser Technik hier zu kontrolliert. Chung Hoon Choi bringt die aufgeregten Prints in systematische Ordnungen, meist achsial, vertikal oder horizontal orientiert. Dabei entwickeln die harten Kontraste der grafischen Motive eine kraftvolle Präsenz (wie man das von japanischer Grafik kennt), intensiv und zugleich formal gebändigt. Das alles führt zu einem ausgewogenen und zugleich sehr lebhaften Ganzen, bei gleichzeitiger Akzentuierung kontrastierender Teile und pfiffiger Gestaltung im Detail.
Der Designer nutzt alle verfügbaren Kontrastierungen der gestalterischen Mittel, hart und weich, spitz und abgerundet, groß- und kleinteilig, offen und geschlossen, quasi immer findet man in einem Outfit diese Gegensätzlichkeit gleichzeitig, das macht – im klassisch ästhetischen Sinn – spannend und ausgewogen.

Und das Design, dem ursprünglich die Fläche zugrunde liegt, wird nun auch als skulpturale Erscheinung gedacht und gebaut.

Alles zusammen genommen ist stets eine auf die weibliche Figur gerichtete Konstruktion, die jede Plattitüde ausschließt. Die Leidenschaft des Designers für geometrischen Aufbau evoziert in seinem klaren Gestaltungsdenken die asiatische Grundlage ästhetischer Intensität. Diese Souveränität im Knowhow und Gespür und ihre Verbindung mit westlicher Designgeschichte ist, man merkt es schon, aus unserer Sicht ungewohntes, sehr hohes, künstlerisches Gestaltungsniveau, Modedesign mit klassischem Können modern gemacht. Und auch handwerklich ganz im ursprünglichen Sinne Haute Couture.

Zu dieser Kollektion „Seoul Night, Light“ gibt DOUCAN – Après La Mousson noch ein paar Auskünfte: „Seoul ist eine Stadt der Nacht. Die Nächte in Seoul sind immer voller Energie und hell mit Licht. Die Ducan-Kollektion 2022FW wurde von der Dunkelheit der Nacht in Seoul und dem Licht inspiriert, das die Nacht auf großartige und schöne Weise erhellt. Die lineare Struktur von Seoul und die dynamischen Straßen dazwischen werden in einer experimentellen Silhouette mit einer kühnen Mischung aus Kurven und geraden Linien verkörpert, und die verschiedenen Lichter der Nacht von Seoul werden in farbenfroh glänzendem Stoff rekonstruiert. Die Kollektion ist dunkel aber hell, stark aber weich, mit einer einzigartigen statischen und dynamischen Sensibilität, als ob Nacht und Licht koexistieren.“

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Der Labelname WNDERKAMMER der Designerin Shin Hye Young bezieht sich auf die Räume des Barock, die Objekte und Kunstwerke in ihrer unterschiedlichen Herkunft und Bestimmung präsentierten (ursprünglich Kuriositätenkabinette). Sammlungen verschiedenster, ungewöhnlicher Gegenstände und Bilder, die in der Kombination der Verschiedenheiten bzw. Unzusammengehörigkeiten stetes Erstaunen auslösten und auch gerne exzentrische Anschauungsweisen vorführten. (Sich ein Panoptikum anzulegen und Gäste damit zu unterhalten war im barocken Bürgertum der Niederlande große Mode.)
Das Designerteam hat dieses Konzept als Gestaltungscredo übernommen mit dem gleichzeitigen Ziel, dies in seinen Kollektionen jeweils in eine zusammenhängende Linie zu überführen, also das Disperate stilistisch zu einen. Formal geschieht dies durch minimalistische Silhouetten, organische Materialien und saubere Details, die vorgefundene Besonderheiten auch konkurrierend in Spannungsfelder bringen.

Soweit ist das ein schwieriges Konzept, Auseinanderstrebendes zu vereinen – quasi eine Objekt- Material und Mustercollage, die aber auch zu einem Ergebnis von Vielfalt, Nebeneinander von Attraktionen und Anwandlungen von Extraordinärem führt, dessen neugierige Betrachtung Spass macht. Letzteres ist ja nicht immer der Anspruch (noch aktueller) konstuktivistischer Modegestaltung, die oft aus der Schichtung der Widersprüchlichkeiten eher einen widerständigen Reiz ziehen will.

Die häufige Betonung des Bauchfreien in der Kollektion addiert den Frauenkörper als zusätzlichen Reiz hinzu, ohne eigentlicher Sexyness zu viel Bedeutung beizumessen, wie das schlichte, eher zurückgenommene Make-Up das auch widerspiegelt. Man kann damit durchaus den Eindruck haben, dass sich die Gestaltung um eine recht zeitgemäße Sicht auf weibliches Selbstverständnis dreht, der Generation der Mittzwanziger bis Mittdreißiger, die mutig ihre Individualitäten und Betrachtungsmodi expressiv und zugleich spielerisch herausstellen will.

Der Pressenotiz zufolge fühlte sich Shin Hye Young von dem Poeten Yoon Dong-joo („On the Street“) inspiriert: „Ein Poet, der nicht mit Stil geizt, mit dickem Wollmantelkragen und in die Tasche gesteckten Händen. Er geht in einer verschneiten Winternacht mit dem vom Mondlicht erzeugten Schatten als Freund spazieren.“ Auch daraus kann sich eine sehr eigene, reiche und weibliche Vorstellung entwickeln.

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Bilder und Text: Gerhard Paproth

Teilnehmende Designer der Seoul Fashionweek waren von der Trade Show Tranoï eingeladen, vier von ihnen konnten darüber hinaus eine Laufstegschau präsentieren. Eine gute Wahl, denn auch nach unserer Beobachtung ist die Fashionweek Seoul auf hohem und spannendem Level und viele Protagonisten können es locker mit dem aufnehmen, was die als Stars gefeierten Designer in Paris oder New York vorführen. Umso mehr, wenn die Fundamente traditionell asiatischer Ästhetik nicht an amerikanische Beliebigkeiten verraten werden, kommen geschmacklich sehr subtile Modernismen auf den Laufsteg, die auch über viele Saisons hinweg tragfähig sind.

Das Label EENK der Designerin Lee Hyernee steht den endlosen Zyklen schneller  Wechsel ebenfalls entgegen und versteht sich eher als „Collectables“. Dabei folgt originellerweise die Inspiration zu jeder saisonalen Kollektion dem nachfolgenden Buchstaben des ABCs und versucht dabei, die Basics mit zeitgemäßen Anschauungen zu verknüpfen. Diese Saison ist das V Ausgangspunkt und soll für Vintage stehen. Die daraus abgeleitete Idee ist der Bezug auf kraftvolle Eleganz in Kombination mit majestätischer Glamour der 80er Jahre des Vogue-Magazins. Der EENK-Stil benutzt die Schnitte und Farben sowie noch härtere Schwarz-Weiß-Kontraste, grobe Strickware, „denim on denim“, traditionelle Jacquart-Muster und, bei Männern,  Juwelenknöpfe, illusionäre Farben für Dreiteiler und Military-Kleidung. Und gleichzeitig schimmert ein Touch Disco-Charme mit durch.

Der unbelastete Mix verschiedener Strömungen und Ideen jener Epoche schafft gleichwohl völlig neue Bilder, eigentlich fließen tatsächlich nur inspirierende Elemente ein, frei neu kombiniert, ohne das ganze Styling der Ära neu herauf beschwören zu wollen. Das sah, wenn wir uns erinnern, ganz anders aus und vertrat auch eine andere Ideologie.

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Text und Bilder: Gerhard Paproth

Tranoï ist wohl die größte Messe / Showroom-Veranstaltung (Fashion Tradeshow) während der Fashionweek Paris und ist deswegen auch an zwei großen Orten und weiteren kleinen untergebracht. Geordnet ist sie in mehrere Sektionen von Suborganisatoren, die jeweils ca. vier bis acht Designerlabels vertreten, meist an Herkunftsländern orientiert. Das Spektrum ist entsprechend groß und bevor man sich darin verliert tut man gut daran, sich auf bestimmte Interessen zu konzentrieren. Wir fanden, dass „exotische“ Herkunftsländer ein interessanter Focus wäre, deren kulturell bedingte Gestaltungsansätze sich in unseren Breiten wenig Geltung verschaffen können, die aber doch stark inspirierende Kraft haben. So landeten wir in einem Bereich aus Südkorea, wo asiatischer Charme, Kitsch, Farbenfreude und großes Know How in der Couture einen bestimmten Aspekt asiatischen Lifestyles repräsentieren, aber auch allgemein zeitgenössische Lifestyleinteressen. Die Label Greedilous, Vegan Tiger (beide Korea) und Yumi Katsura (Japan) fielen uns besonders ins Auge, wobei Yumi Katsura allerdings eher eine traditionsbewusste Ausprägung repräsentiert.

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Greedilous ist das Label von Youn Hee Park , eine jungen Designerin mit aufregendem, rebellischem Schaffensgeist und einem breiten Ansatz verschiedener Ideen, Verfahren, Objekte und Materialien. Eine Neigung zu Glamour und Auffälligkeit und zu leicht psychedelischen Erscheinungsbildern (Digitalprints) verbindet sie mit gestalterisch sorgfältiger Systematik und geschmacklich klaren Formulierungen, die letztlich auch ungewöhnliche Kombinationen stimmig erscheinen lassen. Die Bandbreite der Schnitte reicht von Oversized über Hippielook bis hin zu vielen klassischen Anteilen. Der Topf der Motive ist ebenfalls groß, von Drogenästhetik der 70er Jahre über Fiorucci der 80er bis zu strengen Geometrien bringt sie alles geschickt zusammen, der PC als Gestaltungsinstrument macht’s möglich.

Ihre aktuelle Kollektion ss2020 zeigte Greedilous kürzlich auch auf einer Schau auf der Seoul Fashionweek und in Südkorea ist es ein recht angesagtes Modelabel.

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Vegan Tiger aus Seoul ist ein engagiertes Label pro Tierschutz, auch in Korea gibt es einen konkreten „Vegan fashion trend“. Streng genommen unterscheidet sich vegane Mode von umweltfreundlicher Mode, obwohl die Ausdrücke oft synonym verwendet werden. Etwas Veganes folgt möglicherweise nicht unbedingt den Best Practices für die Umwelt oder umgekehrt, aber die beiden gehen oft Hand in Hand. Die pelzfreien Pelzmäntel und seidenfreien Seidenroben sind weich und luxuriös, aber „ohne die Kosten der Brutalität gegen Tiere“.

Die Kollektion von Yoona Yang verzichtet also explizit auf tierische Materialien (z.B. Seide, Daunen und Angora, besonders Tierfell) aber mit dem Anspruch, auf die entsprechenden Looks (Leder, Seide, Wolle sowie Fell) nicht zu verzichten. Ein Teil der Einnahmen fließt in die Kampagnenkosten für „Tiere und Umwelt“. Damit demonstriert der Käufer ein weltanschauliches Statement und das für unsere Anschauung vielleicht etwas kindliche Gespenst als saisonales Kollektionsmotiv versteht die Designerin auch als übertragendes Symbol aus der asiatischen Kultur im Sinne einer lebensphilosophischen Haltung. Ansonsten sind die Schnitte und Erscheinungen eher klassisch. Auch Vegan Tiger ist in Korea bereits ein etabliertes Label im Prêt-á-Porter Segment.

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Yumi Katsura ist in Japan ein Klassiker, sowohl im Bereich der Luxus-Couture als auch in Prêt-à-porter, Men’s Couture und Hochzeitsmode. Exquisite Abendkleider und Haute-Cuture mit komplexer Raffinesse sind ihre eigentliche Domäne, mit der sie seit langem erfolgreich ist und auch im letzten Jahr eine Schau zur ss2019 Haute Couture in Paris hatte.

Mit der aktuellen Kollektion „The Poetry of Suminagashi“ experimentiert Yumi Katsura focussierter mit der Verbindung traditioneller japanischer (Kleidungs)Ästhetik bzw. kunsthandwerklichen Motiven und Techniken (Marmoriertusche, Kalligrafie, Verlaufsfärbung) und zeitgenössischer, internationaler Eleganz.

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Models (der Reihenfolge nach):
Codye, Alex, Seong Ui Ma, Sophia,
Baek, Song Hwa Oh

Styling: Vom Fotografen und den Modellen. Seong Ui Ma und Sophia wurden gestylt von Places and Faces   creators  – @ciesay und @soulzgram von @placesplusfaces

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